HISTORIA DEL

CINE MUNDIAL
INTERPRETACIÓN AUDIOVISUAL

LAURA ORTS SANCHEZ

3ºD2
 INDICE
Primera Parte: Periodo Mudo

 Capítulo I: Nacimiento del séptimo arte

1. Orígenes de cinematógrafo

2. Edison, Lumière y otros inventores

3. Expansión del Séptimo Arte

4. Méliès y el cine-espectáculo. La escuela de Brighton

5. Pathé-Gaumont y la “Film D´art”. El género histórico

6. The Birth of a Nation. Griffith y los pioneros americanos

7. Chaplin, Keaton y el film burlesco

 Capítulo II: Esplendor industrial y artístico

8. El expresionismo y otras tendencias germanas

9. Dinamarca. Dreyer y el cine sueco

10. El impresionismo y las otras vanguardias francesas

11. Vertov. Eisenstein y la escuela soviética

12. Hollywood, la gran meca del cine

Segunda Parte: Etapa Sonora

 Capítulo III: El auge de Hollywood

13. El nacimiento del sonoro

14. Cine de género. El maestro Jonh Ford

15. “Star-System” y los Oscars

16. El “Thriller

17. La “caza de brujas”

18. Citizen Kane. Un genio llamado Orson Welles

19. Supervivencia de Hollywood. El “mago” Hitchcock

20. Televisión y gran pantalla

 Capítulo IV: Respuesta europea y oriental

21. Clair, Renoir y la vanguardia del realismo poético

22. Cine bélico-propagandístico de los años 30

23. El neorrealismo italiano

24. Film de autor. Buñuel, Bresson y Bergman

25. Berlanga, Bardem y las conversaciones de Salamanca

26. El cine japonés: Mizoguchi, Ozu y Kurosawa

Tercera Parte: Época Moderna y Contemporánea

 Capítulo V: La revolución de las “nuevas olas”.

27. La nouvelle vague y François Truffat. El free cinema inglés

28. El joven cine alemán y la “nueva ola” sueca

29. Antonioni y el nuevo cine italiano. Luchino Visconti

30. Cine del deshielo: los países de Este y URSS. Wajda y Tarkovski.

31. El nuevo cine español. La escuela de Barcelona

32. Generación perdida estadounidense. Nicolas Ray

33. El cine underground norteamericano

34. Cinema nôvo brasileño, Canadá e Hispanoamérica. Portugal y Autralia

 Capítulo VI: El cine de los últimos años

35. Giro copernicano: el director es la estrella. Roberto Rossellini

36. Cultivo del arte por el arte. Federico Fellini y Stanley Kubrick

37. El film político. Costa-Gavras

38. Cine de consumo

39. El nuevo Hollywood

40. La era digital

41. Hacia un nuevo cine europeo

42. Grupo Dogma 95

43. El despertar de china. Zhang Yimou y otros autores

44. África y el cine oriental. Abbas Kiarostami

45. Satyajit Ray y el fenómeno de Bollywood

46. El joven cine español

 PRIMERA PARTE: PERIODO MUDO

Capítulo I: Nacimiento del Séptimo Arte

El arte cinematográfico nunca fue totalmente mudo, ya que durante las películas
sonaba música que interpretaba un pianista o una orquesta, y en ocasiones había un
narrador que incluso llegaba a ponerse detrás de la pantalla. El cine mudo abarca
desde el año 1895 hasta el año 1930, año en el que se implantó la palabra y se
sincronizó la música con la imagen.

1. ORIGENES DEL CINEMATOGRAFICO

Ricciotto Canudo acuñó el término “Séptimo Arte” en su libro Manifiesto de las Siete
Artes y Estética del Séptimo Arte. La base científica del cine está en las leyes de la
estroboscopia, es decir, de la persistencia de las imágenes en la retina desde la
Antigüedad. Así explican que si llega una imagen luminosa al ojo este conserva la
impresión hasta una décima de segundo después de desaparecer aquella. Fueron la
emulsión en la cinta de celuloide (Kodak), y las perforaciones para el arrastre de la
película (Edison), serían fundamentales para el desarrollo del invento.

Por ello se dice que la invención del cinematógrafo no pertenece un único inventor,
ya que fueron varios y en distintos países los que investigaron sobre cómo crear este
aparato, siendo así un invento colectivo.

2. EDISON, LUMIERE Y OTROS INVENTORES

Destacan varios inventores importantes: Los hermanos Louis y Auguste Lumière,

Thomas Alva Edison y W. L. K. Dickson. Los hermanos Lumière implantan en París
el 23 de diciembre de1895 el cinematógrafo que por fin hacía posible estas
proyecciones de movimiento en las pantallas después de muchos intentos.

El aparato de los hermanos Lumière, fue el primero en registrar las vistas en

movimiento y proyectarlas en una pantalla con unas condiciones de luminosidad y
de duración, de calidad y veracidad, lo cual aseguraba un gran éxito para el público
de entonces. La patente fue comprándose e imitándose, convirtiéndose en uno de los
inventos más destacados del momento. Aún así el teatro por aquel entonces era el
espectáculo por excelencia, poseyendo gran variedad de espectáculos, pero con el
paso de los años el espectador se daría a un nuevo tipo de espectáculo.

3. EXPANSION DEL SEPTIMO ARTE

A principios de 1896 la industria de los Lumière fabricó las primeras 200 máquinas
de cine, exportándose por Europa, y aunque en un principio estos no vendían sus
aparatos, más tarde se vieron obligados a ello.

Al principio el cine no era tanto un espectáculo, se utilizaba más para hacer

publicidad (documentales), era la maravilla del siglo XX, pero pronto este interés
descendió, ya que una vez vistas las películas ya no interesaban, por eso s hizo un
gran esfuerzo por inventar algo nuevo que favoreciera a lo imaginativo y a lo
económico. Poco a poco los hermanos se iban haciendo con toda Europa y parte de
América (ya que allí se usaba más el aparato de Edison), y empezaron a surgir los
primeros grandes nombres del cine, como Méliès.
4. MELIES Y EL CINE-ESPECTACULO. LA ESCUELA BRIGHTON

Realmente, el primer gran creador del cinematógrafo fue Georges Méliès (1861-
1938). La estética de Georges Méliès estaba influenciada por la técnica teatral,
centrándose en el espectáculo grabado, así creció el lenguaje cinematográfico,
creando enormes posibilidades creativas (travelling de Méliès). Viaje a la Luna, fue
una de sus primeras películas.

Méliè, se le reconoce como el precursor del cine-espectáculo, alejándose de la idea

original de los hermanos Lumière, ya que sus películas iban orientadas hacia la
diversión.

La escuela de Brighton, también entendió el medio cinematográfico como are

autónomo. Esta escuela dio un nuevo sentido al espectáculo, y en sus películas se
advierte una estética original, utilizándose el primer plano, los personajes se mueven
a lo ancho del encuadre y en la profundidad del campo, la panorámica empieza a ser
usual, la cámara ofrece diversas angulaciones y los escenarios comienzan a ser
exteriores.

El cine había nacido en Europa como lenguaje y espectáculo, solo falataba

consolidarlo como industria.

6. THE BITH OF A NATION, GRIFFITH Y LOS PIONEROS AMERICANOS

Los dos comerciantes franceses Charles Phaté de la mano de sus dos hermanos y
Léon Gaumont que siguió sus pasos se dieron cuenta de la importancia de las
posibilidades industriales que podía alcanzar el nuevo espectáculo. Contrataron un
gran equipo de directores con los que realizaron nuevos melodramas, filmes
picarescos y moralizadores que consiguieron atraer al público de esta época. Son
famosos los títulos: Petit-Journal illustré y La vie parisienne entre otros.

Griffith abandonó el estilo teatral y utilizó elementos propios de la técnica

cinematográfica como que la cámara deja de estar fija para seguir a interpretación
de los actores, se emplea el primer plano y se crea así un clima de suspense, y el
movimiento de la cámara y el montaje son los ejes del universo fílmico y la esencia
de las películas mudas, naciendo así la gramática del cine.

Griffith con la película The Birth of a Nation, introdujo grandes movimientos de

masa, una gran riqueza de planos que conseguían una gran expresividad, tanto en
las escenas de batallas como en los momentos de intimidad de los protagonistas,
además se crea la costumbre de acompañar a la película con unos fragmentos
musicales. Pero tras la desaparición del cine mudo, Griffith abandonó el plató y
murió prácticamente olvidado en Hollywood, y aunque posteriormente se le ha
reconocido todo su merito, dio al mundo una gran lección de cine.
7. CHAPLIN, KEATON Y EL FILM BURLESCO

Dos antiguos socios de Griffith, serían los verdaderos impulsores del burlesco
americano (Mack Sennett y Charles Chaplin), pero antes ya lo fue Max Linder.

Senett gestó con su firma Keystone el género cómico tradicional, con sus series se
lanzaron las famosas bañistas y un equipo de cómicos que darían lugar a grandes
actores y maestros del cine que hicieron con sus parodias humorísticas las delicias
del público de la época de los años posteriores. Destaca entre estos cómicos Charles
Chaplin.

Charles Chaplin fue el más genial artista de la pantalla, era director, actor, guionista
y músico, al tiempo que era productor de sus películas. Creó al personaje de Charlot,
que aparecía con un bigotillo característico, e sombrero de hongo, las botas
exageradas, el pantalón caído y el bastoncillo de junco, además utilizaba las técnicas
propias del cine mudo, pero luego con el cine sonoro volverá a parecer. Su cine fundía
la comicidad con la ternura, la realidad con la fantasía, el lirismo con la tristeza, la
emoción con el patetismo, sin perder el sentido social y político poco apreciado en su
momento.

Buster Keaton fue el otro gran autor del burlesco tradicional. Se trata de una figura
anti convencional que aún perdura en el universo fílmico, era humorista y filósofo.

En conclusión el burlesco americano aparece el primer cine social, de crítica y

denuncia de un status, burlando por medio de los personajes-tipo.

Capitulo II: Esplendor industrial y artístico

Tras la Primera Guerra Mundial, el Cine dio lugar a la consolidación de la
industria por excelencia. Al mismo tiempo se produce el esplendor artístico.
Comienzan así los movimientos cinematográficos.
8. EL EXPRESIONISMO Y OTRAS TENDENCIAS GERMANAS

El movimiento expresionista vio extendida su influencia al campo cinematográfico.

Nacido sobre 1910 en Múnich durante la posguerra de la PGM y en la República de
Weimar.

El cine alemán tomó mayor cuerpo cuando la UFA se constituyó en 1917, con el fin
de contrarrestar la influencia propagandística norteamericana en Europa.
Impulsada por el productor Erich Pommer, contó con un capital de 25 millones de
marcos y el apoyo de grandes firmas. También se construyeron estudios de rodaje y
salas de exhibición. El expresionismo rompe con las corrientes artísticas anteriores
y viene a reanudar el Gótico y el Barroco tendiendo a visualizar lo eterno, dejando
de lado el mundo de las apariencias y conduciendo al ideológico, a la vez que incide
en la imaginación, teniendo grandes posibilidades de representación, Hermann
Warn dijo que las películas debían ser como dibujos vivificados. El expresionismo
cinematográfico es una corriente que intenta la evasión hacia los sueños, huyendo
de la posguerra y dando a luz películas en que los conceptos filosóficos son mezclados
con el onirismo, pero con gran calidad artística. El decorado adquiere gran
importancia, junto con la iluminación y la expresividad de los personajes.
Son maestros de este movimiento: Fritz Lang, Frederich Wilhelm Murnau, Henrik
Galeen-Paul wegener o Carl Mayer y Robert Wiene. Das Kabinett der Dr. Caligari
(1919) fue el punto de partida del expresionismo y film creador de una escuela: el
“caligarismo”.

Del realismo simbólico y del realismo costumbrista sucede el naturalismo social, que
contiene un crudo reflejo social de la vida destacando actitudes pesimistas y
angustiadas, reflejando el drama de su tiempo. El realismo y el naturalismo se hacen
tragedia viva y agobiadora.

Paralelamente al Expresionismo alemán surgieron otras tendencias germanas. Son

la tradición cultural posromántica, el cine-espectáculo, el género histórico, las
películas de montaña y el cine realizado por los sindicatos de la República de
Weimar.

9. DINAMARCA. DREYER Y EL CINE SUECO

También los países escandinavos se revelaron en el panorama fílmico europeo y

mundial. Primero Dinamarca con la productora Nordisk y luego Suecia, con Svenska.
Ambas surgieron con fuerza y frenaron la influencia de Hollywood en la Europa de
posguerra.

El cine danés comenzó imitando los dramas mundanos y el film de reconstrucción

histórica italiano, el pionero en este tipo de cine fue Holger Madsen que se adelantó
en el lenguaje cinematográfico, ya que hacía movimientos de cámara y variaba la
angulación en la toma de una misma escena. Pero hasta el final de la Gran Guerra
no destacaron sus autores más representativos como Carl Dreyer, el cual fue un gran
maestro del cine danés y de todos los tiempos debido a su cine místico-religioso y
transcendente y junto a su gran estilo narrativo. Su simbolismo era una imagen del
alma y de la condición humana.

Dreyer siguió en la etapa sonora con su purismo de imagen, sobriedad narrativo-

ambiental y profundidad temática. Por otra parte, la cinematografía sueca cobró
fuerza al concluir el primer conflicto bélico mundial.

Sjöström realizó en 1920 “La carreta fantasma”, donde utiliza la sobreimpresión con
fines poéticos. Pero ya antes había destacado con “Huelga” (1913) y con “Los
proscritos” (1917). Stiller también siguió esa línea en “Los fronterizos” (1913). Ambos
cineastas formaron o descubrieron a muchos actores de su país, antes de emigrar a
Estados Unidos. Ingmar Bergman heredó esta escuela nórdica en el período sonoro.

10. EL IMPRESIONISMO Y LAS OTRAS VANGUARDIAS FRANCESAS

Aunque pertenece al siglo anterior, en el cine tuvo su auge en las primeras décadas
del siglo XX. Francia resurgió en el cine gracias a Louis Dellue y Ricciotto Canudo,
que constituyen el primer vanguardismo galo. Este movimiento quedó calificado
como impresionista por sus analogías y sus oposiciones con el expresionismo alemán.
Por tanto, escritores y críticos cambiaron la pluma por la cámara y ensayaron nuevas
formas en el Séptimo Arte, y fundaron las primeras salas de Arte y Ensayo.

Abel Gance con su película Napoleón Bonaparte, jugó con la yuxtaposición de

imágenes en acciones simultáneas, encuadradas conjuntamente en triple pantalla,
apoyadas en sobreimpresiones y a las que añadirían después varias bandas sonoras.
En esta película se introducen varias innovaciones técnicas y del lenguaje, como la
cámara subjetiva o travelling aéreos, abriendo nuevas posibilidades al arte
cinematográfico mundial.

Al mismo tiempo, junto a esta vanguardia creadora surgiría otro camino de

experimentación: el surrealismo. Fueron años de experimentación en los cuales
apareció una nueva vanguardia francesa.

Paralelamente al movimiento impresionista cabe situar las producciones de los

emigrados rusos que se unen a esa segunda vanguardia.

11. VERTOV. EINSTEIN Y LA ESCUELA SOVIETICA

Al estallar la revolución bolchevique existían 30 productoras que dependían de la

industria privada. Nueve de cada diez films salían de los estudios de Moscú y el resto
de los establecimientos de Petrogrado, Kiev, Odessa y Yalta. El Gobierno comunista
quería servirse de cine como medio para exaltar el “nuevo orden”.

Los dos grandes teóricos y clásicos fueron realmente Eisenstein y Pudovkin, quienes
harían del montaje la esencia del cine. Queda aparte Dovjenko, más desigual que sus
colegas. No sirvieron al Partido Comunista como el Gobierno pretendía y sufrieron
las consecuencias de su actividad creadora mediante la censura. Demasiado estéticos
e individualistas, navegaron entre la ideología marxista y su sentido profundo del
alma y la tierra rusas. En sus relatos, el protagonista es la colectividad y el montaje.

Eisenstein fue uno de los grandes teóricos del cine ruso, y uno de los grandes genios
del Séptimo Arte junto a Charles Chaplin y John Ford. Su película más destacada
fue “El acorazado Potemkin”, obra mítica del cine político y artísticamente modélica,
siendo para la historia una de las mejores películas de todos los tiempos. Más tarde
Eisenstein incorporó la banda musical, consiguiendo una perfecta asociación de las
estructuras plásticas con las sonoras. En los años del cine parlante, desarrollaría la
concepción por ideogramas y los avances expresivos del color, además cabe destacar
que Eisenstein fue un gran teórico del montaje y haría de esa técnica toda una
estética. Aún así al no ofrecer beneficios al gobierno comunista, su arte fue acusado
de esteticista y demasiado individual, provocando que este viajara a Hollywood para
poder hacer cine, pero no fue aceptado ya acabó en México para rodar ¡Que viva
México!

Eisenstein fue el genio del cine más completo y de más profundidad en sus esenciales
problemas.

12. HOLLYWOOD, LA GRAN MECA DEL CINE

Durante este periodo el país proyecta prácticamente por no decir siempre películas
procedentes de sus estudios, controlando toda la producción. Surgen grandes
cineastas como Cecil B. de Mile, con obras monumentales como superproducciones
bíblicas, con la que destacamos Los diez mandamientos. Luego surgió el género
western que tuvo un gran auge durante los años veinte, siendo este un género que
se integraba dentro de la cultura estadounidense. Estas películas poseían
movimeintos delirantes, eran tragicómicas, eran bruscas, exageradas y vertiginosas.

El género western cobró auge en los primeros años veinte. También fue una etapa en
la que surgieron muchas stars, admiradas por el público mundial. El firmamento de
Hollywood estaba en pleno fulgor, Pero eso sólo era un modesto principio si lo
comparamos con la época dorada del film sonoro.

La nueva temática social del Cinematógrafo exigía la palabra: los diálogos sonoros.
Al aproximarse el cine a la realidad, la película perdía su carácter mágico, puesto
que ya no se trataba de sugerir, sino de decir. La película dejaba de dirigirse a la
imaginación del espectador para apelar a la inteligencia. Con el sonido iba a nacer
otro Cine.

SEGUNDA PARTE: ETAPA SONORA

Capitulo III: El auge de Hollywood

Con la aparición del cinema “parlante”, el dominio de la gran Meca del cine
aumentaría sobre manera.

Y pese a la depresión económica Hollywood seguiría reinando en el firmento filmico

mundial. Es mas: las películas servirían incluso para evadirse de esa dura realidad
social.

13. EL NACIMIENTO SONORO

El cine sonoro llegará a su auge más elevado a partir de los años treinta, cuando los
cineastas se dieron cuenta de las enormes posibilidades del medio de expresión, aún
así esta idea todavía quedaba algo lejana. El físico francés Démeny, desarrolló la
fotografía parlante, y posteriormente obtuvo el fonoscopio, que fue una de las
primeras tentativas de introducir el sonido en el cine. Por otro lado, Charles Pathé
mezcló el cinematógrafo y el fonógrafo, produciendo así, 1900 filmes cantados.

Alan Crosland con su película Don Juan, estrena en 1926 añadió por primera vez
una partitura musical completa, un año más tarde ya se harían películas
completamente habladas y cantadas, el cine sonoro nacía de este modo. Su
nacimiento constituyó una auténtica revolución artística e industrial, tanto que
algunos grandes maestros.

El nacimiento del cine sonoro conllevó a una revuelta artística e industrial, uno de
los artistas más disconformes fue Chaplin, que era fiel al cine mudo. Las palabras de
Chaplin fueron las más duras: “¡Las detesto! Vienen a desvirtuar el arte de la
pantomima. Destruyen la belleza del silencio”. Pero a pesar de esto, en 1940 produjo
su primera película sonora, “El gran dictador”.

Aún así los poderosos de Hollywood no estaban de acuerdo con estos grandes, ya que
este nuevo tipo de hacer cine les producía un aumento de ingresos y producía unas
posibilidades óptimas para el cine.
14. CINE DE GENERO. EL MAESTRO JOHN FORD

Griffith fue el promotor del cine de género en la época muda. El musical fue el primer
género que surgió con la aparición del cine sonoro, en él encontramos parejas como
Fred Astaire y Ginger Rogers, también el cine sonoro dio lugar al western, con su
más preciado representante John Ford, al film fantástico-terrorífico y películas de
aventuras. El cine comenzó a cumplir la función de espectáculo.

John Ford fue justo Einsenstein y Chaplin uno de los tres grandes maestros del cine
mundial, fue autodidacta y cultivó el género western. Hizo carrera en Bellas Artes y
acabó trabajando en una fábrica de cueros y curtidos, pero su hermano que era actor
y director de Universal lo ayudó a introducirse en el mundo del cine, con siguiendo a
partir de 1917 realizar películas que aunque no tenían artesanía, tenían una
perfección fílmico-estética. LA unidad forma-contenido nunca fue tan completa como
en la obra fordiana, donde sus ideas de convicciones personales y arte fueron uno. Su
actividad enriqueció al lenguaje cinematográfico, progresando así la consolidación de
la sintaxis, y el arte en las imágenes, gracias al uso del zoom, el anti-travelling y el
planosecuencia, proporcionando grandes lecciones a cineastas. Más tarde apareció
una escuela gracias a todo lo que John Ford innovó, en donde se veían los planos
complejos con una perfecta distribución del encuadre de objetos y de personas.

La belleza del estilo de Jonh Ford radica en la economía de expresión, con dos o tres
planos es capaz de realizar una narración con cierto tono de delicadeza y emoción.
Jonh Ford supo trascender lo estrictamente fílmico-creador para pasar a un fondo
humano-existencial. El estilo de Ford se reconoce por sus planos complejos con
perfecta distribución en el encuadre de objetos y personas. También se caracteriza
por tener héroes que muestran su visión del mundo. Ford es considerado por todo
esto el mejor creador de imágenes del cine mundial, ya que realizaba mejores
imágenes que textos dialogados.

15. “START-SYSTEM” Y LOS OSCARS

Durante esta época Hollywood constituyó los años dorados del star-system, que era
la fabricación de estrellas y celebridades cara al público, llamando su atención, cosa
que provocó que el público ya no fuera al cine a ver las películas, sino a ver a los
famosos que aparecían en ellas. Esto dio mucho dinero.

El 11 de mayo de 1927 se reunieron 36 hombres de Hollywood y crearon la Academia

de artes y Ciencias Cinematográficas.

Los Oscars están relacionados con el star-system, ya que sus principales artistas
eran los que recibían el premio de la industria, provocándose un gran reconocimiento.
Este sistema de fabricación de estrellas fue muy artificial y se tenía engañado al
público, además se destruye con ello la moral de artistas como fue el caso de la
vedette Marilyn Monroe.

En 1947 se creó en Nueva York la Escuela de Arte Dramático Actor´s Studio,

impulsada por Lee Strasberg y Elia Kazam, estos siguieron con el método de
Stanislavski, renovando el estilo de interpretación, donde destacaron artistas como
Marlon Brando, Paul Newman y James Dean (primer ídolo), estos artistas entre
otros dieron a Hollywood creaciones verdaderamente sorprendentes.
16. EL “THRILLER”

Surgió tras el crack del 29, ya que todos los problemas generados, incentivaban a
temas interesantes, así nació el género gang. Sus antihéroes se encontraban entre el
miedo y la angustia, la muerte y la violencia, el erotismo y el misterio, la sordidez y
la fatalidad, el destino y la falta de libertad.

El género gang con películas como La jungla del asfaltode John Huston, eran filmes
míticos que serían interpretados por actores-gángsters y actores-policías, los cuales
se harían internacionalmente famosos como James Cagney.

El máximo exponente de este cine fue sin duda el personaje-tipo de Humphrey

Bogart, actor imperecedero que encarno a los grandes detectives de las novelas
negras. Estos personajes se debatían entre el miedo y la angustia, la muerte y la
violencia, el erotismo y el misterio, la sordidez y la fatalidad, el destino y la falta de
libertad.

17. LA “CAZA DE BRUJAS”

Hubo al principo diez tachados de comunistas, los cuales se negaron a declarar

acogiéndose a la 5ª enmienda, los cuales fueron luego conocidos como los Diez de
Hollywood. Comenzó a iniciarse un clima de miedo que coincidía con el terror de la
Guerra Fría. Todo este clima se aprecia en “Solo ante el peligro” (1952).

Esta época fue una caza de brujas para a todos aquellos que no seguían los géneros
tradicionales hollywoodienses. Algunos tuvieron que huir del país, y otros artistas se
frustraron, ya que no podían utilizar su estilo creador debido a la caza de brujas de
Hollywood.

18. CITIZEN CANE. UN GENIO LLAMADO ORSON WELLES

Orson Welles, fue un célebre director radiofónico y destaco por la guerra de los
mundos, cuya obra provocó un verdadero pánico. Esto le hizo adentrase en el mundo
de Hollywood, creando así su primera película Ciudadano Kane, donde destaca el
empleo dramático del plano general, un cuidadoso detalle en la profundidad de
campo, objetivos de foco corto que le permite la toma por igual de todos los planos y
distancias. Otras aportaciones fueron el juego de luces y sombras, junto a las
imágenes en claroscuro y los originales encadenados y flash-back. Es destacable su
personal interpretación u análisis psicológico de los personajes. Orson Welles fue un
artista inimitable de fuerte personalidad y un creador independiente. Fue muy
perfeccionista con sus obras, ya que dedicaba más tiempo a montarlo que a rodarlo.

Fue un gran intérprete y adaptador de Shakespeare en la escena y la pantalla, lo

llevó al cine con Macbeth (1948) y Othello (1952). Su obra equivale a la tragedia
moderna, y fue muy perfeccionista.
19. SUPERVIVENCIA DE HOLLYWOOD. EL “MAGO HITCHCOCK”

Hollywoof no sufrió la consecuencia de la caza de brujas. El musical vuelve a invadir

las pantallas de todo el mundo bajo las geniales batutas de Vicente Minnelli,
destacan obras como Un americano en París (1950) y cantando bajo la lluvia (1952),
renovando así el género.

La comedia americana sería continuada por cineastas de la categoría de Preston

Sturges con su obra Los viajes de Sullivan (1941). Mas tarde llegaría Alfred
Hitchcock.

Alfred Hitchcock fue el mago del suspense. Le preocupaba más la manera de contar
una historia, con un estilo narrativo adecuado, que el argumento. Lo que más le
importaban eran las situaciones y la originalidad de estas. Fue un director de
prestigio en Inglaterra y en 1940 fue contratado por Hollywood, alcanzando un éxito
internacional. Los filmes de Hitchcock radicaban en hacer sufrir al espectador como
en Extraños en un tren (1951) y en Psicosis (1960). Todo el arte del cine se basa en
la identificación del público con los personajes de la pantalla, donde se muestra la
realidad y la fantasía, la cual debe parecer verosímil.

Las películas del maestro Hitchcock ofrecen perspectivas psicológicas de orden

metafísico-existencial y valores humanos de fondo. Se evidencia en ellas un sentido
romántico del amor, clara delimitación entre el bien y el mal, conciencia de pecado
en sus personajes. Todo esto se debe a que Hitchcock era humanista y satírico a la
vez, tomaba gentes normales y las ponía en situaciones anormales, pues pensaba que
los espectadores querían algo extraordinario. Fue un gran experimentador e inventor
de formas y supo explotar las posibilidades del cine.

20. TELEVISION Y GRAN PANTALLA

Hollywood no podía reinar eternamente, y el fenómeno neorrealista y los bajos costes

de producción en Europa eran un hándicap para la industria, en 1954 el cine entra
en crisis debido a la llegada de la televisión, provocando un duro golpe a la industria
del cine, reduciendo la producción.

También se aportó poco al Séptimo Arte y se adaptaron best-sellers y películas

históricas y de aventuras. Pronto aparecerían nuevas tendencias de Europa en los
años sesenta y la industria se vería coartada.

Capitulo IV: Respuesta europea y oriental

Tanto los países occidentales (que habían dominado el cine durante el período
anterior) como los orientales (concretamente Japón), respondieron con nuevos
movimientos y autores al auge de Hollywood.

21. CLAIR, RENOIR Y LA VANGUARDIA DEL REALISMO POÉTICO

El realismo poético fue como una especie de neorromanticismo que se recreaba en los
contrastes violentos, como el hombre y su aspiración a la felicidad y la sociedad y sus
discutibles reglas. Las películas eran pesimistas y casi siempre acababan mal, pero
eran hermosas.

Los máximos representantes de esta nueva vanguardia fueron: René Clair y Jean
Reonir.
Entre los clásicos destaca René Clair, que desarrollaría los principios del realismo
poético en sus cortometrajes Paris qui dort (1923) y Entr´acte (1924). Cuatro
películas de Clair destacarían en esta nueva vanguardia, Bajo los techos de París
(1930), la cual fue la primera cinta sonora del cine francés, Viva la libertad (1931),
que trataba de una satírica social, El millón (1931), primer musical parisiense y 14
de julio (1932), que era un retrato social de su época. René Clair fue considerado un
poeta de la imagen, y poseía un gran amor hacia la fantasía y lo absurdo, además de
hacía lo popular.

Otro gran maestro de este nuevo género fue Jean Renoir, el cual fue autor completo
de todas sus películas. Fue considerado como el padre del cine moderno, y su obra
influirá en las corrientes renovadoras del cine. Se rompe con la cuarta pared para
que la cámara y el público se comuniquen directamente, también es un amante del
plano largo y de la profundidad de campo, tratando cada escena como si fueran
películas aparte.

No obstante, durante los años 30 europeos, los guionistas, dialoguistas y adaptadores

tomaron el relevo a los hombres de teatro. La vanguardia del realismo poético, por
tanto, fue también un paso más, e importante, en el cine como medio de comunicación
social.

22. CINE BELICO-PROPAGANDSITICO DE LOS AÑOS 30

Alemania antes de la llegada de Hitler al poder, volvió a ocupar una buena posición
en el mundo del cine gracias a G.W. Pabst, que dio a luz un cine adulto, bien
manifestado en Carbón y la comedia de la vida (1931), ambas películas se
desarrollaron dentro de la corriente antifascista europea.

Tras la llegada de la Segunda Guerra Mundial, la censura nacionalsocialista y el

cine hitleriano coartaron de algún modo la inspiración de los cineastas germanos (la
mayoría de origen judío) y se dió mundialmente un cine de propaganda que llevó a
Europa a la decadencia total, y al exilio.

Las películas nazis apenas tuvieron valor, únicamente lo tienen hoy en día de
manera histórica.

Mussolini crea por las mismas fechas una Dirección general de Cine en el Ministerio
de Prensa y Propaganda, impulsando la creación de una escuela especializada y unos
estudios de rodaje al frente de su hijo, el cual dijo que el cine no tendría prejuicios, y
tendría una libertad de ideas políticas, además de que se descubrirían actores y
actrices brillantes.

Al final de la década se habría reconstruido la industria cinematográfica sonora, ya

que la Rusia de Stalin conseguiría su objetivo, al igual que Italia y Alemania.
Durante la Segunda Guerra Mundial el cine de propaganda se generaliza y hay una
amplia producción documentalista sobre el conflicto bélico, convirtiéndose así la
pantalla en una especie de tribuna donde se explota con fines políticos el arte del
cine.
23. EL NEORREALISMO ITALIANO

Hasta el nacimiento de esta corriente estético-ideológica, no se abrieron del todo las

puertas del cine como medio de comunicación social, ya no porque la gente tomara
las calles con sus cámaras (cosa que ya se había hecho antes a manos de Serena y
Martoglio), sino porque representó una ruptura con Hollywood y los estudios
poderosos europeos, revolucionando así el arte de la imagen, y llevando a cabo un
gran paso hacia la libertad creadora, no solo italiana, sino también japonesa, india y
española.

El neorrealismo será una descripción global de la realidad a través de una conciencia

global (Roma, città aperta, 1945, de Roberto Rossellini). El fin era comunicarse con
el público íntimamente, y el director neorrealista va en contra del artista realista
tradicional, no analiza l realidad ofreciendo una síntesis según su concepción del
mundo, sino que filtra esa realidad y la ofrece en la pantalla distanciándose a veces
para que el espectador viva una historia y no sea porque se identifica con ella. Las
películas neorrealistas tienen un sentido a posteriori ya que a priori destacan por su
estética.

La segunda mitad de los años cuarenta será la época dorada del neorrealismo
italiano, ya que después vendrían los problemas sociales, y más tarde los
psicológicos, nacidos de la guerra y de la postguerra, una sensación de horror o dolor,
pero jamás de desesperación. El neorrealismo aportó humanidad, y los seres
desgraciados o fracasados del neorrealismo italiano jamás se encuentran en la
violencia, ya que son humanos por su esfuerzo de no ceder ante la desgracia, y posen
ternura por la vida, aunque esta sea dura.

En conclusión el neorrealismo a dotado al cinematógrafo de una gran dignidad, ya

que pretende que el público piense. El neorrealismo es el punto de partida para el
cine moderno.

24. FILM DE AUTOR. BUÑUEL, BRESSON Y BERGMAN

Hoy el film del autor está en desuso, y puede hablarse de numerosos autores como
Luis Buñuel, Robert Bresson e Ingmar Bergman, que dieron luz al cine de las
pantallas de todo el mundo.

Luis Buñuel fue un gran cultivador del surrealismo en imágenes y un cineasta mal
valorado en su país, España. Luis Buñuel fue un artista inimitable, con un lenguaje
fílmico de una calidad estética muy personal, y con un sentido de la medida y de la
pureza de la imagen entre la fantasía y la lírica. Tenía una gran coherencia en la
escena, cosa que le provocaba ser un cineasta notable. En casi toda su obra se puede
apreciar una actitud violenta e inconformista, crítica y anti convencional, siendo su
cine implacable y amargo, lleno de sarcasmo y crueldad, y fue en contra de todo lo
establecido como la sociedad, la familia, la moral, el poder, la política o las
costumbres. Era un surrealista.

Robert Bresson era francés y fue un filósofo del cine, además de una autor riguroso
y profundo de enorme austeridad expresiva y espiritualidad, además de con una gran
humanidad. Bresson tenía una clara tendencia a la abstracción y a universalizar los
temas, reflexionando sobre todas las posibilidades expresivas. Sus últimas obras
fueron Le diable probablement (1977) y L´argent (1983).
Bergman se interesaría por el teatro y lograría dirigir una pieza de Strindberg, y
tras escribir varios cuentos y novelas decidió dedicarse al mundo de la escena en
1940, siendo director de la Ópera Real de Estocolmo y situándose así entre las
primeras firmas de Europa y luego director del Real Teatro Dramático. En 1944
tomaría contacto con el cine. Así Ingmar Bergman pasaría del existencialismo y del
cristianismo al agnosticismo más amargo, con un cine de inquietudes religiosas,
barroco y sencillo, a la vez que se mostraba puramente metafísico, mostrando así una
triste visión del hombre y un cine desnudo, brillante y equívoco ajeno a cualquier
religión.

El universo de Bergman era un mundo de soledad, de sufrimiento, de fantasmas

metafísicos, un mundo donde el hombre y la mujer aspiran a llegar a una verdad
suprema y transcendente, dándonos a conocer sus propios pensamientos. Este
cineasta destaca por su originalidad y valentía de exposición, por su riqueza de
expresión y singular concepción de cada escena, fue un escandaloso e inaudito.

26. EL CINE JAPONÉS: MIZOGUCHI, OZU Y KUROSAWA

Mizoguchi fue el más grande autor del cine nipón, realizando en los tiempos mudos
un sinfín de películas, y consolidándose en la época parlante, desarrollando así un
estilo japonés con temas genuinos y con una precisión narrativo-expresiva realmente
intransferible, además de que fue creador de una escuela.

Aparece el Neorrealismo japonés con las películas El trigo de otoño, de Yasujiro Ozu
y Akiru, de Akira Kurosawa.

El estilo de Ozu era opuesto al cine sonoro, ya que era totalmente austero, con largas
escenas íntimas y planos fijos. Sobresale por su sobriedad absoluta en el montaje y
la dirección de actores. Es perfeccionista y meticuloso como narrador, su universo es
un mundo de silencio y tranquilidad, agridulce y sutil, lleno de sentido del humor
que le aproxima al espíritu zen y lleno de carácter localista, reconociéndose su cine
en Europa tras su muerte.

Kurosawa fue el autor que dio a conocer el cine nipón al mundo occidental, cuya obra
era profundamente filosófica y original construcción dramático-expresiva, pensando
también en el público no oriental. Fue acusado en varias ocasiones de sentimental y
reaccionario, supo sintetizar los elementos plásticos juntos los psicológicos y sociales.
Más tarde llegarían nuevas películas de Kurosawa que se harían populares en todo
el mundo, ocasionando hasta versiones como con la película Los siete samuráis
(1960).
 TERCERA PARTE: EPOCA MODERNA Y CONTEMPORANEA

Capítulo V: La generación de las “nuevas olas”

Es obvio que el neorrealismo marco un hito en la historia del cine. Tanto es así, que
hubiera sido difícil la gestación de las denominadas “nuevas olas” europeas sin
existencia del movimiento italiano.

Ene esta época moderna, pues, una generación de cineastas jóvenes tomo en la
década de los setenta el relevo al viejo cine, al espectáculo tradicional.

27. LA NOUVELLE VAGUE Y FRANÇOIS TRAFFAUT. EL FREE CINEMA

INGLES

Aparece la Nouvelle Vague, cuyo pionero fue André Bazin, y sus características eran
que debía ser una reforma narrativa y técnica que tendiera más a resaltar la
responsabilidad del director como autor de la obra, rompe con las estructuras
industriales en cuanto a la financiación para apoyar a la producción artesanal y tiene
una relativa unidad temática que se centraba en un cine de personajes y de retratos
humanos más que de grandes temas. La Nouvelle Vague tendría una gran reducción
de impuestos y rompe con los viejos modales y supo replicar con tanta sencillez como
precisión intelectual.

François Truffaut es la figura más representativa de la Nouvelle Vague, además de

su más fiel exponente con cierta tendencia al existencialismo. Se trata de un cineasta
sin igual y eterno defensor del Hombre y la Cultura, al concluir la década de los
setenta realizaría su obra maestra El pequeño salvaje, donde sería actor-
protagonista. Este autor era un creador asocial y un tema básico de su obra sería la
vida expresada a través del amor con dos prototipos de mujer, la idealizada y la
vulgarizada, también hay personajes que no son aceptados por la sociedad
(asociales).

En 1955 aparece un grupo de jóvenes intelectuales y con espíritu creador que se

unieron para crear un cine diferente. Este movimiento se expresó también en la
literatura y en el teatro. Este tipo de cine era totalmente inglés y se tomaban las
cosas demasiado en serio. Inglaterra era un país sin problemas desde hace tiempo y
eso provocó que no hubiera ningún cambio sustancial. En sí el Free Cinema se
desmantelaría años más tarde, pero su estética dejó una huella en el cine
angloamericano posterior.

28. EL JOVEN CINE ALEMAN Y LA “NUEVA OLA SUECA

En Alemania hubo un gran desarrollo económico, el cual se conocerá como el milagro

alemán, provocando la recuperación del país, además el cine seguía imperando en
las pantallas, pero debía renovarse o retirarse. Este movimiento fílmico es paralelo
a las corrientes que surgen por Europa, y se crea la Fundación del Joven Cine
Alemán, contando con cineastas de prestigio. Sin embargo el joven cine entro en
crisis, ya que trataban temas en los que se veía la cara mala del milagro alemán.

En la Península escandinava aparece el cine sueco, se admira a la figura de

Bergman, y se tenía a la naturaleza como elemento determinante, unido a la
explotación del paisaje y su luminosidad.
29.ANTONINI Y EL NUEVO CINE ITALIANO. LUCHINO VISCONTI

El Neorrealismo origina en Italia la revolución de la cinematografía europea.

Destaca Michelangelo Antonioni con La aventura (1960). Este fue uno de los
renovadores del cine moderno, creando su propio universo, con seres contradictorios
e inexplicables, abriendo así el Nuovo Cinema italiano, consiguió mostrar los estados
de ánimo a través de los colores, y dio importancia a los silencios y los sonidos rurales,
se expresaba a través de la cámara y no de los actores. Le interesa la
deshumanización de la vida, la incapacidad de amar, la búsqueda de la felicidad, la
angustia de la sociedad y la agresión del mundo industrializado, los cuales fueron
temas habituales dentro del Nuovo Cinema italiano. En conclusión Antonioni fue un
hombre distante y apasionado,

Luchino Visconti fue pionero del Neorrealismo y autor clave del cine contemporáneo.
Fue un aristócrata decadente de refinamiento estético-cultural lo cual le destacó de
realizador del arte fílmico y escénico mundial, siendo además un cultivador del film
de contenido político. Así pues comenzó un itinerario moral y existencial que le llevó
a la rebeldía sentimental y más tarde al misticismo, y de la inquietud artística al
marxismo ortodoxo. Estuvo influido por el naturalismo francés y por ello hizo un cine
militante (La terra trema 1948).

Se produjo en Italia el fenómeno del spaghetti-western, que tuvo como máximo

representante a Sergio Leone, desarrollándose así el sistema de coproducciones en
Europa.

30. CINE DE “DESHIELO”: LOS PAISES DELE STE Y LA URSS. WAJDA Y

TARKOVSKI

El denominado Cine del “Deshielo” se dio a conocer en toda Europa y abrió sus
fronteras expresando a través del arte de las imágenes la situación sociopolítica del
Este.

Polonia siguió con el recuerdo de la guerra, con las epopeyas bélicas de su historia,
donde destacó Andrzej Wajda. Wajda era considerado el maestro del cine polaco y
uno de los veteranos realizadores de Este que sigue en activo. Wajda utiliza
elementos heroicos, trágicos, eróticos, decadentes, románticos y nacionalistas,
mostrando también un carácter atormentado. Más tarde combinaría el qué hacer
fílmico con la dirección escénica y televisiva.

Nuevas firmas consolidaron el cine nacional y propagandístico. Surge una nueva

generación de artistas, como Andréi Tarkovski.

Tarkovski, fue un maestro del cine de los países del Este, filósofo y esteta del Séptimo
Arte. Su estilo está vinculado a la tradición lírica y patriótica del cine soviético, fue
un humanista y místico, defensor de la creación individual del artista, en narrativa
rechazó la unidad dramática tradicional. Se dio a conocer al mundo con su obra La
infancia de Iván (1962), largometraje sobre la vida de un parisino y realizado dentro
del denominado “cine del Deshielo”.
31. EL NUEVO CINE ESPAÑOL. LA ESCUELA DE BARCELONA

Se puso en marcha un cine de carácter social y más comprometido con la realidad del
momento. El artífice de todo esto fue Carlos Saura, que realizara su obra maestra La
caza, una alegoría sobre la Guerra Civil española y que fue seguido por un grupo de
cineastas jóvenes, creando un movimiento conocido como Nuevo Cine Español.

El Nuevo Cine Español deja tras de sí algunas películas importantes, incorporándose

nuevos nombres a la profesión y elevando el nivel general de la producción. José
María García Escudero el impulsor del Nuevo Cine Español.

El Nuevo Cine Español (NCE) defiende que haya, un estilo narrativo más elaborado
en cuanto a creación. El Nuevo Cine Español pasó a mejor vida, debido a la política
de despotismo ilustrado de Escudero, que puso en marcha unas medidas que dieron
un giro a la producción española, dejando al Nuevo Cine Español como un producto
sin etiqueta.

La Escuela de Barcelona tenía otras características, las cuales eran la

autofinanciación y sistema cooperativo de producción, un trabajo en equipo con un
intercambio de funciones, preocupación formal, referida al campo de la estructura de
la imagen y de la estructura de la narración, el carácter experimental y
vanguardista, subjetividad, dentro de los límites que permite la censura, en el
tratamiento de los temas, los personajes y situaciones ajenas a Madrid, utilización,
dentro de los límites sindicales a los actores no profesionales, la producción realizada
de espaldas a la distribución y algunas excepciones de formación no académica ni
profesional de los realizadores.

En conclusión el problema del cine español está fundamentalmente en romper

barreras, tanto en el campo de la censura como en el de la estructura industrial, y la
Escuela de Barcelona jamás llegó a ser la entidad administrativa y social que se
pretendía.

32. GENERACION PERDIDA ESTADOUNIDENSE. NICHOLAS RAY

La aparición de nuevas corrientes en Europa repercute seriamente en Estados

Unidos y sobre todo en la industria de Hollywood. Por un lado los viejos maestros de
Hollywood (Hitchcock, Ford, Wilder, etc.) siguen realizando películas interesantes.
Pero por otro lado, un pequeño grupo de de jóvenes cineastas intenta realizar cintas
totalmente al margen de la industria.

Nicholas Ray, está considerado uno de los grandes realizadores de la generación

perdida estadounidense, y fue otro de los maestros del cine americano, cuya estética
y postura creadora han dejado su importancia en autores actuales. Este maestro,
creó un estilo propio con su obra inspirada e irregular, en continua búsqueda
artística y despreciando la dramática tradicional, con su sentido del ritmo y cuidada
dirección de actores, captando las miradas, actitudes y los gestos más pequeños, y
también a través del formato de cinemascope, posee una preocupación por la
composición de la imagen y el empleo expresivo-virtuosista del color. Obsesionado
por el sentido de la vida, la soledad y la violencia.
33. EL CINE “UNDERGROUND” NORTEAMERICANO

El New American Cinema creó un Manifiesto donde decía que el cine oficial estaba
a punto de acabar, ya que su moral se encuentra corrompida y su estética es caduca,
sus temas superficiales y sus intrigas fastidiosas. Por ello deciden rechazar la
intervención de productores, distribuidores y financieros hasta que sus obras estén
completamente prestas a ser proyectadas. De este modo aparece el movimiento
underground americano que primeramente intentó las búsqueda de un cine poético
y no narrativo, pero al final acabaron interesándose por este, consiguiendo una
exhibición en las salas comerciles y llegando así al público aficionado.

Los filmes underground eran de formato reducido y no comerciales, la mayoría

proyectados de forma clandestina, extendiéndose con el tiempo por otros países.
Países como España, pasándose a llamar cine marginal. Aún así el cine subterráneo
mundial no ofrecía ningún porvenir, a no ser la asimilación industrial o el trabajo en
las cadenas televisivas.

34. CINEMA NOVO BRASILEÑO, CANADA E HISPANOAMERICA, PORTUGAL

Y AUSTRALIA

Durante la misma década del cine underground tiene lugar en Sudamerica un

movimiento llamado Cinema Nóvo brasileño consolidándose con Glauber Rocha en
los años sesenta.

Glauber Rocha fue la figura más representativa de Cinema Nôvo, incorporando la

cultura popular de su país y la mitología del Tercer Mundo al espectáculo
cinematográfico. Rocha chocó contra la estructura gubernamental e incluso con los
jóvenes realizadores del post-cinema nôvo, exiliándose en Europa y África para
seguir haciendo cine.

En Canadá aparece un cine joven originada por el maestro del film de animación y
abstracto Norman MacLaren. También surgieron diversas generaciones de autores
orientados hacia las formas del cinéma-verité como Michel Brault o Pilles Groulx y
otros jóvenes independientes que darían lugar al nuevo cine canadiense, como Don
Owen o Jean-Pierre Lefebvre.

En Latinoamérica,, sólo sobresalen Cuba y Bolivia juntos a algunas incursiones

peruanas, colombianas y chilenas, países que poseen un cine-testimonio un tanto
radical que vale la pena tener en cuenta y que al menos posee cierta entidad fílmica.

Portugal siguió con temas de la tradición nacional, en base a la literatura y el teatro

popular, evitando los aspectos sociopolíticos. En los años sesenta hay un movimiento
de renovación alrededor del productor António da Cunha Telles y ante todo
destacaría Manoel de Oliveira, reconocido maestro del cine europeo.

Mientras, en Australia surgió una nueva ola impulsada con la ayuda del Estado a
través de la Australian Film Commission, realizando filmes comercialmente viables
y con un contenido netamente nacional
Capitulo VI: El cine de los últimos años

Estamos llegando a la meta de nuestra historia. A las nuevas corrientes que el crítico
pudo apreciar en su día. Intentare resumir en estos últimos apartados el devenir del
cine contemporáneo. Etapa sin demasiada perspectiva histórica.

35. GIRO COPERNICO: EL DIRECTOR ES LA ESTRELLA. ROBERTO

ROSSELLINNI.

El cine de nuestros días se ha dado lo que cabría denominar giro Copérnico. Lo

importante para muchos actores ya no es el contenido, si no la forma con la que se
expresa dicho contenido. Para definirlo con términos lingüísticos: el significante está
por encima del significado. Es más, para el teórico Marshall McLuhan “el medio es
el mensaje”.

Aun así, el giro Copérnico parte de una fecha clave: 1495, donde el maestro
Rosellinni, seria la pieza fundamental del nuevo cine mundial.

Rosellinni se distingue por ser una de las figuras clave del cine mundial y pionero de
la corriente neorrealista. Un gran impulsor del cine moderno. Fue el renovador de la
estructura del lenguaje fílmico en los años 40. Ese cambio en la dramática
tradicional: rodaje en escenarios naturales, unión de seres y cosas por la luz,
utilización de actores no profesionales, interés por la filmación… supondría una
revolución estética que influyo en otros cineastas posteriores. Para el, la estética era
el fruto de un posicionamiento ético.

Su valiosa obra cinematográfica puede resumirse en 6 etapas creadoras bien

diferenciadas:

 La pre-neorrealista: con toques de genero de los “teléfonos blancos”

 El neorrealismo: ese “cine del hombre”
 La espiritualista: que evidencia valores cristianos
 La de transición: un tanto confusa y con adelantos técnicos notorios, como la
utilización del travelling óptico con efectos de progresión dramática.
 La histórica: precursora de la postrera
 La didáctica: a la cual dedico sus últimos esfuerzos e ideas como autor.
Pretendía con esta ultima verter la historia de la humanidad en imágenes
para el pueblo

Las esperanzas de Rosellinni sobre el futuro de la humanidad estaban puestas en el

hombre. Este autor que se planteaba la creación cinematográfica como una cuestión
moral, había escrito poco antes de iniciar su singular labor didáctico-televisiva. Ha
sido clasificado como un cineasta de su tiempo, que no solo testimonió una época, si
no que supo reflexionar y obligo a pensar en ella.

Pero el neorrealismo no fue un punto de partida. Luego vendrían los movimientos

fílmicos de los años 70 antes tratados. Todos los países, bajo ese primer giro
copernicano, remozaron su cinematografía nacional y realizaron un cine mas o menos
genuino. Tales movimientos desaparecen para centrar la creación cinematográfica
nuevamente en las personas y sus intereses artísticos. Surge así otra estrella, que es
el director. Ya no son los nombres de los artistas los que atraen, si no la firma del
director de cine, el nombre o la fama del realizador. Tal estrella es la que conforma
y dirige el cine en las ultimas décadas. Esta nueva estrella seria quien marcaria
sobre todo a partir de los años 70 el cine de nuestros días.

Con todo, en la actividad creadora de esos autores cinematográficos subyacen unas

nuevas corrientes, sustentadas por distintas ideologías. El cine lo hace el hombre y
la mujer y estos poseen diferentes pensamientos y lo dirigen a los demás, al otro.

El cineasta procura transmitir sus ideas. Mientras que el nuevo publico le interesa
que el film le diga algo, y exprese unas ideas concretas, de ahí que muchas películas
sean confesiones públicas. Poco importa entonces que el film tenga altas cualidades
humanas con tal que sea comprometido o contenga postura intima de su director
expresada en imágenes atrayentes. Por tanto, los personajes son marionetas a las
ordenes del cineasta creador de la película.

36. CULTIVO DEL ARTE POR ARTE. FEDERICO FELLINI Y STANLEY

KUBRICK.

Este viejo lema es el que mas impera en el cine actual, en obras artísticas,
reconocidas internacionalmente, que han salido de las manos de cineastas
consagrados; algunos de los grandes creadores del arte de las imágenes fílmicas,
hombres y mujeres que por encima de la ideología particular cultivan el arte por el
arte y, en ocasiones, evidencian una postura egocéntrica: el director, está por encima
de todo.

Tales autores necesitan una necesidad de expresión. El cineasta contemporáneo no

se plantea si su obra lleva verdad, si no que expresa sui verdad. El ama el cine por
encima de todo y prescinde de los principios morales objetivos a la hora de enfocar
un tema.

Algunos representantes de este cine esteticista:

 Federico Fellini (Los clowns, 1970)

 Ken Russel (La pasión de vivir, 1973)
 Stanley Kubrick (La naranja mecánica, 1971)

Sin duda Federico Fellini sería el autor más representativo de esta corriente, un
maestro del cine italiano, esta considerado uno de los maestros del film
contemporáneo. Guionista y ayudante de dirección, se incorporo en 1492,
contribuyendo también al nacimiento neorrealista junto a Rossellini. El estilo
metafórico de Federico contiene un estilo barroco, que en ocasiones estallaba en la
orgia intimista en las grandes escenas multitudinarias. Es aquí donde se aprecia
realmente la maestría del montaje y de la concepción de las secuencias. Su obra era
profundamente autobiográfica.

Otro gran cineasta que hemos clasificado en esta corriente es Stanley Kubrick, que
fue una de las revelaciones del moderno cine norteamericano. Autor con poderosa
personalidad. Importante creador de dos films en la era de los 50 “El beso del asesino,
1955” y “Atraco perfecto, 1956”. Sus films son ásperos y polémicos. Todos los films
posen un sello propio, como la muerte y la violencia, el sexo y el humor junto a un
penetrante sentido critico que no pone límites a ningún pudor, por ejemplo “La
naranja mecánica”.
Conciso e imaginativo inventor de formas e influido por el expresionismo langiano y
por el violento Samuel Fuller. Kubrick trabajaba con guiones muy elaborados.
Procuraba controlar el montaje y lanzamiento de sus películas hasta el final. Por otro
lado, su postura inconformista y agnóstica le convirtieron en uno de los artistas mas
incisivos e irónicos, mas influyentes y pesimistas del cine contemporáneo.

El lema el arte por el arte pasa por alto el mundo de los valores y derechos de la vida
humana. El arte por el arte no significa el arte por la obra, que es la formula correcta;
significa un absurdo. Esto es, la supuesta necesidad del artista de ser solamente
artista y no un hombre.

37. EL FILM POLITICO. COSTA-GAVRAS

Junto al cine esteticista se advierte otra constante creadora. Tras las famosas nuevas
olas comentadas antes, un género resurgió en el arte cinematográfico: el film político.
El cine político no era un fenómeno nuevo cuando se consolido en la década de los 70.
Uno de sus máximos representantes fue el realizador Costa-Gavras, ya había
manifestado:

El film político no es algo de ahora; al contrario. Recuerdo mi infancia, las películas

que nos contaban que los zulúes eran negros salvajes, que los indios solo deseaban
cortarnos las cabelleras… eran películas realmente políticas.

Fue en Italia donde renació el género, impulsado por el eurocomunismo de Antonio

Gramsci.

Al principio, el nuevo cine italiano mantuvo la fidelidad moral al famoso movimiento

neorrealista, que también había recogido un compromiso con la sociedad europea de
la segunda posguerra. Luego el nuevo grupo dentro del cine italiano de mitad de los
años 60 intentaría romper con las formas estructurales e industriales imperantes
desde el fascismo mussoliano. Esto daría lugar a un realismo critico encabezado por
unos cineastas muy politizados.

Era evidente que el film político estaba amenazando en su propio país y que los
cineastas tuvieron que recurrir a la capital de los estadounidenses.

Con todo no podemos olvidar los otros tipos de interés que se mueven tras el género
que nos ocupa. Ya lo afirmaba otro pionero del film político, Franco Brusati.

Constantin Costa-Gavras, el cual tuve gran éxito en taquilla, fue el cabeza del film
político, Licenciado en Cine, adquirió cierto renombre como ayudante de René Clair,
entre otros, y consiguió debutar en 1964 con Los raíles del crimen. Su gran éxito
mundial le permitiría rodar un segundo largometraje, el cual fue Sobra un hombre
(1965), y con ella sería premiado en Moscú. Costa-Gavras formó un grupo político en
colaboración con otras cineastas para realizar cine, su primer film fue Z (1968),
acerca del régimen de los coroneles griegos, la cual le costará la censura. Por último,
realizará el Estado de sitio (1973). Costa-Gavras fue polemizado y por la
comercialidad pretendía que su cine político siguiera adelante y no solo a nivel
estético-creador, sino también a nivel de investigación, sabiendo así conjugar su
compromiso ideológico con las convenciones del cine de género.

Aparece Baldelli, que fue un crítico italiano, el cual clasifico tres tipos de cine
políticos, dos europeos y uno latinoamericano. Este calificaba como Cine de
intervención a todas aquellas películas que intervenían en lo más vivo del problema
y sin ambición fílmico-estética

El cine de intervención se exhibía en circuitos de formato reducido y estaba realizado

por grupos estables que sacaban motivo de lo vivo, el cine militante se aprovechaba
de los canales no comerciales ya consolidados, tales como las escuelas, sedes del
movimiento obrero, y, por último, la protección que proporcionaba el sistema a todo
este tipo de cine.

38. EL CINE DE “CONSUMO”

Finalmente, se manifiesta una postrera tendencia creadora, la cual cabe consignar

bajo un epígrafe clarificador: el consumismo. El cine consumista, ha invadido
nuestras pantallas comerciales, así como la pequeña pantalla por medio del video y
las emisiones televisivas.

El cine español se basó prácticamente en el sexo, ya que el fin de la censura que no

dejaba ver nada a la sociedad provoca que de repente se quiera ver lo que estaba
prohibido, provocando así en España un cine anormal y palurdo para gente deficiente
según Ortega y Gasset.

En la década de los ochenta y los noventa, hubo una creciente recuperación del cine
norteamericano. Hollywood cobraría un nuevo auge industrial, aliándose con la
televisión, proporcionando así sus películas para que estas fueran vistas, pareciendo
nuevos nombres en el mundo cinematográfico como, Coppola (El padrino), George
Lucas (Star Wars) y Steven Spielberg, que impulsaron una escuela de jóvenes
cineastas, al tiempo que se revelarían actores-directores como Robert Redford,
Barbara Streisand, y el duro Clint Eatwoodd.

También cabe destacar que renace el western con Kevin Costner, y la industria del
cine americano-japonés domina en los noventa, dejándose así de notar el monopolio
de los EEUU en el mercado europeo, el cual intenta luchar contra los productos que
llegan de la enorme industria hollywoodiense. Aparecen grandes películas y el auge
de Hollywood vuelve a ser igual de grande que en sus principios, durante los años
noventa se verá caramente esto, con grandes récords en taquillas, gracias a películas
como Parque Jurásico, El rey León o Forrest Gump. Se empezaron a pagar sueldos
desorbitados a los actores, las salas de exhibición salieron muy bien paradas.
Grandes éxitos llegaban a la as pantallas recaudando poderosas sumas de dinero
como en Titanic (1997). Hoy Hollywood sigue siendo igual de poderosa en el mundo
del espectáculo y el entretenimiento y sigue mostrando su glamour cada año en los
Oscars.

39. EL NUEVO HOLLYWOOD

Llega una nueva etapa para Hollywood (principios de los setenta), y como antes las
productoras habían perdido mucho dinero, no pudieron hacerse cargo de su cine, esto
provocó que varias empresas compraran las distintas productoras.

Cola Cola compra Colummia Pictures, en 1982, la Fox fue comprada por Rubert
Murdoch, mientras la Parmount ya era una empresa más de la compañía Guli &
Western. La Universal y la Warner Bros, fueron propiedad de importantes empresas
multimedia.
En esta época es muy significativa la influencia de los agentes artísticos que se
encargan de la producción, lo que provoca que se incrementen los presupuestos de
las películas. Hollywood cobró un nuevo auge industrial en los noventa al aliarse con
la televisión, la cual había sido años atrás su mayor enemiga, proporcionando sus
películas e incluso produciendo series como Los Simpsons o Friends. Los estudios son
sobre todo un mecanismo para financiar los proyectos de productoras
independientes, y Hollywood es una serie de grandes corporaciones multinacionales
de ocio y la cultura.

40. LA ERA DIGITAL

Aparecen grandes películas del cine que utilizan imágenes electrónicas como The
Matrix (1999) o Pearl Harbor (2001), también destaca Fantasía 2000, la nueva
película de la factoría Disney, inaugurando las llamadas salas e-cine.

George Lucas ya rodó con cámaras digitales Star Wars, y en el 2001 se estrenó la
primera película enteramente virtual, Final Fantasy. Y cabe destacar que la gran
saga del Señor de los Anillos (2001-2003), de Peter Jackson no hubiera sido posible
sin el sistema digital. Por lo tanto, nos encontramos ante una nueva época que nos
lleva hacia el cine en 3-D, y que aparece gracias al sistema consumista-capitalista
del cine norteamericano.

41. HACIA UN NUEVO CINE EUROPEO

Aparecieron nuevos autores y obras en el panorama europeo contemporáneo. Entre

los uqe cabe destacar el cineasta francés Rohmer, un etnólogo que ofrece un alto
estudio mental sobre el comportamiento pequeño-burgués de muchos jóvenes
intelectuales franceses. Y también el polaco Krzysztof Kieslowski, que toma como pie
los colores de la bandera francesa inspirados por la Revolución, y en el cual ofrece un
discurso filosófico sobre la igualdad, libertad y fraternidad, para hacer reflexionar al
espectador.

Rohmer fue un ideólogo de la Nouvelle Vague, destacaría con tres series de películas,
los denominados seis cuentos morales, sus comedias y proverbios y los cuentos de las
cuatro estaciones, ofreciendo un agudo estudio de mentalidades sobre el
comportamiento del pequeño-burgues de cierta juventud intelectual francesa.

Los cineastas europeos abandonan su política defensiva frente al dominio

audiovisual norteamericano para pasar a un plan más ofensivo. Este camino supone
el abandono de la excepción cultural.

La baja capitalización de la industria cinematográfica europea es el principal motivo

de su falta de crecimiento, las exportaciones estadounidenses de películas se
incrementarán, y así los cineastas europeos abandonan su política defensiva frente
al dominio audiovisual norteamericano para pasar a un plan ofensivo, reclamando
una nueva directiva europea de cobertura (la producción estadounidense domina
más del 60% del cine que se proyecta europeo). El problema aún así reside que en
Europa el cine poco a menudo traspasa sus fronteras nacionales.

42. GRUPO DOGMA 95

La pujanza del actual cine del Viejo Continente es debido al último movimiento
fílmico europeo del siglo XX, que recibe el nombre de Dogme95, promovido por
realizadores daneses. Este proclamaba un “voto de castidad” y “diez reglas de oro”,
totalmente opuestas a la cinematografía contemporánea que se calificaba como
“aséptica y superficial”.

Aparece debido al último movimiento fílmico europeo del siglo XX el Manifiesto

Dogme95, que fue promovido y fundado en Copenhague en el año 1995, por un
colectivo de daneses, los cuales tenían diez mandamientos que debían seguir:

 El rodaje debe realizarse en decorados naturales, tanto interiores como

exteriores. Los accesorios y elementos decorativos no pueden ser encargados
expresamente para el film.
 El sonido no debe ser nunca producido separadamente de las imágenes. No se
puede utilizar música, salvo si está en la escena que se rueda.
 La cámara debe sostenerse sobre el hombro.
 La película se realizará en color. La iluminación artificial no es aceptable, y
si hay poca luz la escena debe ser cortada o bien montar una luz sobre la
cámara.
 Los filtros y trucos están prohibidos.
 La película no debe contener ninguna acción superficial.
 Los cambios temporales y geográficos están prohibidos, ya que la película
sucede aquí y ahora.
 Las películas de género son inaceptables.
 El formato del film debe ser realizado en 35mm.
 El director no debe aparecer en los títulos de crédito de la película.

La primera obra de este movimiento fue Celebración (Festen, 1998) de Vinterberg,

quien dice que fue muy estimulante para la imaginación.

43. EL DESPERTAR DE CHINA, ZHANG YIMOU Y OTROS AUTORES

El cine chino se renueva, destacando en este el cineasta Zhang Yimou, el cual

pertenecía a la quinta generación del nuevo cine chino, reconocido en Occidente como
el más importante director asiático compitiendo con los maestros del cine de Taiwán
o con otros directores como Ang Lee, que tuvo que emigrar (La tormenta de hielo).
En el cine chino los vínculos son mucho más amplios, y las películas son muy
parecidas entre ellas, debido a la cultura china, donde se tiene la misma forma de
pensar y de mirar.

Zhang Yimou presenta un amable y sagaz estudio de las mentalidades populares. El

contraste entre campo-ciudad se puede observar a través del cromatismo o la
ausencia de este, con un colorido en rojo y amarillo. Cabe destacar las manías propias
de su puesta en escena. Yimou recrea paisajes e interiores, ceremonias y rituales,
vestuarios y rostros, gestos y miradas, lo esencial y lo pequeña con una riqueza
estética y humana que alcanza lo sublime. Más adelante pone en escena esa
tradicional aventura épica de las artes marciales.

Otros autores chinos destacan también, como Won Kar-wai que era un cineasta de
culto que se formó en la Escuela Politécnica de Hong Kong, para luego introducirse
en el mundo de la televisión y para acabar destacando como guionista
cinematográfico (Happy Together, 1997). Tambén cabe destacar a Jia Zhang-ke, que
muestra el malestar de la China que acaba de resurgir tras la guerra, destaca por
ello su película Naturaleza muerta (2006).

44. ÁFRICA Y EL CINE ORIENTAL. ABBAS KIAROSTAMI

En África aparece también un nuevo cine, que destaca en distintos puntos del
continente de manera diferente y destacando con ello distintas firmas.

Pero el país más pujante cinematográficamente es Irán. Este cuenta con una escuela
de directores y posee uno de los grandes maestros del cine asiático Abbas Kiarostami.
Con una gran simplicidad narrativa y una pulcritud estética casi naïf, que le gusta
trabajar on niños y actores no profesionales, deja libertad a sus intérpretes, quienes
colaboran como coguinistas. Sus filmes presentan toques líricos y un sentido del
humor chejoviano.

Abbas Kiarostami evolución de la sociedad iraní, utilizando sus películas para ello,
las cuales eran de una belleza insuperable, y sin una descripción clara. También
aparecen grandes cineastas en Afganistán, Indochina, Camboya, en el norte de Asia
y en la República de Mongolia.

El cine es una ventana a nuestros sueños a través de la cual es fácil reconocernos a

nosotros mismos.

45. SATYAJIT RAY Y EL FENÓMENO DE BOLLYWOOD

La India toma un gran protagonismo en la producción cinematográfica, destacando

en él al cineasta Satyajit Ray y al fenómeno de Bollywood.

Satyajit Ray nació en Calcuta y fundó el primer cine-club de su país, además fue
guionista y música de sus propias películas. Poseía un estilo realista y poético,
delicado y profundo a la vez, acuñando la trilogía de Apu, que le daría a conocer a
todo el mundo. Realizó películas donde plantea una controversia en torno a las
supersticiones religiosas, además de hacer diversos documentales, cortos y
producciones para la televisión francesa, semanas antes de morir recibiría un Oscar
por parte de Hollywood. Fue más racionalista que humanista, además de un
marginal que había conseguido una áurea artística y un público fiel, fue muy educado
e imperturbable como persona, se interesó por los problemas sociales y políticos de
su país, realizando un cine contracorriente y lleno a veces de claves críticas de difícil
intelección, que chocaba con la producción convencional de la india.

Se interesó por los problemas sociales y políticos de su país, realizando un cine

contracorriente y lleno a veces de claves críticas de difícil intelección, que chocaba
con la producción convencional de la política cinematográfica india.

Bombay era la ciudad de los sueños, ya que lideraba el éxito del cine en el país, donde
su centro se llamará Tollywood para distinguirlo de Bollywood. Las características
de sus películas son que la duración ha de ser de un promedio de unas tres horas, su
guión se centra en una historia amorosa imposible y algunas relaciones de pareja
son poco explícitas pero sugerentes. Las escenas están repletas de colores y músicas,
contando también con sus propios actores estrella. El secreto de su éxito reside en
que ir al cine, para los indios, es además de un acto social, un acto religioso. El público
queda atrapado ante tanta belleza, sin importar que el argumento sea flojo. Si
embargo, no solo son musicales, comedias y melodramas los productos de la India
También hay artistas como la realizadora Mira Nair, y directores como Shyam
Benegal, quien, alejado de las convenciones de las factorías de su país, realiza un
cine social que fustiga las costumbres ancestrales injustas, sobre todo relacionadas
con la mujer.

El éxito oriental es debido a que sus películas son muy simpáticas, sin efectos
especiales, que ante todo llegan al corazón.

46. EL JOVEN CINE ESPAÑOL

En la Dictadura se produjeron filmes artísticamente importantes, como las películas

de Barden y Berlanga, las producciones de Luis Buñuel, o en el cine de Carlos Saura
y la ópera prima de Victor Erice. Se trataba de obras de carácter puntual y
generalmente con claras connotaciones de denuncia política.

Los directores actuales no pertenecen a ningún movimiento de reivindicación, y la

mayoría han recibido una educación cinematográfica a través de centros privados o
por cuenta propia, por ello tienen un profundo cambio en las temáticas y los estilos,
ofreciendo temáticas de análisis social del país más sensibilizado hacia el individuo,
a través del conjunto de personajes cuya distribución resulta sorprendente. Estas
películas son originales, y reflejan inquietudes y fenómenos diversos que a su vez se
relacionan entre sí. Los nuevos cineastas no creen que el cine pueda llegar a ayudar
a la sociedad, por ello buscan hacer compatible la calidad artística con la
comercialidad, a través de fusionar el género habitual del modelo norteamericano
con fórmulas tradicionales.

Los jóvenes realizadores buscan hacer compatible la calidad artística con la

comercialidad, a través de una novedosa combinación entre los géneros habituales
del modelo americano y ciertas fórmulas tradicionales del cine español, como el
costumbrismo, el drama familiar o la crónica negra. Dentro del panorama actual
artístico, podríamos dividir a los jóvenes directores/as en dos grupos : aquellos más
preocupados por la dimensión estética de su cine los cuales encontramos a Julio
Medem y Alejandro Amenábar, que buscan por medio de nuevas técnicas, normas
creativas de carácter innovador; y otros que ponen la imagen al servicio del relato,
la consistencia del guion y la carga dramática de la historia.

El Joven Cine Español no podrá con la competencia del cine norteamericano, ya que
además le falta promoción publicitaria a nivel incluso nacional. Y solo cuando se
conoce al director ya que es muy popular, se da un gran éxito en taquilla. Todo esto
se debe a que en España se hacen películas sin tener esperanza en que pueden
cambiar algo de la vida. Aún así el cine español ha ganado incluso Oscar´s como la
película de Amenábar Mar a dentro, como mejor película de habla no inglesa. Por lo
tanto el cine español solo puede ya mejorar a manos de los nuevos jóvenes que vayan
surgiendo a partir de ahora.