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ARTE: Es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser
humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o
imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite
expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones. Las Artes son producidas
por profesionales a quienes llamamos: Artistas,
3.- ¿CUÁLES SON LOS ESTÉTICOS QUE CONFORMAN UNA OBRA DE ARTE?
La obra de arte no es sinónimo de belleza o estética, aunque es una cualidad
intrínseca presente en el arte. La estética es totalmente subjetiva y no existe un
parámetro para definirla en el arte. Su apreciación es según quien o donde se
juzgue, al ser un juicio producto tanto de la concepción personal como del contexto
cultural donde se origine en determinada geografía y tiempo; ya que en ello influyen
factores socioculturales, de idiosincrasia y de identidad cultural, partiendo de que
los gustos y significados de la belleza no son iguales en todas las culturas del
mundo.
Escultura. Arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra
materia conveniente, representando en volumen, figuras de personas, animales u
otros objetos de la naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe.
Grabado. Es una impresión que se realiza a partir de una matriz de materiales tales
como madera, piedra litográfica, linóleo, cobre o Zinc. Con anterioridad, esta placa
ha sido tratada para poner en ella, mediante distintas técnicas, una imagen (a la
inversa) que, una vez entintada la placa, podrá imprimirse sobre papel o tela
mediante una prensa obteniendo varias reproducciones de la estampa.
La textura. La textura es la cualidad táctil de una superficie. Puede ser real o imitada
con una ilusión visual.
PUNTO: Señal de muy pequeño tamaño, casi sin dimensiones, que resulta
perceptible por un contraste de color o de relieve sobre una superficie y que
convencionalmente se representa como circular
DIBUJO: Forma que resulta de combinarse las líneas, figuras y otros elementos que
adornan una cosa o que son constitutivos de ella.
QUÍMICA DEL COLOR. La química del color se basa en los procesos de la materia
colorante los cuales se dividen en dos: Pigmentos y Tintes. Estos a su vez en
orgánicos e inorgánicos los cuales pueden ser de origen vegetal, animal, mineral y
sintéticos. Los pigmentos pueden ser mineral o sintéticos y los tintes son animales
o vegetales de origen sintéticos o naturales. La gran diferencia entre los pigmentos
y los tintes es la partícula de la cual están formados ya que la del tinte es pequeña
y es solvente y la del pigmento es más grande y es insolvente. Los materiales
colorantes están formados por pigmentos con un aglutinante y un medio. Uno de los
modificadores químicos de los tintes son los textiles que son naturales o sintéticos,
mordiente y modificador de origen natural y también el estabilizador. Unos de los
tintes más antiguos son los púrpuras, el escarlata y el anil, estos pigmentos fueron
traídos del oriente y ocupados por los artistas del barroco. La física y la química del
color se unen en un punto el cual son las características de la materia colorante.
Las tres partes que forman la materia colorante son la absorción, transmisión, y la
refracción sin estas tres características no se podría dar el color.
Hay ciertos aspectos subjetivos en la psicología del color, por lo que no hay que
olvidar que pueden existir ciertas variaciones en la interpretación y el significado
entre culturas. A pesar de todo, hay ciertos principios aceptados que vamos a
repasar en este artículo y que se aplican fundamentalmente a las sociedades
occidentales.
11.- A TRAVES DE COLORES, REPRESENTA GRAFICAMENTE LOS COLORES
PRMARIOS, SECUNDARIOS Y TERCIARIOS, INTERMEDIOS, CALIDOS, FRIOS,
NEUTROS Y COMPLEMENTARIOS.
12.- DE LOS SIGUIENTES ESTILOS ARTISTICOS, ESCRIBE LAS CARACTERISTICAS
MAS IMPORTANTES DE CADA UNO; ASÍ MISMO COMO LOS MÁIMOS
EXPONENTES Y SUS OBRAS REPRESENTATIVAS
Paul Klee.
Vassily Kandisky o Kandiski.
Franz Marc.
Otto Dix.
Alexej von Jawlensky.
Oskar Kokoschka.
Marc Chagall.
En pintura destacaron:
Gustave Courbet (a quien se lo llamó “El padre del realismo”) con obras
como Entierro en Ornans y El taller del pintor.
Características:
Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se
declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.
Destacados: El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros
que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas:
René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto
Matta, Yves Tanguy y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son
todos los que están.
CUBISMO: El cubismo es una tendencia pictórica (es decir, concerniente a la
pintura) nacida en Francia entre 1904 y 1914 y cuyo exponente más conocido lo
constituye el pintor y escultor español Pablo Picasso (1881-1973). El cubismo es
considerado como una tendencia fundamental en el desarrollo de las artes
contemporáneas, puesto que abrió campo a las vanguardias europeas del siglo XX,
a través de una flagrante ruptura con los modelos de perspectiva tradicionales hasta
la época y vigentes desde tiempos renacentistas.
2. Una de las características más importantes del cubismo es que sentó las
bases para una ruptura con la pintura “tradicional” que se había practicado
comúnmente hasta antes de su aparición. Por tal motivo, el cubismo les abrió
las puertas a otros movimientos artísticos contemporáneos.
Pablo Picasso,
Georges Braque
Juan Gris.
Fernand Léger
MURALISMO
Exponentes:
David Siqueiros, Diego Rivera, Orozco y Rufino Tamayo.
de sus puntos forma una recta, son hechos que aparentemente nada tienen que ver
con las necesidades cotidianas del humano, pero que se vuelven de gran
trascendencia a partir del momento en que se convierten en arte.
Características:
Características:
El pigmento es una materia compuesta por pequeñas partículas que son las que
confieren el color .Por otra parte, el tipo de materia utilizada condiciona asimismo
otras características de la pintura al óleo como ,la resistencia a la luz y la opacidad
o transparencia.
Los pigmentos también se diferencian entre ellos según la procedencia del material.
Son pigmentos orgánicos, los que proceden de animales o plantas. Los que
proceden de tierras o minerales son pigmentos inorgánicos, y por último los
pigmentos sintéticos, que gozan de una gran aceptación debido a su buena calidad
y precio asequible.
En el caso del óleo; como su nombre indica; la mezcla se realiza a partir del aceite
de linaza.
Una característica importante del óleo es la resistencia a la luz. La luz modifica los
colores. Por ese motivo en cada tubo de pintura especifica con el símbolo + el grado
de resistencia a la luz que tiene.
Entre los pigmentos que más se emplean por los artistas que se decantan por el
óleo para plasmar sus inquietudes y su manera de expresión se encuentran el azul
ultramar, el carmín, el cardenillo o el amarillo de cromo.
No obstante, tampoco hay que pasar otras pinturas realizadas con óleo, que
actualmente están consideradas piezas claves de la historia del arte. Este sería el
caso, por ejemplo, de las siguientes:
• “Retrato de los esposos Arnolfini”, que fue realizado en 1434 por el gran Van Eyck.
• “La tres gracias”, que data de 1575 y que es obra de Jacopo Zucchi.
• “Las espigadoras”, de 1857. Fue realizado este cuadro por Jean-François Millet.
ACUARELA
CARACTERÍSTICAS:
El agua es la protagonista de la acuarela y la causante de la excepcional
transparencia y luminosidad que la caracterizan, imposibles de conseguir casi con
ningún otro medio.
ECPONENTES:
Este material ofrece muchas más ventajas con respecto a otros que se emplean en
el medio tales como agregar más pintura a la superficie ya trabajada, utilizando
incluso una técnica diferente; el acrílico es estable, resistente a la oxidación, eso
explica por qué las pinturas con acrílico poseen una mayor vida útil. A diferencia del
óleo, el acrílico permite empastes de mejor resistencia, el primero, con el paso de
los años tiende a cuartearse; puede trabajarse sobre cualquier superficie que sea
absorbente de forma directa o como imprimación.
Se cree que las pinturas con acrílico pertenecen al período de arte contemporáneo,
teniendo su auge en la década del ’50 en el ámbito americano del expresionismo
abstracto, sus practicantes más fieles fueron Pollock y Rothko.
PASTEL: El pastel es un medio pictórico que pertenece al conjunto de las técnicas
secas. En este el pigmento se encuentra en estado sólido en forma de barras o en
forma de lápiz. No es necesario en su aplicación ningún tipo de paleta, pinceles o
disolvente alguno. Ya que se aplica directamente el color sobre el soporte. Estas
características lo han hecho un medio ideal para muchos artistas que lo han
seleccionado, sobre todo, por ser, si así se desea, un medio de ejecución rápida y
muy versátil. Técnica muy interesante que te ofrecerá una experiencia de dibujo
increíble.
CARACTERISTICAS:
Los colores tienen la capacidad de cubrir muy bien sobre cualquier soporte
si así lo desea el artista.
Sin embargo es muy sensible a la luz por lo que no debe ponerse en contacto
directo con esta pues de ser así con los años se decolora.
EXPONENTES:
Rosalba Carriera
Esta mujer de origen veneciano fue quizás la artista más internacional de la época
y con toda seguridad la pastelista más destacada. Empleaba detalles con color en
sus retratos que hacían reconocer fácilmente su obra. Trabajó con encargos para
personalidades de toda Europa que viajaban hasta Venecia solo para poder ser
retratados por ella. Los nobles de Francia, Alemania o de la corte inglesa fueron su
principales modelos.
Quentin de la Tour
Fue en este mismo siglo que Maurice Quentin de la Tour (1704-1788), un pintor
retratista francés alcanzó renombre utilizando esta técnica. Llegando a ser llamado
el "Príncipe de los pastelistas". Entre las personas de la alta sociedad que retrató
con este medio se encuentran Voltaire, Jean-Jacques Rousseau y el
mismísimo Luis XV.
Con el transcurso del tiempo, la tinta china ocupó una proporción cada día mayor
de manera que la pintura china fue denominada la pintura con base de tinta china.
La tinta china aplicada en la pintura se divide en cinco "colores"(tonos), según la
candidad de agua mezclada con la tinta, la rapidez y la lentitud del manejo del pincel
y la diferencia de las pinceladas largas y cortas, grandes y pequeñas. Todos estos
factores produjeron numerosos cambios de las técnicas de aplicación del pincel y
tinta y en la riqueza y variedad de los tonos de color.
CARACTERISTICAS:
LAPIZ DE COLOR
Los lápices de colores, como cualquier técnica de dibujo, y en este caso de color,
pueden ser muy insulsos si no exprimimos bien sus facultades, o se pueden
convertir en una técnica muy versátil si sabemos unas cuantas cosillas útiles. El
lápiz de color consiste en una barrita de madera con una mina coloreada en su
interior, más dura y fina que los colores pastel, pero con mayor facilidad de uso. La
mina se compone, actualmente, de cera y resina con pigmento de color. Al igual que
ocurre con los lápices de grafito, hay lápices de colores de distintas durezas, aunque
éstas no suelen venir indicadas.
CARACTERISTICAS:
Riqueza de tonos
Posibilidad de hacer tramas y fusiones
Posibilita las variaciones vibrantes en los paisajes y los reflejos susves en los
desnudos
Son prácticos y de uso inmediato
TEMPLE
Conocida por definir el estilo gótico, la pintura al temple o témpera es una técnica
que nuestros pintores expertos conocen muy bien y es ideal cuando se quiere lograr
un color suave en tonos pasteles que perdure en el tiempo.
Nuestros pintores están familiarizados con los retos que puede presentar la pintura
al temple. Para lograr resultados rápidos y profesionales, hacemos uso de rodillos,
brochas y pulverizadores. Como solo puede lograrse un acabado mate fino,
podemos incorporar tintes de colores pastel para evitar que se torne amarilla con el
tiempo.
Con nuestra experiencia, la aplicación es bastante sencilla, ya que solo requiere ser
diluida con agua para conseguir la consistencia adecuada para utilizarla. La pared
a decorar usualmente necesitará de un par de capas finas con sus respectivos
tiempos de secado, que oscilan entre 2 y 4 horas (dependiendo de la ventilación).
DIEGO RIVERA
Ocupación: Pintor.
Inicio: En el año 1906 Diego asistía a las clases nocturnas en la Academia de San
Carlos.
Justo Sierra, el Secretario de Educación, le dio una pensión, luego en 1907 Diego
recibió otra de Teodoro A. Dehesa Méndez, el gobernador de Veracruz, esta le
permitió viajar a España y realizar estudios de obras y al taller de Eduardo
Chicharro, ubicado en Madrid.
En 1992 se unió al Partido Comunista Mexicano este factor influyo en sus pinturas.
Además recibió el permiso para poder realizar su pintura y los murales en Palacio
de Cortés y en el Palacio Nacional.
Nacionalidad: mexicano.
En 1922, David Alfaro Siqueiros regresó a Ciudad de México para trabajar allí de
muralista con el gobierno revolucionario. En pocos años pasó de ser popular a
perder todos los apoyos en 1930, pasando incluso un tiempo en la prisión mexicana
de Lecumberri. En esta etapa Siqueiros produjo una serie de litografías de tema
político.
Debido al atentado contra León Trotsky, se exilió en Chile durante 1941. En Chillán
pintó "Muerte al invasor". Tres años después emigró a Cuba donde pintó "Alegoría
de la igualdad racial en Cuba". En 1966 recibió el Premio Lenin de la Paz y ese
mismo año recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México.
JUAN O’GORMAN
Con unas pocas obras de referencia, Juan O’Gorman es, sin duda, uno de los
arquitectos más destacados de la arquitectura mexicana del pasado siglo. Juan
O’Gorman asumió los postulados de Le Corbusier al pie de la letra: construcción
elevada del suelo, fachadas libres, espacio interior sin compartimentar, azoteas
habitables. Con todo ello, la paleta corbusiana se amplía a referencias del
constructivismo soviético y a la arquitectura vernácula mexicana, adquiriendo signos
de identidad únicos y contundentes.
A los 26 años, Juan O’Gorman se dio a conocer con estas obras, sin haber viajado
nunca fuera de México. Su lectura de la arquitectura funcionalista fue más radical
que la de cualquier otro arquitecto en el mundo (La nueva modernidad).
DOCTOR ATL
Gerardo Murillo
En 1897 le concedieron una beca del Gobierno para estudiar en Europa, obteniendo
su doctorado en Filosofía y Derecho por la Universidad de Roma en 1898. De los
años que pasó en Italia, le quedaron las imágenes monumentales del renacimiento.
En 1957 inicia una nueva forma de mostrar el paisaje, visto desde el aire. Escritor y
utopista, proyecta una ciudad cultural llamada Olinka en el cráter de un volcán
cercano a Puebla. Cuando falleció el 15 de agosto de 1964 en la ciudad de México
fue enterrado en el Panteón de Hombres Ilustres.
Como uno de los líderes del “Sindicato de Pintores y Escultores,” jugó un papel
importante en el desarrollo y el florecimiento del arte moderno en México. La pintura
mural fue el principal interés de este grupo, y la fama de sus logros en este campo
se ha extendido por todo el mundo.
En cada pintura de Orozco, como en cualquier otra obra de arte, siempre hay una
idea, no una historia. La idea es el punto de partida, la primera causa de la
construcción, y está presente todo el tiempo como una materia de energía. Existen
las historias y otras asociaciones literarias sólo en la mente del espectador, la
pintura actúa como el estímulo.
LEOPOLDO FLORES
Sobre las rocas del cerro de Coatepec y la gradería del Estadio Universitario,
Leopoldo Flores lleva a cabo “Aratmósfera”. Una obra clasificada dentro del Land
art, ya que el artista hace parte de la obra la propia naturaleza, los colores que el
medio ambiente aporta dentro de la paleta de color. El tema central es el nacimiento
de la luz representado por un hombre que emerge del suelo y sube con miras a
tocar el cielo. Para su realización se requirió de la participación del público, el
espectador acude al lugar con brocha en mano para convertirse en parte activa de
la obra.
Flores demuestra que el arte no debe estar encerrado en las paredes de una galería
con disposición a un sector de la sociedad, el arte se abre y comienza el movimiento
al que llamó: Arte abierto.
16.- DESDE EL PUNTO DE VISTA, ESCRIBE SI EL GRAFFITI ES ARTE O
VANDALISMO
Para muchos cultores del grafiti, la sola idea de escribir o pintar sobre una pared
con el Estado mirando sobre sus hombros y aprobando sus motivos es un
contrasentido. No obstante, algunas alcaldías y municipios han recurrido a la
estrategia de "encargar obras de grafiti" para que su aproximación al problema del
"grafiti como acto vandálico" no sea meramente punitiva.
El objetivo es mejorar la imagen de la ciudad para los turistas. Existen dos tipos: los
que han sido realizados con permiso de la Administración local (que están hechos
con gracia) y los de mal gusto que 'deshonran' a los grafiteros profesionales.
16.- DE LOS SIGUIENTES ARTISTAS PLASTICOS ELIGE UNA DE SUS OBRAS (LA
MÁS IMPORTANTE) Y ESCRIBE EL SIGNIFICADO O LO QUE REPRESENTAN EN SUS
OBRAS.
LEONARDO DA VINCI
LA GIOCONDA
La Gioconda o Mona Lisa es uno de los retratos más emblemáticos de la historia de
la pintura. Pintado por Leonardo Da Vinci en el siglo XVI, entró a las colecciones de
la corte de Francia para finalmente formar parte de las obras de Arte exhibidas en
el Museo del Louvre. Se dice que Leonardo Da Vinci habría llevado el retrato de la
Gioconda consigo cuando fue invitado a Francia por el rey Francisco I. La historia
cuenta que el artista y científico italiano tenía el retrato femenino durante su estancia
en el castillo de Clos Lucé (conocido también como mansión de Cloux), cerca de
Amboise (castillo del Loira). Desde entonces, la Gioconda formó parte de las
colecciones reales y fue exhibida en el castillo de Versalles durante el reinado de
Luis XIV. Llegó al Louvre en 1797.
La técnica de composición de la Gioconda hace que esta sea una de las obras más
estudiadas de la historia del arte y por los artistas aprendices. Es apreciada por su
encuadre muy moderno, como un retrato que se podría realizar en nuestros días.
Más sutilmente, se crean efectos ópticos por la ubicación de los ojos de la joven y
su sonrisa discreta. Hay quienes dicen que se siente la impresión de ser observado
constantemente por la Gioconda, cualquiera sea la posición desde la que uno la
mire. Esta anécdota demuestra los conocimientos científicos y anatómicos de
Leonardo Da Vinci. En cuanto a la célebre sonrisa de la Mona Lisa, hay testimonios
de que un grupo de músicos tocaba durante las horas de trabajo del pintor para que
ella mantuviese esa actitud alegre.
El fondo también es un caso de estudio. La técnica del sfumato se utiliza para crear
una perspectiva que se funde con suavidad.
MIGUEL ANGEL BUONARROTI
Se trata de uno de los mayores, más logrados y más famosos frescos de la historia.
Conocido a lo largo y ancho de todo el planeta, su enorme complejidad resalta nada
más entrar en la gigantesca sala de la capilla y alzar el rostro.
Miguel Ángel decidió plasmar en dicha cúpula la completa narración del Génesis.
Para ello dividió el techo en secciones, simulando diferentes elementos
arquitectónicos. Esos adornos hacen las veces de marcos para las diferentes
escenas. De todos ellos, la Creación de Adán es el más poderoso. Debido a lo
complicado de llevar a cabo tan inmensa labor y a la negativa del propio artista a
tener ayudantes, le llevó varios años terminarla.
RAFAEL SANZIO
EL TRIUNFO DE GALATEA
El triunfo de Galatea es un fresco pintado por Rafael Sanzio entre 1510 y 1511 en
la Villa Farnesina, en el barrio de Trastévere de Roma.
Al fondo, varios centauros surcan las ondas, unos llevando a las compañeras de
Galatea y otros tocando trompetas y caracolas. En primer término, el Amor vuela
hasta tocar las agujas, sujetando a guisa de palafrenero a uno de los delfines como
para indicar que todos los personajes de la composición se hallan sometidos a un
avasallador imperio.
PABLO PICASSO
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan
máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones
culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los
dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas
esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las
pinturas egipcias.
Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras
alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión
del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y
las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su
época negra.
FRIDA KAHLO
Desesperada, Frida trata de parar el flujo de sangre que viene de Diego, pero sigue
goteando… Frida esta en peligro de desangrarse. El cielo tormentoso, lleno de
nubes agitadas podría reflejar el caos interno de Frida. Sujetando su propia mano,
ella es su única compañera. En 1947, este cuadro fue comprado por el Instituto
Nacional de Bellas Artes de México. El precio de compra fue de $4.000 pesos
($1,000 USD) por la pintura y $36 pesos adicionales por el marco. Esta fue el precio
más alta pagada a Frida en toda su vida por uno de sus trabajos. Una reproducción
de esta pintura se exhibe en el Museo Frida Kahlo, Coyoacán, México
JOSE GUADALUPE POSADA
Posada ilustró otros tantos trabajos que Antonio Vanegas Arroyo realizó a propósito
de la festividad, calaveritas y panteones en especial, como el que les presento a
continuación. Se publicó a principios del siglo XX bajo el título Ésta es de Don
Quijote la primera, la sin par, la gigante calavera.
En la imagen apreciamos a un gran esqueleto que, tocado con una bacía al estilo
de Alonso Quijano, embiste y hace volar a otros más pequeños. El título, sin
embargo, es engañoso, pues éste no es un panteón dedicado a la memoria del más
grande héroe de la literatura hispana, sino una serie de sentencias en las que él
mismo adopta el papel de parca o psicopompo.
Todos estos códices tienen un gran valor historiografico puesto que fueron
realizados antes del siglo XV siendo los únicos textos indígenas que no recibieron
influencia hispánica.
La pintura mural no puede ser estudiada como un ente aislado de las demás
actividades llevadas a cabo por el hombre mesoamericano, sino como una parte
importante del mundo de color que creó y le rodeaba. Los tonos deslavados que
perviven en el estuco o en la piedra de lo que hoy llamamos ruinas, en su tiempo
fueron obras brillantemente coloreadas.
CALENDARIO AZTECA
La Piedra del Sol representa la visión del cosmos de los pueblos antiguos, es
también la imagen del mundo tal como se ve entre las cosas, encierra en sus
símbolos el concepto de la dualidad que hizo posible la creación de los mundos,
cuenta los días y los años, narra la trayectoria de Venus, tiene anotados los eclipses
y el paso de los cometas, es un mapa de la acción del tiempo, una guía astrológica
de la cultura mexica y guarda todavía muchos secretos de la cosmovisión azteca.
Al centro, el Sol como unidad creadora, le sigue el primer círculo que ilustra los
ciclos históricos de nuestro mundo, la llamada leyenda de los cuatro soles. Dice allí
que en el día 4-Tigre la tierra fue destruida y las fieras devoraron a los gigantes; el
día 4-Viento el planeta fue devastado por huracanes y los hombres se convirtieron
en monos y se fueron a vivir a las cavernas; el día 4-Fuego, los hombres se volvieron
pájaros y el mundo fue destruido por erupciones volcánicas; la última hecatombe el
día 4-Agua, la provocó una gran inundación y los hombres se volvieron peces. Así
fue como el día Omey Acatl o 13-Caña nació el quinto sol, el que vivimos los seres
humanos de ahora el cual quedará sepultado bajo los escombros provocados por
un terremoto.
De este modo, uniendo todos esos elementos los historiadores han interpretado
toda esa iconografía como una representación del ciclo sacrificio – muerte y
resurrección, básico para entender las creencias del pueblo azteca, en las que se
creía que vivían bajo el quinto sol y para que éste siguiese luciendo era
imprescindible realizar sacrificios rituales con cierta regularidad.
COYOLXAUHQUI
La piedra de 320 cm de diámetro fue encontrada en 1978 durante trabajos de
construcción. El nombre Coyolxauhqui significa "pintada con campanas".
Generalmente se la representa con campanitas en las mejillas.
Cuando sus otros hijos, los Centzon Huitznahua "los cuatrocientos o innitos del sud"
y su hija Coyolxauhqui se enteraron de este misterioso embarazo, se ofendieron y
se dirigieron al Coatepec para matar a su madre. Al llegar, Coatlicue ya había traído
al mundo al dios de la guerra Huitzilopochtli, que entonces les hizo frente, degolló a
Coyolxauhqui, arrojando el cuerpo por la pendiente, despedazándolo. De los
Centzon Huitznahua fueron muy pocos los que pudieron salvarse, huyendo hacia el
sur, en donde se los ve desde entonces como estrellas en el ciel
PIEDRA DE TIZOC
Esta pieza de forma cilíndrica llamada “La Piedra de Tízoc” fue encontrada el 17 de
diciembre de 1791 durante las obras de remodelación de la plaza de armas
realizadas por el Segundo Conde de Revillagigedo. Su diámetro mide 2.65 m, con
93 m de altura. Está hecha de basalto. Parece que su función era la de un
temalacatl, o un espacio donde se libraban los combates de rayamiento o
gladiatorios durante la veintena del Dios Desollado Xipe Totec. Esta ceremonia
consistía en atar a un cautivo de guerra del tobillo o de la cadera al centro de la
estructura para que combatiera con diversos guerreros mexicas, uno a la vez. El
cautivo sólo llevaba una macana sin filo mientras que sus enemigos llevaban como
arma un macuahuitl (macana cubierta de filosas lajas de obsidiana por sus bordes)
y chimalli (escudo). Eduardo Matos y López Luján concuerdan con esta función, sin
embargo Juan de Torquemada en su Monarquía Indiana en el siglo XVI planteó que
se trataba de una piedra sacrificio en la cual colocaban al prisionero para extraerle
el corazón. Para Manuel Orozco, destacado estudioso de finales del siglo XIX la
Piedra de Tízoc tenía la función de un cuauhxicalli o jícara del águila donde se
colocaban los corazones humanos para ser ofrendados al sol. Cualquiera que sea
su función está claro que es un monumento dedicado a rendir culto al sol y al poder
militar de Tenochtitlán.
…se distingue en el rico, más abundante y distinto plumaje de la cimera del caso,
en el lujoso maxtlatl en la joya y borla que la espalda le cuelgan: estas insignias y
adornos, que a solo a príncipes o reyes corresponden determinan ser este el grupo
principal, el primero por donde la lectura comienza.
Tízoc y los 14 guerreros mexicas que aparecen tomando por el cabello a sus
contrincantes derrotados que representan a los gobernantes de los diferentes
altepemes (poblados) que fueron subyugados entre 1481 y 1486. Estas escenas
son flanqueadas por dos cenefas decoradas con diferentes elementos asociados a
la guerra. En la cenefa inferior encontramos cuchillos de sacrificio (tecpatl) que
pueden representar las fauces de la deidad de la tierra Tlaltecuhtli, quien da vida y
también devora a los caídos. En la superior aparecen elementos celestiales como
representaciones de estrellas y de Venus (siempre relacionado con la guerra a
través de su personificación divina dentro del panteón mexica
Tlahuizcalpantecuhtli).
QUETZALCOATL
La serpiente preciosa es casi exclusivamente identificada con el dios tolteca
Quetzalcóatl, el que fue reverenciado por múltiples culturas del Valle de México
como los teotihuacanos, los propios toltecas y hasta los tenochcas (mexicas o
aztecas), como podremos evidenciar en el arte de cualquiera de estos pueblos.
Los símbolos de los mayas son el código que lleva a la perfección. De hecho, en él
puede reducirse el concepto del ser humano perfecto. El concepto de "tolteca" no
se toma aquí como un grupo étnico, sino como una función para superar los niveles
más bajos de la existencia (por ejemplo, los Chichimecas, que también se perciben
no como una etnia, sino como una calidad de persona). En realidad, los
Chichimecas formaron una etnia de baja frecuencia de los aztecas, que se
caracterizaron por desarrollar numerosas supersticiones y otros efectos no
necesarios.
En cierta medida los aztecas son los romanos de Mesoamérica. Con ellos llegaron
la dependencia y el miedo a la muerte, o el miedo ante Tezcatlipōca (El que lleva la
muerte). Los aztecas le contrastaban la fuerza de Quetzalcóatl; éste ya era
considerado no como una persona, sino como un Dios. Lo único que ellos
conservaron y heredaron en su forma pura fue la percepción del espacio,
simbolizada por Teōtīhuacān.
Estas serpientes, que también están en los taludes, parecen reptar sobre conchas,
caracoles y cuentas de coral, indicando que Quetzalcoatl es una deidad creadora,
ya que el caracol marino, usado como trompeta, deja oir el soplo divino hecho
sonido, y la concha simboliza la vulva materna, el nacimiento de las criaturas. (...)
Este monumento estuvo totalmente policromado y muestra en el frente una
escalinata que tiene en sus alfardas otras cabezas de serpiente brotando de un
rosetón.