Nombre: Maximiliano Olivares M.

Profesora: Tamara Figueroa

Poéticas escénicas
05-07-2017

El teatro y su responsabilidad con el contexto

Desde los tiempos antiguos, los griegos hacían grandes representaciones de obras, con
grandes coliseos y grandes escenarios, donde el fuego en representación de Dionisio le
daba culto y se representaban grandes relatos de dioses y titanes. Así se nos enseña en las
escuelas y en la historia universal, pero ese teatro marca el avance del teatro en paralelo
a la sociedad como en Europa, Asia, áfrica. ¿Y en América cual sería la relación con el
teatro? Tomando en cuenta que no somos herederos directos del teatro en Grecia. Pero la
relación más directa que tenemos es el teatro de los españoles que en la colonización lo
utilizaban para evangelizar.

Mientras que el viejo continente el arte iba sufriendo cambios, por sus procesos
históricos, la ilustración es el intermediario que de una u otra forma venían también a
experimentar a este continente y donde repercutía la reacción del arte que estaba en su
contexto hasta la institucionalización, junto a las otras artes de expresión, como la pintura,
la música etc. en Latinoamérica se va sincretizando con los ya colonizados que llevaban
la música a la tierra, que se relaciona mucho con los cultos que daban los indígenas a la
naturaleza.

Así también pasaba con las ideologías políticas que también iban con su transcurso y su
Que trababa de dominar junto a la corona, con las revoluciones francesa como la industrial
también repercutían en el sincretismo que se iba generando, y como la opinión de los
criollos quienes tenían la posibilidad de ir al viejo continente volvían con ideales distintos,
en este nuevo mundo que se estaba generando en este lado del planeta. Se crea un mestizo
que no tiene identidad, nos originario ni invasor. Y que tiene un precepto equivoco de la
realidad por querer recrearla en el nuevo mundo.

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Ese es y uno de los problemas de Latinoamérica, que tiene un desfase en la historia
universal, y lo que entendemos por modernidad heredada por la colonización aún está
presente en nuestra vida junto a todo el modelo de vida que este conlleva. Eso también
tiene que ver con la utilización y expropiación de los recursos naturales, que si bien para
los indígenas era parte de su vida, en la que vestían, comían y habitaban, el peligro ya no
estaba en las civilizaciones como la maya azteca o inca, si no que de algo más grande que
se apoderaba tanto de sus tierra como sus vida imponiendo una religión que no le
correspondía e impuestos, un problema también vigente hoy en día. Mientras que en esta
parte del continente los españoles, portugueses e italianos, los ingleses también hicieron
de las suyas en el norte, borrando toda una identidad. Que con el tiempo se apropiaron
cada vez más instalándose como potencia y donde le capitalismo dio mejor resultado y
fue mediador desde las indecencias latinoamericanas, por los tratados de armas.

Toda esta introducción que acabamos de ver no es por que quiera hablar de historia
etnográfica universal, sino más bien de como el arte se va desarrollando en ella y cómo
repercute en las nuevas artes, si bien el naturalismo y el realismo eran representaciones
de la vida y que eran parte de la modernidad europea, pero en las revoluciones postguerras
la ponen en duda, y es por eso es que nos vamos a finales del siglo XIX y siglo XX, que
serían los que entran de lleno si hablamos de arte en términos de cambios de paradigmas
y la instalación de la nuevas sociedades en América.

La religión y la política en general va afectando esta nueva cultura a través de la biblia y

el sistema feudalita que desde es más conocido como el capitalismo se complementaron
para establecer un orden, estos dogmas imponen una realidad, como lo mencionábamos
anteriormente se trató de reproducir el positivismo y progreso, del que no habla Pedro
Morande en Modernidad e identidad latinoamericana, es una de la razones como la idea
del modelo económico se fue instalando hasta nuestros tiempos ya que separaba la
sociedad en niveles sociales dependiendo del estrato económico que tengan y donde
principalmente se marginaban las tribus etnográficas y los criollos que nacían desde los
europeos plebeyos que llegaban aquí.

Retomando con el ámbito del arte y todo el contexto europeo y la ruptura del arte
específicamente en el naturalismo y realismo y la búsqueda del hombre moderno que
habla Nietzsche la idea del súper hombre y dice Dios ha muerto, empoderando al hombre
de su vida y de su contexto, liberándose de las doctrina que los poderes hegemónicos

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estaban manipulando, esto replantea la idea de lo real. También profundizando la idea de
Darwin con la evolución de la especie y en este caso de donde habría evolucionado el
hombre lo que en la ciencia también se estaba cuestionando la idea de lo real como
doctrina.

Las vanguardias artísticas reaccionan en periodo entre guerras, por el contexto en el que
estaba viviendo en ese entonces Europa los cuestionamientos del hombre en lo racional y
lo irracional lo empoderaron más de la cuenta pensando que en la sociedad el dinero como
mecanismo de poder iba tomando el control de la sociedad tomando en cuenta que iban
en que estaban en plena revolución industrial y desata la primera guerra mundial, esto
desata una de las como el dadaísmo y el surrealismo.

Exponente en el teatro en esta rama es Antonin Artaud que cuestiona la representación

del teatro moderno que solo mostraba una realidad, que estaba mediada por ciertos
fetiches de los burgueses y las temáticas del teatro tradicional no causaban nada en el
público, planteando de esta forma Artaud volver al origen donde el teatro vuelve a lo
ritual y se apodera de la escena y traspasa al espectador, mas allá de texto excesivamente
largos , palabras que solo adornan la escena y decoran la misma realidad que Antonin
estaba viviendo.

Por otra parte Bertolt Brecht, también un exponente del teatro propone el teatro épico o
dialectico, poniendo las problemáticas de la clase obrar en el teatro, como fuente de
inspiración, de tomar el teatro como herramienta de exponer los reales problemas de la
sociedad y expone los abusos de los poderes establecidos. Tomando en cuenta que era
esta clase la más afectada en el contexto entre guerras y es por los estilos de teatro que
proponen Artaud y Brecht los que son considerados por la vanguardias mencionadas que
rompían con el naturalismo y el realismo.

Tanto el dadaísmo por el espíritu de romper con el arte establecido, como el surrealismo
que apela a lo inconsciente del hombre, pero donde se podrían unir estos dos autores seria
por el simbolismo donde se antepone el espíritu a la materia ( Hegel 1807), ya que Artaud
quiere retomar lo ritualismo en el teatro desde el origen, Brecht también lo retoma pero
desde el teatro popular desde la comedia ya que el fin del teatro también entretener, pero
también aprovechaba de instalar un mensaje pero que quedara a conciencia del
espectador, más que imponer una ideología, tomando en cuenta que Brecht simpatizaba
con el Marxismo entonces el compromiso era más con el pueblo.

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La similitud que había en estos dos autores es donde se replantea la palabra en el teatro,
el cuerpo y el texto, ambos rechazan el orden aristotélico de las obras teatrales, en
términos de cuerpo, Artaud pide un poco más de compromiso desde el actor donde el
cuerpo expresa más que la palabra, donde es el cuerpo quien expresa lo real del interior
del ser humano y utiliza la metafísica de la palabra que si bien el último recurso al que
apela este tiene que significar algo que traspase al espectador, para esto Antonin realizo
estudios en el teatro oriental como el balines y también en México, donde busco la
experiencia con el peyote que lo aria viajar desde su interior y relacionarse desde ahí con
el exterior en su conexión a través del espíritu.

Mientras que por otro lado Brecht utilizaba la ópera, la comedia y el expresionismo, con
el fin de divertir pero postulaba a que el teatro debe siempre tener el fin de divertir y
también ser consecuente con su contexto, es por eso que también a través de ejecuciones
y de acciones concretas es como también exponía problemáticas a causa de las injusticias
sociales, y como menciona en El Pequeño Órganon, la distinción del teatro épico y el
dramático, como forma de expresión teatral, tomando en cuenta siempre una relación con
el público en una especie de extrañamiento y distanciamiento y exponer ciertas
problemáticas que quedaran a juicio del espectador y hacerlo actuar dentro de su ser real,
es en este lugar donde en el teatro le otorga un ligar al cuerpo del actor y la palabra.

Para analizar de forma más profunda a estos autores vamos a analizar dos obras las que
podemos identificar una distinción en la forma en cómo se ejecutan pero con el mismo
propósito de llegar al espectador, que en relación con las vanguardias reaccionan a un
contexto histórico, reformulan el arte a través de la destrucción como los es La danza
Butoh que nace como reacción a los ataques nucleares a Hiroshima y Nagasaki por, que
supuestamente pone fin a una guerra. Lamentablemente no pone fin a ninguna guerra,
lamentablemente esa realidad destruida en cuestión de minutos ya está expandida por
todo el mundo y va en auxilio de reconstruir esa destrucción, que si bien es un hecho
histórico importante, el modelo de vida de aquella época y la de hoy, van demasiado
rápido, como para que esta sociedad se detenga a pensar y reflexione por lo ocurrido y es
un anécdota más para la historia. Menos para quienes lo vivieron.

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Aun siendo minoría fue cuna de la Danza Butoh para presentar aquella realidad que se
desprende de la cotidianidad sistemática y globalizada, que muestra los cuerpos mutilados
desplazándose, renaciendo en este caos que altera el orden ya establecido, que en si ya es
cruel, ver cuerpos intervenidos por la radiación de materialidad como platicos, telas, metal
en los cuerpos de las victimas nucleares, es aún más cruel la elaboración de dicho
acontecimiento que por intereses económicos como factor de estas dos guerras mundiales
es como afectan directamente a personas inocentes.

De este mismo modo es como Artaud, toma el concepto de crueldad en la vida misma,
que se escapa de todo paradigma de la noción del teatro moderno que ya no debe de
representar la vida de algunos fantoches, con textos poéticos que hablan del amor y la
fantasía, idealizada que aún sigue presente en nuestra actualidad. A lo que va Artaud
entonces es presentar la vida misma detrás de toda moral instaurada desde la religión y
de los poderes jerárquicos que se mantienen en una clase determinada para la dominación
de los estados de hoy. Develar esa realidad oculta que pulsa el inconsciente de aquel
humano capas de desprenderse de la realidad establecida para poder observar, criticar y
generar puntos de vistas distintos a las normas. Así como el Teatro y su Doble, como la
vida “el árbol” y el Rizoma (Deleuze, 1977) que se desprende y se abre a un mundo de
posibilidades como un salto sin dirección que está en constante peligro por las
indagaciones que este opera al momento de desprenderse ya de lo establecido, es decir,
del orden.

Aquí es donde podemos identificar la reacción de un arte como la danza Butoh que
reacciona en base a la tragedia como lo fueron Hiroshima y Nagasaki, y lo que veremos
a continuación es la obra de Bob Wilson con los sonetos de Shakespeare en el Berliner
Esnsemble, fundado por Bertolt Brecht, devela ciertas características de la puesta en
escena, teniendo conocimiento de que Brecht también es uno de los referentes de Wilson.
El comienzo de la obra presenta características del teatro épico como la presentación de
la fábula, los personajes, contexto y fuerzas en oposición, que se pueden apreciar a través
de los cuerpos de los personajes en cómo se relacionan, lo que sería el desarrollo de la
obra, a través de la acción y la intriga y que no sigue un orden lineal, es decir, aristotélico.

El lugar que otorga la puesta en escena varía por los referentes de Wilson, donde podemos
identificar el simbolismo que otorga este lugar onírico que tiene ciertos indicios de poner
en un contexto a los personajes y va creando cierta realidad, en la accionar de los

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personajes y como estos se desplazan y se expresan, se pueden identifican ciertos rasgos
del expresionismo, donde destaca el maquillaje, y el desplazamiento de sus cuerpos en
penumbras que mostraban construcciones esquemáticas y se complementaban con el
vestuario que en ocasiones podemos apreciar el arte de la bauhaus como, “El Ballet
Tríadico de Schlemmer” y la presencia del bufón que su acción en la puesta en escena es
una cita a la comedia del arte, en cómo se expresa y opina a través del cuerpo. La puesta
en escena en si narra desde la imagen, y muchas veces se contrapone con el texto
(sonetos), que se presenta en la progresión de la obra.

El primer soneto que da inicio a la obra es el soneto cuarenta y tres, y la escena se modifica
en un lugar más onírico del que ya ofrece que es mediado por cupido y quien emite el
soneto (El Rey en el rol de Shakespeare) y se representa la visión del contexto en la época
del autor, que lo definiría como un contemporáneo (Agamben, G. 2008) para su época y
la búsqueda del hombre libre.

“Cuando cierro mis ojos es cuando mejor veo.

Todo el día mirando, cosas sin ningún mérito.

Pero al estar dormido, en mis sueños te miran,

y oscuramente brillan, guiando mis tinieblas.” (Estracto soneto 43, Shakespeare)

Así es como se presentan los sonetos y como se va yuxtaponiendo con los cantos en
Ingles, los textos hablados en Alemán y la imágenes de la escena con las relaciones entre
los personajes y la utilizaciones de símbolos, si bien podemos ver a simple vista algunas
incoherencias entre texto e imagen al analizar más a fondo nos damos cuenta que toman
más sentido de lo que pensamos, he aquí donde la estructura épica y la poética de Brecht
opera, desde la síntesis de la puesta en escena, es decir, lo que está en escena esta por
algo que aporta a la narración y no como decorado.

Como lo podemos ver en el soneto veintinueve. se sustenta de cuatro cuerpos en escena,

de los cuales tres están en penumbra y el cuarto esta con el rostro iluminado, de fondo
hay dos pantallas con un video que muestra a un niño afro-descendiente, siendo
manipulado por un sacerdote de la misma descendencia, mientras que el niño está leyendo
un libro, la tensión se genera desde el video que se emite de forma simétrica y el personaje
que está iluminado, mientras que los tres cuerpos que aún no podemos distinguir cantan
el primer párrafo de soneto que habla sobre “la desgracia del hombre en su soledad y

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maldice su destino”. Al continuar con el soneto se iluminan los demás personajes que
siguen con el soneto que habla de una “envidia al rico en esperanza” tomando en cuenta
lo que ocurre en el video, y “la del otro, el poder” como una especie de sometimiento
hacia el personaje que está iluminado desde el principio, que está en contaste tención la
imagen. Aquí es donde entra el ojo de Wilson que toma estos acontecimientos para relatar
algo que si bien podemos hacer una línea de tiempo y ver la esclavitud de los africanos y
el machismo, como sometimiento al sexo Femenino, temas que podemos tomar en cuenta
desde la época de Shakespeare, sigue vigente en la época de Brecht, pero con ciertos
cambios, pero que no ha cambiado del todo en nuestra época o más bien en la de Wilson,
y en la cual hace presente en la puesta en escena desde los actores en la construcción de
personaje, y su propuesta desde el cambio de rol como actores hacia los personajes, donde
los hombre son mujeres y viceversa.

Es así como la imagen que propone Wilson en yuxtapocion con el soneto puede narrar
esta manipulación que mencionaba anteriormente en acontecimientos de nuestra realidad,
y la de Shakespeare y Brecht. Si vamos al soneto sesenta y seis que pone a tres personajes
en la puesta en escena en un costado esta la Reina al otro costado está el Rey y en el centro
se encuentra un árbol donde sale uno de los personajes sosteniendo en la mano derecha
una serpiente y en la mano izquierda una manzana, como símbolo del pecado original de
Adán y Eva, este personaje comienza con la primera exclamación que forma parte del
“soneto sesenta y seis, que pide la muerte como descanso eterno al ver la injusticia al del
mayor mérito convertido en mendigo”. este texto se asemeja a la puesta en escena, en lo
que significa el fruto prohibido por lo que Adán y Eva fueron expulsados del paraíso y
como esto es manipulados por el catolicismo, el cual gobernaba junto con las monarquías
en la época de Shakespeare, Es esta tensión que se genera en las continuación del soneto
ya que es de carácter denunciante y este personaje se ve tentado por la manzana y se
centra en los reyes quienes son los denunciados por la manipulación de la fe y la moral
de la época, todo esto es relatado por el personaje quien con la manzana relata a través
del cuerpo lo importante de la decisión de cometer pecado original, y la neutralidad de
los reyes por el rol que ejecutan de poder y catando el soneto es lo que pone en conflicto
la puesta en escena, lo que podríamos identificar como otro tipo de distanciamiento entre
texto, personajes y acciones.

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Si bien la expresiones que acabamos de ver como la danza Butoh analizada desde un
punto de vista de Artaud y en relación con el creador de la danza Butoh, Tatsumi Hijikata,
quien tradujo la catástrofe al cuerpo a través de la danza dando lugar a al texto en el
cuerpo. Y lo llevo desde la experiencia que vivió en carne propia, desde esa compromiso
y desde esa crueldad como la propone Artaud es como también se reacciona a su contexto,
y más que tratar de representar la realidad la presenta, desde la misma ejecución de la
acción a través de los interpretes que pasan por la experiencia de por medio de la
expresión de sus cuerpos.

Por otra parte Bob Wilson que si bien tomo lo sonetos de Shakespeare y utilizo la poética
de Brecht en el texto Estudio del proceso de creación de la obra de Robert WiIson primera
parte en el ámbito y la vanguardia escénica del arte contemporánea (Pedro Valiente 2000)
vemos un director contemporáneo que es capaz de aparte de a ver trabajado en la obra
que vimos recientemente, primero contextualizar los sonetos desde hace 500 años,
proponer esta realidad que a través de los arquetipos y esto también lo traduce en la puesta
en escena en general, con un discurso, en el que pone a la burguesía estructurada y
estructuradora es capaz de hacer dialogar a Brecht y Shakespeare y es capaz de poner en
cuestión a la iglesia o el catolicismo desde la misma época donde imperaba junto con la
corona.

Entonces es donde volvemos al principio y vemos como el arte reacciona como contra
cultura, pero a la vez al ser contra-cultura termina siendo de igual forma, para los
contemporáneos que según agamabel, son capaces de vivir en su contexto pero que
también es capaz de desprenderse de aquel contexto y desprende otra visión sin olvidar
el que habita y desde estas formas podemos diferencia en el teatro de cómo pasa al
moderno al posmoderno, tomándolo en cuenta desde el punto de vista latinoamericano,
del desfase histórico que hablábamos en el principio y lo podemos entender desde Pedro
Morande, hasta (Gilles Lipovestsky 1983) en “La era del vacío” donde explica la
consolidación del capitalismo y el fin de la guerra fría, y eso repercute en Latinoamérica,
primero entendiendo la modernidad como un proceso tardío en términos globales y donde
la experimentación de las artes desde antes de los 70 en Latinoaméric y en chile
específicamente se vio estancada por la dictadura , no así por ejemplo si vemos la
performance, la instalaciones y el arte conceptual, en donde podemos ver artistas como
Pedro Lemebel, Alberto Kurapel, Alejandro Jaar, Etc.

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Pero son esos referentes son más intelectuales que tuvieron de alguna forma un
conocimiento más cercano desde el arte, pero en la masa aun somos herederos de la
modernidad antigua, donde la gente no comprende el teatro desde el punto de vista de
Artaud, o de Brecht, no de forma directa, porque la masa comprende el teatro desde la
intelectualidad o de la institución sino, que la entiende desde el carnaval, donde la
organización vecinal cuando hace obras de teatro, se acerca del circo, donde el vecino se
disfraza de mujer, pintarse la cara como un mimo, donde la musca también es importante,
por eso lleva al baile, donde celebran el aniversario de una cuidad o una localidad, y la
ritualidad se genera desde la candidata reina, que baila con su respectivo Rey feo, y la
preparación de la comunidad a la celebración, donde la gente participa ya sea cantando
o haciendo pequeñas representación, pero eso hoy en día está en crisis, por la
globalización y la mala utilización de la tecnología que se apodera de los espacios, como
la teoría de (Gilles Lipovestsky 1983) en “La era del vacío” donde la consolidación del
capitalismo consolidando el neoliberalismo y tendemos a buscar ese despojo, ese
hedonismo a través del consumo, y mientras más acceso tenga por medio de los créditos
más esclavo me hago del sistema.

¿Esta será la catástrofe en la que estamos viviendo para reaccionar como artistas frente a
nuestro contexto? ¿O será que a los artistas también la globalización los está
consumiendo? Es mejor estar atentos porque si bien estos referentes que vimos son
europeos, como Brecht un alemán y Artaud un francés supieron reaccionar bien a su
contexto y pueden ser un buen referente al momento de intervenir en la sociedad

Y no tener miedo de ser un Van Gogh, que rechazado por pensar y ser distinto, por
desprenderse de la realidad impuesta y vivir su realidad, por los sucesos que ocurrieron
en su vida y que el artista fue capaz de observar y reaccionar ante lo vivido.

Lo mismo ocurre con Artaud, que por los estudios que el realizo en el medio oriente y
México, los que desprendieron su observación del Arte establecido y es esta multiplicidad
es la que interviene en su intelecto y es capaz de diferenciarlo por el deseo de
descubrimientos que se diversifican, es el Rizoma que se desprende en lo oculto que se
desprende tanto por el interior como al exterior y se contraponen a lo establecidos
poniendo en riesgo el contexto en el que se encuentran, a lo que podríamos decir que es
el árbol que es lo que se desprende y se sustenta de la raíz, en un “orden” o “realidad”.

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Entonces es a través de las poéticas de estos dos autores tanto como Brecht y Artaud, se
puede ir desprendiendo el análisis en el arte tanto en Europea como en Latinoamérica, si
bien estos dos autores fueron capases de replantear el teatro tanto en su forma como en
discurso, donde el teatro más que una expresión artística es una forma de vida, desde los
espiritual que propone Artaud, como en lo político de Brecht, como un actor social. Es
ahí donde el rol del actor o teatrista, en conjunto con el arte total tiene un compromiso
más profundo con la sociedad, donde la pone en crisis, mostrando los distintos tipos de
realidad, y rompiendo la realidad establecida que en el mundo que vivimos, manipulado
por el capitalismo y el consumismo nos tiene atrapados en una realidad manipuladas por
los poderes hegemónicos a su favor, crenado guerras, desastres y pagando un fuerte precio
las personas que cada día tratan de aportar en la sociedad, desde la confianza que
depositan las personas desde insertar a sus hijos en el colegio, a ls fe que aun depositan
en la iglesia y Dios.

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Bibliografía
- ¿Qué es lo contemporáneo? (Giorgio Agamben, 2008)

- Rizoma: (Gilles Deleuze, 1977)

- El Tetaro y su Doble (Antonin Artaud)

http://www.edras.cl/wg/data.edras.cl/resources-files-repository/teatro-doble.pdf

- El suicidado por la sociedad (Antonin Artaud)

- El pequeño órganon para el teatro (Bertolt Brecht, 1948). Traducción de Christa y José
María Carandell. Editorial Don Quijote.

-¿Qué es lo contemporáneo? (Giorgio Agamben, 2008) Traducción: Ariel Pennisi,

Revisión: Adrián Cangi

- Estudio del proceso de creación de la obra de Robert WiIson primera parte en el ámbito
y la vanguardia escénica del arte contemporánea, (Pedro Valiente, Madrid, 2000)

- La era del vacío, ensayos del individualismo contemporáneo (Gilles Lipovetsky 1983)
traducción; Joan Vinyoli y Michele Pendanx, 1986

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