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LA PINTURA EN EL PRIMER RENACIMIENTO

El renacimiento es el movimiento más sublime en toda la historia del arte. Giotto abrió
camino a la pintura, Masaccio dio esplendor a la escuela Florentina, a la que Miguel
Ángel, Rafael Sanzio y Leonardo Da Vinci dieron el apogeo de grandeza; pero en este
caso hablaremos del primer renacimiento.

La escuela florentina es la anfitriona de ese gran movimiento de renovación a una


nueva etapa; el artista florentino es producto de las manifestaciones políticas y
sociales que expresan vitalidad y poder en Florencia; el arte del Renacimiento se
desarrolló en Italia, en los siglos XV (Quattrocento) y XVI (Cinquecento) y se extendió
por toda Europa, adquiriendo caracteres propios en cada país. Tuvieron apasionada
afición al estudio de la antigüedad griega y romana, dieron especial importancia al
estudio de hombre y lo humano, a diferencia de los ideales predominantes de la Edad
Media, como el horror al desnudo artístico.

Los pintores del renacimiento italiano desarrollaron el estudio científico de la


perspectiva lineal y espacial, de la anatomía, del desnudo en acción y en reposo;
perfeccionaron la técnica del fresco en mural, también la técnica y el uso de oleo;
asimismo dominaron a la perfección la técnica del claroscuro y las aproximaciones de
valores con el afán de crear la unidad en la obra pictórica. Se valen de la forma y el
color para llegar a la conversión sensible del lenguaje plástico universal.

La Trinidad, Masaccio, 1427-1428


ORIGEN

La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este


movimiento, que se extendió después por toda Europa. El Renacimiento fue fruto de la
difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del
hombre y del mundo. El término “renacimiento” se utilizó reivindicando ciertos
elementos de la cultura clásica griega y romana, y se aplicó originariamente como una
vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza
tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida
en la Europa medieval. En esta nueva etapa se planteó una nueva forma de ver el
mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política, la
filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por el antropocentrismo.

Tríptico de San Giovenale, Masaccio, 1422

Sus iniciadores fueron Masaccio y Giotto. El primero, exploro los problemas de la


representación en la creación pictórica, con un rigor científico; y fue quien consiguió
una correcta representación del espacio, según las leyes de la perspectiva lineal;
mientras que Giotto es reconocido por sus destacados avances en el campo del
naturalismo, utilizando la disminución de tamaño, la superposición, pintando
arquitecturas o paisajes abiertos donde transcurren los sucesos. Supuso un cambio de
los elementos góticos por elementos de la cultura grecorromana, buscando las
medidas que llevan a la armonía. El anti naturalismo predominante en siglos anteriores
es sustituido por la representación del mundo real, basado en la racionalización del
espacio, contemplando la idea de “belleza” como la expresión mimética de la
naturaleza.
ANTECEDENTES E INFLUENCIAS

Los antecedentes históricos del Renacimiento cabe situarlos en la decadencia del


mundo medieval ocurrida a lo largo del siglo XV por diversos factores, como el declive
del Sacro Imperio Romano Germánico, el debilitamiento de la Iglesia católica a causa
de los cismas y los movimientos heréticos, la profunda crisis económica derivada del
anquilosamiento del sistema feudal, y la decadencia de las artes y las ciencias,
lastradas por una teología escolástica sumida en el escepticismo.
Frente a esta decadencia, los principales centros académicos europeos buscaron
regenerarse a través del retorno a los valores de la cultura clásica grecorromana. A su
vez, comenzó a fraguarse una nueva sociedad fundamentada en el auge de los nuevos
estados centralizados, con poderosos ejércitos y administraciones burocratizadas, así
como en el crecimiento demográfico y una economía centrada en una nueva clase
social emergente, la burguesía, que puso los cimientos del capitalismo y una economía
mercantil y preindustrial; todo ello coadyuvado por el progreso técnico y científico
experimentado durante este período, fundamentado en la imprenta y la consiguiente
velocidad de difusión de las novedades. Surgió así una visión del mundo más
antropocéntrica, desligada de la religión y el teocentrismo medieval, en la que el
hombre y los avances científicos supondrán la nueva forma de valorar el mundo: el
humanismo. Esta palabra es la que define este movimiento, que se caracteriza porque
las ideas van centradas en la figura del hombre. Es un paso del teocentrismo medieval
al antropocentrismo renacentista.

Adoración de los Magos, Sandro Botticelli, 1475

Se dice también, que el Renacimiento surgió por el descontento de ciertos sectores del
pueblo, en centrar todo como principio y fin a Dios (teocentrismo) es decir tener la
vida atada al vínculo eclesial dando limosnas caras (indulgencias) para el perdón de los
pecados, la corrupción en la Iglesia, el dogma mal inducido, entre otras prácticas
inhumanas hicieron que la gente despertase y reaccionara con los principios
humanistas de los antiguos griegos y romanos, centrar en el todo al hombre
(antropocentrismo) con lo que la ciencia y el arte tuvieron un auge impresionante,
debido al despertar nuevo de los valores científicos y no tajantes de "fe" que
propugnaba la Iglesia.
El hecho de la invención de la Imprenta, el desarrollo del método científico de
Descartes, y la filosofía griega antigua renacida por las traducciones árabes que se
exportaban a Europa entre otros muchos factores socioeconómicos como la creación
de los bancos, hicieron que en Europa la gente se volcara por un interés más terrenal
de las cosas, con objetividad y no más un absolutismo de pensamiento.

EVOLUCIÓN DE LA PINTURA

1. Decoraciones murales al temple y al fresco:

En el tiempo del quattrocento la manera en la que los pintores


expresaban sus trabajos a las grandes masas era a través de los murales,
en donde se pintaban obras de arte de gran magnitud para que pueda
ser vista por mucha gente.

La principal forma de pintar así en murales era con la técnica del


temple, sin embargo, cuando llego el renacimiento, algunos artistas
empezaban a dominar la técnica del freso que es mucho más
complicada y tediosa que le temple, pero con un acabado muy
diferente.

Usualmente la iglesia contrataba pintores expertos para representar en


los muros de las iglesias, pinturas con temáticas religiosas.

2. Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas:

Ya se conocían antiguamente técnicas para poder crear profundidad en


las pinturas como es el escorzo, sin embargo, durante el renacimiento
que se definen las leyes matemáticas de la perspectiva según las cuales
determina el tamaño de los objetos.
La teoría de la de la perspectiva fue formulada por Brunelleschi, y
practicada por Paolo Uccello.
Uccello: Fue un pintor “cuatrocentista” que destaco por su innovación
dentro de la perspectiva aplicada a la pintura.

Su rasgo más distintivo, fue el interés, casi obsesivo, por la construcción


en perspectiva. Esto unido a la adhesión al clima del Gótico
internacional, hace de Uccello una figura que destacaba en la técnica
(perspectiva) y en la idea (gótico).

3. La figura humana como centro y medida de todo:

El artista comenzó a interesarse por la anatomía humana, la cual incito a


pulir su forma y perfecciono la manera en la que se pintaba, ya que los
principales protagonistas de las pinturas eran hombres y mujeres.

Pintores como Masaccio destacaron por introducir un elemento nuevo


que es la corporeidad, pero además hace uso de la luz para crear el
claro oscuro.

Algunas características de Masaccio son:


 Prescinde totalmente del goticísmo.
 Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los
contornos y crea efectos de luz y sombra para aumentar la
sensación de profundidad.
 Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.

4. Los efectos de luces y sombras.

Las luces y sombras dentro de la pintura eran como un argumento más


para perfeccionar el punto anteriormente mencionado, (La Perspectiva),
Es un objeto especial, su
aparición en el cuadro permite la
visión del contorno, la textura y
el color de los objetos y su
ubicación en el espacio; variando
distintas convenciones en cada
uno de los estilos pictóricos y las
técnicas pictóricas asociadas.

Permite hablar de distintos tipos


de iluminación, e incluso de la
especulación sobre la vibración
de esa luz.

Piero della Francesca:


Empezó a realizar retratos, utilizando el óleo, también dominaba la
técnica del fresco. incluso fue tratadista.

Hizo 2 tratados:

 la perspectiva en la pintura
 la luz en la pintura
Es la cumbre de la pintura renacentista italiana, respecto a la pintura del Quattrocento,
se produjo un avance notable. Sigue trabajándose temática religiosa, Los pintores ya
no se obsesionan con la perspectiva lineal y geométrica, sino que procuran una mayor
naturalidad en sus obras. Alcanzan así un clasicismo que expresa un mundo en orden y
perfectamente equilibrado entre fuerzas aparentemente contrapuestas como la
dualidad entre lo real y lo irreal o el movimiento y el reposo.

Generalmente, los grandes maestros tienden a dar más importancia al dibujo que al
color. Sólo en las pinturas de Leonardo alcanzan también una proporción adecuada el
énfasis en uno u otro aspecto.

Se producen una serie de avances:

 Esfumado:

o es una técnica pictórica que se obtiene por aumentar varias capas de


pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición
unos contornos imprecisos, así como un aspecto de antigüedad y
lejanía. Se utilizaba en los cuadros del Renacimiento para dar una
impresión de profundidad

 Perspectiva aérea:

o el método con el cual se produce una sensación de profundidad en una


pintura, al imitar el efecto de espacio que produce a los objetos ser
menos distinguibles a distancia media y lejana.

 Escenario arquitectónico:

o No interesa como un fondo estático, sino como una masa, este fondo se
trabaja con la luz, la profundidad. A comparación de la naturaleza que
se veía como fondo en el quattrocento, que también representaba
profundidad.

 Escorzo:

o se utiliza para dar la sensación de profundidad. El efecto existe en todos


los cuerpos con volumen. Se veía que en el cinquecento se empezaba a
utilizar para representar el cuerpo posicionado de otra manera que no
sea vertical, trabajando nuevamente con la profundidad.
FORMA DE MANEJO DE LA PINTURA:

a) El Ojo de la Época:

En estos tiempos se refiere a como la gente ya sean pintores o el público atendían a la


experiencia visual en formas distintivas del Quattrocento y como la calidad de esa
atención se convirtió en una parte de su estilo pictórico a través de los años.

Existía relación entre los diversos pintores, pero aun así también había formas de
basarse entre ellos mismos como las enseñanzas de Giotto que plasmó Massacio, no
tanto como copia sino como un traslado de ciertas características.

Las personas de esa época tenían problemas al tratar de comprender los aspectos
pintorescos, podemos relacionar esto a través de un conjunto de figuras. Quiénes
dominaban del tema arquitectónico en esos años claramente ven en la sencilla planta
que se trata posiblemente de una edificación que posee una cúpula en el centro y con
alas rectangulares o pasillos a los costados con su entrada y salida, siendo las líneas, las
representantes de los muros.

Sagrada Sepultura Santo Brasca

No necesariamente tiene que ser alguien sin conocimientos de arquitectura para


poder entender la figura de otra forma, incluso para un arquitecto chino del siglo XV
puede inferir que se trata de un gran patio central la parte del circulo y corredores a
los costados, esto debido a que en la arquitectura china no es nada común el uso de
cúpulas, sino de jardines centrales que sean destinados a la meditación.

Así mismo una persona sin conocimientos necesarios observa tan solo un círculo
sobrepuesto a un rectángulo, ambas formas de ver la figura aparecen debido al estilo
cognoscitivo de cada persona, esto sucede de igual manera al hablar de las pinturas en
aquella época del Quattrocento.

La figura fue tallada en madera, pero ahora entrando al campo de la pintura existen
diversos ejemplos que también podemos tomar acerca del manejo de la misma.
En todos los frescos (tipo de pintura en la que se pinta sobre una capa de estuco
húmeda con pigmentos minerales diluidos en agua) se trata de colocar pigmentos
sobre una superficie de 2 dimensiones para referirse a algo que tiene carácter
tridimensional, normalmente son en superficies alargadas rectangulares.

La Anunciación por Fra Angélico (1426)

El pintor busca lograr que lo que plasma engañe a los ojos del poseedor y del público
de forma parcial o completamente haciéndose pasar por lo que realmente no es.

Incluso el mismo Da Vinci cita que no es posible que la pintura jamás llegue a ser
idéntica a lo natural así se haga con la mayor perfección de dibujo, sombra, luz y calor,
es algo que no puede superarse nunca.

b) La función de las imágenes:


Un gran número de cuadros por no decir todos los que comprenden el siglo XV son
referentes a lo que es la religión, quiere decir que eran para atender finalidades
constitucionales y actividades intelectuales

Las pinturas de índole religiosa según la iglesia tenían un fin triple:

-Instruir a la gente como si se tratasen de libros.

-Para que los ejemplos de los santos se recuerden día a día.

-Excitar sentimientos de devoción.


Muchas veces estos cuadros religiosos eran mal usados en algunos casos lo que
causaba la idolatría y por esto muchos religiosos se hicieron presente, la iglesia
comprendió que a veces que se cometían faltas contra la teología.

c) El valor de los colores:


Muchas representaciones pictóricas han sido bien examinadas justamente de figuras
humanas, las cuales en su tiempo no era sencillo de comprender, pues poseían
conjunto de colores y formas bastante complicadas, actualmente sería fácil hablar de
ellas, pero en el siglo XV recién se descubrían estas diversas técnicas, en esta época del
Renacimiento se expusieron códigos teológicos (blanco=pureza / rojo=caridad /
amarillo=dignidad / negro=humildad).

Esto causó una mayor sensibilidad que la nuestra al esplendor de los tintes que se
usaban.

La primavera, Botticelli, 1477-1478

COMERCIO:
Un cuadro es el depósito del siglo de una relación social. De un lado está un pintor que
realizaba un cuadro, o por lo menos supervisaba su realización. De otro lado estaba
alguien que le había pedido que lo hiciera, había aportado fondos para ello y, una vez
hecho, calculaba utilizarlo de una o otra manera. Ambas partes funcionaba dentro de
instituciones y convenciones (centros religiosos).
Un hombre que pedía el cuadro, pagaba por él y encontraba un uso para él podría ser
llamado el patrón, si no fuera porque este término trae eco de otras muy diferentes
situaciones; podríamos llamarlo correctamente “cliente”.

La mejor pintura del siglo XV fue hecha a base de un encargo, la mayoría de personas
encargaba una pintura y se le daba apoyo. Las que no eran por encargo, se limitaban a
pintar vulgares cosas y mesas para casamientos.

1.1.- Los contratos y el control del cliente: En 1457 Fillipo Lippi pintó un cuadro
para Giovanni di Cosimo de Medici (banquero italiano); se trataba de un obsequio para
el Rey Alfonso V de Nápoles, cuestión que trabajaba lejos y no tenían como ponerse en
contacto, por esa cuestión Fellipo Lippi (el pintor) decide comunicarse con él mediante
una carta.

En su carta Fillipo Lippi manifestaba al banquero que podría ser mejor pintar una
pintura completa, pidiendo permiso para su aprobación.

La distinción entre lo “público y privado” no se entiende muy bien

1..2.- El valor de la habilidad: A mayor habilidad se hacían conocidos, esto


generaba mas negocio, se correría la voz y la gente apoyaría o solicitaría los
servicios de un pintor para que realicen sus cuadros.

1.3.- Percepción de habilidad: Lógicamente era importante descubrir los


grandes pintores de la época, detrás de esto había un negocio.

1.4.- La función de la imagen: Es obvio que las pinturas de esa época eran de
carácter religioso, pero eso no quiere decir que lo puedan pedir con otros fines
institucionales, para estudio o lectura.

El cuerpo y su lenguaje:

La unidad efectiva de todos los cuadros sin dudas, era la figura humana. El
carácter fundamental de la figura dependía de sus proporciones y dimensiones, eso
era para la mayoría de pinturas, pero existía una excepción para esto y este era
“Cristo”.

La figura de Cristo quedaba menos librada que otra a la imaginación personal, porque
en el siglo XV tenía una percepción de cómo era él.
La Trinidad, Masaccio 1427

El valor de los colores:

Hemos estado examinando representaciones de la figura humana, que no son


mas que eso, figuras humanas que no son adaptadas a la vida real.

Bien en los colores pasa lo mismo, examinan colores y los manifiestan en otras formas:

Blanco: Pureza

Rojo: Caridad

Amarillo oro: Dignidad

Negro: Humildad

Algunos pintores le dieron otro código:

Rojo: Fuego

Azul: Aire

Verde: Agua

Gris: Tierra

El ojo moral de la época:

Muchas pinturas se distinguen por sus notables características, la perspectiva, el color,


la simetría, la proporción, pero se olvidan de algo, el tema moral.
El tema moral o espiritual ayuda a un cuadro a ser apreciados desde otra perspectiva,
enriquece la percepción que se tiene sobre el cuadro.

Las pinturas eran de carácter religioso, esto muestra como la iglesia influenciaba en
sus adeptos o mientras intenciones de extenderse.

La escala armónica, De Pietro Cannuzio

Letra y pintura:

La mayoría de cuadros eran figuras, pero hubo un cuadro que pinto un texto, esté era
llamado la carta de Milán, que era un poema que describía el andar de un hombre,
recolectando de flor en flor al pasar por su camino, caminando así por los prados de la
primavera.