ALBERT AYLER

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En el verano de 1963, un saxofonista llamado Albert Ayler se trasladó a una habitación en un piso
propiedad de su tía, en la calle de San Nicolás Park en Harlem. No era la de 27 años de edad,
primer viaje a la ciudad de Nueva York, pero esta vez que había venido con la intención de
quedarse. Ayler se dirigía hacia el epicentro de jazz de Nueva York como un completo
desconocido. Fue una época tumultuosa de la música en el proceso de astillado en fragmentos,
basándose en su pasado histórico, pero sin saber donde iba a ir después. Gigantes del bebop como
Dizzy Gillespie y Thelonious Monk estaban vivos y bien y cortar registros importantes (el último
sería en otro año estar en la portada de Time); Miles Davis estaba en un período de transición,
pero estaba a punto de hacer algunos de sus mejores trabajos, con su segundo gran quinteto a la
vuelta de la esquina; Charles Mingus era zumbido en un pico creativo, y Duke Ellington había sido
canonizado, pero aún estaba ocupado. Si quería ser alguien en el jazz durante esta época, una
época en que la música seguía dirigiendo la atención, Nueva York, entonces como ahora, era el
lugar para estar.

Sin embargo, para toda la historia de vida y las leyendas siguen haciendo discotecas y teatros
alquiler de juego alrededor de la ciudad, la verdadera historia del jazz en 1963 fue la "cosa nueva"
exento de jazz, introducido por Ornette Coleman en 1959 y codificada en 1961 con su álbum de
rodamiento el nombre. Por acordes abandono, la base armónica de la música occidental, el free
jazz abre nuevas vías para la improvisación, pero también sugirió la posibilidad de caos. A medida
que la década avanzaba, el sonido y el estilo de free jazz estuvo estrechamente vinculado con el
movimiento de liberación negro, sirviendo como una metáfora-cultura que se libera de la opresión
estructura y, a través de su sonido, una expresión directa del dolor, la ira, y la redención. La música
se desarrolló junto movimientos en otros medios. La cubierta del Free Jazz de Coleman presentó
un detalle de una pintura de expresionista abstracto Jackson Pollock; la salpicadura de la pintura,
aparentemente al azar, sino que sugiere una forma más profunda, refleja el enfoque de los
músicos. Era el arte del momento acelerada, lo que refleja la inclinación zumbido y tecnológico de
la ciudad moderna de Estados Unidos, y Nueva York fue su cuna. La corriente principal del jazz, sin
embargo, fue en este punto todavía muy escéptico.

John Coltrane, que había tenido una carrera ocupada como acompañante en la década de 1950 y
que había jugado con casi todo el mundo se ha mencionado anteriormente en un momento u
otro, estaba enamorado de innovaciones de Coleman, y fue de 1.963 ocupados dar forma a sus
propios fines muy personales ( en otros 18 meses que había release a Love Supreme y comenzaría
la marcha de fuego, intenso través de la música que consumía sus últimos años en la Tierra.) Si la
forma de pequeños grupos armónicamente compleja de bebop había transformado de jazz de la
música de baile a la música del arte -Sound diseñado para acompañar la escucha atenta en lugar
de los oyentes forzados jazz libre de movimiento para tener en cuenta cuestiones fundamentales
sobre la naturaleza de la música en sí. Naturalmente, muchos no tienen interés en este tipo de
introspección lo que quieren es algo que suena bien. Así que la vida de un músico de jazz libre
menudo ha sido muy solitaria y empobrecida. Albert Ayler, obsesionado con la música de Coleman
y Coltrane, tenía una idea de que podía hacer algo nuevo con sus innovaciones, una música tan
lejos, y que explotó con la energía, sino que también tenía la espiritualidad a tierra de la iglesia.

Ayler que se quedó con su tía en Nueva York era apropiada porque la familia significaba mucho
para él. Sus padres profundamente religiosos, que viven en el barrio de clase media en el suburbio
de Cleveland de Shaker Heights, seguían siendo una parte muy importante de su vida, y él se
refiere a sí mismo como un niño de mamá, alguien que "llevaba los pantalones cortos" bien en su
adolescencia años. Su hermano menor, Donald, que compartía el interés de Albert en la música,
pero aún no se había demostrado el mismo nivel de habilidad, siempre había sido un compañero
cercano.

Ayler había pasado gran parte de los últimos cinco años en Europa-primera estacionado en
Orléans, Francia, durante un periodo de tres años en el ejército, y luego parcialmente en
Copenhague y Estocolmo, donde rebotó alrededor, tocando en diferentes grupos antes de que un
un aterrizaje en-y-fuera de concierto con la vanguardia pianista Cecil Taylor que duró varios
meses. Se había registrado como líder mientras que en Europa, pero poca gente había oído sus
registros. Su primer disco, cortado en Suecia en 1962 y se llama algo diferente !!!!!!, fue puesto en
libertad en una etiqueta pequeña, y se mostró reacio a Ayler incluso grabarla en el primer lugar.
Como se describió, la música que escuchó en su cabeza no se había tomado forma, él estaba
imaginando algo más allá de lo que podía reproducirse, y sentía que era demasiado temprano en
su desarrollo para documentar su forma de tocar. Pero él se sentía como si estuviera en lo cierto,
que hubo un sonido más allá de los límites del jazz tradicional que podía explorar, y vio cómo su
música podría afectar a las personas. "Cuando estaba en Suecia, dijeron las personas, 'Beautiful!'",
Dijo a un entrevistador en 1970, hablando de la primera vez que su estilo poco ortodoxo de jugar
había sido apreciado. "Le dije: 'Oh, esto es hermoso?" Ellos dijeron: "Si esto es lo que sientes, es
hermoso."

Ayler hace amigos con facilidad. Era encantador, de voz suave y reflexivo, con una presencia
ligeramente más amplias, con tendencia a la conexión de ideas acerca de la música a las ideas más
amplias acerca de la espiritualidad y el cosmos. La religión que creció nunca lo abandonó; de
hecho, se intensificó a medida que pasaba el tiempo, teniendo en cuenta elementos de la
espiritualidad de la Nueva Era de Acuario panteísta que estaba surgiendo en los años 60. Para
Ayler, la música estaba a punto de aprovechar las vibraciones universales que existían en un nivel
fuera de la conciencia humana, y vio a su arte como una forma de acceder a algo más elevado.
Nunca se encaja en el molde de la fresca lacónica músico de jazz, Nueva York; su estilo era más
abierta y más excitables. A medida que la década avanzaba, reflexiones far-out de Ayler se
cruzarían con la corriente principal de manera inusual, incluso como su música siempre ha existido
bien fuera de ella.
Foto por David Redferns Redferns / / GettyImages

En un primer momento, sin embargo, el tiempo de Ayler en Nueva York era todo acerca de la
escena del jazz, tratando de encajar y hacer conexiones y ser escuchado. El primer concierto semi-
regular Ayler aterrizó en la ciudad estaba jugando la casa de café Tomar 3 de Bleecker Street en
Greenwich Village, trabajando como acompañante con Cecil Taylor, con quien había vuelto a
conectar después de su temporada europea. El Take 3, mientras que nunca notable como un local
de jazz, fue parte de una escena animada en el barrio. Tres años antes, Nat Hentoff había escrito
un artículo para The New York Times que expondrá cómo el pueblo se había convertido en un
caldo de cultivo para el jazz aventurero. En años anteriores, la escena del jazz se había centrado
más alta de la ciudad, por primera vez en Harlem, y más tarde a lo largo de la calle 52. La escena
de la casa de café en el pueblo, lo que alimentó el auge de la música popular y el rendimiento de la
palabra hablada, se mostró receptivo a la nueva música. En 1959, el famoso principio de Nueva
York de Ornette Coleman había sucedido un par de cuadras de la Toma 3, en el Five Spot, donde se
había extendido compromisos a finales de 1959 y principios de 1960. Todo el mundo tenía que ver
Coleman y opinar sobre lo que estaba haciendo ; que era un lugar para ser visto y se entiende que
es la zona cero de un cambio radical en la música. Parte de ese furor que habían muerto por 1963,
pero los grandes cambios estaban todavía por delante.

La forma de la música de Ayler finalmente tomar una cierta distancia de la complicada música a
menudo atonal densa,, favorecido por Taylor. Aún así, Ayler dejó una impresión en los que lo
escuchaban. Robert Levin, un crítico de jazz que escribió con frecuencia para el Village Voice,
escuchó por primera vez Ayler, la asimilación 3 en 1963 y describió el sonido como "asombrosa",
el tipo de sonido que persiguió a algunas personas fuera de la habitación, mientras que los que se
quedaron clavados .

Ayler se define por ese sonido, cuando la gente lo oyó, se notaba que había algo especial después
de sólo unas pocas notas. En la escuela secundaria de vuelta en Cleveland, había pasado dos
veranos de gira con una banda liderada por Little Walter, que había cambiado el sonido de la
armónica de blues eléctrico al estilo de Chicago. Practicar sin descanso desde que empezó a jugar
como un niño, Ayler había desarrollado un tono grande, rica, que toca la bocina, el tipo de sonido
que podría cortar a través de una barra ruidosa e instar a la gente a la pista de baile. Junto con el
gran volumen de su ataque, Ayler empezó poco a poco a favor de un vibrato vacilación a veces
absurda, que evocaba el patetismo de la música gospel y trajo a la memoria el triste sonido de un
siglo 20 de Nueva Orleans cortejo fúnebre temprano. La pieza final de su sonido saxofón encaja en
su sitio cuando se encontró una manera de integrar su tono en auge y emoting Evangelio
derivados en el contexto de free jazz, con su relación fluida y de perdón para lanzar y la apertura a
chillando y gritando a todo el cuerno de extrema rangos. Ayler fue encontrar que podía integrar
todos estos elementos en nuevas composiciones que estaba escribiendo, melodías que alternaban
pegadizo, cantarina melodías inspiradas en canciones populares europeas y las marchas de
propulsión que aprendió en la banda del ejército con el extracto altamente texturizado y de alta
energía jugando casi completamente separado de la forma. Era una mezcla inusual de lo cerebral y
altamente técnica y el desnudo emocional.
La escena de jazz de Nueva York había desarrollado cierta conciencia ambiental de Ayler, debido a
su temporada con Taylor en el Tome 3, pero su momento de avance pasaría de la parte alta de
Harlem, a pocos pasos de la casa de su tía. La tarde del domingo 29 de diciembre, un abogado de
derechos de autor llamado Bernard Stollman visitó El Baby Grand Café, un club en la calle 125 que
contó con música y comedia, con el fin de escuchar Ayler, en la recomendación de un músico de
Cleveland que había conocido. juego de Ayler impresionó tanto Stollman que corrió a hablar con él
después de decir que estaba empezando una etiqueta y quería Ayler para ser su primer artista.

Stollman firmó Ayler con un anticipo de $ 500 y la unidad espiritual, el álbum Ayler acerca de su
nueva etiqueta, se registró en julio de 1964. Aunque ESP-disco era una pequeña huella con una
mala distribución, los conscientes de jazz de vanguardia comenzaron a seguirlo de cerca , como
Stollman documentado una escena de jazz subterráneo que estaba creciendo en importancia por
el día. El grupo Ayler había reunido por la unidad espiritual, que incluía Sunny Murray en la batería
y el bajista Gary Peacock, se estaba convirtiendo rápidamente en una unidad con un asombroso
grado de empatía. Aunque Ayler estaba destinado a dominar cualquier ajuste que se encontró en
debido a la gran bullicio de su tono y la audacia de sus ideas, que descubrió en Murray y Peacock
dos oyentes expertos que realmente entienden lo que estaba haciendo. Tras el lanzamiento del
disco el grupo se largó a Europa, esta vez con el impulso detrás de la música de Ayler.

La unidad espiritual es un álbum clásico por cualquier medida, pero se echa de menos algo que
Ayler se desarrollaría en 1965 y realizar plenamente en 1966-cómo su enfoque profundamente
personal a la melodía y la expresión desmesurada podría funcionar en un entorno de conjunto. Si
melodías marcha hinchables de Ayler fueron memorables cuando era la única voz melódica en un
entorno trío, se hicieron abrumadoramente infecciosa cuando se juega por un grupo más grande.

Lo Ayler de Nueva York parece que hoy en día, desde la izquierda: su primer edificio de
apartamentos de Nueva York; el sitio de Take 3, donde jugó los primeros conciertos en la ciudad;
el sitio del bebé Grande Cafe, donde jugó un espectáculo que llevó a su firma; y el sitio de Judson
Hall, donde grabó el álbum 1965 Rejoice espíritus.

Al sentir la necesidad de un nuevo tipo de conjunto, mientras que en la gira en Europa, Albert
escribió a su hermano Donald en Cleveland. A tal punto, Donald había tocado el violín con el saxo
alto y jugó conciertos aquí y allá en Ohio, pero su juego no era particularmente notable y no se
había desarrollado una voz distintiva en el instrumento. Albert le dijo que aprender trompeta y
trasladarse a Nueva York cuando estaba listo. Él tenía dos motivaciones. Uno de ellos, él y su
hermano estaban cerca, y Albert querían familia cerca de él, y dos, su visión de lo que su música
podría llegar a ser era muy específica y requiere un cuerno en la frente que jugaría de manera
diferente que cualquier otra persona en la escena en ese momento . Donald, que admiraba mucho
a su hermano mayor y fue excitado por la idea de la vida como un músico de jazz, podría ayudar a
conseguir que allí, y él hizo lo que se le dijo, practicando su nueva bocina cada hora del día.
Aunque su madre fue devastada que su hijo menor también estaba saliendo de ella y le rogó que
no, Donald preparado para trasladarse a Nueva York con su hermano.
En marzo de 1965, ambos hermanos fueron Ayler viven ahora en Nueva York. Albert había
montado una nueva banda, que dio a entender en todo lo que su música se hará durante los
próximos dos años. Donald, a pesar de que sólo había estado tocando el instrumento durante
unos meses, fue en la trompeta. Lewis Worrell había reemplazado a Gary Peacock en el bajo, y
Sunny Murray seguía tocando la batería. El 28 de marzo, para un concierto en el Village Gate de
Bleecker Street, justo al otro lado de la calle y en la manzana de la Toma 3, un violonchelista
llamado Joel Freedman unió a la banda. Fue una noche importante para Albert. El nuevo sonido
que estaba desarrollando venía a punto de alcanzar su forma final, y la música estaba siendo
grabada por Impulse !, la etiqueta bien financiado cuya marquesina artista era John Coltrane.
Coltrane también estaba en la factura en esta noche, junto con el líder de la banda centrado
astral-Sun Ra, cantante Betty Carter, y otros. La noche fue un beneficio para el Negro Artes Teatro
de Repertorio, fundada por el poeta y crítico de jazz LeRoi Jones, más tarde conocido como Amiri
Baraka.

En su forro notas para el álbum en vivo por Impulse! vaciados de esta noche, la nueva ola en el
Jazz, que contó con la pieza Ayler "Espíritu Santo", Jones escribió que "Albert Ayler es un maestro
de la dimensión asombrosa, ahora, y me molesta pensar que podría tomar mucho tiempo para
una gran cantidad de personas para encontrar a cabo. "En Jones y Coltrane, Ayler estaba
desarrollando importantes admiradores. Durante las entrevistas en este período, cuando se le
pidió Coltrane sobre los nuevos actores en la escena, que casi siempre se menciona Ayler. Coltrane
amaba la música del joven, y en el año pasado, que se había convertido en estrecha. El enfoque de
Coltrane a la música fue una de profundidad de campo y estudio incesante, y es posible que
escuchó en la obra de Ayler una especie de alegría y musicalidad intuitiva que era más difícil para
él acceder. Y para el resto de 1965, en especial, el sonido de Coltrane fue profundamente
influenciado por Ayler-que es imposible imaginar piezas como el himno grandiosamente
"desinterés" y los temas muy melódicos de meditaciones sin la presencia de Ayler.

la escritura de Jones también sirvió para poner música de Ayler, y el jazz libre en general, en el
contexto de los cambios políticos tumultuosos, en particular los relativos a los derechos civiles. A
partir de su estructura para su relación con la transición, el free jazz era una banda de sonido
natural para la búsqueda más amplia por la libertad y la igualdad, y la música de Ayler, en
particular, que en teoría era complejo, pero también profundamente basada en la tradición de la
música negro, tenía una relación muy intensas hasta el momento. Ayler mismo describió lo que
estaba haciendo como el blues, sino una nueva azules, una que encaja con lo que estaba
ocurriendo en el mundo en este momento. Estaba haciendo música para alabar a Dios. Pensó que
no tanto como una llamada a las armas y más como una banda sonora de la secuela, una visión de
lo que podría llegar a ser el mundo en que la paz y la igualdad dominaban la tierra.

Más fotos de hoy en día de Ayler de Nueva York, desde la izquierda: el sitio de la aldea de la
puerta; el sitio de uno de sus lugares favoritos, salón de Slug; el edificio donde se celebró el
funeral de John Coltrane; y el área donde su cuerpo fue encontrado en el río del este en 1970.
Con Donald a bordo y la adición regular de secuencias, música de Albert estaba alcanzando la cima
de su poder. A diferencia de los jugadores de cuerno Albert trabajó con anterioridad, Donald era ni
un acompañante sutil o solista ruptura por su cuenta. Su papel ahora era algo parecido a una
corneta en una banda militar, balando los temas y ayudar a orientar la banda de una sección a la
siguiente. Cuando los temas se romperían y la gente empezaría solos, Donald era propenso a una
serie de trinos fuertes que generalmente tenían poco en el camino de la variación. Pero su tono
era rica y grasa, que recuerda a los jugadores de trompeta desde antes de la era del bebop, y se
especializó en voz alta, se sintió profundamente las declaraciones de la melodía que dieron la
forma melodías. Y con cadenas en la banda, la música de Albert estaba desarrollando una
grandeza sinfónica para que coincida con la concurrida sensación del conjunto de estilo de Nueva
Orleans, la instrumentación clásica que se remonta a las raíces europeas de la música como los
cuernos permanecieron arraigados en la tradición afroamericana. Otro álbum ESP, espíritus
Alégrate, grabado en el Salón de Judson en la calle 57 en septiembre '65, encuentra una versión de
esta banda, acompañado por el saxofonista Charles Tyler, un amigo de Cleveland-en plena
floración.

A través de 1965 y '66, conjunto de Ayler sería gig menudo en el Salón de Slug, un pequeño club
en el Lower East Side que fue especialmente receptivo a la atrevida de jazz que se está creando en
el momento. Inaugurado en 1964, Slug de estaba desarrollando una reputación no muy diferente
a la de Playhouse de Minton en Harlem dos décadas antes, un lugar para los músicos más
aventureros para recoger y jugar el uno al otro (en 1966 y '67, Sun Ra tenía una residencia habitual
en Slug de ). Como se escucha en el álbum doble en el salón de Slug, registrado en mayo '66, los
espectáculos de Ayler habían crecido hasta convertirse en popurrís largas en las que una canción
hizo la transición a la siguiente, y la energía salvaje de sus solos anteriores estaban siendo
canalizado en declaraciones insoportablemente intensas de la melodía. La música no era "libre" en
el sentido estricto de la palabra, pero estaba abierto y acogedor y totalmente único, con un
profundo sentimiento de alegría que impregna la totalidad.

Pero si la música de Ayler estaba alcanzando nuevas alturas artísticas, conciertos en directo en
pequeños clubes como Slug de no pagar las facturas. años de apogeo de Ayler como un artista en
Nueva York fueron también empobrecieron su más económicamente; que fue la liberación de los
registros en los pequeños sellos como el ESP y el debut y jugando habitaciones pequeñas, y su
banda tenía hasta una media docena de miembros de pago. A menudo estaba desesperada, hasta
el punto en que no podía permitirse el lujo de comprar alimentos, y para salir del paso con
frecuencia dinero prestado, más a menudo de su padre o de John Coltrane. Su mentor a
continuación, hizo de él uno mejor. En el otoño de 1966, a instancias de Coltrane, Impulse! Ayler
ofrecido un contrato de grabación; un concierto grabado en vivo en el Village Vanguard de
diciembre, con Coltrane en la asistencia, podría constituir la base de su primer álbum en la
etiqueta, Albert Ayler en Greenwich Village.

Trane fue capaz de conseguir Ayler contrató para su sello, y él estaba allí en la sala en el momento
en que se creó la música de su primer álbum para el sello, pero que no viviría para ver su
lanzamiento. En julio de 1967, Coltrane murió de cáncer de hígado a los 40 años, y una de sus
últimas peticiones fue que su funeral con las actuaciones de Ayler, junto con Ornette Coleman. El
servicio, la Iglesia Luterana de San Pedro en la avenida Lexington, contó con la actuación de la
banda-Albert y Donald Ayler, junto con Richard Davis en el bajo y Milford Graves en la batería-que
juegan el balcón para abrir el evento, y varios minutos de la los pelos de punta rendimiento
sobrevive en la cinta. Ayler jugó una mezcla de tres de sus mejores temas- conocido "Love Cry",
"La verdad es que marcha In", y la composición de Donald "Nuestra Oración", con una intensidad y
profundidad de sentimiento que casi desafía la creencia; al final del segmento, Ayler comienza a
solas en su cuerno y luego se elimina el saxofón de su boca, gritando salvajemente y sin palabras
en la iglesia.

Tras la muerte de Coltrane, la vida de Ayler se convirtió en una serie de extremos. Durante un
tiempo, el impulso! antemano le otorga un cierto grado de estabilidad financiera, pero Ayler ya no
tenía el gran saxofonista en su esquina. Y la música de Ayler estaba al borde de la dramática
transformación, cambiando a una roca más comercial y sonido R & B. Las razones de este cambio
nunca han sido claros. Algunas cuentas tienen Impulse! ejecutivos alentadores Ayler a probar
suerte en los géneros más comerciales con el fin de llevar su música en la cultura juvenil más
amplia. Su nueva novia, Mary Parks, conocido profesionalmente como María María, también
estaba teniendo un impacto profundo, animando a sus actividades místicas y colaborando con él
en nuevas canciones que incluyeron sus letras. Y el hermano de Albert Donald, su comportamiento
cada vez más errático alimentado por consumo excesivo de alcohol, se avanza poco a poco hacia
lo que después se ha descrito como un ataque de nervios, y se había ido de la banda a principios
de 1968. Ese año vio el lanzamiento del álbum New Grass, seguido de la música es la fuerza
curativa del universo. Aunque cada uno tiene momentos de experimentación aventurero se
mantuvo (véase el solo de gaita ampollas en "masónico innato"), los discos estaban llenos de
ahora-fechados flor-niño letra de Parques y algunas voces principales temblorosas formar Albert.
Nueva hierba siquiera se abre con lo que equivale a una disculpa, una sección de la palabra
hablada de Albert, que reconoce que esta música es diferente de lo que ha jugado antes, con la
esperanza de que los oyentes darle una oportunidad. revista de Baraka El Grillo respondió con
duras críticas.

A medida que la década enrolla abajo, Albert sufría de una enorme cantidad de culpa acerca de la
condición inestable de su hermano. Su madre no había querido Donald trasladarse a Nueva York, y
ahora que él era incapaz de cuidar de sí mismo, ella insiste en que Albert paso hacia arriba. Albert
y María querían Donald para volver a Cleveland, para ser atendidos en casa. La grieta en la familia
estaba causando una cantidad cada vez mayor de la cepa. Por su parte, Albert estaba tratando
para una vida más tranquila. Se trasladó de Manhattan y en un apartamento con María en Park
Slope, Brooklyn. A veces la pareja iba a jugar al aire libre juntos en Prospect Park, que el tenor y la
soprano María en el saxofón, que él estaba enseñando. Entrevistado en Europa en 1970, se le
preguntó a Albert acerca de su lugar en la escena de Nueva York del tiempo. "No es para mí", dijo.
"Me quedo fuera de mí mismo."
Los últimos meses de la vida de Ayler siguen siendo un misterio. Los espectáculos europeos fueron
bien recibidas, y mientras que la forma de su música carece de la audacia y la intensidad de varios
años anteriores, las grabaciones de dos conciertos encuentran Ayler jugando tan bien como
siempre. En algún momento durante el año, el impulso! lo bajó de la etiqueta. A pesar de sus
propuestas a la corriente principal, los registros de Ayler venden mal. Algunas personas describen
Ayler comporta de forma extraña más tarde ese año, incluyendo un informe de lo que llevaba un
abrigo y guantes de piel en el calor del verano, con el rostro cubierto de vaselina. Los usuarios que
lo vieron durante estos meses notaron nada anormal. María Parques dijo que su precaria situación
financiera, junto con la preocupación por Donald y el deterioro de la salud de su madre, había
empujado a Albert en un lugar oscuro. Tras una discusión, él dejó su apartamento y desapareció.
Se notificó a la policía. Tres semanas más tarde, se encontró su cuerpo flotando en el East River,
junto al muelle de la calle Congreso en Brooklyn, y el forense dijo que había ahogado. El suicidio
parecía probable, pero las circunstancias de su muerte siguen siendo un misterio.

Si Cleveland fue raíces de Ayler y Europa fue donde vio por primera vez una hermosa visión de lo
que podría ser su música, Nueva York es el lugar donde todos los hilos de su música se unieron
como uno solo. En 1965, el saxofonista Archie Shepp, otro protegido de Coltrane (y un gran
admirador de Albert), llamó a su nuevo álbum Music fuego. Cuatro años después de Free Jazz de
Coleman, el título captó el sentimiento de la Nueva York actual, en que la energía del chisporroteo
de la música y la ciudad vibraciones pulsantes se reunieron la furia política justa del momento. La
música de Ayler capturó la luz y el calor de esta época en particular a la perfección, pero la
intensidad resultó ser demasiado. Para él, la vida como músico en Nueva York era como empujar
una roca cuesta arriba. "Estoy jugando sobre la belleza que va a venir después de la tensión y la
ansiedad", dijo Albert acerca de su música en el forro señala a vivir en Greenwich Village. Él nunca
llegó, nunca llegó a ver lo que la vista del cielo parecía desde la parte superior.