Apuntes de Técnicas PDF

APUNTES DE TÉCNICAS FICHAS DE LOS TEMAS
1-JUSTIFICACIÓN DE LA COMPOSICIÓN REALIZADA ANALIZANDO LOS SIGUIENTES RECURSOS

GRÁFICO PLÁSTICOS
1-FORMA
Abiertas o cerradas, geométricas orgánicas
PUNTOS, LÍNEAS, FORMAS,que destacan en la imagen y su significado
Relación fondo-figura:
Contraste: cuando la figura se separa del fondo por color forma o textura
Fusión cuando la figura se mimetiza con el fondo
Fondo simple/ figura compleja: el mas común
Fondo complejo/ figura simple
Reversibilidad, anbiguedad, transparencia, transición.
FORMATO vertical /horizontal sus diferentes valores expresivos
ICONICIDAD nivel de realismo de la imagen realizada
EL ENCUADRE las escalas (acercamiento a la escena representada) los ángulos (posición del punto de vista)
2-TEXTURAS. Representadas y propias de la técnica empleada

Texturas ópticas y táctiles,
Téxturas geométricas/orgánicas
Funciones de la textura: denotativa, simbólica, connotativa
3-VOLUMEN
Medios técnicos empleados para dar sensación de volumen
CLAROSCURO
LA LUZ. Estilos de iluminación : difusa o directa y direcciones de la luz, etc. CLAVES DE LUZ Alta o Baja
EL COLOR. Temperatura de color, etc. ARMONÍAS UTILIZADAS en relación con la posición de los colores en el
círculo cromático . MATIZ, VALOR SATURACIÓN DE LOS COLORES EMPLEADOS
TEMPERATURA de los colores empleados
4-COMPOSICIÓN
· TIPO DE ESTRUCTURA COMPOSITIVA :
Equilibrio dinámico,: jerarquía de elementos distribucción de las masas y pesos visuales
Equilibrio estático: repetición, central, balanza
CENTROS DE INTERÉS en la composición
Direcciones visuales representadas e inducidas
Ritmos compositivos: ritmo uniforme, alterno, creciente, decreciente, modular, radial, concéntrico
EL TIEMPO Y EL MOVIMIENTO
Tratamiento del tiempo: narración, efectos cinéticos o escena
5-GRAFISMO
TEMA 1 LÁPICES DE GRAFITO
● DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES
Técnica monocroma seca
En la Edad Media se utilizaban para escribir varillas hechas de metales como la plata el plomo y el estaño con
trazos muy finos.
Los primeros lápices mediados XVI Gran Bretaña varillas de grafito colocadas entre láminas de madera
Difusión del lápiz: 1761 (Alemania) Gaspar Faber funda la actual Faber-Castell
Finales XVIII Nicolas Conté hornean varillas de grafito mezcladas con artilla obteniendo las gramas de dureza
MODO DE EMPLEO
Se utilizan para dibujo a línea con distintos grosores y durezas y para claroscuro creando gamas tonales:
entrecruzando líneas, sombreado con líneas en una sola dirección, difuminado por frotamiento de la líneas
Grado de dureza viene dado por las letras H= Hard B=Black junto con números
Los lápices H son duros para ideales dibujo lineal .
Los lápices B son blandos, más oscuros para favorecer el sombreado del dibujo.
Hay fabricantes que ofrecen minas de distinto grosor (0,3 hasta 5,7 mm) cuya dureza sigue la misma numeración
que los lápices, las mas finas se usan con portaminas
ÚTILES
Además de los lápices se usan gomas de borrar de varios tipos: Goma de borrar convencional, gomas
moldeables, no erosionan el papel, gomas de vinilo, gomas de arte.
Difuminos: papel de estraza enrollado hasta formar un cilindro de punta cónica, se limpian con una rasqueta de
lija. Se usan para difuminar trapos y bastoncillos de algodón.
Sacapuntas y cuchillas para afilar los lápices
SOPORTES
Los papeles que una textura ligeramente rugosa favorecen el dibujo tonal : Papel Ingres, Canson, Torreón
Los papeles con superficie dura que puede ser mate o satinada favorecen la precisión de la línea, BASIK
● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

ESTILO O PRÁCTICA ARTÍSTICA
Esta técnica se ha utilizado para abocetar, realizar estudios y dibujos preparatorios, También como paso previo a
la realización de trabajos en otras técnicas lápices de color Acuarela óleo etc… Y también mezclado con otras
técnicas acuarela, gouache,lápices de color…
ÉPOCA: El lápiz de grafito se comenzó a usar a finales del Siglo XVIII

Ejemplos de artistas XIX: Retratos de Dominique Ingres, dibujos de paisaje y de trabajadores Van Gogh.
Ejemplos artistas Siglo XX. Retratos Picasso, Giacometti, Hockney, dibujos de plantas y habitaciones Antonio
López
TEMA 2 LÁPICES DE COLOR
DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA
Técnica polícroma seca
Los lápices de color formados por una mina de color embutida en una barra de madera.
Las minas de diferentes pigmentos mezclados con polvos de talco o caolín que se aglutinan actualmente con una
goma de celulosa, las minas no se hornean pues esto des compondría los pigmentos.
En la fabricación de lápices para niños se aplican reglas muy estrictas. No se pueden utilizar pigmentos que
contengan metales pesados, se descartan los cadmios, y los pigmentos terrosos. Solo se utiliza el óxido de hierro
para los colores tierra. Debido a estas precauciones los pigmentos que se usan para los rojos y morados son
menos resistentes a la luz.
MODO DE EMPLEO
Los lápices de color son de una gran sencillez técnica y permiten obtener efectos muy diferentes
Cuando se utilizan sin disolver el color tiene una cierta suavidad porque no oculta completamente el grano del
papel.
USO DE UN DISOLVENTE: el uso adecuado de agua o trementina, en función del tipo de lápiz, intensifica el
color y da una apariencia de acuarela.
MEZCLA DE COLORES: se mezclan sobre el papel: mezcla óptica, se colocan unos colores al lado de otros
sombreando de varias formas: cruzada, en diagonal o en pequeños círculos. Es necesario afilar mucho el lápiz
para conseguir una mezcla sutil de colores.
Tonos superpuestos se pueden superponer colores, el color blanco suaviza la textura y el color de los que se han
colocado con anterioridad.
También se puede frotar el color con difuminos, trapos o bastoncillos de algodón.
EFECTOS CON LÁPICES ACUARELABLES:
- Sobre papel seco una vez coloreado en seco con un pincel húmedo con agua limpia, tiene una apariencia de
acuarela aunque los trazos no desaparecen del todo
- Sobre papel previamente Humedecido con lápiz seco: trazos fuertes aterciopelados el papel se tiñe alrededor
- Sobre papel seco punta del lápiz húmedo: trazo intenso texturado
- Con el pincel mojado con agua, deslizarlo sobre la punta del Lápiz de Color Acuarelable, se logra "cargar" la
brocha con color, procediendo a pintar directamente sobre la superficie.
ÚTILES
Además de los lápices de color , los disolventes y pinceles, se usan gomas de borrar de varios tipos: Goma de
borrar convencional, gomas moldeables, no erosionan el papel, gomas de vinilo, gomas de arte.
Sacapuntas y cuchillas para afilar los lápices
SOPORTES
Los lápices de colores son sensibles a la naturaleza del soporte. Las marcas sobre papel prensado en frío (NOT)
Son muy distintas a las realizadas sobre papel suave prensado en caliente (HP).
Para conseguir permanencia el mejor papel es el blanco bien aprestado, hecho con un 100 por 100 de trapos,
mientras que la superficie HP permite manipulaciones delicadas

ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA
Los lápices de color por su facilidad de manejo tienen muchos usos: ilustración, carteles, como bocetos y para
realizar apuntes, .
ÉPOCA: Encontramos dibujos a lápiz de color desde el Siglo XX hasta la actualidad
ARTISTAS DESTACADOS: Tolouse Lautrec, Bocetos del Guernica de Picasso en los años 30, Retratos y
dibujos de interiores Hockney en los años 70.
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TEMA 3 CARBONCILLO
DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA: Técnica monocroma seca
Es un medio de dibujo muy antiguo, se obtiene quemando diversos tipos de madera blanda como sauce, abedul,
parra en recipientes herméticos a temperaturas muy elevadas. La madera se carboniza, coge un color negro muy
intenso, es frágil y se adhiere relativamente al papel.
MODO DE EMPLEO : Se utiliza fundamentalmente para dos funciones primordiales: como paso previo para la
realización de un cuadro en otra técnica, y como obra final de dibujo sobre papel.
Hay dos técnicas fundamentales:
TECNICA A LÍNEA: El carbón da una calidad de línea muy expresiva, que depende de la forma con que se
aplique.
-Sujetando el carbón con el pulgar y el índice deslizándolo en sentido descendente. Línea controlada y fluida.
-Líneas en sentido ascendente: líneas mas profundas y sólidas.
-Sobre papel rugoso la linea se engrosa y adquiere distintas texturas.
-Líneas “fantasma” las líneas se pueden borrar parcialmente con los dedos, se ven los diferentes pasos antes de
llegar al final. (Matisse) o dejarlas mas visibles (Giacometti)
TECNICA TONAL: CLAROSCURO O MANCHA.
Utilizando la barra de lado se cubre el papel fácilmente, se obtienen distintos tonos mediante frotado con
difuminos , traposo los dedos, es necesario que el papel tenga suficiente grano para retener el polvo del carbón
entre sus intersticios,.
ÚTILES: las barras de carbón presentan distintos grosores para caballete son útiles entre 4mm y 10mm, hay
barras de mayores dimensiones para obras en gran tamaño
Carbón prensado,: no es carbón real esta hecho de pigmento negro humo mezclado con un aglutinante
comprimido en barras cuadradas, sirve para acentuar negros en un dibujo, no para los pasos previos de un cuadro
pues ennegrece los colores que se aplicaría posteriormente.
Tiza negra pigmento negro, arcilla y agua fabricadas en diversas graduaciones se utilizan para oscurecer las
sombras en distintas áreas de dibujo
Lápiz compuesto o conté: es medio mas graso, se utiliza para detallar el dibujo. Existen tres tipos de graduaciones
blando, medio y duro.
Además de los distintos tipos de carbón se usan gomas de borrar de varios tipos: Goma de borrar convencional,
gomas moldeables, no erosionan el papel, gomas de vinilo, gomas de arte.
Difuminos: es un material de cartón enrollado, duro y poroso, que presenta dos puntas y que debe ser
convenientemente preparado antes de su utilización. Conviene, en primer lugar, suprimir una de las puntas
golpeando el difumino sobre una superficie dura, con el fin de que la otra sobresalga más. Además es necesario
ablandar la punta, y para ello se machacará, haciéndola girar. Finalmente será preciso lijarla siempre en la misma
dirección cada vez que lo vayamos a emplear.
Gamuza de Piel: para aclarar grandes zonas del dibujo cuando se realiza dibujo de mancha
Gomas de borrar de varios tipos: Goma de pan o vinilo, gomas moldeables, no erosionan el papel.
Trapos , esponjas, fieltros…
SOPORTES: El carbón se puede utilizar sobre cualquier soporte que le permita adherirse a su superficie, no
puede usarse sobre papeles muy lisos tipo cuché, si se puede usar sobre lienzo o tabla y con cualquier papel no
ácido y rugoso. Para realizar un dibujo a mancha y recoger todos los valores tonales posibles se utiliza
frecuentemente el papel Ingres Guarro.
El carbón como paso previo antes de realización de una obra final es el método mas antiguo se encuentran restos
en las cuevas de Altamira, en los pasos previos de los murales romanos y en los medievales.
Como técnica cobra importancia en el renacimiento, se conservan los dibujos preparatorios y bocetos de artistas
como Miguel Ángel y Rafael
Con el nacimiento de las academias de arte se consagra como la técnica apropiada para un método de
enseñanza que utilizaba como modelos las estatuas clásicas.
ÉPOCA: Cenino Cennini en su tratado de pintura en el siglo XV describió como se preparaba el carboncillo se
metían palos de sauce formando un fardo en ollas de barro cerradas y se dejaban durante una noche en el horno
del panadero.
En el renacimiento los pintores usaban el carboncillo para una primera fase del cuadro, borraban con plumas de
ave las partes que no eran de su agrado, cuando el dibujo estaba acabado se repasaba con pincel o con pluma o
con punta de plata y se retiraban los restos con un cepillo
ARTISTAS DESTACADOS:
•Miguel Ángel Buonarotti , Leonardo da Vinci, Tiziano ,Rubens, Van Gogh, Seurat, Odilón Redón, Picasso,
Matisse, Giacometti.
Colección de academias facultad de bellas Artes
http://alfama.sim.ucm.es/greco/bbaa-digital.php?pag=8
Materiales y recursos audiovisuales para T.E.G.P:
https://tecnicasdeexpresiongrafico-plasticas.blogspot.com
TEMA 3 B SANGUINAS Y CRETAS
Técnica monocroma seca
La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada hematites,1 que se
presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo
-de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardovioláceo.
MODO DE EMPLEO
La barra de sanguina se obtiene mezclando el óxido de hierro con la goma arábiga, se presenta bajo forma de
barra o como lápiz de distintos tonos.
Existen distintos grados de dureza
En cuanto al modo de empleo es parecido al carboncillo, tiene mayor adherencia al soporte, presenta una
dificultad mayor para el esfumado.
Las rectificaciones se realizan sacudiendo el polvo con un trapo o goma
Con esta técnica se puede conseguir el efecto de crear una imagen a todo color con sólo tres, la sanguina, el
blanco y el negro, llamada dibujo (a tres ccouleurs) se suele utilizar para retratos.
Combinando el color de las barras o lápices con el papel nos dará sensaciones diferentes de luminosidad en el
dibujo.
La sanguina aporta calidez y suavidad al dibujo por ello se a utilizado por artistas para dibujar desnudos debido a
su delicadeza
ÚTILES
Además de barras se usan los lápices de sanguina, gomas de borrar de varios tipos: Goma de borrar
convencional, gomas moldeables, no erosionan el papel, gomas de vinilo, gomas de arte.
Sacapuntas y cuchillas para afilar los lápices de sanguina
SOPORTES
Los papeles que una textura ligeramente rugosa favorecen el dibujo tonal : Papel Ingres, Canson, Torreón
Se puede usar sobre papel blanco o papel con tono , pardo, gris, crema
Llamada antiguamente sinopia –por la ciudad turca de Sinope, de donde procedía la hematites-, fue utilizada en
principio para dibujos preparatorios del fresco: el trazado de sanguina era aplicado directamente sobre el
revestimiento del muro que se iba a pintar. La sanguina se convirtió en técnica de dibujo propiamente dicha a
finales del siglo XIV: fue empleada entonces sobre un soporte de papel, bien bajo su forma sólida –trazo dejado
por la barra de sanguina-, bien bajo su forma líquida –agua aplicada con el pincel-, y mezclada a menudo con
otras técnicas: plumilla, piedra negra o tiza blanca. Las cualidades esenciales de este material son la luminosidad
y el poder ilusionista en el acabado de las encarnaciones, que hacen de esta técnica la ideal para dos tipos de
estudio: el retrato y el desnudo.
ÉPOCA:
La sanguina ha sido utilizada por numerosos pintores, especialmente Leonardo, Miguel Ángel, Pontormo, Claude
Lorrain, Charles Le Brun, Jean-Honoré Fragonard y los impresionistas franceses –Manet, Renoir, Morisot, etc.
TEMA 4 LÁPICES Y BARRAS DE PASTEL
DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA: Técnica policroma seca,
El arte de la pintura al pastel pertenece a las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la
acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es
común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la
técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies.
Es una técnica cómoda, generalmente rápida y que permite realizar correcciones con gran facilidad, razón por la
cual es escogida por muchos artistas.
Los pasteles son barras de pigmento en polvo ligeramente aglutinado con goma de tragacanto o metilcelulosa.
Existen variedad de pasteles con diferentes grados- duros medios y blandos (los mas tradicionales)
Con diferentes formas y grosores.
Los lápices de pastel revestidos de madera son un poco mas duros que las barras, y menos utilizados por los
artistas.
PIGMENTOS Y GAMAS DE COLORES:
Los fabricantes ofrecen una inmensa variedad de tonalidades, las buenas marcas especifican el nombre del
pigmento empleado en cada barra.
MODO DE EMPLEO :
TÉCNICA EFECTOS DE LÍNEA se trabaja directamente con la barra sobre el papel, la textura del soporte influye
en la línea que obtenemos
TÉCNICA EFECTOS DE COLOR Y TONO
Sombreado suavemente, primero con un color, luego con otro y después se frota con el difumino.
TÉCNICA SOMBREADO CRUZADO
Sobre un fondo de papel difuminado, se trata de una aplicación de color puro, sin mezclas
La cantidad de pastel que retiene el papel es limitada, se utiliza el fijativo antes de realizar el sombreado cruzado
ÚTILES:
FIJATIVOS:
Cualquier fijativo actúa sobre la apariencia de los colores
Actuales soluciones con resinas de acetatos de polivinilo (PVA) en alcohol desnaturalizado. Oscurece los colores
Los antiguos basados en goma de laca.
En vez de fijarlo lo adecuado es enmarcarlo con cristal. Y cuando el cristal se ensucie limpiarlo con un trapo
húmedo, pues el trapo seco genera electricidad estática y separa el pigmento del soporte que se queda pegado al
cristal.
Gomas de borrar de varios tipos: Goma de pan o vinilo, gomas moldeables, no erosionan el papel.
Trapos , esponjas, fieltros…
SOPORTES:
El soporte "normal" para la pintura al pastel es un buen papel de color uniforme, del tipo Canson o Ingres. Son
posibles otros soportes, como lo fueron ciertas telas de seda y terciopelo usados antiguamente, tejidos en los que
el pastel se incrustaba con facilidad.
Hoy día disponemos de excelentes papeles de color con una amplia gama de matices
Se puede preparar cualquier soporte papel, madera o cartón para pintar al pastel con una imprimación áspera
añadiendo piedra pómez o polvo de mármol, el resultado es un papel como de lija que retiene el pastel
El desarrollo de la pintura al pastel a lo largo de la Historia del Arte va ligado a la conquista del dibujo como
técnica independiente y no sólo como complemento de la pintura con pincel. Su nombre deriva de la palabra
pasta, la masa que se forma al mezclar los pigmentos en polvo con la goma que los aglutina.
El pastel empieza a utilizarse como un medio seco y rápido de aplicar color al dibujo para potenciar los volúmenes
y acercarse un poco más a la realidad con el soporte del color, principalmente en el retrato y la pintura de figura.
En el siglo XVIII ya es una de las técnicas mas utilizadas entre pintores de la corte francesa, y ha dejado de formar
parte del dibujo para convertirse en un medio pictórico con personalidad propia. A partir de entonces estará
presente y será protagonista de todos los movimientos artísticos hasta nuestros días.
ÉPOCA: Este medio fue mencionado por primera vez por Leonardo da Vinci en 1495.
En los siglos XV Y XVI ya se utilizaban pigmentos poco aglutinados para dibujar con colores, hasta el siglo XVII
no cobro vigencia como una técnica de elaboración de obras definitivas. Conectaba con el gusto rococó y con el
deseo de los burgueses de ser retratados
ARTISTAS DESTACADOS: Rosalba Carriera difusora de esta técnica en Francia.
Charles Le Brun, Maurice-Quentin de la Tour y Jean Baptiste Chardin en Francia, Tiépolo en España
comenzaron a investigar sus posibilidades en la pintura de retratos y posteriormente Edgar Degas con barras de
pigmento seco puro captó asombrosamente la luz y el movimiento en sus cuadros de bailarinas. Monet paisajes a
finales del XIX, Mari Casats y Kitchner a principios del XX . A finales Kitaj con dibujos figuras humanas de en
1980.
TEMA 5 BARRAS DE CERAS
DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA: •policroma, seca, grasa. Desde hace cinco mil años, en Egipto, la utilización de
cera como medio de pintura ha permanecido hasta nuestros días. Ee puede distinguir dos técnicas de
manipulación de la cera: la que se realiza mediante calor, que es la que se empleó en la antigüedad, encaustica y
la que se desarrolla en frío, cuya práctica y difusión se sitúa a partir del pasado siglo.
•Las barras de cera están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina clorofona pulverizada.
MODO DE EMPLEO
-Se aplican sobre el soporte de forma suave o fuerte , en función del efecto que se desee transmitir
-Se pueden mezclar varios colores realizando transparencias. También es posible cubrir con un color otro mas
oscuro, para rectificar se usa la cuchilla.
-Se puede difuminar en parte utilizando un difumino o un trapo de algodón.
-Se puede diluir el color una vez colocado sobre el soporte usando esencia de trementina en la técnica llamada
lavado
.Se pueden realizar raspados con la técnica llamada esgrafiado
-Se puede utilizar calor para hacer fundidos
ÚTILES: cuchilla para raspar ,Elementos punzantes y espátulas, difuminos, trapos, bastoncillos, esencia de
trementina
SOPORTES, Papel fuerte para aplicaciones sencillas, cartón y tablex preparados con una imprimación de gesso.
ESTILO: Se utilizó por pintores surrealistas de principios del siglo 20 . Conecta con el mundo onírico e infantil.
Se utiliza para Dibujos y apuntes rápidos
ÉPOCA: Siglo XX
ARTISTAS Paul Kee, Joan Miró, Cy Tombly, Roualt, Mary Cassat, etc.
TEMA 5 BIS PASTELES AL ÓLEO

DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA Técnica seca polícroma grasa-
Es una mezcla de pigmentos, ceras hidrocarburos y grasa animal
El pastel al óleo se conoce como "óleo en barra", un invento que, debemos a Picasso. Fue él junto con Henri
Goetz quien instó a un fabricante de pinturas Henri Sennelier para que le inventara una pintura al óleo con la que
seguir dibujando al pintar. Necesitaba una herramienta más consistente que el pigmento diluido en aceite que
fuese, a la vez, sutil y expresivo como el carboncillo o el pastel. Inventaron ese óleo duro, que podía agarrar como
un lápiz y le permitieron pintar al óleo con trazos firmes y mezclar directamente sobre el lienzo. Otra marca de
fábrica, Caran d'Ache, presentó Neocolor crayones de cera en el mercado en 1965, utilizando una tecnología
patentada de polietileno con cera superior de lubricación , en los años noventa, estos se desarrollaron en un
pastel al óleo, Neopastel .
MODO DE EMPLEO Pasteles de aceite se puede utilizar directamente en su forma seca, cuando se hace a la
ligera, los efectos resultantes son similares a las tizas pastel. Fuertes acumulaciones puede crear un casi empaste
efecto. Una vez aplicada a la superficie, el pigmento de pastel al óleo se puede manipular con un pincel
humedecido en aguarrás , aguarrás , aceite de linaza , u otro tipo de aceite vegetal o disolventes
Se pueden obtener tanto capas finas como empastadas.
Para conseguir capas finas y degradados, los pasteles se pueden diluir con esencia de trementina o de petróleo,
logrando transparencias muy hermosas.
la manera de conseguir empastes con estas pinturas, es calentando un extremo del pastel y aplicar la pintura
directamente o con una espátula. Se pueden efectuar superposiciones de color y también raspados con la punta o
con el canto de una espátula.
ÚTILES
Pinceles, esencia de trementina y espátulas se pueden realizar con el técnicas parecidas a las ceras
SOPORTES El soporte recomendado es el papel, que debe ser libre de ácidos y con buena adherencia, también
es interesante la tela o madera preparada con gesso.
ESTILO: En los años 20 se inició para usos educativos en Japón Se desarrolló para usos artísticos en los
años 40 , Se utiliza para el Diseño y la ilustraciónn
•ÉPOCA: Siglo XX
•ARTISTAS : Picasso, Henri Goetz en torno a 1950
http://www.explore-oil-pastels-with-robert-sloan.com/
TEMA 6 TÉCNICAS MIXTAS
DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA: El término técnicas mixtas se emplea para determinar las obras plásticas en
cuya elaboración se mezclan medios o técnicas de dibujo o pinturas.
Es muy importante conocer la naturaleza física de los medios. Los medios compuestos con aglutinantes a base de
aceites no se dejan impregnar por un medio soluble al agua.
Ejemplos de técnicas mixtas
1-CERAS O PASTELES AL ÓLEO CON ACUARELA: (MAGRO-GRASO) se puede aprovechar la capacidad de
estos medios grasos para rechazar el agua y así producir reservas. La acuarela no se fijará en superficies
pintadas con materiales grasos, sino solo en aquellas partes del papel no trabajadas con dichos medios.
2-GRAFITO CARBÓN Y TINTA NEGRA: (HÚMEDO-SECO) Diferentes calidades técnicas producen un lenguaje
muy expresivo, en el que se combinan la riqueza tonal y la textura de los medios secos, con las calidades que
ofrece la tinta trabajada con distintos instrumentos.
3-FOTOCOLLAGE (TECNOLÓGICO-MANUAL) La utilización de imágenes impresas en diferentes medios y su
posterior manipulación dan lugar a una riqueza de posibilidades expresivas cada vez mayor.
MODO DE EMPLEO: vamos a desarrollar en este tema el punto 1º ceras o pasteles al óleo mezclados con

acuarela Al emplear un medio graso, que por sus propias características rechaza el agua, produce unos efectos
contrastados muy interesantes. Con el fin de seguir un orden lógico de trabajo convendrá comenzar aplicando los
colores más claros con las barras de cera, para plasmar más tarde los oscuros con la pintura al agua que
hayamos elegido, ya sea acuarela o gouache. Finalmente, al tener que humedecer el papel, es preciso que éste
se encuentre montado sobre un tablero.
ÚTILES
Pinceles, Acuarelas, tintas y ceras
SOPORTES El soporte recomendado es el papel grueso o cartón, que debe ser libre de ácidos y con buena
adherencia, también es interesante la tela o madera preparada con gesso.
ESTILO: Durante las vanguardias históricas a principios del Siglo XX los artistas experimentaron creando nuevas
técnicas y combinando materiales: en el Expresionismo, Constructivismo, Surrealismo y Dadá encontramos
multitud de ejemplos de técnicas mixtas.
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en castellano) Defendían la opinión de que cada persona posee una verdadera
vivencia u experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. Kandinsky construyó las bases
teóricas que cimentaron esta idea. Se perseguía así una "igualdad de derechos" de las distintas manifestaciones
artísticas. En el Almanaque de l grupo 1918 se dice: , «Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia,
Alemania y Rusia, y enseñan sus finos hílos de conexión con el Gótico y con los primitivos, con África y el gran
Oriente, con el arte originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte infantil, especialmente con los
movimientos musicales y de los escenarios más modernos de Europa de nuestro tiempo».
•ÉPOCA: principios del Siglo XX,

ARTISTAS :
Paul Kles http://www.emuseum.zpk.org/eMuseumPlus
Artista Suizo Alemán trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo
trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o
notas musicales. Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz
Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue Reiter.
OTRAS TÉCNICAS MIXTAS
•Max Ernst
•Pintor surrealista
•En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un
sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos
ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes
durante la Segunda Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al
metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado.
•Recurrió luego al collage en tres novelas en imágenes: La Femme 100 têtes (La Mujer 100 cabezas, 1929), Rêve
d'une petite fille qui voulut entrer au Carmel (Sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo, 1930) y Une
semaine de bonté ou les sept éléments capitaux (Una semana de bondad o los Siete Elementos capitales, 1934).
•Raoul Hausmann
(Viena, 1886 - Limoges, 1971) artista y escritor austríaco. Con el seudónimo Der Dadasophe ejerció un destacado
papel como dadaísta creando _ -collages experimentales - poesía sonora - y realizando críticas institucionales en
Alemania durante los años transcurridos entre las dos guerras mundiales. El club Dadá de Berlin Raoul Hausmann
fue uno de los fundadores del club junto a Richard Huelsenbeck,que el 22 de enero de 1918 hizo la primera
proclama dadaísta en Alemania en la galería de arte IB Neumann.
TEMA 7 ROTULADORES
Técnica polícroma húmeda.
Es rápido fácil de usar y compatible con otros materiales. Con cada rotulador solo se aplica un color que adopta
forma de banda con límites muy definidos eso dificulta las mezclas, el rotulador no se puede borrar
La punta está hecha de fieltro o fibras finas de nylon u otro material sintético sujeta al cilindro de la pluma y su
tinta fluye hacia la punta mediante un mecanismo capilar. La punta puede tener muy diferentes formas y tamaños.
MODO DE EMPLEO El bisel de la punta esta diseñado para ofrecer un abanico de grosores de línea, la punta no
debe permanecer apoyada sobre el papel estando el rotulador quieto porque se formaría un borrón.
Color plano: Es la aplicación más elemental del rotulador. Es necesario mantener un frente húmedo, trabajar a
velocidad suficiente para que el frente de tinta no tenga tiempo de secarse hay que mover el rotulador
constantemente y volver una y otra vez sobre el frente para mantenerlo fresco.
Rayado: permite realizar gradaciones de color y da al dibujo sensación de direccionalidad, algunos artistas utilizan
los rotuladores medio gastados buscando distintos efectos de rayado
Enmascaramientos: con cintas y películas especiales permiten reservar alguna zona del papel cuando se trabaja
con rapidez y se desea marcar de forma definida un borde. Sirve para evitar las acumulaciones de tinta al principio
del trazo. Es imprescindible cuando se trabaja con rotuladores grandes
Trazado de líneas deben ser de un solo movimiento prolongado, no a saltos
Superposición: Según la velocidad de absorción del papel un rotulador puede dar varios tonos de su color para
obtener diferentes intensidades hay que esperar a que seque el color, si se quieren grandes diferencias de tono.
En algunos papeles se producen charcos de tinta que se eliminan con polvos de talco que además sirve para
preparar el color para una nueva capa
ÚTILES:
Rotuladores: mucha variedad para trabajar sobre distintos soportes con puntas de 0,1mm hasta 40mm. Algunos
con punta tipo pincel. Podemos fabrira nuestros propios rotuladores con gasa, cinta adhesiva, cartón y disolvente
Cinta para enmascarar, talco, disolventes Goma blanda de plástico Hay gomas especiales para eliminar tinta
sobre papel de calco.
SOPORTES
PAPELES: hay papeles especiales para rotulador y además se usan papeles transparentes como el papel Vellum
permite aplicar color por las dos caras, Crystaline, papel layout o Croquis . Se usan además el cuché y papeles
estucados que admitan cinta de enmascarar, papel Ingres por la cara lisa cuando se combina el rotulador con
pastel o lápices de color, cartón blanco para montar el dibujo realizado con papeles translucidos.

El primer rotulador práctico lo inventó el japonés Yukio Horie en 1962. Resultaba muy adecuado para los trazos de
la escritura japonesa, que normalmente se realiza con un pincel puntiagudo.
La invención del rotulador de punta acrílica fue comercializado en 1963, por la Sociedad japonesa Pentel.
El Rotulador se ha utilizado mucho en el diseño industrial para presentación de objetos, para ilustración y diseño
gráfico, para cómics, para el arte urbano.
ÉPOCA Siglo XX. En obras artísticas se ha usado poco para obras definitivas, su utilización es básicamente para
dibujos preparatorios por su fragilidad ante la luz
ARTISTAS DESTACADOS: Dibujos preparatorios de Artistas Pop Roy Lichtenstein , Luis Gordillo, Kheit Haring
artista urbano 1970-1980, Cómic: Liberatore, Weston
TEMA 8 TINTA
Técnica monocroma húmeda

Es un líquido oscuro que se obtiene al disolver negro humo en agua con alcanfor y goma laca en el mercado se
encuentran de dos tipos impermeable y soluble al agua, la impermeable es mas duradera
MODO DE EMPLEO
Técnicas orientales: Se utilizan con pincel sujeto de forma perpendicular al papel situado horizontalmente. Con el
pulgar y el dedo corazón se sujeta el pincel por el centro, permitiendo mover el pincel en muchas direcciones.
Aguada: Se trabaja con disolviendo en agua la tina para aclarar el color y obtener efectos de claroscuro, utilizando
el pincel.
Con Pincel seco: se crean medios tonos manteniendo el pincel relativamente seco y aprovechando la textura del
papel
Con plumilla: se trabaja con la línea, dando sensación de claroscuro con líneas paralelas
Con caña o pluma: Trabajo a línea mas gruesa tiene un carácter muy gestual.
ÚTILES
Plumas: las clásicas, ave , caña, plumillas de acero se colocan en el palillero que es un soporte para plumillas,
también se pueden usar palillos mondadientes planos.
Pinceles del tipo acuarela, pinceles para tinta orientales.
Estilógrafos.
Alcohol para limpiar los útiles
Tinta disuelta en frascos, tinta de barra oriental
SOPORTES.
Papeles orientales: mas delgados y absorbentes.
Papel cuché, papeles lísos, papel traslúcido.
Papel mas grueso y absorbente para las aguadas

ESTILO O PRÁCTICA ARTÍSTICA La tinta se ha utilizado a la escritura y para el arte de forma abundante en
oriente y occidente. En el arte occidental mas para estudios y trabajos preparatorios de pintura y grabado para los
planos y presentaciones en dibujo arquitectónico .
En oriente la tinta se utiliza como técnica artística de gran importancia
ÉPOCA: La tinta fue utilizada por los egipcios dos milenios antes de C. Y por los chinos a raíz de la invención del
papel.
En el arte de occidente encontramos ejemplos desde el renacimiento hasta la actualidad
ARTISTAS; Rembrant, Goya, Van Gogh, Kirchner, Max Pechtein
PINCELES
Celino Celini describe en su tratado de pintura como construir pinceles con pelo de armiño hervido atados e
insertados en la caña de la pluma de un buitre o paloma.
Tipos:
De pelo suave: de marta, o sintético para acuarela y tintas, también pueden usarse con acrílicos y pintura al óleo
De cerdas: mas tosco pelo de cerdo son adecuados para empastar , para frotar y para hacer estarcidos
Clasificación por su forma:
Redondos: virola circular están acabados en punta con pelo corto para miniaturas, con pelo largo para rotular,
Cónicos: son de virola plana, tienen la punta redonda, permiten controlar el trazo cuando se pinta hasta un borde
irregular
Planos: virola plana, punta cuadrada, se utilizan para pinta alla prima, de una sola capa, retienen mucha pintura
PLUMILLAS: Las plumillas para dibujo ofrecen una gran grama de calidades gráficas, para poder trabajar el
sentido de la línea y el tono, El trazo de la plumilla puede ser continuo y uniforme o entrecortado, El trazo será
mas o menos nítido dependiendo de la dureza del acero y el papel donde se realice
ESTILÓGRAFOS: Estan calibrados por grosores en milímetros 0,2 0,4, 0,8 mm

la línea que describen es continua y uniforme, Permiten la realización de planos por puntos, que ofrecen
gradaciones tonales por acumulación
SEGUNDO TRIMESTRE TÉCNICAS DE PINTURA

TEMA 9 MATERIALES DE LA PINTURA: TÉCNICAS, AGLUTINANTES , DISOLVENTES
SOPORTES E IMPRIMACIONES
● TÉCNICAS DE LA PINTURA
Se clasifican en función de el material que se usa para fijar los pigmentos al soporte. Ese material se denomina
aglutinante. Toda pintura esta formada por pigmento + aglutinante (puede llevar además otras sustancias de
carga, espesantes y conservantes)
Las técnicas pueden ser magras o grasas según el disolvente que precisen
AGLUTINANTES:
1-ACEITES: TÉCNICA AL ÓLEO.
El mas usado es aceite de linaza de tres tipos (cocido, crudo, espesado al sol)
También se usa aceite de girasol, adormideras y nuez
Se usa como disolvente esencia de trementina, aguarrás e hidrocarburos
2-RESINAS:
ORGÁNICAS: Dammar, Colofonia, la Goma Laca se usa para TINTAS
Disolvente el alcohol, diluyente agua
SINTÉTICAS: Acrílicas y polivinilicas LA PINTURA ACRÍLICA
Se usa como disolvente el agua
3-CERA DE ABEJAS en caliente para la ENCÁUSTICA en frío para las Barras de ceras
Se usa como disolvente la trementina
4-GOMAS:
GOMA ARÁBIGA: ACUARELAS Y TÉMPERAS
GOMA DE TRAGACANTO: PASTEL
5-CAL
Viva: FRESCO
Muerta: TEMPLE A LA CAL
5- EMULSIONES: compuestas de un producto emulgente+ aceite.

Pueden ser magras o grasas según el disolvente que precise
TEMPLE AL HUEVO aglutinante yema de huevo, clara o huevo completo
TEMPLE A LA COLA O AGUAZO. aglutinante cola de conejo
TEMPLE A LA CASEINA: caseina (un subproducto de la leche)
DISOLVENTES: Destinados a facilitar la extensión, a veces disolución, del aglutinante. Sirve para fluidificar y es
generalmente volátil, o sea, desaparece más o menos en su totalidad por evaporación.
- Agua: Se emplea en pinturas llamadas “al agua”. Debe estar exenta de sulfuros que podrían perjudicar los
pigmentos.
- Alcohol: Es el disolvente típico de las resinas. Bajo tres tipos: metílico, etílico y amílico.
- Aguarrás (esencia de trementina): Se obtiene por destilación por vapor de la resina del pino, el residuo es la
colofonia que tiene propiedades disolventes, plastificantes y secantes.
- Acetona (propanona): Incolora. Disuelve resinas, grasas, gomas, etc.
- Benceno (bencina): Incoloro. Si es puro es insoluble en agua. Es buen disolvente para aceites y grasas.
- White spirit: Se obtiene por destilación de una fracción pequeña del petróleo.
● SOPORTES
PAPELES
Se han datado hallazgos de papel procedentes de China cerca del 200 a. C.. Se da como inventor del papel al
chino Cai Lun (50 a. C.-121), eunuco imperial, que mejoró la fórmula del papel, convirtiéndolo en una alternativa al
papiro y al pergamino, los soportes tradicionales para la escritura, gracias al añadido de almidón que protegía las
fibras vegetales. El soporte del papel es utilizado en diversas técnicas pictóricas, las más corrientes son la
acuarela, el gouache, el pastel y la tinta china negra o en colores. Hay gran variedad de texturas, pesos y colores,
y su elección depende del estilo del artista.
Existen tres tipos estándares:
Papel prensado en caliente: tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie
demasiado resbaladiza para la acuarela., apta para rotulador
Papel prensado en frío: es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
Papel áspero: con una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las
cavidades del papel.
El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más pesado tiene menos
tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondula hay tensarlo. El gramaje apropiado para la acuarela es
entre 120 g/m² subasta 850 g/m².
El grano o textura del papel es un factor determinante en la técnica y el efecto pictórico. Las irregularidades del
grano dotan de profundidad al tono y color de la acuarela. Los granos más usados son los de grano medio y fino.
Algunos acuarelistas, prefieren el papel de grano grueso.
Si tuviésemos que elegir un papel de una calidad indiscutible, sólida e invariable para la práctica de la acuarela,
sin lugar a dudas, escogeríamos el fabricado con trapos de hilo troceados, hervidos y batidos hasta formar una
pasta homogénea y suave.
Esta pasta esta contenida en una cuba o tina. La pasta debe ser removida constantemente con el fin de que
mantenga la suspensión de todos sus componentes.
Por medio de una forma o molde, se sumerge en la tina rellenándola de dicha pasta, obteniéndose una fina capa
uniforme que, una vez haya perdido el agua que hace la pasta fluida, se colocará entre dos capas de fieltros
amontonando unas sobre otras, prensándolas seguidamente con el fin de favorecer la deshidratación. En el curso
de su fabricación, o por inmersión posterior, el papel acuarela se someterá a una solución de cola. De la buena
mezcla y proporción de estas soluciones dependerá, en gran manera, la calidad de un papel
Tipos de papel
Acuarela: es un papel con varias posibilidades de color y grano. Se puede utilizar también con acrilico..
El papel Basik es uno de los papeles más conocidos y versátiles del mercado, de ahí su merecida fama, es muy
utilizado en dibujo escolar y, en algunos de sus gramajes, permite combinar de forma diferente varias técnicas,
rotulador, ceras, gouache, papel muy polivalente, en color blanco natural y viene encolado, ofrece dureza y
regularidad en su superficie. Es un papel ligeramente satinado
Bristol: apropiado para el dibujo con pluma, sin grano, admite gouache y acrílicos.
Couché o estucado: es liso lleva una capa fina de estuco (yeso) recomendable para dibujo a tinta.
Ingres: con grano fino es recomendable para técnicas secas: carbón, grafito, pasteles.
Lavis tiene distintas variantes es muy apropiado para dibujo en acuarela tinta o gouache
Layout: muy liso indicado para bocetos
Papeles a color: con variedad de calidades y coloridos. Adecuados para técnicas secas y collages
Papeles especiales: Para dibujo al óleo,
Cartón: El cartón es un material formado por varias capas de papel superpuestas, a base de fibra virgen o de
papel reciclado. El cartón es más grueso, duro y resistente que el papel. La capa superior puede recibir un
acabado diferente, llamado «estuco» que le confiere mayor vistosidad.
MADERA: La tabla de madera ha sido de los soportes más utilizados desde siempre, los artistas egipcios ya
pintaban sobre la madera de los sarcófagos y especialmente en la Edad Media, los retablos o los frontales de
altar. Su imprimación es suficiente con una capa de cola o en caso de tener que dorar con pan de oro, hay que
hacer otra preparación de colas, yeso y arcilla previas, y también fue el principal soporte para la pintura de
caballete europea hasta el siglo XV. La madera maciza empleada antiguamente se había de cubrir con tiras de
tela de lino encoladas para disimular las juntas, también a veces se cubría completamente con la tela, así se
evitaban posibles grietas posteriores. Así lo explica Cennino en su obra Il Libro dell'Arte del año 1390. Se utilizan
también el contrachapado y el conglomerado, tableros prefabricados que ofrecen la característica de tener las
superficies lisas y sin uniones, se encuentra el llamado táblex que además de ligero, tiene dos caras una lisa y
otra rugosa, se suele utilizar por la parte rugosa ya que la lisa necesita una preparación para que la pintura se
adhiera a ella correctamente.
LIENZOS: Plinio el Viejo narró que el emperador Nerón encargó un retrato suyo sobre una tela de 36,5 metros de
largo. Heraclio en su manuscrito De Coloribus te Artibus Romanorum del siglo X, describía cómo se preparaba un
lienzo de lino para poder pintarlo y dorarlo, tensando la tela y preparándola con cola de pergamino. La pintura
sobre tela fue utilizada sobre todo en el norte de Europa y después en Italia por su gran ligereza, a partir del siglo
XVIII se hizo corriente su utilización en bastidor fijo y desde el siglo XIX se comercializó en serie.
Los lienzos más usados son los provenientes de fibras vegetales como el cáñamo, el lino, el yute con
tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o grueso según el resultado que quiera el artista de
su trabajo, también hay soportes realizados con tejido de poliéster.
Estos lienzos se pueden adquirir a metros y montarlos sobre marco el propio pintor o utilizar los que hay en el
mercado de diferentes tipos y formatos. Existe una numeración internacional para las medidas de largo y ancho
de cada bastidor, además tres formatos diferentes para cada número que corresponde a: «figura», «paisaje» y
«marina», el tamaño de un lado es siempre el mismo y el otro va disminuyendo, por ejemplo el «40 figura» mide
100 x 81 cm, el «40 paisaje» mide 100 x 73 cm y el «40 marina» mide 100 x 64 cm.
La mayoría de lienzos del mercado están preparados o imprimados
PREPARACIÓN DE LOS SOPORTES:

Preparación del papel:
Tensado del papel para pintar a la acuarela: se humedece con una esponja y se fija a un tablero con tiras de
papel engomado, cuando se seca ya se puede pintar , sin que el papel se arrugue
Preparación del papel para pintar al pastel: se le aplica una capa de Gesso al que se le añade marmolina o
piedra pómez y el pigmento que se desee para colorear el papel
Preparaciones para madera, lienzo, cartón:
Preparación tradicional a la creta: yeso negro + yeso mate+ Blanco de Cinc+ cola de conejo
Preparación tradicional a la media creta: yeso negro + yeso mate+ Blanco de Cinc+ cola de conejo+ aceite de
linaza
Preparación con gesso: se puede comprar el producto o hacérselo uno mismo con
Blanco de España + Blanco de Cinc + Alkil
Aparejo a la gacha o imprimación española
Característico de la escuela española en los siglos XVI y XVII
Primero aplicar un agua cola. Posteriormente a la cola base se añade harina hasta obtener un aspecto parecido a
la bechamel. Añadir de 2 a 3 cucharadas de ACEITE DE LINAZA. Incorporar 2 cucharadas de miel
Se aplica una capa con brochón y se pasa la imprimadera
Montaje del lienzo sobre el bastidor:

Si se compra la tela preparada se monta en el bastidor tensándola con unas pinzas especiales y fijándola con
grapas o clavitos de tapicero.
Si se va a preparar la tela se monta primero sobre el bastidor y luego se prepara, cuando seque si se ve poco
tensa se puede volver a tensar metiendo las cuñas al bastidor o desclavándo la tela y volviéndola a clavar
http://www.educathyssen.org/tcnicas_artsticas_preparar_un_lienzo
ÚTILES DE LA PINTURA
Caballetes: de estudio , portátiles o de campo
Pinceles:
De pelo suave: de marta, o sintético para acuarela y tintas, también pueden usarse con acrílicos y pintura al óleo
De cerdas: mas tosco pelo de cerdo son adecuados para empastar , para frotar y para hacer estarcidos
Clasificación por su forma:
Redondos: virola circular están acabados en punta con pelo corto para miniaturas, con pelo largo para rotular,
Cónicos: son de virola plana, tienen la punta redonda, permiten controlar el trazo cuando se pinta hasta un borde
irregular
Planos: virola plana, punta cuadrada, se utilizan para pinta alla prima, de una sola capa, retienen mucha pintura
Espátulas
Paleta para mezclar color
Otros materiales: Barnices y secativos
TEMA 10 GOUACHE
Técnica polícroma húmeda magra
El gouache fue probablemente descubierto por un monje en el siglo XI añadiendo blanco de zinc a las acuarelas
con las que ilustraba manuscritos. Su opacidad hacía que cuando se usaba para las ilustraciones resaltase el pan
de oro. Debido a que su nombre procede de la palabra italiana guazzo, se supone que su origen está en este país.
A lo largo de su historia ha permanecido en la sombra, considerándose una variante más de las acuarelas,
aunque siempre ha sido usado y no ha pasado de moda. Además en España se le llama témpera. Antiguamente
se denominada gutiambar
El aglutinante del Gouache es la goma arábiga
Utiliza un color o pincelada más pastosa que la acuarela, y, a diferencia de esta, tanto las luces como las
tonalidades claras se consiguen por medio del color blanco.
MODO DE EMPLEO: se presenta a la venta en tubos o en botes, contienen mas glicerina y resultan mas solubles
que las acuarelas
Una de las dificultades que presenta el gouache es la realización del modelado de las formas, es decir, la
paulatina transición de claro a oscuro en el color de las superficie representadas y que es la causa de la visión
volumétrica de las mismas.
Pintando al gouache, no cabe modelar mediante la mayor o menor disolución del color porque aunque el gouache
tiene posibilidades de transparencia parecidas a las de la acuarela, su calidad se encuentra en el color opaco y
cubriente. Por otro lado, la rapidez de secado del gouache, impide que el artista pueda trabajar los fundidos de
color. Trabajando con gouache, el artista tiene que servirse exclusivamente de las tintas planas. Su acabado final
es totalmente mate. No admite repintes para realizar cambios en el trabajo.Una capa superior remueve la inferior
aunque este seca
ÚTILES: pinceles pelo fino, paleta o recipiente para mezclas. Las pinturas deben conservarse cerradas para evitar
que se sequen. Pueden también barnizarse, pero solo con el barniz especial para gouache, que es el único que no
las deteriora ya que son muy frágiles.
SOPORTES
El soporte principal para pintar al gouache será el papel, pero tiene que cumplir algunos requisitos como que la
superficie debe de estar encolada para que no absorba toda la humedad, así como que debe de ser un poco dura
para que soporte las aguadas, las insistencias y los restregados del pincel. No se deberá de utilizar en ningún
caso un papel satinado, porque esto hará que el color pierda intensidad una vez seco. Debe ser un papel sólido a
la luz y no amarillear con facilidad. Aunque todas estas características serán comunes para todo tipo de
procedimientos acuosos.
El cartón será otros soporte muy utilizado para este tipo de técnica, sobre todo para obras de gran envergadura.
Además presenta las ventajas de ser moderadamente absorbente y no alabearse demasiado con la humedad del
color, ni aún cuando se trabaja insistentemente. Además la calidad mate y ligeramente aterciopelada de la pintura
al gouache, casa muy bien con la textura característica de los cartones.

Cuando en 1804 se funda la Royal Water Color Society en Londres, se fija con precisión el uso canónico de la
acuarela, haciendo de las transparencias y de la ausencia de color blanco dos características fundamentales.
Precisamente éstos serán los dos factores que la distinguen con mayor claridad del gouache. A partir de este
momento la acuarela dispondrá de un soporte académico dejando al gouache inferioridad de condiciones en lo
que se refiere a su enseñanza y a la categoría que ocupa dentro del sistema de las artes.
Con la expansión del óleo como procedimiento fundamental en toda Europa y hasta que la acuarela no se
promociona en la escala fundamental de las Bellas Artes, tanto ésta como el gouache quedan relegados a
procedimientos auxiliares como serán los bocetos.
Un medio de expresión propio del gouache será el cartelismo y la ilustración. Esta técnica se revela como el
procedimiento más apto para realizar originales para carteles. Los colores perfectamente planos, opacos y mates
del gouache permiten prever el efecto final con gran exactitud y además facilitar enormemente el tiraje de cada
color por separado, hasta construir la imagen entera.
ÉPOCA:
•Renacimiento: en el siglo XV Alberto Durero en Alemania
•En segunda mitad del siglo XVIII: Boucher Francia Rococó. En el Género de Paisajismo Inglés J.M. W. Turner
•En los carteles, el gouache ha encontrado un lugar natural dentro del mundo de las artes: Toulouse- Lautrec o
Pierre Bonnard y Alfonse Mucha fines del XIX y principios del XX
•En el siglo XX cuando grandes artistas como el fauvista Matisse, los cubistas: Picasso, Juan Gris, George
Braque y surrealistas como Joan Miró, hallan en esta técnica un procedimiento que se adaptaba perfectamente a
sus intenciones coloristas y formales.
TEMA 11 ACUARELA
Acuarela, etimológicamente, deriva del latín "aqua" y el diccionario nos lo define como "pintura realizada con
colores diluidos en agua y que, emplea como blanco, el color del papel" o "colores con los que se realiza la
pintura".
Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga glicerina o miel. En sus procedimientos se emplea la
pintura por capas transparentes.
MODO DE EMPLEO
Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanto más calidad tienen los pigmentos.
Podemos encontrar los colores en tubos o pastillas.
La técnica "transparente" de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del
papel para obtener sus efectos y los toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace
más profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o
trapos. La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado nos permite crear degradados o lavados
uniformes, incluso superposición de colores. Con la técnica húmedo sobre húmedo pintamos con la acuarela
sobre el soporte ya humedecido, que nos da un efecto diferente. También podemos realizar lavados del pigmento
una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro
elemento absorbente, el raspado, son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela.
Fabricación casera de unas acuarelas http://sagopo.blogspot.com/2011/01/acuarelas_23.html
ÚTILES acuarela en tubo o pastillas, pinceles, recipiente o paleta para mézclas, goma arábiga para extraer color,
Esponja, goma de enmascarar, bisturí cintas de papel adhesivo, trapos
SOPORTES El soporte más corriente para esta técnica es el papel y hay gran variedad de texturas, pesos y
colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándar:
Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie
demasiado resbalosa y lisa para la acuarela.
Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las
cavidades del papel.
El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más pesado tiene menos
tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondule hay que tensarlo.

ESTILO O PRÁCTICA ARTÍSTICA, ÉPOCA ARTISTAS DESTACADOS:
•La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco después de 100 a. C. En el siglo XII los
árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde.
Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en
Francia), abierto en 1492.
• En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV.
•Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo, incluyendo a van Dyck (1599-1641),
Thomas Gainsborough (1727-1788), y John Constable (1776-1837).
•En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (1725–1809) fue llamado padre de la acuarela británica.
•Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord William Turner (1775-1850), que fue precursor de las
técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el
movimiento.
•Utilizan la acuarela los impresionistas como Monet y neoimpresionistas como Cezanne
•Expresionistas como Emil Nolde, Wasily Kandinsky, Paul Klee
•En la Actualidad: Miquel Barceló
TEMA 12 PIGMENTOS
●
Son polvo de color que junto al aglutinante sirven para fabricar los diferentes colores. Los materiales que los seres
humanos han elegido y producido para ser utilizados como pigmentos por lo general tienen propiedades
especiales que los vuelven ideales para colorear otros materiales.
El conocimiento de los pigmentos, los materiales y las técnicas formaba parte del bagaje de los pintores,
dominaban perfectamente los materiales que utilizaban en el proceso pictórico (por ejemplo, sabían la mejor
manera de trabajar los verdes y los azules de cobre entre capas de barniz, proteger el cinabrio con veladuras de
granza, etc.).
En 1840 se inventa y se industrializa la pintura en tubos. Esto dio mucha libertad a los pintores, que de pronto se
encontraban con un ahorro de tiempo y podían pintar directamente, pero se fue perdiendo ese conocimiento.
Historia de los Pigmentos

http://www.artexpertswebsite.com/pages/spanish/pigmentos.php
Según su procedencia pueden ser:

- Inorgánicos: proceden de minerales, tierras o metales.
-Orgánicos: proceden de un ser vivo: animales o vegetales
Por su origen se dividen en:

- Naturales: se encuentran tal cual en la naturaleza, la materia prima es natural.
- Artificiales o sintéticos: son creados, ya sea para obtener colores que no existen en la naturaleza o porque es
más barato y más fácil crearlos que obtenerlos en la naturaleza.
PIGMENTOS INORGÁNICOS
PIGMENTOS DE TIERRA: incluyen los productos naturales obtenidos por la oxidación del hierro, mineral de
manganeso y roca feldespática.
Ejemplos: Ocres, Sombras, Colores tierra Van Dyck
PIGMENTOS MINERALES: conseguidos directamente de los minerales

Ejemplos: Cinabrio, Lapislázuli, Minerales Blancos creta, yeso y caolín
PIGMENTOS INORGÁNICOS SINTÉTICOS:

No se encuentran en la naturaleza, se fabrican a partir de metales mezclados
Ejemplo: Blancos de plomo, Oxido de zinc, Blanco de titanio.
Amarillo Nápoles, rojo de molibdeno, los colores cadmio.
Azul Prusia, cobalto y cerúleo, verde óxido de cobalto, óxido de cromo
PIGMENTOS ORGÁNICOS
PIGMENTOS ORGÁNICOS NATURALES: fabricados a partir de compuestos del carbono se extraen a partir de
productos de origen vegetal o animal.
PIGMENTOS ORGÁNICOS NATURALES:

Amarillo indio: a partir de orina de vacas
Sepia: a partir de las bolsas de tinta de la sepia, o calamar
Sangre de dragón: resina roja que se obtiene del fruto de la rota.
Carmín: a partir de la cochinilla, insecto que infecta las chumberas
Momia: pigmento que se obtenía de las momias egipcias embalsamadas en asfalto
PIGMENTOS ORGÁNICOS SINTÉTICOS:

Azul y verde de flalocianina, índigo
PROPIEDADES DE LOS PIGMENTOS:

Opacidad o capacidad cubriente
Resistencia a la luz
Resistencia a la cal, solubilidad en agua, absorción del aceite
TEMA 13 ÓLEO
Técnica polícroma húmeda grasa
El aglutinante que da nombre a la técnica es el aceite: se usa fundamentalmente de linaza, aunque también se
utiliza el aceite de nuez y el de adormideras.
Para acelerar su secado este aceite de linaza es cocido y aclarado al sol.
El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media sobre
todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y
conseguían así un secado más rápido. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del
monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.
Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su
obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el
poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc.
La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación,
falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las innumerables
posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.
Es la técnica mas utilizada por los artistas porque permite alargar el proceso de la pintura para incluir detalles y
repintes. No se trata del proceso mas estable ni permanente, la pintura se puede cuartear por problemas con la
imprimación. Se puede amarillear por problemas con el exceso aglutinante , o resecarse en exceso por escasez
de aglutinante
MODO DE EMPLEO:
Preparación del soporte: Es necesario imprimar el soporte sea madera o tela se pueden utilizar distintos
aparejos: las modernas: al gesso, las antiguas: a la creta, a la media creta, el aparejo español a la gacha.
Se puede introducir color en la preparación como lo hacían los pintores que utilizaban la técnica del claroscuro:
Colores: es importante que la colocación de los colores en la paleta favorezca que se mezclen con facilidad y que
no se ensucien unos con otros.
Los colores se pueden mezclar en la paleta y en el propio cuadro:
Técnicas:
Veladura: consiste en superponer una capa de color transparente sobre una base de otro color, utilizado
disolventes y barnices para aumentar las transparencia del color. Muy utilizada por los pintores desde el
renacimiento podemos destacar a Rubens
Impasto: La palabra "empaste" es el italiano significa "masa" o "mezcla", el verbo "impastare" se traduce también
como "amasar", o "pegar"
El empaste se utiliza cuando la pintura se coloca en un área del soporte (o el lienzo) muy gruesa, son visibles los
trazos de pincel o espátula,. La pintura también puede mezclarse directamente en el lienzo. Una vez seco,
empaste proporciona textura, la pintura parece estar saliendo de la tela. Ej Goya, Rembrant, Auerbach, Saura
Alla Prima: Pintar en una sesión sin repintes directamente del natural, con pincelada suelta y expresiva, es muy
utilizada por pintores de paisaje ejemplo Sargent, Sorolla
Mezcla óptica, puntillismo: los colores se utilizan puros y el efecto de mezcla se produce al alejarse del cuadro y
percibir los colores juntos, técnica iniciada en el impresionismo, destaca Seurat.
Esfumado: El esfumato (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias
capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así
como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar una impresión de profundidad en los cuadros del
renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la Mona Lisa y en
el San Juan Bautista.La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci.
ÚTILES SOPORTES
1.La paleta: En general, las paletas utilizadas para la pintura al óleo son de nogal o manzano. algunos pintores
flamencos tenían paletas de cristal. En la actualidad son muy comunes las de material sintético blancas y de
aluminio lacadas en blanco mate.
2. Pinceles: Generalmente, los pinceles redondos se usan para perfiles, fundidos y aplicaciones de color en
pequeñas extensiones; los de pelo corto sirven para las capas gruesas y firmes, mientras que los de pelo largo
sirven para extender el color. Los pinceles planos , muy utilizados, tienen una práctica más general, sirviendo,
puestos de lado, para realizar perfiles. Y los pinceles cuadrados son muy apreciados para manipular pinturas muy
cremosas.
3.La espátula Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala aplanada, semi-rígida o flexible, y de mango
con distintos fines: para manipular los colores en la paleta, como rasqueta (para quitar las impurezas de la tela o
descargarla de color), para alisar la capa pictórica o para pintar. Muchos pintores desde el siglo XIX han preferido
la espátula al pincel para distribuir y trabajar el color sobre la tela.
4. Otros instrumentos: Las manos, los tubos de pintura que vierten directamente el color, trozos de tela para el
"frottage" …. Aunque también se utilizan para pintar la pistola y los aerosoles, su uso más generalizado es para
barnizar.
5. Caballete; de estudio o portátil “de campo” permite mantener el cuadro en posición vertical a la altura que desee
el pintor.
6. Aceiteras: recipientes para mantener sujetos a la paleta el disolvente: esencia de trementina o aguarrás , el
barniz y el secativo.
7 La grasera para recoger el aceite sucio y filtrarlo
SOPORTES
Los soportes o los materiales sobre los que se aplica la pintura al óleo pueden ser diversos.
Las maderas más empleadas como soporte son la tabla maciza (pino, caoba...), contrachapado de madera, el
aglomerado (DM) de madera...
Las telas o lienzos son tejidos de hilos cruzados perpendicularmente, formando la trama y la urdimbre. Las más
usadas en la pintura son las telas de lino, algodón, cáñamo y yute, en especial las dos primeras.
La tela puede adquirirse ya preparada y montada sobre bastidor, pero también puede comprarse por metros y
después ser montada.

El óleo es la técnica mas utilizada en la pintura occidental. Sus características técnicas posibilitaron del desarrollo
de diferentes estilos artísticos.
Antes se creía que la pintura al óleo había sido inventada por el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del
siglo XV, pero hoy se sabe que ya existía con anterioridad.
1-Van Eyck investigó esta técnica dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo
detallado en una tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes.
2-En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la que se aprovecharon los
pintores del renacimiento. Rafael, Leonardo
3-Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se conseguía una superficie mucho
más grande y permitía además enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en
una pintura subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras oleosas. Tiziano,
Tintoreto, Veronés
4-Los pintores holandeses como Rembrandt y Frans Hals y el pintor español Diego Velázquez hicieron ensayos
con la aplicación de empastes.
5-Toda la obra se llevaba a cabo en el taller. Los avances de la química proporcionaron nuevos y brillantes
pigmentos en el siglo XIX. Ingres, Goya
6-La invención de los tubos plegables, que venían a sustituir a las bolsitas de tripa de carnero donde se
guardaban los pigmentos hasta entonces, permitió a los pintores trabajar al aire libre copiando directamente de la
naturaleza. Los aditivos químicos, que mantenían la pintura fresca, hicieron posible que se hiciera un mayor uso
de los empastes.
Sorolla, Sargent
7-Los impresionistas franceses aplicaban, directamente sobre el lienzo, una gran cantidad de pequeñas
pinceladas de colores brillantes. Seurat, Monet , Van Gogh
8-Con el desarrollo de la pintura no figurativa en el siglo XX, los pintores han experimentado con nuevas técnicas,
aumentando las texturas con arena, ceniza o escayola, manchando los lienzos y trabajando con pinturas
comerciales y con aerosoles; también han combinado la pintura con fotografías y material impreso para formar
collages. La versatilidad de la pintura al óleo ha hecho de ella el mejor medio de expresión para el artista del siglo
XX: Saura, Dubuffet, Pollock, Rothko, Raughchemberg
TEMA 14 ACRÍLICO
La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una
emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son
resistentes a la misma.
Características técnicas:
-Se destaca especialmente por la rapidez del secado.
-Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo.
-Permite agregar más pintura a la superficie ya trabajada, utilizando incluso una técnica diferente.
-El acrílico es estable, resistente a la oxidación, eso explica por qué las pinturas con acrílico poseen una mayor
vida útil.
-A diferencia del óleo, el acrílico permite empastes de mejor resistencia, el primero, con el paso de los años tiende
a cuartearse;
-Puede trabajarse sobre cualquier superficie que sea absorbente de forma directa o como imprimación.
MODO DE EMPLEO
La emulsión de polímero acrílico es soluble al agua cuando esta húmeda una vez seca proporciona una película
flexible resistente al agua, que no amarillea.
Hay diversos mediums en el mercado para producir impasto y veladuras que se mezclan muy bien con la pintura:
medio mate, medio tipo gel, agentes humectante, retardadores de secado, pastas para añadir textura (piedra
pómez, marmolina, arena)
La versatilidad del acrílico permite emplearlo con las técnicas que hemos estudiado:
1.Transparente y aguado como la acuarela.
2.Empastes, espátula, veladura, esfumato, a la prima, mezcla óptica como el óleo.
3.Opaco sobre fondos de colores como Guache.
4.Grandes brochazos opacos o transparentes sobre el muro como se hace en el fresco.
Además permite el empleo de otras técnicas que favorecen esta plasticidad:
5.Dripping o chorreados.
6.Aerógrafo.
7.Uso de plantillas o máscaras.
8.Raspados.
9.Estarcidos. estampados,
ÚTILES
Acrílico en tubo o botes, pinceles, recipiente para el agua y los mediums, paleta para mezclar colores caballete y
trapos
SOPORTES:
Se puede trabajar sobre cualquier soporte, papel, madera, tela, muro.
En algunos casos es necesario preparar el soporte: IMPRIMACIÓN ACRILICA DE GESSO
Contiene polímero acrílico y blanco de titanio se puede extender con brocha, imprimador, espátula, o raspador
limpia cristales
•El desarrollo de la pintura con acrílico como un medio artístico tuvo lugar en los años 20’ del Siglo XX, para ese
entonces un grupo de pintores muralistas mexicanos, en especial José Clemente Orozco, Diego Rivera y David
Alfaro Sequeiros deseaban pintar grandes murales para edificios públicos, muchos de estos muros estaban al aire
libre.
•En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado, particularmente en
los Estados Unidos; también surgieron nuevas técnicas artísticas originadas por Noland, Pollock, Morris Louis
Rothko y Motherwell pertenecientes al Expresionismo Abstracto Americano. Estos pintores aplicaban sus
colores de diferentes maneras; Pollock, por ejemplo, utilizaba una gran cantidad de veladuras e impasto, Nolan
construía áreas uniformes de color con contornos definidos; Rothko, por su parte, manchaba enormes tableros
con lavados delgados y transparentes.
•Los Artistas Pop americanos y británicos también utilizaron los acrílicos un medio que se acercaba a los
presupuestos artísticos de arte popular y de masas como David Hockney contribuyeron muchísimo a la enorme
popularidad de que gozo este tipo de pintura en el mundo del arte plástico. Otro de los artistas de esta época que
utilizo la pintura acrílica fue Roy Lichtenstein ,un pintor americano del arte>>pop>>.En 1960 comenzó a basar sus
obras en las tiras de los tebeos. El imitaba la prensa ,colocando una pantalla metálica que tenia agujeros a
espacios equidistantes sobre el lienzo y pasaba la pintura sobre ella con un cepillo de pasta de dientes.
Otros pintores pop que utilizan acrílico son : Tom Wesselman, y James Rosenquist
TEMA 15 TEMPLE
Técnica polícroma húmeda magra (para hacer un boceto la técnica adecuada sera el gouache)
En la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias
orgánicas.Consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o una
solución de glicerina. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede
considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y
ortodoxos, en Europa Oriental.
Temple de huevo: La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo. En esta técnica
solo se suele utilizar el contenido de la yema del huevo. (Hay también temples de clara de huevo y de huevo
completo)
Temple a la Caseína: conocido desde la Antigüedad y ha resultado tener un comportamiento más estable que el
resto de las emulsiones. El temple de caseína es muy resistente al agua, muy estable y de gran poder adhesivo.
El fondo que mejor se comporta es el de caseína. Otra característica importante de la caseína es su gran claridad
e intensidad luminosa.
Temple a la Cola: Tiene como aglutinante cola de animal, la pintura tiene un acabado mate, empleada por Andrea
Mantegna
Pigmentos: Algunos de los pigmentos usados por pintores medievales, como el bermellón (hecho de cinabrio, un
mineral de mercurio), son altamente tóxicos. La mayoría de artistas modernos usan pigmentos sintéticos, que son
menos tóxicos pero tienen propiedades de color similares a los pigmentos antiguos. Aun así, muchos (sino casi
todos) los pigmentos modernos son peligrosos si no se toman las precauciones adecuadas, lo que incluye
guardarlos húmedos para evitar respirar su polvo
MODO DE EMPLEO
Aplicación del temple:
La pintura al temple se seca rápido. Normalmente se aplica en capas finas, semi-opacas o transparentes. Permite
gran precisión cuando se usa con técnicas tradicionales que requieren la aplicación de pequeñas y numerosas
pinceladas aplicadas en técnica de hachura o regatino (dibujo a líneas o puntos). Una vez seco, produce un
acabado fino y mate.
Como no puede ser aplicada en capas gruesas como el óleo, la témpera rara vez tiene la profundidad de color y la
saturación a la que el óleo puede llegar.
En este respecto, los colores de una témpera sin barnizar se asemejan al pastel, aunque el color depende de si se
aplica un barniz.
Por otro lado, los colores de la pintura al temple no cambian a lo largo del tiempo, mientras que el óleo se
oscurece, amarillea y se transparenta con la edad.
ÚTILES
Pigmentos en polvo, huevo, caseína, cola de conejo, barniz dammar, pinceles, espátula , mortero para moler la
mezcla, huevera para mezclar cada color con el aglutinante
Como fabricar los colores http://www.youtube.com/watch?v=LHtJNeiksU8
SOPORTES
La témpera se adhiere mejor a un soporte absorbente que tenga menor contenido en aceite que el aglutinante
usado para la mezcla (la regla tradicional es "graso sobre magro", y nunca al revés)
EL fondo usado tradicionalmente es gesso italiano y el soporte suele ser más bien rígido. Históricamente se
usaron soportes de paneles de madera y más recientemente se están usando tablex y compuestos modernos.
También se suele usar papel grueso.

•La pintura al temple ha sido usada desde la decoración de sarcófagos del antiguo Egipto. Muchos de los retratos
de las momias de El Fayum están realizados al temple, a veces en combinación con pintura encáustica.
• La técnica ya era conocida por el mundo clásico, donde parece que se desarrollo desde la pintura encáustica y
fue el principal medio usado en pintura de tabla e iluminación de manuscritos en el mundo bizantino y en el
medievo y Renacimiento europeos.
• Pintores florentinos de los siglos XIII y XIV, como Duccio, Giotto, Cimabue y sus contemporáneos, solían utilizar
esta técnica sobre una preparación de yeso blanco.
•Los Grandes pintores del siglo XV Piero de la Franchesca, Mantegna y Sandro Botticelli, Fray Angélico usaron el
Temple. Todas las pinturas de tabla conservadas de Michelangelo son de temple al huevo.
•El óleo reemplazó a la pintura al temple como principal medio artístico durante el siglo XV en la pintura Holandesa
del norte de Europa. Al rededor del año 1500, reemplazó a la témpera en Italia.
•En los siglos XIX y XX ha habido revivals intermitentes de la pintura al temple en el arte occidental, entre los
pre-rafaelitas (Marianne Stokes), realistas sociales y otros. La pintura al temple se sigue usando en Rusia y Grecia
donde es el medio requerido para los iconos ortodoxos.
TEMA 16 ENCÁUSTICA
Técnica polícroma húmeda grasa (para hacer un boceto la técnica adecuada será las barras de cera o el acrílico)
La encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza
por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y
cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con
trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como
aglutinante sino como protección)
MODO DE EMPLEO La mezcla de cera para encáustica utilizada por muchos artistas de encáustica en la
actualidad se compone de cera de abejas refinada, del tipo utilizado en cosmética, y resina de damar.
La técnica de encáustica solo con cera debe trabajarse en caliente puesto que la cera rápidamente se endurece al
enfriarse.
Esta mezcla permite pintar con más tiempo, pues la pintura tarda en secarse y tiene la facilidad del óleo.
Procedimiento: La resina de Dammar se mete en un bote de cristal con aguarrás (hasta que esté toda mojada
solo) y se calienta al baño maría (se pone el bote dentro de una cazuela con agua y esta al fuego).La cera se
prepara troceándola primero, se mete en un cacharro apretándola y se cubre con aguarrás. Se calienta al baño
maría también puesto que el aguarrás es muy inflamable y debe hacerse con un control del calor. Una vez están
disueltos cera y dammar, se meten en un mismo bote y se remueven. Si queda muy espeso como una cola para
zapatos es que falta resina. Si queda como un caramelo es que falta cera. Debe quedar como la miel.
http://www.youtube.com/watch?v=_7Yph7eCzeM
ÚTILES SOPORTES
Cera de abejas
Pinceles
Brocha de cerdas duras
Pigmentos de colores
Secador de mano
Esencia de trementina
Recipientes
Espátulas
Infernillo eléctrico
Trapos de lino para pulir y sacar brillo
Cartulina gruesa, tabla o lienzo preparada a la creta para pintar.
También se puede pintar a la encáustica sobre el muro enlucido.

•Es una técnica conocida y utilizada desde la Antigüedad.
•Los romanos la usaban sobre todo en tablas. Plinio el Viejo, enciclopedista romano del siglo I describe el uso de
la encáustica sobre el marfil, técnica a la que ya entonces se consideraba antigua. Da cuenta de que el inicio de la
técnica derivaría de la pintura de los barcos con cera para impermeabilizarlos, a los que se agregó color en
épocas de guerra. La cera conseguía impermeabilizar la madera consiguiendo con esto que fuese resistente a la
sal y a los rigores del tiempo.
•En la región de El-Fayum, al norte de Egipto se descubrieron unos retratos de gran fuerza expresiva, en
sarcófagos de madera, realizados en encáustica. Son de los siglos I y II.
•Los murales de Pompeya luego de mucho tiempo de especulaciones se ha llegado a la conclusión de que no
fueron pintados a la encáustica.
•Su uso es común hasta los siglos VI y VII, y son ejemplos de esta etapa los iconos bizantinos del Monasterio de
Santa Catalina del Monte Sinaí.
•Durante los siglos siguientes y a partir del VIII y el IX esta técnica cae en desuso hasta que reaparece a los
comienzos de la Edad Media. Un buen ejemplo de icono pintado a la encáustica es el de la Virgen con niño
entronizados del monasterio de Santa Catalina del monte Sinaí, en Egipto.
•Vuelve a ser amplia su utilización en el siglo XVIII y XIX, especialmente en Inglaterra y Francia. El pintor francés
Eugène Delacroix (1798–1863), utiliza en muchas de sus obras unos colores previamente desleídos con cera.
• En el siglo XX el pintor, escultor y artista gráfico estadounidense Jasper Johns realiza encáusticas sobre tela en
obras que anuncian ya el Pop Art
TEMA 17 FRESCO
Técnica polícroma húmeda magra ( El boceto puede realizarse al acrílico, gouache o acuarela)
Para tratar de explicar el fresco es importante hacerlo desde el principio, desde el momento en que el pintor se
enfrenta al muro desnudo
EL SOPORTE de la pintura mural, como es evidente, es un muro. La pared que tradicionalmente era de piedra o
de ladrillo, no es un a superficie apropiada para pintar y necesita ser preparada. Esta preparación se compone de
varias capas de enlucidos (realizados con argamasas en las que se mezcla cal, arena y agua)
El primer enlucido que se aplica sobre el muro tiene la finalidad de regularizar la superficie, se extiende sobre el
muro húmedo para que este no absorba el agua de la masa y, por norma general, no lo aplica el pintor, sino un
ayudante. A esta capa se la denomina enfoscado.
El grosor del enfoscado o arriccio es mayor que el de las siguientes capas que se le superpondrán y en su
composición predominará la arena sobre la cal (en relación 3:1 suele decirse). El proceso de endurecimiento de
esta superficie se produce en un primer momento por evaporación del agua y de una forma más lenta por el
proceso químico de c arbonatación de la cal.
Sobre el enfoscado es necesario aplicar una nueva capa de enlucido: se denomina revoco o intonaco.
El revoco es más delgado que el enfoscado y la proporción de cal aumenta respecto a la de arena (además la
arena suele ser de un grano más fino). Esta es la superficie sobre la que el artista pintará, por eso su acabado y
textura es muy importante.
MODO DE EMPLEO
•En la pintura al fresco se debe de pintar sobre el revoco aún húmedo (de ahí el nombre de la técnica), los
pigmentos se mezclan tan solo con agua y una vez depositados sobre el revoco serán fijados o aglutinados por la
cal de este al carbonatar.
•La diferencia básica del fresco con otras técnicas como el temple o el óleo es que en estas se aplican los
pigmentos ya aglutinados (con huevo, cola o aceite) mientras que aquí se aplica primero el aglutinante (cal) y
luego el pigmento.
•La cal al carbonatar se convierte en carbonato cálcico (de idéntica composición que la piedra caliza) lo que hace
que los colores al fresco sean insolubles y que presenten un aspecto, color y textura únicos. El inconveniente del
fresco, y lo que ha hecho que se les resistiera a muchos pintores es que no permite rectificar, salvo que se elimine
el enlucido y se vuelva a pintar o que se retoque con otra técnica.
•Como el revoco debe de estar húmedo al aplicar el color tan solo se enluce la superficie que se va a pintar ese
mismo día, por eso a esta zona se la denomina jornada o giornata, su tamaño variará en función de la dificultad de
lo que haya que pintar: las jornadas serán pequeñas en los rostros y muy grandes en los fondos. Por eso lo más
sencillo para saber si un mural está pintado al fresco será intentar encontrar los bordes de las jornadas.
Para trasladar el dibujo al muro se utiliza un papel perforado o calco.
El fondo y los colores aclaran cuando se seca.
Papel para preparar el boceto, muñequilla con carboncillo en polvo para transferir el dibujo al muro
ÚTILES Arena , cal, polvo de mármol, gaveta, llana, paleta, espátulas, agua, pigmentos, brochas de cerdas, botes
para los distintos colores, andamios, pala, pico…
•La pintura al fresco era conocida por los antiguos egipcios, cretenses y griegos. También la practicaban los
romanos, según demuestran los extraordinarios ejemplos encontrados en Herculano y Pompeya.
•Entre las culturas prehispánicas de Mesoamérica, los mayas y los teotihuacanos, por ejemplo, usaron tanto la
técnica de pintura al temple, como la del fresco, en sus dos versiones. Ejemplos de frescos son los murales de
Tetitla, Tepantitla y Atetelco, en México.
• Al principio de la era cristiana (siglo II) se decoraban con pinturas al fresco los muros de las catacumbas o de las
cámaras mortuorias subterráneas. En la iglesia de San Isidoro de León (siglo XI) se encuentra el mejor conjunto
de pinturas murales del románico español.
•El arte del fresco resurgió con fuerza en Italia durante los siglos XIII y XIV de la mano de los pintores florentinos
Cimabue y Giotto, quienes han dejado bellos ejemplos en las iglesias de Asís, Florencia y Pisa. En el siglo XV, el
resurgimiento de esta técnica se produjo en Florencia, especialmente con las obras de Masaccio, Benozzo
Gozzoli y Ghirlandaio.
• La pintura al fresco alcanzó su culminación en el siglo XVI con el soberbio trabajo de Rafael en el Vaticano y con
El juicio final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. La influencia italiana tuvo un papel decisivo en el resurgimiento
de la pintura mural en España.
•Los frescos de la iglesia de San Antonio de la Florida, en Madrid, obra del pintor Francisco de Goya,
constituyeron la obra cumbre de la pintura española en este género.
•En el siglo XVIII, la práctica de la pintura al fresco estaba muy extendida en Europa y en América, sustituyendo la
nobleza de estilo por la elegancia y los efectos ilusionistas. Uno de los principales exponentes de esta técnica
durante ese periodo fue Giovanni Battista Tiepolo, en Italia.
• En el siglo XIX, se produjo un resurgimiento de este arte, destinado sobre todo al embellecimiento de edificios
públicos. El núcleo más importante de pintura al fresco, en el siglo XX, ha sido México, donde Diego Rivera, José
Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, entre otros muralistas, han creado notables frescos monumentales en
edificios gubernamentales y privados
TEMA 18 NUEVOS MATERIALES Y TÉCNICAS DE EXPRESIÓN ARTÍSTICA
Ante la complejidad de las nuevas técnicas artísticas que se introdujeron desde principios del siglo XX hemos
optado por organizarlas temporalmente relacionándolas con los movimientos artísticos en los que se producen.
Informalismo: conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista, renunciando a cualquier aspecto
racional del arte (estructura, composición, aplicación preconcebida del color). Incluye diversas corrientes como el
tachismo, el art brut y la pintura matérica.
Destacan, Jean Dubuffet, Antoni Tápies, Lucio Fontana, Antonio Saura, Manolo Millares, etc.
En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto, caracterizado por la utilización de la técnica del
dripping, el chorreado de pintura sobre la tela, sobre la que intervenía el artista con diversos utensilios o con su
propio cuerpo. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline y Willem de Kooning.
Aportaciones técnicas: Técnicas mixtas combinación diferente acrílicos industriales, cementos, silicatos,
arpilleras, maderas,plásticos, cortes en el soporte, quemados…
Investigaciones sobre las diferentes formas de aplicar pintura: estampados ,Dripping, gestualidad gruesa
con nuevos instrumentos.
Pop-art: surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, englobando una
serie de autores que vuelven a la figuración, con un marcado componente de inspiración popular, tomando
imágenes del mundo de la publicidad y de los medios de comunicación de masas. Con un precedente en el
llamado New Dada (Robert Rauschenberg, Jasper Johns), destacaron en el pop-art Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist.
Aportaciones técnicas: Técnicas mixtas combinación de técnicas de seriación propias de carteles y artes
gráficas: serigrafía, offsset, procesos de reproducción seriada y de creación colectiva. Introducción de
medios de creación industriales: pinturas, reservas, plantillas, goma, cajas y objetos de uso corriente y
grandes formatos en los cuadros
Nuevo realismo: movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante, del consumismo y la
sociedad industrial, del que extraen –al contrario que en el pop-art– su aspecto más desagradable, con especial
predilección por los materiales detríticos. Sus representantes fueron Arman, Yves Klein, Jean Tinguely, Piero
Manzoni, etc.
Incorporan los residuos como obra de arte por acumulación o construyendo artefactos con ellos.
Arte cinético: también llamado op-art (‘arte óptico’), es un estilo que pone énfasis en el aspecto visual del arte,
especialmente en los efectos ópticos, que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas, imágenes
persistentes, efecto de moiré), bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Destacan Víctor Vasarely,
Jesús Rafael Soto, Julio Le Parc, Eusebio Sempere, etc.
Se incorporan como elementos artísticos la luz los artefactos que la producen y los efectos visuales
ocasionados , tramas y mallas metálicas.
Arte de acción: son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística, donde lo importante no es la
obra en sí, sino el proceso creador, en el que además del artista interviene a menudo el público, con un gran
componente de improvisación. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el happening, la performance, el
environment, la instalación, video arte etc. Entre sus figuras destacan Joseph Beuys, Wolf Vostell, Yōko Ono, Nam
June Paik, etc.
Aportaciones técnicas: Las acciones de los artistas en si mismas como obra de arte, sus registros
fotografía, vídeos, los objetos y materiales utilizados en estas intervenciones. Los materiales tecnológicos
que las muestran video instalaciones.
Minimalismo: con un antecedente en la Nueva abstracción (o Abstracción postpictórica) el minimalismo fue una
corriente que supuso un proceso de desmaterialización que desembocaría en el arte conceptual. Son obras de
carácter abstracto, de acusada simplicidad, reducidas a un mínimo motivo, depurado al planteamiento inicial del
autor, la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin embargo, queda plasmada en su fase inicial.
Ruptura de la diferenciación pintura- escultura Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y Sol LeWitt
Aportaciones técnicas: Concepción de la obra a partir del espacio que la va a contener, incorporación de
elementos luminosos como único soporte, trazos en la galería…
Hiperrealismo: como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente figurativa, caracterizada por su visión
superlativa y exagerada de la realidad, que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto
casi fotográfico. Destacan Chuck Close, Richard Estes, Antonio López García.
Aportaciones técnicas: Incorporación del medio fotográfico como referente pictórico y utilización de
procesos fotográficos en la práctica pictórica, como por ejemplo emulsionando las telas para una vez
proyectada y fijada la imagen pintarla con acrílico u óleo posteriormente.
Arte conceptual: tras el despojamiento material del minimalismo, el arte conceptual renuncia al sustrato material
para centrarse en el proceso mental de la creación artística, afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto.
Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico, el más purista de la conceptualidad, centrado en la
relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth); el arte povera, centrado en las instalaciones, generalmente de materiales
detríticos (Mario Merz, Jannis Kounellis); el body-art, con el cuerpo humano como soporte; el land-art, que utiliza
la naturaleza como soporte, con un marcado componente efímero; el bio-art, que usa técnicas biológicas; etc.
Aportaciones técnicas: Nuevossoportes para la creación artística: El propio cuerpo del artista, el paisaje,
la instalación como medio de creación, la necesidad de un discurso teórico que justifique la obra artística.
Arte postmoderno: por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la postmodernidad. Asumen
el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían
eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno, en cambio, es
autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social. Destacan artistas individuales como
Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Julian Schnabel, Miquel Barceló, etc.; o también diversos
movimientos como la transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán, el neomanierismo, la figuración libre
Aportaciones: Nuevossoportes para la creación artística: instalaciones, arte urbano, video arte conviven
con prácticas tradicionales que vuelven a revisar practicas anteriores cercanas al informalismo.
Procesos y técnicas actuales para la creación artística

El net.art, debido al medio de difusión del mismo, es una muestra de otra característica del arte digital, la
democratización del arte, algo que ya recogían los miembros del movimiento artístico Fluxus en las décadas de
1960 y 1970, cuando Joseph Beuys hizo famoso el dicho de que «todos somos artistas». Más allá de la
experimentación tecnológica vinculada a las matemáticas y la ingeniería, los pioneros del arte en la red, como por
ejemplo Jodi, se basaban en la actitud anarquista frente a las tecnologías del colectivo Fluxus.
Arte generativo: El arte generativo es una metodología de arte digital que ofrece la posibilidad de generar la obra
íntegramente por medios informáticos a partir de unos parámetros variables establecidos por el artista. En España
conocemos el trabajo en el Centro de Cálculo de la artista Elena Asins
El arte interactivo va ligado al arte digital, pero no son dependientes el uno del otro. Hay formas de arte
interactivo que van desde la danza interactiva, música, e incluso el drama. Las nuevas tecnologías, principalmente
sistemas de computación y tecnología informática, han permitido una nueva clase de arte interactivo. Ejemplos de
arte interactivo son las instalaciones artísticas una de las ventajas de la interactividad con medios digitales es que
permite una interfaz de comunicación con la obra. Es posible, por ejemplo, interactuar con un vídeo mediante el
movimiento del cuerpo, captado por sensores y aplicarlo a una pantalla que se visiona en el tiempo real.
La fotografía en las artes visuales: La discusión acerca del status artístico de las fotografías se inaugura desde
su invención. Sin embargo, durante el siglo XIX serán sólo intentos aislados los que se animen a desafiar el lugar
que la institución artística ha destinado para la fotografía.
Los antecedentes de los usos artísticos de la fotografía parten de lafotografía academicista de Oscar Gustav
Rejlander y en la obra de Julia Margaret Cameron, ambas de la década del 60 del siglo XIX. Utilización de
fotografía por las Vanguardias de principios del XX en el Constructivismo, Dadá y surrealismo: Rodchenko, Lazlo
Moholy Nagy, Man Ray. La técnica fotográfica es utilizada en el arte Conceptual como técnica para documentar
las acciones .
Como medio de investigación artística en la Posmodernidad: Por la versatilidad del medio para crear puestas en
escena, su cercanía a los mas media a las prácticas sociales de consumo y representación , y el apropiacionismo
del medio. Artistas que destacan: Cindy Sherman, Barbara Kruger, Sophie Calle la transparencia del medio, su
popularidad, su uso democrático hace que sea la técnica artística favorita para el Arte Social y el Arte Feminista.
TERCER TRIMESTRE TÉCNICAS DE GRABADO
UNIDAD 19 INTRODUCCIÓN AL GRABADO, LA MONOTIPIA
● INTRODUCCIÓN AL GRABADO
• Grabado es la estampa que se obtiene por medio de la técnica pictórica del grabado. Con esta técnica, se logra
la reproducción múltiple de láminas por impresión sobre el papel de una matriz o plancha, en la que por diferentes
procedimientos se ha representado la obra plástica.
• En la técnica del grabado el trabajo inicial del artista consiste en la elaboración de una matriz, también llamada
plancha, en la que se realiza el diseño de la representación en negativo. Una vez entintada la matriz se traspasa
el diseño generalmente mediante presión al soporte definitivo, que es el papel. Dicho proceso puede repetirse
tantas veces como desee el artista y con las limitaciones específicas de cada técnica. El proceso de impresión se
denomina estampación y el papel resultante recibe el nombre de estampa.
El grabado posee una peculiaridad sobre el resto de las artes plásticas, que es su multiplicidad.
CLASIFICACIÓN http://www.youtube.com/user/bibliotecaBNE#p/u/53/ryRNyMZlRak
•Grabado en relieve : en la matriz se vacían los blancos de la imagen tallando la matriz por medio de gubias,
cuchillas o buriles y se dejan en relieve las líneas de la composición. A este grupo pertenecen la xilografía y el
linograbado.
•Grabado en hueco : (calcográfico) en el tallado de la matriz se sigue el proceso contrario al grabado del en
relieve, es decir, consiste en vaciar los negros. Las tallas pueden realizarse de dos maneras: Por procedimientos
directos, o mecánicos, por medio herramientas como el buril y la punta seca . En este grupo se integran la técnica
de grabado a buril, o talla dulce, la mediatinta. Por procedimientos indirectos o químicos con ácidos corrosivos.
A este grupo pertenecen entre otras las siguientes técnicas de grabado: aguafuerte y aguatinta.
•Grabado plano: la característica fundamental es que la matriz no está tallada. Las imágenes estampadas se
obtienen por el traspaso de las tintas directamente aplicadas sobre la matriz técnicas planigráficas: litografía, o
haciendo pasar la tinta a través de una trama o pantalla: técnicas permeográficas: Serigrafía
MATERIALES, ÚTILES MAQUINARIA Y SOPORTES.
Diferentes tipos de rodillos, cutter y bisturí, bruñidores, gubias, puntas, tintas para las distintas técnicas, pulidoras,
prensas, tórculos, gillotinas, cuarto oscuro para trabajar con materiales foto sensibles, recipientes para ácidos,
resinas, infernillos para calentar las planchas, armarios para el papel, papeles adecuados para cada técnica
carpetas.
● MONOTIPIA
PROCEDIMIENTOS DIRECTOS, ADITIVOS, SUSTRACTIVOS O MIXTOS
El monotipo o monotipia es el resultado único, no seriado, de una estampación gráfica. Es la estampa lograda por
contacto de una imagen pintada o dibujada sobre un soporte rígido cuando el pigmento todavía está fresco; por
tanto se trata de una pieza única si bien puede haber alguna prueba más, pero siempre con variantes. La
monotipia se sitúa en la frontera entre el grabado y la pintura, ya que se realiza aprovechando tanto técnicas de
grabado como pictóricas para la consecución de un solo original. El resultado final es vital y único, por tanto,
exclusivo e irrepetible.
Método sustractivo consiste en entintar una matriz para posteriormente dibujar sobre la capa de tinta con
cualquier herramienta que deje una marca: espátulas, lápices, pinceles, palos…permitiendo distintos tipos de
impronta. Al utilizarse tradicionalmente tinta negra para su realización, y conforme a sus resultados, ha sido
llamado también a la manera negra. Se distingue por conformarse con líneas o manchas blancas (línea
leucográfica).
El método aditivo se basa en pintar o dibujar directamente sobre la plancha con tintas de impresión, óleo
etcétera. Es la modalidad más pictórica y la que favorece los trazos más gestuales. Si la matriz es transparente
como el metacrilato se puede colocar debajo un boceto como guía.
El método de trazado o a la manera lápiz se fundamenta en entintar la matriz, depositar una hoja encima y
dibujarla por el reverso con un lápiz, peines, con los dedos… de forma que ésta se adherirá a las zonas donde
presionemos dejando su marca en el papel. Aquí también, si se desea ,se puede hacer un dibujo guía en el papel
a estampar.
TÉCNICAS Y ESTILOS
Para la realización de monotipos se aplican directamente sobre una plancha lisa y no absorbente (puede ser de
cristal, metacrilato, metal o linóleo), tintas oleosas. Pueden obtenerse efectos y texturas muy interesantes,
incluyendo en la composición hilos u otras materias. También se pueden obtener monotipos partiendo de una
plancha grabada, la cual se puede entintar directamente con color. Una vez realizada la composición se imprime
sobre papel humedecido, sometiéndolo a presión.
LA TÉCNICA EN LA HISTORIA
El primer artista que trabajó intensamente el monotipo fue Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1664), sin que
lograra, pese a la cantidad de sus trabajos, difundir la técnica entre los artistas de entonces. Degas, Gauguin,
Matisse, Chagall, Miró y Picasso, entre otros grandes maestros utilizaron esta técnica.
UNIDAD 20 ESTAMPACIÓN PLANA, MÉTODO PLANOGRÁFICO, LA LITOGRAFÍA
Los bocetos se pueden hacer a diferentes técnicas entre ellas: lápiz, gouache, tinta
La palabra litografía proviene del término griego “lithos” que significa piedra y del término “grafia” - dibujo -. Por
ello, en principio, cuando hablamos de una litografía nos referimos a una estampación obtenida a partir de una
matriz de piedra. Este procedimiento se basa en el principio químico de rechazo entre el agua y la grasa y
consiste en dibujar sobre una piedra calcárea la imagen deseada con un material graso.
En el momento de entintar la plancha, cuando el dibujo ya está realizado, la tinta sólo se adherirá a las zonas
correspondientes al dibujo y que previamente han estado tratadas con materia grasa, mientras que en el resto
será escupida (se desprenderá). A diferencia de la xilografía y de la calcografía, la litografía no es un sistema de
grabado propiamente dicho, ya que no se incide sobre la superficie de la matriz ni con una herramienta ni con
ningún elemento corrosivo.
Por ello es más correcto (adecuado) hablar de un sistema de estampación. La litografía ya es un procedimiento de
estampación planográfico pues las zonas dibujadas y las que no quedan al mismo nivel sobre la matriz. El tipo de
piedra utilizado para las litografías ha de tener unas características especiales: ha de ser suficientemente porosa
para que pueda absorber el agua y, a la vez ha de tener una granulosidad muy fina para que pueda retener la
grasa.
La piedra calcárea es la más preciada para este procedimiento. El grosor mínimo de las piedras ha de ser de un
centímetro para que puedan soportar la presión de la prensa, aunque como norma general acostumbran a medir
unos cinco centímetros de grosor. Teniendo en cuenta la gran dificultad para hallar piedras calcáreas adecuadas y
su alto coste, rápidamente se buscaron materiales alternativos para las matrices litográficas.
Así se comenzaron a utilizar las planchas de zinc, que representan la enorme ventaja de poder ser tan grandes
como se desee y de ser muy fáciles de mover y almacenarse. En el aspecto químico la impresión con planchas
metálicas es diferente, a pesar de que en los dos casos necesitan materiales de dibujo de composición grasa para
producir una marca susceptible de ser impresa.
PRINCIPALES FASES DE LA IMPRESIÓN LITOGRÁFICA
1) Se traza el dibujo con el buril o el lápiz litográfico sobre la piedra litográfica.

2)Se cubre la piedra con una fina película de ácido nítrico y goma arábiga, que es rechazada por las partes
dibujadas.
3)Se entinta la piedra y solo las partes dibujadas se impregnan con la tinta.
4)Se obtiene la litografía al presionar una hoja de papel contra la piedra
● LA TÉCNICA EN LA HISTORIA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS
HISTORIA
En 1796 el alemán Alois Senefelder, en su búsqueda de un sistema de impresión barato para las partituras
musicales y las obras de teatro, inventó la litografía. En sus inicios, la litografía no se utilizó como medio de
creación artística sino que se utilizó básicamente con una finalidad comercial.
Los artistas, si embargo, no tardaron mucho en descubrir las ventajas de este nuevo procedimiento, ya que
permitía al autor dibujar directamente sobre la plancha sin la necesidad de grabadores intermediarios. Desde
principios del siglo XIX, artistas como Goya, Daumier, Géricault, Delacroix, Odilon Redon, Mallarmé, Vuillard i
Bonnard, y ya en el siglo XX, Eduard Munch, Emil Nolde, Matisse y Braque, pero especialmente Picasso, hicieron
que la litografía llegara al más alto nivel de expresión y calidad artísticas.
A finales del siglo XIX e indisociablemente asociado a la aplicación de la cromolitografía o litografía en color, nace
el nuevo arte del cartelismo, máximo representante del cuál fue sin duda Toulouse-Lautrec. Con sus carteles este
artista francés revolucionó el arte de la publicidad. No obstante, durante el siglo XIX la litografía estuvo
estrechamente vinculada al desarrollo de la prensa y fue uno de los sistemas más utilizados para la ilustración de
libros.
UNIDAD 21 ESTAMPACIÓN PLANA, MÉTODO PERMEOGRÁFICO SERIGRAFÍA
Los bocetos se pueden realizar en Gouache
• La serigrafía (del latín sericum, seda, y grafos, dibujo), no utiliza plancha alguna, sino una simple trama o tamiz
de seda. La tinta pasa a través de los huecos de la trama al papel o a otras materias (telas, maderas, cerámica, y
otras).La serigrafía nace como técnica de estampar en Manchester en el año 1907, cuando Samuel Simón patenta
la idea de montar unas plantillas de estampación, antes sueltas, sobre un soporte de seda, aunque su origen hay
que encontrarlo en China.
•PROCESO DE SERIFRAFÍA http://www.youtube.com/watch?v=UlTh8nQPxx8

La creación de las pantallas es fundamental en el proceso de estampación serigráfica y se deben crear una para
cada color de la composición. En estas pantallas que pueden ser de seda, tejido sintético o malla metálica, el
artista interviene obturando ciertas zonas de su trama.
Esta operación puede realizarse de forma manual aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película o
plantilla recortada, pero también existen sistemas de obturación fotomecánicos previa sensibilización de la
pantalla. Esta preparación de la matriz de impresión constituye la fase más delicada del trabajo del artista
serígrafo, y su resultado se traduce en la existencia de superficies tapadas que se corresponden con los blancos
de la estampa, junto con otras superficies abiertas que se corresponden con zonas de color en la imagen.
La diferencia fundamental de la serigrafía respecto a otras técnicas de estampación, es que tanto en las técnicas
de grabado en plano como en las de grabado en hueco o en la litografía, la imagen se trasfiere mediante la matriz
de estampación a la estampa por presión, mientras que aquí se genera a través de una pantalla por filtración. Esta
diferencia explica la distinta cantidad de tinta depositada sobre el papel en uno y otros procedimientos y permite
entender porqué las superficies de color son tan compactas, sólidas y homogéneas en las serigrafías.
UTILES: marcos o bastidores para sujetar las telas: Las hay en diferentes tipos, y en orden son: la seda, gasa o
tafetán, nylon, poliéster, bronce, acero inoxidable.
Las herramientas que se necesitan para el tensado son: grapadora, cola epoxi, cepillo, emulsiones fotosensibles,
fuentes de luz, láminas de poliester, agua a para presión para el lavado, útiles de corte para las láminas, mesa de
estampado, manigueta o rasero, tintas adecuadas para serigrafía, (textiles si se va a estampar sobre tela)
Soporte: papeles, cartones, telas, soportes variados..
• Evolución histórica: Aunque el origen de esta técnica es muy antiguo en Oriente, en Occidente empieza a
utilizarse con carácter artístico en el S. XX, con una gran difusión a partir de los años sesenta con el arte Pop
americano, siendo los artistas más representativos Andy Warhol y Roy Lichtestein. En España destacan las
magníficas serigrafías de Eusebio Sempere. No admite tiradas muy grandes por lo que su uso no resulta
adecuado para la ilustración de libros, salvo para libros de artista de tirada reducida
•Documento Warhol haciendo un lienzo serigrafiado

•http://www.youtube.com/watch?v=CzrPmfaYcMM&feature=related.
UNIDAD 22 ESTAMPACIÓN EN RELIEVE, XILOGRAFÍA Y LINÓLEO
•GRABADO EN RELIEVE:
• Si observamos un tampón de los utilizados para sellar documentos, tendremos una excelente idea del grabado
en relieve. El grabador debe vaciar en la matriz los blancos de la imagen y dejar en relieve las líneas de la
composición. El vaciado se realiza por medio de gubias, cuchillas y buriles.
•Al realizar la matriz de grabado se debe tener en cuenta que hay que vaciar lo que se quiera que quede en
blanco y que la imagen que se talla es la inversa de la se que reproducirá al estampar. Una idea clara de como
debemos tallar una plancha o matriz para obtener un grabado en relieve, la podemos visualizar sobre una
cartulina negra en la dibujamos con una cera blanca la composición del grabado. Lo que se talla con las gubias es
lo mismo que dibujamos con la cera, es decir, que quedará en blanco lo que en proyecto es negro.
LA XILOGRAFÍA
La materia que se emplea para realizar la matriz o plancha en este procedimiento es la madera, de ahí que esta
técnica se llame xilografía, (xylon, en griego significa madera y grafos en latín dibujo) y el resultado, grabado
xilográfico.
Según que el corte de la madera sea paralelo o perpendicular al tronco del árbol, obtenemos:
• grabado al hilo (tendido, o a fibra)
• o por testa (hilo de pie, o a contrafibra).
Es el método más antiguo de grabado. Las primeras xilografías europeas fueron naipes, realizados a comienzos
del siglo XIII. A continuación el método xilográfico se empleó en la elaboración de estampas religiosas.
LA LINOGRAFÍA O LINOGRABADO
La misma técnica de la xilografía se ha utilizado con diversos materiales como el cuero, aunque el principal es el
linóleo, con el que se obtiene el linograbado o linóleograbado.
También se han utilizado metales (con los que se obtiene el grabado criblé, cribado o acribillado), aunque el metal
como veremos, es la materia propia de la matriz o plancha en la técnica de grabado en hueco.
La técnica del linograbado utiliza como matriz el linóleo es un material flexible, ligero y fácil de cortar
MODO DE EMPLEO
El proceso de trabajo y las herramientas son idénticos a los de la xilografía, aunque, el linóleo al ser un material
más blando, resulta más fácil de trabajar. También el proceso de entintado y estampación es similar al de la
xilografía.
La técnica de grabado en linóleo es muy estimada y utilizada por los artistas plásticos en nuestra época y por sus
características es muy apropiada para realizarla dentro de las actividades que proponemos en el aula de plástica.
ÚTILES
Madera, linóleo o DM
Gubias, rodillo, tinta, tórculo para prensar el papel contra la plancha, o cuchara.
Papeles: papeles verjurados y avitelados, papeles hechos a mano

•XILOGRAFÍA:
•Maestros de la xilografía fueron el alemán Alberto Durero (1471-1528), Eduard Munch (1863-1944) Gustavo
Doré, Paul Gauguin (1848-1903), Emil Nolde (1867-1956), Wassily Kandinsky (1866-1944), Joan Miró
(1893-1983), Georges Braque (1882-1963) y Eduardo Chillida (1924-2002) entre otros, de los cuales se han
seleccionado las obras que se presentan en el visor
•LINOGRABADO
•Evolución histórica: El linóleo fue inventado por el británico Frederick Walton en 1860, como revestimiento para
suelos y paredes y empezó a utilizarse como matriz para grabar a principios del S. XX. En esos años lo utilizan
especialmente el francés Matisse(1869-1954) y el español Picasso(1881-1973) Jean Arp (1887-1966) entre otros
•Actualmente se sigue utilizando tanto para el grabado en blanco y negro como en color, siendo necesarias en
este último caso varias planchas.
UNIDAD 23 ESTAMPACIÓN EN HUECO CALCOGRAFÍA
•El procedimiento que se sigue en las técnicas de grabado en hueco, es justo el contrario que en el grabado en
relieve, es decir, consiste en vaciar los negros.Una idea clara de como se debe tallar una plancha o matriz para
obtener un grabado en hueco, la podemos visualizar en las siguientes imágenes: Boceto original Plancha
grabado
•Grabado Si observamos el boceto original y la plancha de grabado, vemos que lo que se vacía con las
herramientas de grabado son los negros del boceto original o proyecto, para que lo que en el proyecto o boceto
original es negro quede en negro en el grabado
•.Si comparamos el dibujo tallado en la plancha y el grabado, vemos que es el simétrico del boceto original y del
grabado.
•Si analizamos el boceto original y el grabado vemos que las formas y su disposición en la composición coinciden,
aunque el resultado final en el grabado aporta calidades y cualidades expresivas notables, propias de la técnicas
de grabado en hueco.
•Esta técnica se denomina grabado calcográfico o calcografía y es el antecedente directo del huecograbado en las
artes gráficas. Las tallas pueden realizarse de dos maneras: Por procedimientos directos, o mecánicos, en los
que el grabador talla o rehunde las planchas mediante una serie de útiles incisivos, punzantes o percutores o por
procedimientos indirectos utilizando ácidos.
MÉTODOS DE GRABADO EN HUECO:
Procedimientos directos: se raya directamente la plancha o matriz de impresión con una punta o un buril
o distintas herramientas de incisión, percusión y pulido
Punta seca: con una punta de compás se incide directamente sobre la superficie de la plancha de cinc,
cobre o metacrilato, salen a los lados de la incisión aparecen rebabas que acaban cegando las líneas cuando se
imprimen mas de 15 copias ÚTILES Diferentes puntas, útiles incisivos, punzantes o percutores y bruñidor para
alisar
El grabado a buril, o talla dulce. Con gubias especiales para esta técnicas se hacen incisiones sobre la
plancha se extraen pequeñas virutas, como en las técnicas de grabado en relieve, exige una gran maestría y
precisión, permite una tirada mas amplia que la punta seca. El grabado a buril en metal o talla dulce fue
descubierto hacia la mitad del siglo XV. Para la talla dulce se emplean y se han empleado distintos metales,
TILES: El buril, e l rascador o desbarbador.
siendo los más usados: el acero, el zinc y preferentemente el cobre U
el bruñidor, la punta seca, punta escoplo, la entenalla.
Media Tinta sirve La plancha debe ser preparada haciendo rugosa su superficie, de modo que el
entintado de la misma de lugar a un negro profundo que posteriormente que se va matizando hasta conseguir los
medios tonos y el blanco, mediante un proceso de pulido. Para lograr el granulado de la plancha se utiliza el
graneador y el berceau. El grabador debe crear la imagen eliminando la rugosidad de la superficie de la plancha,
reduciendo o en algunos casos eliminando por completo las marcas del graneador.
UTILES: Son distintos tipos de raedores y el graneador, el rascador o desbarbador. el bruñidor.
Por procedimientos indirectos o químicos con ácidos corrosivos, en los que al eliminar el barniz
protector con los trazos del dibujo sobre la plancha, el ácido ataca las zonas desprotegidas, produciendo los
mordidos deseados.
A este grupo pertenecen entre otras las siguientes técnicas de grabado:
Aguafuerte: Esta técnica de grabado, debe su nombre al nombre del ácido que se emplea durante el proceso de
realización de las planchas o matrices de grabado y que es el ácido nítrico rebajado con agua que se conoce
como aguafuerte .Consiste en recubrir una plancha pulimentada, generalmente de cobre, con un barniz
impermeable a la acción de los ácidos. Luego se traza el dibujo con un punzón sobre el barniz dejando al
descubierto el metal. Finalmente, se somete la plancha al mordido del ácido , el cual, al atacar al metal traduce en
surcos aquellas líneas trazadas en la capa del barniz. Esos huecos reciben después la tinta que pasará al papel
en la impresión.
Este procedimiento no requiere tanta paciencia como el buril y es más rápido, más agresivo, menos lineal.
UTILES: mechero para calentar la plancha (el barniz se aplica sobre la plancha caliente),Ácido nítrico, Rodillo para
extender tinta, Barníz, Plumas, Plancha de zinc, Plancha de cobre
Aguatinta: El aguatinta es quizás la técnica de grabado más pictórica, ya que permite manchar superficies
con distintas intensidades sin entrecruzamiento de líneas. Esto se consigue mediante la preparación de la plancha
Primero se espolvorea con una leve capa de polvo de resina (polvo de colofonia).Después se calienta y la resina
se funde formando pequeñas gotas, que dan como resultado una superficie granulada con minúsculos islotes de
intensidad variable, donde el ácido no puede morder.
UTILES: El método de la aguatinta ysuele ser utilizado en combinación con las técnicas del grabado al aguafuerte
y del grabado a punta seca.Para esparcir la resina de colofonia se usa una caja o un armario de resinas, también
se puede usar una muñequilla o pintura en spray.
•PUNTA SECA
•Evolución histórica: Esta técnica es aproximadamente coetánea del buril. A mediados del S. XV hay ya algunos
artistas que la utilizan y que firman sus obras con iniciales o monogramas. El más importante de ese siglo es el
Maestro del Gabinete de Ámsterdam (llamado así por conservarse allí sus estampas).
• En el S. XVI la utilizan algunos artistas como Durero, aunque en escasas ocasiones, y en el XVII Rembrandt,
aunque en esta época la mayoría de los artistas la utilizan combinada con otras técnicas calcográficas.
• En los siglos posteriores pocos artistas la usan en solitario, aunque Picasso es un ejemplo de ello. Al no admitir
tiradas altas no resulta adecuada para la ilustración de libros salvo que se trate de libros de artista de tirada
reducida
•BURIL
•Evolución histórica: La técnica del buril comienza a usarse algo después que la xilografía y las primeras firmas en
buriles aparecen a mediados del S. XV, especialmente por medio de iniciales o monogramas. Se cree originaria
de la zona del Alto Rhin, en Alsacia. Uno de los primeros grandes burilistas es Martin Schongauer, de Colmar
(Alsacia), por el que Durero sentirá una gran admiración y del que se aprecia bastante influencia en su primera
época.
• En el S. XVI destacan los grabadores alemanes, con Durero a la cabeza, junto con los Pequeños Maestros
(llamados así por hacer grabados de pequeño tamaño) y otros artistas como Cranach o Baldung.
• Esta técnica es utilizada también en la Italia de finales del XV y primera mitad del XVI, con artistas como
Mantegna
•En el S. XVII el buril pierde fuerza respecto al aguafuerte, aunque se sigue utilizando, muchas veces
acompañando a esta técnica. En el S. XVIII vuelve con fuerza, debido en gran parte a la Academia Francesa (la
famosa Enciclopedia está ilustrada con buriles)
• En el S. XX y en la actualidad el buril es una excepción y prácticamente se utiliza únicamente para el papel
moneda y algunos grabados conmemorativos.
•MEDIATINTA O MANERA NEGRA
•Evolución histórica: Esta técnica la inventó en Holanda en 1642 Ludwig von Siegen y se utilizó bastante en
Centroeuropa en los S. XVII y XVIII y sobre todo en la Inglaterra del XVIII y principios del XIX, especialmente para
la reproducción de obras de los grandes retratistas ingleses. Artista destacado el Inglés John Martin
•En los últimos dos siglos su uso ha decaído debido a que se trata de una técnica muy laboriosa, aunque se
puede destacar algún artista del S. XX, como el italiano Giorgio Morandi..
•AGUAFUERTE
•Evolución histórica: Se cree que esta técnica comienza a utilizarse a principios del S. XVI en Augsburgo, en el
taller de los hermanos Hopfer. Durero la utiliza ya entre 1515 y 1519 en algunos grabados, entre los que destaca
Jesús en el Monte de los Olivos.
•Se utiliza mucho desde finales del S. XVI y en todo el S. XVII, destacando en este siglo Rembrandt y sus
seguidores. Se usa tanto para libros ilustrados como para grabados sueltos, a veces combinada con el buril o la
punta seca.
• En el S. XVIII pierde algo de fuerza en favor del buril debido a que esta técnica parece adaptarse mejor al estilo
academicista.
• Excepción importante en ese siglo son dos grandes figuras como Piranesi en Italia y Francisco de Goya en
España, uno de los mejores acuafortistas de la historia del grabado.
•En el S. XIX vuelve a cobrar gran fuerza y desde entonces sigue utilizándose ampliamente. En el S. XX se podría
destacar, entre otros artistas, al español Pablo Picasso
•AGUATINTA
•Evolución histórica: Se trata de una técnica inventada en el S. XVIII por G. B. Le Prince, discípulo de F. Boucher,
debido al interés de los pintores-grabadores por disponer de una técnica capaz de reproducir diferentes tonos,
pues las anteriores técnicas los reproducían solamente por medio de líneas más o menos juntas o por
entrecruzados de líneas, permitiendo por tanto menores posibilidades de gradación.
•En este siglo destaca el extraordinario uso que hace de esta técnica Francisco de Goya en sus principales series
de grabados. La utiliza en solitario en algún grabado pero casi siempre combinada con el aguafuerte.
•En el S. XX se utilizaba bastante el aguatinta al azúcar, especialmente por Picasso.
LA EDICIÓN
•Edición: Una edición consiste en un número determinado de ejemplares procedentes de una misma plancha. La
estampación la puede hacer el mismo artista o un estampador. El número del ejemplar y el número total de la
edición se escribe a lápiz en el margen inferior izquierdo, bajo el grabado, en números arábigo (Ej. 8/100). En los
Libros de Artista los datos de la edición deben figurar en el colofón de la obra, especificando el número de
ejemplares de la edición, las pruebas de artista existentes, los ejemplares no venales, el ejemplar para el Depósito
Legal.
•.Estados: Se conoce como estado el resultado de estampar la plancha en un momento determinado. Si se

estampa una prueba para ver el proceso de la plancha, se conoce como prueba de estado. Si se hace una edición
de un cierto número de ejemplares y no se vuelve a estampar se conoce como estado único. Cuando hay
diferentes ediciones con variaciones en la plancha, se denominan primer estado, segundo estado, etc. Estos
cambios en la plancha pueden realizarse por parte del grabador o también del editor (cuando se cambian
inscripciones, los datos de publicación, etc.). Antiguamente se podían hacer ediciones o estados hasta que la
plancha estuviera gastada. Actualmente solamente debe existir la edición definitiva, numerada y sus
correspondientes pruebas
•Estampación: Es el proceso en el que una plancha o matriz, realizada por el artista se entinta y se estampa en
una prensa, que puede ser un tórculo, una prensa vertical o una prensa litográfica, dependiendo de la técnica
utilizada en la matriz. En algunas técnicas también se puede realizar la estampación de forma manual.
•Hors Commerce (H.C.): Este término se utiliza para identificar los ejemplares no venales de una edición
determinada. No se suelen numerar y las iniciales H.C. se escriben a lápiz en el margen inferior izquierdo, bajo el
grabado.
•Prueba de artista (P.A.): Las pruebas de artista son ejemplares de una edición determinada que el autor se
reserva para su uso particular. No deben exceder del 10% de la edición. El número de la prueba se escribe a lápiz
en el margen inferior izquierdo, bajo el grabado, en números romanos, junto a las iniciales P.A. (Ej. P. A. III/X)
•Prueba de color (P.C.): Son pruebas de estado en las que el artista no cambia la plancha sino solo los colores
que utiliza para la estampación. No se suelen numerar y se identifican escribiendo las iniciales P.C. a lápiz en el
margen inferior izquierdo, bajo el grabado.
•Prueba de estado (P.E.): Las pruebas de estado son las que hace el artista durante su proceso de trabajo para ir
viendo su evolución, hasta conseguir el resultado deseado para esa obra. No se suelen numerar y se identifican
escribiendo las iniciales P.E. a lápiz en el margen inferior izquierdo, bajo el grabado. Algunos artistas lo llaman
prueba de trabajo (P.T.)
UNIDAD 24 NUEVAS CALCOGRAFÍAS Y ESTAMPACIONES
DESCRIPCIÓN DE LAS DISTINTAS TÉCNICAS Y ARTISTAS QUE LAS UTILIZAN
TÉCNICAS ADITIVAS, COLLAGRAPH o colagraphía

Conjunto de técnicas de arte gráfico en las que la imagen de la estampa se crea a partir de la adición de
materiales sólidos a un soporte rígido. Estos materiales son muy variados: acetato de polivinilo, caucho sintético,
poliéster, derivados de celulosa,... utilizándose como aglutinantes y adhesivos resinas sintéticas polimerizadas.
También las matrices pueden ser de naturaleza múltiple: metal, madera, cartón, linóleo, vinilo, p.v.c.,...
Efectos matéricos y de textura caracterizan estas técnicas de arte gráfico. En algunos casos, como el carborundo,
suelen ir asociadas con procedimientos indirectos de grabado calcográfico
El entintado se hace normalmente en hueco, rellenado las zonas intermedias entre los diferentes añadidos al
soporte, aunque también puede entintarse en relieve, con rodillo. No admite grandes tiradas
ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS
Evolución histórica: Esta técnica comienza a utilizarse a mediados del S. XX en Estados Unidos y en la actualidad
su uso está muy extendido y va en aumento. Como ejemplo podemos citar a Miguel Barceló
CARBORUNDUM
Sobre una matriz de madera, acetato o metal se coloca barniz de exteriores y otros adhesivos fuertes como el
pegamento de dos componentes (adhesivo y endurecedor, por ejemplo Araldit). Se dibuja con el producto, se
espolvorea generosamente carborundum encima, con mayor o menor densidad según la tonalidad deseada, y se
deja secar toda la noche. Al día siguiente se sacude el exceso. También puedes hacer una mezcla con el barniz y
el polvo. Es importante endurecerlo y amalgamarlo con un par de capas de goma laca (goma laca y alcohol
diluidos al 50%). Una ver finalizados estos pasos se siguen los preceptos de cualquier técnica aditiva: coloca un
protector encima de acetato y da un par de pasadas por el tórculo para prensarlo lo mejor posible. La plancha ya
está lista para entintarla, preferiblemente con brochas, para cubrir la totalidad de la superficie texturada.
Inventada por Goetz *que utilizó mucho esta técnica. También lo hicieron españoles Antoni Clavé y Antoni Tápies
.Pero su exponente más célebre fue Joan Miró (1893–1983), quien la experimentó desde 1967 utilizándola con
pasta muy gruesa para conseguir sus características zonas de intenso color.
*También inventó el Pastel al óleo
ENSAMBLAJE
Otra forma de este tipo de manifestación es el collage tridimensional, elegido por muchos artistas que encuentran
en él la intensidad expresiva que no alcanzan con las dos dimensiones.
Objetos naturales y grabados serían los componentes básicos de estas construcciones; fabricar y edificar a base
de copiar, estructurar, cortar y ensamblar (cosiendo, enlazando, pegando, fijando) son de nuevo las acciones
fundamentales.
La suposición de que la espacialización del grabado repercute en la bondad de la idea, combinando la tinta con
otros materiales y curvando la materia, establece una renuncia momentánea al soporte bidimensional.
El origen del ensamblaje data de los años 50 del siglo XX cuando Dubuffet creó unas serie de collages con alas
de mariposa y unas litografías que denominó Assemblages ´empreintes pero hay que acudir a Duchamp o Picasso
como precursores de esas obras.
EL GOFRADO
El gofrado es un proceso que consiste en producir un relieve en el papel por el efecto de la presión. La palabra
procede del verbo francés goufrer, repujar, y en su origen consistió en estampar en seco sobre papel o las
cubiertas de un libro motivos en relieve o en hueco. También se le ha denominado en el ámbito de la impresión
industrial troquel, cuyos ejemplos más populares son la impresión Braille o los atractivos adornos que vemos en
las tarjetas de visita. También el cuño (troquel con el que se sellan monedas y medallas) está relacionado con
esta forma de hacer.
Adoptado por el ámbito artístico, el gofrado parte tanto de matrices en relieve como en hueco ya sean trabajadas
por los métodos tradicionales o construidas con técnicas aditivas. Es muy común estamparlo sin tinta sobre papel
blanco (o en la gama) y su finalidad es construir la imagen con la incidencia de la luz en los relieves producidos.
Evolución histórica: Esta técnica, por su simplicidad, se ha utilizado desde la antigüedad, especialmente para
sellos, etc. Actualmente se sigue utilizando, especialmente combinándola con otras técnicas. Artista destacado
Eduardo Chillida
GRABADO EN FILM FOTOPOLIMERO
La denominación de grabado en film fotopolímero responde a una técnica realizada con una película fotosensible
adherida a la superficie de la plancha. Al superponer sobre ella el positivo a reproducir sobre un acetato (fotolito) y
mediante un proceso de exposición a luz ultravioleta, se consigue crear un sistema de puntos en hueco,
receptores de tinta, que conforman la imagen. Este procedimiento es cada vez más utilizado por los artistas ya
que permite realizar dibujos a tinta, lápiz, aguadas, imágenes digitales, etcétera, introduciendo por tanto, la
fotografía.
El grabado en film fotopolímero es, en realidad, una forma de fotograbado evolucionada que tiene dos magníficas
ventajas: su facilidad y su no toxicidad, al desechar antiguos productos como el dicromato.
EL GRABADO Y LA INSTALACIÓN
Una proporción cada vez más importante de las exposiciones de grabado utilizan la instalación como enunciado.
Cada vez más, también, el contenido de ferias, bienales, congresos, webs y revistas específicas se caracteriza por
mostrar las nuevas técnicas y los productos híbridos e interactivos que modifican el tradicional soporte plano de la
estampa.
Por otro, la intersección entre la estampa y los medios digitales, unido a la mediatización implacable que
caracteriza al arte actual, han favorecido la producción de soportes y espacios que amplían la percepción de la
obra desde lo estrictamente visual a lo sensorial. Lo meramente óptico va cediendo en pro de lo háptico.
HISTORIA ESTILO Y ARTISTAS DESTACADOS
Los antecedentes se ubican en el movimiento dadaísta que buscó liberarse de toda posible limitación apoyándose
en lo inaceptable, en lo perecedero, lo aleatorio lo absurdo y lo inmediato. Marcel Duchamp comenzó a
descontextualizar sus objetos cotidianos originando el Ready-Made con su famosa Fontaine en el Salón de los
Independientes de 1917.En las siguientes ferias dadaístas las formas de presentación se alejaban de las
presentaciones elegantes de las galerías. Schwitters con su obra Merz-Säule hizo una importante aportación
cubriendo las paredes y techos de su apartamento de Hannover con objetos encontrados.
Nancy Spero o Kiki Smith, dos de las principales precursoras para empujar el grabado en nuevas direcciones,
ESTAMPA DIGITAL
Este nuevo procedimiento, aparecido en la segunda mitad del S. XX, tiene múltiples variantes y su descripción
todavía no está totalmente normalizada. La imagen es generada en un ordenador e impresa en un papel
adecuado. La matriz digital se puede crear directamente en el ordenador o partir de alguna imagen ya existente
(dibujo, grabado, fotografía), introducida en un archivo y tratada de modo informático antes de su impresión. Para
esta impresión es necesaria una impresora de alta calidad.
Evolución histórica: Debido a su reciente aparición y los continuos avances y novedades en el campo
informático, esta técnica sufre una constante evolución y aún es pronto para conocer su verdadero alcance. Cada
vez es más utilizada por los artistas actuales, en ocasiones conjuntamente con las técnicas tradicionales del
grabado y la estampación.

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APUNTES DE TÉCNICAS FICHAS DE LOS TEMAS

1-JUSTIFICACIÓN DE LA COMPOSICIÓN REALIZADA ANALIZANDO LOS SIGUIENTES RECURSOS

2-TEXTURAS​​. Representadas y propias de la técnica empleada

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

ÉPOCA:​​ El lápiz de grafito se comenzó a usar a finales del Siglo XVIII

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

ÉPOCA:​​ Encontramos dibujos a lápiz de color desde el Siglo XX hasta la actualidad

Materiales y recursos audiovisuales para T.E.G.P:

Materiales y recursos audiovisuales para T.E.G.P:

TEMA 5 BIS PASTELES AL ÓLEO

•ÉPOCA: principios del Siglo XX,

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

Técnica monocroma húmeda

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

ARTISTAS​​; Rembrant, Goya, Van Gogh, Kirchner, Max Pechtein

ESTILÓGRAFOS: ​Estan calibrados por grosores en milímetros 0,2 0,4, 0,8 mm

SEGUNDO TRIMESTRE TÉCNICAS DE PINTURA

5- EMULSIONES: compuestas de un producto emulgente+ aceite.

PREPARACIÓN DE LOS SOPORTES:

Montaje del lienzo sobre el bastidor:

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

Historia de los Pigmentos

Según su procedencia pueden ser:

Por su origen se dividen en:

PIGMENTOS MINERALES: conseguidos directamente de los minerales

PIGMENTOS INORGÁNICOS SINTÉTICOS:

PIGMENTOS ORGÁNICOS NATURALES:

PIGMENTOS ORGÁNICOS SINTÉTICOS:

PROPIEDADES DE LOS PIGMENTOS​​:

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

Materiales y recursos audiovisuales para T.E.G.P:

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

● ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

Procesos y técnicas actuales para la creación artística

PRINCIPALES FASES DE LA IMPRESIÓN LITOGRÁFICA

1) Se traza el dibujo con el buril o el lápiz litográfico sobre la piedra litográfica.

● LA TÉCNICA EN LA HISTORIA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

•PROCESO DE SERIFRAFÍA ​http://www.youtube.com/watch?v=UlTh8nQPxx8

● LA TÉCNICA EN LA HISTORIA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

•Documento Warhol haciendo un lienzo serigrafiado

● LA TÉCNICA EN LA HISTORIA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

•MEDIATINTA O MANERA NEGRA

•.​Estados​​: Se conoce como estado el resultado de estampar la plancha en un momento determinado. Si se

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TÉCNICAS ADITIVAS, COLLAGRAPH o colagraphía

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ARTISTAS; Rembrant, Goya, Van Gogh, Kirchner, Max Pechtein

ESTILÓGRAFOS: Estan calibrados por grosores en milímetros 0,2 0,4, 0,8 mm

PROPIEDADES DE LOS PIGMENTOS:

•PROCESO DE SERIFRAFÍA http://www.youtube.com/watch?v=UlTh8nQPxx8

•.Estados: Se conoce como estado el resultado de estampar la plancha en un momento determinado. Si se