Universidad Autónoma de

Tamaulipas
UACJS

FOTOGRAFÍA
Antologia
Primer CursoLCC. Alberto Briceño Lara
Universidad Autónoma de Tamaulipas
Ing. José Ma. Leal Gutiérrez

RECTOR

Centro Universitario Tampico-Madero

Unidad Académica de Ciencias

Jurídicas y Sociales
Lic. Eugenio Ruiz Torres ME.

DIRECTOR

Licenciado en Ciencias de la Comunicación

LCC. Jorge Nieto Malpica ME.

COORDINADOR

Antología de la materia de Fotografía I

LCC. Alberto Briceño Lara

CATEDRATICO

Fotografía en portada
Refugiada Afgana, Portada de “ National Geographic”
Autor : Steve McCurry, 1985 Pakist án.
 Agradecimiento

A los entrañables licenciados y maestros de

esta unidad académica: Antonio Martínez Leal (†) y
Ubaldo López Hernández (†) por su invaluable ayuda
en la corrección de la redacción y estilo de esta
antología, así como en la redacción del prologo.
Gracias por el tiempo dedicado, sus consejos,
su ejemplo y su actitud positiva frente a la vida.
 INDICE

Prefacio -------------------------------------------------- 1
Introducción --------------------------------------------- 2
PRIMERA PARTE
“Teoría”
Historia de la Fotografía ------------------------------- 4
Precursores de la Fotografía --------------------------- 14
Conceptos de Foto Digital ------------------------------ 16
Escuelas y Corrientes ----------------------------------- 23
SEGUNDA PARTE
“La Cámara”
Tipos y Formatos ---------------------------------------- 28
Partes de la Cámara ------------------------------------- 29
Controles de la Cámara --------------------------------- 33
Pantallas de Enfoque ------------------------------------ 34
Variables de la Exposición ----------------------------- 34
Película -------------------------------------------------- 35
Iluminación Natural ------------------------------------- 36
Iluminación Artificial ---------------------------------- 38
Profundidad de Campo ---------------------------------- 39
Objetivos o Lentes -------------------------------------- 40
Composición Fotográfica ------------------------------- 42
TERCERA PARTE
“Blanco y Negro”
Materiales Fotográficos -------------------------------- 47
Películas y Papeles ------------------------------------- 48
Proceso de Revelado ------------------------------------ 50
Bibliografía --------------------------------------------- 52
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PREFACIO

En la actualidad la influencia de la fotografía es abrumadora, pues la experimentamos en

casi todas nuestras actividades; al levantarnos y observar la foto de algún ser querido, al ver la
Televisión o al leer el periódico por la mañana, en la caja del cereal, en el bote de la leche; al salir
de la casa hacia nuestro trabajo o hacia la escuela vemos alguna propaganda política, levantamos
la mirada y vemos anuncios espectaculares, etc. En fin, un sinnúmero de usos ha permitido que
este noble medio de comunicación sea explotado.
Sin embargo estos usos son sólo una pequeña parte del gran alcance y posibilidades que
esta portentosa herramienta puede alcanzar. Siendo bien empleada, la “Fotografía” tiene un
potencial que sobrepasa nuestra concepción actual acerca de ella, ya que nos hemos limitado a
pensar en “el papel impreso con una imagen” cuando alguien le hace referencia.
La “Fotografía” es ciertamente más que sólo una simple imagen en un papel que ilustra o
viste una noticia importante, o que nos muestra el rostro de alguien, por sobre todo, es un medio
de comunicación con un alcance más allá de los límites y fronteras que le hemos fijado.
Es una herramienta que nos sirve para “expresar sentimientos, para comunicar mensajes,
para vender, anunciar, manifestar una idea, compartir un pensamiento, o simplemente nuestra
particular forma de ver la realidad”. En “cine” se utiliza para diseñar escena por escena, crear
ambiente, establecer las tomas; En “Televisión”, al armar el “Set”, es importante al organizar los
encuadres, los movimientos de cámara y disponer adecuadamente la iluminación.
En la publicidad y propaganda, la composición fotográfica se utiliza para la armoniosa
disposición de los elementos en un cartel, crear sombras, añadir perspectiva, etc. Los arquitectos
la utilizan para dar balance a sus fachadas y no dejarlas visualmente desproporcionadas.
La consideremos un arte o una técnica, la fotografía nos enseña a ver, a crear imágenes y
mensajes donde no los hay; nos enseña a aprovechar al máximo el espacio con el que contamos
para expresar dicha idea; a ser concisos y precisos, pues en ocasiones tendremos una sola
oportunidad de que el receptor de nuestro mensaje se vea frente a frente con él, y si éste no llama
su atención... fracasamos.
Por eso hacemos al lector una invitación para que juntos rompamos el paradigma en que
tenemos a la fotografía y el papel que el fotógrafo juega en este proceso. Que pasemos del simple
“papel con imagen” y de la “persona con una cámara”, al comunicador que cuenta con una
herramienta poderosísima en sus manos; que puede y es capaz de crear y emitir mensajes que
cumplan su cometido; que impacten, transformen, vendan, motiven, influyan y persuadan a todo
aquel que se encuentre “frente a frente” con ellos.
 2

INTRODUCCION

Las fotografías son los hilos que nos atan a determinados momentos de nuestra existencia.
Las fotografías de los sucesos personales, como paseos y días de campo, nos informan de lo que
acontece en el mundo, anuncian productos comerciales y reproducen documentos legales;
recurrimos a ella para expresar nuestra visión particular del mundo. La fotografía creativa ha
venido a ser una forma artística popular, accesible a todos por la simplicidad de su tecnología.
Las cámaras y los accesorios fotográficos están experimentado una enorme evolución. La
“comodidad” parece seguir siendo el fin primordial; el automatismo es ahora moneda corriente en
cámaras de 35 mm, tanto SLR como de visor. Estas mejoras tecnológicas se deben en su mayor
parte a los avances de la Ciencia en el campo de la microelectrónica, que ha permitido construir
cámaras más precisas y compactas.
En cuanto a los objetivos, han disminuido también de peso y tamaño y han aumentado en
diversidad; ahora son frecuentes los objetivos rápidos muy luminosos, los macros y los zoom
entre focales impresionantes; Como éstos ya cubren de una vez desde el gran angular hasta el
telefoto, no parece aventurado afirmar que se aproxima la era del objetivo universal.
Las cámaras más sofisticadas, con una gran gama de controles y botones impresionantes, no
son sino la antigua caja obscura del siglo XV, con un objetivo que transforma una imagen de tres
dimensiones en otra de dos, conservando la ilusión de la realidad. Actualmente no hace falta
mucha pericia para apuntar con una cámara y lograr una imagen; ya que los avances tecnológicos
permiten que la cámara se encargue de tener ciertos factores bajo control: la hora del día, la
calidad y dirección de la luz, el tipo de película, objetivo y la exposición, dejando sobre el
fotógrafo aspectos más importantes como: el ángulo de la toma y sobre todo la clave: “La
creatividad y el momento de disparar”.
Los avances de la ciencia y la tecnología en este campo han provocado un cambio total en
los medios que utilizan a la fotografía, dicho cambio tiene que ver con las posibilidades que este
noble medio de comunicación permite y posibilita a todos aquellos que de alguna manera
estamos inmersos en él, “tomar una foto y observarla casi de inmediato, corregir, retocar o
manipular la imagen a nuestro gusto, enviarla a cualquier lugar del mundo en pocos minutos,
elaborar un portafolios de imágenes y cargarlo en un CD-ROM”, etc. Estos avances deben ser
considerados como otra herramienta que nos ayudara como comunicadores, en nuestra tarea de
crear, desarrollar, preparar y enviar mensajes que impacten y produzcan un cambio en todo aquel
que es alcanzado por ellos.
 P R I M E R A PA RT E

“TEORIA”

H I S TO R I A D E L A F O TO G R A F I A

F O TO G R A F I A D I G I TA L

ESCUELAS Y CORRIENTES
 4

H IST ORIA DE LA FOT OGRAFÍA

Ciento cincuenta años no son nada en la historia de la Humanidad; sin embargo, esa es la edad
oficial de la fotografía. Y durante estos ciento cincuenta años, la Fotografía ha contribuido, más que
ningún otro medio de comunicación, al alcance de la civilización. La Televisión, su pariente más
cercano, no tiene todavía la respetable edad de su predecesora en el manejo de las imágenes.
Septiembre de 1989, año en el que las instituciones científicas y culturales de todo el orbe se
unieron para festejar esta portentosa herramienta de comunicación y expresión artística.
Arq. José Luís Pariente Fragoso.

Septiembre de 1989 Año en el que se celebró, para la mayoría de la población mundial, el ciento
cincuenta aniversario de la Fotografía. Y digo para la mayoría porque para los habitantes de Saint-
Loup-de-Varennes, pequeña localidad Francesa, los ciento cincuenta años se cumplieron en 1983, pues
para ellos, como para muchos fotógrafos, la Fotografía se invento en 1822, como orgullosamente
proclama el monumento local erigido en memoria de su descubridor, Joseph Nicephore Niepce, en el
centenario de su fallecimiento.
Y si lo que tomamos en cuenta para la celebración es la fecha de la primera foto que se conserva,
entonces el asunto se complica más todavía, pues ésta data de 1826. Niepce la tomó desde la ventana de
su casa, con una exposición de ocho horas. La impresión está hecha sobre una placa de peltre,
recubierta con betún de judea (1), y actualmente se conserva en la colección Gernsheim de la
Universidad de Texas en Austin.
El hecho de haber escogido el año de 1839 como el inicio de la Fotografía obedece entonces a otro tipo
de causa, más oficialista y burocrática que propiamente fotográfica, como explicaremos a continuación.
La Fotografía, como la conocemos en la actualidad, se debe a la conjunción de dos fenómenos hasta
cierto punto separados; 1.- de la física: la cámara obscura con un lente que nos proporcione la imagen
de todo lo que se encuentre frente a ella. Y 2.- de la Química: una placa sensible al registro de una
imagen por medio de la luz (2). Podemos ver con esto como la ciencia es un fenómeno de múltiples
facetas, que permite que para un solo aspecto como la fotografía en cuestión, involucra diferentes
fenómenos tanto físicos como químicos.
Los orígenes de nuestra actual cámara se remontan a Grecia, aproximadamente en el año 335a.C. con
Aristóteles (3), quien ya desde esa época conocía la propiedad óptica de una pequeña abertura en un
cuarto obscuro para reflejar en la pared opuesta una imagen del exterior, iluminada por la luz brillante
del sol.
 5
Esta observación debidamente registrada, no tuvo gran utilidad en su época, pero los conocimientos de
Aristóteles fueron conservados por los árabes, quienes la utilizaron para observar y estudiar los eclipses
de sol, transmitida a Europa aproximadamente en el Siglo XI, el erudito árabe Alhazen de Basora,
describió el fenómeno de formación de una lúnula durante los eclipses de sol, al pasar la luz por una
pequeña abertura y proyectarse en una superficie plana colocada enfrente del agujero.
El primer paso importante en la historia de la Fotografía fue la aplicación práctica de la cámara obscura
Leonardo da Vinci en 1490 fue el primero en describir sus posibilidades, él uso este recurso
“tecnológico” como ayuda para los artistas principiantes durante el siglo XV en Italia, diseñando las
primeras “cámaras obscuras” (que eran verdaderas casas móviles), donde el alumno debía introducirse
dentro de la “cámara” por una abertura en la parte inferior de esta, para después para calcar o copiar los
motivos a “lápiz” antes de comenzar a pintar.
La primera ilustración publicada de una cámara obscura apareció en 1545, en la obra: “De radio
astronomicoet geometrico liber”, del físico y matemático holandés Reiner Gemma-Frisius. Es
importante aclarar que desde el Renacimiento, Leonardo da Vinci ya había hecho diversas
descripciones acerca de la cámara obscura en sus libros de notas, sin embargo, por diversas
circunstancias éstos no vieron la luz publica hasta 1797.
Esta cámara obscura consistía en una pesada caja de madera, cerrada, con un orificio del tamaño de un
lápiz, por el cual penetraban los rayos de luz que formaban una imagen invertida de los objetos del
exterior, en la parte posterior de la caja, la cual, por su peso, era necesario montarla primero en un
tripié. En los siguientes 50 años el refinamiento de ésta fue la principal preocupación de los artistas.
Las imágenes eran de una calidad muy pobre, esto provocaba que el trabajo de “los copistas” fuera muy
lento y si la persona no era muy “hábil” el resultado era fatal. Defecto que fue solucionado por otro
desarrollo de la ciencia: presentándose en este siglo las primeras innovaciones; Primero: El Objetivo o
Lente, que en latín significa “lenteja” por su parecido con ésta, inventado en 1550 por Girolamo
Cardano para corregir la visión defectuosa, así que este fue acoplado a la cámara obscura obteniendo
ahora una imagen nítida.
Giovanni della Porta, en 1558, recomienda su uso como auxiliar para el dibujo, en su libro “Magiae
Naturalis”, y así fue utilizada por pintores como Guardi y Canaleto. Segundo: Se perfecciona el
Diafragma, éste fue obra de Danielle Barbaro en 1568; ambos inventos fueron adaptados a la cámara
obscura para mejorar la imagen. Es importante comentar que el uso de la cámara obscura no fue visto
con buenos ojos por todos los artistas de la época, los cuales veían con mucho recelo esta innovación,
ya que argumentaban que era una forma “impura” de arte, y durante mucho tiempo boicotearon su uso,
haciendo burla y escarnio de todos aquellos que la usaban. Sería interesante saber si en realidad ese era
su motivo, o si tal vez veían a la cámara obscura como posible competencia y pérdida de sus
benefactores.
 6
Con el paso de los años los científicos de la época animados por los pintores que utilizaban la cámara
obscura, trabajaron también en el diseño de una “cámara obscura portátil”, a mediados del siglo XVII
se lograron varios adelantos y mejoras en el lente, diafragma, y métodos de enfoque que permitieron
que el uso de esta herramienta se hiciera más común entre todos aquellos interesados en la pintura, pues
permitía de una manera muy sencilla obtener bocetos muy precisos, para después colorearlos en un
lugar más cómodo. Permitiendo con esto el aumento, tal vez no en la calidad final del producto pero si
en la cantidad de material que se ofrecía, lo que provoco que la pintura dejara de ser un campo solo
para una “Elite”, con un don especial, y abrió las puertas a una gran cantidad de “Pintores mediocres”,
que ahora gracias a la ciencia tenían una herramienta que les permitía y facilitaba el poder representar
la realidad y transmitir sus emociones de una forma sencilla.
Una idea que se volvió indispensable era: la necesidad de una cámara obscura portátil que compartiera
los elementos como objetivo, diafragma y una hoja de papel sobre la cual poder hacer una imagen. La
idea se extendió por toda Europa.
En 1646, un investigador alemán, Athanasius Kircher, incluyó en una investigación el dibujo de una
cámara obscura portátil, que observó en uno de sus viajes por Europa. Después de esto surgieron en
gran variedad de formas y tamaños.
En 1657, Kaspar Schott hizo una cámara que tenía dos objetivos y un foco ajustable, que funcionaba
por medio de dos cajas, una de las cuales se deslizaba dentro de la otra.
En Inglaterra, Robert Boyle introdujo una cámara con una hoja de papel aceitado, que lo hacía ver casi
transparente, sobre la cual se proyectaba la imagen.
En 1676 un profesor alemán, Johan Sturm, empleo la misma idea que Boyle, pero añadió un pequeño
espejo colocado a 45º respecto al objetivo que reflejaba la imagen derecha, en vez de invertida como
las anteriores, y un capuchón para mejorar la visibilidad; es el primer antecedente de nuestra actual
cámara Réflex.
Un siglo después, Johann Zahn sustituyó el papel aceitado por un vidrio opalino, y añadió un objetivo
de telescopio formado por dos elementos, (uno cóncavo y el otro convexo), para conseguir una
ampliación de la imagen.
Mientras todos estos avances estaban orientados hacia la refinación y perfeccionamiento de la imagen
obtenida y de la primitiva cámara fotográfica, el proceso de grabar una imagen por medio de la luz y
fijarla por medios químicos estaba todavía muy lejos de descubrirse. El trabajo de la Física había
acabado, y apenas comenzaba el largo camino para los amigos de la Química.
Los primeros intentos por encontrar una substancia sensible a la luz se remontan a 1727, con Johann
Schulze, profesor alemán de anatomía, quien buscaba una formula más eficiente para producir
“fósforo”, descubrió por casualidad que las sales de plata, que tenia en su mesa de trabajo, se
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ennegrecieron al ser expuestas a los continuos destellos del fósforo. Desgraciadamente él, como antes
Aristóteles, no supo como aplicar inteligentemente este descubrimiento.
El sueño ahora de los que utilizaban la “cámara obscura” era poder grabar la imagen, y poder eliminar
el engorroso y tardado proceso de calcar y pintar, sin saber que la solución ya se había encontrado, esto
permitió el refinamiento de las técnicas de iluminación y lo que hoy llamamos composición
fotográfica.
Jean Hellot, en 1737, al revisar unas notas sobre el trabajo de Schulze, observó que podría aplicarse
nitrato de plata a un papel y obtener imágenes y pensó que podría aplicársele a este trabajo el término
Fotografía (escribir con luz).
Fue Thomas wedgwood en 1802, quien por primera vez aplicó estos compuestos a una superficie de
cuero; la colocó en una cámara y obtuvo por este procedimiento siluetas de hojas y de alas de insectos;
el equivalente a nuestros actuales fotogramas.
Desgraciadamente estas imágenes no eran permanentes, ya que al carecer de un fijador era casi
imposible conservarlas. En esta dirección trabajó Sir John Herschel (4), quien en 1819 descubrió las
propiedades fijadoras del hiposulfito de sosa.
Desde 1822, según la mayoría de los historiadores, Nicèphore Niepce (5), oficial retirado del ejército
francés, y químico aficionado, había obtenido imágenes con éxito, según se lo cuenta por carta a su
amigo Lemaitre. Hizo el descubrimiento en 1824, y desgraciadamente no se conserva ninguna de estas
imágenes. Sin embargo, como ya dijimos anteriormente, la primera fotografía que se conserva es la que
tomó en 1826, desde la ventana de su casa en Gras (6), cerca de Châlons-sur-Saône, su villa natal, la
“Foto” tuvo una duración de 8 horas de exposición. El método de Niepce “La heliografía” como le
llamó, era demasiado laborioso y complicado, requería que los interesados contaran además de los
conocimientos en el manejo de la cámara obscura con profundos conocimientos de química, para poder
realizar la preparación de las “emulsiones” (este método para obtener fotografías evoluciono hasta
convertirse en lo que ahora conocemos como “fotograbado”). En su intento de perfeccionar su
descubrimiento, gastó casi la totalidad de la fortuna familiar. El 8 de diciembre de 1827, Niepce trató
de publicar su invento; para ello se dirigió a la Royal Society de Londres, pero sus intentos fueron
infructuosos. Dos años mas tarde, en 1829, agobiado por las deudas, se ve obligado a firmar un
convenio de sociedad con otra personalidad en el campo de la fotografía, el pintor Louis Jacques
Mande Daguerre, quien había estado trabajando por su cuenta en los procesos fotográficos (7), sin
obtener resultados satisfactorios. Estaba enterado del trabajo de Niepce y deseaba más que él esta
sociedad. Desafortunadamente en 1833 Niepce fallece y Daguerre, haciendo a un lado al hijo de Niepce
que toma el lugar de su padre en la sociedad, queda al frente de las investigaciones, encaminadas a
encontrar la fórmula del fijador ideal.
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En 1835 Daguerre colocó una placa expuesta en su armario de química, y al revisarla varios días
después se quedó asombrado al observar que, por accidente, se había revelado la imagen latente por los
vapores de mercurio de un termómetro roto dentro del armario. Pero pese a ese descubrimiento las
imágenes no eran totalmente permanentes. No fue hasta 1837, después de muchos intentos y de
gastarse gran parte de su fortuna personal, cuando Daguerre logró fijarlas con una solución de sal
común y decidió llamar a este invento Daguerrotipo, el cual provocó toda una moda en su tiempo, pues
él introdujo el primer sistema practico para obtener fotografías.
Louis Daguerre logra una toma que con el tiempo se haría famosa: la vista del “Boulevard Du Temple
de París”, en la que, más por casualidad que deliberadamente, por primera vez se presentaba el retrato
de una persona (un caballero de pie y un bolero). El 15 de junio de 1839, y debido al éxito que estaba
teniendo el nuevo invento, un grupo de diputados franceses propuso a la cámara que el Estado
adquiriera la patente de la fotografía y lo hiciera público. El 3 de julio de ese mismo año, el diputado
Argo (8) presentó el proyecto de ley a la Cámara de los Pares.
El documento presentado concedía a Daguerre y al hijo de Niepce una pensión vitalicia por el invento
de lo que en ese momento se llamaba “Daguerrotipo”. Las cámaras lo aprobaron por unanimidad y en
una sesión solemne de la Academia de Ciencias y Bellas Artes del Instituto de Francia, el 19 de agosto
de 1839, se anunció públicamente que el Estado Francés adquiría el invento y al mismo tiempo
renunciaba a todo monopolio, dejando libre la opción de explotarlo a todo aquel que quisiera hacerlo.
Fue el propio Argo quien, en esa sesión solemne, explicó detalladamente el procedimiento a los
asistentes, entre los que se encontraban representantes de los medios de difusión. Al día siguiente, 20
de agosto, apareció la primera edición de la “Historique et Description des procedes du Daguerrotipe et
du Diorama”, obra en la que Daguerre explicaba el funcionamiento de sus inventos y que mañosamente
había patentado en Inglaterra cinco días antes de que se hiciera del conocimiento público el
Daguerrotipo.
Y fue este quien provoco toda una serie de sucesos y modas en Francia y Europa e incluso nuestro país,
en la época del “Porfiriato”, sufrió una invasión de “Daguerrotipistas”. Ahora circulaban imágenes de
todo el mundo captadas por estos fotógrafos; las universidades, los arquitectos, ingenieros,
antropólogos, contaban ahora con una herramienta que les permitía obtener testimonios gráficos de sus
obras o descubrimientos.
Sin embargo, a pesar del impacto que logró en la sociedad francesa, los Daguerrotipos poco a poco
mostraron algunos defectos; eran imágenes positivas que impedían obtener duplicados, lo cual hacía
necesario que para tener dos retratos había que posar en dos ocasiones, y esto no era muy cómodo ya
que, en los comienzos, cada exposición era aproximadamente de 30 minutos, y esto constituía un
verdadero tormento para los modelos a fotografiar, por lo cual los fotógrafos se volvieron expertos en
retratar objetos inmóviles; eran frágiles y en ocasiones tenían que recurrir a pintores para que los
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retocaran y dieran el toque final. Además de todo esto el procedimiento fotográfico, como lo
conocemos hoy en día, o sea el proceso de Negativo-Positivo, no deriva del Daguerrotipo; éste es el
antecedente directo del sistema polaroid (sin negativo).
El sistema negativo-positivo debe su invención al inglés Sir William Henry Fox Talbot, (este sistema
permitía al fotógrafo obtener varias copias de un negativo, esto significaba que con solo hacer un “clic”
se podían lograr varias “fotos” del motivo deseado), quien en febrero, también de 1839, editó la que
puede considerarse como la primera publicación exclusiva de fotografía: “Some Account of the Art of
Photogenic Drawing”, en la que muestra una colección de positivos fotográficos, realizados por Talbot,
a través de negativos hechos en papel.
Talbot había estado experimentando con papel recubierto de una solución de nitrato de plata, e
ignoraba los logros de Niepce y Daguerre. En 1835 obtuvo su primer negativo con éxito; curiosamente
y en forma similar a como lo hiciera Niepce; de la ventana de su casa en Lacock Abbey reveló la
imagen con una solución de ácido gálico, y la fijó con una solución salina concentrada; y en 1841,
después de perfeccionar su procedimiento, lo bautizó como: “Calotipo”. Este logro permitió 2 cosas: 1)
reducir el tiempo de exposición con relación al Daguerrotipo y 2) abaratar el costo al utilizar el papel
como base. Pronto este invento alcanzaría gran popularidad entre los nuevos aficionados a la fotografía,
aunque no logró alcanzar el éxito de su rival: el “Daguerrotipo”.
En 1844 Fox Talbot fundó un negocio fotográfico, con el fin de hacer calotipos para venderlos y poder
patentar su invento; desgraciadamente, como ocurrió con los Daguerrotipos poco tiempo después, los
calotipos mostraron también su talón de Aquiles y es que, con el tiempo y el uso, las copias perdían
calidad de imagen.
Los pequeños y grandes perfeccionamientos se sucedieron a lo largo de los años y poco a poco cada
pionero puso su granito de arena y su pequeña aportación a la historia de la fotografía: emulsiones más
finas, fijadores más consistentes, cámaras más compactas, mejores objetivos, placas curvadas y
manipulaciones en el revelado.
Como recordaremos los primeros fotógrafos eran pintores y esto permitió que la fotografía naciera,
creciera y se desarrollara en un ambiente artístico, rodeada de gente que sabía tratar con las imágenes,
que conocía como disponer e integrar los elementos frente a la “cámara”, de esta forma el uso de la
“Cámara obscura” paso de ser una vergüenza a ser un medio tan respetado como la pintura y aun, más
socorrido, pues no era tan lento en su proceso de obtener las imágenes, y está sima se volvió más
notoria cuando otro Inglés Frederick Scott Archer en 1851, motivado por los nuevos avances de la
ciencia que trajeron cambios y perfeccionamientos que se produjeron tanto en los químicos, los
objetivos y en la misma cámara, lanzara al mercado un invento que libraría a Europa de los
“monopolios” de Daguerre y Talbot: “El colodión húmedo”.
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Este remplazaba a las placas de metal de los Daguerrotipos y el papel del Calotipo, por vidrio como
soporte, utilizando la albúmina del huevo como el elemento principal, que mantenía a la emulsión de
haluros de plata adherida al vidrio. La base de vidrio le dio mas resistencia a los negativos y la
confiabilidad de que a diferencia de como ocurría con Daguerrotipos y Calotipos, el vidrio no le añadía
su textura y cambio de tonalidad a las fotografías. Otro de los logros del Colodión Húmedo fue que
debido a las mejoras en la calidad de los químicos que se utilizaban permitió fabricar emulsiones más
sensibles que lograron bajar el tiempo de exposición, de los 5 minutos en promedio del Daguerrotipo y
los 2 o 1 minutos del Calotipo, a unos cuantos segundos de exposición. Esto permitió que se
mantuviera el sistema de negativo-positivo, a la vez que bajó el costo de producción de las placas; poco
tiempo después de su aparición, Talbot presentó una demanda contra Archer por lo que consideraba era
un plagio de su invento, aunque desafortunadamente para Talbot la justicia estimó que ambos inventos
eran diferentes y decidió a favor de Archer. Con esto se anunció el principio del fin del Daguerrotipo y
Calotipo. Tristemente, y al igual que sucedió con Niepce, este invento no trajo gran fama ni dinero a su
creador.
Lo siguiente que sucedió fue que ocurrió un verdadero “boom” Pues ahora las personas podían
retratarse y obtener copias de gran calidad, fotos de: seres queridos, de viajes, fotografía de aventura,
trayendo como consecuencia el nacimiento de la fotografía social, documental y periodística, e incluso
este repentino mercado dio origen a un nuevo producto: los “Ambrotipos” que eran un especia de
fotografías de bolsillo que venían en un estuche, y los animados compradores podían cargarlos a
cualquier lado y mostrarlos orgullosos a sus amigos.
A pesar de todo esto, la fotografía aun no estaba lista para convertirse en un producto masivo, pues
todavía se requerían de buenos conocimientos de química y contaba con un gran inconveniente, ya que
requería transportar todo un engorroso y pesado equipo, como una tienda de acampar que funcionaba
como cuarto obscuro, tener un cuidado extremo en el manejo de las placas de vidrio, y contar con una
gran diversidad de soluciones químicas para procesar de inmediato tanto los negativos como las copias
y contar con un buen subsidio económico para solventar los gastos de los diversos químicos, los
materiales y los ayudantes que se necesitaban para cargar y transportar todo el engorroso y pesado
equipo del fotógrafo.
Los Ambrotipos fueron otra de las aportaciones de Archer en colaboración con un colega, Peter Fry.
Estos eran delgados negativos subexpuestos de colodión sobre vidrio, blanqueados con ácido nítrico y
colocados contra un fondo obscuro que invertía los tonos y daban el aspecto de un positivo. Resultaban
comparables a los Daguerrotipos, ya que eran imágenes únicas y semejantes en tamaño, y se hicieron
muy populares como técnica de retrato; a éstos siguieron los Ferrotipos, similares a los Ambrotipos,
pero en vez de vidrio como base se usaban delgadas placas de metal barnizadas. El proceso de
obtención de estos 2 inventos era más rápido y sencillo que el colodión húmedo.
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Aunque la mayor parte del invento ya estaba hecho, hacía falta un proceso más sencillo que el del
colodión húmedo. Este era el proceso para fotografiar más rápido nunca inventado, pero resultaba ser
sucio, engorroso, y exigía una práctica y destreza considerables; además, sólo se podía contar con una
cantidad limitada de placas para exponer, ya que por ser de vidrio se corría el riesgo de romperlas,
aparte de que no podían permanecer mucho tiempo al ambiente, debían ser procesadas de inmediato o
correr el riesgo de perder la emulsión. Para estas fechas el número de fotógrafos con sus aportaciones
habían pasado de cientos a miles. El problema que se presentaba ahora era cómo aumentar la
sensibilidad de la emulsión, su conservación por largo tiempo y simplificar el proceso de revelado.
En 1847, Niépce de St. Victor ya había sugerido el uso de gelatina como substituto del colodión, pero
no logró consumar su invento; los primeros experimentos exitosos con esta emulsión fueron hechos por
un aficionado, el Dr. Richard Leach Maddox, a quien se considera el inventor de la emulsión de
gelatina. En 1873, este invento fue mejorado por John Burgess, quien lo lanzó al mercado. Poco tiempo
después un aficionado londinense, Richard Kennett, introdujo al mercado una emulsión seca que se
empapaba con agua, se disolvía con calor y se vertía sobre la placa; esta emulsión reaccionaba
rápidamente, porque el calor la “maduraba” y la volvía muy sensible. En 1878 había cuatro firmas en
Inglaterra produciendo comercialmente placas secas de gelatina, y más tarde se patentó una máquina
para el recubrimiento automático de las placas de vidrio. Ahora era posible hacer exposiciones de 1/25
de segundo o menos, lo suficientemente rápidas para eliminar el uso del estorboso e incomodo tripié.
Asimismo la película de celuloide es inventada en 1887 por Goldwing.
Gracias a estos desarrollos tecnológicos Edward Muybridge logra fotografiar en 1887 imágenes en
movimiento (una secuencia de caballos con las cuatro patas en el aire), él aseguraba que los caballos
podían mantener las cuatro patas en el aire cuando corrían; esto provocó una apuesta, en la que debía
demostrar plenamente sus argumentos, decidió utilizar la fotografía para demostrarlo. Colocó varias
cámaras alrededor de una pista de carreras y utilizó cordones para accionar las cámaras, los cuales
estaban atados a lo ancho de la pista, y el caballo, al correr por ella accionaba el obturador al romper
los cordones con sus patas. Después de procesar las placas, Muybridge presentó las imágenes
conseguidas y ganó la apuesta este logro fue bautizado con el nombre de “cronofotografía”, que
después de algunos años maduro y evoluciono hasta convertirse en el "Kinetoscopio" de Edison, que
diera origen al cine.
En 1888 llega la democratización de la fotografía, cuando el inventor estadounidense George Eastman
lanzó al mercado su famosa cámara “Kodak”; Ideó la palabra buscando que esta pudiera recordarse
fácilmente y facilitar su pronunciación en casi cualquier idioma. Esta fue la pionera en el uso de rollos
de película fotográfica con base de papel, y difundió su lema “Usted dispara el botón, nosotros
hacemos lo demás”. La cámara reunía todas las cualidades necesarias para la producción masiva,
ligera, compacta, sencilla de usar y el fotógrafo no tenía que revelar las fotos; al terminar de tomar el
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rollo la cámara se enviaba por correo a la fábrica donde se sacaba el rollo, se revelaba y se imprimían
las copias; después de algunos días, cámara y fotos eran enviadas de vuelta a su propietario con un
rollo nuevo de película. Estas características de la Kodak y su desarrollo en 1889 con la película de
celuloide cubierta con emulsión de gelatina, provocaron una verdadera revolución en el mercado de la
fotografía.
“Fotografía para todos”, declaraba Eastman, ya que su famosa cámara había invadido tanto los
mercados nacionales como extranjeros. Era común ver desde fotógrafos de prensa y hasta amas de casa
utilizando la Kodak, lo que a la postre se convirtió en uno de los emporios más poderosos a nivel
mundial: la “Eastman Kodak Company”.
Pero a pesar del impacto que tuvo la cámara Kodak, poco tiempo después se acentuaron algunas
desventajas; En ocasiones se tenían que tomar 2 ó 3 exposiciones de la misma escena para asegurar la
fotografía, y las limitaciones técnicas de la época limitaban a su vez la calidad de los resultados, como
por ejemplo: baja calidad de los lentes que provocaban una imagen pobre, sistema de avance y disparo
que tenía como consecuencia el desperdicio de película, y accesibilidad al flash entre otras.
En 1925 llega al mercado la mítica cámara “Leica”, inventada por el alemán Oscar Barnack, la cual
cuenta con una importante innovación: un negativo de 35mm., sistema de arrastre y exposición de
película mecánico, se podían cambiar los objetivos para escena a corta ó larga distancia, y contaba con
sincronizador de flash.
Con esta última innovación se cierra el ciclo de nacimiento y desarrollo de la fotografía, que necesitó
de aproximadamente 24 siglos de amorosos y pacientes cuidados. En La actualidad se ha establecido
como el medio de comunicación más socorrido.
Es difícil, con el avance tan impresionante de la tecnología de hoy, comprender las posibilidades y el
verdadero alcance que esta fabulosa herramienta nos puede brindar; por eso es necesario ir hacia sus
orígenes, conocer su desarrollo, sus éxitos y sus fracasos, y así comprender la magnitud de este
portentoso medio de comunicación, ya que como lo dijera Larry Slifkin, Físico de la Universidad de
Carolina del Norte (EU), -“En realidad, la fotografía es un milagro. Sólo existía una posibilidad contra
cien millones, de que alguien descubriera alguna vez, un sistema para captar y retener las imágenes de
la realidad”-.
 13

NOTAS

1: El betún de Judea es una sustancia parecida al asfalto que endurece al exponerla a la luz, quedando
blanquecina sobre la superficie negra del peltre.

2: La palabra “Fotografía” proviene de “fotos” (luz) y “graphein” (registrar, escribir, grabar, dibujar),
es decir: escribir, grabar o dibujar usando la luz.

3: Aristóteles describió esta ley de la física es su “Problemata”, ca. 334 a.C.

4: Sir William Herschel (1738-1822). Astrónomo inglés. Descubrió el planeta Urano y creó la
astronomía estelar.

5: Joseph Nicèphore Niepce nació en Châlon-sur-Saône, en 1765 y murió en 1833. Junto con Claude
su hermano dedicó gran parte de su vida y su fortuna a la investigación científica.

6: El formato original es de 20 x 15 cm. La exposición fue hecha la mañana del 12 de junio de 1826, y
tuvo una duración de 8 horas. Según las “Notas de impresión”, manuscrito de Niepce, fechado en
1824. Utilizó una cámara construida por Charles Chevalier.

7: Louis Jacques Mandè Daguerre, (1787-1851). Pintor y escenógrafo. Inventor del diorama.

8: François Argo (1786-1853). Físico y astrónomo francés. Descubrió, entre otras cosas, la
polarización magnética.
 14
PRECURSORES DE LA FOTOGRAFÍA
Durante el proceso de formación de la fotografía, su nacimiento, evolución y hasta su conformación
como herramienta de comunicación, podemos encontrar multitud de inventores e inventos que le
aportaron, una gran cantidad de innovaciones y mejoras tanto en la física y en la química que van
desde: la cámara obscura portátil, el lente, el diafragma, los obturadores, placas metálicas cubiertas con
asfalto, placas con plata, papel, vidrio hasta llegar a las emulsiones secas de bromuro en celuloide.

No se intenta minimizar tales aportaciones, sino más bien enfatizar las que consideramos que
provocaron un cambio radical tanto en su nacimiento, su evolución hasta en la forma de ver y hacer
fotografía. Hemos llamado a este tema "precursores" por que consideramos que su trabajo fue de
alguna manera un "parte aguas" en el desarrollo de un invento que, en sus modestos inicios nunca se
pensó que se convertiría en el medio de comunicación mas importante de la humanidad.

La intención de este tema es analizar y valorar cada una de las "aportaciones reales", que estos
precursores dieron a la fotografía, así como el alcance de sus inventos y como transformaron una
incipiente herramienta para obtener imágenes, en un prolífico medio de comunicación.

¿Quien?: Aristóteles
¿Qué?: Describió los principios ópticos de la cámara obscura.
¿Cuándo?: 335 a.C.
¿Dónde?: Grecia.
¿Cómo?: Estando a obscuras en una cueva, observo como se reflejaba en la parte
posterior de esta, la imagen de todo lo que se encontraba en la entrada.

¿Quien?: Leonardo Da Vinci

¿Qué?: El desarrollo de la cámara obscura con fines prácticos.
¿Cuándo?: Siglo XV.
¿Dónde?: Italia.
¿Cómo?: Sugirió la utilización de la cámara obscura como un auxiliar en la pintura y
fue el primero en desarrollarlas para este propósito.

¿Quién?: Johann Schulze

¿Qué?: Descubrió la sensibilidad de las sales de plata a la luz.
¿Cuándo?: 1727
¿Dónde?: Alemania.
¿Cómo?: Trabajando en la elaboración de fósforo, se percato que las sales de plata
que tenía en su mesa de trabajo se ennegrecieron al ser expuestas a la luz.

¿Quién?: Thomas Wedgwood

¿Qué?: Obtuvo las primeras imágenes. “Fotogramas”.
¿Cuándo?: Aproximadamente en 1802
¿Dónde?: Inglaterra.
¿Cómo?: Aplico el compuesto de sales de plata en una superficie de cuero, la coloco
en una cámara. Y obtuvo en este procedimiento imágenes temporales de
siluetas de Hojas y alas de insectos.
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¿Quién?: Joseph Nicephore Niepce.

¿Qué?: Primera Fotografía Permanente. “Heliografía”
¿Cuándo?: 1826.
¿Dónde?: Saint Loup de Varenness, Francia.
¿Cómo?: Cubrió una placa de peltre con betún de judea, la expuso por ocho horas.

¿Quién?: Louis Jaques Mande Daguerre.

¿Qué?: Primer proceso practico para obtener fotografías, “Daguerrotipo”.
¿Cuando?: 1837-1839.
¿Dónde?: Francia.
¿Cómo?: Coloco una solución de sales de plata en una placa de metal, la expuso y
la guardo en un armario, varios días después al revisarla se dio cuenta
que la imagen se había revelado gracias a los vapores de mercurio de un
termómetro roto, obtuvo con esto imágenes positivas.

¿Quién?: Sir William Henry Fox Talbot.

¿Qué?: El Negativo en Papel. “Calotipo”.
¿Cuándo?: 1839-1841.
¿Dónde?: Lacock Abbey, Inglaterra.
¿Cómo?: Cubrió una hoja de papel con una solución de nitrato de plata y la expuso
desde la ventana de su casa. La revelo con ácido gálico y la fijo con una
solución salina concentrada. Obtuvo imágenes negativas que le permitían
obtener copias de sus fotografías.

¿Quién?: Frederick Scott Archer.

¿Qué?: Negativo en Vidrio. “Colodión húmedo”.
¿Cuándo?: 1851.
¿Dónde?: Inglaterra.
¿Cómo?: Aplica la solución de nitrato de plata a una placa de vidrio, utilizando la
albúmina del huevo para mantener adherida la emulsión al vidrio. Este
invento permitió que se mejorara la calidad y fidelidad de las copias y
disminuyo el tiempo de exposición.

¿Quién?: George Eastman.

¿Qué?: El Primer Rollo Fotográfico. “La cámara Kodak”.
¿Cuándo?: 1888.
¿Dónde?: New York o New Jersey. Estados Unidos.
¿Cómo?: Combino dos inventos la “emulsión seca” y la “película de celuloide”.
Y fabrico un rollo fotográfico de aproximadamente 100 exposiciones.
Esto dio origen a una de las industrias más poderosas a nivel mundial
La “Eastman Kodak Company”.
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C O N C E P TO S D E
FOTOGRAFÍA DIGITAL
ANTECEDENTES:
Durante los siguientes 55 años después del lanzamiento de la “Leica”, y gracias a los constantes
avances de la ciencia, tanto en el campo de la microelectrónica, como en la química; los esfuerzos de
los fabricantes tanto de cámaras como de películas estuvieron orientados al refinamiento de sus equipos
(cámaras y lentes) y accesorios (motores, flashes, filtros), así como a la producción de emulsiones más
sensibles y de grano fino, más que al cambio en la forma de registrar las imágenes. Esto avances
tecnológicos se reflejaron en equipos más rápidos, lentes más luminosos, películas más finas y más
fieles, que permitieron que la fotografía se volviera la herramienta más socorrida para representar la
realidad, comunicar eventos, publicar testimonios, propaganda, publicidad, modas, eventos sociales,
descubrimientos arqueológicos, viajes, constelaciones, desarrollos científicos, etc.
Durante estos años todos aquellos involucrados con la fotografía se vieron felizmente unidos a ella,
pues las necesidades no eran tan complejas, y ella (la fotografía) aun con sus limitaciones cumplía
cabalmente con las escasas demandas que sus usuarios le hacían, pues el desarrollo de los medios de
comunicación solo se limitaba a cuestiones domesticas, pero, a finales de los setentas y principios de
los ochentas una nueva corriente comenzaba a cambiar la forma en que los “medios” y en especial la
fotografía se orientarían a una nueva tendencia en la cultura: “la globalización”. Un notable desarrollo
científico que permitió a la televisión su pariente cercano descontinuar su grande, pesado y antiguo
equipo fue la aparición del circuito integrado que desplazaría a los bulbos, y en especial un
“microchip” el ahora tan famoso “CCD”, que permitió reducir el tamaño y aumentar la calidad de las
cámaras de TV., los equipos de grabación y edición, al mismo tiempo que mejoraba su calidad y el
alcance de transmisión. Se volvió moneda corriente tanto para la radio como para la TV. las
transmisiones a control remoto, desde el lugar de los hechos, el publico sin importar su ubicación
geográfica, solo tenía que encender su aparato receptor y listo podía enterarse de cualquier
acontecimiento, ocurrido en casi cualquier parte del mundo. Pero esto no sucedía con la fotografía, la
persona (sin importar quien fuera) que recurría a ella, aun tenía que pasar por el lento y tortuoso
proceso de esperar un tiempo para poder ver el resultado de sus exposiciones y todavía más
desesperantes era, que para poder enviarlas de un lugar a otro se tenía que recurrir al avión, con la
consiguiente situación de tener que esperar que un vuelo estuviera programado en ese momento o, en el
mejor de los casos, como con los corresponsales de noticias que contaban con un transmisor análogo
que tardaba en transmitir una foto alrededor de 10 a 15 minutos y solo en “Blanco y Negro”.
 17

Fueron estas circunstancias y algunas otras, las que llevaron a firmas como: Kodak, AT&T, Sony,
Macintosh y Nikon, a ser pioneras en la investigación de este nuevo método para registrar y almacenar
imágenes fijas: La “Fotografía Digital”. La tecnología utilizada por las cámaras digitales, sea cual sea
su tipo, se basa en la sustitución de la película por un chip sensible a la luz, que en los ochentas tuvo
sus primeros pasos con enormes y pesadas cámaras, con una calidad verdaderamente deprimente, y un
sistema de almacenamiento lentísimo. Todo esto hacía pensar que el comienzo de esta nueva tecnología
seria también su fin, pero viendo el inmenso abanico de posibilidades que ella prometía, se decidió
continuar con las investigaciones, dándole impulso al perfeccionamiento del “CCD” por parte de una
sociedad tripartita que durante los 80´s y 90´s fue una de las más poderosas en el campo de las
imágenes digitales: “Kodak-Macintosh-Nikon”.
A finales de los ochentas, Sony y Kodak lanzan al mercado las primeras cámaras digitales con una
resolución medianamente aceptable, muy limitada capacidad de almacenamiento y un elevado costo,
esto marco el principio de una revolución que cambiaría para siempre la forma de ver y hacer
fotografía, ahora se podían tomar las fotografías y verlas solo segundos después de tomarlas y decidir si
era suficiente o se borraba y se tomaba una nueva, el desarrollo de las computadoras y de los paquetes
de diseño, permitían digitalizar la imagen para después manipularla. Conjuntamente con el nacimiento
de la cámara digital, surgió al publico otra poderosa herramienta de información que contribuyo al
alcance de los lugares mas remotos del planeta desde cualquier lugar: el “Internet”, que permitió que
las imágenes del mundo dieran la vuelta al globo.
Ya en los noventas los periódicos, agencias, escuelas, gobiernos, empresas de computación y
fabricantes de cámaras, conscientes de la realidad de la fotografía digital, enfocan sus esfuerzos a
perfeccionar, difundir y bajar los costos de esta nueva tecnología que poco a poco le va ganando
terreno a la fotografía convencional, ya que por las múltiples ventajas que ofrece deja de lado las pocas
desventajas que presenta. Ahora tanto estudiantes, maestros, investigadores, viajeros, periodistas, amas
de casa y cualquiera que tenga acceso a una computadora puede acceder a una inimaginable gama de
fotografías, así como subirlas a la red, enviarlas a cualquier parte del mundo casi al instante y sin
perdida de calidad por correo electrónico, las amas de casa pueden ver fotos de sus familiares que viven
en otras ciudades, los publicistas pueden tomar y revisar sus trabajos en un instante o manipular las
imágenes a su gusto mediante sofisticados programas como el “Photoshop”, los médicos pueden
consultar opiniones sobre diagnósticos con colegas, los científicos logran publicar y hacer del alcance
de investigadores sus logros en segundos, en fin los usos y servicios que esta portentosa herramienta
provee son casi infinitos, eventos deportivos, las tarjetas de identificación, agencias de viaje, trabajos
escolares, postales etcétera.
 18
A mediados de los años noventas, Kodak sorprendió a todos en el mercado digital al lanzar al
mercado su modelo digital: “DCS 660” que entonces permitía la sorprendente captura de seis millones
de píxeles, una resolución que intentaba competir con la calidad de las emulsiones de “bromuro de
plata” (algo que 5 años antes se pensó sería imposible de lograr), un par de años después, fue rebasada
por la nueva “DCS Pro 14n”, que en ese momento sorprendió, con una calidad de resolución de 13
Megapíxeles (13 millones de píxeles) y un nuevo aunque pequeño sensor de imagen el “CMOS”.
Esto demuestra como el constante avance de la ciencia y la tecnología ha provocado en este noble
medio de comunicación una lenta pero continua evolución, que comenzara hace 25 siglos y que ha
permitido cumplir ese tan conocido refrán Chino: “una imagen vale más que mil palabras”.

HISTORIA :
Desde hace más de 150 años, la fotografía ha tenido un tremendo impacto en como vemos el
mundo. Una fotografía ofrece una forma de comunicación visual que puede ser “leída” y entendida por
toda la gente alrededor del mundo, sin importar el lenguaje que hable. En estos últimos diez años la
tecnología microelectrónica avanzo con pasos gigantescos, lo que ha provocado “Hoy” toda una
revolución en la forma de ver y hacer fotografía.
Ahora, una nueva forma de tomar fotografías adquiere cada vez más importancia: “La fotografía
digital” esta permite al usuario capturar una imagen, observarla en el momento, guardarla a una
computadora y transferirla si así lo desea, así como darle un sinfín de aplicaciones y modificaciones.
Es importante señalar que al igual que en la fotografía tradicional la digital también “pinta con
luz”, son similares en cuanto a obtener la imagen (la óptica), ya que ambas necesitan de un lente que
proporcione la imagen, cuenta también con un obturador detrás del cual se encuentra el material
sensible protegido por una caja obscura, pero su forma de registro lo hace con una muy diferente
técnica. Pues a eliminando el uso de las películas, con una tecnología que ha modificado la forma de
captura, almacenamiento, impresión y distribución. Es una herramienta que ofrece diferentes y nuevas
posibilidades para el fotógrafo.
Todo comenzó en la segunda mitad del siglo pasado, durante los viajes espaciales en los 60´s con
los Estados Unidos y la desaparecida URSS, durante los viajes se enviaba video a la tierra vía
microondas, las imágenes llegaban con un formato conocido como “Still video” (video fijo), estas
imágenes llegaban con un delay o retraso de fracción de segundo, lo que permitía poder obtener
imágenes fijas (fotografías) del video recibido. Estas imágenes eran en blanco y negro, con un tamaño
pequeño y una calidad muy baja. Aunque este hecho no fue de mucho impacto, algunos ingenieros si
tuvieron la visión para observar el hecho de que se había logrado por primera vez obtener una imagen
fotográfica, a través de un medio diferente del proceso de las emulsiones de bromuro.
 19
Fueron los ingenieros de los Laboratorios Bell quienes iniciaron la carrera digital, en 1969
Willard Boyle y George Smith, trabajaron por encargo en la creación de un dispositivo que permitiera
la captura de imágenes, esto trajo la creación de la estructura básica del primer CCD. Seis años después
en 1975 Kodak a través de su jefe de ingenieros Steve Sasoon desarrolla la primera cámara fotográfica
digital (que más bien parecía una tostadora de pan) esta cámara tenía un CCD con una resolución de
0.01 Mp Y la imagen obtenida se guardaba en un audio casete. Durante la década de los 80´s diversas
compañías tanto en EU y en Japón como: AT&T, Sony y Kodak se enfocaron en mejorar el CCD,
dando como resultado las primeras cámaras para venta al público. Desgraciadamente la resolución de
estas cámaras era muy pobre lo que se traducía en imágenes con una calidad muy baja, además que
estas cámaras eran extremadamente muy costosas.

¿Quien?: Estados Unidos y la Unión Soviética.

¿Qué?: Still vídeo (video fijo).
¿Cuándo?: Primeros viajes espaciales.
¿Dónde?: Estados Unidos y la Unión Soviética.
¿Có mo?: Transmisión de imágenes fijas de vídeo por medio de microondas.

¿Quien?: AT&T, SONY y KODAK.

¿Qué?: Desarrollo del CCD “sensor de imagen electrónico”
¿Cuándo?: Principios de la década de los Ochenta.
¿Dónde?: Estados Unidos y Japón.
¿Có mo?: El CCD convierte la imagen luminosa que es proporcionada por el lente, en pulso
electromagnético que puede ser almacenado en cinta magnética, Diskette, CD, Disco duro, tarjeta de
memoria o memoria flash de manera digital mediante un código binario de ceros y unos. Ejemplo:
“0001001110010101”.

RESOLUCION Mp. (dimensión) :

La resolución es el número de píxeles que una imagen tiene de dimensión, siendo este factor el
que influye principalmente en la calidad y el tamaño de la imagen digital. El “CCD” y el “CMOS”
son los “chips o sensores” encargados de "capturar" la imagen, son los elementos más importantes
dentro de cualquier cámara digital. Su forma es reticular y cada uno de sus puntos es un elemento
fotosensible que captura la luz y la convierte en señal electromagnética, el número de píxeles o
pequeñas células activas de las que están compuestos el CCD y el CMOS, son estos quienes
determinan en buena parte la calidad de las fotos obtenidas, la otra parte corresponde a la calidad del
lente de la cámara.
 20
Cuanto mayor sea la cantidad de píxeles que registre el “Chip o Sensor” así como su tamaño, mejor
será la calidad y el tamaño de la imagen obtenida. A mayor número de píxeles-mayor resolución, a
mayor resolución-más calidad. Sin embargo debe tenerse siempre en cuenta cual será el fin de la
imagen, ya que de poco servirá obtener imágenes de mucha precisión, si su destino es un medio
incapaz de distinguir, procesar o soportar tanta información. Esta cantidad de datos hace muy “pesada”
la foto y puede ser contraproducente. Por dar una idea del número de celdas incluidas en un “Chip o
Sensor” veamos algunos ejemplos:
Cada una de las celdas, además de distinguir el nivel de gris, también debe distinguir tres valores
adicionales, correspondientes a los colores rojo, verde y azul cuando se esté tomando fotografías. Por lo
tanto cada celda debe dar lugar a cuatro números que, al ser almacenados en binario requerirán cada
uno de ellos ocho dígitos, que multiplicado por 3 nos da 24 bits por cada pixel.

VENTAJAS:
“Inme diatez ”: Solo haga click y se puede revisar la imagen, conecta la cámara o la memoria a la
computadora y se puede trabajar de inmediato. Si se cometen errores al tomar la fotografía o no le
gusta la imagen, puede borrarse y simplemente volverla a tomar, hasta tener el resultado deseado. Si
necesita enviar las imágenes a otra ubicación geográfica, solo adjúntela al correo electrónico o a una
red social y puede compartirla con sus amigos o clientes en cualquier parte del mundo.

“Comunicación”: Hace la retroalimentación un proceso más simple y veloz, por la facilidad con
que puede enviarse a cualquier parte del mundo en pocos segundos, lo que le permite analizar y evaluar
rápidamente y retroalimentar la información con respecto a las imágenes enviadas a su cliente.

“Flexibilidad”: Este tipo de cámaras profesionales, tienen la cualidad de que pueden ser utilizadas
en diversos aspectos o condiciones de luz. Lo cual permite que con un solo equipo, el fotógrafo pueda
cubrir diferentes áreas del quehacer fotográfico: Retrato, Comercial, Publicitario, Periodístico,
deportes, secuencia, etc.

“Control”: Combinada con software o programas de edición de imagen, le permite al usuario sea
aficionado o experto, ajustar o editar: tamaño, rotar, cortar, pegar o cambiar de colores o fondo, hasta
donde su creatividad lo permita, obteniendo con estos el control de la calidad, es importante señalar que
debe tomarse en consideración que, antes de adquirir cualquier computadora, paquetes y periféricos,
cual será el destino final o de salida de las imágenes y buscar asesoría experta, para de esta forma
adquirir el equipo apropiado, para evitar hacer una inversión errónea, con equipo caro que no satisfaga
completamente nuestras necesidades.
 21

“Al macenamiento”: Las tarjetas de memoria permiten almacenar de 1 a 4,000 imágenes

aproximadamente, dependiendo de la resolución, del tipo de formato, tipo de cámara y capacidad de la
tarjeta. Las unidades “ZIP” son también herramientas para guardar archivos de gran tamaño, otra
opción son los “CD-R”, además que son más económicos que las unidades “ZIP” y los discos tienen
mayor capacidad de almacenamiento, contando con la modalidad “Re-grabable” Cd-RW.
La forma más socorrida para almacenar nuestros archivos digitales en las “DSLR” son las tarjetas
de memoria que se venden en varios formatos como: Smart media, compact flash, multimedia card,
memory stick entre otras, con capacidad de almacenamiento de 64 Mb. a 16 Gb. y actualmente existen
las “memorias flash” que son unidades extraíbles conocidas como USB, que se conectan al puerto usb
de la Pc se transfiere la información y se retira.

Resolución Calidad Peso Cantidad

Mayor Mayor Mayor Menos
Menor Menor Menor Mayor

Compresión Calidad Peso Cantidad

Mayor Menor Menor Mayor
Menor Mayor Mayor Menor

Extensiones de medida de resolución de salida:

Es la cantidad de pixeles agrupados en una pulgada lineal y se expresa en:
PPI: Píxeles (puntos) por pulgada.
DPI: Dots per Inch, (Puntos por pulgada).

Extensiones de archivo de imagen y su compresión:

Raw : Archivo enorme con datos sin procesar, 48 bits, sin compresión.
Bmp: Formato nativo de Windows, compresión baja, calidad media.
Tiff: Archivo de alta resolución, sin compresión. Alta calidad.
Jpeg (j pg): Compresión variable. Resolución variable. Calidad variable.
Gif: Archivo de Baja Resolución, solo 256 colores. Calidad media. 8 bits.
Psd: Formato nativo de Photoshop, archivos enormes, editables (post-edición).
Pdf: Formato nativo de Acrobat. Permite combinar vectores, mapa de bits y texto.
Png: Formato de compresión, sustituto del formato gif. Archivo de resolución media. 24 bits.
 22

D ES VEN T AJ AS:
-Es muy difícil proteger los “Derechos de Autor”.

-Se necesitan conocimientos de computación para manejar y explotar correctamente las posibilidades
del medio.

-Es necesario tener constante actualización y soporte por medio de los proveedores ya que cada equipo
cuenta con características muy diferentes, y aprender a dominarlas requiere de tiempo e inversión en
cursos.

-Es una Tecnología cara, por lo que los costos de sus equipos son elevados y rápidamente por su
acelerada evolución son descontinuados, en no menos de 8 meses es lanzado al mercado un nuevo
modelo poco más económico y más sofisticado.

 A pesar de esto, las múltiples ventajas palpables está dejando rápidamente atrás las “desventajas”,
con el tiempo se espera que el medio digital será más solicitado que su antecesor: “La fotografía
convencional”.

PAQUET ES DE DI SEÑO:
PAQUETES DE ILUSTRACIÓN: PAQUETES P/MAQUETACION:
Ilustrator. Photoshop
FreeHand. QuarkXPress
Corel Draw. InDesing
Canavas. PageMaker

PAQUETES DE RETOQUE Y MANIPULACION DE IMAGEN:

PROFESIONAL AFISIONADOS
Photoshop Photo Express
Lightroom Photoshop Le
Aperture Paint shop pro
Photo Impact Photo Editor
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ESCUELAS Y CORRI E NTES

FOTOGRÁFICAS
Con el nacimiento formal de la fotografía en 1826, se abrió una nueva ventana de oportunidades
para nuevos artistas que quisieran desarrollarse en el campo. Se observo de inmediato que este era un
campo fértil e inmaduro en el que se podía fácilmente incursionar y experimentar, sea cual fuere el
gusto de quien lo hacía, ya que no se contaba con "reglas" ya definidas que guiaban o limitaban la
expresión del artista, como en otras artes ya existentes: La pintura, la música y la literatura.
Poco a poco podemos observar como los nuevos "fotógrafos", comienzan a reunirse en diferentes
grupos, de acuerdo a su particular forma de realizar y llevar a cabo las fotografías, a estas agrupaciones
les llamamos "Escuelas". Y cada una de ellas tuvo el propósito de enseñar y procurar la divulgación de
su técnica, declarándola superior a la de sus colegas.
Dado que la "Fotografía" tiene la herencia directa de la pintura y que los primeros "fotógrafos"
fueron pintores, las primeras producciones fotográficas contaban con una alta calidad técnica, ya que
ella pose como su antecesora la pintura una depurada técnica, tanto en iluminación, encuadres,
profundidad de campo, puntos de fuga, etc. Además que prácticamente heredo su posición como
"Arte".
Sabemos que el arte es un proceso dinámico en constante evolución, caracterizado por sus
posiciones antagónicas sobre los fines que “el arte” debe cumplir.
En los distintos terrenos de la creación artística podemos observar cómo se han producido cambios
radicales en su apreciación. Así, en la pintura el realismo y su máxima expresión el manierismo, fueron
sustituidos por el abstraccionismo y el cubismo. En la literatura la novela de ficción fue substituida por
la de no-ficción que encabezaba Truman Capote.
En la fotografía también se han dado luchas y posiciones encontradas respecto a su quehacer, las
diversas agrupaciones que dieron forma a lo que hoy conocemos como el medio de comunicación más
prolífico y de mas penetración en cualquier cultura, sea cual sea su lengua, fortalecieron con el
desarrollo de su técnica particular a la fotografía, y aseguraron su permanencia como medio de
comunicación.
Para comprender su alcance es importante, no solo analizar el proceso de nacimiento de la
fotografía, sino también su desarrollo artístico y técnico que le llevarían con el paso del tiempo y con
el mejoramiento de la "química y la física" a evolucionar hasta ser lo que conocemos hoy.
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1.- Escuelas de la fotografía:

La primera escuela fuerte dentro de la fotografía es el “Pictorialismo”, que estaba dominado por
la aseveración de que la fotografía era también un gran arte, pero aunque diferente a la pintura del
período, se trataba de imitar en sus resultados a esta. La producción fotográfica se componía
básicamente de retratos, paisajes y alegorías utilizando técnicas para producir foco suave, retoque y
una iluminación penumbrosa. Todo ello con la intención de que el resultado final fuera semejante a
una pintura.

En contra del Pictorialismo fotográfico, nacen los “Puristas”, quienes pensaban que la foto debería
ser usada de tal forma que permitiera afirmar sus propiedades únicas. Los puristas hacían énfasis por la
fidelidad hacia el sujeto, visto por el fotógrafo con un lente de gran definición y con un proceso de
mucha precisión. La foto se hacía sin ninguna manipulación y de preferencia por contacto. Ellos
declaran que la fotografía es un “arte por sí misma” y que no necesita de manipulaciones ni retoques.

A los puristas les surgen al paso los “Formalistas”, que se preocupan por la apariencia, más que
por la sustancia del sujeto. Los fotógrafos están preocupados única y exclusivamente en la explotación
de las cualidades fotográficas, hoy diríamos “en el look de la foto”. Sus imágenes se convierten en una
afirmación de la fotografía más que en una interpretación del sujeto. Es decir, ellos reconocen a la
fotografía como un medio con características propias, pero argumentan: “Si queremos retocar o
manipular las imágenes para que estas luzcan… ¿Por qué no?”

Con Alfred Stieglitz a la cabeza nacen los “Equivalentes”, quienes defienden la idea de observar a
los sujetos como equivalentes de emociones, estados de ánimo y sentimientos al interior de una
fotografía. Una fotografía de una nube, es una metáfora o inclusive una experiencia intelectual. Cada
emoción o estado de ánimo es traspolado a una fotografía donde el artista deja que su yo interno se
fusione con la escena y esta sea capturada no como un paisaje o un retrato sino como una
representación visual de sus emociones.

Caracterizado por su casi nula referencia hacia los sujetos del mundo real y sus situaciones, nace el
“Expresionismo Abstracto”. Influenciado por el movimiento pictórico de los 50’s, el Expresionismo
Abstracto considera el lienzo y la impresión fotográfica como un campo de acción para los
movimientos y emociones del artista. Objetos inanimados y escenas comunes son su materia prima.
 25
2.- Corrientes Fotográficas:
“Campos de Arte Fotográfico”

Mientras se fueron perfeccionando las herramientas del quehacer fotográfico, también se ha

incrementado la habilidad para explorar nuestros alrededores. El paso del tiempo ha establecido
divisiones arbitrarias de la producción fotográfica. Así tenemos disciplinas al interior de la foto donde
se cultiva en gran medida el Blanco y Negro con una excelente calidad.

PAISAJE
Una aproximación profunda pudiese considerarlo como el retrato del medio ambiente. Contiene
obviamente montañas, desiertos, ciudades, fuertes, lagos, mares, etc. Si el hombre está involucrado o
no, poco importa, lo que interesa realmente es la observación de grandes cosas, de enormes presencias
naturales. Destacando: Ansel Adams, Minor White, Harry Callahan y Edward Burtynsky.

RETRATO
Tomar y mirar fotografías de la gente es uno de los pasatiempos más persistentes dentro de la
fotografía. ¿Qué es lo que hace interesante una fotografía de una persona? Definitivamente, el diseño,
que es más evidente en Blanco y Negro. A pesar de que el cuerpo humano es básicamente simétrico,
puede doblarse en un número fascinante de maneras distintas.
La Gente es un sujeto emocional desde el momento en que reaccionamos a emociones, miramos a
los ojos, a esa mirada fija que nos observa en la foto de una persona. El rostro humano en una
fotografía habla sobre sentimientos pasados removidos, tocados y trasladados al presente.
Destacan: Man Ray, Brassai, Lazlo Moholy Nagy, Richard Avedon y Fernando Aceves.

HISTORIA VISUAL
Quizá una de las mejores fotos dentro de este género es la “cándida y emocional”. Nos brinda la
oportunidad de observar de cerca a una persona o acontecimiento sin riesgo de un bochorno.
Aquí puede contenerse al fotoperiodismo y la fotografía publicitaria siempre y cuando se distingan
por su limpieza y buena composición. El fotógrafo se limita a mostrar sucesos, situaciones o
simplemente lugares o cosas, sin tomar en cuenta los detalles que les rodean. Es decir no son muy
importantes el “Porque” y el “Como” sino solamente mostrar el “Que” en un lugar y tiempo
determinado.
Destacando aquí: Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, David Seymur (Chim), Edward Weston,
André Kertész, Robert Frank, Tina Modoti y Manuel Álvarez Bravo.
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DOCUMENTAL
Es quizá una de las características inherentes al quehacer fotográfico, es un punto donde la
fotografía se mezcla con la antropología, la sociología y la psicología, aquí la foto se convierte en una
ciencia humana. Se caracteriza por mostrar la explotación del hombre por el hombre, la virtud humana
del trabajo y su esencial papel dentro de la vida del hombre. Trata de mostrar aspectos de la vida
poniendo énfasis en las circunstancias que rodean a estos.
Aquí el fotógrafo es un investigador que analiza y muestra el “Porque” y el “Como”,
entendiéndolos como necesarios para poder comprender los sucesos. Este género fotográfico arranca
junto con el fotoperiodismo de la 2da. Guerra Mundial y la Posguerra.
Walker Evans, Eugene Smith, Robert Doisneau, Sebastián Salgado y Steve McCurry destacan.

EXPERIMENTAL
Uno de los primeros que se atreven a retar la construcción fotográfica con una nueva lógica de
pensamiento-acción fue el señor Man Ray. Su forma particular de gozar los desafíos al tabú
fotográfico y del rompimiento de las reglas hasta ese momento establecidas dentro del campo
fotográfico lo presentan como uno de los mejores experimentadores, secundado más tarde por Richard
Avedon y Robert Mappletorphe.
Podríamos hablar de que al interior de cada género fotográfico existen creadores experimentales
que son retados a construir nuevas formas de ver, hacer y expresar la fotografía, ellos buscan reflejar
emociones a través de nuevos caminos que le den nueva vida al género y a la misma fotografía.

NATURALEZA MUERTA
El fotógrafo es una criatura visual que responde a los impulsos luminosos que percibe del medio
ambiente que le rodea. Arreglando la colección de objetos que utilizamos a diario ciegamente, y la
comida que digerimos sin pensar un segundo en ella, el fotógrafo organiza una exploración del mundo
real y proyecta uno abstracto. La naturaleza muerta y sus objetos atraen al fotógrafo desde su
obscuridad, retándolo a retratarlos como piezas invaluables de experiencia.
La película es un lienzo donde puede plasmar estos objetos triviales y presentarlos en una perfecta
y agradable armonía de formas, contornos, matices y colores, por el simple hecho de estar frente a él.
Ansel Adams y Robert Mappletorphe
 S E G U N D A PA RT E

“LA CAMARA”

T I P O S Y F O R M ATO S
PA RT E S D E L A C A M A R A

CONOCE TU EQUIPO

C O N T R O L E S P R I N C I PA L E S

VA R I A B L E S D E L A E X P O S I C I O N

PELICULAS

ILUMINACION

PROFUNDIDAD DE CAMPO

L E N T E S Y O B J E T I VO S

C O M P O S I C I O N F O TO G R A F I C A
 1.- Visor Directo
LA CAMARA La imagen se observa a través de un visor aparte del lente.
Formatos y tipos Una sola velocidad y una sola abertura.
No permite intercambio de lentes.
A. Formatos: (Las cámaras actuales ya cuentan con pequeñas escalas
de velocidad, abertura y un pequeño
El formato de la cámara se establece de acuerdo al lente zoom, para diferentes
tamaño de la película. encuadres) Visor
Cartucho Rollo Se observa el “Error de Paralaje”.
110 mm. 35 mm. (Lo que observamos a través delvisor,
no coincide con lo que se
126 mm. 120 mm. fotografía por el lente).
Placa Instantánea (Polaroid) Lente
2.- Visor Telemetro
6x5, 6x6, 6x7 No hay negativo Se agrega un segundo visor (Telemetro), para tratar de
Otros Formatos corregir el “Error de Paralaje”.
Disco Desechable Cuenta con una escala limitada de velocidad y abertura.
La cámara se rompe al
Tamaño similar al 110 mm. retirar la película Algunos modelos permiten el intercambio de lentes.
Aun se observa el “Error de Paralaje”.
B. Tipos: (35mm.)
3.- Réflex
Se dividen en 3 tipos básicos: La imagen que se observa por el ocular, aprox. es en un
95% la misma imagen que tendremos en la fotografía.
1.- Visor Directo Amplia escala de velocidades y aberturas.
Permite intercambio de lentes.
2.- Visor Telemetro
Diversos modelos “Manual, Automática y Program”.
Existen 2 formatos: 35mm. y 120mm.
3.- Réflex “SER” Single Lens Réflex, Réflex de lente sencillo
“TAR” Twins Lens Réflex, Réflex de lentes gemelos
No presenta “Error de Paralaje”.

28
 PARTES DE LA CAMARA Abajo
Arriba 12 10
Ft 20 10 7 5 4
18 M 5 3 2 1.5 1.2
14
13
22 16 11 8 8 11 16 22
20 11
2.8 2
19 22 16 11 8 5.6 4
2 3
8 7 3 1 Frente

2
1
4

B
15

8
30
60
125 ISO
2500 1
20 00
50 0

20000
4000
40
0
10

0
6 4 5
17
9 1
1.- Palanca de Arrastre
2.- Disparador
3.- Contador de Exposiciones
4.- Anillo Selector de Velocidades
5.- Selector de Sensibilidad de la Película (ISO)
6.- Zapata o conexión directa del Flash 15
7.- Pentaprisma 16
8.- Palanca de Rebobinado
9.- Ocular o Visor
10.- Clutch o Desembrague
11.- Rosca para el Tripie o Motor Partes del Lente
12.- Compartimento de las Pilas
13.- Contactos del Motor 18.- Anillo de Enfoque
14.- Engrane del Motor 19.- Anillo de Diafragma
15.- Botón Liberador del Lente
20.- Anillo de Profundidad de Campo
16.- Palanca Disparador Automático
17.- Conexión cable sincronizador del Flash 21.- Anillo de Zoom (opcional)

29
 PARTES DE LA CAMARA Frente-Adentro
Detras
17

9 24

23

22 15
16

Detras-Adentro

22.- Puerta o Tapa de la camara

23.- Espejo
24.- Pantalla de Enfoque
25.- Compartimento de la Película 26 27 28
26.- Contactos DX 25
27.- Obturador
28.- Engranes

30
 PARTES DE LA CAMARA
1.- Palanca de Arrastre: Arrastra película virgen del magazín y la coloca en el plano del 17.- Conexión cable sincronizador del Flash: Su función es sincronizar el destello del flash
obturador, prepara la cámara para el siguiente disparo y en algunos modelos sirve como con el disparo de la camara, cuando el flash no esta puesto en la zapata.
seguro del disparador.
18.- Anillo de Enfoque: Al girarlo hacia un lado o hacia el otro nos permite dar la nitidez
2.- Disparador: Acciona el obturador permitiendo que este abra y deje pasar la luz hacia la deseada en el motivo a fotografiar.
película, en algunos modelos funciona como el encendido de la cámara.
19.- Anillo de Diafragma: Regula la cantidad de luz que entrara hacia la película.
3.- Contador de Exposiciones: Indica la cantidad de veces que se a disparado y cargado la
20.- Anillo de Profundidad de Campo: Nos permite tener una idea del área de enfoque
camara, sin importar que esta tenga rollo.
tanto mínimo como máximo en la escena a fotografiar. (Opcional lentes manuales).
4.- Anillo Selector de Velocidades: Indica la velocidad con que abrirá y cerrara al obturador.
21.- Anillo de Zoom: Al girarlo variamos la distancia focal del lente, lo que permite que
5.- Anillo Selector de Sensibilidad (ISO): Sirve para calibrar la cámara con el ISO de la acerquemos o alejemos los objetos en la escena sin movernos de lugar.
película.
22.- Puerta o Tapa de la camara: Mantiene la camara hermética a la luz permitiendo que
6.- Zapata o conexión directa del Flash: Es el lugar donde se coloca el flash para que el rollo sea expuesto y rebobinado sin sufrir ningún velo.
sincronice su destello, con el disparo de la cámara.
23.- Espejo: Nos proporciona la imagen que es captada por el lente, reflejandola hacia el
7.- Pentaprisma: Es un prisma que corrige la imagen invertida que nos proporciona el pentaprisma y este a su vez hacia el ocular, donde observamos esta imagen que es
espejo y que permite que la veamos de forma correcta en el ocular. aproximadamente en un 95% la misma imagen que sera fotografiada por la cámara.
Y es debido a esto, que este tipo de cámara recibe su nombre: “Réflex”.
8.- Palanca de Rebobinado: Rebobina la película al magazín, abre la puerta o tapa de la
cámara y nos indica si esta tiene rollo. 24.- Pantalla de Enfoque: Son unas pequeñas placas de vidrio que se localizan debajo del
pentaprisma y cuya función es ayudarnos al enfocar.
9.- Ocular o Visor: Es por donde observamos la escena a fotografiar.
26.- Contactos DX: Son pequeños pernos que se localizan en el compartimiento de la
10.- Clutch o Desembrague: Libera los engranes permitiendo que la película se rebobine.
película y sirven para calibrar automáticamente a la cámara, con el ISO de la película.
11.- Rosca para el Tripie o Motor: Es el lugar donde se enrosca el tripie o el motor o algún
27.- Obturador: Es una cortina hermética a la luz que mantiene virgen la película, y en el
otro accesorio que necesite soporte debajo de la cámara.
momento de la exposición esta se abre, dejando pasar la luz hacia la película.
13.- Contactos del Motor: Es donde la cámara se comunica con el motor.
28.- Engranes: Son los encargados de enrollar la película cada vez que se corre la palanca
14.- Engrane del Motor: Es la parte donde se engrana la cámara con el motor para el avance de arrastre y antes de rebobinar el rollo deben ser liberados con el Clutch, o se corre el
de la película. riesgo de romper la película.
15.- Botón Liberador del Lente: Al oprimirse permite que se pueda retirar el lente.
16.- Palanca de Disparador Automático: Al activarse esta función tenemos 10 segundos
para colocarnos delante de la camara, antes de que se active el obturador y sea tomada
la foto.

31
 CAMARA “Program” Abajo
Arriba
13
16
17 14
35 50 80
18 AF
MF
11 3
8 4
1
ISO

7 10
A-D
M
EP
125 5.6
Frente
Av
3 5
Tv
L
P

9 6 2 12
1.- Dial de modos
2.- Pantalla de cristal liquido 11
3.- Disparador
4.- Anillo Selector
5.- Contador de exposiciones 15
6.- Zapata o conexión directa del Flash
7.- Pentaprisma
8.- Flash retráctil
9.- Ocular o Visor
10.- Botones de función (Disparo automático, rebobinado, ojos rojos) Partes del Lente
11.- Lámpara para enfoque con poca luz y pre-disparo del flash
12.- Botones de ajuste (disparo múltiple, ajuste diafragma ) 16.- Anillo de Enfoque
13.- Rosca para el Tripié 17.- Anillo del Zoom
14.- Compartimento de las Pilas 18.- Selector del modo de enfoque
15.- Botón Liberador del Lente

32
 Estas pueden ser: 30
LA CAMARA (Réflex) 8000
15
8
4000 4
“Conoce tu equipo” 2000 Acción 2
Poca Luz
1000 Telefoto Tripie
A.- Características y ventajas 500
1
125 2
1.- Existen muchos tipos de película de 35 mm. 250 100 Escenas B
A: En color y blanco y negro 90 Comunes No disponibles en
60 todas las cámaras.
B: Con sensibilidades entre ISO 25 e ISO 3200
2.- Hay una gran variedad de Lentes Intercambiables. 2.- Abertura del Diafragma
3.- Son versátiles, compactas y durables. Regula la cantidad de luz que pasa hacia la película, y se controla
con el Anillo de Diafragma. A estas aberturas se les conoce como
B.- Controles de la cámara “números f”. Un numero f grande representa una abertura pequeña
1.- Hay TRES controles principales que deja pasar poca luz; Y un numero f pequeño, representa una
A: Velocidad de Obturación abertura grande que deja pasar mucha luz. Ejemplo:
B: Abertura del Diafragma
C: Enfoque
2.- Otros controles y características contribuyen a determinar f/1.8 f /2.8 f /4 f /5.6 f /8 f /11 f /16
el ajuste de la exposición y pueden ayudar a hacer un Sus usos pueden ser:
mejor uso de la cámara. Están colocados de manera f /32 Sol despejado f /4 Poca luz
lógica y es fácil aprender a usarlos. Mucha luz f/8 Sol velado f /2.8 Muy nublado
f /22 Arena Sombras al Sombras
Estos controles varían de acuerdo con la marca y el modelo f / 16 Agua f /5.6 descubierto f /2 intensas
de la cámara. f / 11 Nieve f /1.8 Habitación

3.- Después de comprar la cámara, lee detenidamente el 3.- Enfoque

instructivo o manual y familiarizate con ella.
Controles principales de la cámara
1.- Velocidad de Obturación
Es la rapidez o lentitud con que abre y cierra el obturador, regula
el tiempo en que la luz pasa hacia la película y se controla con el
Anillo de Velocidades.
Acción de ajustar la distancia de los objetivos del lente para lograr
el foco o la nitidez de la imagen a fotografiar. Se controla con el
Anillo de Enfoque, y se determina con las pantallas de enfoque.
Por el contrario cuando la imagen a fotografiar es borrosa o difusa
le llamaremos desafocada o fuera de foco.
Las cámaras pueden ser de Enfoque manual o AutoEnfoque.
Foco: punto donde convergen los rayos luminosos.

33
 Pantallas de enfoque
Son auxiliares del enfoque y constan de diversos elementos.
1.- Cristal esmerilado
2.- Anillo de microprismas A b.- Cuando cambiamos de un “numero f” a otro mas grande,
3.- Prisma de imagen dividida
4.- Fresnel B
2 4
3
1 f/1.8
A B
EXPOSICIÓN
Es la correcta combinación de la velocidad de obturación con la
abertura del diafragma. Los controles de exposición de la cámara
regulan la claridad u obscuridad, cantidad de detalles y la calidad
del tono en la película.
A.- Variables de la exposición:
PELÍCULA indica la rapidez o
1.- La SENSIBILIDAD DE LA PELICULA,
lentitud, con que ésta reacciona a la luz.
a.- Cuando se cambia de una película a otra con el doble de
sensibilidad (por ejemplo de ISO 100 a ISO 200) se
necesita la mitad de luz para obtener la misma exposición.
b.- Cuando se cambia de una película a otra con la mitad de
sensibilidad (por ejemplo de ISO 400 a ISO 200) se
requiere el doble de luz para obtener la misma exposición.
DIAFRAGMA “los números f ” designan
2.- ABERTURA DEL DIAFRAGMA,
la medida de abertura del diafragma.
a.- Cuando cambiamos de un “numero f” a otro mas pequeño,
(por ejemplo de f /5.6 a f/4) dejamos pasar el doble de luz.
(por ejemplo de f/ 11 a f /16) dejamos pasar la mitad de luz.
c.- La abertura del diafragma, también controla el foco, los
detalles y la profundidad de campo. “Numero f” grande mas
foco y detalles; “numero f” pequeño menos foco y detalles.
f /2.8 f /4 f /5.6 f /8 f /11 f /16
3.- VELOCIDAD DE OBTURACIÓN
a.- Cuando se cambia un velocidad de obturación a la siguiente
más rápida (por ejemplo de 1/60 a 1/125) se reduce a la
mitad el tiempo de exposición.
b.- Cuando se cambia un velocidad de obturación a la siguiente
más lenta (por ejemplo de 1/250 a 1/125) se aumenta al
doble el tiempo de exposición.
B.- Métodos para determinar la exposición:
1.- PROGRAM: La cámara elige tanto el “número f” como la
“velocidad de obturación”, y cuenta con autoenfoque.
2.- AUTOMÁTICO:
a.- Prioridad abertura, usted ajusta el “número f” y la cámara
selecciona la “velocidad de obturación”.
b.- Prioridad velocidad de obturación, usted ajusta la “velocidad
de obturación” y la cámara selecciona el “numero f”.
3.- Manual: Se utiliza el exposímetro o fotómetro de la cámara
para determinar el “número f” y la “velocidad de obturación”.
34
 PELICULA El “ISO” substituye a otras organizaciones que clasificaban la
sensibilidad de las películas, como:
Hay que tener cuidado al elegir la película de acuerdo al tema
ASA- Asociación Americana de Estándares (métrico decimal).
Se logrará una mejor calidad y gastará menos si usa la película
indicada para cada caso. DIN- Industria Alemana de Normas ( logarítmico).
La película esta compuesta por dos elementos principales : GOST- Utilizado por el bloque comunista (similar al ASA).
1.- Base o Soporte:(triacetato de celulosa) película de celuloide. ASA DIN GOST
2.- Emulsión: Suspensión coloidal, bromo, cloro, yodo, haluros ASA 100 21 DIN 64 19 55
de plata y acopladores de color. ISO ASA 100 100 21 90
125 22 110
A.- Tipos de película ISO 100 21 200 24 180
1.- Negativa : ISO 100 400 27 360
800 30 720
Color.
Blanco y Negro ( pancromática) bajo contraste. C.-Tipos de sensibilidades
Infrarroja. 1.- Películas bajas, duras, o lentas :
Lith ( ortocromática) alto contraste.
Internegativa- para duplicar transparencias con alta calidad. 6 Tienen grano fino y una excelente nitidez.
12
CARACTERISTICAS: 25 Alta calidad en ampliaciones a gran tamaño.
Se pueden obtener copias a bajo costo. 32 ISO Ideal para retrato, bodas, modelos y grupos.
Las copias son fáciles de ver, exhibir y transportar. 50 Reacción lenta a la luz.
Pose una amplia latitud de exposición. 64 Requieren de mucha luz al exponerse.
Un negativo puede proporcionar una cantidad ilimitada de copias.
2.- Positiva (diapositiva, transparencia): 2.- Películas Medias :
Color. 100 Excelente respuesta en casi cualquier condición
125
de luz, desde la situación ideal hasta condiciones
Blanco y Negro (se logra mediante un proceso laborioso) . muy pobres de luz.
160 ISO
CARACTERISTICAS : 200 Útil para temas diversos, acción, paisajes, etc.
Pueden ser apreciadas simultáneamente por un publico grande. Gran latitud de exposición.
Es posible proyectar imágenes grandes.
Se pueden obtener copias, pero a alto costo. 3.- Películas Altas, Blandas, o Rápidas:
Responden con precisión a los ajustes de exposición y filtración 400 Grano grueso para tomar fotos con luz débil.
de color. 800 Rápida reacción a la luz.
1600
B.- Clasificación de la Sensibilidad de la película 3200 ISO Ideal para fotos en interiores y deportes.
La sensibilidad se clasifica por un organización llamada “ISO”. 6400 Permite el uso de velocidades de obturación
(International Standard Organization), organización internacional 12000 rápidas y telefotos.
de estándares. 25000 Presenta granulación en ampiaciones.

35
 ILUMINACION El lenguaje de la luz
SIN “LUZ”, NO HAY FOTOGRAFÍA A.- Dirección:
1.- Iluminación Frontal-
La palabra fotografía significa escribir, pintar o dibujar con luz, así “Iluminación promedio”
que la iluminación es vital, ya que la luz es la materia prima con la
que trabaja el fotógrafo al realizar su obra, expresar sus emociones o
transmitir un mensaje . 2.- Iluminación Lateral-
Añade dimensión, volumen, textura.
Comprender el lenguaje de la luz es algo más que sólo ajustar la
exposición correcta. Es estar consiente de sus características.
Aprender a conocerlas, es aprender a reconocer mejores 3.- Iluminación posterior (contraluz)-
oportunidades fotográficas. Iluminación más intensa que define
contornos, siluetas y figuras.
Uno de los aspectos más importantes en fotografía es la calidad de
la luz, las cualidades de esta son mesurables: color, dirección, B.- Contraste:
intensidad, contraste, que en ocasiones parecen tener poco o nada 1.- ALTO CONTRASTE
que ver con el significado con que son utilizadas por los fotógrafos. a- Amplia escala de intensidad entre las altas luces y las sombras.
b- Un día soleado es alto contraste, luz fuerte y sombras definidas.
La luz también nos ayuda a resaltar texturas, dar volumen, separar c- El exposímetro automático puede ser engañado.
al sujeto del fondo, ambientar la escena, dar profundidad de campo, 2.- BAJO CONTRASTE
dramatismo, etc. a- La diferencia entre las altas luces y las sombras no es mucha.
b- Un día nublados y las sombras al descubierto ofrecen bajo contraste.
Pero, ¿porque parece que un lugar tiene mejor o peor luz que otro? Luz uniforme y sombras tenues.
Artísticamente la calidad de la luz es casi indefinible y depende de la c- Las exposiciones son más fáciles de calcular.
habilidad del fotógrafo en utilizar la luz disponible. 3.- COMO CONTROLAR EL CONTRASTE
a- Espera que la luz cambie.
La calida luz de la tarde, o la cada vez más clara luz del amanecer a b- Coloque al sujeto en la sombra.
menudo parecen ser mejor que la luz del sol de medio día, que en c- Usa un flash de relleno para iluminar las áreas en sombra..
cambio puede tener mejor calidad que la de un día nublado. La
dramática luz en una tormenta, que se filtra por entre las nubes, o los C.- Color:
rayos de sol pasando a través de los arboles, etc. 1.- COLORES FRIOS
a- El azul, violeta y verde producen efectos frescos y relajantes.
b- La sombra al descubierto es fría por la luz azul difusa del cielo.
El consejo practico de mantenerse de espaldas al sol ha servido para
muchos fotógrafos aficionados, pero es un método básico, saber 2.- COLORES CALIDOS
cuando y como romper esta regla, es la parte importante para a- Los tonos rojizos dan un toque de calidez e intensidad.
aprender a hacer fotografías interesantes. b- La luz amarillo rojiza predomina en los amaneceres y atardeceres.

36
 ILUMINACION
1.- Iluminación Frontal-
“Iluminación promedio”

La fuente de luz se encuentra detrás del fotógrafo y de frente

al motivo a fotografiar. En estas fotografías la sombra debe
estar detrás del motivo y el contraste dependerá de la intensidad
de la luz.

2.- Iluminación Lateral-

Añade dimensión, volumen, textura.

La fuente de luz proviene por un lado del fotógrafo y proyecta

una sombra en la parte contraria a donde el motivo recibe la luz.
La intensidad de la sombra dependerá de la intensidad de la luz.

3.- Iluminación posterior (contraluz)-

Iluminación más intensa que define
contornos, siluetas y figuras.

La fuente de luz proviene de frente al fotógrafo y por detrás del

motivo, lo que provocara que el motivo aparezca en una sombra
intensa pero su contorno estará bien definido gracias a que la
sombra intensa y la fuente de luz resaltaran su silueta. Este tipo
de iluminación es por lo regular de alto contraste .

37
 ILUMINACIÓN ARTIFICIAL
Fotografías nocturnas en posición “Bulbo”

En este tipo de fotografías necesitaremos algunos accesorios

como: tripie, flash, reloj o cronometro así como libreta y lápiz.
Los números “F” que podemos utilizar son entre el 8 y el 11
dependiendo de que tan intensa sea la iluminación donde se
encuentra el “motivo”, el tiempo de exposición podrá variar de entre
los 10 a los 25 segundos, dependiendo de que tan lejos se 3.- Exposición Múltiple-
encuentre el motivo con relación a la camara. * tripie- * f/8 ó f/11- * flash- * tiempo variable.

Este ejercicio esta dividido en 4 temas los cuales son: Luz

Ambiente, Espagueti, Exposición Múltiple y Flash.

1.- Luz Ambiente (fachadas y anuncios luminosos)-

* tripie- * f/ 8 ó f/11- * exp. de 10 a 25 segundos.

4.- Iluminación con Flash (interiores y exteriores)-

* flash- * f/4 al f/11- * vel. 60 ó 90

2.- Espagueti (autos, encendedores y juegos mecanicos)-

* tripie- * f/8 ó f/11- * exp. de 15 a 25 segundos.

38
 PROFUNDIDAD DE CAMPO B.- Poca profundidad de campo,“enfoque selectivo”.
Es la distancia que existe entre el objeto más cercano y el más 1.- APLICACIONES
lejano que aparecen razonablemente enfocados en una fotografía. a- Aísla al sujeto del fondo.
Algunos lentes tienen una escala de profundidad de campo, para
enfoque selectivo, marcada en la montura. b- Ideal para retratos, acercamientos y fotografías de flores.

A.- Factores que afectan la profundidad de campo 2.- PARA UNA MINIMA PROFUNDIDAD DE CAMPO
a- Use la mayor abertura de diafragma posible, acérquese la más
1.- ABERTURA DEL DIAFRAGMA que pueda y utilice lentes de distancia focal larga.
a- Abertura grande = menor profundidad de campo. b- Ajuste la velocidad de obturación requerida para una correcta
b- Abertura pequeña= mayor profundidad de campo. exposición.
C.- Profundidad de campo máxima
1.- APLICACIONES
a- Cuando el detalle a diferentes distancias sea importante.
b- “Enfoque de Zona”, cuando no se tiene tiempo de enfocar en
F/2.8 F/4 F/5.6 F/8 F/11 F/16 F/22 cada toma, para deportes y espontáneas.
2.- PARA LA MAXIMA PROFUNDIDAD DE CAMPO
2.- DISTANCIA CAMARA-SUJETO a- Use la menor abertura de diafragma posible.
a- Distancia corta= menor profundidad de campo.
b- Distancia larga= mayor profundidad de campo.
1.10 m fuera de foco

15 m infinito

3.- SELECCION DE LOS LENTES

a- Distancia focal larga= menor profundidad de campo.
b- Distancia focal corta = mayor profundidad de campo.
a-70 m.m. o más

b-50 m.m. o menos

39
 OBJETIVOS O LENTES
La cámara necesita de un elemento que le ayude a recoger,
concentrar y dirigir los rayos de luz, hacia el punto exacto donde la a
imagen se encuentre en “foco”, este es el “objetivo o lente”.
Uno de los problemas comunes entre los fotógrafos, es estar ante
un tema al que no pueden tomar bien, ya sea que no puedan
acercarse o alejarse lo suficiente, el objeto es muy pequeño para
enfocarlo correctamente, o esta demasiado lejos.
Las cámaras SLR cuentan con una gran variedad de lentes inter-
cambiables, que permiten que se puedan cubrir todos los tipos de c
temas y distancias. b
A.- Lentes
1.- Existen tres tipos básicos de lentes:
a- Gran angular - menor de 45 mm. Son más económicos.
b- Normal- de 45 a 55 mm. Proporcionan las mayores aberturas de diafragma.
c- Telefoto - mayor de 55 mm. Son más pequeños y ligeros. (Normal y angular).
Los telefotos de 200 mm en adelante que tienen aberturas
2.- Por su distancia focal se clasifican en dos tipos: grandes, son muy caros.
a- Distancia focal fija.
Lentes de distancia focal corta, menor de 55 mm. b- Distancia focal variable. “Zoom”
Mientras más corta sea la distancia focal del lente más abarca. Pueden abarcar los tres tipos de lente en un mismo objetivo.
Varían su longitud focal de forma continua girando un anillo,
con lo que el tamaño de la imagen aumenta o disminuye.
Ofrecen flexibilidad en la composición.
Son más versátiles.

Lentes de distancia focal larga, mayor de 55 mm.

Mientras más larga sea la distancia focal del lente más acerca.

40
 B.- Lentes Especiales
Estos objetivos se diseñan para dar una calidad máxima en
condiciones muy específicas, su venta requiere de especificaciones
precisas y hay que pedirlos por catalogo:
1.- Macro o micro:
Están construidos especialmente para fotografiar objetos muy
pequeños, a los cuales, el lente normal no puede enfocar con
precisión ni con detalle por estar muy de cerca de ellos.
2.- Ojo de pez:
La mayoría de los gran angulares están corregidos para que las
lineas rectas aparezcan como tales en la foto. Los “ojos de pez”
tienen la cualidad de transformar las lineas rectas en curvas, y van
de los 6 a los 16 mm.
3.- Catadióptrico (réflex):
Los lentes de gran longitud focal de 500 mm o más, son tan
pesados y voluminosos que tienen que montarse directamente
sobre un tripie, para superar este inconveniente se utiliza el diseño
“réflex”: dos espejos curvos reemplazan a los grandes elementos
de vidrio, haciendolo más ligero y económico, pero presentado
inconvenientes como la perdida de la profundidad de campo, así
como la presencia de luz parasita.
4.- Anamórfico o lente corrector de perspectiva:
Llevan elementos cilíndricos, que corrigen la perspectiva de la
imagen cuando se toman las fotografías en ángulos muy agudos,
hacia arriba o hacia abajo, tiene un seguro en el centro y para
corregir la imagen se mueve o se descentra la mitad del objetivo.
41
 COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA
Es el arreglo de los elementos de la escena para lograr su agrado.
La mayoría de las buenas fotografías no son obra de la casualidad .
Están compuestas cuidadosamente en una disposición de lineas y
volúmenes. En muchas ocasiones el fotógrafo tiene la oportunidad
De “componer ” la escena para obtener los resultados deseados.
Elementos de la composición 4.- Re-encuadre: Buscar un marco donde la foto luzca más.
1.- Simplicidad: Buscar escenas simples y eliminar los elementos distractivos
en la toma. Buscar fondos sencillos u obscuros para hacer que
nuestro “centro de interés ” resalte y tenga más colorido.

5.- Escala: Buscar elementos que nos den la magnitud real de la toma.

2.- Formato : 2 Tipos : Horizontal

Landscape
Paisaje

Vertical
6.- Dinámica: Incluir personas.
Portrait
Retrato

3.- Volumen: Que no de la apariencia plana. A través del uso adecuado

de las sombras podemos dar volumen y profundidad.

42
7.- Horizontes : 3 Tipos : Centro, Alto y Bajo
Centro: Da la impresión de quietud, es estático.

Alto: Cuando los elementos de abajo o del suelo son más importantes.

9.- Balance: Simétrico y Asimétrico.

Bajo: Cuando los elementos de arriba o del cielo son más importantes.

10.- Ángulos de la Toma: Buscar puntos de vista diferentes romper los

esquemas tradicionales, experimentar, mirar
dos veces antes de disparar.
8.- Regla de los tercios: Dividir la escena en tres tercios, verticales y
horizontales ycolocar el “centro de interés” en
la intersección de los tercios.

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11.- Figuras Geométricas: Que los objetos de la toma formen figuras
geométricas, cuadrados, triángulos, etc.

12.- Patrones repetidos: La repetición de objetos con formas, lineas,

colores y texturas, son agradables a la vista.

14.- Puntos de Fusión: Es cuando los elementos se unen o se fusionan

causando un error en la composición de la foto.
Todos los elementos distractivos en la escena.

13.- Oportunidad : Esperar un poco para mejorar la toma, llevar siempre

la cámara preparada esperando lo inesperado.

Los elementos de la composición fotográfica no son leyes ni normas,

que deben seguirse obligatoriamente cada vez que se hace una toma,
sino que son criterios de como componer la escena antes de fotografiar
para obtener buenos resultados.
Estos “Criterios” pueden variar de nombre e incluso variar de forma,
su valor es universal y son utilizados tanto por el CINE y la TV, pero
esto no indica que siempre deben seguirse, ya que en ocasiones cuando
el criterio personal lo indique se deberá romper con la composición, y
de esa manera crear el estilo personal de fotografiar.

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 T E R C E R A PA RT E

“BLANCO Y NEGRO”

M AT E R I A L E S F O TO G R Á F I C O S

PELÍCULAS

PA P E L E S

TA B L A S D E R E V E L A D O
 47

Materiales Fotográficos
Los materiales fotográficos están compuestos principalmente de dos elementos:

1.- La base ó soporte.

2.- La emulsión.

La base ó soporte: Es lo que va a “soportar” la emulsión y va a dar forma al

material fotográfico. En el caso de la película fotográfica, será un compuesto
plástico llamado: “triacetato de celulosa”, de ahí proviene el nombre “película de
celuloide”. En el caso del papel fotográfico será simplemente “papel sin alcohol”.
Ya que el papel convencional con el paso de los años se torna amarillento y le da a
las fotografías, esa tonalidad indeseada.
La emulsión: Es el elemento sensible a la luz, es una suspención coloidal
llamada “gelatina”, está compuesta de varios elementos: bromo, cloro, yodo y
haluros de plata.
En el caso del papel fotográfico, también encontramos un tercer elemento
llamado “Barita”, que se encuentra entre la “base” y la “emulsión”. Su función
principal es reflejar la luz y hacer notorios el blanco, los tonos claros y los grises
suaves en la fotografía, este elemento puede ser de color blanco o crema,
dependiendo del fabricante.
 48

Tipos de Películas en Blanco y Negro

1.- Lith, 2.- Negativa, 3.- Positiva, 4.- Infrarroja y 5.- T400 CN.

1.- Película de alto contraste, proporciona exclusivamente Blanco y Negro, es

usada con mayor frecuencia para artes gráficas y periódicos. También se le utiliza
para carteles y títulos en audiovisuales.
2.- Película de bajo contraste, proporciona copias con una amplia escala de grises,
en la actualidad se pueden encontrar en una gran variedad de sensibilidades.
Kodak las maneja por su nombre comercial:
Plus-x-pan 125 ISO
Tri-x-pan 400 ISO
T-Max (su mejor película) desde 100 hasta 3200 ISO
3.- Actualmente se puede contar con el sistema T-Max positivo directo, aunque su
proceso es muy costoso y complicado.
4.- Esta película negativa proporciona una escala de grises muy diferente, ya que
no reacciona directamente con las tonalidades del medio ambiente, sino con su
radiación infrarroja. Es utilizada en control de calidad y lucha al narcotráfico.
5.- Esta “nueva” película negativa, permite procesarse en el sistema de color para
mayor rapidez, pero al imprimir se obtienen copias en tonos sepia, azul o rojo.

Papel Fotográfico Blanco y Negro

El papel fotográfico en blanco y negro se divide en dos clases:

1.- Fibra.
2.- R.C.
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Los papeles de fibra:

Cuentan en la base exclusivamente con papel, lo cual provoca, que el manejo de

estos sea más delicado, ya que al mojarse con los químicos, la base puede perder su
forma si se maneja inadecuadamente. Se recomiendan diafragmas pequeños, por lo
que el tiempo de impresión es largo. Necesitan además de un tiempo más
prolongado de lavado para eliminar los residuos de químicos, que la base pueda
haber absorbido durante el proceso de revelado.
A pesar de todo esto, son los papeles de fibra, como el “Elite” de Kodak y el
“Gallery” de Ilford, los papeles de mayor calidad actualmente, permitiendo mayor
grado de contraste, más detalle en las sombras y altas luces, y son los únicos
aceptados en las “Galerías de Arte” para exposiciones.

Los papeles R.C.:

Toman su nombre de un recubrimiento plástico que llevan debajo de la base,

“Resin Cover” (recubrimiento de resina), este recubrimiento evita que la base de
papel absorba gran cantidad de químicos, permitiendo con esto que el tiempo de
lavado y secado sea menor, también evita que el papel pierda su forma al entrar en
los químicos, esto permite que el manejo del mismo sea menos cuidadoso y más
rápido. El tiempo de impresión de este papel es notablemente más rápido que en el
papel de fibra, aunque la calidad de las copias es ligeramente menor, pues los
grados de contraste y detalles en las sombras son menores.

Algunos nombres comerciales de papel:

Fibra: Kodak: Ilford: R.C.: Kodak: Ilford:

Azo - Polifiber Gallery Kodabrome Ilfordspeed
Kodabromide Polycontrast Multigrade
Ektalure - Elite
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Proceso de Revelado
Químicos:
Película: Papel:

1.- Revelador D-76 1.- Revelador Dektol

2.- Baño de Paro 2.- Baño de Paro
3.- Fijador Rápido 3.- Fijador Rápido
4.- Agente aclarador de hipo 4.- Hipo * (Solo en Fibra)
5.- Photo flo

Las cantidades totales de los químicos por tanque varían, dependiendo de la

cantidad de carretes que se usen, del tamaño del tanque y de los hábitos del
laboratorista. Normalmente si se usan tanques patterson, para 1 carrete se usaran
300ml de cada químico, y para 2 carretes, serán 600ml. de cada químico.
En el caso de los químicos que son diluidos será igual.

Tabla de Químicos

Si no encuentras el revelador “D-76” puedes utilizar el revelador Dektol, aunque es

para papel con la dilución correcta puede servirte por mientras consigues el
correcto, y puedes utilizar la siguiente tabla:
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Tabla de Revelado (película)

Charolas Revelado papel

Revelador Baño de Paro Fijador Lavado
Charola Charola Charola Charola
Beige Amarilla Blanca Roja
250 ml. Dektol 12 ml. B. P.
x X 1 litro de 2 litros de
500 ml. Agua 1 lt. Agua Fijador Agua

1,30 minutos 30 segundos De 1 a 2 2 Minutos

minutos

Un lavado final de 5:00 minutos con agua corriente.

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