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POLIFONÍA

Polifonía. Proviene de los vocablos griegos “polis,” muchos y de “phonos,” sonidos o melodías. Es
una textura que consiste en dos o más voces melódicas independientes, en oposición a la música
con tan sólo una voz (monotonía) o a la música con una voz melódica dominante acompañada por
acordes, que son en gran medida independientes o imitativas entre sí, de importancia similar y
ritmos diversos. El término es empleado usualmente en referencia a la música de finales de la
Edad Media y el Renacimiento.

ORIGEN DE LA POLIFONÍA

A la caída del Imperio romano, Europa, por decirlo de una manera, entró en una etapa de, relativo
oscurantismo, solo salvaguardado por la iglesia católica que conservó a través de sus diversos
monasterios localizados en todo el continente la escritura, fundamentalmente en latín. Esa labor
encomiable salvó para la humanidad la vinculación con el pasado greco romano y de paso
rescataron la notación musical que incorporaron en los cantos que acompañaban a las misas. Ese
tipo de música era monofónica, es decir que todas las voces cantaban las melodías al unísono.
Una expresión importante de esta etapa musical son los llamados cantos gregorianos

El nacimiento de la polifonía musical surge de manera consistente con la construcción de la


Catedral Notre Dame de Paris en el siglo XIII aunque ya antes habían existido algunos ejemplos de
polifonía, es decir canto con diferentes voces que ya no lo hacen necesariamente al unísono, como
lo indicaba Guido de Arezzo en el siglo XI en su tratado Micrologus. Pero es a partir de la música
que se interpreta en Notre Dame a partir de 1250 que se incluye de manera definitiva en la liturgia
cristiana la música polifónica

POLIFONIA EN LA MUSICA OCCIDENTAL

Renacimiento

En los siglos XV y especialmente en el XVI la polifonía alcanzó su cima gracias al trabajo de varias
generaciones de compositores de la escuela francoflamenca que dominó el arte musical del
Renacimiento. Los principales representantes de esta escuela son Guillaume Dufay, Josquin
Desprez, Orlando di Lasso y Johannes Ockeghem. Con el tiempo extendieron su arte por los
principales centros europeos, especialmente en Italia. Esta práctica musical fue criticada por la
iglesia alegando la falta de comprensión del texto. Según la leyenda[cita requerida] fue Palestrina
quien salvó a la polifonía de la prohibición papal aportando un método de composición más
sencillo. Durante la Reforma protestante en Alemania surge el coral luterano. Mientras que en
Inglaterra, Thomas Tallis desarrolla el estilo del anthem, un canto religioso en inglés para la liturgia
anglicana.
Barroco

Hacia 1600 las voces hasta entonces independientes de la polifonía empezaron a transformarse en
lo que entonces se llamó monodia, en la cual se distingue una melodía principal y el resto de voces
ejerce la función de mero acompañamiento. Esta nueva textura de melodía acompañada alcanza
un gran auge en el Barroco, si bien la polifonía no sólo no dejó de cultivarse, sino que alcanzó
nuevas cimas especialmente en la obra de Johann Sebastian Bach. A lo largo de la primera mitad
del siglo XVIII el contrapunto conoció un nuevo auge a través de la música de Bach y Händel, entre
otros. No obstante, este florecimiento se articulaba conforme a los presupuestos armónicos de las
tonalidades mayores y menores recién desarrolladas.

Las formas barrocas como la fuga, que podrían denominarse polifónicas en lugar de eso se suelen
describir como contrapuntísticas. Además, a diferencia de la terminología de las "especies" de
contrapunto, la polifonía era en general más bien "nota-contra-nota" / "punto-contra-punto" o
"altura-sostenida" en una voz, con melismas de diferentes duraciones en otra.12 En todos los
casos, la concepción era probable lo que Margaret Bent13 llama "contrapunto diádico", con cada
voz siendo escrita generalmente contra otra voz, con todas las voces modificadas al final si es
necesario. Esta concepción de punto-contra-punto se opone a la de "composición sucesiva",
donde las voces se escriben en un orden concreto en el que cada nueva voz encaja en el conjunto
construido hasta ese momento y que había sido asumido previamente.

Clasicismo y Romanticismo

En general, la polifonía fue dando paso a una música instrumental que favoreció una construcción
arquitectónica de frases musicales más largas dentro de una estructura periódica. La composición
de fugas se siguió practicando en el ámbito de la formación musical, sin embargo en la práctica
desempeñaba un papel menor. De hecho, la inclusión de pasajes polifónicos en las composiciones
a menudo se entiende como un uso de citas historicistas desde los grandes clásicos vieneses.
Durante los periodos clásico y romántico el contrapunto fue considerado una disciplina
escolástica, quedando relegado a los pasajes de desarrollo. El uso de polifonía llevaba aparejado
un matiz de erudición o de esoterismo.

Siglo XX

Un gran número de compositores del siglo XX, entre los que se encuentra por ejemplo Arnold
Schoenberg, decidieron rebelarse contra las convenciones musicales del sistema tonal asentadas
en la música clásica occidental. Por esta razón, en la búsqueda de nuevas vías resurge el interés
por el contrapunto, se reavivan las antiguas ideas de la polifonía junto con un nuevo tratamiento
de la disonancia.
Johann Joseph Fux
Hirtenfeld, 1660-Viena, 1741) Compositor y teórico musical austríaco. Escribió abundante música
religiosa (Misa canónica, 1708), dramática e instrumental. Su fama como teórico, aún en la
actualidad, se basa en su tratado de composición Gradus ad Parnassum (1725).

TRATADO DE CONTRAPUNTO

La obra de Fux representa la cúspide del Barroco austríaco y le supuso, incluso en vida, una fama
europea. Su estilo está marcado por un fuerte tradicionalismo (escritura polifónica) y al mismo
tiempo ofrece rasgos más modernos (estilo napolitano).

Fux debe parte de su renombre contemporáneo y póstumo a su tratado Gradus ad Parnassum,


que, planteando su estudio por "especies", sirvió de base para todos los tratados de contrapunto
hasta la época actual. Esta obra redactada en latín alcanzó un éxito considerable y fue traducida a
varias lenguas: alemán, francés, italiano, inglés; está escrita en forma de diálogo entre el maestro
(Aloisio, latinización de Luigi, en referencia a Palestrina) y el discípulo José (personificación del
propio Fux).

Es el tratado de contrapunto más completo de su tiempo y fue valorado como tal por algunos
compositores como Haydn (que trabajó meticulosamente cada uno de sus ejercicios), J.S. Bach,
Beethoven y Mozart (que fue instruido por su padre con dicho manual).

En la actualidad el teórico R. O. Morris durante todo el primer capítulo de su libro"Técnica


Contrapuntística del siglo XVI" critica el hecho de que aunque haya sido el Tratado de Fux el
tratado de "moda" en su época, tiene problemas serios de no hacer honor a Lassus y Palestrina y
por lo tanto a la realidad del Renacimiento, "en cuanto a las 5 especies, se necesita un abogado
más diestro que el presente autor para encontrar una defensa plausible a ellas. Causan daño
desmedido al declarar abiertamente que enseñan al estudiante la variedad del ritmo cuando en
realidad todo lo que admiten es una cierta variedad de figuras rítmicas dispuestas entre acentos
métricos que ocurren regularmente" (Morris,p.4) El libro de Fux fue objeto de exagerados halagos,
No se puede negar que el orden establecido en él para la progresividad del estudio es excelente,
racional y fundado sobre un sistema muy bueno de análisis del arte de la composición; de hecho
fue apreciado a tal punto que todos los tratados de contrapunto y fuga publicados posteriormente
repropusieron su esquema, si bien los detalles fueron perfeccionándose con el transcurso del
tiempo.

Este tratado sirvió también de fundamento teórico para la primera composición musical asistida
para ordenador, de L.Hiller y L. Isaacson en 1956.