UNIVERSIDAD DE LAS FUERZAS ARMADAS

NOMBRE: RENÉ YÁNEZ

HORARIO: MIERCOLES 9 30-11 30

FUNCIONES SOCIALES DEL ARTE

Resumen:

A principios del S. XXI (como continuación de los principios del siglo XX y sus vanguardias) el
arte se ha convertido para muchos en un fraude, en algo elitista, pocos lo entienden, y para algunos
ni siquiera existe; quizá estemos asistiendo a la desaparición del arte (al cumplimiento de la
predicción hegeliana de su muerte). Si esto fuera así no sería causado por la falta de
experimentación y de investigación en el plano estético, ni por la falta de necesidad que los
hombres y los pueblos tengan de éste, sino por la falta de compromiso político (entendido este en
sentido amplio) y por el abandono de los vínculos con el sentido, o los sentidos, más profundos
que toda sociedad tiene. Hoy por hoy su función no consiste en hacer magia sino en ilustrar y
estimular la acción. En los principios de la humanidad el arte tenía muy poco que ver con la
belleza y nada en absoluto con el deseo estético, era un instrumento mágico y un arma del
colectivo en la lucha por la supervivencia: una forma de vinculación emocional, rebosante de
sentido social y cósmico. Un mundo en crisis en distintos planos, sin valores estables, es decir:
un mundo en el que la realidad, pese al incremento tecnológico, sedes-optimiza socialmente cada
vez más. El capitalismo ha mercantilizado la obra de arte, ha aislado al arte y al artista de la
comunidad, y ha impedido el cumplimiento de su función social, esto es: el cumplimiento de la
optimización humana y social de ésta, como su valor más grande y genuino.

El capitalismo ha hecho que el arte pierda el carácter público que tenía en otras épocas, y le ha
transformado en mercancía de consumo individual, donde el valor del cambio es más importante
que su valor estético y por supuesto más que el comunicativo y documental. El arte, y la técnica
en general, han adquirido una naturaleza irresponsable y desaprensiva. El capitalismo es un
mercado consumidor económicamente poderoso y manipulado por intereses comerciales que
necesita renovar la oferta (ahí su debilidad), inventando modas transitorias que desnaturalizan la
creación estética y su función social. La moda actual del arte es la moda del arte-mercancía, cuyo
auge social responde a necesidades de tipo económico impuestas por la sociedad de consumo y
que nada tiene que ver con las necesidades sociales a que el arte está destinado. Desde el punto
de vista de las necesidades sociales el arte está llamado a perfilar y definir un estado de verdadero
bienestar colectivo, más aún: está llamado a perfilar y definir un bien ser comunal, colectivo, en
cuanto principio y fundamento del bien estar, como dice Julio Paleteiro.

En resumen, la función del arte en la sociedad es servir de guía y despejo en donde la sociedad
misma se pueda mirar y aprender, y encaminarse a sus fines, respetando sus primeros principios.
Su función es servir de narrador de la contemporaneidad. Debe y puede constituirse en un arma
de lucha no violenta, nacional y social, contra las jerarquías que indisponen a la sociedad y la
desgarran. Los creadores con conciencia de la frustración social y humana tienen la
responsabilidad y la obligación de insertarse en forma activa y militante en la lucha concreta y
cotidiana de las masas, creando en función de las urgencias de esa lucha. Pero sobre todo
propiciando nuevas articulaciones lingüísticas y contenidos para el arte. Por supuesto, esto
conlleva una cierta violencia; aunque en dicho caso se trate, no de violencia física, sino artística,
cultural. El arte es una elaboración colectiva, y la creatividad del autor consiste en su capacidad
de captarla y expresarla sintéticamente. Y hoy más que nunca dicha capacidad debe consistir en
recuperarla para la sociedad. Porque sobre todo, por citar nuevamente a Julio Paleteiro ,el
verdadero artista revolucionario deberá mostrar la naturaleza comunal de su pensamiento y su
lenguaje al tratar incluso de las más nimias anécdotas.
Análisis:

Las artes visuales surgieron desde los periodos Paleolítico y Neolítico como una necesidad, en el
primer periodo se representaban escenas de caza, el hombre, investigador por naturaleza descubre
los primeros pigmentos minerales y orgánicos, que han permanecido por milenios; en el Neolítico,
ya se encontraban signos ideográficos, el arte tiende a fijar una idea, un concepto, a crear símbolos
en lugar de imágenes, desde sus orígenes el arte tiende a comunicar; aunque en forma empírica,
en estos periodos fueron cuidadosos de las proporciones, no tenían un método de medición, pero
en las pinturas rupestres podemos observar que las extremidades superiores e inferiores, coinciden
con las del hombre actual.

Por su parte, en Grecia, maduraron las más importantes conquistas naturalistas, la escultura y la
pintura se integraron a la arquitectura, se acentuó la tridimensionalidad y la perspectiva, y se
interesan como los egipcios en las proporciones del cuerpo humano, su aplicación hace posible
acentuar su carácter peculiar, de donde surge el estilo que caracteriza a cada cultura. En Grecia,
con Aristóteles, apareció la idea de catarsis o purificación, los fines del arte eran didácticos,
pretendían poner al hombre frente a su realidad, buscando prevenir o dar solución a los problemas
sociales, políticos, etc.

Con el Renacimiento, la obra de arte se convirtió en una forma de expresión, donde se mostraba
una visión de la realidad abierta a nuevas experiencias. En los talleres artesanales los discípulos
se dedicaban a la labor de la copia, iniciando con esto la producción de mercancías; el arte del
primer Renacimiento conservó un carácter artesano que se acomodaba al encargo del cliente, la
nobleza, la burguesía y la curia pontificia aparecían en el primer plano del mercado del arte.

En los inicios del Renacimiento el taller artístico estaba dominado por el espíritu comunal y del
gremio; para realizar trabajos monumentales, sobre todo esculturas, se organizaron fábricas de
tipo industrial donde se trabajó con muchos colaboradores y obreros. El método científico de la
educación artística se inició en los mismos talleres en los comienzos del Quattrocento, los
aprendices recibieron junto a la enseñanza práctica, fundamentos de perspectiva y de geometría;
Leonardo Da Vinci estudioso del arte Griego y Romano retoma los aportes que considera
importantes de estas culturas; Da Vinci, pintor, escultor, inventor, investigador, escritor y
científico, contribuye con valiosas aportaciones para la posteridad, entre sus obras mencionaré su
"Tratado de Anatomía" y "Tratado de la Pintura" con Luca Paccioli realiza estudios de Álgebra,
y le ilustra su tratado de Matemáticas "la Divina Proporción".

La concepción científica del arte, que constituyó el fundamento de la enseñanza académica,

comenzó con León Battista Alberti, fue el primero en expresar la idea que las matemáticas son el
centro del arte y la ciencia, porque la enseñanza sobre la composición es disciplina matemática.
En este proceso evolutivo de las artes se dio importancia a la apariencia externa de la forma, se
llegó indudablemente a la perfección de la misma pero no se logró penetrar en la esencia o
contenido, lo que sí se está logrando en el arte moderno y contemporáneo, esto justifica y obliga
en la enseñanza de las artes visuales a ofrecer una sólida formación teórica y ética.
 UNIVERSIDAD DE LAS FUERZAS ARMADAS

NOMBRE: RENÉ YÁNEZ

HORARIO: MIERCOLES 9 30-11 30

COLLAGE

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un tono
unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a
cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene
del francés coller, que significa pegar. En español es recomendable utilizar la palabra colaje, de
la que ya existe el derivado bricolaje, pues según la RAE las palabras provenientes del francés
que acaben en "age" deben de españolizarse en "aje".

Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al parecer el dadaísta
Marcel Duchamp: el «objeto encontrado», según la cual cualquier cosa que elige un artista es
sacralizada como «arte», desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que
le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de «objetos encontrados» o collage hay sólo un
paso.

El collage ha sido usado, pues,en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo,
Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo... Artistas plásticos que frecuentemente han
usado esta técnica incluyen a Max Ernst, Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray,
Raoul Hausmann, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto
Gironella. Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en
la difusión de sus trabajos. Existen nuevos grupos literarios que están implementando el collage
colectivo como técnica de composición de textos.

CARACTERÍSTICAS:

Unas de las características que tiene esta técnica, es que se puede cambiar con otras.

Generalmente utilizan collage en el dibujo y en la pintura. Los futuristas y dadaístas desarrollaron

e incorporaron distintas formas de aplicar collage. Toda esta en la imaginación y en la correcta
selección de los materiales para desarrollar un collage original. En la actualidad existen diversas
formas de realizar collage, pero solo tres son las más usadas. Dichas aplicaciones son:

· Collage con papel y cartulina

· Collage con materiales sólidos