UNIVERSIDAD NACIONAL JOSÉ FAUSTINO

SÁNCHEZ CARRIÓN

CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN

HISTORIA DE LA COMUNICACIÓN

EL CINE

ACUÑA QUISPE, Anyela Mariseth

APOLINARIO COLÁN, Christian Jair

ESPINOZA SUSANIBAR, Milagros Estefany

VEGA SÁNCHEZ, Andrew Elar

A nuestros compañeros de Aula,
Futuros colegas.
ÍNDICE
INTRODUCCIÓN. ...................................................................................................................................... 1
HISTORIA ................................................................................................................................................. 2
ELEMENTOS DEL CINE ........................................................................................................................... 11
COMERCIALIZACIÓN .............................................................................................................................. 14
CONSECUENCIAS ................................................................................................................................... 20
CONCLUSIONES. .................................................................................................................................... 22
RECOMENDACIONES ............................................................................................................................. 23
ANEXOS ................................................................................................................................................. 24
FUENTES BIBLIOGRAFICAS..................................................................................................................... 25
 INTRODUCCIÓN.

El cine es considerado el séptimo arte y desde comienzos del siglo XX ha buscado el

perfeccionamiento de éste mismo. El cine nos ha abierto puertas a mundos
inimaginables y a su vez transmite emociones a los espectadores, que llegan a sus
corazones por un sentimiento de identificación con los protagonistas. Así mismo su
propio lenguaje ha ido evolucionando conforme al tiempo, provocando así una mayor
libertad de expresión en cuanto contenido narrativo y las imágenes, incitando a que el
arte tenga una amplia visión del mundo y pueda expresarla de esa manera.

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HISTORIA

 Origen

El cine está muy ligado a lo que es el fenómeno phi y el fenómeno de persistencia de

la visión. En 1870 un criador de caballos de carrera llamado Leland Standfor quería
demostrar que, en algún momento del galope de éste, sus cuatro patas se separaban
del suelo. El movimiento era imperceptible para el ojo humano por lo rápido que era,
así que contrató al fotógrafo Eadweard Muybridge para capturar dicho susceso.

Tras muchos meses de intentos frustrados Muybridge decidió poner una hilera de
cámaras en la pista de carreras de un hipódromo, éstas serían activadas por un hilo
que cruzaba la pista y que serían tiradas por las patas del caballo. Al poner estas fotos
en un cilindro rotario daba la impresión de que el caballo estaba galopando como en
un taumátropo.

Hubo otros prototipos realizados de manera individual por distintos personajes como
por ejemplo Étienne-Jules Marie con su fusil cronofotográfico. Que fue utilizado, una
vez más, para captar movimientos demasiado rápidos para el ojo humano, en este
caso el movimiento que se quería capturar era el de las alas de un pájaro en vuelo.

La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada
por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del siglo XIX. Pero el
grabado de estas era muy poco convencional. Se usaba papel o plástico para grabar
duchas imágenes y poder reproducirlas luego. En 1887 un ministro episcopal llamado
Hannibal Goodwin desarrolló la de utilizar celulosa para para las emulsiones
fotográficas y fue el inventor George Eastman quien logró manufacturar los rollos de
celulosa, dando así un material elástico, resistente y duradero. Edison logra inventar
una cámara compatible con este material dos años más tarde.

Thomas Edison inventó el primer estudio cinematográfico llamado “Black Maria”. Era
una caja negra gigante rotatoria, donde se usaba usó un Kinetógrafo, también
inventado por él y Dickson, para grabar sus películas. Esta caja giraba en dirección al
sol con el objetivo de conseguir la mayor cantidad de luz posible. Después de grabar
las cintas estas se proyectaban por un Kinetoscopio. A pesar que el aparato
funcionaba no captó mucha atención debido a lo poco práctico que implicaba su uso,
ya que se tenía que usar un objeto para grabar y otro para reproducir y cada uno de

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estos tenía un peso considerable. Sin embargo, el avance tecnológico del kinetógrafo
no pasó por alto. Era capaz de grabar imágenes a 40 cuadros por segundo.

Los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo:
este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de
imágenes en movimiento; el espectáculo público derivado de la exhibición del
funcionamiento del aparato.

La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895, en París, y consistió en una

serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerdan aquella en la que
aparecen los trabajadores saliendo una fábrica (propiedad de los mismos Lumière), y
la de un tren llegando a la estación de Ciotat, ante estas imágenes las personas
reaccionaron con un instintivo pavor, creyendo que el tren los atropellara. La función
de las primeras "películas" era mayormente documental, con el agregado del
movimiento. Tiempo después lograron el primer film argumental de la historia, El
regador regado.

 UN NUEVO ARTE.

Por un tiempo el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria
que al poco tiempo se volvió aburrido, además, la técnica no había resuelto el
problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un
relator (ver cine mudo). Pero el puntapié inicial para realizar historias y experimentar
recursos narrativos visuales fue cuando Georges Méliès, un ilusionista que en
principio usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos pero
luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios —pero eficaces— efectos
especiales. Los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el
invento ofrecía y fue así como en la primera década del siglo XX surgieron múltiples
pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época,
los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y
tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata.
Gracias a Méliès el cine captó la atención de un público más serio. Lamentablemente
muchas de sus películas se perdieron, pero una de sus películas más recordadas es
“Viaje a la Luna (1902)”.

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Cabe resaltar que Francia fue el país que apoyó más al cine como forma de arte. Es
por eso que también se convirtió en el país que más películas producía hasta la
aparición de “Hollywood”. Tiempo después se empezaron a abrir pequeñas salas de
cine en Francia y luego alrededor del mundo llamados “Nickelodeons”.

En este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia

ficción, históricas o de época); el género ausente fue, por supuesto, la comedia
musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro. También en la época
se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las
adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la
creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.

Con la aparición de Hollywood y las grandes productoras cinematográficas el cine dejó

de ser un tipo de entretenimiento popular para traer el glamour y la exclusividad a sus
estrenos. Los Nickelodeons fueron reemplazados por los Palacios de Cine. Eran
edificios gigantes y sumamente elegantes con temáticas variadas (Cine Egipcio
Grauman o Teatro Chino Grauman). Los estrenos en estas salas generalmente eran
espectáculos magníficos a en donde asistían figuras importantes de la época como
invitados especiales.

El 16 de mayo de 1929 en el Hollywood Roosevelt Hotel de Los Ángeles se celebró la

primera ceremonia de los premios Oscar. Esto marcó un antes y un después en la
manera en que el cine era visto ya que empezó a ganar aún más prestigio y desde
entonces esta es la premiación más importante, la misma que se lleva celebrando por
más de 85 años.

 HOLLYWOOD

Hollywood es conocido mundialmente como la meca del cine. Sus orígenes se

remontan al año 1910, cuando el infame director, padre del cine moderno, David
Griffith es enviado al oeste de Estados Unidos para filmar una película. El terreno era
favorable ya que era baldío y facilitaba la construcción de sets de grabación. Una vez
la noticia de este terreno se divulgó en el este y para el año 1913 muchos encargados
de cine se dirigieron al oeste para evitar las tasas impuestas por Thomas Edison, quien
tenía la propiedad de las patentes del cinematógrafo. Hollywood prosperó en la
industria del cine gracias al clima suave y variado, la luz favorable con la que se podía
contar la mayor parte del tiempo del año y la variedad de paisajes.

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  EVOLUCIÓN

El cine ha ido evolucionando desde sus inicios con el cinematógrafo hasta las actuales
películas de 3D; esto es en cuanto a la parte técnica, pero por el escenario de la
cinematografía han pasado actores que han deleitado a más de tres generaciones de
apasionados espectadores.

A partir de aquel momento la historia del cine sería una sucesión incesante de ideas
geniales y mejoras decisivas. Aparte de la gran revolución que provocó la invención
del cine sonoro, otras innovaciones fueron transcendentales.

Pero sin duda alguna, una de las más importantes dentro de la evolución del cine fue
la invención del cine en color. Esta mejora, aunque al principio no era de gran
calidad, marcó un hito en la historia del cine, que ya nunca volvería a ser igual que
antes.

Lo mismo que sucediera con la fotografía se comenzó coloreando las películas a

mano, imagen por imagen. A partir de 1900 las casas francesas Mélies y Pathé
comenzaron a hacerlo por procedimientos mecánicos. Pero aún tuvieron que pasar
unos pocos años más para que se inventaran sistema de filmación en color.

La evolución también ha constado de aspectos directivos Alfred Hitchcock y otra de

Woody Allen, y se aprecia al instante que es totalmente distinto el esquema de
cinematografía y la maqueta de filmación. También los temarios de las películas han
ido expandiéndose y abriéndose a ramas diversas (ej.: comedia romántica de acción).
Un reto que a primera vista parece difícil, aunque algunos han conseguido crear.

Según Jean Vivien el cine es una “conjunción de técnicas para obtener, por
proyección luminosa, la restitución del movimiento registrados
fotográficamente”

El cine supuso una labor compleja pues fue la convergencia de tres áreas de
investigación científica entre las que se encuentra: estereoscopia (investigación de la
resistencia retiniana), y la fotografía.

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La persistencia retiniana es un fenómeno fisiológico natural que permite al ojo recordar
la imagen que ha visto y mantenerlas 1/10 de segundos. Es la anomalía del ojo humano
sobre la que se basa el cine.

 CINE MUDO

Durante los primeros 30 años las películas fueron completamente mudas. Suele
hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto,
aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes
en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban
acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además
comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que
multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la
película.

 La creación del lenguaje cinematográfico.

En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución.
Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los
escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A
medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy
parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en
ángulo picado o contrapicado, pero que en esa época eran ideas revolucionarias.
También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra
especialmente de los filmes históricos rodados en Italia en la década de los años diez
(Quo vadis? o Cabiria).

Con el paso del tiempo la técnica para contar historias se fue perfeccionando, uno de
los mayores avances en este fueron los cortes de transición de escenas, que se
aprecia en la película “Vida de un Bombero Americano (1903)” que fue re montada
años más tarde por el director Edwin S. Porter.

Uno de los grandes innovadores de esta época fue Charles Chaplin, quien en su debut
con la película “El niño” logró humanizar la comedia, que era el género más importante
en la época del cine mudo.

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  David Griffith.

Se le atribuye la invención del primer plano y considerado el padre del cine moderno.
Griffith introdujo la intensidad psicológica con el uso de la cámara y también la
grabación en exteriores y que a su vez logró introducir referencias del mundo exterior
en las escenas. Estos elementos se pueden apreciar en su película “Las dos
tormentas” de 1920.

La hecatombe llegó con la película “El Nacimiento de una Nación” en donde se

muestran detalles tan sutiles desde el amor materno hasta ideas de índoles racistas,
siendo este último más marcado. En la sala donde se proyectaba la película muchos
espectadores negros fueron apaleados.

 CINE SONORO

El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o

tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte, el cine mudo es aquel que
no posee sonido, y consiste únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine
sonoro, los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine
nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo,
los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que
acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia 1926, el cine
mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen
y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood,
y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los
personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario.

Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico
francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles
Pathé combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma época, León
Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en
la Exposición Universal de París de 1900.

Según la publicación Where Else but Pittsburgh, la primera película de cine épica se
llamó Fotodrama de la Creación, y aunque apareció 15 años antes que se produjeran

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otras películas sonoras, ofreció una combinación de películas cinematográficas y
fotografías sincronizadas con un discurso grabado. Se dividía en cuatro partes, duraba
un total de ocho horas y la vieron aproximadamente 8 millones de personas.

Esta producción estaba compuesta de diapositivas fotográficas y película

cinematográfica, acompañadas de discos fonográficos de discursos y música. El
"Anuario De Los Testigos De Jehova" de 1979 aseguró: «Hubo que pintar a mano
todas las diapositivas y películas de color. El foto-drama duraba ocho horas, y, en
cuatro partes, llevaba a los auditorios desde la creación, a través de la historia
humana, y hasta la culminación del propósito de Jehová para la Tierra y el género
humano al fin del reinado milenario de Jesucristo». Fue una producción de la entonces
llamada Asociación Internacional de los Estudiantes de la Biblia y hoy
llamada Testigos de Jehová. Todos los asientos eran gratis y jamás se hacía una
colecta. Además, esta producción de color y sonido repleta de hechos bíblicos,
científicos e históricos entró en la escena años antes de que las películas
cinematográficas comerciales de color y de largometraje acompañadas de diálogo
grabado y música fueran vistas por los auditorios en general hasta principios de la
década de 1920.

En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en

el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado por el
ingeniero Lee de Forest, quien resolvió los problemas de sincronización
y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película; así, rodó
18 cortos para promover la técnica, entre ellos uno de 11 minutos de Concha Piquer,
que se considera la primera película sonora en español. No obstante, por falta de
financiamiento el invento se postergó hasta 1925, año en que la compañía Western
Electric apostó por él.

En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación financiera

delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido Vitaphone, sistema en
el cual la banda sonora estaba presente en discos sincronizados con la proyección.
Se incorporó por primera vez en una producción comercial titulada Don Juan (1926)
de Alan Crosland, así como en otra de sus películas, Old San Francisco (1927). En
ésta incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo, la película
sonora más exitosa fue El cantante de jazz (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó
pronunciando las palabras inaugurales: «Ustedes aún no han escuchado nada». Ante

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el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y
el cine mudo quedó olvidado.

La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión

cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad, quedó relegada a la
posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética frente a la mayor
importancia del diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio
técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus
carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto,
surgieron nuevos actores en su reemplazo. Dos películas que retratan esta transición
del cine mudo al sonoro son el famoso musical Cantando bajo la lluvia (1952) y
también la película El artista (2011), esta última con el estilo de una película muda en
blanco y negro.

Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido
fue Charles Chaplin, con Tiempos modernos (1936). Y, sin embargo, a partir
de 1940 comenzó a realizar películas con sonido, la primera de las cuales fue El gran
dictador. Así mismo, Sergei Eisenstein, Vsévolod Pudovkin y Grigori
Aleksandrov manifestaron en 1928 por escrito su negativa al cine sonoro.

El cine sonoro hizo desaparecer la función que cumplía el conjunto musical al

acompañar el visionado del cine mudo. El silencio cobra importancia como nuevo
elemento dramático desconocido por el cine mudo. Se introduce el concepto de banda
sonora.

 CINE EN COLOR

Anteriormente se creía que el año 1909, en el teatro Palace-Varieté de Londres, se

proyectaron por primera vez películas en color (el principal problema era que la técnica
creada por George Smith (cinemacolor), sólo utilizaba dos colores: el verde y el rojo -
los cuales se mezclaban de manera aditiva-). Pero en realidad, fue en 1901 cuando
se creó la primera película en color de la historia. Sin título, fue dirigida por el
fotógrafo Edward Turner y su mecenas Frederick Marshall Lee. La manera en que la
realizaron fue, rodar las escenas en blanco y negro, para después añadir filtros verdes,
rojos y azules. Finalmente se creaba uniendo el metraje original y los filtros en un
proyector especial.

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Posteriormente, en 1916, llegó el technicolor (procedimiento tricromático (verde, rojo,
azul). Su uso exigía una triple impresión fotográfica, incorporación de filtros cromáticos
y unas cámaras de enormes dimensiones). La primera pieza audiovisual que se
realizó completamente con esta técnica fue el corto de Walt Disney Flowers and
Trees, dirigida por Burt Gillett 1932. Sin embargo, el primer largometraje que se
realizará con esta técnica será la por película La feria de las vanidades (1935), de
Rouben Mamoulian. Posteriormente, el technicolor se extendió sobre todo en el
ámbito musical como el El mago de Oz o Cantando bajo la lluvia, en películas de la
época como Robin de los bosques o en la animación, Blancanieves y los siete
enanitos.

 CINE DIGITAL

El 2 de febrero de 2000, en París, Philippe Binant realizó la primera proyección pública

de cine digital de Europa, fundada sobre la aplicación de un MEMS (DLP CINEMA)
desarrollado por Texas Instrumentos.

Con la rápida difusión del digital y la proliferación de formatos, el Digital Cinema

Iniciativas (DCI), trabajando junto con miembros del comité SMPTE de protocolos,
publicó un sistema de especificaciones que han adoptado las mayores productoras
estadounidenses. Resumiendo, los protocolos indican que las imágenes sean
codificadas con el estándar ISO/IEC 15444-1 "JPEG2000" (.jp2) y que se use el
espacio de color CIE XYZ a 12 bits por componentes codificado en una gama de 1/2.6;
que para el audio se utilice el formato “Broadcast Wave” (.wav) a 24 bits; también
hablan del cifrado y otros detalles técnicos.

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ELEMENTOS DEL CINE

1. GENEROS CINEMATOGRAFICOS

Los géneros cinematográficos, como los géneros de otros campos artísticos, tienen
su primer origen en la cultura clásica. Los dos géneros mayores
griegos: comedia y tragedia; uno de estilo ligero, tema aparentemente superficial
y final feliz, y el otro afectado, profundo y de triste desenlace. Estos géneros se
fueron diversificando en el teatro, y los primeros largometrajes los intentaron imitar.
Sin embargo, las posibilidades del cine lo desmarcaron completamente de los
géneros tradicionales, creando nuevos géneros caracterizados por la escasa
complejidad de su regulación.

 CLASIFICACION

 Acción — cuyo argumento implica una interacción moral entre el «bien» y el

«mal» llevada a su fin por la violencia o la fuerza física.
 Ciencia ficción — se basa en un futuro cercano o muy lejano, donde se logra
ver el avance de la tecnología y como ejecuta este en la historia.
 Comedia — películas realizadas con la intención de provocar humor,
entretenimiento y/o risa en el espectador.
 Drama — en el cine, películas que se centran principalmente en el desarrollo
de un conflicto entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o
consigo mismo.1
 Fantasía — lo contrario a la ciencia ficción. La inexistencia de la tecnología nos
da a entender que sucede en un tiempo pasado. La magia y animales
mitológicos o sucesos sin una explicación lógica forman parte de este mundo.
 Melodrama — tiene una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva,
atendiendo al gusto de cada persona.
 Musical — contienen interrupciones en su desarrollo, para dar un breve receso
por medio de un fragmento musical cantado o acompañados de una
coreografía.
 Romance — un desarrollo romántico o amoroso entre dos personas.

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  Suspense (España)/suspenso (América) — realizadas con la intención de
provocar tensión en el espectador. También suele utilizarse la
palabra thriller para designar películas de este tipo, aunque hay sutiles
diferencias.
 Terror — realizadas con la intención de provocar tensión, miedo y/o el
sobresalto en la audiencia.
Por su ambientación o tema

 Bélico — campos de batalla y posiciones que pertenecen a un tiempo de

guerra.
 Ciencia ficción — presentan la progresión de lo desconocido a lo conocido por
el descubrimiento de una serie de enigmas, donde el espacio es dominado por
el hombre o civilizaciones de un posible futuro.
 Cine catástrofe —el tema principal es una gran catástrofe para la humanidad
(por ejemplo grandes incendios, terremotos, naufragios, grandes erupciones
volcánicas, invasiones extraterrestres, pandemias de enfermedades o una
hipotética colisión de un asteroide contra la Tierra).
 Cine de explotación— se caracteriza por filmar un tema escabroso,
sensacionalista o moralmente inaceptable.
 Fantasía — contienen hechos, mundos, criaturas o cosas míticas, que
provienen únicamente de la imaginación de su autor.
 Histórico — la acción de estas películas ocurre en el pasado, a menudo con
intención de recreación histórica.
 Policíaco — la derrota del «Mal» en el contexto de la actividad criminal.
 Pornográfico — contiene escenas sexuales explícitas.
 Western — del período colonial a la era moderna de los Estados Unidos de
América, a menudo mitificándolos.
Por su formato o producción

 Animación — películas compuestas por fotogramas dibujados a mano que,

pasados rápidamente, producen ilusión de movimiento gracias al principio
de persistencia de la visión. También se incluyen aquí las películas generadas
mediante animación en volumen o las que recurren íntegramente al uso de
la animación por computadora.

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  Cine de serie B — así era llamado el cine de baja producción realizado entre
los años 1930 y 1960, cuando el público podía ver dos o tres películas por un
mismo boleto.
 Cine negro/film — mayormente explotado después de la II Guerra Mundial,
donde el protagonista es un antihéroe, casi siempre vinculado a una femme
fatale.
 Cine silente/mudo — característica de los primeros filmes (1895-1937), los
cuales no grababan sonido en la cinta de video.
 Cine sonoro— primeros filmes en integrar audio y video en la misma cinta,
entre 1927 y 1937.
 Imagen real — en oposición a la animación, películas filmadas en tiempo real
con actores reales, de «carne y hueso».
De culto
 El término película de culto hace referencia a un tipo de película que atrae a un
pequeño grupo de devotos o aficionados o aquella que sigue siendo popular
con el paso de los años entre un pequeño grupo de seguidores. Con frecuencia
la película no llega a alcanzar el éxito en su estreno, aunque no siempre es el
caso. Algunas veces la respuesta de la audiencia a una película de culto es
algo diferente a lo que pretendían los creadores. Es normal que una película
de culto presente elementos inusuales o extraños.

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COMERCIALIZACIÓN

En 1927 las grandes productoras decidieron hacer espionaje industrial a la Warner, la

cual había decidido hacer sólo películas habladas. Paramount, Metro Goldwin Mayer
y United Artisits se reúnen en un consejo para estudiar la situación y encargan una
auditoría. Para ello se crea un comité de sabios entre las personas más relevantes de
Hollywood y en ese mismo año se crea también la Academia de Cine.

Este comité decide que hay que dar el salto al cine sonoro, porque si no será imposible
competir. Esto podría ser el caos si cada productora, exhibidora… trabajase con una
patente diferente; el comité decidió qué sistema iban a utilizar las majors. La RCA
sacó otro sistema, el Photophone, también óptico pero no compatible con el
Movietone. El comité de sabios decide que el sistema que más calidad ofrece es el
Movietone, así que en mayo de 1928 la mayoría de las majors deciden trabajar con
este sistema.

Esto provocó que la AT&T incrementara sus acciones y que la RCA estuviese
dispuesta a competir con ellos, para lo cual se alió con una pequeña empresa, la Keith
Albee Orpheum, creando así la RKO, productora de Ciudadano Kane. Esta nueva
productora, dirigida por el padre de Kennedy, se caracterizaría por realizar películas
de mayor pretendida calidad.

La mayoría de salas exigieron a sus productoras y distribuidoras un equipo para la

exhibición de películas sonoras. Entre 1928-1930 la implantación del sonido se hizo
de forma gradual. En 1930 pasó a hacerse de forma exponencial y todas las salas
cuenta con un equipo de sonoro.

Junto a los sistemas americanos que tratan de imponerse en el resto del mundo,
surgen algunos otros en distintos países; de ellos el que más calidad ofrecía era el
sistema óptico alemán Triergón. Este sistema consigue implantarse en la mayoría de
salas de Europa, respaldado por la UFA, pero no puede competir con Estados Unidos,
aunque era una amenaza. Las majors deciden pactar con la UFA para repartirse
Europa.

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Los espectadores a partir de 1929-1930 se decantan por las películas sonoras,
aunque también hubo oposición por parte de ciertos sectores como la intelectualidad
española (salvo figuras como Gómez de la Serna, que se entusiasmó con el invento
e invirtió su dinero en él)

Durante el periodo de 1924-1930, el cine sonoro era más una cuestión económica,
por lo que el crack de la Bolsa de 1929 tuvo repercusiones. El desarrollo enorme del
sonido coincidió con el peor momento económico de Estados Unidos y fue una suerte
que el paso del cine mudo al sonoro se produjese justo antes del crack, lo cual
benefició enormemente a las productoras.

Hasta 1930 el éxito del cine estaba compartido por muchos países, no sólo por
Estados Unidos; Alemania, URSS, Italia y Francia contaban con una potente industria
cinematográfica. Con el desarrollo del sistema de cine sonoro Estados Unidos se
colocó a la cabeza y aseguró su primacía, convirtiéndose así en la primera industria
del cine. La década de los 30 está considerada como la “edad de oro” del cine
americano y, de hecho, el único lenguaje cinematográfico clásico que existe es el
lenguaje del cine clásico de Hollywood.

1. IMPLICACIONES ARTÍSTICAS Y CREATIVAS

La pregunta que se plantea en este momento es ¿era necesario el cambio? El sonido

genera una gran expectativa social, los productores, periodistas especializados…
Estaban muy interesados en generar y potenciar este cambio, que implicaría a todos
los equipos de cine, especialmente a dirección, interpretación y fotografía. Pero son
los espectadores los que más expectativas van a tener con el cambio (en Madrid, una
de las primeras proyecciones de cine sonoro fue un gallo cacareando y la gente iba
en masa a verlo)

Pero también hubo un problema, y es que había un sector que tuvo miedo de que el
cine se convirtiera en un arte intelectual, sobre todo los productores (esto ya sucedió
en la época del mudo con el film d´art, que consistía en la representación de obras de
teatro, pero fracasó) Otro problema fue que a América llegaban muchos inmigrantes
que no sabían inglés, los productores tenían miedo de perder a este público. Al final
no se dio ninguna de esta situación y el cine se hizo incluso más sencillo.

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En Hollywood se esfuerzan en hacer musicales con los que no sólo no se pierden
espectadores, sino que además se aumentan. Al pasar a hacer más musicales, hubo
que cambiar a actores que supiesen cantar y éstos no estaban en Hollywood, sino en
Broadway. Se dice que en estos primeros años del sonoro llegaron a Hollywood
aproximadamente unos tres mil actores de Broadway. Los actores de cine mudo los
rechazaban porque eran su competencia directa, y muchos perdieron sus trabajos.
Todos los departamentos cinematográficos se vieron afectados por el paso al cine
sonoro.

 Dirección: La mayoría de directores del periodo mudo habían aprendido

entrando directamente en la industria, eran autodidactas, por lo que estaban
abiertos al cambio. Los autores que pasaron del mudo al sonoro fueron los más
versátiles, autodidactas y predispuestos al cambio; por ejemplo Manuel de
Oliveira rodó su primera película muda y las demás sonoras. Los directores se
dieron cuenta de que tenían que dirigir a los actores, no sólo atender a los
gestos.

Surgió el fenómeno de las talkies, películas parlantes en las que se hablaba de

cualquier cosa sin importar el tema, lo único que importaba era que los actores
estuviesen hablando todo el rato. Como el micrófono tenía que estar escondido
la puesta en escena se organizaba en función de esto, por lo que solían ser
muy estáticas. Se daban algunas situaciones absurdas para una película, como
que hubiese unos personajes sentados alrededor de una mesa hablándole al
florero que había en el centro, donde se escondía el micrófono. Esto se
mantuvo así hasta finales de los años 30 y los directores sintieron rechazo a
este tipo de películas (no al cine sonoro) Se dieron cuenta también de que el
sonido suponía un gran avance a la hora de crear el espacio fuera de campo.

LOS DIRECTORES CLÁSICOS:

John Ford: hace El hombre que mató a Liberty Valance, una película muy
importante que viene a decir que todo es una mentira. En si es una película de
lenguaje clásico (se cuenta la leyenda del hombre que mató a Liberty Valance)
pero en realidad no lo es porque en el lenguaje clásico se debe contar la verdad
y en esta película esto no ocurre (la leyenda es mentira pero se impone)

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 Billy Wilder: en este periodo hace muy buenas películas, como El
apartamento, Irma la dulce o Uno, dos, tres. Una de las cosas que lo convierten
en manierista es el ritmo, que lo acelera tanto que se vuelve frenético (Ej.: Irma
la dulce)

William Wyler: El coleccionista, película muy interesante en la que un tipo

secuestra a una mujer y la encierra en un sótano. El protagonista es un
perturbado. Exagera las cualidades de su estilo, el tratamiento de los
personajes.

 Interpretación: Durante el periodo mudo llegaron muchos actores extranjeros

a Estados Unidos; algunos sabían inglés y otros no. Tampoco los americanos
eran actores de verdad, no habían recibido lecciones y se basaban en lo que
conocían, el teatro y la pantomima. Con la llegada del sonoro hubo una gran
criba de actores por problemas de fotogenia (acento, dicción, no saber inglés,
etc.) y además para muchos era imposible aprenderse el texto. Esta situación
se refleja muy bien en dos películas: Cantando bajo la lluvia y El crepúsculo de
los dioses. Uno de los actores consagrados del cine mudo que no logró
adaptarse al cambio fue Buster Keaton, ya que todo el encanto de sus películas
estaba en que no podía reírse (por contrato tampoco podía hacerlo en público,
lo que lo llevó a una depresión) un personaje tan soso no encajaba en el cine
sonoro.

 Guionistas: Los productores compraron todas las obras de Broadway, pero

aun así no eran suficientes para mantener la enorme producción
hollywoodiense. Los guionistas hasta entonces se limitaban a hacer una trama
y ahora se tenían que enfrentar a situaciones más complejas y con diálogos.
En la década de los 40-50 surge el guión literario. Antes eran los directores los
que se encargaban de hacer los guiones técnicos, guiones de hierro, porque
los planos eran lo más importante. Al principio a los guionistas se les pedía que
escribiesen muchos diálogos y pasarán a tener en cuenta los géneros. Uno de
los más importantes guionistas de esta época fue Ernst Lubitsch, mentor de
Billy Wilder e incluso de Woody Allen. Fue un maestro en las comedias de alta

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 sociedad y líos de faldas, con un humor muy peculiar, diálogos indirectos y
sugeridos; en su época sus películas resultaban escandalosas, aunque hoy en
día nos cueste mucho seguir su humor. Juega constantemente con el doble
sentido y realizó también algunos musicales.

 Fotografía y cámara: Hasta que llegó el sonido el director de fotografía era la

gran estrella del rodaje junto con los actores. Era el que más tiempo de rodaje
gastaba y el que había conseguido mayores avances en el lenguaje
cinematográfico. Los grandes movimientos artísticos se caracterizaban por una
fotografía determinada (como por ejemplo el Expresionismo alemán) El director
de fotografía, junto con el operador de cámara, había conseguido hacer casi
cualquier movimiento (por ejemplo, en Napoleón de Abel Gance) La cámara se
movía con total libertad, por lo que se hacía una planificación muy moderna que
permitía movimientos larguísimos y otros recursos. Con la llegada del sonido
esto cambió radicalmente porque la cámara hacía mucho ruido que había que
aislar; para ello se metía la cámara en una pecera, pasando a ser una cámara
fija, con lo que se perdió buena parte del lenguaje cinematográfico.

También los estudios tuvieron que ser remodelados para aislar los sonidos. Se
volvieron a construir atendiendo a las necesidades del sonido y no de la
iluminación. Muchos estudios que eran de cristal, fueron demolidos y se pasó
de la luz natural a la iluminación artificial. En el rodaje se perdía más tiempo en
preparar el sonido que la iluminación y las películas eran muy estáticas, con
una iluminación muy pobre.

Se decidió que había que cambiar esto para salvar el cine (porque grabar a
gente hablándole a un florero no es cine) Howard Hawks inventó un aparato
para poder mover la cámara junto con toda la pecera. Por otro lado, un grupo
de directores decidió rodar una parte de la película muda y luego sonorizarla
en el estudio, para así poder mover la cámara e iluminar adecuadamente,
mientras que la parte dialogada rodada con sonido tenía que ser estática.

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 Sonido: Este departamento no existía antes y la mayoría de gente no era del
cine, sino que provenían de la radio principalmente. Los primeros micrófonos y
equipos de sonido eran de muy baja calidad. Este departamento se convirtió
en la estrella de la producción cinematográfica, son ellos los que deciden si un
actor tiene o no buena voz. Los técnicos de sonido además son los únicos que
conocen este campo, pues el sonido es un lenguaje misterioso para los
directores, provenientes del campo de la fotografía o la interpretación.
 Producción: Este departamento no cambió mucho.

 Prensa y espectadores: Son los que más se entusiasman y motivan con el

cambio, aunque no existen estudios reales sobre cómo fue este cambio y cómo
impactó en la sociedad. La Warner, a principios de los 30, crea un
departamento de marketing para los periodistas, que promueve la creación de
los trailers de sus películas.

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CONSECUENCIAS

1. Impacto ideológico

Las películas influyen notablemente en la manera de pensar de las personas.

Los estrenos cinematográficos normalmente van de acuerdo a los temas de
controversia del momento, ya sea para modificar una opinión o para dar a
conocer más acerca del tema. Un claro ejemplo son las películas de Rambo,
se sabe que EE. UU Perdió la guerra de Vietnam y la población entra en
depresión y un sentimiento de revanchismo. Esta serie de películas mostraban
a un norteamericano abatiendo a miles de soldados vietnamitas, dando a
entender que el poderío estadounidense triunfó en esa guerra y de alguna
forma levantando los ánimos en la población americana. Inclusive las películas
pueden llegar a despertar grupos fascistas extremistas. Como en el caso de
“Nacimiento de una Nación” de David Griffith, que como ya se había dicho antes
logró fortalecer actitudes racistas. Como dato curioso, para finales del siglo XIX
el Ku Klux Klan estaba disuelto, para 1920 contaba con más de 4 millones de
seguidores. Si bien Griffith no fue el responsable directo, sus películas
aportaron a la reorganización de éste.

2. Economía

Uno de los principales ingresos de Estados Unidos tanto interno como

extranjero es la industria cinematográfica. Si bien en sus inicios no era viable
para una inversión seria, ya que eran espectáculos menores, ahora la industria
se toma muy enserio este arte. Inclusive en algunos casos la pasión artística
ha quedado en segundo plano. Esta industria ha dado miles de empleos al año,
tanta filmación, producción de sets. Uno de los últimos éxitos ha sido la película
“Bohemian Rhapsody”, cortometraje biográfico de Freddie Mercury. La película
contó con un presupuesto de 52 millones de dólares y ha recaudado en su
primera semana de estreno 150 millones. Sin embargo, la película con mayor
recaudación en la historia es Avatar, que contó con presupuesto de 237
millones de dólares y recaudó mundialmente casi 3 mil millones de dólares.

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3. Ciencia.

El registro de fenómenos es una gran ayuda para el avance científico, si no se

contara con artefactos para documentar estos hechos se tendría que buscar
otro medio de registro, como fotografías o anotaciones. Se puede poner de
ejemplo al registro de nuevas especies marinas ocultas en el océano o también
a la grabación de las misiones apolo. Los aportes a la investigación científica
son innumerables.

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CONCLUSIONES.

 El cine es un medio de expresión puro, bien se dice que no hay nada que el
cine no pueda hacer ya que este junto con la literatura es el arte más completo.

 Se dice que el cine está muriendo debido a la involucración de servicios de

streaming de películas. En realidad, el cine no está muriendo, sino que está
mutando. Está transformándose, ya sea en una computadora o en un teléfono
inteligente, el cine está ahí latiendo.

 Puede usarse como método motivacional e inspiración. Muchas películas y

documentales

 A pesar de todo el cine siempre será un medio de comunicación novedoso y

masivo, lo que expone a ser influenciado por la sociedad y eso se evidencia en
la creación películas malas, buenas, regulares donde lop único que importa es
llenar las taquillas de dinero sin importar que se expone. Cada vez se pierde
más la esencia de arte del cine.

 La cinematografía fue gracias a los experimentos sobre la proyección de

imágenes en movimiento visibles para más de un espectador. Se estaban
desarrollando simultáneamente en Estados Unidos y en Europa; en Francia, a
pesar de no contar con la gran infraestructura industrial de Edison.

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RECOMENDACIONES

 Si bien el cine es un medio de expresión liberal y revolucionario debe

usarse con cuidado sabiendo a qué público está dirigido. Las
restricciones de edad deben ser respetadas al pie de la letra,

 Los perjuicios del cine suben de grado si pensamos en la violencia. Las

reacciones Psicológicas de niños uy adolescentes no se distribuyen de
manera homogénea, pues son muchos los factores que involucrados.
Por ejemplo, la edad, la propia personalidad del menor o el
acompañamiento o no de adultos durante la proyección. Así como los
niños pueden tener ansiedad o terrores nocturnos, los adolescentes a
veces exhiben conductas agresivas derivadas de la excitación y de la
imitación.

 El cine hoy para atraer al espectador debe ofrecer un arte más orientado
a la atracción; un cine donde solo se encuentre ese ritual del proyector,
pantalla, sala y espectadores.

 La sociedad debe respetar el arte. De vez en cuando hay películas que

pueden herir la susceptibilidad, pero muchas veces este tipo de películas
son las de alguna u otra manera logran despertar la curiosidad o “abrir
los ojos”.

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ANEXOS

Hermanos Lumiere . Black Maria, Primer estudio de Estados Unidos.

Cinematógrafo. Cine Chino Grauman

Stanley Kubrick, Director de Cine

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FUENTES BIBLIOGRAFICAS

 PAGINAS WEB
http://www.esdelibro.es/docs/default-
source/Trabajos/2010/201000099_cine_trabajo.pdf?sfvrsn=8
https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_cine#Corrientes_cinematogr%C3%A1fic
as
https://www.google.com.pe/search?biw=1360&bih=657&tbm=isch&sa=1&ei=fYzL
W-
DUGIKC5wLS7rKIDQ&q=HISTORIA+DEL+CINE&oq=HISTORIA+DEL+CINE&g
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jhlLe3Q#imgrc=rAk6xe7adAsNHM
https://www.britannica.com/art/history-of-the-motion-picture

 Audiovisuales
“Historia del Cine”, documental por Mark Causins.

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