Artistas del Siglo 20 y 21

Pablo Picasso
Pablo Picasso (1955). George Stroud / Getty Images
Pablo Picasso (1881-1973), pintor español, es posiblemente uno de los pintores
más famosos del mundo y, sin duda, el pintor más famoso del siglo XX. Además
de sus méritos artísticos como uno de los líderes del movimiento cubista, han
contribuido a su popularidad su alta cotización en el mercado del arte y las
historias sobre su turbulenta vida amorosa.
Algunas de las pinturas más famosas de Picasso:
 "Guernica" (1937).
 "Las señoritas de Avignon" (1907).
 "Los tres músicos" (1921).
 "Retrato de Dora Maar" (1937).

Vincent Van Gogh

Vincent van Gogh (1853-1890), pintor holandés y figura destacada del
Postimpresionismo, es uno de los pintores favoritos de las masas. Sus fans
simpatizan con la interpretación expresiva de los motivos de sus cuadros,
sus colores vivos, sus pinceladas sueltas y su historia personal llena de drama,
con una serie de altas y bajas entre la pasión por el arte, el fracaso comercial y la
locura. Sus obras se hicieron famosas una vez muerto gracias a los esfuerzos de
la viuda de su hermano Theo, un negociante de arte quien siempre le ofreció a
Vincent su apoyo financiero y emocional.
Algunas de las pinturas más famosas de Van Gogh:
 "La noche estrellada" (1889).
 "Terraza de café por la noche" (1888).
Claude Monet
Claude Monet (1840-1926), es un pintor francés, y otro de los favoritos de los
aficionados al arte. Además de contar con el favor del público general, cuenta con
el respaldo académico debido a su importancia en la historia del arte como uno de
los fundadores del Impresionismo. De hecho, el nombre de este movimiento
artístico proviene de su cuadro "Impresión, salida del sol" (1873).
Algunas de las pinturas más famosas de Monet:
 La serie de "Pinturas de Nenúfares".
 La serie de pinturas del "Portal de la Catedral de Ruan".

Salvador Dalí
Salvador Dalí (1904-1989), pintor español, conocido por encarnar el Surrealismo y
el Dadaísmo más allá de sus obras. Polifacético, excéntrico y apasionado devoto
de su esposa Gala. Para muchos, Dalí es el vivo retrato del genio artístico, para
otros uno de los artistas más sobrevalorados. Sea cuál sea la opinión sobre su
persona, lo cierto es que su genio lo hará pasar a la historia como uno de los más
talentosos y visionarios artistas plásticos.
Algunas de las pinturas más famosas de Dalí:
 "La persistencia de la memoria" (1931).
 "El gran masturbador" (1929).
 "La metamorfosis de Narciso" (1937).
Leonardo Da Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519), es un pintor, escultor e innovador artista italiano,
arquetipo del hombre del Renacimiento, humanista de múltiples talentos y un
tremendo visionario de las posibilidades del arte y la ciencia. Algunos de sus
dibujos y pinturas están entre los más famosos del mundo, pero su popularidad va
más allá de sus logros en el ámbito de la práctica artística. Un personaje histórico
excepcional, rodeado de un aura de misterio de la que se ha surtido la industria
del entretenimiento aumentando su fama.
Algunas de las pinturas más famosas de Da Vinci:
 "Mona Lisa" (1503-1506).
 "La Anunciación" (1472-1475).
 "La Virgen de las rocas" (1485).

Rembrandt
Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606-1669), fue pintor más famoso del Siglo de
Oro holandés. Hábil delineante técnico, dibujante y creador de piezas impresas, es
reconocido por sus cuadros históricos, sus retratos y, en especial, por los
autorretratos que pintó desde su juventud. En estos, que continuara realizando a
lo largo de su carrera se le ve envejecer y así también queda explícita la evolución
de su técnica pictórica. Es tan popular su dominio en el tratamiento de las luces y
las sombras que en los retratos fotográficos se practica la llamada iluminación
Rembrandt.
Algunas de las pinturas más famosas de Rembrandt:
 "La ronda de noche" (1642).
  "Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp" (1632).

Caravaggio
Michelangelo Merisi da Caravaggio(1571-1610), fue un pintor italiano famoso por
el naturalismo de sus pinturas sacras y el uso teatral del claroscuro, de gran
influencia en el desarrollo del Barroco. Pese a que en vida no le faltaron los
encargos de pinturas religiosas, fue criticado tanto por la representación realista y
humana de sus personajes, como por utilizar como modelos a mendigos y
prostitutas.
Famoso por un temperamento errático, Caravaggio estuvo envuelto en escándalos
más de una vez y tuvo que radicarse en Nápoles, escapando de una amenaza de
muerte causada por una pelea. Murió a los 38 años durante un viaje, y no hay
certeza de si murió por enfermedad o fue asesinado.
Algunas de las pinturas más famosas de Rembrandt:
 "La vocación de San Mateo" (h. 1599-1600)
 "Baco" (1595)

Francisco de Goya
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), fue un pintor español considerado
uno de los iniciadores de la estética del Romanticismo y precursor de las
vanguardias pictóricas del siglo XX. También es famoso por su talento como
retratista, representando el aspecto psicológico de sus modelos más allá de su
apariencia. Goya pierde el oído por una enfermedad en el año 1793, evento que
hace de su obra una más oscura y pesimista. Dentro de sus técnicas se destaca el
uso del grabado.
Algunas de las pinturas más famosas de Goya:
 "El tres de mayo de 1808 en Madrid" (1814)
 "Saturno devorando a su hijo" (1823)
 Serie de grabados "Los caprichos" (1799).

Pierre-August Renoir
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), fue un pintor francés y uno de los principales
participantes en el desarrollo de movimiento impresionista. Es famoso por su
paleta colorista, vibrante y luminosa, y sus escenas alegres y llenas de vida.
Algunas de las pinturas más famosas de Renoir:
 "Baile en el Moulin de la Galette" (1876).
 "Almuerzo de remeros" (1881).
 "Mujer con sombrilla en un jardín" (1873-1875).
 "Retrato de Irene Cahen" (1880).

Velázquez
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660), es el pintor más famoso del
Siglo de Oro español. Uno de los maestros del Barroco y de la pintura universal,
fue un pintor de corte de carrera brillante y modelo de los pintores realistas de las
generaciones posteriores. Se le considera, además, uno de los mejores retratistas
de la historia del arte.
Algunas de las pinturas más famosas de Velázquez:
 "Vieja friendo huevos" (1618).
  "Las Meninas" (1656).
 "Cabeza de apóstol" (c. 1622).

Louise Bourgeois

Toda su vida Louise Bourgeois estuvo rodeada del mundo artístico pero fue en sus
últimos años cuando su trabajo se consideró extraordinario. Louise Bourgeois
nació el 25 de diciembre de 1911 en París. En 1932, ingresó a la Sorbona para
estudiar cálculo y geometría y el cambio trascendental en su vida fue la muerte de
su madre. Este suceso la hizo dejar las matemáticas y comenzar a estudiar arte
en distintos talleres en Montmartre y Montparnasse. Uno de sus grandes maestros
fue Léger, quien le sugirió la tridimensionalidad como manera de expresión.
Después, comenzó en 1938,
En 1945, realizó su primera muestra individual; dos años más tarde exhibió 17
pinturas en la Galería Norlyst, Nueva York y en 1949, realizó su primera muestra
escultórica en la Peridot Gallery de Nueva York. Después de una década,
comenzó a experimentar con plástico, látex y goma. Más tarde decidió adoptar el
mármol y bronce. El trabajo de Louise Bourgeois está en las colecciones más
importantes de museos alrededor del mundo. En 2010, mientras vivía en Nueva
York, falleció.

Marcel Duchamp
Es considerado por muchos como un revolucionario y por otros simplemente un
charlatán oportunista que supo cómo vender sus extrañas piezas escultóricas. Lo
cierto es que la obra de Duchamp fue clave para muchos movimientos artísticos
posteriores como el cubismo y el futurismo. Es ampliamente reconocido como el
artista que puso un mingitorio en una galería y lo nombró Fountain. Esta escultura,
conocida más tarde como Readymade, se convirtió en aquella que cambió todos
los cánones artísticos: una obra de arte ya no tenía que ser hermosa sino que
debía provocar al intelecto. Fue un miembro clave del movimiento Dadá, el que
apelaba mucho más a la mente y mucho menos a los ojos.

Anish Kapoor
Uno de las escultores y artistas contemporáneos más importantes del siglo. Quien
incorpora una variedad de estilos sorprendentes y combina influencias del este y
oeste; utiliza materiales naturales como arena y granito que infusiona con
pigmentos de colores y los transforma en elementos casi orgánicos. En sus
últimos trabajos experimentó con esculturas a gran escala y buscó distorsionar la
perspectiva y estructura de sus piezas. Utilizó cera roja en muchas de sus
instalaciones y vísceras que fueron un indicio de los preceptos artísticos que
cuestionaba.

Jeff Koons
Koons se ha convertido en una figura sumamente importante en el arte
contemporáneo. Él mismo se describía como un artista que intentaba llevar el
liderazgo del arte en el siglo XXI. Su reto era encontrar las bases para la noción de
qué era el arte realmente, e intentaba revolucionar las distinciones tradicionales
entre el arte de alta cultura y el producido en masa. Para Koons el concepto de
que el artista era un creador original se esfumó y decidió inclinarse por el uso de
objetos banales en su trabajo. Su trabajo fue una provocación por lo que era
criticado por muchos de los talentos artísticos del momento. Aún es considerado
como uno de los más controversiales.

Pablo Picasso
Uno de los artistas más famosos del siglo XX. Picasso fue uno de los creadores
del movimiento cubista, con el cual revolucionó el concepto del arte por completo.
Para Picasso, las ideas tradicionales de proporción y perspectiva se acabaron
pues favorecía la tridimensionalidad y el absolutismo de la pintura, pues a través
de un lienzo plano buscaba ver la tercera dimensión. Picasso pintó hasta su
muerte en 1973 y su obra logró reflejar uno de los movimientos artísticos e
históricos más importantes.

Jackson Pollock
Fue uno de los líderes del expresionismo abstracto; su pintura era algo
completamente diferente, la narrativa tradicional no existía y buscaba la
exploración propia antes que retratar el mundo. Sus pinturas fueron creadas con
una técnica de goteo que nadie más había utilizado, en la que la pintura,
literalmente se deja caer en el lienzo, sin brochas o herramientas de por medio.
Pollock buscaba explorar el acto de pintar con lo que buscaba darle un nuevo
significado al arte y a la representación. Para Pollock, el lienzo era la oportunidad
para jugar.
Cindy Sherman
Sherman es una pionera de la fotografía como arte. Sus fotografías son
exploraciones de la identidad propia y ajena y estaba interesada en los medios de
comunicación y sus modos de representación. Sus trabajos más representativos
se convierten en variaciones de indumentaria y escenarios, y buscó representar
cómo se ven a través de los medios de comunicación. La identidad y la apariencia
física son los puntos claves de su obra, cuestionando la simplificación y
objetivación de la mujer en la sociedad contemporánea.

Damien Hirst
Es un artista británico que ayudó a que la gente reconsiderara qué era el arte. El
tema principal de sus obra es la muerte y se hizo famoso por los animales en
formaldehído que llevaba a exposiciones y galerías. Su obra más famosa es el
tiburón tigre de 14 pies cuyo nombre artístico es The Physical Impossibility of
Death in the Mind of Someone Living y un cráneo con incrustaciones de diamante.
Hirst es el artista más rico de nuestros días.
David Hockney
En la segunda mitad del siglo XX, Hockney cambió la manera en la que el arte era
entendido. Él fue una de las influencias más grandes del pop art de los 60.
Además de sus obras grandiosas, Hockney ganó reconocimiento por la fotografía,
el diseño y sus grabados. Es considerado uno de los artistas vivos más influyentes
del siglo XX. Una de las piezas más importantes de Hockey, es sin duda Bigger
Trees Near Warter Oruna monumental obra de más de cuatro metros y medio de
largo, por 12 metros de largo, compuesta por 50 lienzos.

Andy Warhol
Andy Warhol es el representante más famoso del arte pop, quien cambió de un
modo más efectivo el papel del arte en la sociedad y el modo de producción del
mismo. La idea artística de Warhol no consistía sólo convertir el arte en algo trivial
y vulgar, sino trivializar y vulgarizar el propio arte. No pretendía sólo incorporar al
arte a los productos en serie y las informaciones de los medios de comunicación,
sino también producir el arte como un producto de masas. Warhol convierte lo
inferior en superior y viceversa: hace descender al “arte culto” elitista al fondo de lo
cotidiano, mientras que los fenómenos de la subcultura deben adquirir dignidad
para ser presentados en sociedad.

La idea artística de Warhol consistió en una unión entre la alta y la baja cultura
para transformar este concepto, la cultura ya no pertenecería a la clase alta sino
que se transformaría en aquello que nos rodea y se enfocaría en unir clases
sociales a través de los medios de comunicación y la publicidad.
Roberto Matta, Chile
Fue un pintor, arquitecto, poeta y humanista chileno nacido el 11 de noviembre de
1911; fecha que usó de forma simbólica en varias de sus pinturas (11-11-11). Es
considerado el último de los surrealistas. A finales de los 30 viajó a Europa, donde
conoció a la escritora Gabriela Mistral, quien lo ayudó a establecerse en el viejo
continente. Tuvo interacción con André Breton y Salvador Dalí, lo cual puede
observarse en su estilo al pintar. De igual forma de ha identificado como creador
de concepto "infrarrealismo", ya que lo acuñó en 1940, después de que Breton lo
expulsó del surrealismo.

Xul Solar, Argentina

Es uno de los pintores argentinos más excéntricos. Fue escritor, escultor, pintor e
inventor de idiomas imaginarios. De igual forma fue un asiduo lector y practicante
de ciencias ocultas, astrología y mitologías. Su relación con Jorge Luis Borges
hizo que su obra fuera más conocida. Nació en 1887 y en 1939 se dio a la tarea
de diseñar cartas astrológicas. Su obra Rua Ruini, reproducida arriba, da muestra
de sus inquietudes acerca de las ideologías por las que el ser humano ha
intentado transitar, representándolas como una serie de paredes por las cuales
muchos han intentado ver la luz.

Antonio Seguí, Argentina

Pintor cordobés nacido en 1934, y conocido como "El Gallego Seguí". Suele
expresar una crítica social en sus obras, esto con tintes de ironía y humorismo. En
ocasiones sus obras remiten al cómic norteamericano, pero siempre con
personajes grotescos e irónicos. El tema principal de sus obras a lo largo de su
carrera, gira en torno al ser humano urbano buscando su lugar en un mundo que
parece exigir el acoplamiento del sujeto al contexto, con un lugar específico y rol
en la sociedad.

José Gurvich, Uruguay

En 1927, en un pueblo llamado Jiezna, Lituania, nació en el seno de una familia
judía bajo el nombre de Zusmanas Gurvicius. En 1932, emigró a Uruguay donde
pudo acoplarse muy rápido a la vida del país. Es una figura central en la estética
del Universalismo constructivo en Uruguay, en el cual se intenta representar al ser
humano en concordancia con el cosmos, así como las dimensiones metafísicas de
la existencia humana.

Saturnino Herrán, México

Estrictamente, este pintor es un puente entre el siglo XIX y el XX; nació en
Aguascalientes, México en 1887, y murió muy joven en 1918, con tan sólo 31 años
de edad. Se denomina que es un puente porque fue precursor del discurso
estético e ideológico que permeó el arte en los años posteriores a la Revolución
Mexicana. Se identifica como un pintor indigenista y fue un pintor de gran talento y
técnica para plasmar escenas del México precolombino. Su forma de pintar se ha
asociado varias veces a pintores españoles como Velázquez.

Fernando Botero, Colombia

Este pintor colombiano, nacido en Medellín en 1932, es uno de los pintores más
identificables por su pintura figurativa, donde los sujetos son obesos o de curvas y
rostros rellenos; lo que ya se ha denominado como "boterismo". Actualmente es
de los pintores vivos más cotizados y famosos de todo el mundo. En su faceta de
escultor, ha sido prolífico y muchas de sus características esculturas están
repartidas por todo el mundo en países como Israel, España, Colombia y Armenia.

Wifredo Lam, Cuba

Pintor de origen asiático y africano que fue criado en la isla de Cuba. De
joven tuvo la oportunidad de viajar a Madrid para estudiar arte, y, al formarse en
Europa en los primeros años de la década de los 20 del siglo anterior, se impregnó
de la estética cubista y surrealista, siendo su obra una síntesis de estas corrientes
artísticas, dando como resultado una pintura sensible, orientada a vanguardias
europeas pero con el toque tropical de Lam. Fue un personaje reconocido, al
grado de trabar amistad con Breton y el antropólogo Claude Lévi-Strauss.

Leonor Fini, Argentina

Nació en Argentina en 1907, pero fue criada en Trieste, Italia. A la edad de 17
años, se mudó a Milán y posteriormente a París. Es de las figuras más fuertes del
Surrealismo, junto con Max Ernst, Paul Éluard y Salvador Dalí. Otra de sus facetas
fue la escritura e ilustradora, llegando a ilustrar obras de Poe, Charles
Baudelaire y Shakespeare. La estética de Fini varía un poco entre sus obras. La
obra reproducida arriba, Heliodoracon colores brillantes, contrasta con obras
como El ángel a la anatomía de 1949, donde la oscuridad y crudeza remiten a
representaciones de la muerte en la Edad Media. Es una de las grandes pintoras
surrealistas del siglo XX, junto con Leonora Carrington.
Luis Felipe Noé, Argentina
Pintor adherido a la corriente del neoexpresionismo argentino y nacido en 1933, es
también un intelectual y escritor muy respetado en el mundo del arte y la cultura.
Como dato curioso, es padre de Gaspar Noé, director argentino que
dirigió Irreversible con Monica Bellucci. Luis Felipe Noé es de los pintores más
transgresores de la época. En 1965, publicó un texto teórico
llamado Antiestética, además de una novela experimental,
llamada Recontrapoder , donde tiene acercamientos teóricos y filosóficos sobre la
fragmentación, el absurdo, el poder y la estética.

Antonio Berni, Argentina

Pintor, grabador y muralista argentino, representativo en la pintura de su país por
el gran realismo que plasmó en sus obras sobre los contextos más afectados de la
sociedad, así como los sectores más vulnerables y en lucha. Algo que es
característico de pintores como Berni es que en algún momento de su vida tuvo la
oportunidad de interactuar con ideas transmitidas directamente de personajes
como Breton o Louis Aragón, lo que hace que el arte en síntesis se nutra de
idiosincrasias latinoamericanas, dando como resultado artistas y obras muy
valiosas, estéticamente y en el discurso.
ALBERT LE DIUZET
Bretón, por parte paterna , y de Dunkerque por parte materna, Albert nació en la
zona libre de Allier, donde sus padres huyeron durante la guerra para escapar del
infierno de Dunkerque. El artista salió en él a los 16 años cuando recibió su
primera guitarra y pinceles. Asistió a la Escuela de Bellas Artes y se convirtió en
dibujante de ingeniería civil, diseñador publicitario, fotógrafo, cantante y
compositor. Durante varios años se dedicó a interpretar sus composiciones
musicales, pero cansado por esta vida agitada, se estableció finalmente en el sur
de Francia, donde se aisló del mundo loco que había conocido y se dedicó a la
pintura. Durante un tiempo, Albert prefirió la libertad de expresión de la acuarela;
el agua y los colores se mezclan como un elemento desconocido, sin composición,
ni retoques. Después de muchos años consagrados a esta técnica, comenzó a
buscar la espontaneidad inspirada en Turner de sus acuarelas en aceites. Trabaja
el medio sin composición, con un cuchillo, espátula o paleta, aplicado
directamente sobre cartón o lienzo.

FRANCISCO JIMENEZ CONESA

Francisco se siente de niño inconscientemente atraído por la creación al ver a su
madre dibujar y pintar. De forma natural, entra en la Escuela de Artes Aplicadas y
Oficios Artísticos de Madrid. Se especializa en el dibujo y la pintura y asiste a
clases de moldeado y escultura. Inicialmente, Francisco crea sus dibujos a lápiz
pero poco a poco acaba utilizando la acuarela. Fue su tío quien lo inició en esta
técnica y le enseñó las nociones básicas. En aquella época los temas de sus
obras eran surrealistas y oníricos. Trabajaba minuciosamente con pluma el dibujo
y luego le aplicaba color con acuarela.
DOMINIQUE GAULTIER
De niña, Dominique diseñaba instintivamente. Cuando era adolescente, sus
cuadernos estaban llenos de sus obras de arte. Convencida de que el arte era su
vocación, asistió a la Escuela de Bellas Artes como preparación para los
exámenes de ingreso en la Escuela de Artes Decorativas de Ginebra. Ella se
entrenó allí como diseñadora de interiores antes de dedicarse al arte comercial y
dibujos animados. En su momento, Dominique creó meticulosas obras figurativas
utilizando pinceles y acrílicos, directamente inspiradas en dibujos arquitectónicos.
Pero este rigor no le convenía, y su trabajo evolucionó hacia lo abstracto.

Gabino Amaya Cacho

Nacido en la región de Madrid, siendo nieto del escultor de Badajoz, Gabino
Amaya Guerrero, comenzó a pintar desde pequeño. Su formación artística se
inició en el Taller del escultor Gabino Amaya Guerrero en Madrid, para después
continuar sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios con el catedrático Pedro
Mozos, pronto fue alumno de Agustín Segura quien se convirtió en su asesor de
obras. 2 Sin embargo, abandonó sus estudios para dedicarse de lleno a las artes,
experiencia que adquirió de forma independiente por su creatividad.
Inicialmente se dedicó a la Pintura figurativa: retratos, paisajes, bodegones,
desnudos. Pintó grandes obras inspiradas en la mitología griega: como Ícaro y
Dédalo, Las Tres Gracias, Las edades de Baco, entre otros. Durante ese período
fue docente en el Colegio Fuente Larreyna de Madrid, durante 1986 y en el mismo
año ofreció clases en el Estudio Amaya. Actualmente incursiona en el arte
abstracto, con el estilo Puntillismo Abstracto que fue creado por el mismo, el cual
consiste en realizar puntos sobre lienzos uno tras otros hasta componer figuras sin
ninguna distinción. Su técnica mezcla el puntillismo con la abstracción.

LAU BLOU
Nacida a orillas del Loira, Lau creció en contacto con los colores y la suavidad de
Anjou. A los 16 años decidió estudiar Bellas Artes con la idea de convertirse en
diseñadora de interiores, pero finalmente se dedicó al diseño gráfico. Más tarde,
se trasladó a Cherburgo para unirse a su esposo y vivir su vida como madre. El
deseo de descubrir una región completamente diferente la llevó a establecerse en
los Alpes, donde trabajó durante varios años para revistas de naturaleza.Pronto,
con el deseo de manejar pinceles y trabajar en contacto con los pintores la llevó a
buscar la atmósfera de talleres de arte. Es en la Cité des Arts de Chambery donde
encuentra la serenidad a través de la pintura. Su investigación se centró
inicialmente en las piedras y la pátina de antiguas murallas. En ese momento, sus
fuentes de inspiración eran los pueblos antiguos, las montañas y la luz que nos
rodea.

BONETTI
Bonetti nació en Bulgaria descendiente de madre profesora de arte. Creció
rodeado de libros de arte y pasaba varias horas al día en la biblioteca de la familia.
Durante el verano, sus padres lo llevaron por Europa y le hicieron visitar los
principales museos del mundo (el Hermitage de San Petersburgo, el Museo del
Louvre en París, el Prado de Madrid y el British Museum de Londres).Adulto, él
siguió los pasos de la familia y obtuvo su diploma en arte. Se mudó a Canadá y
Europa donde siguió estudiando durante varios años. Desde su juventud, Bonetti
conservó el gusto por los viajes y el descubrimiento. Encuentra cada lugar, cada
paisaje interesante. La confrontación con otras culturas y la idea de repensar sus
propios valores es una fuente inagotable de riqueza en sus ojos.De todas sus
excursiones, Bonetti recuerda los momentos que ha vivido en los lugares que ha
visitado. Transcribe estas imágenes a través de la pintura en un proceso de
destrucción y transformación.

VIRGIS
Virgis nació y se crió en una pequeña ciudad de Lituania bajo el régimen
comunista. En este contexto de pobreza e hipocresía, Virgis comprendió desde
muy temprana edad la importancia de tener valores morales y espirituales reales.
La inteligencia, la cultura y las creencias constituyen una defensa contra el
régimen. Su madre lo envió a la escuela de arte cuando tenía 12 años. Esta fue su
primera experiencia con el arte. Allí descubrió la cultura y las artes de los países
libres de Occidente: nació su vocación de artista. De manera natural decidió
estudiar arte en la Universidad, y después de la graduación se convirtió en un
maestro de arte en una escuela secundaria. El régimen de Gorbachov liberó algo
a la sociedad y Virgis finalmente pudo entregarse a su creación. En los años 90,
comenzó a ofrecer su trabajo en varias exposiciones locales.
CLADE
Dos bellos encuentros de juventud motivan a Clade al dibujo: una dama inglesa
apasionada por el dibujo y una artista pintora nativa de Manosque. Muy talentosa
en este campo, su talento es rápidamente reconocido por su entorno. Después de
estudiar Letras y Civilizaciones Extranjeras, decide embarcarse en la decoración.
Un amigo artista-pintor le insta a descubrir la pintura. A continuación, experimenta
en su estudio utilizando materiales originales: pigmentos mezclados con metales
triturados para dar un efecto metálico a la pintura. Alentada a exponer este trabajo
en una galería, este exitoso experimento es un clic para su vida. En 2001, Clade
dio sus primeros pasos en el mundo del arte contemporáneo como artista visual. A
través de los pigmentos metálicos asociados a ciertos colores acrílicos, descubre
una nueva forma de satisfacer su necesidad de expresión que permite explotar a
través de la rendición agrietada de sus primeras obras. En 2004, quería
diversificar sus creaciones y concentrarse exclusivamente en la pintura acrílica.
Ella gradualmente aprende a ampliar su gama de colores y asociaciones,
comienza a explorar diferentes estilos, y finalmente a dejar correr su imaginación a
través del arte abstracto.

CHRISTIAN HÉVIN
Christian creció en el norte de Francia y comenzó a dibujar a una edad temprana.
A los 7 años produjo su primer 'óleo sobre lienzo' y soñó con convertirse en
pintor.Cuando era adolescente, un maestro notó su talento y lo animó a estudiar
dibujo. Esto fue una revelación para él, y al graduarse de la escuela secundaria se
unió a la Escuela de Bellas Artes de Lille. Comenzó su carrera con habilidades
similares a la pintura: como dibujante arquitectónico, escenógrafo, diseñador
gráfico e ilustrador.
ARMELLE BASTIDE D'IZARD
Con un grado en ingeniería economía y finanzas, Armelle consolida una carrera
como directora de producción durante 10 años. Pero después de un encuentro con
la pintura impresionista descubrió su vocación de pintora. Una artista apasionada y
trabajadora, siguió con entusiasmo y profesionalismo esta actividad. Fue
autodidacta, siguiendo la guía de varios expertos y visitando regularmente museos
para aprender y desarrollar sus habilidades. Instaló su estudio en la región de
Herault, entre viñedos y naturaleza, en su casa familiar en St. Bauzille.Armelle
cultiva la perfección en sus pinturas; La armonía de colores, la variedad de temas,
la ligereza de línea que dan a las obras una dimensión refinada y espiritual. Las
pinturas son hermosas, generosas y siempre cambiantes. Entre los maestros que
la inspiran están Matisse, Paul Cezanne y Francis Desnoyer.Su trabajo de pintura
acrílica aplicada con un cuchillo se asemeja a la pintura al óleo y permite la
vivacidad de su trabajo, la alquimia de colores cálidos y una armonía en la
ligereza.
 TIPOS DE SUELOS
Suelos humíferos o de tierra negra
Llamamos suelos humíferos a aquellos suelos que ya cuentan con material
orgánico descompuesto. En este tipo de suelos podemos ver organismos o
microorganismos que pueden ser muy beneficiosos para sembrar. De esta
manera, los suelos humíferos son los más elegidos para desarrollar actividades
del terreno agrícola.

Suelos arenosos
Entre lo tipos de suelos, el arenoso contiene partículas más grandes que el
resto de los suelos. Es áspero y seco al tacto porque las partículas que lo
componen están muy separadas entre ellas y no mantienen bien el agua.
En los suelos arenosos el agua se drena rápidamente. Estos suelos no son los de
mejor calidad para la agricultura ya que no retienen los nutrientes. Las plantas en
suelos arenosos no tienen la oportunidad de aprovechar bien los nutrientes de
forma eficiente por la velocidad con la que el agua se drena.
El suelo arenoso por otro lado retine mejor la temperatura, así que en cuento llega
la primavera resulta más cálido que otro tipo de suelo. Entre los árboles que se
pueden cultivar en suelos arenosos está el aguacate, las palmeras, los pinos,
eucualiptus o los cipreses.
Suelos pedregosos
A este tipo de suelos se les llama así porque tienen pequeñas formaciones de
piedra en su composición. Esto se produce porque la superficie terrestre se
desdobla por causas naturales o por causas provocadas. El gran problema de este
tipo de suelos es que son semi-impermeables por lo que no permiten la entrada de
agua. De esta manera, es muy complicado el cultivo en este tipo de suelos
aunque existe un tipo de plantas de origen xerófilo que sí pueden crecer en este
tipo de suelos.