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CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS

Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Primera edición. Octubre de 2015

© Luis Gabriel Vázquez Hernández

Río Nazas 5914, Col. San Manuel


72570 Puebla, México

Panorama del cine de animación mexicano: 2000-2012, 2013


Cuentos y REcuentos animados: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012, 2015

Ilustración de cubierta: José Trinidad Camacho (Trino)


Diseño de cubierta: Gavo Casillas
Diseño editorial: Luis Gabriel Vázquez Hernández

Fotogramas en cubierta: Huevos rancheros (Rodolfo y Gabriel Riva Palacio Alatriste, ©2002); El modelo de
Pickman, Pablo Ángeles Zuman, IMCINE, ©2014); Hasta los huesos (Calavera Films, S.A. de C.V., Roberto Rochín,
IMCINE, ©2001); Defectuosos (IMCINE, ©2012); La familia del barrio (Sergio Lebrija, Arturo Navarro, ©2008),
Niño Radio y el color de los sonidos (Juan Carlos López de la Torre y Carlos Kaim, ©2011); El tartufo de Hidalgo,
Suertes, humores y pequeñas historias de la Independencia (CANIETI, IMCINE, ©2009); Roncho, El perro mala pata
(Candiani Studios, Animex ©2005), El Chavo animado (Roberto Gómez Bolaños, ©2004); Ana y Bruno (Lo Coloco
Films ©2010), El Chango y la Chancla (DGTVE/SEP ©2012), Las libretas de la Revolución, Imaginantes (Fundación
Televisa ©2008); Érase una vez (muv experimento, ©2011), De cómo los niños pueden volar (IMCINE, ©2008),
Jacinta (IMCINE, ©2008) Azul hiel lúgubre néctar (Luis Felipe Hernández, ©2007)

www.facebook.com/cuentosyrecuentosanimados
www.facebook.com/luis.animador.7
@wisgab (Luis Vazquez)

ISBN: 978-607-00-9395-1
Hecho en México

Ninguna parte de esta publicación puede ser reproducida, almacenada o transmitida en


manera alguna sin la autorización escrita del autor-editor.
PRÓLOGO

Mis inicios con el nuevo cine de animación en México están íntimamente ligados Se están haciendo cortometrajes de calidad internacional y, sin buscarlo, se ha
a mi socio Rigo Mora, nuestra empresa NECROPIA, y el equipo y esfuerzos que descentralizado la animación hacia la provincia. En este libro se da cuenta cabal de
hicimos juntos en los 80's en Guadalajara. Yo empecé a dar clases de animación por las muchas historias y las muchas manos que están creando cortos animados que
ahí de 1980 en el Instituto de Ciencias y Humanidades, donde daba clases a gente de sorprenden hoy a todo el mundo. Este libro es no solo único, sino necesario y me
mi misma edad o un poco mas jóvenes. Daniel Varela –Jefe del departamento alegra mucho su existencia. La memorialización de la animación moderna en México
audiovisual en el Instituto— me permitió que montara yo un taller de cine animado es un acto de justicia y esperanza para una labor ingrata, solitaria y mayormente
con mi camarilla de super-8, y un tripié. A estas primeras clases acudió un joven Rigo invisible dentro de nuestras fronteras. Cada animador en estas páginas es
Mora, y en sus primeros ejercicios causó mi admiración. A partir de entonces, un héroe o heroína solitario, que busca la verdad cuadro a cuadro…
trabajamos juntos en Necropia: Yo me encargaba 80% de maquillaje y efectos
especiales, y Rigo 80% de animación. Compré una cámara de 16mm, y luego dos GUILLERMO DEL TORO.
Mitchell NC modificadas y un lente Berthiot. Poco a poco, nos construimos un set de
cine para animación y creamos juntos los comerciales de la Feria Internacional del
Libro de Guadalajara (animados un 100% por Rigo) y algunas piezas con ideas de los
dos, y animadas por el eternamente paciente Rigo. Creo que estas piezas tempranas
animaron a los creadores locales a buscar el camino, y dieron vida o apoyo a Rita
Basulto y Juan José Medina, René Castillo, y muchos otros. Daniel Varela continuó –y
continúa— su labor de apoyo a jóvenes animadores, y la madurez del trabajo de la
gente joven en Guadalajara o el DF es sorprendente.

IV
Prólogo… … … … … … … … … … … … … … … … … … … … … … IV Esteban Azuela……………………………………….…… 34
Índice… … … … … … … … … … … … … … … … … … … … … … .. V Patricia Henríquez…………………………………………. 34
Introducción.… … … … … … … … … … … … … … … … … … … . VII Otros animadores …………………………………………. 36

GRUPO DE GUADALAJARA
1. ANTECEDENTES Y VISTAZO GENERAL: LA VIEJA GUARDIA ……………………..……………………. 39
Un rápido recorrido panorámico…………………………………1 Rigoberto Mora……………………………………………. 39
René Castillo………………………………………………. 40
REANIMANDO EL PASADO INMEDIATO…………………………….. 3 Luis Téllez………………………………………………… 43
Cortometrajes, pequeñas joyas de arte en movimiento .……. 3 Rita Basulto y Juan José Medina .……………………………. 45
La explosión a raíz de El héroe Cecilia Navarro…………………………………………….. 47
El grupo de Guadalajara EXTENSIÓN DEL GRUPO DE GUADALAJARA……………………. 49
Y los largos, dando largas…………………………………….. 4 Blanca Aguerre……………………………………………. 49
VISTAZO AL NUEVO MILENIO……………………………………… 5 Karla Castañeda…………………………………………… 50
Sofía Carrillo………………………….…………………… 53
León Fernández…………………………………………… 55
2. REALIZADORES INDEPENDIENTES: Otros animadores y proyectos de stopmotion………….………. 56
Un ejército de soñadores, artistas y artesanos…………………. 9 TAPATÍOS MÁS ALLÁ DEL STOPMOTION………………………... 57
TonatiuhMoreno
A NIVEL NACIONAL Leopoldo Aguilar……………………………………….….. 57
LA VIEJA GUARDIA…………………………………………. 11 Arturo Tornero, Christian Vázquez, Víctor Ramirez…
Carlos Carrera…………………………………………. 11 Otra generación, otras técnicas……………………………… 58
Dominique Jonard……………………………………… 12
Miguel Anaya ……………….………………………… 14
Jose Ángel García Moreno ….…………………………… 15
3. COLECTIVOS:
Jorge Villalobos y Guillermo Rendón .….………….………. 16
La unión hace la fuerza… creativa………………………………... 61
Ulises Guzmán…………………………………………. 17
Lourdes Villagómez ……………………………………. 19 RECUENTO GENERAL DE COLECTIVOS
Andrea Robles y Adriana Bravo (Doble A)…………………. 21 Diez y media…………………………………………………….… 63
Guadalupe Sánchez…………………………………….. 22 El Taller, preámbulo de dos colectivos: Llamarada de petate y Viumasters… 66
Graco…………………………………………………. 23 Llamarada de petate……………………………………………..…. 67
LA NUEVA GUARDIA.……………………………………….. 25 Viumasters……………………………………………………...…. 68
Luis Felipe Hernández ………..………………………… 25 Comesesos………………………………………………....……… 70
Rafael y Raúl Cárdenas…………………………………. 26 FrutaBomba…………………………………………………….…. 71
Luis Vázquez…………………………………………... 27 Anémona………………………………………………………….. 73
Pablo Ángeles…………………………………………. 29 MUV experimento………………………………………………...…. 73
Gabriela Martínez………………………………………. 30 Dead Astronauts…………………………………………………… 74
Nuria Menchaca ……………………………………….. 32 EL BLOQUE. COLECTIVO DE COLECTIVOS………...………………….. 75
Simon Gerbaud………………………………………… 33

V
4. ESTUDIOS DE ANIMACIÓN: 6. CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN:
Lucha por generar una industria .………………………………. 79 Organismos generadores……………………………………… 135

PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL………… 79 ESCUELAS DE ANIMACIÓN Y UNIVERSIDADES …………………. 137
Ánima Estudios……………………………………………. 79 DEPENDENCIAS GUBERNAMENTALES…………………………. 139
Huevocartoon ……………………………………….……. 85 IMCINE y otras instancias
Animex 2D (luego Animex) de Puebla………………………… 90 FESTIVALES Y CONCURSOS…………………………………… 142
Ithrax y Santo Domingo Animation……………………….…… 95 La animación y los festivales de cine
White Knight Creative Productions……………………………. 97 Congresos y Festivales especializados de animación……. 143
Imagination Films …………………………………………. 100 FX………………………………………………… 143
Locoloco Films ……………………………………………. 102 Creanimax
Grupo EsComic! de Léon……………………………………. 103 Animasivo………………………………………….. 144
Grupo PROAN (Producciones animadas) de Monterrey …………. 106 Cutout Fest………………………………………… 145
Anim-art y Animación2D Studio……………………………….107 CROMAfest y LagunaFest…………………………….. 146
Legado del trabajo con Fernando Ruiz ………………………. 108 Concursos de animación …………………………………. 147
MEDIOS DE DIFUSIÓN………………………………………..147
JALIWOOD, O LA BÚSQUEDA DE UNA INDUSTRIA REGIONAL ……… 110
Metacube, Batallón 52 y Kaxan .….…………………………. 110
Haini y DreamSky .…………………………………………. 113
OTROS ESTUDIOS CON FUERTE VERTIENTE EN ANIMACIÓN .………. 117 7. RECAPITULACIÓN Y ANÁLISIS:
Imágica .…………………………………………………. 117 Reflexiones cosechadas………………..………………………. 149
La mamá de tarzán y los hijos de su madre…………………… 119
RASTREANDO LÍNEAS O SELLOS ESTILÍSTICOS EN LA ANIMACIÓN MEXICA .. 151
Linterna de hidrógeno……………………………………… 120
UNA INDUSTRIA EN PLENO CRECIMIENTO……...……………………… 153
Algunas menciones más……………………………………. 122
DIFICULTADES PARA LOS ESTUDIOS DE LARGOS MEXICANOS…………… 153
LA FORMACIÓN……………………………………………………... 154
5. SERIES ANIMADAS: EL CASO TAPATÍO…………………………………………………… 155
Animación en serie………………………………………………. 123 PERSPECTIVAS A FUTURO ……………………………………………156

PRIMERAS SERIES CORTAS. ANIMEX Y ANIMA TOMAN LA BATUTA … 125


La gruta del Alux, primera serie animada de larga duración en México…. 125 ANEXOS………………..………………………………..……….159
El chavo animado ………………………………………………. 125
Santo contra los clones …………………………………………. 126 Ganadores de apoyos… … … … … … … … … … … .… ... 161
Suertes, Humores, y Pequeñas Historias de la Ganadores de festivales… … .… … … … … … … … … … 163
Independencia y la Revolución (o cortos de Batallón 52)……….……. 126 Numeralia de películas nacionales… … … … … … … … . 166
Imaginantes y series similares……………………………………. 128 Filmografía de cortos y largometrajes… … … … … … … 167
Biceaventuras mexiquenses…………………………………….…131
Ken y el monstruo………………………………………………. 131 Bibliografía… … … … … … … … … … … … … … … … ….. 188
Rafita …………………………………………………………. 132 Glosario… … … … … … … … … … … … … … … … …… ... 191
Escuadrón 2011, el origen del fuego/ El chango y la chancla Listado de entrevistas realizadas … … … … … … … … ... 193
ANIMACIONES PARA INTERNET………………………………… 132

VI
INTRODUCCIÓN trabajo hecho en este campo, para que el público en general pueda conocer más del
legado artístico y cultural que han ido dejando ya varias generaciones de animadores,
El estudio de la animación es un tema poco tratado en México. Es difícil explicar y que tristemente está quedando arrumbado y cada vez más oculto en las sombras
por qué un medio tan aparentemente atractivo y de tan gran interés cuente con tan del tiempo, a medida que los realizadores y testigos de las primeras obras de cine
poco público y conocedores. Incluso en el resto del mundo el estudio histórico de la mexicano animado han ido pereciendo (gente como los animadores Carlos Sandoval,
animación es una disciplina que no tiene más de treinta años de llevarse a cabo. Con Rigoberto Mora, y el maestro del CUEC Manuel Rodríguez son el más claro ejemplo).
este libro, busco ayudar a llenar un vacío que pueda servir de precedente y base de
consulta a otros estudiosos que probablemente vendrán en algunos años, y que éstos Ahora bien, en el siglo actual, con la disposición de nuevas tecnologías se ha
puedan contar con materiales de consulta serios y con un rigor metodológico de hecho más accesible la labor creativa animada. Obras que antes hubieran costado
trabajo, que les permitan reflexionar de manera más asertiva acerca de lo que ha millones de pesos y años de trabajo hoy pueden ser realizadas en espacios accesibles
sucedido con el cine de animación en México durante el inicio de este siglo, y cuáles y tiempos mucho más razonables. Así, la animación mexicana vive en la actualidad un
pueden ser sus perspectivas hacia el futuro. periodo de efervescencia y auge dentro del cual poca gente se ha detenido a tratar de
sostener un registro de lo que está sucediendo y cuáles son las obras más
Hace ya algunos años que comencé a interesarme de manera seria, estudiando representativas de este momento histórico. Juan Manuel Aurrecoechea, jurado del
mi especialidad en audiovisual y multimedia, por el campo de la animación. Fue para Concurso Animasivo 2009 mencionó “cuando realizamos la retrospectiva del cine de
mí en ese entonces un mundo fascinante, lleno de posibilidades… del cual me animación mexicana en la Cineteca Nacional logramos juntar de manera bastante
sorprendió tener tan poca idea. Aunque mi primer acercamiento al medio fue como la comprensiva lo que hasta entonces –año 2000—se había hecho en nuestro país…
mayoría de mis colegas a través de la producción, con la ilusión de recrear esos …entre cortometrajes, largometrajes y programas de televisión juntamos alrededor
procesos mágicos en los que uno podía imprimir movimiento y espíritu a sus de 132 materiales… 132 materiales realizados en 65 años... Hace 1 mes, sólo para
creaciones, con el tiempo fui conociendo la inmensidad de ámbitos que rodean e el concurso de Animasivo, recibimos cerca de 150”.
integran a la animación como un medio de expresión, artístico y de comunicación sin
paralelo. Comencé a percatarme de que, al lado de esos quijotescos personajes que Algunos investigadores ya han hecho una valiosísima labor para recuperar
eran los realizadores encargados de la producción, había también orbitando otras registros de la más remota obra que por largos años permaneció en la oscuridad y el
personas de una gran relevancia para que este arte-industria pudiera desarrollarse y desconocimiento –debo decir que es en gran medida gracias a ellos y lo que pude
crecer en nuestro país, y descubrí ámbitos en los cuales la gente realmente conocer a partir de su investigación, que yo me encuentro escribiendo estas letras—.
escaseaba. Áreas de gran importancia, como lo son la de didáctica y enseñanza; la de El documental sobre la trayectoria de Carlos Sandoval, del recién citado Aurrecoechea
promoción, difusión y distribución de las obras; y finalmente, la de registro, análisis y y Leopoldo Best; el trabajo impreso del mismo Aurrecoechea; así como la publicación
asentamiento del trabajo que se ha producido en los últimos 75 años de animación en de Manuel Rodríguez, profesor del CUEC, han venido a rescatar materiales e
México. información que de otra manera, en solo un par de años, probablemente ya no
hubieran podido ser recuperados para el público. Su trabajo ha permitido sentar una
A mi parecer, obra que no se conoce se convierte de cierta manera base fundamental de información sobre el nacimiento y desarrollo del cine de
en obra inexistente. Es esto lo que ha sucedido con un altísimo porcentaje de la animación en México. Lamentablemente, Aurrecoechea y Best se dedican desde hace
producción animada en México, especialmente con el cortometraje. A pesar de los varios años a otros campos de estudio, y Manuel Rodríguez dejó con su fallecimiento
aislados y heróicos esfuerzos de personas que dedican años para lograr un trabajo que no conoce en nuestros días una continuidad formal.
producciones artesanales y únicas que han recibido los más altos galardones en el
extranjero, es poco lo que la gente conoce de la animación en su propio país. Para El ser humano tiene por excelencia un gusto por colectar cosas, de todo tipo y
que un área de conocimiento crezca, es de sumo valor saber de lo que han propuesto de toda naturaleza. Parece que aquel que no atesora algo, pierde algo de su esencia
otros, cómo lo han realizado, con qué recursos, con qué propósito y bajo cuales humana. En mi caso y en el de este trabajo, apelo al deseo de no olvidar y revivir
bases de conocimiento. Además de esto, es siempre necesario un testimonio del

VII
aquello que más nos gusta en la vida. Algunos recopilan fotos, algunos otros La animación en México y el mundo entra en una nueva etapa, y es de suma
juguetes, otros canciones, recuerdos, amigos… yo colecciono animación. importancia hacer un estudio serio y un análisis de la producción de los últimos años,
de sus realizadores, y de ver las rutas de difusión y promoción que han seguido. De
Toda mi generación y muchas otras pasamos nuestra niñez viendo caricaturas. este modo, colaboraremos a que este medio artístico florezca definitivamente y pueda
Luego, más allá de mi faceta común de espectador, no pasó mayor cosa, salvo varios ser del acceso de los grandes públicos.
números de la revista Contenido de mi padre que “mejoré” a los 8 años añadiendo en
sus orillas externas mini-historias de monitos de bolitas y palitos que se disparaban y A través de un extenso trabajo de investigación documental y de campo, les
destruían a través de las páginas. Olvidando estos primeros experimentos animados, presento pues un documento de registro que espero sirva de testimonio y punto de
mi contacto más activo con la animación quedó dormido hasta el 5to semestre de la partida a las nuevas generaciones, que permitirá a éstas saber cuáles han sido las
carrera de Diseño, en la clase del maestro Manuel López Monroy, quien no sólo me experiencias de la aventura animada en México en los primeros doce años de este
hizo ver que realmente podía hacer cortos animados, sino que me mostró por primera siglo, y cuáles sus resultados; así como también poderse acercar, de manera puntual
vez algunos de los momentos, autores y cortos más exquisitos que ha dado este y específica, a alguna obra, artista, o estudio de su interés –que espero con suerte
género. Quisiera decir que fue ahí, en ese salón a oscuras con proyección de una haya logrado incluir—. Siendo optimistas, quizá el conocimiento de dichos intentos
maltrecha VHS, que nació el amor a primera vista. Amor de mi vida que había tenido nutra las nuevas propuestas, y abone al enriquecimiento de la producción y
siempre y por años frente a mis ojos sin darme cuenta realmente, sin entender todo lo crecimiento del medio en nuestro país. Dado que la realización de proyectos de
bella que podía ser, y las fibras tan sensibles que podía tocar. Enfrente de mí, ahí animación relevantes y significativos es bastante complicada en México, conocer lo
estaba, moviéndose, la animación. que se ha hecho, para qué, cómo y por quién, puede ser un elemento útil que ayude a
futuros realizadores a darse cuenta de la realidad en la que están inmersos, y actuar
Durante varios años me he involucrado en el área desde diferentes aristas que en consecuencia con su contexto. Por otra parte, en el futuro este libro podrá dar fe,
componen la integración del fenómeno como un todo: Producción, didáctica, difusión, cuando menos parcialmente, de éste momento histórico, uno fundamental, dado que
historia…, etc. Sin saber exactamente lo que deseaba hacer en ese entonces, y la cantidad de producciones se ha disparado en él de manera inédita (y es probable
movido más bien por mi admiración hacia estas producciones y el saber cómo se que con la naciente incursión de instituciones para su enseñanza, y la creación de
hacían, comencé a asistir a estudios de animación, participé en festivales y ayudé nuevos estudios, la tendencia vaya en franco aumento).
activamente a la realización de los mismos, asistí a congresos, charlas, y realicé
amplia consulta bibliográfica en el tema. Así, conocí el trabajo de animadores, críticos ACERCA DEL TEXTO…
e historiadores, tanto en México como en el extranjero. A través de toda esta
intrincada senda, procuré ir haciendo recopilación de materiales y registro de La Real Academia Española define panorama como “Paisaje muy dilatado que
información que de manera generosa me han compartido todos estos actores que se contempla desde un punto de observación”. De esta manera, el presente libro
forman la constelación de un medio audiovisual latente y en constante desarrollo. La tiene como objetivo principal funcionar como un punto de observación que permita al
verdad es que en un inicio no sabía a ciencia cierta para qué podrían servirme todos lector tener una noción general de la producción de animación mexicana en los doce
esos contactos e información, lo único que me movía era una gran pasión por un primeros años de este nuevo milenio. Inicialmente pensé concentrarme sólo en la
medio que me fascinaba, que deseaba ver crecer y desarrollarse más, y poder primera década, pero el acceso a nueva y valiosa información, y el cambio de régimen
compartir ese hallazgo tan escondido y tan emocionante. Quería dar mi contribución, de gobierno –y por ende posiblemente de políticas estatales de cara a la cultura y el
para que la gente conozca y pueda ver animación y disfrutar igualmente esa catarsis cine— hicieron que me pareciera más adecuado cerrar este estudio hasta el
que provoca crear y ver personajes inertes cobrar vida, y composiciones abstractas término del mes de agosto de 2012.1
moverse y transmitir impulsos a nuestros ojos y nuestra mente. Ahora creo que sé
para qué iba a servir todo esto. 1
La única excepción en esta delimitación, fueron algunos comentarios adelan-
tados sobre la película El Santos vs la Tetona Mendoza, cuyo estreno fue hasta
noviembre de 2012. Esto, debido a su gran expectación, y a su potencial peso
específico de cara al desarrollo del gremio en ese momento.

VIII
La labor no fue sencilla, ya que las fuentes escritas existentes y disponibles De tal forma, bien que el lector tenga la ambición de saciar su apetito sobre el
sobre este tema eran muy escasas y dispersas, imprecisas en algunos casos y en tema leyendo la obra de inicio a fin, dentro de la lógica temporal-secuencial que he
otros, incluso contradictorias. Partiendo del invaluable contenido de los libros de procurado estructurar, éste puede también acercarse a un capítulo particular, a un
Aurreoechea y Rodríguez, que terminan donde mi recorrido comenzaba, tomé como grupo completo de autores, o a una obra en específico, según convenga a su interés,
punto de referencia la estructuración de su trabajo para asentar los cimientos del mío, curiosidad y necesidades.
y trazar las primeras líneas de búsqueda. A partir de ahí, al ver que las publicaciones
periódicas especializadas sobre el tema no se generaban todavía, que las revistas de Después de este recuento exhaustivo, cierro el documento con la sección de
cine incluían pocos artículos, y que las notas hemerográficas y búsquedas de internet análisis y recapitulación. En éste hago un balance de observaciones recabadas a lo
lanzaban información muy sectárea y de dudosa certeza, acudí a las fuentes largo de la investigación, resultado lógico de la construcción del texto. Es un colofón
primarias, realizando una recolección inédita de entrevistas directas con realizadores, que junto con el primer capítulo, resume al compendio de entradas pormenorizadas, y
animadores, colectivos y estudios, así como conocedores y gente ligada a las aporta un panorama breve y general de lo que 6 años de trabajo me permitieron ver.
producciones. Debido a que el círculo dentro de todo sigue siendo relativamente
pequeño, y que muchos de ellos han colaborado o se conocen entre sí, fueron Cuentos y Recuentos animados abarca principalmente obras cinematográficas y
brindándome información desde distintos ángulos, lo que me permitió confirmar y de video (cortometrajes, largometrajes y series animadas), realizadas en México y/o
nutrir la información con la que contaba, e ir cuestionando y revisando aquella que se por realizadores o productores mexicanos en el periodo comprendido entre el año
descubría contradictoria, así como abriendo nuevas líneas de investigación y 2000 y agosto de 2012. Las producciones pueden ser de carácter narrativo
contactos. Una vez cerrada esta enorme red de entrevistas, armé, a partir de tradicional o bien de expresión artística abstracta, y comprenden productos tanto de
recopilar, organizar, contrastar, evaluar y complementar las múltiples fuentes, el entretenimiento de tipo comercial, como obras de expresión personal (autoral) que
panorama más cierto y sólido que pude. buscan ser proyectadas a un amplio público, así como emisiones o series televisivas.

Comienzo con un repaso muy conciso de lo que sucedió en el pasado inmediato, Debido a la naturaleza efímera y realmente vasta de la producción publicitaria,
es decir la situación de la animación mexicana hacia el final del siglo XX, para poder que puede hacer tema de análisis en otro proyecto por sí sola, ésta se nombra
dar entrada y contraste a la información que aporto. Después doy un sobrevuelo por solamente de manera tangencial, desde la perspectiva de estudios o autores que la
los principales sucesos y eventos que marcaron la producción del periodo de estudio hayan utilizado como medio alternativo para impulsar el desarrollo de trabajos de
que nos compete. Ésto para que el lector cuente con una guía de partida, una rápida expresión personal. Otro campo alterno en el que tampoco se ahonda por
“instantánea” que le permita imaginar la totalidad del cuadro, y pueda concebir y considerarlo alterno a los intereses de este libro, pero que ameritaría una publicación
comprender mejor la estructura de contenidos armada. específica, es el de aquellas animaciones de línea científica, didáctica e infográfica que
se encuentran insertas generalmente en filmes y programas documentales de acción
Una vez asentado este panorama, se desarrolla un amplio recuento, mucho más viva. Existen varios ejemplos interesantes de éstas, generalmente producidos por
particularizado, y dividido en las áreas de autores independientes, colectivos, estudios organismos como TV UNAM, Canal 22, el INAH o editorial Clío, pero se cederá este
animados, series animadas, y centros gestores y de difusión. Esta sección, que abarca tema particular a futuros autores.
el mayor volumen del texto, retoma de manera más precisa y compenetrada esta
evolución del medio animado mexicano, con los valiosos y detallados datos recabados
acerca de cada uno de los productores, entidades y obras animadas que se pudieron Por otra parte, dado que las técnicas animadas son muy numerosas y discutidas
encontrar. La aproximación hecha a cada uno de estos representantes es de una en su denominación, y algunas se confunden o intersectan con otras, para motivo de
manera narrativa, cronológica y anecdótica, lo que permitirá recorrer de forma amena nominación de este libro, se establecen las siguientes:
y fluida su correspondiente contexto, desarrollo y crecimiento a lo largo de los 12
años estudiados, y podrá observar de manera más clara el flujo lógico y natural que
tuvo cada autor y obra, dentro del cuadro general esbozado al inicio.

IX
• Animación 2D tradicional, o clásica, de dibujos animados sobre papel. partiendo definitivamente de las fuentes más numerosas, directas y fiables de las que
• Animación 2D digital, que puede referirse a animación de recorte digital o se pudo disponer en el momento; pero tratándose de un texto inédito en sus
motion graphics, clásica de dibujos animados realizada con medios digitales contenidos y naturaleza, no debe asumirse, entenderse o desprender de él ninguna
(tradigital), o bien animación computarizada vectorial (de tipo flash). acción o implicación de consecuencia legal ni de derechos de autor que pueda afectar
• Animación de stopmotion , o foto por foto, que puede especificarse en a terceros.
animación de marionetas, de plastilina, de recortes (cutout), pixilación (hecha
con personas), pintura sobre cristal, y otros materiales manipulados En la medida de lo posible, se procuró localizar directamente a los autores de
manualmente. las obras ilustradas para dar las acreditaciones correctas en las imágenes. En caso de
• Animación 3D digital, con personajes y entornos volumétricos generados en algún error u omisión, o de que algún autor encuentre dañados sus derechos debido
computadora. a alguna de las imágenes publicadas, se le invita a ponerse en contacto con el autor
• Rotoscopía, entendida como calca y/o manipulación de imágenes a partir de para evaluar el retiro de la misma en futuras reediciones.
la referencia directa de un video de acción viva.
Sin más por decir, te doy un fraterno saludo, compañero(a) amante de la
Si se desea información más detallada y profunda de cuestiones técnicas, imagen en movimiento, y te comparto para que disfrutes, como yo lo hice, este
sugiero consultar otros textos, como Animación: Una perspectiva desde México de recorrido por el fascinador mundo de la animación mexicana, del 2000 al 2012.
Manuel Rodríguez o Guía para los animados, de Guadalupe Sánchez. De cualquier
manera incluyo al final un breve glosario de técnicas y términos específicos, con el
único fin de agilizar la lectura de aficionados no especializados en el área. México, D.F., 19 de agosto de 2013.

Cabe aclarar que, debido a que la cantidad de obras producidas se multiplicó


exponencialmente en el lapso escogido, hice una recopilación lo más extensa posible,
pero sólo se mencionan en el documento las que a juicio personal se consideraron
más importantes. En este rango se incluyen piezas clave en el desarrollo de los
autores, aquellas acreedoras a reconocimientos, las estimadas como los intentos o
logros más emblemáticos, o bien las más significativas en el desarrollo de la industria
de la animación y como expresión artística en nuestro país. Los ejercicios escolares,
salvo que cubran alguno de los aspectos arriba mencionados, han sido omitidos.

Cierro finalmente el libro con un breve texto redactado en la fecha que culminé
este compendio, reflexiones del paisaje que me brindaba hasta ese momento la
investigación… mencionando los elementos que consideré determinantes, y la
aparente perspectiva de cara al futuro próximo. Luego, como apéndice final y base de
consulta, se desglosa un anexo con ganadores de diversas convocatorias, numeralia
de los largometrajes nacionales, y filmografía.

Culmino esta presentación de Cuentos y REcuentos animados haciendo


una mención importante: Tras cinco años de arduo, serio y comprometido trabajo, se
intentó que toda la información aquí presentada sea lo más fidedigna posible,

X
CAPÍTULO 1: ANTECEDENTES

ANTECEDENTES Y VISTAZO GENERAL

REANIMANDO EL PASADO INMEDIATO cortometrajistas de los noventa. Si bien el corto no pudo repetir
Antes de comenzar el recorrido, es importante observar la Palma de Oro que habia ganado El héroe , sí logró un 3er
brevemente cuál era la situación de la producción mexicana al lugar en el Festival de la Habana, donde el reconocimiento a los
término del siglo XX. cortos animados mexicanos se haría cosa común en los años por
venir. Así, en 1997 el francés Dominique Jonard ganó el primer
CORTOMETRAJES, PEQUEÑAS JOYAS DE ARTE EN lugar de este festival –que también había ganado Carrera en el
MOVIMIENTO 94—con el corto trabajado con niños del albergue tutelar de
La animación mexicana tuvo un importante renacimiento y Morelia: Desde adentro (1996).
auge a nivel internacional desde los años noventa, sobre todo
El héroe (Carrera, 1993)
debido a su producción de cortometrajes. Éstos llamaron la En 1998, Largo es el camino al cielo , de José Ángel
atención de los grandes festivales internacionales, por encontrar García Moreno, formado en la Escuela de Cine de Praga (FAMU),
en ellos un rasgo marcadamente autoral. Este tinte tan personal logró el segundo lugar, en tanto que Pronto saldremos del
en los cortos se derivó en cierta medida de los prolongados y problema (1998) —irónico comentario de Jorge Ramírez-
muchas veces tortuosos procesos de producción a los que sus Suárez sobre la crisis económica de los noventa y primer
realizadores se vieron forzosamente sometidos. Tal parecía que cortometraje de animación 3D digital dirigido por un mexicano--,
los animadores de la última década del milenio pasado se se llevó el tercero. Por su parte, en 1999, la rotoscopia animada
embarcaban en una expedición para la que no había marcha El muro (1998) de Sergio Arau explotó la vena crítica que
atrás, y como tal la asumían, cuidando con fervor cada detalle, había desarrollado como caricaturista en los ochenta, obteniendo
con una pasión y una convicción sin paralelo, emanados de la el segundo lugar del certamen cubano.
adversidad de tener que optimizar presupuestos con los que no
contaban, y de solventar problemas técnicos dentro de un En otros ámbitos, Sin sostén (1998), codirigido por el
entorno en que las herramientas digitales aún no eran jalisciense Antonio Urrutia y el defeño René Castillo, fue a
convincentemente dominadas por los realizadores nacionales. competencia oficial de Cannes en 1998, y ganó el Mayahuel de la
entonces Muestra de Cine de Guadalajara y el Ariel, como lo hizo Pronto saldremos del problema
(Ramírez, 1998)
La explosión a raíz de El héroe El héroe cuatro años antes1. Esta selección de cortos, aunado
La llamada revolución animada de los noventa comenzó, a atractivos proyectos que para diciembre de 1999 seguían en
como muchos saben, con el cortometraje El héroe (1994) de etapa de producción, daba un preámbulo de lo que podía venir
Carlos Carrera y su Palma de Oro en el Festival de Cannes, el para el cortometraje mexicano de cara al nuevo siglo.
cual desencadenó apoyos más o menos constantes del Instituto
Mexicano de Cinematografía (IMCINE) a los cortometrajes El Grupo de Guadalajara
animados, y derivó en mayores reconocimientos internacionales. A la par de lo que sucedía en la capital del país, se desató
un movimiento muy importante en Guadalajara. Juan Manuel
En 1996, Cannes volvió a incluir en competencia oficial a un
corto mexicano, en esta ocasión 4 maneras de tapar un
1
hoyo , de Jorge Villalobos y Guillermo Rendón, apoyado por la Pérez, Javier. “En busca de la consolidación definitiva”.
Universidad Iberoamericana y el estudio Visiographics del italiano Cine-Toma: Revista mexicana de Cine. Ilusiones que se mueven:
Un Vistazo al arte de la animación. Año II, núm. 10 (mayo-
Mario Noviello, quien fue apoyo de Carrera y de casi todos los junio 2010), p. 9. El muro (Arau, 1998)
3
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Aurrecoechea relata en su libro El episodio perdido, historia del


cine mexicano de animación, que desde comienzos de los
noventa se empezaron a realizar cursos y talleres de animación
en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente
(ITESO) y en las escuelas de Artes Plásticas y de Cine y Video de
la Universidad de Guadalajara. El resultado fue el desarrollo de
creadores como Rigo Mora, Rita Basulto y Juan José Medina, y
los migrantes del DF René Castillo y Luis Téllez, que serán parte
fundamental de toda una corriente de realizadores que se
mencionarán más adelante.2

Y LOS LARGOS, DANDO LARGAS…


Sin sostén (Urrutia, Castillo, 1998) En cuanto a largometrajes mexicanos, la producción de los
noventas fue nula. Para un antecedente inmediato, deberíamos
remontarnos a los setentas para los primeros tres largometrajes
de la historia mexicana: Los tres reyes magos (1976) de
Fernando Ruiz, Los supersabios (1978) dirigida por Anuar
Badín y Roy del espacio (1979) del inexperto Héctor López,
estrenada en 1983. De ahí, la empresa Televisa a través de
Televicine coprodujo con España la película Katy la Oruga
(1984), pero la película fue animada en su totalidad por el
estudio español de los hermanos Moro, por lo que no se le
considera dentro de la filmografía nacional. Hubo un esfuerzo
más en 1987 en la película Las aventuras de Oliver Twist ,
también de Fernando Ruiz, pero a diferencia de las anteriores
Los supersabios (Badín, 1978) mencionadas, estrenadas en cine de 35mm, ésta solo pudo ver
la luz en formato de video.

A partir de ese entonces, y hasta que comienza el periodo


que compete a este texto, no volveremos a ver en salas
cinematográficas un largo de animación mexicano, siendo la
publicidad, los cortos y la maquila el único medio aparentemente
viable de trabajo para los animadores nacionales.

Las aventuras de Oliver Twist (Ruiz, 1987)


2
Ibidem, p 10.
4
CAPÍTULO 1: VISTAZO GENERAL

VISTAZO AL NUEVO MILENIO Paralela a estas nuevas producciones de celuloide, en 2005 comenzó,
Para 2000 y 2001, estaban en proceso de término un conjunto importante de principalmente en el DF, un fenómeno notorio y digno de mencionar. Con la fundación
obras fílmicas de corta duración elaboradas por el grupo surgido a partir de las obras de Diez y media , dio inicio la germinación de múltiples colectivos o pequeños
noventeras recién citadas, casi todos ellos apoyados por el Consejo Nacional para la estudios de animación conformados por grupos de entusiastas jóvenes universitarios
Cultura y las Artes (CONACULTA), a través del IMCINE y el Fondo Nacional para la y recién egresados de las carreras de diseño gráfico y artes, que con compactos
Cultura y las Artes (FONCA). Entre éstas, se pueden mencionar El octavo día de equipos de trabajo, y echando mano de las nuevas facilidades tecnológicas, realizaron
Juan José Medina y Rita Basulto, Malapata de Ulises Guzmán, Síndrome de Línea en video digital –y después también en cine– numerosos e interesantes proyectos
Blanca de Lourdes Villagómez y por supuesto el legendario Hasta los Huesos , de independientes de corta duración. Así se gestó toda una generación de nuevos
René Castillo. La calidad y reconocimiento que obtendrían estos primeros trabajos del realizadores que aprendió velozmente el “know how” del oficio animado, y fue
nuevo milenio parecían augurar un nuevo y prometedor futuro para la producción de constituyendo una fuerza productora altamente creativa.
autor animada, y junto a esto ¿por qué no? antojaban la gestión de una posible
industria. No obstante, y de manera paradójica, vino en 2001 un corte casi total de Esta nueva oleada de animadores (también autodidactas en gran parte)
apoyo de IMCINE a la producción animada de autor y cortometrajes, hecho decisivo encontró eventualmente espacios más significativos para mostrar sus propuestas, en
que retardó por algunos años, y de manera considerable, el desarrollo de este rubro. eventos especializados que fueron forjándose más allá de los grandes festivales de
cine de acción viva. Surgieron así foros como Animasivo (DF, 2008) y el Cutout
Por otro lado, en el ramo de largometrajes (con contenidos y guiones más Fest (Querétaro, 2009), e importantes concursos con categoría animada, como la
livianos, pero aparentemente más comerciables), el medio tuvo un renacimiento Convocatoria de Productores de canal 22 (2007) y el universitario Hazlo en
después de 20 años, con la fundación en 2002 de Ánima Estudios, y el estreno de Cortometraje de Fundación Bancomer (2008). Y fue de hecho en 2009, en la
su limitada pero meritoria primera película: Magos y Gigantes (Couturier, Sprowls, primera edición del Cutout Fest, que varios de los colectivos y frescos autores
2003). A partir de esta experiencia, el IMCINE abrió eventualmente –y con amplias mencionados pensaron en consolidar su potencial oferta de producción a través de El
reservas al inicio– la oportunidad a los largos animados de recibir los mecanismos de Bloque , un colectivo de colectivos que buscaría promover la difusión de sus
apoyo y estímulo gubernamental de FIDECINE (desde 2004), EFICINE (desde proyectos y propiciar nuevos nichos de trabajo formal para esta nueva comunidad
2007) y FOPROCINE (en 2009)3. De esta manera, Una película de huevos emergente.
(2006, Riva Palacio), del estudio creador de los irreverentes y virales contenidos web
Huevocartoon , se posicionó como la segunda película mexicana más taquillera de Dentro de todo este fervor de obras y caras nuevas, y con la divulgación en
la historia, y se dio en los siguientes años una explosión a lo largo del país de cerca programas televisivos sobre cine como Abrelatas (2003-2009), se fomentó un
de una docena de estudios animados que consiguieron capital público para finalizar creciente número de jóvenes interesados en dedicarse al medio y aprender el oficio.
14 diferentes películas (y para iniciar otras ocho más, que estaban ya en proceso). Esto incentivó la formalización de centros privados de formación y enseñanza, que
Así, en contraste con las 4 películas que se habían animado en México hasta el año pasaron de dar simples talleres y cursos especializados, a buscar registro oficial de
2002, de 2003 a 2012 se contaron 17 filmes estrenados en salas cinematográficas. licenciaturas que podían ramificarse hacia la animación, como la de Medios
Audiovisuales del Centro de Arte Audiovisual (CAAV) de Guadalajara (2005).
Luego, en 2006, IMCINE decidió reinstaurar apoyos regulares al corto animado, Para capturar este potencial y creciente mercado, también universidades privadas
al abrir la categoría animada en la 6ª edición de su Concurso Nacional de establecidas instauraron su propia licenciatura, como fue el caso de la de Animación
Cortometraje, la cual reactivó sustancialmente la producción de corta duración, con y Arte Digital del Tecnológico de Monterrey (2007); y grandes instituciones
mayores estándares de calidad cinematográfica. públicas como la UNAM y la UAM también empezaron a incluir cursos y diplomados
especializados en el área. Aún era difícil pronosticar la capacidad de los primeros
3
egresados de estas escuelas para su inserción en un mercado apenas en gestación,
Fondo de Inversión y Estímulos al Cine; Fondo para la Promoción Cinemato- pero es indudable que el número de animadores e interesados en el tema se
gráfica de Calidad; y Estímulo Fiscal a la Producción Cinematográfica Nacional,
respectivamente. acrecentó.
5
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Tema aparte, debe mencionarse también que el estado de Jalisco se consolidó Éste es el armado que propongo a lo largo de los siguientes capítulos, para revisar a
en este periodo, al lado del Distrito Federal, como un centro neurálgico del desarrollo detalle esta cadena de sucesos, ahondando en cada uno de sus protagonistas:
animado nacional. Desde el lado autoral, con el paso de la primera década creció el
número de animadores en la región, de modo que cerca de un tercio de los cortos Un ejército de soñadores, artistas y artesanos:
terminados en 35mm con apoyo de IMCINE en este periodo, fueron tapatíos. Capítulo 2. REALIZADORES INDEPENDIENTES
En la animación mexicana, ha habido un compacto grupo de personas que, a raíz
Desde el lado más industrial, se observaron en esta región ambiciosas iniciativas de un destacable esfuerzo particular, han producido obras, muchas de ellas de corte
empresiariales impulsadas con la obtención de fondos públicos, a través de la autoral, y algunas se podría decir meritoriamente heróicas. Cortos en su mayoría, que
CANIETI occidente (Cámara Nacional de Telecomunicaciones y Tecnologías de la han logrado trascender el dictamen limitante que puede imponer la dinámica de los
Información) para tratar de establecer a Jalisco como líder de punta en el país. Se grandes estudios, para plasmar su sello personal. Esta búsqueda, generalmente
pueden mencionar así proyectos como el Congreso de animación y videojuegos tortuosa, pero fresca y libre en su discurso, ha antojado por momentos una estética
Creanimax (2006-2009); la fundación del estudio Batallón 52 para realizar los que pudiera distinguirse y contrastarse del trabajo presentado generalmente en los
cortometrajes del bicentenario; y la construcción de centros de desarrollo digital como largometrajes, que se han visto absorbidos y sometidos a los estándares de la
el Centro del Software (2006) y el Chapala Media Park (2010). Estos animación llamada de mainstream.
proyectos dieron paso entre otras cosas al mayor crecimiento del estudio Metacube
y a la fundación de Kaxan Media Group, y la aparición satelital de varios otros Realizadores a nivel Nacional y los del Grupo de Guadalajara
estudios de animación, efectos especiales, y videojuegos. A lo largo de este segundo capítulo se encontrarán los realizadores que dieron
pauta y cauce al desencadenamiento de esta llamada nueva era de la animación
Volviendo al ámbito nacional, en televisión surgió una emisión que tuvo un alto mexicana, que podría marcarse con dos fechas radicalmente simbólicas: 1993, con la
impacto en los formatos y manera de hacer animación en México: Imaginantes salida del corto El Héroe de Luis Carlos Carrera, en el DF; y 2001, con el estreno de
(2008- ). Financiado por Fundación Cultural Televisa, el equipo que realizó esta serie resonancia global de Hasta los Huesos , de René Castillo, en Guadalajara. Este
de cápsulas cortas dio lugar a un creativo y atrayente formato, que fue reproducido o universo de realizadores encuentra una división más o menos clara entre el
emulado en otras producciones posteriores como ¿Quieres repensar la movimiento llamado “nacional”, que se dió principalmente con el Distrito Federal como
historia? (2010), transmitida por TV Azteca para la celebración del bicentenario, o eje central, y punto y aparte se presenta el movimiento de realizadores radicados en
la serie de divulgación científica de la UNAM, Una dosis de ciencia (2010-2012). Guadalajara, por formar el otro pilar importante del país.

Más allá de El Chavo animado (Ánima Estudios, 2006-), en el periodo fueron Vieja y nueva guardia
poco conocidos los casos de series animadas televisadas, como Roncho, el perro Comenzamos el recuento del grupo nacional con aquellos precursores que ya
mala pata (Animex, 2003 y 2005), o La gruta del Alux (Tópicos, 2004-2005). tenían una importante labor animadora desde finales del siglo XX, y que serán fuente
Sin embargo, para 2012 parecía que éste sería el siguente paso lógico a futuro en la inspiradora de la generación del nuevo milenio. Necios e incansables idealistas, que
búsqueda por el crecimiento de los grandes estudios, sumado a la ambición por aprendieron solos lo que nadie sabía hacer, lidiando con tortuosos procesos
producir largometrajes, esta vez ya, de calidad y competitividad internacionales, para analógicos y el costoso equipo de cine. Entrada la primera década, tuvieron que
cuyo caso fue ejemplo emblemático el proyecto en ciernes de Ana y Bruno , de confrontarse con la revolución digital y adaptarse, con mucha dificultad algunos, a las
Carlos Carrera. demandas de los nuevos tiempos. No sabían utilizar los nuevos softwares, pero sí
llegaban llenos de experiencia, y ricas ideas que contar. Posteriormente, inspirados
Todo esto fue, a grandes rasgos, la línea que trazaron los principales sucesos por estos precursores y su obra, abordo la camada de nuevos jóvenes
acontecidos en el medio durante nuestro periodo de estudio, pero… ¿Cómo artistas que se acercó a ellos y a los talleres que impartían. Muchos también
abordarlos a detalle a lo largo de todo el texto, sin perdernos en la inmensidad de aprendieron el oficio por cuenta propia, y no tuvieron mayor problema con el ámbito
actores y obras? digital, dado que crecieron rodeados desde un principio por las nuevas tecnologías.
6
CAPÍTULO 1: VISTAZO GENERAL

Debido a esto, el desarrollo de proyectos netamente digitales o híbridos se dio en personales; aumentar conjuntamente su nivel técnico, y poder superar el fantasma del
ellos de manera un poco más natural que con los “veteranos”, aunque su bagaje “one hit wonder”, impulsando una inercia grupal de producción.
cultural y dominio de la narrativa audiovisual parece ofrecerles mayores dificultades
para la construcción de historias más logradas. De cualquier manera, esta continuidad Sea que lo hicieran con el objetivo de convertirse eventualmente en un estudio
de autores ha dado lugar a interesantes exponentes y proyectos en una cantidad que, de producción comercial por encargo, o más bien como un medio para poder sostener
solo diez años antes, hubiera sido impensable. sus proyectos personales y su exploración del medio, estos colectivos se hicieron la
norma en los últimos años estudiados. Se incluye así, mención de la historia de
Extensión del grupo de Gdl; y tapatíos más allá del stopmotion algunos de los más relevantes de los que se pudo obtener información. Menciono
Hablando específicamente de la producción en el occidente del país, comienzo también la gestión de El Bloque, colectivo de colectivos que buscó dar pauta para
con el célebre Grupo de Guadalajara, precursores conocidos y reconocidos a solidificar una tercera fuerza creativa que alternase con la producción generada por
nivel nacional e internacional que trabajaron desde el siglo anterior —principalmente los estudios de películas animadas, y las casas productoras dedicadas netamente a la
con la técnica de stopmotion—, y quienes frecuentemente se apoyan y retan publicidad.
creativamente con sus proyectos, de manera conjunta y cercana. Después de algunos
años, nuevos artistas se acercaron a este pequeño y prolífico clan de realizadores, y Lucha por generar una industria:
tuvieron relación cercana con su trabajo y estilo, engrosando la oferta de oscuros Capítulo 4. ESTUDIOS DE ANIMACIÓN
cortos narrativos no tradicionales, y capturados cuadro por cuadro. A principios de 1999, Enrique Navarrete, —animador que trabajó en
Dreamworks en Antz, Shrek y El Príncipe de Egipto — planteaba que no existía
Igualmente, a la par de este cinturón externo de gente nueva allegada al la capacidad económica ni técnica para la realización de un largometraje animado por
“grupo”, orbitaba para 2012 otro conjunto de jóvenes que experimentaban con computadora en México. Tuvieron que pasar 20 años desde el fugaz estreno en salas
técnicas, influencias e intereses diferentes, que vinieron a brindar una mayor variedad de cine de Roy del espacio (1979) en 1983 para que un estudio mexicano
a la animación jalisciense. Cabe aclarar, que aunque éstos no han tenido mucho que volviera a elaborar y estrenar una película animada en salas de cine.
ver en estilo y estética con los pioneros, es indudable que su desarrollo y producción
se dio, aunque sea indirectamente, gracias al camino arado por la influencia y legado Produciendo cine a nivel nacional
creativos del llamado Grupo de Guadalajara. En este apartado doy cuenta de los estudios que surgieron a nivel nacional (casi
todos en el DF) para producir largometrajes animados en el periodo. Este
La unión hace la fuerza… creativa: renacimiento de largos vino principalmente a través de los estudios Ánima y
Capítulo 3. COLECTIVOS DE ANIMACIÓN Huevocartoon en el DF, y Animex 2D en Puebla, colocando el grueso de películas
A partir de la segunda mitad de la década, mientras las nuevas tecnologías y los casos de mayor éxito en taquilla. Posteriormente, compañías como Santo
empezaron a democratizar la producción animada nacional, así como el acceso a ver Domingo Animation, Imagination Films, y Lo Coloco Films entre otras,
la misma, y las escuelas comenzaban a ofrecer materias especializadas en sus trataron de llevarse su parte en el esquema de apoyos gubernamentales
programas de diseño o comunicación --e incluso nuevas licenciaturas en animación--, administrados por el IMCINE (FIDECINE, FOPROCINE y EFICINE) para conseguir
comenzó a darse el fenómeno de los colectivos. A diferencia de la tradicional efigie de altos financiamientos que les permitieran producir sus propias películas. Además de
director como figura creativa medular que coordinaba a un crew de colaboradores esto, otros estudios se dedicaron a colaborar en maquila de los largos, como Grupo
más o menos anónimo, se dio un nuevo modelo, en el que grupos de jóvenes EsCómic de León, o BL Cartoons.
universitarios en su mayoría, y recién entrados al mercado laboral algunos otros,
comenzaron a aliarse para realizar proyectos en conjunto, involucrándose todos en Jaliwood, o la búsqueda de una industria regional
las distintas ramas del proceso, turnándose el rol de dirección y buscando poder Un poco aparte se dio el proceso de los estudios jalisciences, que trataron de
materializar, juntos y con un mayor nivel de profesionalismo, sus múltiples ideas estructurar un foco industrial regional a partir de financiamientos como el de Prosoft
de la Secretaría de Economía. De tal modo, y debido a su importancia y caso
7
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

particular, se incluye un apartado especial para los estudios animados surgidos en nacional dependientes de CONACULTA (especialmente el caso de IMCINE, y en un
esta región. segundo plano, el FONCA). Añadidamente, acoto el ocasional aporte de organismos
públicos regionales (no supeditados a CONACULTA), como el caso del Consejo Estatal
Otros estudios con fuerte vertiente animada para la Cultura y las Artes de Jalisco (CECA), que se halló entre los pocos que
Finalmente, cito algunas otras casas de animación que tuvieron una labor mostraron algún interés por este rubro particular de la producción audiovisual.
destacada en la producción de contenidos animados para la cultura del
entretenimiento y que, aunque no necesariamente produjeron largos, han tenido un Festivales y concursos
desarrollo importante en el medio, más allá de lo estrictamente publicitario. Más allá de las convocatorias lanzadas directamente por instancias públicas,
uno de los elementos que pude observar definitivamente como mayor incentivo y
Animación en serie: motivación para impulsar la producción de los animadores desde el año 2000, ha sido
Capítulo 5. SERIES ANIMADAS la aparición de festivales, congresos y concursos especializados en el tema, hecho
Primeras series breves, de larga duración, y para internet que ha dado un pretexto a los animadores independientes para seguir realizando
Entendidas como emisiones con una temática común, divididas en entregas producciones personales, despertando el interés y la ilusión de muchos artistas y
múltiples, hago recuento y mención a detalle de algunas de las series animadas más profesionales en ciernes.
representativas de las que se tiene registro. Considero como criterio de selección que
hayan sido transmitidas por televisión; no obstante, se agrega al final un pequeño Medios de difusión
apartado sobre las animaciones hechas para salida a internet. Cierro el sexto capítulo con la enumeración y reconocimiento de unos pocos y
valiosísimos espacios que dieron divulgación en esta época a lo mejor de la
Organismos gestores: producción animada mexicana. Consultados (aparentemente) al inicio sólo por un
Capítulo 6: CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN pequeño puñado de freaks inadaptados, con los años formaron un variado y creciente
Entre las entidades que han promovido (o se piensa que deberían promover) la público, configurado por cinéfilos amateurs, especialistas y profesionales, ávidos de
formación, producción y difusión de cine animado, están los centros educativos, conocer y disfrutar de una mayor producción nacional.
ciertas dependencias gubernamentales, y los festivales y concursos, que incentivan a
la producción emergida. En el sexto capítulo doy cuenta a grandes rasgos de cuáles
son, y de su rol en el desarrollo de la animación mexicana a lo largo del nuevo siglo.
A partir de ahora, el libro se abre paso al recorrido y evolución detallado de
Escuelas de animación y universidades cada uno de estos artistas, estudios y organismos que han formado parte en esta
Dado el potencial y atractivo nicho económico que significaba toda la gente que historia, para entender a detalle su desarrollo y rol dentro del contexto general.
quería aprender animación, se notó una perceptible evolución de las opciones
educativas. Se observaron así talleres independientes impartidos por los pocos Amén de tener el deseo y posibilidad de devorar de inicio a fin la totalidad de
animadores reconocidos; pasando a los cursos y diplomados ofrecidos por pequeñas entradas que se pudieron recopilar, dentro de la lógica secuencial que éstas procuran
asociaciones o escuelas; su eventual transformación en centros universitarios conservar, se advierte que esto puede llegar ser un poco extenuante para algunos,
certificados para poder ofertar los primeros intentos de licenciaturas; y cómo las debido al gran volumen del universo abarcado. Por lo mismo, invito al lector, si así lo
universidades privadas y públicas de mayor historial y renombre comenzaron a buscar prefierese, a abordar un ámbito, sección, o autor de su interés específico, y regresar
también su tajada del pastel, dentro de un creciente mercado. al libro cuando guste y cuantas veces quiera, sin sentirse obligado a leer todo en
orden y “de cabo a rabo”. De tal modo, también puede disfrutar de éste como una
Dependencias gubernamentales eficaz fuente de consulta que le aporte, en cualquier momento, información
Dentro de las contadas opciones de apoyo a la producción de animación, reviso profundizada sobre el aspecto que más desee conocer, acerca de la animación
la labor realizada en el periodo por instituciones culturales. Primero las de índole mexicana reciente.
8
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA VIEJA GUARDIA

REALIZADORES INDEPENDIENTES: UN EJÉRCITO DE SOÑ ADORES, ARTISTAS Y ARTESANOS

En la animación mexicana, ha habido un compacto grupo de personas que, a raíz de un destacable esfuerzo particular, han
producido obras, muchas de ellas de corte autoral, y algunas se podría decir meritoriamente heróicas. Cortos en su mayoría, que han
logrado trascender el dictamen limitante que puede imponer la dinámica de los grandes estudios, para plasmar su sello personal. Esta
búsqueda, generalmente tortuosa, pero fresca y libre en su discurso, ha antojado por momentos una estética que pudiera distinguirse y
contrastarse del trabajo presentado generalmente en los largometrajes, que se han visto absorbidos y sometidos a los estándares de la
animación llamada de mainstream. En este capítulo, encontramos a los realizadores que dieron pauta y cauce al desencadenamiento de
la llamada nueva era de la animación mexicana, que podría marcarse con dos fechas radicalmente simbólicas: 1993, con la salida de El
Héroe de Luis Carlos Carrera, en el DF; y 2001, con el estreno de resonancia global de Hasta los Huesos , de René Castillo, en
Guadalajara.

Este universo encuentra una división más o menos clara entre dos movimientos: El primero, llamado “nacional”, que se dió
principalmente con el Distrito Federal como eje gravitacional, y que irradió su influencia hacia realizadores esparcidos en diversos
estados; y punto y aparte se coloca el movimiento de realizadores radicados en Guadalajara, por formar el otro pilar importante del país.

A NIVEL NACIONAL, LA VIEJA GUARDIA


Comenzamos el recuento del grupo nacional con aquellos precursores que ya tenían una importante labor animadora desde finales Modelados para el proyecto El Magias
del siglo XX, y que serán fuente inspiradora de la generación del nuevo milenio. Necios e incansables idealistas, que aprendieron solos lo
que nadie sabía hacer, lidiando con tortuosos procesos analógicos y el costoso equipo de cine. Entrada la primera década, tuvieron que
confrontarse con la revolución digital y adaptarse, con mucha dificultad algunos, a las demandas de los nuevos tiempos. No sabían
utilizar los nuevos softwares, pero sí llegaban llenos de experiencia, y ricas ideas que contar. Cabe aclarar que debido al gran volumen
de autores e información, se omiten antecedentes para aquellos realizadores de los que se puede encontrar abundantes datos previos
en textos como los de Aurrecoechea (2004) y Rodríguez (2007), incluidos en la bibliografía.

Carlos Carrera, el héroe En 1996, después de dejar la dirección exclusiva del De Raíz (Carlos Carrera, UIA, 2004)
Comunicólogo formado en la Universidad Iberoamericana y proyecto del corto Malapata (2000) en manos de Ulises
reconocido cineasta de ficción y animación egresado del CCC, Guzmán por sobresaturación con sus trabajos de largometraje
Carrera había realizado hasta el 2000 una serie de trabajos de de ficción, estuvo en pláticas con Javier Patrón de hacer en su
corte altamente artesanal y autoral. Marcado desde adolescente estudio Malayerba un proyecto titulado “El rata ”, un corto que
por Jan Svankmajer, los hermanos Quay y la animación de planeaba dibujar a lápiz, pero del que finalmente solo trabajó el
Europa del Este, elaboró sórdidas pero intensas narraciones, con guión y el storyboard. En el año 2000, anunció que tendría listo
un tono visual expresionista, de acabados poco definidos y para marzo o abril de 2001 un corto titulado “El magias ”1, que
gamas cromáticas que siempre oscilaban entre sombríos y se haría en 3D digital apoyado por el estudio de animación
crudos tonos terciarios, ocres, o verde olivo, las cuales le habían publicitaria Imágica. Su historia estaba inspirada en un cuento
generado gran reconocimiento y marcaron una pauta decisiva en chino que Carlos había adaptado, y giraba en torno a un niño y
la manera de hacer animación de autor en México.
1
Aurrecoechea, Juan Manuel, El episodio perdido, Cineteca Prototipo de personaje de Carlos Carrera
Nacional, México, 2004, p. 126. para De raíz

11
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

su padre, un merolico ambulante callejero. El magias se de producción muy limitante, que impone ciertas características
suspendió también, pero el autor ha mantenía la idea de de alcances de producción, y yo creo que cada proyecto es
retomarla una vez terminado su primer largo animado, ayudado distinto, y hay proyectos que merecen pues más recursos y más
de sus nuevos conocimientos en herramientas digitales. tiempo, como es el caso de Ana, pero bueno, en este país, como
no hay el antecedente, todavía es muy difícil hacer que funcione
de esta manera”.
Para 2003, Carrera fue invitado por la Universidad
Iberoamericana, en el marco de los festejos del 60 aniversario
Para más datos sobre Ana , revisar Estudios-Lo Coloco.
De Raíz (Carlos Carrera, UIA, 2004)
de esta institución, para realizar el único corto animado de una
trilogía de cortometrajes conmemorativos, dirigidos por tres
Dominique Jonard, animador franco-purépecha
cineastas egresados de sus aulas (que incluían a Gerardo Tort y
Para el inicio del milenio, el francés radicado en Morelia
Gustavo Loza). De esta manera, Carlos realizó De Raíz (2004),
Dominique Jonard era uno de los animadores independientes
un oscuro corto de stopmotion hecho con marionetas de látex y
más experimentados y prolíficos en México, siendo enseñante,
plastilina, que muestra una visión simbólica de cómo el arte hace
asesor, y referente de muchos realizadores que surgieron en la
trascender a sus creadores y los inmortaliza junto con sus
nueva ola de animación independiente de los noventa. Con un
mensajes, a pesar de todo intento de represión y sometimiento.
Still de producción del largo Ana amplio repertorio de cortos –muchos de ellos realizados en
La obra tuvo colaboración de Luis Téllez y Rigo Mora en la
(luego Ana y Bruno, LoColoco Films) talleres con niños de diversos grupos étnicos e indígenas, o bien
construcción de personajes, y de Téllez para la animación. La
en escuelas urbanas y correcionales—, su obra se distingue por
producción corrió a cargo de Lourdes Villagómez, y la dirección
una viva y rica gama de colores, que se siente muy cercana a la
de arte fue de Cecilia Lagos, directora de arte de Hasta los
paleta distintiva del folclor y la artesanía popular mexicana. Sus
huesos (2001) y esposa del animador René Castillo.
trabajos en animación tradicional de recortes, hechos con
acrílicos sobre papel o cartón, reflejaron desde mediados de los
De raíz ganó el premio a mejor cortometraje en el Festival
ochenta historias e inquietudes de niños de los más diversos
de Cine de Morelia ese año, y fue ahí que Carrera entró en
grupos sociales y áreas geográficas de nuestro país.
pláticas con Lourdes Villagómez y Pablo Baksht para ver la
manera de dar más apoyo a la animación. De esa reunión, se
Jonard comenzó la década con Un brinco p’allá (2000),
propuso armar una fundación en pro de la animación, y producir
un corto de 20 minutos en 35mm con su técnica tradicional de
con ella dos películas. El proyecto de la fundación se dejó para
recortes, que fue apoyado por la beca Rockefeller. Lo elaboró
mejor ocasión, pero de la propuesta de las dos películas derivó
con niños de escuelas de la frontera de Tijuana y San Diego, y la
el proyecto de largometraje en 3D digital titulado Ana , producido
Un brinco pa’llá (Jonard, 2000) animación posterior la hizo filmando en cine en el estudio
por Baksht como LoColoco Films y que Carlos asumió en 2007, y
Visiographics de Mario Noviello.
en el que empezó a trabajar de lleno en marzo del 2009. Hasta
2012, el largo se encontraba en etapa de producción, pero
En 2003, elaboró el corto Un poquito de… a partir de un
detenido debido a que los financiamientos necesarios no
taller impartido a fines de 1999 con el apoyo de Alas y Raíces a
llegaban, para una película que Carrera deseaba producir en el
los Niños. Aunque gente cercana le sugería ya en esos días
rango de los 10 millones de dólares. En entrevista el 7 de junio
hacerse de equipo digital y que tratara de familiarizarse con
de 2012, mencionó:
nuevas tecnologías, Dominique se apegó a lo que sabía, y
“En la medida en que los proyectos son más ambiciosos,
pues sí, necesitas más recursos y eso es lo desesperante, la falta compró a Cesar Cantón una cámara Oxberry (la que se había
de acceso a recursos para este tipo de proyectos. Hay una idea usado cuando se maquilaba animación para Hanna-Barbera).
Un poquito de… (Jonard, 2003)

12
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA VIEJA GUARDIA

Filmó el corto con ésta2, no sin problemas, porque el desuso De 2004 a 2007, recibió el apoyo del Sistema Nacional de
había provocado que el aceite de la cámara se endureciera y Creadores (SNC), cuando les propuso trabajar una serie de
formara pequeñas “piedras” dentro de ella. Luego, para sacar la cortos con el programa After Effects. Dentro de este apoyo,
copia a cine, se topó con la desaparición de apoyos de IMCINE consideró una historia realizada a nivel familiar con sus dos hijos,
para animación, así que acudió al apoyo del FONCA, a través del En busca del dios dragón (2005); también una serie de
programa Coinversiones y Fomento a Proyectos. cápsulas ecológicas, entre las que se cuenta El agua en
tiempos extra ; un corto con niños de la meseta purépecha,
En 2005, sacó Hapunda , que está basado en una leyenda que realizaría en 2006, titulado ¡Xani Xépica! (¡este flojo!, Hapunda (Jonard, 2005)
indígena de Pátzcuaro. Para éste fue beneficiado con la 1ª beca 2008); y el corto Por un desgarre (2011), una obra personal
del FOESCAM (Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de del animador con tintes alegremente sexuales.
Michoacán), que le dio un presupuesto de 60 mil pesos. Tras el
calvario reciente de trabajar en cine de 35mm y el poco Como no pudo terminar todos los trabajos, pidió nuevos
presupuesto de su producción anterior, Dominique decidió apoyos para algunos de estos. En 2007, Juan Carlos Esquivel de
aventurarse a trabajar este corto con medios digitales. Un IMCINE lo convenció para participar en la primera edición del
estudiante de cine de Quebec que en ese tiempo estaba nuevo Concurso de Apoyo a la Postproducción de Cortometraje
realizando un documental sobre él, le enseñó a utilizar Final Cut del Instituto, para poder terminar ¡Xani Xépica ! (2008) en cine
para la edición, e hizo su captura de imagen con el programa de 35mm. Jonard resultó “beneficiado” con dicho apoyo, aunque
istopmotion en un formato de video de 1280 por 960 pixeles. se sintió ampliamente descontento y despojado cuando se dio
En busca del dios dragón (Jonard, 2006)
Con el trabajo de animación terminado digitalmente, y sin mucha cuenta que la mecánica de estas nuevas convocatorias absorbían
gente que supiera aún sobre procesos de data to film para pasar la totalidad de los derechos de las obras, a diferencia de las
imágenes digitales a celuloide, sostuvo pláticas con IMCINE para modalidades de años atrás, que manejaban un estatus de
acabarlo. Pero un conocido suyo, interesado en el tema, le dijo coproducción y porcentajes de derechos entre realizadores e
(erróneamente) que no tenia caso intentar el proceso porque IMCINE. “Como sea IMCINE lo estuvo moviendo en festivales, no todo
con su resolución de imagen, la copia final en 35mm saldría con lo bien que debiese, pero bueno, estuvo en algunos”3, dijo el francés.
mala calidad, así que paró negociaciones con el instituto. Cuando
Jonard presentó Hapunda en versión video en el Festival de En el caso de Por un desgarre , de 2007 a 2008 obtuvo
Cine de Morelia (2005), Iván Trujillo, entonces director de la la beca michoacana de FOESCAM, que le otorgó 100 mil pesos
Filmoteca de la UNAM, le ofreció su ayuda para subir el corto a de los 150 mil que había solicitado. Tras explicar que no pudo ¡Xani Xépica! (Jonard, 2008)
35mm, y finalmente se hizo de forma exitosa con Joaquín de terminarlo porque no le dieron todo el presupuesto pedido, lo
León y su empresa Grupo de León. Éste fue uno de los primeros metió a concurso en FONCA e IMCINE, pero fue rechazado en
cortos animados que lidió con ese tipo de proceso en México, y ambos. De esta manera, el corto se terminaría hasta unos años
ésta experiencia es uno de los ejemplos representativos del después.
famoso brinco de lo analógico a lo digital, no solo en la carrera
de Dominique, sino para el medio de la animación mexicana. En 2008 realizó Tercera llamada , en el que juntó tres
de las cápsulas ecológicas que había propuesto en su beca del
SNC. Éstas presentan a un particular chico que toca el acordeón,
2
y tienen como objetivo definir qué es el cambio climático, cómo
Al terminar de filmar, Jonard vendería esta cámara a
Blanca Aguerre para la filmación del corto La historia de todos R con R (Jonard, 2009)
3
(2003). Entrevista a Dominique Jonard, el 20 de junio de 2012.
13
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

afecta, y sus posibles soluciones. Las armó como un pedido para cuellos de mujeres con sed de vampiro puede cerrar el
el departamento CECADESU, de la SEMARNAT, y el trabajo ganó desgarrado hueco que tiene en lugar de corazón.
un premio en Ecuador. “El corto es una ligerita proyección de mi vida afectiva, una
interpretación de los hechos, una mirada sobre la relación de
Para la elaborar todos estos cortos con nuevos recursos pareja; es un poco la excepción, porque la gente sabe que mis
digitales, y adquirir el nuevo equipo que requería, tuvo la fortuna temas son lo indígena, lo ecológico, y esto es un escape. Vamos a
decir que es existencial, y ofrece una mirada hacia la relación de
de recibir en 2007 el Premio Estatal de las Artes Eréndira de
pareja de forma burlona, sarcástica, romántica, para reirnos de lo
Michoacán, un honor local brindado a artistas de larga que nos pasa…” 4.
¿Y el agua? (Jonard, 2009) trayectoria, recibiendo 300 mil pesos que canalizó para ello. En
2009, hizo una nueva compilación con algunas de las cápsulas Miguel Anaya, un animador de múltiples técnicas
ecológicas que ya tenía, para armar R con R , el cual fue Miguel Anaya Borja estudió la carrera de Diseño de la
presentado en el Festival de Cancún. También ganó el primer comunicación gráfica en la Universidad Autónoma Metropolitana,
lugar en la Expotoons, 3er Festival Intl. de animación de Buenos mientras colaboraba en el largometraje animado Las
Aires, en su concurso Cambio Climático con la cápsula “El agua aventuras de Oliver Twist (1987) de Fernando Ruiz. En los
en tiempos extra ” y mención honorífica con “Lo que se ochentas y noventas trabajó en diversas productoras y empresas
recicla ”. publicitarias y a fines de los ochenta llegó a impartir la materia
Por un desgarre (Jonard, 2011) de animación en la Universidad Iberoamericana. En 2004,
Para continuar con su inquietud en pro del tema vigente de apoyado en producción por su eterna compañera y colaboradora
la concientización por el planeta, en 2009 entró a trabajar al Carolina Pavía, debutó con su primer corto, B-Link , en formato
Sistema Michoacano de Radio y Televisión, y realizó una serie de video y con armado 3D digital. Éste narra una historia de
cápsulas ecológicas, entre las que se cuentan la de minuto y encuentros y desencuentros en un moderno mundo tecnológico,
medio Es criminal , “que muestra a un chavo vestido como ladrón que fue exhibido en festivales como el de Cortometraje de los
que sale por la noche con una gran bolsa a tirar basura y es increpado
Angeles y el de Cine de Mar del Plata. En 2007 terminó en 35mm
por lo que hace”. También hace otra que muestra al Convento de
su segundo corto, De la vista nace el amor , que ganó
Cucareo, pueblo michoacano, recuperando el agua pluvial. En
premios como Mención del jurado en el Festival de Cartagena y
2009 también realizó ¿Y el agua? en un taller para niños de
el Ariel al mejor corto de animación en el 2008. Éste trabajo se
Valle de Bravo en el estado de México, un corto que tocaba
basó en una historia real, y tomó 10 años a Miguel levantarlo por
indirectamente el problema del abastecimiento del agua a la
B-Link (Anaya, 2004) ser un trabajo personal e independiente. De la vista… se
Ciudad de México con el agua del lago de Valle de Bravo. Se
realizó con modelado en 3D digital y luego se retrabajó cuadro
realizó de manera un poco accidentada, menciona Jonard, pero
por cuadro a mano, con lápiz de color. Implicó 4200 dibujos en
terminó ganando el premio a mejor corto animado en el Festival
ashurado que fueron después escaneados, recortados y
de Morelia de ese año.
coloreados digitalmente, e integrados con algunos fondos con
textura de tortillas. Su producción fue tan larga que de hecho B-
Para 2011, pudo estrenar finalmente en el Festival
Internacional de Cine de Guadalajara Por un desgarre , corto
que por ser netamente personal, temática y creativamente 4
Alba Érick, “Por un desgarre, estudio del amor visto desde
hablando, ocupó un lugar especial en los afectos de su el sarcasmo”, La Jornada Michoacán, 11 de abril de 2011.
realizador. La historia muestra un mundo de papeloides, en el Consultado el 25 de junio de 2012 en
<http://archivo.lajornadamichoacan.com.mx/2011/04/11/
De la vista nace el amor (Anaya, 2007) que su protagonista, Deloyo, cree que su adicción por morder index.php?section=cultura&article=013n2cul>
14
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA VIEJA GUARDIA

Link, que tomó sólo 6 meses, fue realizado durante el 8º año de de los estudios Virgin Television. Con un presupuesto otorgado
producción de De la vista…. de 400 mil pesos, realizó La Catrina Posada y la gran
piedra (1998/2001), un cortometraje de 18 minutos con
En 2009 realizó el corto El Armadillo Fronterizo , mezcla de técnicas como pocos cortos mexicanos lo han hecho,
tambien en 35mm, esta vez producido por IMCINE y ganador utilizando recortes, dibujo animado, marionetas, 3D digital y
como mejor corto de ficción en el Festival Pantalla de Cristal y la pixilación. El corto, que conjunta a dos elementos emblemáticos
Diosa de Plata por mejor cortometraje en el 2009. En este, un de la cultura mexicana como son la Catrina del grabador José
armadillo chihuahuense debe cruzar la frontera para llevar Guadalupe Posada y la Piedra del Sol azteca, encarna en la El armadillo fronterizo (Anaya, 2009)
comida a su familia. Diseñado y animado con un estilo que remite calavera a una especie de merolico –con la voz de la actriz
por momentos a los desiertos y las persecuciones de las Jesusa Rodríguez— que narra una historia basada en la
caricaturas de el coyote y el correcaminos, fue realizado en 3D mitología azteca y plasmada en la Piedra del Sol: La leyenda de
digital con colaboración del animador Rubén Silva y su empresa los 5 soles.
RYP producciones. Algo destacable es que a pesar de ser hecho
digitalmente, los personajes conservan cierta textura y acabados En este corto colaboraron miembros del grupo teatral La
que lo hacen sentir como si hubieran sido armados a la manera Chinga para actuar en la pixilación; animadores como Guillermo
tradicional, en plastilina. Los elementos gráficos usados son Rendón y Jorge Villalobos; y para el diseño de la marioneta y la
inspirados por artesanías de Oaxaca, Michoacán y Chihuahua. Sin animación, Luis Téllez y Armando Mejía. Una primera versión se Tempo Rubato (Anaya, 2010)
apoyo institucional, en 2010 Miguel dirigió y animó con mostró el 12 de octubre de 1999 en Canal 22, aunque José
stopmotion su cuarto cortometraje, Tempo Rubato , para el Ángel regresó a la UCLA para terminar los estudios que hacía de
que utilizó diversos materiales inusuales como cera, semillas, animación y continuó afinando y retocando el proyecto hasta
lichis, lechuga, etc. Más conceptual que sus animaciones previas, llegar a una versión final que se mostró en 2001 en el Festival
éste cuenta el viaje onírico de un nonato en su lucha por escapar Animamundi de Brasil, y en Los Angeles en el Animation
de un ambiente hostil. Para 2012, Miguel realizaba, bajo el Celebration y el New North American Animation Festival .5
apoyo de Sistema Nacional de Creadores de FONCA, otro corto
de stopmotion titulado El color de mis alas . Una vez terminada su maestría en la UCLA en 2001, se
distanció temporalmente del medio, hasta que en 2003 le Still de El color de mis alas (Anaya)
Jose Ángel García Moreno, didacta de exportación ofrecieron integrarse a la escuela de animación en la Universidad
Egresado de la Licenciatura en Comunicación de la de Loyola en Los Ángeles como profesor asistente con cursos
Universidad Iberoamericana, estudió animación por cuatro años que inició Dan McLaughlin6 desde el 2000. García Moreno entró
en la escuela checoslovaca de animación FAMU , y contaba en el en un periodo en que colaboró para la construcción y expansión
2000 con tres cortometrajes de autor en su haber: Abrimos del programa, que recibió una inversión fuerte y alta reputación
los domingos (1989), Largo es el camino al cielo en la Unión Americana, con egresados que han llegado a trabajar
(1996) y Cocktail Molotov (1999) que ya le habían valido como directores en DC Comics, Warner, y el estudio de
diversos reconocimientos en festivales del extranjero. En 1998, stopmotion Laika, entre otros. Hay que mencionar que para
mientras era jefe de animación de canal 11 del Politécnico, y
ganaba reconocimiento por las cortinillas y cortes de estación 5
Entrevista con José Ángel García, el 1º de agosto de 2012.
6
que realizaba para la imagen del canal, ganó el Concurso de Maestro emérito y encargado por muchos años del
Apoyo a la Producción de Televisión Cultural, organizado por programa de maestría en animación de UCLA, considerado
Catrina Posada y la gran piedra
uno de los mejores programas del mundo, y mentor de José
FONCA, Canal 22, Fundación McArthur y el ILCE, con colaboración Angel.
(García, 1998/2001)

15
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

2011, Loyola estaba considerada por el Hollywood Reporter Jorge Villalobos y Guillermo Rendón,
como la 18ª mejor escuela de cine en el mundo7. Hasta 2012, los iberoamericanos que dan el brinco
Jose Ángel fungía ahí como coordinador general de animación. Compañeros de la Licenciatura en Comunicación de la
Universidad Iberoamericana junto con José Luis Rueda, Jorge
En 2010, participó en el rediseño de la carrera de (mejor conocido como el Under) egresó del subsistema de cine,
Animación y Artes Digitales del Instituto Tecnológico de y Guillermo, del de Diseño. En los noventas realizaron el famoso
Monterrey (ITESM). Un año antes fungió como líder académico corto 4 maneras de tapar un hoyo (1995), producido en
en un taller vertical impartido en su campus Guadalajara, un taller extracurricular que armaron en la Ibero junto con José
Forced Labor (2009)
produciendo una serie de 5 cortos de entre uno y dos minutos, Luis Rueda (productor) y José Castro (guionista). También
hechos por 40 alumnos de todos los semestres de la carrera, animaron Los Changuitos (1995), animación de tres minutos
para una ONG estadunidense llamada CAST, enfocada en la con dibujos y recortes en cartón y música de Café Tacuba, como
abolición de la esclavitud y el tráfico de personas. Los cortos parte de una serie de cortos educativos de la CONAFE para
fueron Duplicidad, Forced Labor, Jessica, María y Once promover la lectura infantil.
upon a wall . Uno de ellos trataba sobre esclavitud agrícola,
hecho en recortes; dos más sobre tráfico sexual o trata de A partir de ahí, Jorge y Guillermo continuaron involucrados
Once upon a wall (2009) blancas, hechos en pixilación y 3D respectivamente; y uno más en el medio participando en varios cortometrajes de la época.
sobre la esclavitud doméstica, hecho en pixilación y dibujo Por parte de la productora María Negra Producción, asistieron
animado. en Malapata (2001) de Ulises Guzmán, sobre todo en labores
de preproducción. Después apoyaron por su cuenta a Jose Ángel
Durante nuestro periodo de estudio, José Ángel se García Moreno en sus cortos Largo es el Camino al cielo
concentró en el aspecto didáctico del medio, en el desarrollo y (1996), Cocktail Molotov (1999), y La Catrina Posada y
reflexión sobre estructuras de formación; y de manera personal, la gran piedra (1998/2001). Guillermo fungió como
se sumergió en la ilustración. Desde 2009 trabajó en un productor en los tres cortos, y Jorge asistió dirección para
proyecto de mediometraje titulado Semilla , del que tenía Largo es el camino… y la Catrina Posada.. .
elaborado el storyboard. En él, presentaba una visión mitológico-
Storyboard de proyecto Semilla fantástica sobre la conciencia e identidad mexicana, utilizando un Después de esto, ambos se distanciaron un tiempo de los
(García, 2009)
dibujo con emplazamientos fuera de lo común, y un acabado cortos animados. Jorge empezó a trabajar en escritura y
altamente gestual. En 2010 invitó a Shane Acker, director de la dirección de proyectos de ficción, realizando tres cortos:
película 9 (Focus Features, 2009) y excompañero de la UCLA, a Pasajera (1998), Semáforo , y Antes (2003). También
impartir junto con él la materia de tesis en Loyola, y desde trabajó en comerciales y entró como realizador en 2003 en el
entonces comenzaron a planear un posible largometraje que programa infantil Bizbirije de Canal Once del Instituto
sigue en proyecto. Igualmente, con visos a publicar junto con la Politécnico Nacional. Luego dirigió otras series infantiles de
la Dra. Tania de León, profesora de la UNAM, trabajaba en un acción viva del canal, como El Diván de Valentina , Cuentos
escrito y revisión profunda sobre el concepto de lo que significa de pelos y Camino a casa . En 2006, fue invitado por Ánima
la animación. Estudios para dirigir en la serie El chavo animado , donde
trabajó en tres capítulos, pero dejó de colaborar en la serie
cuando lo tomó por sorpresa el fallecimiento de su madre8.
Animación para el IFE,
(Transformador animación) 7
Entrevista con Jose Ángel García Moreno. 8
Entrevista a Jorge Villalobos, el 2 de agosto de 2012.
16
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA VIEJA GUARDIA

Guillermo Rendón por su parte entró a trabajar a Digifilm, por Carlos Hagerman, que venía elaborándola desde 2008, y es
empresa del también animador Armando Mejía, en donde la historia de una niña llamada la Chancla, de 11 años, y el
realizaban transfers de data to film. Éste era un proceso Chango, su mejor amigo, de alrededor de 8, que trataba sobre
bastante novedoso entonces, que permitía que las animaciones cómo se llevan los niños, cómo resuelven sus conflictos y cómo
ya no tuvieran que fotografiarse con película, sino brincar se divierten. La producción se planteó para hacerse en poco
directamente de fotos o imágenes digitales a la impresión en menos de un año y su estreno se acordó para el 15 de
35mm; un ingenio que en los años siguientes influiría diciembre de 2012.
fuertemente en la manera de hacer y producir cine animado. En
1999 se realizó en Digifilm el data to film de Cocktail El cuequero Ulises Guzmán
Molotov , probablemente el primer registro de este proceso Egresado del Centro Universitario de Estudios Cinemato-
para un cortometraje animado en México. Por otro lado, Rendón gráficos (CUEC) de la UNAM, participó con su ficción Virgen de
trabajó hasta el año 2008 en el departamento de diseño de la media noche (1993) en el festival de Sitges en Barcelona,
barra infantil de Canal Once, donde se encargaba de la donde tomó un par de cursos rápidos con el animador
producción y realización de sus cápsulas y cortinillas. También checoslovaco Jan Svankmajer y con Saul Bass, el famoso pionero
trabajó en comerciales, y realizó el Animatic del proyecto de en realización de secuencias de títulos animados para cine. Tras
largometraje Ana, de Carlos Carrera9. esta vivencia, en México se integró en 1995, junto con Luis
Téllez y Jose Luis Rueda10, en un taller de animación impartido
Su amigo José Luis Rueda trabajó por un tiempo más en por Dominique Jonard para la Filmoteca de la UNAM, donde El Chango y la Chancla (Hagerman, 2012)
María Negra Producciones y luego estableció su propia realizó el corto animado erótico Mis sentidos en tu espera .
productora, Cabeza Films, que se dedicaba a labores de Motivado por estas experiencias, propuso y ganó en 1995 el 3er
postproducción, efectos y créditos. En el mismo inmueble que lugar en el concurso de guión para cortometraje de IMCINE con
Cabeza Films, Guillermo y Jorge fundaron un estudio llamado el proyecto de Malapata (2001).
Transformador animación en el que hicieron, entre otras cosas,
comerciales para el Museo Papalote y el Instituto Electoral del Según el autor, su idea base partió de documentales
Distrito Federal. indigenistas que realizó para Televisión Educativa, en los que El Chango y la Chancla (Hagerman, 2012)
hablaba del chamanismo y la herbolaria. “A partir de estos, me
En 2011 echaron a andar el proyecto de Brinca, un taller- pregunté ¿Qué hubiera pasado si un chamán hubiese tenido una
estudio de animación infantil establecido en Valle de Bravo, Edo. fórmula que usara para defenderse de la conquista?”11 dice Guzmán.
de México, en asociación con el cineasta Carlos Hagerman, Así, Malapata narraría el castigo que sufre un vetusto jerarca
Nicolás Vale (productores ejecutivos) y Marek Fritzinger (director de la época de la inquisición de parte de un chamán indígena,
de arte). Brinca fue patrocinado por la Dirección General de cuando éste es obligado a fabricarle una pócima para animar las
Televisión Educativa (DGTVE) con el fin de realizar diversos prótesis de madera que utiliza en lugar de piernas12.
contenidos de corte infantil para los nuevos canales y espacios Malapata (Guzmán, 2001)
que se estaban gestando en la dependencia pública. El primero
de esos proyectos fue una exquisita serie de animación 2D tradi-
10
gital en base cutout armada con el programa ToonBoom Productor en ese entonces del corto generado en la Ibero 4
Harmony, titulada El Chango y la chancla . Ésta fue ideada maneras de tapar un hoyo (1995), seleccionado en el Festival de
Cannes.
11
Entrevista a Ulises Guzmán, 10 de julio de 2012. Guzmán y prototipos de marionetas para
9 12 Malapata
Entrevista a Guillermo Rendón, 2 de agosto de 2012. Aurrecoechea, Manuel, op.cit., p. 127
17
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Por la poca experiencia previa de Ulises en animación, el planeada; el cambio constante de directivos y funcionarios de
entonces Director de producción de cortometraje de IMCINE, IMCINE hacía inconstante el flujo de capital, y provocó que el
Pablo Baksht, le sugirió acercarse y asesorarse con Carlos proyecto se frenara y se retomara de manera muy intermitente.
Carrera, quien recién había ganado la palma de oro en Cannes Aspectos como la música y el diseño de audio, que corrió a
con su cortometraje El héroe (1993). De esta manera, Carlos cargo del mundialmente reconocido músico de estilo
realizó casi todo el storyboard y se estableció una mancuerna de prehispánico Jorge Reyes, estaba programado para montarse en
codirección entre ambos. Con poco flujo de capital de parte de ocho a diez horas de la sala THX en los Estudios Churubusco, y
IMCINE al inicio, obtuvo, tras un año de producción, la beca de terminó ocupando cerca de cien. Así, entre prueba y error, y tras
Malapata (Guzmán, 2001)
Coinversiones y Fomento a Proyectos Culturales del FONCA. muchas eventualidades, el corto se terminó en enero de 2001.
Ulises propuso inicialmente una animación en stopmotion que Se rumora por esto en el medio que la larga producción de este
duraría 15 minutos, y se dedicó cerca de dos años a construir corto (1995-2001) y de Síndrome de Línea Blanca (1994-
las marionetas de sus personajes y maquetas de escenarios, con 2005) de Lourdes Villagómez fueron tomados como ejemplo y
la ayuda de Luis Téllez y asesoría de Rigo Mora de Guadalajara. pretexto para suspender apoyos de IMCINE al corto animado.

Para 1998, Carrera se vió absorbido por la dirección de su A partir de ahí, Guzmán regresó a la ficción, pero desde
largometraje de ficción Un embrujo , y Ulises quedó en solitario una nueva perspectiva. Afirmando que la animación le hizo
Malapata (Guzmán, 2001) con la dirección de Malapata . En ese momento, quizá por la aprender y entender como nunca antes el lenguaje
salida de Carrera, Baksht le indicó a Guzmán que por cuestiones cinematográfico, decidió incluirlo y mezclarlo con los géneros de
de financiamiento lo mejor era echar para atrás la propuesta de ficción y documental en sus producciones subsecuentes para
stopmotion y que todo el corto se resolviera en animación potencializar sus discursos.
bidimensional13, con un acabado muy al estilo de como se había
resuelto El héroe. Así, la producción del corto se movió al En 2003, registró con su compañera y pareja Harumy
estudio Visiographics de Mario Noviello, y el layout y la dirección Villarreal su productora Oniria Films y comenzó a trabajar en el
de animación fue conducida y resuelta en unos cuantos meses corto XX-XY Fuera del mundo (2005), que realizó al ganar
por Felipe Morales. En producción comenzó con Jose Luis Rueda, la convocatoria de apoyo a la producción de artes digitales de la
aunque el cargo sería asumido en distintos momentos por Unidad de Proyectos Especiales (UPX) de CONACULTA14. Con
Lourdes Villagómez, Gabriela Monroy y Edgar Díaz, quien traería trabajo donado de productoras asociadas a la AMFI (Asociación
en la recta final cierto orden a la producción, y permitiría Mexicana de Filmadoras), y apoyo de la escuela de la AMCI
aterrizar y terminar el corto. (Asociación Mexicana de Cineastas Independientes), llevó a cabo
esta ficción de cine experimental digital que se inspiró en una
XX-XY, Fuera del mundo (Guzmán, 2005) Malapata se desarrolló a lo largo de muchos años y no nota suicida real encontrada entre los escombros de un hotel
sin innumerables conflictos. La animación tomó cuatro largos
años de desarrollo, para finalmente ser producido y terminado
14
en un periodo de seis a siete meses en una técnica diferente a la Esta convocatoria buscaba apoyar proyectos experimenta-
les de videoarte, video-performance, videoinstalación y cine
digital. Dirigida por Dolores Creel (hermana del entonces
Srio. de Gobernación Santiago Creel), la UPX desapareció
13
Propuesta que a Guzmán le pareció sin mucho un par de años después, tras presunta y cuantiosa
fundamento, ya que a su parecer, para lo avanzado del malversación de sus fondos por parte de la funcionaria. Cfr.
proyecto, hubiera costado casi lo mismo de hacerse en “Unidad de Proyectos Especiales, bajo el sello Creel”, El
Alucardos (Guzmán, 2011) stopmotion. Universal, Secc. Cultura, 7 de abril de 2004, México, D.F.
18
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA VIEJA GUARDIA

durante el terremoto de 1985. Con actuaciones de Maya Zapata son solo cómics animados y punto… Queremos meter [a fuerza] una
y Alberto Estrella, la historia de desamor de Guzmán retrata una historia en la animación, y a veces no; esa es la animación de Disney,
pareja que se instala en un viejo hotel para hacer el amor y pero vete a Svankmajer, y dices: “Un guión así, jamás se lo hubieran
cumplir un pacto suicida que se ve interrumpido por el desastre aprobado en México”… Te quieren poner un saco, y si no, no estás
haciendo cine, o quien sabe qué piensan que estás haciendo. Entonces
telúrico. La realización incluyó la integración de varias secuencias
esa parte que tú hablabas con una palabra muy padre: “la sangre”, nos
animadas en los momentos climáticos de la historia, en varias de falta a los animadores mexicanos, y meternos a hacer experimentación
las cuales tuvo la colaboración del estudio de animación narrativa y estética...”
publicitaria Imágica.
Lourdes Villagómez, productora animante
A partir de 2005, Ulises se embarcó en la realización del Nacida en Nuevo Laredo y criada en Morelia, Lourdes
largometraje Alucardos, retrato de un vampiro , un Villagómez estudió Comunicación en la UAM Xochimilco en el DF.
documental ficcionado que incluía cerca de siete minutos de En los noventa comenzó trabajando en una casa productura de
animación que permitieron pasajes que hubiera sido imposible comerciales, donde conoció el trabajo de Mario Noviello en el
recrear de otra manera. Incluyó así secuencias tan extrañas estudio Visiographics, y atraída por los proyectos ahí
como una realizada desde el interior de la boca de uno de los desarrollados, comenzó a hacerse aprendiz de sus animadores
protagonistas. Su historia parte de hechos y personas reales, y haciendo labores básicas. Contactó a Carlos Carrera y entró a Concept art para proyecto 13 Baktun
relata el periplo de Lalo y su pareja Manolo, un hermafrodita que colaborar como 2ª asistente de dirección y en producción del
desea convertirse en Alucarda, el personaje de una película corto El Héroe (1993); luego consiguió una media beca
realizada por el ícono del cine de terror Juan López Moctezuma. Fullbright, y en 1993 se fue a estudiar un master de animación
experimental en el instituto Cal Arts en los Ángeles. A partir de su
Para 2012, Ulises trabajaba junto con Harumy la segundo año ahí, comenzó su proyecto de tesis, donde iniciaría
preproducción de una película de acción viva titulada 13 su corto Síndrome de Línea Blanca (2001/2003/2005).
Baktun , en que planeaba integrar a un personaje virtual hecho
en 3D digital: El dios maya de la muerte Yum Kimil. El diseño de En 1996 entró como preproductora en la primera etapa del
éste correría a cargo de Raúl Cruz, creador especializado en arte corto Malapata (2001) de Ulises Guzmán, cuando aún se Síndrome de Línea Blanca (Villagómez,
fantástico-postapocalíptico con fuertes influencias prehispánicas. pensaba hacer en stopmotion. En 1997 aplicó para el apoyo de 2001-2003-2005)
producción de IMCINE y obtuvo apoyo del FONCA y de la
Para sostenerse y paralelo a sus proyectos arriba empresa de cine Organización Ramírez para Síndrome de
mencionados, Ulises ha laborado en diversos proyectos para la línea blanca. Así, con ayuda de una gran diversidad de
Dirección General de Televisión Educativa (DGTVE), y ha personas en distintos momentos, entre las que se cuentan el
impartido cursos de guión, dirección, animación e historia del animador Luis Téllez y Gerardo Quijano como animadores, su
cine en instituciones como Arte7, la AMCI, la Universidad asistente de dirección Paula Astorga, su hermana Diana y su
Iberoamericana y la Escuela de Periodismo Carlos Septién. productora Elizabeth Hernández entre otros, estuvo grabando
todo 1998 en los foros del estudio Argos en Tlalnepantla, pero le
Respecto a su trabajo ecléctico, y el tipo de animación que requirieron el espacio antes de que pudiera terminar de filmar.
se produce actualmente, acotó:
Parte del crew en los inicios de Síndrome
“Se ha hecho un gran daño al verdadero espíritu narrativo de Sin dinero y sin foro, en 1999 se dedicó a otros proyectos. de Línea Blanca (izq. a der.: Gerardo
imágenes que tiene el mexicano [ancestral]. El mexicano “previo” tenía Quijano (†), Luis Téllez, Paula Astorga,
Recibió un apoyo del Instituto Mexicano de la Juventud (IMJUVE)
una gran inventiva visual, pero hoy en día, muchas de las animaciones Lourdes V. y Arcady Palerm, circa 1998)

19
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

para hacer una instalación, trabajó en un proyecto de lo fantástico en lo cotidiano , manejadas en un entorno
documental experimental patrocinada por la beca Rockefeller; y, doméstico, con timelapse y animación de objetos. Durante esos
recomendada por su viejo compañero el animador Miguel Anaya, años, realizó también eventuales labores de producción, de
hizo producción para algunos comerciales en el estudio La mamá video y animación para el artista belga Francis Alÿs, y produjo
de Tarzán de Enrique Navarrete. En ese inter, recibió nuevas animación nuevamente para su instalación Bolero (2007).
ayudas para su corto Síndrome… Gerardo Tagle, estudiante Entre 2005 y 2007, a nombre de su colectivo Los Animantes y al
del CCC, le consiguió nuevos patrocinios para materiales y lado de Carlos Carrera y los animadores Alberto Mar y Alberto
Alejandra Guevara le negoció el préstamo de un foro por parte Rodríguez, produjo para ediciones SM México una serie de
Un papá a la medida
de la Filmoteca para terminar de filmarlo en 200015. cortos animados basados en cuentos para niños. Ver Series-
(Los Animantes, Ediciones SM, 2006) animadas-Animaciones para internet.
En marzo de ese año, Jose Antonio Rodríguez, su asesor
de tesis en la UAM y antiguo jefe, la invitó para trabajar en un Villagómez continuó como maestra de animación en la
proyecto en la facultad de artes en la Universidad Autónoma de Universidad de Morelos hasta 2007, cuando sugirió a Luis Felipe
Morelos (UAEM) para conformar un programa de cursos de Hernández para que tomara el cargo en animación tradicional y a
animación, algo que conocía poca oferta en las universidades del Edgardo Mendoza, animador 3D que conoció en La mamá de
país en ese entonces. En 2001 y 2002, mientras impartía clases tarzán. Ese año, Coke Riobóo, animador español y maestro de
los viernes en Cuernavaca, volvió a La mamá de tarzán para stopmotion en la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de
trabajar como asistente de dirección de Enrique Navarrete. En Madrid (ECAM) asistió al el Festival Expresión en Corto para
Sexo en la cabeza. El año en que cayeron los 2003, Navarrete partió a Dreamworks y Lourdes fue invitada por impartir un taller para niños en San Miguel de Allende,
aviones (Villagómez, 2008) Carlos Carrera para producir para la Universidad Iberoamericana Guanajuato. Por sugerencia de la animadora española Isabel
el corto De raíz (2004). Igualmente ese año terminó por fin la Herguera, vieja amiga y maestra de Lourdes desde las épocas de
versión en video de Síndrome de Línea Blanca 16, y la Cal Arts, Coke pasó a la Cd. de México para conocerla. Ante la
presentó en la primera edición del Festival de Cine de Morelia. química inmediata entre ambos, formaron pareja y mancuerna
Esta animación de objetos y recorte con sets y dibujos de profesional, y Lourdes se casó y migró a Madrid en 2008.
tamaño natural, narra la vida imaginaria de una niña que muere
atropellada, despierta en forma de una silueta de línea blanca y, Ese mismo año recibió la beca del Sistema Nacional de
como princesa de cuento de hadas, va en búsqueda de su final Creadores (SNC) del FONCA para el periodo 2008-2010 y
feliz. Síndrome… se convirtió en uno de los cortos apoyados trabajó en su proyecto Grandes Éxitos, consistente de tres
El sueño de Arizona. Anim. para alcanzar la por IMCINE más tardados en realizarse, hecho que lo hizo blanco entregas: El año en que cayeron los Aviones, Greatest
iluminación (Villagómez, 2009-2010) de numerosas críticas y controversia, cuando el Instituto decidió Hits Vol.1 (2008-9); Animación para la iluminación &
cancelar apoyos a la animación por 5 años. other Galactic Fun, Grandes éxitos Vol. II (2009-
2010); y Un Año y otros covers, Grandes éxitos Vol.
En 2002 y 2003 también realizó con la Beca Jóvenes III (2010-11). Ésta es una serie de animaciones breves de
Creadores seis piezas animadas tituladas The Illusion of life, líneas temáticas, producidas en un formato que imita el de un
disco de música, con varios tracks incluidos, y que emula las
estrategias de distribución de música independiente producida
15
Entrevista a Lourdes Villagómez, 18 de mayo de 2012. fuera del circuito comercial.17
16
Lourdes sacaría una segunda y definitiva versión en cine
en 2005, que seguiría aprovechando para extender su vida
Ejercicio de autodefinición 2. Un año y 17
otros covers (Villagómez, 2010-2011) en corrida de festivales. Entrevista a Lourdes Villagómez, 18 de mayo de 2012.
20
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA VIEJA GUARDIA

En 2012 le renovaron la beca del SNC de FONCA para de la UNAM, concentrándose en estudios de gráfica y grabado.
realizar dos cortometrajes y “un manual de instrucciones para Adriana venía trabajando desde 1997 con la temática de la
animadores para alcanzar la iluminación”. La salida de los muerte, y cuando se conocieron planeaba trabajar la idea de una
últimos trabajos de Lourdes ha sido básicamente internet o en polilla que volaba en un espiral áureo hacia la luz, en un manejo
galerías de arte, lo cual ha hecho que no haya sido visto por de simbolismos ligados por diversas culturas en torno a la
mucho público interesado en la animación. Sobre su actual forma muerte y el retorno de los muertos. Adriana planeaba concretar
de trabajo comentó: esto como una instalación de imagen fija a la que titularía
“Síndrome [de línea blanca] fue un proyecto tan pesado para Anatomía de la mariposa , pero Andrea, que se integró Te hice caso mamá… Marcha madrileña
mí, que yo decidí que no volvía a hacer 35mm en mi vida, …por mi (Villagómez, 2011)
animosamente al proyecto, le sugirió utilizar animación.
tipo de carácter soy muy crítica con mi propio trabajo y lo sufro
mucho, por otra parte, cuando es el trabajo de alguien más no Después de inscribirlo y ganar la convocatoria de
tengo el peso… lo disfruto mucho más. Eso es ya lo que estoy CONACULTA de Unidad de Proyectos Especiales (UPX),
haciendo más, en Madrid he estado trabajando con artistas –que
comenzaron a trabajar en la obra, que se realizaría con dibujos
se ha puesto muy de moda hacer animación—, entonces asesoro
y produzco para artistas, y estoy haciendo mi proyecto, que son sobre papel con escaneo digital. A pesar de que aún no era un
animaciones que puedo hacer yo dentro de la casa, o en la calle, terreno muy explorado por artistas visuales, y de su poco
pero que van a video, con una postproducción que no es conocimiento del área, decidieron experimentar con recursos
complicada y que no tengo que estar pasando la mayor parte del digitales, utilizando algo de 3D digital y manejo de multiplanos en
proyecto consiguiendo dinero para poderlo terminar”. After Effects con la ayuda de Jorge Rebolledo. El resultado fue un
corto cuyo manejo del discurso y estética inusual para el medio, Cápsula derechos de los niños
Adriana Bravo y Andrea Robles, las Doble A llamó mucho la atención de los animadores y fue reconocido en (Castillo, UNICEF, 1999)
Andrea Robles, defeña egresada de la licenciatura en diversos festivales de animación, cine experimental, y expuesto
Comunicación de la Universidad Iberoamericana y Adriana Bravo, en galerías de arte.18
boliviana graduada de la maestría en Artes Visuales de la
Academia de San Carlos de la UNAM, formaron una dupla Tras el éxito de Anatomía de la mariposa , (2003-
artística nombrada “Doble A” que ha sido ampliamente 2004) Andrea ingresó en el programa 2004-2005 de Jóvenes
reconocida por sus producciones animadas fuertemente ligadas Creadores de FONCA con el proyecto de Microftalmia (2005),
al campo de las artes plásticas. Estudiando parte de su carrera el cual se construiría basado en una serie de sonidos generados
en el campus Santa Fe de la Universidad Iberoamericana y parte por su hermano, quien padece de autismo. La idea, materializada
en el ITESO en Guadalajara, Andrea se interesó especialmente visualmente a través de rotoscopía hecha con óleo sobre cristal, Anatomía de la mariposa
por la animación a partir de un taller que tomó con René Castillo buscaba lograr un acercamiento al universo de sensaciones y al (Robles, Bravo,2003-2004)
en la capital tapatía, en el que participó en una de las cuatro mundo de su hermano. Al experimentar con los solventes con
cápsulas que el taller acordó realizar para la UNICEF a favor de que limpiaban el óleo al realizar las secuencias del corto, y
los derechos de los niños en 1999. descubrir las fortuitas estructuras visuales que estos podían
generar en la imagen, Andrea y Adriana decidieron integrar estas
En 2001, regresando de una estancia en Suiza, Andrea caprichosas alteraciones a la estética del proyecto. A partir de
conoció en el Distrito Federal a Adriana, dibujante que después ahí, el fenómeno del accidente controlado se convertiría en un
de haber estudiado la licenciatura en Artes en la Universidad recurso y un tema constantemente presente en su obra.
Mesoamericana de San Agustín (UMSA) en su natal Bolivia, se
encontraba realizando la maestría en la Academia de San Carlos 18
Entrevista a Doble A, 22 de mayo de 2012. Microftalmia (Robles, Bravo, 2005)
21
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Para 2008, Doble A fue comisionada para realizar una obra monocanal del proyecto, y con la que planeaban cubrir el circuito
ligada al tema del deterioro ambiental para la 1ª edición del foro regular de festivales.
contemporáneo de animación Animasivo. De ahí surgió El Fish ,
corto que realizaron en tres meses y que se inspiró a partir de Siendo un dúo que se ha complementado y en el que han
que ambas observaran el cuadro de Las tentaciones de San aprendido una de la otra, Adriana Bravo fue en un inicio más
Antonio de el Bosco, en el Museo de Arte Moderno de Brasil. En inclinada al aspecto gráfico y de dirección artística, una guionista
este corto, realizaron un recorrido visual de los distintos detalles visual y constante generadora de ideas, mientras Andrea era la
de un universo que recuerda al cuadro del famoso pintor contraparte de animación, imagen en movimiento, realización y
neerlandés, habitado por las innumerables y grotescas criaturas concreción de dicha lluvia de conceptos. En vez de construcción
El Fish (Robles, Bravo, 2008)
inspiradas en monstruos que Adriana solía garabatear cada vez narrativa de historias, Doble A prefería explorar nuevas y
que hablaba por teléfono. Todos estos seres habitaban un creativas maneras de ver, sirviéndose de las nuevas tecnologías
mundo que al final descubrimos se encuentra dentro de un taco para llevarnos a trabajar con las emociones y sensaciones
que es devorado en la insalubre taquería del “Fish”19. transmitidas a través de sus imágenes en movimiento. Así,
trabajaban más bien en conceptos abiertos que pudieran inclinar
En 2009, volviendo a su obra propia, aplicaron en el al espectador a la reflexión, y hasta el sobresalto. Han generado
Centro Nacional de las Artes (CENART) para el Programa de obra en torno a ideas como el ciclo eterno de retorno de la vida
apoyo a la producción en arte y nuevos medios, para producir su y la muerte; o sobre lo tétrico-siniestro de la aparición de cosas
corto Instantes . Esta propuesta llevaba el accidente controlado cotidianas que vuelven, pero de manera diferente, en un
Instantes (Robles, Bravo, 2009) un paso más lejos. Basado en la idea del puntillismo, en el corto contexto en donde no deberían, y que puede llevarnos a un
se construyen y deconstruyen dibujos y formas a partir de plano perturbador, y hasta macabro.
múltiples y minúsculas videograbaciones que hacen la función de
puntos. Estos minivideos consisten en gotas de tinta que caen Guadalupe Sánchez Sosa, directora de arte
sobre el agua de una pecera, y arman por cientos la textura y Esta veracruzana estudió diseño gráfico en la Escuela
forma del dibujo. Tenemos así un ciclo creado a partir de Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, y realizó la primera
pequeños ciclos, derivados del desdoble caprichoso de la tinta. animación estudiantil en cine de la que se conserva registro en la
Academia de San Carlos: Mentirosa (1976). Realizó por
En 2012, tenían planeada una instalación multicanal con muchos años animaciones para programas de televisión,
ocho diferentes propuestas reproducidas simultáneamente en un promocionales de diversas instituciones y proyectos culturales.
No estás solo (Sánchez, 2005) espacio de exposición tridimensional real. Apoyada por la beca Para cierre del siglo anterior, colaboró junto al director Paul
Rockefeller del Tribeca Film Institute, su idea era montar por Leduc en el proyecto para niños La casita de Cri-Cri . Éste
primera vez una exposición completamente de animación en era un video de animación digital 3D de 30 minutos, realizado
México. Paralelo a esto, realizaban la obra Identidad- con la productora Macondo y el estudio de postproducción
Alquimia , que constituiría la parte en versión cortometraje Gretel, que incluiría 11 canciones del compositor Gabilondo Soler,
aunque el proyecto quedó inconcluso por falta de fondos y solo
se terminaron cinco, entre las que se contaban El Comal y la
19
Cabe mencionar que El Fish era una verdadera taquería Olla, El Negrito Bailarín, y El Gato de Barrio 20.
ubicada a la vuelta del estudio de Doble A, y a la que
irónicamente iban a comer diariamente un gran número de
empleados de la Secretaría de Salud, ya que sus oficinas
20
Niño de mis ojos (Sánchez, 2008) estaban justo enfrente. Aurrecoechea, Juan Manuel, op. cit., p. 123.
22
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA VIEJA GUARDIA

En 2001, Sánchez ganó con Las Brujas del Radio – Animación de Annecy –uno de los más prestigiados a nivel
guión coescrito con Nuria Gómez— el primer lugar del concurso mundial—, además obtener una nominación para el Ariel, entre
internacional de ideas para la producción de largometraje otros galardones. A partir de este filme, Guadalupe conformó un
animado para niños, en el Festival Divercine, de Uruguay. En taller o grupo de trabajo con el que realiza sus proyectos
televisión dirigió y animó para Argos y Disney Channel animados, conocido como La Gota Gorda22.
Latinoamérica la serie didáctica infantil ¿Sabes qué? con 22
cápsulas de cerca de tres minutos. Éstas fueron elaboradas con Para 2009, realizó gráfica y fragmentos animados en 3D y
animación de objetos, de recortes, y “manimación”21; y el uso rotoscopía para la película de acción viva La sirena y el buzo
Niño de mis ojos (Sánchez, 2008)
ingenioso de tiliches domésticos, papelería popular, frutos, (2009), de Mercedes Moncada. En 2010, produjo un piloto de
verduras y juguetes. En 2005, produjo dos animaciones de un 10 minutos para el IFE titulado El ciudadano León , que
minuto para el Consejo Nacional en contra de la Discriminación: consistía en animación de muppets y 2D digital. Éste era
No estás solo y Caras. Éstas se hicieron con manimación y destinado para preescolares, y se basó en una serie de radio
animación 3D digital, y tenían la finalidad de motivar a los niños a producida por Radio Educación. En 2011, publicó el libro Guía
denunciar el maltrato y la discriminación. para los animados , un manual práctico de introducción a la
realización de animación tradicional con ayuda de herramientas
En 2008, Guadalupe terminó uno de sus trabajos más digitales. Editado por IMCINE y la Secretaría de Turismo, Cultura y
importantes: Niño de mis Ojos . Cortometraje de animación Cinematografía del Estado de Veracruz, ésta es una de las pocas
acabado en 35mm y hecho en rotoscopia digital, éste le tomó publicaciones especializadas en animación que han salido a la La sirena y el buzo (Moncada, 2009)
cerca de cuatro años en realizar. Su historia muestra el idilio de luz en México.
una mujer que vive en su departamento con un diminuto
hombrecillo. Mientras ella lo cuida, él le canta alegres huapangos Finalmente, en 2012 también trabajaba otras inserciones
todas las mañanas. Todo pasa bien, hasta que un nuevo vecino animadas, hechas en 3D digital y luego rotoscopiadas, para el
llega al edificio, e irrumpe en la armonía de la inusual pareja. telefilme producido por Canal 22, El Chalán (Michela Grau,
Esta idea surgió a partir de una serie de dibujos que le fueron 2012). A la fecha, Guadalupe formaba parte del Sistema Nacional
encargados a Guadalupe por Germán Bellinhausen para la revista de Creadores de Arte (2002-2005, 2011-2014) y continuaba
Nexos, y que después desarrolló como guión en un taller experimentando con las posibilidades de las técnicas
impartido dentro de la productora Amaranta por el cubano tradicionales de animación, aplicadas en medios digitales.
Alberto Eliseo Diego, con supervisión de Gabriel García Márquez.
Piloto El ciudadano León (Sánchez, 2010)
Graco, fanático del stopmotion
Sánchez pudo terminar este corto en cine tras ser Gerardo Rodríguez Álvarez, mejor conocido como Graco, es
ganadora del 1er Concurso Nacional de Apoyo a la Post- uno de los animadores consagrados en cuerpo y alma al
producción de Cortometraje de IMCINE, aunque esto le implicó stopmotion, siendo uno de los principales impulsores de la
cederles la totalidad de sus derechos de distribución. Niño de técnica tradicional de marionetas animadas cuadro por cuadro.
mis ojos tuvo una buena respuesta, y fue seleccionado en la Autodidácta, en sus inicios tuvo gran influencia del trabajo de Tim
sección Panorama del Festival Internacional de Cine de Burton, y una constante fascinación por la cultura de Japón,
especialmente por la rama gráfica del manga, y el anime.
21
Acuñado por Guadalupe, el término se refiere al creativo
uso de manos y dedos pintados y disfrazados a manera de
22
Entrevista a Guadalupe Sánchez Sosa, 8 de marzo de 2011. Chalán (Michela Grau, 2012)
títeres para representar personajes vivos.
23
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

En 1997, Graco comenzó a gestar un proyecto de cuento DF, y también imparte cursos en Golem Producciones. Ese mismo
titulado Edgar’s Amazing Dog 23 del cual llegó a realizar un año planea un proyecto de serie televisiva animada, TV Boy ,
animatic y un par de pruebas animadas con miras a hacer un que trató de vender a productores franceses (presumiblemente
corto. Aunque el proyecto nunca se terminó, decidió entonces Canal +), pero requiriendo una labor de dos años y una planta
establecer una productora llamada Graco Films con sus de producción de 127 personas capacitadas inexistente en
compañeros Gustavo Rubio y David Iglesias, en la que buscaría México, se ve forzado a abandonar el proyecto. Es a partir de
dar salida a sus proyectos animados. Para el final del siglo, el 30 esta experiencia que optó por la formación de su propia fuerza
de diciembre de 1999, terminó de realizar un cortometraje laboral; comenzó a impartir algunos cursos desde 2007, y en
titulado El show del vampiro , que afirma le tomó un mes de septiembre de 2008 fundó oficialmente Graco Animation
producción, con un equipo de alrededor de 15 personas y una Training.
El Show del vampiro (Rodríguez, 1999-2004)
inversión propia de cerca de cien mil pesos. El corto, de tan solo
un minuto, pero de una muy respetable hechura y dedicado a su A la par de esta empresa educativa, Graco continuó su labor
entonces modelo a seguir Tim Burton, es reconocido en algunos de producción en convenio con NHK de Japón. Realizó
festivales, y en 2004 con la colaboración del director de la AMCI, nuevamente spots para la teledifusora, y desde 2009 emprendió
Pedro Araneda, y en acuerdo con Columbia Pictures México, el la realización de una serie para niños de 6 episodios titulada
corto se distribuiría con 500 copias en cine de 35mm añadidas Ken y el Monstruo , de los cuales llevaba 5 terminados hasta
antes de la pelicula Spiderman 2 , lo que probablemente lo agosto de 2012. Para más datos, revisar en capítulo de Series
haya vuelto uno de los cortos mexicanos más vistos en la historia animadas.
del país.
Invasión del planeta Mercurio
(Rodríguez, 2003) Su estrecha relación con la cultura japonesa le llevó a realizar
trabajos de animación en ese país, realizando constantes viajes.
Entre el año 2000 y 2004 Graco vivió una etapa en la que se
dedicó fuertemente a la realización de spots publicitarios. Entre
agosto y octubre de 2001 realizó una serie de spots para la
difusora televisiva nipona NHK, en 2002 hizo un spot del día del
niño para Televisa, y en septiembre de 2003 en un periodo de
sólo tres semanas realizó su segundo cortometraje, Invasión
del planeta Mercurio , expresamente para participar en el
concurso de la estación radiofónica Radioactivo, obteniendo el
cuarto lugar24.

A partir de 2004 comenzó una labor docente, trabajando por


Ken y el monstruo (Rodríguez, 2009-2012)
8 meses para Fiction Lab, escuela pionera de animación en el

23
Cuyo perro protagonista decidió llamar igualmente
Graco, y a la postre se convertiría en la mascota de su
compañía.
24
Entrevista a Gerardo Rodríguez, el 27 de junio de 2011.
24
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA NUEVA GUARDIA

A NIVEL NACIONAL, LA NUEVA GUARDIA


Inspirados por los precursores noventeros y su obra, esta nueva camada de jóvenes artistas se acercó a ellos y a los talleres que
impartían. Una gran parte aprendió también el oficio por cuenta propia, y no tuvieron mayor problema con el brinco digital, dado que
crecieron rodeados desde un principio por las nuevas tecnologías. Debido a esto, el desarrollo de proyectos netamente digitales o
híbridos se dio en ellos de manera un poco más natural, aunque su bagaje cultural y dominio de la narrativa audiovisual parece
encontrar a menudo mayores dificultades en la construcción de historias mejor aterrizadas. De cualquier manera, esta continuidad de
autores ha dado lugar a interesantes exponentes y proyectos en una cantidad que, solo diez años antes, hubiera sido impensable. Aquí
un listado de los más relevantes:

Luis Felipe Hernández, autor no narrativo histórico de la ciudad de México. En 2006, empezó a dar clases
Animador morelense, estudió Diseño Gráfico en la en la UAED –recomendado por Lourdes Villagómez— y en La Esfera (Hernández, 2005)
Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAED). En el Salle Cuernavaca, y a partir de ahí comenzó una carrera
2000 tomó un curso de 3D digital, pero no le agradó mucho el valiéndose de diversos apoyos y concursos para realizar sus
proceso. Por el contrario, en la carrera hizo un ejercicio de propios y personales cortometrajes de animación. Ese mismo
stopmotion cuyo acercamiento le agradó mucho más, debido a la año, recibió el apoyo del Centro Nacional de las Artes (CENART)
mayor plasticidad de las imágenes y la riqueza de la texturas y la beca de Fomento y Coinversiones Culturales de FONCA para
inherente en las fotos capturadas de la realidad. Autodidacta, y realizar su corto Azul hiel Lúgubre Néctar (2007). En este
tras hacer un par de cortos caseros, solicitó la beca de stopmotion nuevamente de línea simbólica, una niña enferma
Residencias Artísticas de FONCA para realizar un master en esa escribe poesía en el interior de una pequeña casa, y personajes
técnica, en la escuela de Barcelona 9zeros. Ahí realizó su primer en el interior de ésta la invitan a aceptar su inevitable muerte.
corto en forma, titulado Esfera (2005). Sin diálogos, en un Hernández acotó que la obra se inspira en la vida y obra de
La marea (Hernández, 2005)
perturbador stopmotion altamente conceptual y ajeno a la Alfonsina Storni. Azul hiel… se estrenó en el Festival
narrativa tradicional, Luis Felipe anima a dos niños inexpresivos Internacional de Cine de Morelia (FICM) y ganó el premio al mejor
de madera que exploran el interior de una casa, y al interactuar corto del Festival de Artes Audiovisuales de la Plata, Argentina.
con los personajes y objetos que la habitan, se descubren a sí
mismos como seres vulnerables a una suprema ley natural. En 2007, recibió la beca Media Arts Fellowship (antes beca
Esfera ganará el premio a mejor corto animado en el Festival Rockefeller) y en 2008 ganaría el 8º Concurso Nacional de
de Internacional de Cine de Morelia (FICM), y de mejor animación Cortometraje de IMCINE con su proyecto de corto Martyris
experimental del International Fest of Cinema and Technology (2008), que presenta a un santito que, en un mundo sombrío y
(con sede en Los Angeles, Londres, Sydney, Paris, etc.), entre decadente, cuida a seres que padecen instintos suicidas,
otros. manteniéndolos cautivos en una iglesia abandonada. Para 2009, Azul hiel lúgubre néctar (Hernández, 2007)
realizó como comisión para la 2ª edicion del Foro Animasivo el
Durante esa estancia en España, fue comisionado por el cortometraje inconcluso de stopmotion Nebuloso .
Festival de cine de Sitges para hacer la cortinilla de apertura del
festival, y MTV Europa (Londres) compró los derechos de 4 Sin interés alguno por incursionar en la publicidad, lejos del
ejercicios animados suyos para integrarlos en su plantilla de lucro o colocación comercial, Luis ha apuntado más bien al
Artbreaks con proyección mundial. Al regresar a México, deseo de una búsqueda personal de producción independiente y
realizó el corto de pixilación La marea (2005) en que un niño propositiva, de autor. Su acercamiento a la animación fue hasta
acude emocionado al llamado de una bailarina en el centro muy adulto, sin la inmersión infantil tan profunda en el mundo Martyris (Hernández, 2010)
25
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Disney, Cartoon o Anime, como muchos otros. Al conocer en la Rafael y Raúl Cárdenas, animadores 3D
adultez el trabajo de animación de Europa del Este y gente como Originarios del estado de México, los hermanos Raúl
Jan Svankmajer, le fascinó, sintiéndose identificado con su (1977) y Rafael Cárdenas (1983) han sido de los pocos
estética, pero no tanto influenciado, ya que asegura los conoció animadores independientes en desarrollar su trabajo en el área
ya que llevaba cierto tiempo trabajando por cuenta propia su del 3D digital.
estilo. Se declara además admirador de animadores como Tim
Burton (en sus inicios), y la noruega Anita Killi25. Raúl comenzó estudiando Diseño Gráfico en la Universidad
Autónoma del Estado de México, pero cuando descubrió que esa
Nebuloso (Hernández, 2009) A Hernández le ha interesado contar historias que toquen carrera tenía una línea preponderantemente editorial, en tanto
los colores, las texturas, los símbolos, olvidándose por completo que sus intereses se inclinaban más por la narrativa audiovisual,
de los diálogos… prefiere contar a través de los gestos decidió cambiarse a la Universidad Autónoma de Guadalajara.
corporales. No ve a sus personajes como pequeños seres vivos, Durante su tiempo de estudios ahí, René Castillo se encontraba
sino como juguetes que pone a actuar y representar, sin perder solicitando practicantes para trabajar en su cortometraje Hasta
de vista que son muñecos, los cuales se mueven de manera los huesos (2001), en el cual Raúl se enroló por algún tiempo.
especial, inquietante y perturbadora, como lo hacen muchos de Para el 2003, influenciado por el conflicto de invasión
los personajes de la animación europea. No se concentra estadounidense a Irak, realizó un cortometraje titulado Rojo , el
demasiado en la reacción que espera del espectador, más bien cual fue seleccionado y transmitido en el programa de cable
trata de buscar un estilo que refleje un mundo diferente, cercano Flash MTV.
Luis Felipe Hernández Alanis
a su cultura mexicana, evitando los clichés.
Por su parte, aconsejado por Raúl de buscar una carrera
Sobre la industria Luis Felipe opina que ha crecido mucho con mayor rango de acción que Diseño Gráfico, Rafael entró a
en los últimos años, ha habido un buen avance, si consideramos estudiar la carrera de Comunicación en la Universidad Anáhuac
cuántos estudios que realmente produjeran animación (y no la del Norte en el DF. En 2003 realizó un ejercicio animado en el
mandaran a maquilar al extranjero) existían en el año 2000. programa Cinema 4D titulado Lágrimas , el cual inscribió en el
Pero para él es importante que las nuevas mentes creativas que Festival Universitario de Cine y Video Alucine, mismo en el que
vayan surgiendo en los siguientes años no se vean contaminadas tomó un taller de animación impartido por René Castillo. “En ese
por una formación estandarizada en estudios comerciales, y que momento supe que animación era realmente lo que quería hacer”,
en las universidades se puedan ofrecer programas más nutridos comenta Rafael26.
y enfocados de animación en donde se pueda llegar a encontrar
Rojo (Cárdenas, 2003) una formación “culta” de animación que pudiera mantenerse Para el siguiente año, dándose cuenta que estaban
hasta cierto punto alejada del mainstream, y más comprometida haciendo cosas similares, ambos hermanos se preguntaron por
con propuestas personales y diversas. Esperaba que la industria qué no mejor trabajar un corto juntos. Aprovechando que Raúl
no sólo se diera a través de la creación de nuevos estudios estaba aprendiendo el programa Lightwave, decidieron participar
comerciales y publicitarios sólidos, sino también de nuevos en un concurso propuesto por la escuela de animación 3D digital
animadores independientes que sigan haciendo propuestas Eunoia, que lanzó una convocatoria para realizar un corto que
como las de René Castillo y Carlos Carrera. hablara de mitología griega. Fue así que Rafael aprendió

25 26
Entrevista a Luis Felipe Hernández, el 15 de agosto de Entrevista a Raúl y Rafael Cárdenas, el 1º de agosto de
2011. 2012.
Fly (Cárdenas, 2006)
26
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA NUEVA GUARDIA

Lightwave rápidamente con ayuda de su hermano, y realizaron Este desaire les hizo trabajar con más fuerza en el proyecto,
Aquiles (2004). Aunque el concurso se canceló finalmente, los para registrarlo y ganar en el 7º Concurso Nacional de Proyectos
hermanos terminaron el corto y les sirvió de pretexto para de Cortometraje de IMCINE. En Luna decidieron brincar de una
adentrarse más en el uso del mencionado programa, y para estética que en sus trabajos anteriores siempre había sido muy
emplearlo en un proyecto que ya habían comenzado para ese cándida, de colores luminosos y saturados, para buscar una
entonces. El corto se titulaba Calaverita (2005), y narraba en historia más profunda y con una mayor gama de ánimos en su
un estilo infantil y muy naif el choque cultural de dos fiestas que construcción. Esta historia muestra a Zoé, una pequeña niña que
se entremezclan de manera inevitable en México: La celebración descubrirá una hermosa luna dentro del caos de una ciudad
del Día de Muertos y el Halloween de Estados Unidos. Lograron transitada por extraños seres motorizados que son regidos por
que el proyecto fuera apoyado por el programa Jóvenes el tiempo. Luna les valió ganar el Ariel a mejor corto animado, y Calaverita (Cárdenas, 2005)
Creadores 2004-2005 del Fondo para la Cultura y las Artes del con éste fundaron Onirik Studio en 2010. A raíz del éxito y
Estado de México (FOCAEM), recibiendo un apoyo de 50 mil renombre que les implicó este corto, uno de los pocos animados
pesos. Este corto ganó varios premios y selecciones en en 3D digital y terminados en 35mm hasta la fecha, el gobierno
festivales, lo que les permitió tomar con mayor fuerza y seriedad del Estado de México comisionó a Onirik para realizar en 2010 y
su inmersión en el medio. 2011 la serie Biceaventuras mexiquenses , dirigida al
público infantil con motivo del festejo bicentenario. Y a partir de
En 2005, Raúl solicitó la beca Fullbright-García Robles para ésta, el gobierno federal les delegó también en 2012 la
realizar estudios en la Maestría en Artes con especialidad en realización un proyecto que aterrizara para el público infantil el
Luna (Cárdenas, 2010)
Animación en la escuela de cine y televisión en la Universidad de contenido de 30 artículos constitucionales, en la serie Anímate
California (UCLA), donde realizó los proyectos Fly (2006) y con tu constitución 27. Para más información de ambas,
Pop-up (2007). El primero fue realizado con dibujo animado a consultar el capítulo de Series animadas.
mano, y acabado digitalmente con el programa Animo. El
segundo fue realizado en Flash. Y para titularse, Raúl propuso un Algo que ha caracterizado a esta pareja de hermanos ha
proyecto que sería bastante más ambicioso y que trabajaría junto sido su estrecha conexión, tanto afectiva como profesional; su
con su hermano desde México: Luna (2010). pasión por construir sus historias, sencillas y de corte muy
cercano hacia públicos infantiles; y su incursión en el 3D digital,
Rafael, por su parte, aprovechó una beca ofrecida en 2007 un campo que había sido poco explorado todavía en México.
por la Vancouver Film School por su 20º aniversario, y una beca
para estudios en el extranjero que ganó en el FONCA para cursar Luis Vázquez, coleccionista de historias animadas
el programa de especialización de 6 meses de Digital Character Nacido en Puebla, se licenció en 2005 en Diseño y
Animation en esa famosa escuela. En ese periodo, tuvo Comunicación Visual con especialidad en Audiovisual y Multimedia
oportunidad de codearse con y aprender de compañeros ya en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad
bastamente capacitados y talentosos, y ese año realizó como Nacional Autónoma de México (ENAP-UNAM). Animador, docente
trabajo final un ejercicio animado titulado Pedrito el valiente , y apasionado investigador del tema, participó en 2002 y 2003 en
el cual le valió ganar una certificación en el software Maya. la realización del documental animado en 3D digital sobre el
Palacio Postal de la Ciudad de México, proyecto dirigido por
Para su regreso en 2008, Rafael y su hermano, que ya Pablo Castro y patrocinado por la Secretaría de Comunicaciones y
estaban trabajando juntos en el proyecto de Luna , aplicaron
nuevamente para la beca del FOCAEM, sin ser seleccionados. 27
Idem. Carta (Vázquez, 2006)
27
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Transportes y elaborado en el CENART. Desde 2003, comenzó a proyecto colectivo Zapping Animation , que consistía en un
colaborar en la Matatena, Asociación de Cine para Niños y no tan homenaje al pionero de la animación Emile Reynaud, elaborado
Niños, apoyando por un par de años en la organización del con participación de 28 animadores nacionales y extranjeros a
Festival Internacional de Cine para Niños y no tan Niños, y en manera de cadáver exquisito, coordinado por la Dra. Tania de
asistencia y dirección de sus talleres de animación. León Yong y Carlos Narro, y editado por Salvador Herrera. Desde
entonces, el ámbito de producción de Luis se ha enfocado a
Se enamoró realmente del medio durante la carrera, asesoría de animación y asistencia de producción en cortos de
Vitrubio (Vázquez, Valerio, 2007) después que el maestro Manuel López Monroy encargara a sus diversos compañeros y amigos, como el corto de IMCINE
alumnos realizar un ejercicio de animación en plastilina del que Moyana (2010), de Emiliano González, y A Secas (2011),
surgió el corto de 5 minutos Hasta los melones me corto ganador del Ecofilmfest 2011, de Andreas Papacostas,
arrimas (2000). Desde fines de 2001, en una optativa de entre otros.
animación impartida por su maestro Jorge Alvarez, Luis comenzó
en codirección con Alejandro Valerio y sus compañeros Donají Desde 2006 Luis ha impartido clases de animación en
Ramírez Cid, Bárbara García e Isaac Pulido a planear Vitrubio , diversos lugares como el Centro Universitario de Estudios
un corto en stopmotion que se terminó en su primer corte en Cinematográficos (CUEC), en la Escuela Nacional de Artes
video a fines de 2005 y debido a la falta de apoyos de Plásticas (ENAP) plantel Academia de San Carlos y Xochimilco de
Luis Vázquez en foros de Pedro y el Lobo instituciones como IMCINE o FONCA, se logró terminar en 35mm la UNAM, y en La Matatena. También ha apoyado en logística al
(Templeton, 2007) hasta fines de 2008. Vitrubio narra la historia de un viejito Foro de animación contemporánea Animasivo y el CutoutFest de
hechicero medieval que no es muy bueno en su magia, pero Querétaro. Por otra parte, ha sido invitado a mostrar su trabajo y
desea con singular pasión –quizá desmedida—volver a ser exponer en festivales como Anima, Festival Internacional de
joven. Ganador en el Festival el Cine a las Calles, el Festival de Animación de Córdoba Argentina, Animadrid, Festival
Cine para Niños y no tan Niños de México, Creanimax de Internacional de Imagen animada de Madrid, Encuentro
Guadalajara, Festival de Cine de Vallarta, Aquí y en corto de Internacional de Animación del Festival Internacional de Cine de
Puebla, entre varios otros, tuvo una importante rotación en Monterrey y Cutout Fest, entre otros. Desde 2010 y en sus tres
festivales nacionales e internacionales, y en 2009 fue proyectado ediciones, ha colaborado con la Dra. Tania de León y el Maestro
con 33 copias de 35mm en salas comerciales de todo el país, Carlos Narro en la organización de la celebración del Día Mundial
antecediendo a la película hollywoodense Coraline (Universal de la Animación, siendo la UNAM el primer organismo que
Zapping animation
Pictures, 2009), hecho que ha sido poco común entre cortos conmemoró en México dicho evento –establecido desde 2002
(De León, Narro, Vázquez, et al., 2010) independientes, debido a la falta de apertura de parte de por la ASIFA (Asociation Internationale du Film d’Animation) para
distribuidores y exhibidores comerciales; el único caso similar ha conmemorar la primera proyección en público del teatro óptico
sido el de El show del vampiro (2004) de Graco, que abrió a de Emile Reynaud en 1892, y cuyo fin es acercar al público en
la película Spiderman 2 (2004), también de Universal. general a esta forma artística—28. En 2010 y 2011 fue editor de
animación de la web magazine de cine Enfilme.com , y en 2012
A la par de esto, con un corto de minuto y medio en terminaba la maestría en Artes Visuales en la UNAM, preparando
stopmotion titulado Carta , Vázquez ganó en 2006 el concurso la investigación que dio pauta a este libro.
de TV UNAM Anímate de verdad y fue seleccionado por la UNAM
para asistir 2 semanas a Lodz Polonia a la filmación de Pedro y 28
el Lobo (2007), corto animado ganador del oscar en 2008, “La UNAM celebra el Día Mundial de la Animación”
Gaceta UNAM, No. 4288, (México, 28 de octubre de 2010).
dirigido por la inglesa Suzie Templeton. En 2010 intervino en el Pág. 15.
Diplomado de animación, UNAM
28
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA NUEVA GUARDIA

“Todas estas experiencias desde muy diversos ámbitos que Durante ese tiempo y en sus ratos libres, trabajó en un par
rodean a la animación me fueron haciendo ver que quería poner mi de ejercicios de animación30 y en su primer cortometraje formal,
grano de arena para hacer que este medio crezca, sobre todo en Berlitad (2006), cuyo nombre proviene de las sílabas alteradas
México, y me di cuenta que la producción no era el único medio de Libertad. El proyecto surgió inicialmente como un videoclip
posible, ya que ésta, por sí sola, puede terminar en el olvido,
que realizaría para un grupo de música electrónica, y para el que
enlatada en almacenes. Hace falta propiciar un cuerpo más
integral, en el que este fascinante medio de expresión pueda ser comenzó a trabajar todo el diseño del concepto, pero cuando
enseñado, proyectado, reconocido, difundido, registrado, éstos prefirieron abandonar la idea, Pablo decidió desarrollar a
catalogado, etc. Desde ahí quiero ayudar.” fondo la historia y hacer algo mejor que sus dos ejercicios
previos de animación. El corto se convirtió entonces, como todo
¡Ah, qué lata! (Ángeles, 2003)
Pablo Ángeles, animador digital y de exportación lo que procura hacer, en un homenaje a las cosas que le
Amante del genero de terror y la ciencia ficción, la carrera gustaban de niño. La historia de ciencia ficción muestra a
del animador Pablo Ángeles, alias HombreZoo, se fue dando de Martinelo, un joven obrero que sueña con salir de las tierras
manera un poco inesperada e insospechada. Aunque gustaba áridas y tener una mejor vida en el mundo acuático, pero para
desde chico de los cómics y de dibujar, tuvo una crianza muy esto, debe enfrentar a Mr. Control, amo y señor de Ciudad Robot.
apegada al campo por parte de su madre y su abuelo, así que La animación le tomó 10 meses de producción, trabajando
solicitó el ingreso a la carrera de Veterinaria en la Universidad tiempo extra y en sus ratos libres en el canal, fue hecho en 3D
Autónoma Metropolitana (UAM) Xochimilco, pero fue admitido en digital (cosa que no era común de ver en México en esos días) y
su segunda opción: Diseño Gráfico, en 1998. Tras convertirse en para 2004, ya estaba prácticamente terminado visualmente. Su
Berlitad (Ángeles, 2006)
el segundo año de la carrera en padre de su primer hijo, detuvo idea en ese momento era acabarlo en video y probablemente
sus estudios y comenzó a buscar oportunidades de trabajo en subirlo a la red, ya que lo que le interesaba era que el mayor
despachos y estudios de animación. Después de pasar tres número posible de gente lo viera, pero conoció al cineasta Juan
meses no muy satisfactorios por el estudio La mamá de tarzán Mora Cattlet, maestro de cine de su hermano Pierre (estudiante
de Enrique Navarrete, se enroló en el estudio de animación del CUEC), y el proyecto dio un giro importante.
publicitaria Imágica, donde con un apoyo importante de Octavio
Zarco y Antonio Benítez, se dedicó a aprender el manejo de Mora venía de terminar un proyecto propio en cine titulado
compuestos digitales y animación 3D en Maya. Volarte (2003), en el que realizaba un vuelo virtual con
animación 3D a través del palacio de Bellas Artes, recorriendo
Al no hallar un lugar claro en este estudio, entró a trabajar sus famosos murales. Probablemente Volarte fue el segundo
en Canal 22 justo el día del atentado de las torres gemelas, un corto de animación mexicana que se enfrentó al proceso de data Berlitad (Ángeles, 2006)
11 de septiembre de 2001. Trabajó ahí un par de años en el to film, que consistía en generar la película de 35mm a partir de
área de diseño gráfico, realizando cortinillas, vestidos de pantalla imágenes digitales, y no de una película filmada, o de un transfer
y colaborando en la imagen general del canal. de video. Juan quedó gratamente sorprendido por el trabajo de
“Fue una de las experiencias más interesantes, porque al ser un Ángeles, así que además de pedir su colaboración para hacer un
canal cultural, no estás sujeto a ideologías desagradables… fue una par de secuencias animadas 3D e inserciones de gráficos en su
época de mucha libertad creativa”29.

30
Uno fue un corto de acción viva con algunos segundos de
animación que hizo para el concurso radioactivo 98.5, y el
otro un pequeño corto mezcla de animación 2D con fondos
29
Entrevista a Pablo Angeles, 12 de julio de 2012. 3D titulado Ah, qué lata! (2003). Volarte (Mora, 2003)
29
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

película de acción viva Eréndira Ikikunari (2006)31, le ayudó de un famoso pintor de monstruos va a buscarlo a su casa, y
a afinar la narrativa de Berlitad y bajar su edición de 14 a 9 descubre que sus obras fantásticas están basadas en monstruos
minutos. Además, Mora le sugirió que mejor buscara los medios reales que tiene encerrados en su sótano. La historia está
para poder hacer el data to film y terminarlo en cine, ayudándolo adaptada a los años veinte, utilizando un manejo de óptica
para este objetivo. Le presentó a Fernando Kleinert, ejecutivo de acorde a ese periodo. Por la estética de horror que conlleva,
Kodak México, quien le apoyó con tres mil pies de película; luego Pablo tenía en un inicio la ilusión de hacerlo en stopmotion, pero
Pedro Garza, asesor técnico en el Centro de Capacitación dadas las dificultades de poder armar un equipo de trabajo
Cinematográfica, le ayudó a hacer el costoso proceso de data to estable sin contar con financiamientos, lo llevó a hacerlo en 3D
El modelo de Pickman
(Ángeles, en producción) film, y tuvo un apoyo extra de IMCINE en postproducción para los digital con el programa Maya.
procesos de revelados y terminar las copias. Tras un par de años
de batalla, el corto se terminó finalmente en cine en 2006. En A la par que trabajaba en este corto, a fines de 2010 y casi
ese momento, su vida de animador dio un nuevo giro, cuando todo 2011 Pablo se dedicó a trabajar en el estudio Lucas Films
recibió la llamada de invitación de Guilermo del Toro para de Singapur en en el filme Strange Magic , y luego, ante una
integrarse en la producción de su largometraje Hellboy II, The oferta de IMCINE para brindarle el apoyo de postproducción para
Golden Army (2008). El Modelo de Pickman , regresó a México para terminarlo. El
corto se renderizaría en formato HD, y estaba contemplado para
Admirador declarado de toda la vida del trabajo de ser el primer corto animado mexicano terminado en 3D
El modelo de Pickman Guillermo, Pablo había tratado de rastrear cómo llegar a él, y en estereoscópico. Amante del horror, Pablo se mostró
(Ángeles, en producción)
2003 le entregó a Bertha Navarro, productora y amiga de Del especialmente emocionado por verlo terminado:
Toro, una carpeta con sus trabajos hecha especialmente para él. “Es muy chistoso porque me gusta mucho la ciencia ficción,
El jalisciense se mostró interesado por la calidad y dedicación del y Berlitad es un poco como en ese tono, pero yo soy más del rollo
trabajo de Ángeles, y le llamó para felicitarlo y proponerle una del horror y de los monstruos, y siempre termino haciendo cosas
posible invitación en el futuro. Así, tres años después, a finales de ciencia ficción. Ahora por fin estoy haciendo un corto que a mí
me gusta.32”
de 2006, Pablo voló a Londres para trabajar en las oficinas de
del Toro en preproducción y diseño artístico, y también en el
Gabriela Martínez, regia itinerante
estudio Double Negative para trabajar en efectos visuales de
Nacida en Saltillo, y amante de hacer monitos en plastilina,
Hellboy II hasta 2008. Ese año se mudó a Nueva Zelanda para
creció en Monterrey y estudió Diseño Gráfico en la Universidad
integrarse al estudio Weta Digital, en donde colaboró de 2008 a
de Monterrey (UDEM). En 1997, viajó a Italia al ser aceptada
2010 en proyectos de largometrajes como Avatar (2009), El
para tomar un taller de escultura en una academia perteneciente
día que la tierra se detuvo (2008), The Lovely Bones
a los estudios Disney en Milán. Dado que el taller era de
(2009) de Peter Jackson, y Las aventuras de Tintin
escultura y no animación, e incierta de si era lo que realmente
(2011). En su último año en Weta, comenzó a producir un corto
quería, abandonó el curso y se metió a trabajar en el estudio de
que había ideado y bosquejado incluso antes que Berlitad , en
animación de la japonesa Fusako Yusaki. Permaneció año y
su etapa en canal 22. Su título era El modelo de Pickman , y
medio trabajando con ella el diseño y modelado de personajes y
se basaba en la obra de H.P. Lovecraft, en la que un admirador
escenarios en plastilina, y es ahí que comenzó a aprender a
animar. Intervino así en algunos cortometrajes y una serie de TV
31
Mora, Juan, “La calidad está ligada con el tiempo, la
dedicación, y las ganas”. Revista Toma, Un vistazo al arte de
Échale un ojo (Martínez, 1999) 32
la animación. Año II, núm. 10 (mayo-junio 2010), p.12 Entrevista con Pablo Ángeles, el 12 de julio de 2012.
30
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA NUEVA GUARDIA

suiza para niños titulada Peo in Svizzera (1997-2000), sobre diplomado de especialización que conoce al bilbaíno Jon Ferlop,
un perro azul que viajaba por cantones suizos y contaba su maestro en la clase de storyboard, y tiempo después su
anécdotas de arte e historia. pareja. Jon es un diseñador gráfico que antes de entrar a 9zeros
ya contaba con una larga trayectoria como ilustrador y animador
En abril de 1999 regresó a México y conoció a Dominique de dibujo animado, trabajando en estudios especializados de
Jonard, después de que había visto un reportaje sobre él en un Europa. Al terminar su master, Gabriela se quedó haciendo
catálogo del Festival Animac de Cataluña, interesándose por su freelance en Barcelona, y en 2008 se movió a Bilbao con Jon
trabajo con niños. En junio de ese año estuvo con el animador para abrir un estudio propio: Articula2, donde hacían labores de
francés, asistiéndole por un mes en un taller que impartió en diseño y storyboard, y dieron talleres para niños y para el Museo
Wichitah, Kansas. En octubre, Jonard la invitó para animar y de Bellas Artes de Bilbao. Fairies garden (Martínez, 2003-2008)
asistirlo por mes y medio en el estudio Visiographics de Mario
Noviello, mientras el francés trabajaba ahí su corto Un brinco En 2009, animados por Luis Téllez, Gabriela y Jon
pa’llá (2000). También en 1999 realizó un taller para niños de desarrollaron un cuento para niños que tenían sólo como
plastilina sobre cristal (técnica que aprendió desde su estancia proyecto, para meterlo y ganar el 9º Concurso Nacional de
en Italia) en la Cineteca de Nuevo León, del cual surge el corto Proyectos de Cortometraje de IMCINE, dando lugar a
Échale un ojo , hecho en plastilina sobre mesa de cristal. Defectuosos (2012). Dicho corto, con un fino diseño y
Después de esto, regresó un tiempo a Italia, donde trabajó como construcción de personajes y escenarios para stopmotion,
directora creativa de publicidad, y después fue trasferida a empleó 64 marionetas. Para su personaje principal encargaron
Barcelona. el armazón con Jeremy Spyke, quien diseñó esqueletos para la
película Coraline (2009). Con música del grupo Triciclo Circus
En 2003 realizó en Calcuta en la India un nuevo taller para Band, su historia muestra a un viejo titiritero que rescata Album de viajes (Martínez, 2006)
niños que produjo un cortometraje titulado Fairies Garden , juguetes imperfectos y olvidados para armar un show callejero,
hecho también sobre vidrio, para la Asociación New Light, que para diversión de los niños. Caso particular entre los cortos
apoyaba a hijos de prostitutas. Éste fue un proyecto que marcó apoyados por IMCINE, cabe mencionar que éste se realizó parte
fuertemente el corazón de Gabriela, tanto así que aunque no en España y parte en México, y debido a lo detallado de su
pudo terminar el corto en su momento, nunca abandonó el elaboración, tomó cerca de tres años de producción, y un
proyecto hasta lograr la edición final en 2008, que llegó a presupuesto de cerca de un millón cuatrocientos mil pesos33.
participar en el Festival Internacional de Cine para Niños de Esto, añadido a manejos erráticos de parte del Instituto,
Chicago. En 2006 también con esa técnica produjo un corto especialmente en la etapa de postproducción, provocó ciertas
Defectuosos (Martínez, Ferlop, 2012)
titulado Album de viajes , a partir de talleres itinerantes que fricciones entre animadores y dependencia.
impartía a niños en diversas bibliotecas de Barcelona, donde
contaban cosas que habían hecho en vacaciones. Para mediados de 2012, Gabriela y Jon estaban en difusión
festivalera de Defectuosos, y comenzaban la preproducción de
En octubre de 2004, con la beca del FONCA de Residencias un nuevo proyecto de corto en stopmotion, Mimo , esta vez sin
para Estudios en el Extranjero, entró a la escuela catalana buscar apoyo de IMCINE.
9zeros —de la que recién había egresado también su colega
Luis Felipe Hernández— para realizar un Master de stopmotion
de un año. Como no hubo alumnos suficientes para abrir el 33
Entrevista con Gabriela Martínez y Jon Ferlop, el 11 de
grupo, decidió tomar el de dibujo animado. Fue en ese abril de 2012. Defectuosos (Martínez, Ferlop, 2012)

31
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Nuria Menchaca, No budget animator individuales, compuestas en gran parte por proyecciones de
De nacionalidad mexicana, Nuria Menchaca Brandan nace animación experimental, instalación y arte objeto. Ha participado
en Grenoble, Francia, en 1985. Es egresada en 2007 de la en distintas exposiciones colectivas en México y en el extranjero,
Licenciatura en Artes Visuales de la Escuela Nacional de Artes y en festivales como el Foro de Animación Contemporánea
Plásticas de la UNAM y cuenta con una Maestría en Artes Animasivo, donde le fue otorgado el primer premio en 2010 por
Visuales (2009) de la Université Laval, de Quebec. su corto The Noctitlan (2010), y una mención honorífica en
2009 por Supernova (2009), que también ganó el premio
En su posgrado realizó, entre otras obras animadas, el Coachella del Cutout Fest, entre otros.
videoarte 2 29 (2007), dibujo animado compuesto de 30
Meating (Menchaca, 2008)
dibujos que se transforman paulatina y sucesivamente en seis Supernova fue también realizada durante sus estudios
imágenes intercaladas, extraídas de fotos de folletines de en Québec. Animación de stopmotion y pixilación, retrata a la
supermercado con productos que cuestan, todos, $2.29. Ésta misma Nuria leyendo en un cuarto cuyos muros permiten ver las
secuencia forma a su vez un ciclo continuo que se repite sin estrellas, cuando súbitamente una de ellas explota, creando un
parar durante 2’29”. Otro trabajo susceptible de ser expuesto hoyo negro que traga todo lo contenido en el salón. Por su
como pieza en museo más que como un corto fílmico, es Maxi parte, ya hecha en México, The Noctitlán es una animación de
(2008). Esta es otra animación ciclada con tres secuencias recortes que muestra a manera de documental entrevistas en
diferentes que presentan interacciones entre un folletín de tienda que varios mexicanos hablan de cómo creen que será el México
de abarrotes, un trozo de carne de hamburguesa, y un par de del futuro.
manos. Éstas son reproducidas a veces al derecho y a veces al
Conservation (Menchaca, 2009)
revés, en órdenes diferentes cada vez, pero que al tener el En 2010 también ganó el premio del público del Concurso
mismo principio y final, se pueden observar como un loop de la Animación y la Radio, organizado en el marco de la
interminable. Su tercera animación, Meating (2008), fue ya una celebración del Día Mundial de la Animación de la UNAM, con la
historia más narrativa, con personajes, principio y final. Es una obra Un mundo nos vigila , hecha en colaboración con Miguel
original animación tradicional de recortes, realizada con siluetas Angel Padilla y Daniel Ulacia. Cómica sátira de stopmotion y
en negativo que muestran el encuentro, interacción, diálogo y recorte digital, homenajea la célebre recreación radiofónica de
cambio de piel entre un cerdo y un pollito. Su última pieza en Orson Welles sobre La guerra de los mundos, atestiguando la
Laval fue Conservation (2009), una innovadora instalación invasión y destrucción de México por platillos voladores y cómo
interactiva que a través de sensores controlados por el los científicos de la UNAM salvan el día. En 2011, Menchaca
acercamiento del espectador a la pantalla, provocaba que las participó nuevamente y ganó mención en el citado concurso con
sardinas de una lata cobrasen vida y escaparan o fueran atraídas Doña Enedina 35. En este corto, hecho en cutout digital y
Supernova (Menchaca, 2009)
nuevamente a su contenedor34. rotoscopía, una chica narra la coincidente y fatídica historia de
una señora del aseo que trabajaba en su casa, y gustaba todos
Enlatados (D.F. 2011), No Budget Animation (Quebec, los días de sintonizar en la radio “La más perrona”. Finalmente,
2009) e Invasión (D.F., 2007) han sido sus exposiciones para abril de 2012 presentó un corto que ganó mención

34 35
Menchaca, Nuria, No budget animation, La référence à l’objet López, Cristóbal; Frías Leonardo, “En varias sedes,
dans l’animation stopmotion. Tesis para obtener el grado de celebra la UNAM el Día Mundial de la Animación” Huitrón,
Maestra en Artes, Escuela de Artes Visuales de la Ricardo, Director. Gaceta UNAM, No. 4377, (México, 31 de
The Noctitlan (Menchaca, 2010) Universidad Laval, Québec, Canadá, 2009, p.22. octubre de 2011). Pág. 20.
32
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA NUEVA GUARDIA

honorífica en la 5ª edición de Animasivo. El corto era Aimer , una Tarántula Films. Por ser ganador, su corto se incluyó en el DVD
reflexión acerca del amor, con textos y voz en francés de Hélène distribuido en México de la película La ciencia del sueño
Matte. Fue ilustrada con grafito y lápices de color sobre libros (2006) de Michel Gondry. En este, Simon experimentó animando
usados que fueron dibujados secuencialmente página por cuadro por cuadro con sombras a las que les otorga
página, y fotografiados para ser animados a la manera de un propiedades físicas cual si tuvieran materia, volumen, y hasta
clásico Flipbook. voluntad. El corto también se subió a 35mm, y se presentó en
algunos festivales. En 2007 realizó una serie de 4 flipbooks
La obra de Nuria, siempre fresca y rica en inventiva y titulada Excrecencias para ediciones Tumbona (compuesta Doña Enedina (Menchaca, 2011)
propuesta, ha contenido ciertos lineamientos generales que ha por Bozo, Sombra, Camuflaje y Monólogo ) que luego se
mantenido a lo largo de su trayectoria. Éstos son trabajar casi en distribuyeron por apoyo de CONACULTA, a través del proyecto de
solitario o con equipos de trabajo muy reducidos; utilizar objetos bibliotecas de casas de lectura, para acceder a todo tipo de
y materiales que se encuentra en cualquier parte; laborar un públicos36.
estilo de animación aparentemente sencilla y sin muchos
detalles, mayormente tradicional; y emprender proyectos Con estas cartas de presentación bajo el brazo, conoció a
accesibles que idealmente no superen los mil pesos de Fernando Llanos cuando éste armaba la 1ª edición del Foro de
presupuesto. A la fecha, Menchaca era profesora de cátedra en Animación Contemporánea Animasivo. Fernando le encargó
la Academia de San Carlos (UNAM) a nivel maestría, y en el realizar para el foro una pieza comisionada con temática
ITESM, Campus Ciudad de México, impartiendo para la ambiental, invitación a la que Gerbaud respondió con Caduco Aimer (Menchaca, 2012)
Licenciatura en Arte y Animación Digital. (2008). Esta animación de stopmotion mostraba una extraña
traza de cinta canela que partía del bosque hacia la ciudad junto
Simon Gerbaud, mono blanco, científico animado con una procesión de desechos que le seguían e iban tapizando
Nacido en Auxerre Francia en 1976, estudió Artes y cubriendo todo lo que dejaban a su paso. En 2010, realizó la
Aplicadas en la Universidad de la Sorbona con un enfoque animación de dos minutos Amatlán , igualmente de stopmotion,
marcadamente teórico. A los 25 años empezó a practicar que elaboraba un diálogo audiovisual en respuesta a la pintura
realmente con el dibujo, y empezó a relacionarse con gente monumental Vuelo de semillas (2009-10) de Irma Palacios,
ligada a la animación. Interesado por la magia de fabricar como parte de la colección pictórica-audiovisual Akaso 37. En
imágenes en movimiento y representar cosas que no existían, esta animación vemos nuevamente un recorrido, pero esta vez
comenzó a utilizarla como herramienta de interacción para crear realizado por una gota de agua que germinó de un latente
Misterio No.8 (Gerbaud, 2006)
una poética propia. Simon comenzó sobre todo trabajando y orificio de piedra, y que se abre paso a través de las rocas, bajo
jugando con la manipulación de todo tipo de objetos y materiales la calurosa incidencia de los rayos solares.
cuadro por cuadro. En Hirsutes (2004), codirigida en Francia
con Vincent Pigeau, jugó de manera libre con el movimiento de
36
toda clase de personajes construidos a partir finos cúmulos de La editora Tumbona realizaría un total de 4 miniseries de
pelo manipulados sobre cristal, a manera de animación con flipbooks, con Jonathan Farr (Anomalías, 2006), Paulina del
Paso (Coqueterías, 2008) y el monero jalisciense Trino
arena u óleo. Camacho (Cácaro, 2009).
37
Para mayor información sobre el proyecto Akaso,
En 2005, a los 29 años, llegó a México, haciendo trabajos consultar Granados, Humberto, “Óleos monumentales y
de ilustración y animación. En 2006, con su corto Misterio No. escultura llegan al Chopo” Huitrón, Ricardo, Director.
Gaceta UNAM, No. 4337, (México, 19 de mayo de 2011).
8 , ganó un concurso de animación que lanzó la distribuidora Pág. 13. Hirsutes (Gerbaud, Pigeau, 2004)

33
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Simon ha trabajado también en proyectos comerciales y producción, jugar con sus inquietudes creadoras, y de paso
publicitarios en condición de freelance para poder sostener su cubrir sus necesidades materiales38. Fue así que a partir del
incesante experimentación y sus proyectos más personales y 2011 empezó a explorar más en el ámbito del arte
artísticos. Además de su trabajo autónomo, ha tenido fructíferas contemporáneo, y de las nuevas ventanas y formatos que se
colaboraciones con diversos artistas y colectivos. Uno de los estaban abriendo para la animación de la mano de las
casos más fructíferos es su confidente diálogo artístico con el novedosas aplicaciones tecnológicas que explotaron para fines
colectivo Viumasters. Con ellos colaboró para hacer unas de la década.
cortinillas del programa Entrelíneas de Canal 22, trabajaron
Excrecencias, Camuflaje (Gerbaud, 2007)
también juntos para unas animaciones del Museo de la Respecto a la percepción de este francés sobre el campo
Tolerancia, y quizá su proyecto colaborativo más conocido fue el de producción nacional mencionó:
corto Xochimilco 1914 (2010). También con el colectivo Diez Hay algo fresco y muy abierto en México [respecto de Europa].
y Media, fungiendo como director de animación, les invitó a Lo que yo veo, es que es algo bastante flexible, y hay una cuestión
manera de estudio proveedor para realizar unos clips animados de espacio, no está saturado. En Europa está bajando mucho el
para el Museo de la Mujer. apoyo a la creación y aquí es bastante estable, y hay espacio para
que cada quien arme su propia cosa. De los 7 años que llevo aquí,
[veo que] se está generando diversidad, y eso me parece una muy
En 2011, por invitación de Lucía Cavalchini, entonces ya buena noticia. Cuando llegué, se sentía mucho más la influencia de
directora de Animasivo, fungió como curador de dicho foro, y Estados Unidos… …hoy la diversidad se está reflejando en las
Excrecencias, Monólogo (Gerbaud, 2007) para la edición 2012, participó junto con Esteban Azuela de propuestas… es muy entusiasmante pensar que va a haber más
Viumasters y Lourdes Villagómez en el comité que gestionó la cosas qué descubrir, tener sorpresas… …y encontrar gente que
nueva concepción del evento, así como las cortinillas del mismo. tienen un estilo difícil de anticipar, a mi me gusta mucho eso.
También por invitación de Cavalchini, partipicó en el Festival Una buena sorpresa sería que el mundo del arte se interese más
CROMAfest en 2012, proyectando animaciones cortas no y más en la animación, y lo considere como un medio de expresión
narrativas en la calle, para que fueran vistas fortuitamente por que se pueda enseñar en galerías y museos, porque estaría
los peatones. A la fecha de cierre de este escrito, este versátil e interesante salir un poco del contexto de los festivales para poder
enseñar el trabajo39.
inquieto artista y animador trabajaba con Alas y Raíces a los
Niños de CONACULTA, para una serie de instalaciones que se
Esteban Azuela, Ver Colectivos-El Taller, Viumasters
colocarían en las ferias del día del niño y de las calacas en el
Centro Nacional de las Artes (CENART). Éstas instalaciones Patricia Henríquez, pintora en movimiento
Caduco (Gerbaud, 2008)
contarían con animaciones interactivas controlables por los Nacida en el DF, y gran amante del dibujo en pequeño y
pequeños a través sensores. Simon empezó también a trabajar gran formato, estudió la carrera de pintura en la Esmeralda,
animaciones para la página web de Alas y Raíces, y a explorar en (Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado del Instituto
la elaboración de aplicaciones para Ipad. Nacional de Bellas Artes), a la vez que tomaba como oyente
varias clases en la ENAP-UNAM. Observadora meticulosa de su
Tras terminar su obra elaborada para la colección Akaso , entorno, y gustosa de experimentar y ligarse con soportes y
Gerbaud se dió cuenta que ya no le agradaba tanto la idea de medios nuevos, maneja un estilo de dibujo de siluetas poco
realizar cortometrajes, puesto que le absorbían amplio tiempo, y definidas, de manchas inexactas a base de tinta y aguadas,
tenían como única vía de salida el circuito tradicional de
festivales o Internet. Por lo tanto, éste formato no le daba 38
Entrevista a Simon Gerbaud. 15 de mayo de 2012.
Amatlán (Gerbaud, 2010) perspectivas de recuperación para poder sostener su 39
Idem.
34
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA NUEVA GUARDIA

trabajadas muchas veces de manera directa con sus manos, que Siendo su primer proyecto animado, El cuerpo callado
remiten a “algo que parece ser”. Su inclinación hacia el medio fue una animación-instalación que se proyectaba de techo a piso,
animado vino en un viaje en el que vio una animación de William sobre una superficie a manera de colchón. En ella, se observa el
Kentridge, y a partir de ahí, decidió que quería jugar con ideas movimiento y transición de una serie de siluetas de una persona
que se movieran en el tiempo y el espacio –aunque no contaran que dormita. Patricia se cuestiona en ella lo que pasa mientras
necesariamente historias--. Otras influencias fuertes en ella estamos dormidos, cómo nuestras percepciones semiconscientes
fueron el trabajo de gráfica en movimiento del artista Carlos del mundo externo se entremezclan con lo que soñamos, y juega
Amorales, y las animaciones de Carlos Carrera. con el contraste entre la libertad del sueño, y la vulnerabilidad de
nuestro cuerpo real mientras dormimos.
Su primer acercamiento al audiovisual fue a través de un Ilustraciones de Pasos de la furia
(Henríquez, 2005)
experimento de narrativa secuencial titulado Los pasos de la Con un gran interés por plasmar seres vivos42, realizó entre
furia (2005). Éste consistió en una serie de ilustraciones sobre 2008 y 2009 A vuelo de pájaro . Habiendo presencia
la guerra, dibujos fijos en aguadas que Patricia había realizado repetida de árboles y pájaros en su obra pictórica, se inspiró
para la revista Nexos entre 2003 y 2004, y que luego fueron para esta animación en el paisaje de gigantes árboles habitados
editados y presentados por cuenta de Cristina y Alejandro Juárez por pájaros que observó cotidianamente durante una estancia
a manera de diaporama audiovisual. Henríquez se percató ahí de que realizó en el Centro de Artes Tank Loft en China en 2005, en
que, gracias su acomodamiento, su obra reflejaba una agresión que le parecía que “los pájaros y los árboles se fundían”. Y por
escalonada, una progresión de la violencia que lograba remitir a otra parte, se inspiró al contemplar parvadas de pájaro que Proyección de El cuerpo callado
(Henríquez, 2008)
los espectadores a una especie de historia. formaban verdaderas nubes que observó una tarde de visita en
Aguascalientes, durante una exposición de su trabajo. Así, filmó
Respaldada por su trabajo como pintora, fue aceptada en material de este espectáculo visual, y registró audio del fuerte
el programa del Sistema Nacional de Creadores (SNC) 2007- viento de esos días, para construir junto con sus dibujos, y
2010 del FONCA, dentro del que realizó los cortos animados El composición y animación de Luis Martínez, una obra sin guión
cuerpo callado (2008), A vuelo de pájaro (2009) y que se basa en un trabajo de observación y juegos visuales
Atmósfera Anímica (2010). Contó para éstos con la evocativos a partir de las fluctuaciones fortuitas de estas nubes
asistencia de Luis Martínez, animador principalmente comercial, vivientes. Henríquez agrega que se trata también del carácter
que se encargó de dar movimiento y vida a sus dibujos40. frágil, incontrolable, aleatorio y efímero de las cosas.
Patricia afirma que las tres obras giran en torno a la misma idea, “acababa de pasar por una racha complicada de vida, un
A vuelo de pájaro (Henríquez, 2009)
conceptual, contemplativa, no narrativa ni lineal, de la fluctuación momento emocional y amorosamente tristísimo, me acababan de
azarosa e incontrolable de las cosas, y todo lo que puede pasar operar dos veces, y entonces el vuelo de pájaro fue como
en momentos en los que aparentemente “nada está pasando”. curativo.” 43
Sus temas versan sobre “el no saber mucho hacia donde vamos.
Cuando estás dormido, nunca sabes hacia donde va [tu sueño]; el En Atmósfera Anímica (2010), representa, a través de
vuelo del pájaro tampoco sabes hacia dónde va; y el clima, puede manchas y coloridas metamorfosis de formas, una exégesis del
cambiar en cualquier momento.”41 clima, de sus fluctuaciones, y lo liga al comportamiento de las

40
Patricia conoció a Luis en 2007, cuando éste animó unas
42
mariposas dibujadas por ella para una exposición sobre las Esto ligado al hecho de su apasionado voluntariado desde
mariposas monarca, realizada en Francia. los 20 años en un albergue para animales.
41 43 Ilustración para Atmósfera anímica
Entrevista a Patricia Henríquez, el 6 de agosto de 2012. Entrevista a Patricia Henríquez, el 6 de agosto de 2012.
(Henríquez, 2010)
35
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

emociones humanas, visualizadas también a través de un interesa es la idea de las sensaciones. Parte de lo que yo quiero
corazón y de su latido. En este corto y el anterior, intervino hacer en las animaciones es evocar sensaciones…”
Rodolfo Romero para el sonido, sumándose aquí también su
hermano Emmanuel Romero. Otros animadores
Aparte de los animadores mencionados, hay varios otros
Como obra comisionada para Animasivo 2011 con la realizadores que, aunque no han tenido tanta producción o
temática de Géneros, repensando los roles, hizo Polifónico , difusión, realizaron trabajos a destacar, sobre todo hacia el
obra que buscaba borrar fronteras y simbolizar las diferentes cierre del periodo estudiado. Algunos de ellos son: Emilio Ramos,
voces respecto al tema. Para ello, escuchamos un audio de que en 2005 realizó, en su Master en Animación en la
múltiples voces ambientales, entremezcladas, murmullantes, que Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, el extraño y poético
Atmósfera anímica plantean la variedad de opiniones, y vemos animados una Niebla (2005), animación de 3D digital y cutout. También se
(Henríquez, 2010) multitud de pies descalzos que, salvo por el sonido de zapatillas encuentran los meridanos Daniel Irabién y Mariel Buenfil,
o zapatos, se homogeinizan y pierden en la multitud, haciendo ganadores en 2010 del concurso Hazlo en Corto de BBVA
difícil de distinguir unos de otros; igualmente se retrata un Bancomer con el corto de animación 2D De adentro hacia
cerebro de cuyo dueño(a) es imposible conocer a simple vista el fuera , y que para fines de 2012 casi culminaban el dibujo
sexo. “Considero que somos iguales y diferentes, pero animado acuareleado a mano El maestro y la Flor (2013).
básicamente hay más coincidencias que diferencias entre los dos Éste último fue ganador del 11º Concurso Nacional de Proyectos
géneros” menciona Henríquez44. El proyecto juega a su vez con de Cortometraje de IMCINE, al igual que el stopmotion de Pedro
múltiples patrones no figurativos, animados a partir de manchas ‘Zulu’ González, Un día en Familia (2013), que estaba en
Polifónico (Henríquez, 2011) de tintas aguadas y de su alteración digital, algo visualmente proceso de realización en el DF. A su vez, Zulu había realizado
similar a lo manejado por los últimos proyectos de sus colegas antes con Héctor ‘Gava’ Dávila el corto en gis sobre pizarrón El
de la dupla Doble A. Gato con Bótox (2010), que fue ganador del 2º lugar en la 3ª
edición del Foro de animación contemporánea Animasivo del
Siendo de base dibujante y pintora, Patricia ha sido de los Festival de México en el Centro Histórico.
pocos artistas “tradicionales” que se han ido abriendo de
manera más desenfadada al manejo de la imagen en movimiento, El estudiante de la Esmeralda, Josué Vázquez junto con
interactuando sin complejos con el círculo animado. Cabe resaltar Victoria Zárate produciría la controvertida y discutida obra en
que el proceso de construcción y colaboración que ha logrado torno a la sexualidad De género humano (2011), ganadora
Niebla (Ramos, 2005)
constituir con la animación y postproducción de Luis Martínez y del 4º Foro Animasivo. Para esta misma edición, cuya temática
el sonido de Rodolfo Romero le han parecido fundamentales fue Géneros: Repensando los roles, Apolo Cacho y Ángela Leyva
para los resultados obtenidos en su obra. También vale observar ganaron una mención con el corto no narrativo El sueño del
cómo sus trabajos animados se han intercalado sin distinción mono (2011), que fue apoyado por la beca Jóvenes Creadores
entre festivales y exposiciones de museos de arte. En cuanto a de FONCA.
su experiencia creativa menciona:
En el caso de estudiantes de escuelas de cine, las cuales
“Yo no soy una persona que cuente historias, yo lo que hago es dieron en el periodo de estudio escasa instrucción en torno al
mostrar imágenes, y si se mueven y hacen ruido, mejor. Lo que me género animado, resaltan realizadores muy aislados. Uno es
Christian Rivera, cinefotógrafo egresado del Centro de
44
Idem.
Capacitación Cinematográfica (CCC), que tomó 6 años en realizar
De adentro hacia afuera (Buenfil, 2010)
36
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / A NIVEL NACIONAL / LA NUEVA GUARDIA

como tesis el corto de marionetas Desierto (2010), basado en eléctrico que enfrenta su fatal destino cuando se niega a
un cuento breve de Michael Ende, en el que una pareja de novios mantenerse encadenado a su fuente de energía. O Juan Carlos
se pierde en un desierto mágico. Y otro caso es el estudiante Ortega Navarro y Alvaro Ortiz, que realizaron Tempus (2009),
del CUEC Alex Argüelles, que además realizar unos breves corto de stopmotion ganador en la competencia on-line de la
ejercicios con animación (Cerebro , 2009, Autorretrato , Bienal de Venecia, y que presenta rasgos que remiten a El
2010, Naila , 2010) comenzó en 2009 como tesis un corto de Octavo día (2000) de los tapatíos Medina y Basulto. También
ficción titulado Al morir la vie , que incluiría 7 minutos de están Anaid Garduño y Rossina Zanella, autoras con apoyo de TV
animación en óleo sobre cristal, inspirado por la técnica de UNAM del mediometraje de animación en plastilina Cuéntame Eskimal (Ramírez, 2011)
Alexander Petrov. Dicha obra contaría una historia de amor (2004), basado en la leyenda huichola que narra el origen del
frustrado entre un fotógrafo desfigurado y la muerte, y a la fecha fuego. Y finalmente, también sobre narraciones indígenas, se
seguía en producción. puede destacar Los presagios funestos (2009) de Victor
Hugo Izquierdo, quien realizó esta animación 2D basado en
Varios estudiantes y egresados de la Escuela Nacional de testimonios pictóricos extraídos del código florentino, dando
Artes Plásticas (ENAP-UNAM) se pueden nombrar, como Homero cuenta de las señales que los mexicas avistaron antes de la
Ramírez Tena, que con apoyo de TV UNAM y del 4º Concurso de llegada de los conquistadores.
Apoyo a la Postproducción de IMCINE se tituló realizando en
35mm la animación de stopmotion de tinte ecológico Eskimal Y se puede añadir un amplio etcétera, pues es imposible
(2011). También Oscar López y Christian Trujillo, que realizaron nombrar a todos los realizadores independientes y sus obras,
el cortometraje universitario Foquin system (2003), ganador pero se hace mención de algunos trabajos omitidos más, en la Foquin system (López, 2001)
en 2003 del 3er lugar en Talking Movies Young Filmmakers filmografía incluida al final del texto.
Competition de la BBC de Londres, acerca de un personaje

Tempus (Ortega, 2009)

Preproducción de El maestro y la flor


(Irabien, Buenfil, 2013)
Still de prod. de Al morir la vie (Argüelles)
El sueño del mono (Cacho, Leyva, 2011)

De género humano (Vázquez, 2011) Desierto (Rivera, 2010) Los presagios funestos (Izquierdo, 2009) Cuéntame (Garduño y Zanella, 2004)
37
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

38
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EL GRUPO DE GUADALAJARA / LA VIEJA GUARDIA

EL GRUPO DE GUADALAJARA, LA VIEJA GUARDIA


Para hablar de los animadores en Jalisco, comenzamos con el conocido como “Grupo de Guadalajara”, precursores conocidos y
reconocidos a nivel nacional e internacional que trabajaron desde el siglo anterior –principalmente con la técnica de stopmotion— y que
constantemente se apoyaron y retaron creativamente a través de sus proyectos, de manera conjunta y cercana.

Rigo Mora, el pionero duque de Rigoletto filmación de Sin sostén (1998)45. En 1997, junto con
Rigoberto Mora Espinosa, presumiblemente el primer Francisco Payó y edición de Pablo Valadez en la Unidad de
animador formal de stopmotion en Guadalajara, fue precursor, Producción Audiovisual de la UdeG, realizó el cortometraje de 43
formador y asesor de innumerables animadores y proyectos. segundos en plastilina ¿Gustas? , un clip que simboliza de
Prácticamente no hay animador jalisciense en la primera década manera perturbadoramente gráfica las consecuencias del
del milenio que se precie de serlo, que no haya recibido consumo de drogas. Entrando en el siglo, en el año 2000 realizó
asesoramiento del llamado Duque de Rigoletto. Se dice que Polifemo , con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Estado
reclutaba “esclavos” a manera de aprendices que le ayudaban a de Jalisco, el gobierno de Tlaquepaque y la compañía Polifemo (Mora, 2000)
realizar sus encargos y proyectos para que pudieran aprender posproductora de audio Resonancia46. Fue un corto hecho con
realmente el oficio, pero lo cierto es que Mora fue en Guadalajara acuarela, acrílico y lapiz de color sobre papel, que recreó el
una fuente desbordante y generosa de conocimiento siempre poema Altazor de Vicente Huidobro, en el que el Cíclope
presta a quien se acercara a él –salvo en casos excepcionales vislumbra la llegada de Odiseo y presiente su trágico
como el de René Castillo, quien le perseguió incansablemente en desenlace.47
sus inicios, pidiéndole asesoría y enseñanza, y ante quien Rigo
mostró al inicio cierta reserva y hermetismo, hasta que En ese año impartió igualmente un curso en la ciudad de
finalmente lograron entablar una buena amistad. Mora impartió Rosario Argentina, en el marco del festival de cine de esa
Polifemo (Mora, 2000)
clases de animación en numerosas instituciones educativas como ciudad48, y dio otro más en la ciudad de Buenos Aires, en mayo
la Universidad de Guadalajara (UdeG), la Universidad Jesuita de de 2001. Entonces hizo una pausa en su producción de
Guadalajara (ITESO), el Centro de Artes Audiovisuales (CAAV), el animación para realizar el cortometraje de acción viva
Tec de Monterrey (ITESM), la Universidad del Valle de Atemajac Encrucijada (2002), única propuesta de provincia que ganó
(UNIVA); y talleres en Calavera Films, en colaboración con René ese año el premio de guión del Instituto Mexicano de
Castillo. Cinematografía (IMCINE) para el apoyo de la realización de
cortometrajes.
Fue difícil realizar una labor de recopilación de toda su
obra, ya que al parecer tenía poco cuidado en organizar sus En 2004 realizó Sombras , corto en blanco y negro con la Sombras (Mora, 2004)
materiales una vez terminados. Rigo realizó numerosos técnica tradicional de acetatos, que retrata las oscuras visiones
cortometrajes independientes, muchas veces con reducidos que persiguen (textualmente) a un hombre recientemente viudo,
presupuestos y limitados apoyos gubernamentales. En 1996 y cómo lidia éste con la muerte de su amor perdido hasta que el
realizó el corto en plastilina Cómo preparar un Sandwich
en tan sólo tres días, basado en una idea original de su amigo 45
Entrevista a René Castillo, 20 de abril de 2012.
46
Guillermo del Toro y con parte de los 100 pies de película de Rodríguez, Manuel, Animación, una perspectiva desde
prueba que René Castillo había recibido para preparar la México, CUEC, México, 2007. Pág. 174
47
Aurrecoechea, Juan Manuel, op. Cit. pág. 135.
48
Entrevista a Guadalupe Espinosa, 7 de abril de 2012. Sombras (Mora, 2004)

39
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

ángel de la muerte llega a abrazarlo y brindarle un aparente FONCA, que le brindaría la oportunidad de realizar tres
consuelo final. Este tema de desamor y reencuentro en la oscura cortometrajes, de los cuales ya estaba cerca de terminar el
visión de Mora también lo encontraremos en su última obra primero. El corto se llamaría American Way , y era una
autoral terminada, Devorador Onírico (2006). Este corto de animación 2D tradicional en la que un niño, tras perder una
poco más de dos minutos fue realizado en stopmotion, con partida de canicas, se va y regresa con una pistola para matar a
marionetas recubiertas de látex y, según contó el mismo autor, la su oponente y, literalmente, “llevarse todas las canicas”.50
producción fue levantada y armada en tan sólo tres semanas. En
ella, un hombre enfrenta su soledad en sus pesadillas, y para De personalidad extravagante, amante de las mujeres,
Godtzilla contra la Libertad (Mora, 2006) superar su angustia, manda a su vacío interno a buscar a la dotado de un agudo humor negro, y una inteligencia y agilidad
mujer que pueda acompañarlo en sus sueños. de pensamiento, Mora ideaba al vuelo frases de verdad,
sarcasmo y otro tanto de lujuria, que hasta la fecha quedan en el
Aquejado durante su vida por varios problemas de salud, recuerdo y el lenguaje popular de la comunidad animada de
principalmente una espondilitis anquilosante –afección crónico- Jalisco. Por mediación de Guillermo del Toro y en el cariñoso
degenerativa de las vértebras que le acarreaba dolorosos recuerdo de los más importantes exponentes de animación
problemas de movimiento y postura—, la súbita muerte de Rigo tapatíos, el Festival Internacional de Cine de Guadalajara en su
sacudió al medio animado el 6 de mayo de 2009, víctima de una 25 aniversario decidió rendirle un merecido homenaje,
cistitis hemorrágica. Con ritmos de trabajo frenéticos y muchas instituyendo un premio bautizado con su nombre para reconocer
Devorador onírico (Mora, 2006) veces accidentados, Mora tenía interés en producir mucho, pero al mejor cortometraje de animación mexicano51, galardón que ha
trabajaba en varios proyectos a la vez y no terminaba uno recaído frecuentemente en los años subsecuentes en nuevos
cuando ya quería pasar a lo siguiente. El animador Luis Téllez valores de la animación tapatía. Se dice que trabajó en un libro
acotó: sobre animación titulado La animación en Jalisco. Hablan
Yo pensaba ¿por qué produce tanto tanto y no de pronto agarra los creadores , pero no se logró encontrar dicho material.
un año para producir un proyecto? Cuando conocí a Rigo me
dijeron que hace 5 años que ya le habían dado 5 años de vida, yo René Castillo, el referente
ya lo conocí como en horas extras por la enfermedad que tenía, René Castillo, defeño y comunicólogo formado en la
entonces eso influía muchísimo en su producción, este sentir que
Universidad Jesuita de Guadalajara (ITESO), es ícono y
Suertes, humores y otras pequeñas se te acaba el tiempo, y que tienes que producir y producir y
historias de la Revolución. producir más… en ese tiempo no lo veía tan claro, hasta ahora emblemático e irrebatible embajador de la animación mexicana a
El país del juego (Mora, 2009) entiendo… 49 nivel mundial desde 2001. Inició el siglo ya con una selección
oficial en el Festival de Cannes y el primer Ariel otorgado a mejor
Rigoberto dejó varios pendientes y proyectos, en lo que corto animado por Sin Sostén (1998). Ésta es una animación
sus amigos aseguran era la mejor etapa de su vida como de plastilina codirigida con Antonio Urrutia, que durante 1998 y
profesional de la animación. Al morir fungía como uno de los 1999 participó en más de 50 festivales a nivel mundial, y obtuvo
cinco directores en jefe del proyecto Batallón 52 , quedando cerca de una decena de distinciones. Pero el corto con el que
en manos de sus amigos el término de las 9 cápsulas que
preprodujo. También acababa de recibir por su trayectoria la 50
beca de tres años del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Entrevista a Christian Alain Vázquez, 12 de abril de 2012.
51
Vázquez, Luis, “Rigoberto Mora”, Enfilme, Cine todo el
tiempo,
49
Cápsula derechos de los niños Ramón, Raúl y Guzmán, Rodolfo, Documental El duque. http://www.enfilme.com/ciniciados/animacion/retratoani
(Castillo, UNICEF, 1999) Academia Jaliscience de Cinematografía, 2010. mado/RigobertoMora/, consultado el 26 de julio de 2011.
40
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EL GRUPO DE GUADALAJARA / LA VIEJA GUARDIA

René realmente se catapultó en el orbe e inauguró la década, fue haber tenido experiencia previa en distribución de animaciones,
el legendario stopmotion Hasta los huesos (2001).52 Guevara ayudó a René a gestionarle una ruta en incontables
festivales de cine y animación a los que el corto era invitado,
Hasta los huesos (2001) junto con El héroe (1993) logrando por dos años un ritmo ininterrumpido de participación
de Carlos Carrera marcó un hito en la animación mexicana, y el de 6 a 8 festivales por mes. De esta manera, Guevara barajeó el
estandarte de una nueva era. Siendo un trabajo con una calidad itinerario de las 15 copias en 35mm que hizo IMCINE con la
sin precedente que tomó más de tres años para terminarse, precisión de un controlador aéreo, para poder cubrir la demanda
René trabajó de diversas formas para poder conseguir fondos y de concursos y certámenes.
retomar constantemente una producción que a veces se Hasta los huesos (Castillo, 2001)
quedaba sin equipo, otras sin foro, pero básicamente requería Después que el corto le permitió viajar por el mundo y ser
dinero. En 1998 constituyó Calavera Films, entidad creada reconocido por toda la comunidad animada y ser invitado por
básicamente para manejar y recaudar fondos para el corto, que importantes estudios internacionales por cerca de dos años,
armó principalmente con su novia Cecilia Lagos y el animador Castillo regresó a México convencido que lo que quería: Más allá
defeño Luis Téllez. Para sostener un proyecto que costaría a la de ser un animador más en un gran estudio, deseaba ser
postre algo cercano a los tres millones y medio de pesos, René director de sus propios proyectos en su país. Con la reputación
comenzó a impartir cursos. Armó así en 1999 un taller que dió que ya lo respaldaba, empezó a producir publicidad para poder
junto con el fotógrafo Nikolenka Beltrán en su alma mater, el mantenerse activo, actualizado y capitalizado, y empezó a tomar
ITESO, con estudiantes de Comunicación que realizaron, bajo su cursos de guión.
tutela y en acuerdo con la UNICEF, cuatro cortos sobre los
derechos de los niños. En estos clips de menos de un minuto se A inicios de 2005, el escritor y realizador Carlos Cuarón le Hasta los huesos (Castillo, 2001)
observan diversas técnicas como son 2D digital, animación con llamó con la idea de generar conceptos para series de TV,
acetatos, con lápiz de color sobre papel, y un fino stopmotion películas y videojuegos. Tras varias juntas creativas con Luis
hecho a partir de bordados sobre tela. Para juntar fondos, René Uzariaga y Juan Tovar, y la cercanía del mundial de futbol de
mencionó que dio tres cursos y paró producción también para Alemania 2006, nació la idea de Poncho Balón . Decidieron
realizar un comercial. hacer un piloto junto con Ánima Estudios , y a las dos
semanas tenían un contrato de Cartoon Network para transmitir
Hasta los huesos se estrenó en marzo de 2001 en la una serie de 31 cápsulas de un minuto durante el evento. La
XVI Muestra de cine de Guadalajara, e internacionalmente en el serie se transmitió a través de Cartoon Network Latino y de
Festival de Annecy, Francia (el más popular y considerado por España, en TV Azteca América en Estados Unidos, y en
muchos el más importante del globo). De ahí el corto dio la Sudamérica en canales de televisión abierta de cerca de 5 Cecilia Lagos, René Castillo y Luis Téllez
vuelta al mundo, y para ello también fue substancial el apoyo de países. Televisa transmitió en México, pero no se posicionó ya en el set de Hasta los huesos (circa 1999)
la productora Alejandra Guevara, quien en ese tiempo laboraba que sólo se pasaron cuatro cápsulas, una sola vez. La verdad, es
en Altavista Films y que, maravillada por la calidad del trabajo de que el proyecto no fue todo lo que la incontable cantidad de
Castillo y Luis Téllez, se unió al equipo. En sus tiempos libres, sin fanáticos de la animación de René esperaba. Con una animación
limitada y guiones con un humor altamente escatológico, la serie
52
Cabe mencionar que esta célebre obra goza ya de una se acercaba más al corte irreverente de Huevocartoon que al
exhaustiva crónica, análisis y crítica en textos como los de trabajo personal preciosista y altamente cargado de símbolos
Aurrecoechea (2004) y Rodríguez (2007), así que para que manejó René en sus cortometrajes, y tuvo muchas
mayor información a su respecto, sugerimos al lector
consultarlos directamente. dificultades para poder entregar a tiempo la cuota de cápsulas a Poncho Balón (Castillo, 2006)
41
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

las que se había comprometido. “No supimos hacerlo en términos eso significa ensayos para un actor, y para un animador significa
de negocio, salimos muy tarde… pero la experiencia fue buena porque pulirlo hasta que logras el timing perfecto, la expresión precisa,
aprendimos mucho”, menciona Castillo. A pesar de las fuertes tiene que lograrse la magia de vida. Otra razón es que no hay
críticas del medio, el animador recibió numerosos correos de muchos animadores de stopmotion y me sale más caro en México
niños que vieron los cortos, lo que le hizo pensar que el hacer una de stopmotion… no sé, creo que me da más libertades
como director el 3D, me permite estar más contento con el
concepto tenía potencial.53
resultado final. En publicidad sí [sigo haciendo stopmotion], de
hecho es nuestro fuerte…, son proyectos cortitos que puedes
Más allá de esta experiencia y su mayor gravitación hacia la hacer y que se ven preciosos. Lo curioso es que ahora cuando voy
Mandaraka. Estudio de animación producción de comerciales para subsistir (a través de su estudio
publicitaria de René Castillo, fundado en a hacer un comercial en stopmotion, primero lo hago en 3D, y ya
2006. Mandaraka, fundado en 2007 junto con el joven Misael Barbosa) que está aprobado y funcionando perfecto en 3D, lo reproduzco en
René comenzó a sentir un mayor deseo de realizar su primer stopmotion… …ahora trabajamos así.55”
largometraje animado. En 2005, el productor Pablo Baksht le
había propuesto trabajar una historia para realizar uno de los Para 2008 dirigió algunas secuencias animadas de
dos largometrajes que tenía planeados (el otro quería hacerlo stopmotion para la película-thriller de acción viva Bajo la Sal
con Carlos Carrera); pero a inicios de 2006, tras haber revisado (2008), dirigida por Mario Muñoz, en la que uno de los
ya el guión de René, el escritor Daniel Emil le ofreció a Baksht personajes es un adolescente que se dedica a grabar crudas
Bajo la sal (Muñoz, 2008) una propuesta completamente nueva que lo cautivó, motivo por películas animadas de horror con figuras articuladas tipo Barbie.
el cual René se apartó de ese proyecto54. Después de este
desaire, en 2007 René decidió retomar por su cuenta el En 2010 realizó Transitorio , una de las obras
personaje de Poncho Balón, y trabajar con él un guión más comisionadas de la 3ª edición de Animasivo. Este corto en
elaborado y profundo, y que fuera “más allá de una colección de stopmotion de tan sólo un minuto muestra desde el espacio un
chistes, …una historia con un corazón de fondo”. planeta tierra súbitamente invadido y consumido por la
industrializacion del hombre, para dar paso a la destrucción de
Algo que cimbró al medio del stopmotion en México fue el todo sobre su faz, y luego autorestablecerse y volver al punto de
día en que René, su representante más reconocido, anunció que partida. Este fue un corto muy breve y escueto, que como
haría su largo en 3D digital. Trabando por casi 5 años la historia, Poncho Balón , dejó a sus admiradores con ganas de haber
al principio deseaba realizar una mezcla de 3D digital con visto algo más del trabajo admirado de Castillo.
Transitorio (Castillo, 2010) stopmotion, pero en 2008 decidió que lo mejor era que toda
fuera hecha digitalmente. En 2009 y 2010 René fue invitado a trabajar como uno de
“Me he dado cuenta que lo esencial está en la historia, ya no los directores del estudio Batallón 52, para el proyecto del
importa con qué técnica la hagas; me fascinan las películas de bicentenario de Suertes Humores y Pequeñas Historias
Miyazaki, las de Tim Burton, las de Pixar. Para hacer esta película de la Independencia y la Revolución . Ahí su labor fue
mi mejor opción, de calle, es hacerla en 3D… …puedes corregir,
sobre todo como supervisor de proyectos, otorgando amplia
puedes mejorar, puedes revisar, puedes llevar cada escena hasta
el punto donde logras transmitir lo que tú como director quieres… libertad a su gente asignada para trabajar el desarrollo de las
…tus monitos tienen que lograr transmitir emociones que cápsulas56. Una vez acabado el proyecto de los 54 cortos del
conecten con la gente, y para eso necesitas una buena actuación,
Suertes humores y pequeñas historias de la 55
Idem.
Revolución. Primer ataque aeronaval 53
Entrevista a René Castillo, 20 de abril de 2012. 56
Para más información al respecto, revisar apartados de
(Castillo, 2009) 54
Para más información, revisar Estudios-LoColoco Films. Estudios-Jaliwood y Series animadas-Suertes y humores…
42
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EL GRUPO DE GUADALAJARA / LA VIEJA GUARDIA

bicentenario, y cuando el estudio Batallón continuó sus Finalmente, ese mismo año, mientras trabajaba en el
proyectos ya como Kaxan, su director Ricardo Gómez propuso a estudio Visiographics de Mario Noviello en un comercial que
René trabajar juntos en su largometraje de Lucas y Poncho animaba al osito Bimbo, un animador llegó a usar la cámara
Balón . La producción se echó a andar a mediados de 2011, y Oxberry del estudio para realizar los créditos de su último corto
se esperaba terminar la película para finales de 2013. Con ésta, en stopmotion. El corto era Sin sostén (1998), y el animador
los innumerables seguidores de René albergaban la esperanza era René Castillo. Teniendo historias parecidas, la misma edad y
de que el relato fuera grandioso, y más cercano a lo que fueron una pasión compartida por el stopmotion, hicieron click de
los cortometrajes que lo llevaron a convertirse en el animador inmediato. René le platicó de Hasta los Huesos (2001) y
mexicano más conocido y admirado en todo el mundo. surgió la idea de que Luis se le uniera en Guadalajara. Estando a Armando Mejía, fotógrafo en
El show debe terminar (Téllez, 1998)
la mitad de la producción de Catrina Posada… de García
Luis Téllez, virtuoso del stopmotion Moreno, Luis tomó la difícil decisión de entregar el personaje y
De todos los animadores mexicanos, el defeño Luis Téllez dar la estafeta a Armando Mejía para que fuera él quien la
Ibarra fue uno de los que estuvo inmerso en más proyectos de animara, y partió a la capital tapatía para animar otra Catrina,
fines del milenio e inicios de la nueva década. Admirador una que marcaría el inicio de una nueva etapa en su vida.
declarado de Jan Svankmajer, coleccionista frenético de cómics y
quizá el mejor animador mexicano de stopmotion, Luis estuvo En 2001, tras dos años y medio de trabajo como mano
metido casi en todos los grandes cortos apoyados por el IMCINE derecha y animador principal de René en el cortometraje
en esos años. En 1996 Luis trabajó casi durante un año en el animado más importante en la historia de México, Téllez visitó
corto Malapata (2001) de Ulises Guzmán (y entonces todavía con Hasta los Huesos el festival de Annecy. Ahí aprovechó la Prueba de marioneta para el cortometraje
Malapata (Guzmán, 2001)
codirigido por Carlos Carrera) cuando el proyecto todavía estaba ocasión para hacer una serie de 22 entrevistas a algunos de los
contemplado para hacerse en stopmotion. Trabajó ahí props, animadores más importantes del mundo, asistentes al festival.
construcción de personajes, maquetas y unas 5 pruebas de Ésto para armar un documental en el que deseaba compartir,
animación hasta que se decidió hacerlo mejor en 2D. También más allá de la técnica o el cómo hacer, los motores emotivos, los
colaboró en La Degénesis (1998) de Dominique Jonard; en procesos mentales y el acercamiento al medio de artistas como
Antes de comer (1995-98) de Axel Herreman; La historia Peter Lord, Paul Driessen y Bill Plympton, entre otros. Con el
de todos (2003) de Blanca Aguerre, y en Síndrome de apoyo del fotógrafo Nikolenka Beltrán y la productora Paula
Línea Blanca (2003-05) de Lourdes Villagómez. En 1998 hizo Silva, y un apoyo de veinte mil pesos del ITESO, Luis grabó estas
diseño de escenarios, props y el personaje del documental entrevistas, aunque hasta la fecha el proyecto sigue sin ser
animado Catrina Posada y la gran piedra (2001) de José concluido. Luis Téllez animando en Hasta los huesos
Angel García Moreno. Con este animador compartía la gran (Castillo, 2001)

afición e influencia del cine de animación checo y de Europa del Éste fue un gran momento en la carrera de Téllez. Con la
este, de manera tal que llegaron incluso a platicar de la inercia de premios de talla mundial, y su trabajo en boca de
realización de un corto que narrara la llegada de Kafka a México todos en el medio, al regresar de Europa quería levantar lo que
para morir, en el que se reflejaría todo el mundo kafkiano en la sería su opera prima como director de animación, y así comenzó
surrealista tierra mexica. Pero con el regreso de García Moreno a a gestar su proyecto Viva el Rey . Su amigo René Castillo
la UCLA, el proyecto se frenó y Luis sólo hizo bocetos de algunas estaba dispuesto a darle el espaldarazo para proponer su nuevo
marionetas. También colaboró en una colección de cuatro corto en IMCINE, pero se encontraron con la notificación de que
cápsulas de 40 segundos pactadas por Dominique Jonard para la la animación se dejaría de apoyar en el Instituto. Éste fue un
UNICEF, titulando la suya El show debe terminar (1998). verdadero balde de agua fría, porque IMCINE era la única entidad
43 Viva el rey, proyecto inconcluso de Téllez
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

que daba en ese momento los apoyos financieros suficientes Machado, quien invirtió cerca de 4 millones de pesos solo para la
como para levantar un proyecto de la envergadura y calidad que preproducción. Machado contactó a gente de la talla de Anthony
Luis tenía en mente (y que tenía la capacidad de lograr). A pesar Scott y Pete Kozachik (que han trabajado en películas como
de ello, buscó otros apoyos durante todo 2002 y 2003, Nightmare Before Christmas y Corpse Bride ) para
consiguiendo la beca Rockefeller y un apoyo del FONCA, pero asumir la dirección de animación y asesorar en fotografía; así
con ellos recaudó sólo 300 mil pesos57. A su vez, justo con la como la empresa Mackinnon and Saunders (que ha hecho
transición del brinco digital, el cambio de equipos de captura de trabajo para El fantástico señor zorro , Corpse Bride , y
cámara de cine a la de cámaras de foto fija digitales, y el data to Mars Attacks entre otras películas) para hacer los puppets.
film, Luis tuvo que batallar e ir reajustando su proyecto en un Pero finalmente el proyecto se canceló, quedando en problemas
Spot del 23º Festival Internacional de Cine momento de grandes cambios, donde los estandares de equipo y de pagos con casi todo el equipo. Durante ese tiempo, Luis
de Guadalajara (Téllez, 2008)
materiales fueron muy fluctuantes e inciertos, y con ello sus continuó trabajando en el proyecto de Viva el Rey y tratando
costos. de encontrar medios para terminarlo. Poco después, Ivan Trujillo,
“Toqué un millón de puertas, fui a Pemex, fui a Cemex; yo creo director de la Filmoteca de la UNAM en ese entonces, le ayudó a
que fácil armé unas 200 carpetas [para proponer el proyecto] y no conseguir un espacio que le funcionara como foro, y Luis
pude conseguir apoyo, porque básicamente mi proyecto no son continuó insistiendo con su proyecto, a la par que conseguía
monos bonitos así como Pixar ni nada… entonces es más difícil. trabajos para subsistir, hasta entrado el 2005.
Por eso el valor de un apoyo como el de IMCINE.58”
Fue entonces que se le invitó como miembro del comité
Viva el Rey narraría la posguerra de un tablero de
que Carlos Taibo de IMCINE reunió para armar una nueva
Os contos do camino. La cosa que más ajedrez, la historia de los vencedores y los vencidos, pero
duele en el mundo (Téllez, 2010) convocatoria de apoyo al corto animado. Al no considerar sano
posterior a la guerra y la destrucción. Fenómenos emanados de
participar él directamente con Viva el Rey , fue su pareja Karla
la guerra, como el maniqueismo de la política y los odios
Castañeda quien inscribió su proyecto Jacinta (2008).
inherentes, siempre llamaron su atención, y el blanco y negro del
Resultando seleccionada, Luis colaboró intensamente en
ajedrez le pareció ideal para abordar dicho tema. Los personajes
mancuerna con Castañeda y la apoyó, dada su mayor experiencia
eran antropomórficos con la base de una ficha de ajedrez, y todo
en el medio.
el concepto se detonó a partir de que vió una fotografía del
artista y fotógrafo de guerra Joel-Peter Witkin, con una persona
En 2008 el español Coke Riobóo, colega animador de
parada sobre una mesa que tenía solamente el torso, sin
stopmotion, ganador de un Goya y esposo de Lourdes
piernas.
Suertes, humores y pequeñas historias de la
Villagómez, invitó a Téllez y luego Karla a dirigir sendos
Independencia. Bravo perdón (Téllez, 2009) proyectos para Os contos do camino . Ésta era una serie
Durante ese tiempo, en 2002 realizó un módulo de
televisiva de 26 capítulos producida por la editora gallega OQO,
animación con tres unidades para el museo infantil de
que buscaba adaptar una serie de libros infantiles de su propia
Guadalajara Trompo Mágico. En 2003 regresó por un tiempo al
colección a animaciones de stopmotion de entre 7 y 15 minutos.
DF para trabajar en diseño de personajes y animación en
Así, Luis realizó con un fino y delicioso trabajo --y un periodo de
Kairosis , un proyecto de superproducción propuesto por Diego
producción de un mes para cada obra-- los cuentos La
57
princesa de Trujillo (2008), La bruja rechinadientes ,
Para darse una idea, en 2010 un corto de IMCINE, con El gran viaje (2010), La cosa que más duele del
muchas más facilidades de costos gracias a la nueva
tecnología digital, se cotizaba entre 800 y 900 mil pesos. mundo (2010) y La Increíble historia de la niña pájaro
Os contos do camino. El gran viaje 58 y el niño terrible (2010); y también una serie en plastilina
(Téllez, 2010) Entrevista a Luis Téllez, 10 de abril de 2012.
44
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EL GRUPO DE GUADALAJARA / LA VIEJA GUARDIA

para niños pequeños llamada Los Caracoles (2009, 2010), Debido al freno de apoyos hacia el área audiovisual por el
que constó de 2 temporadas y 26 capítulos. cambio de rector en la UdeG, en 1995 Varela decidió separarse
de la Universidad y fundar una escuela privada, el CAAV, Centro
Igualmente en 2009 y comienzos del 2010 fungió como de Artes Audiovisuales —luego conocido como Centro
uno de los 5 directores del proyecto del estudio Batallón 52 para Universitario de Medios Audiovisuales—. En esta transición, Rita
las cápsulas del bicentenario, y en 2010 fungió como productor y Juan José sigueron a Daniel a este nuevo centro para terminar
y animador de La Noria (2012), el último corto de Karla su formación. Ahí, en una de sus clases, comenzaron a trabajar
Castañeda. un proyecto que se convertiría en su primer cortometraje en cine, Serie infantil Caracoles (Téllez, 2009-2010)
y uno de los primeros de la siguiente década: El Octavo Día,
Finalmente, cabe mencionar uno de los proyectos más La creación (2000).60
anhelados a realizar por Luis además de Viva el Rey : su “Iba a ser un spot de inicio, construimos los personajes
primera película de largometraje. Este proyecto, titulado para un spot, …y ya que teníamos las marionetas,
Inzomnia , lo trajo entre manos desde 2008, cuando trabajaba decidimos que mejor teníamos que hacer una historia para
en el corto Jacinta . Aún en etapa de preproducción, ésta era un corto con estos personajes”.61
una historia distópica que mezclaba mitología con ciencia ficción,
lanzando la pregunta ¿Qué pasaría si inventaran una pastilla Después de que esta obra les diera gran reconocimiento,
para no dormir? La idea le surgió tras una de sus muchas y Medina y Basulto se pusieron a trabajar en nuevos proyectos,
largas noches de trabajo, en la que se imaginó que sería de pero debido —entre otras cosas— al cambio de políticas y
suprimir los periodos de sueño del hombre. El guión lo ha cancelación de apoyo al cortometraje animado en IMCINE, Preproducción de proyecto Inzomnia
trabajado junto con la escritora Cecilia Eudave, y fue encontraron ciertas dificultades en concretarlos.
seleccionado para participar en el taller de guionismo de
Sundance, promovido por Bertha Navarro. En 2012 Téllez no Al siguiente año comenzaron a trabajar en Eclosión , un
tenía aún fecha tentativa para concretar el proyecto. corto de animación 2D de grafito sobre papel de menos de dos
minutos que llegó a ser de siete, donde Juan José fungía como
Rita Basulto y Juan José Medina, artistas visua- director de animación y productor, y Rita, siendo la directora,
les del cuadro por cuadro recibió para el proyecto el apoyo de Jóvenes Creadores de
Rita y Juan José fueron compañeros egresados de la FONCA 2001-2002 y Fomento y Coinversiones 2003. La historia,
carrera de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara con una narrativa muy experimental, incluye creaturas fantásticas
(UdeG) en 1994. Formados en escultura y pintura, pero con y atemorizantes que recuerdan a las creaciones de El octavo Juan José Medina en preproducción de
inquietud por los temas de animación y producción audiovisual, día. La animación de este proyecto está casi terminada y cuenta El Octavo Día (2000)
comenzaron entonces un diplomado especializado en Televisión ya con 7000 dibujos, pero aún no han sido capturados ni
y Video de dos años, que se impartía en el Departamento de Cine postproducidos, debido entre otras cosas, a que se produjo justo
y Televisión de la misma UdeG, coordinado por el pionero de en el momento de la transición de tecnologías analógicas y
formación en este ramo en Guadalajara: Daniel Varela.59 digitales, por lo que nunca decidieron si fotografiarlo en 35mm, o

60
Para conocer más en torno a este corto, recomendamos
59
Varela fue maestro años atrás de Guillermo del Toro y de revisar el extenso texto desarrollado por Manuel Rodríguez
Rigo Mora cuando éstos comenzaron a trabajar sus primeros en Animación, una perspectiva desde México, p.178-182). El Octavo día, la creación
proyectos.
61
Entrevista a Juan José Medina, 21 de marzo de 2012. (Basulto, Medina, 2000)

45
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

escanear directamente los dibujos. Debido a ello, el proyecto y toca, sin ser muy explícito, la preocupación del abuso infantil62.
permanece aún pendiente de ser terminado. En él, un pajarero es asesinado por uno de sus querubines
cautivos, el cual, en un ciclo trágico, terminará tomando
Por su parte, en 2002 Juan José ganó una mención eventualmente el lugar de su captor y víctima. Jaulas costó
honorífica en el Concurso Nacional de Guiones de IMCINE y cerca de 900 mil pesos, y tuvo un tiempo de producción
Jóvenes Creadores con una historia que incluía a un querubín y aproximado de 14 meses. Las nuevas vías de producción
un anciano, titulada Revelaciones , no obstante su producción digitales permitieron que, a diferencia de El octavo día ,
quedaría encapsulada también por algunos años. Jaulas fuera realizado casi totalmente en Guadalajara,
incluyendo gran parte de su postproducción.
Cuadro del proyecto Eclosión En 2004 y 2005 ambos impartieron en el CAAV de Daniel
Varela cursos de introducción a la animación, haciendo ejercicios El mismo año que Jaulas ganó el concurso de corto de
de 2D y stopmotion. Entre sus alumnos destacados, encontraron IMCINE, Rita había inscrito un proyecto suyo: Gris . También de
a un escultor llamado Leon Fernández, de quien se hablará en el stopmotion, contaba una historia que Basulto traía ya desde
apartado de Extensión del grupo de Gdl. También inicios de la década, y que versaba sobre la peculiar relación
trabajaron en 2005 las secuencias animadas que aparecerían en entre una niña y una anciana. El proyecto no fue seleccionado en
el largometraje de ficción de Rodrigo Plá Desierto adentro esa ocasión, pero tendría su oportunidad 4 años después, en la
(2009), que consistieron en transiciones de escenas de época, y convocatoria de 2011, titulándole entonces como Lluvia en
de retablos animados hechos en óleo en mesa multiplanos. Éste los ojos .
Desierto adentro (Plá, 2009)
trabajo les valdría el Ariel a mejores efectos especiales. Aparte
de eso, en una época de poco apoyo a proyectos animados de Durante 2009 y parte de 2010, Rita fungió como una de
gran calibre, ambos dedicaron algo más de tiempo a su obra los 5 directores del proyecto Suertes Humores y otras
pictórica y escultórica personal; y a colaborar en proyectos de Historias de la Independencia y la Revolución para el
otros amigos artistas, en labores de storyboard, diseño, estudio Batallón 52, dirigiendo 11 cápsulas. La artista visual
ilustración, títeres y escenografía. menciona que esta experiencia fue extenuante y complicada,
debido a que se vió atenida, como pocas veces antes, a
En 2006, Juan José recibió nuevamente la beca Jóvenes limitantes creativas en la realización, por motivos tanto
Creadores del FONCA para la realización y trabajo de 6 guiones operativos como comerciales. Pero por otra parte, le brindó la
cinematográficos de animación, entre los que se encontraron El oportunidad de aprender a trabajar con equipos creativos más
Jaulas (Medina, 2009) pan de cada día, Huevos Duros, y continuó trabajando y puliendo numerosos, experiencia muy diferente a su dinámica tradicional,
de manera especial Revelaciones , sin poder aún encontrar la personal e íntima en sus proyectos previos de stopmotion63.
ventana para materializarlo. Finalmente, en 2007 ganó la 2ª Para este proyecto, coordinado por IMCINE y la CANIETI (Cámara
emisión de la categoría animada (recién reinstalada por IMCINE) Nacional de la Industria Electrónica de Telecomunicaciones y
para su 7º Concurso de Cortometraje, y así podría comenzar a Tecnologías de la Información) sede Occidente, también Juan
producirlo con colaboración muy cercana de Rita. El corto vería José fue considerado en un inicio para dirigir, pero debido a que
la luz entonces en 2009, y sería estrenado en el XXIV Festival aún se encontraba terminando Jaulas , participó solamente en
Internacional de Cine de Guadalajara, con el nombre final de una etapa posterior, como guionista de algunas de las cápsulas.
Jaulas . El corto presenta, con una narrativa más o menos
tradicional y cercana al realismo mágico, un ciclo de abuso y 62
Idem.
Jaulas (Medina, 2009) explotación retratado en medio de un entorno desolado y hostil; 63
Entrevista a Rita Basulto, 21 de marzo de 2012.
46
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EL GRUPO DE GUADALAJARA / LA VIEJA GUARDIA

A fines de 2010, después de terminado el proyecto le va a gustar hacer presupuestos, ni armar breakdowns, ni mucho
Batallón 52 y con la salida de Ricardo Gómez de la presidencia menos; pero a mí sí, y creo que este tipo de actividades te aportan
de la CANIETI, el nuevo presidente de ésta cámara, Octavio y aprendes mucho para futuros proyectos… tanto en la parte de
Parga, le ofreció a Juan José integrarse en la vicepresidencia de gestión, por parte de la CANIETI, como la labor de solución ya
directa de proyectos por parte de IMCINE…“
multimedia y medios creativos. En este puesto, Juan José se
“Alguien lo tiene que hacer… hace falta ese link, de alguien que
ocuparía por tres años de gestionar el impulso a industrias conozca un poquito de aquel lado y que tenga experiencia del otro.
creativas64, así como a la producción cinematográfica animada Influir un poquito en la forma de ver de unos y de otros
desde un punto de vista no tanto cultural (como generalmente se [empresarios-funcionarios, y creadores], que antes eran como el Suertes, humores y otras historias de la
ha manejado) sino desde la perspectiva del sector empresarial, y agua y el aceite”.65 Independencia. El tartufo de Hidalgo
de tratos con instancias como la Secretaría de Economía. Algo (Basulto, 2009)

claro en la CANIETI occidente como cámara empresarial en esta También en 2010, invitado por Luis Téllez, Medina trabajó
etapa ha sido una inquietud por crear un vínculo entre empresas en España el corto de 13 minutos en stopmotion El puchero
que tienen interés de involucrarse en la industria, y que cuentan trotón , para la colección basada en libros infantiles de la
con medios de conseguir acceso a financiamientos importantes, y editorial gallega OQO. Tiempo después, en Guadalajara entraría
el círculo creativo de la región, ya bastante conocido, que busca junto con Francisco Rodríguez a laborar en la adaptación del
medios para poder echar a andar nuevos proyectos de gran guión para el proyecto de largometraje del estudio Metacube
escala y trascendencia. Ésto para bien de la industria de las Día de muertos , que se denominó por varios años El
nuevas tecnologías y generación de contenidos creativos e misterio de la calavera .
intelectuales propios, a nivel regional y nacional. Os contos do camino. El puchero trotón
(Medina, 2010)
Cecilia Navarro, didacta y formadora
Este nuevo cargo de Juan José en la CANIETI, así como su Socióloga y Maestra en Estudios Cinematográficos por la
intervención como supervisor y productor en varios de los Universidad de Guadalajara (UdeG), cursó en los ochentas,
nuevos cortos seleccionados de IMCINE, hacían pensar durante los inicios del Centro de Investigación de Estudios
claramente en la necesidad y esperanza de encontrar en el Cinematográficos (CIEC), el Diplomado de Cine y el Diplomado de
futuro inmediato más “gente de animación” que empezase a Televisión y Video coordinado por Daniel Varela en lo que hoy es
intervenir como gestores y productores, que conocieran de el Departamento de Imagen y Sonido, también de la UdeG. Tomó
verdad el medio animado, para apoyar de manera realmente además un taller en Special Effects y Mechanical Puppetry en
eficaz a los creativos, que muchas veces no saben cómo Nueva York. Cecilia produjo en los noventas diversas obras de
aterrizar financiamientos o levantar un proyecto de manera que animación de autor en stopmotion acreedoras a variados
el dinero no se acabe, que los tiempos no se hagan eternos, y reconocimientos como fueron Cerraduras (1990), el spot de la
Basulto en producción de
que se termine lo propuesto. Feria del Libro La tercera es la vencida (1993), Las Lluvia en los ojos (2013)
buenas conciencias (1994) y Filofobia (1997).
“Yo sigo trabajando en mis propios proyectos personales –acotó
Medina—… pero voy aprendiendo otras formas de ver, y cómo En 2002, su trabajo fue reconocido por CONACULTA al ser
llegarle a la animación. Lo de la producción sí me gusta… incluida en un disco compilatorio de mujeres artistas titulado
pensarán que alguien que se dedica más a la parte creativa pos no
Wonder woman (2002). Cerca de 2003 planeaba un nuevo
64
corto de pixilación en 35mm, llamado El cuarto de las
Donde pueden considerarse estudios de animación, de
postproducción, de creación de video juegos y aplicaciones
para dispositivos móviles, etc.
65
Entrevista a Juan José Medina, 21 de marzo de 2012. Producción de Lluvia en los ojos (Basulto)

47
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

palabras . Llegó a hacer algunas pruebas con la cámara de cine Junto con Rigo Mora, Navarro ha sido una de los maestros
de la UdeG, y consiguió que le apoyaran con la película de cine, de animación más reconocidos de la capital tapatía, y por ende
pero por problemas debidos a cambios en la administración del país. Actualmente continúa enseñando la materia de Cine de
universitaria, nunca pudo dar término al proyecto, y tras el Animación Clásica de la Licenciatura en Artes Audiovisuales (de la
nacimiento de su hijo, dejaría a un lado su faceta de producción cual fue maestra cofundadora) y la optativa de especialización
animada66. para realizar tesis en dicha área. De esta manera, varios
animadores, especialmente de stopmotion, han pasado por su
Sin embargo, es preciso mencionar que aparte de su obra clase en los últimos años, entre los que se pueden nombrar a
como animadora, Cecilia es reconocida sobre todo como realizadores como Sofía Carrillo, Paul Salvador Gómez, Erasmo
Cecilia Navarro
docente, habiendo impartido las clases de animación clásica en Rodríguez, Roberto Zavala y Luis Beltrán, entre varios otros que
la UdeG desde hace más de 20 años, formando varias se citan más adelante.
generaciones de nuevos animadores. Para ello, Cecilia considera
fundamentales sus estudios realizados en el CIEC, y el apoyo
aportado por Daniel Varela67.

Personaje de Filofobia (1997)


último cortometraje de Cecilia Navarro

Luis Téllez, Cecilia Navarro, Rigo Mora, Juan José Medina y


Rodolfo Guzmán en un congreso de comunicación de la UNIVA,
1998.

66
Entrevista a Cecilia Navarro, el 11 de abril de 2012.
67
Rodríguez Manuel, Animación, una perspectiva desde
México, CUEC, México, 2007, p. 177.
48
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EXTENSIÓN DEL GRUPO DE GUADALAJARA

EXTENSIÓN DEL GRUPO DE GUADALAJARA


Después de algunos años, nuevos artistas se acercaron a este pequeño y prolífico clan de realizadores y tuvieron relación
cercana con su trabajo y estilo, engrosando la oferta de oscuros cortos narrativos, no tradicionales, y capturados cuadro por cuadro.

Blanca Xóchitl Aguerre,


animadora con preocupación social Regresando a Guadalajara con 300 figuras de plastilina
Comunicóloga tapatía egresada en 1998 del Instituto hechas por los niños, y 3 horas y media de grabaciones de audio
Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), se DAT, comenzó la segunda parte de una gesta que rayó en lo
acercó al medio animado hasta la universidad. Comenzó a heróico para realizar una animación con técnica multiplanos en
empaparse en 1997 con un curso semanal de animación con plastilina inspirada en el material aportado por los chiquillos, que
Cecilia Navarro, y otro de guión, ambos en la Universidad de se llamaría La historia de todos (2003).
Guadalajara (UdeG).
En el largo tiempo de preparación y preproducción, Blanca
Muy inclinada en sus estudios hacia la antropología, su llegó a acudir a asesoría y trabajar como aprendiz ocasional de
compañera Irene Rojas la invitó a participar en un proyecto diversos animadores. Uno fue Dominique Jonard, quien le vendió
etnográfico financiado por el Instituto Nacional Indigenista, sobre su Bolex de 16mm para fotografiar el corto. Otros fueron René
migrantes que trabajaban en plantíos de tomate de exportación Castillo y Rigo Mora, que trabajaban juntos en un estudio donde
cerca de Sayula. Viendo por un año las múltiples carencias de los René preparaba entonces Hasta los huesos (2001) al lado
niños de estos trabajadores, Blanca decidió impartir un breve de su pareja Cecilia Lagos y de Luis Téllez, quien ofrecería algo Niñas del taller que gestó La historia de
todos (Aguerre, 2003)
taller en el que éstos hicieran algún cuento y algo de animación de apoyo a Blanca en labores de producción de su corto.69
que mostrara su realidad.
Aguerre tomó año y medio en preproducción,
“Fue una incursión bien autodidacta y torpe, porque no tenía la autoformación, investigación y búsqueda de posibles apoyos.
menor idea de lo que era trabajar realmente con niños haciendo un Con la licencia y comisión de un año para dedicarse
proyecto; no tenía la menor idea de lo que era hacer una exclusivamente al proyecto que le brindaron sus superiores en
animación, ni un cortometraje en cine, y yo todo pensé que iba a su trabajo de video educativo en la SEP, Blanca animó a tiempo
ser muy rápido… me tardé 5 años”68. completo y sin descansar de agosto de 2001 hasta julio de
2002. Consiguió apoyos como la beca de Jóvenes Creadores del
Luchando con permisos para entrar en albergues que Fondo Estatal de la Secretaría de Cultura, la de Educación por y Niños del campo Bonanza 2001 en 1999
tenían demasiadas irregularidades laborales, logró impartir un para el Arte del INBA-CNART de CONACULTA Jalisco, la beca de
taller de dos meses en 1999 con niños del campo Bonanza Coinversiones y Fomento a la Producción y un pequeño apoyo de
2001, donde éstos tuvieron un acercamiento a lo que es la Alas y Raíces a los Niños de postproducción para poder
animación, y realizaron diseño de personajes y relatos. Después terminarlo en cine de 35mm. Trabajó casi toda la animación ella
Blanca realizaría, con los testimonios grabados de los niños, un sola, adecuando una recámara de su casa. Solo contó con la
guión para una historia colectiva de tipo documental, en el que
saltaba a la vista la inquietante cuestión racial entre etnias que
69
poblaba en los pequeños, que se negaban a trabajar juntos. Cabe aclarar, no obstante, que Téllez casi no realizó
animación para La historia de todos, al encontrarse absorbido
de lleno en ese entonces por su colaboración en el corto
68
Entrevista a Blanca Aguerre, el 5 de diciembre de 2012. Hasta los huesos (2001). La historia de todos (Aguerre, 2003)
49
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

compañía eventual de su fotógrafo, Nicolenka Beltrán, para producción personal de animación a partir de La Historia…
montar luces y cámara. La productora Alejandra Guevara, ha sido muy reducida, ha impartido talleres de animación para
enamorada de su proyecto, la ayudó para negociar la niños y adultos72, y en 2011 y 2012 impartió clases de
postproducción, y con música aportada por Julieta Venegas, animación en la Licenciatura en Cine de la Universidad de Ciencia
terminó La historia de todos con cuchillo entre los dientes el y Tecnología de Chiapas.
22 de marzo de 2003 para estrenarlo en la XVIII Muestra de
Cine Mexicano en Guadalajara (esto hasta su segunda jornada, Karla Castañeda, productora de realismos mágicos
ya que la película se quedó atorada en la aduana el día de la Percibida desde fines de la década como un miembro más
inauguración de la muestra). del célebre grupo de Guadalajara, es una tapatía egresada de la
La historia de todos (Aguerre, 2003) Licenciatura en Comunicación del ITESO. A sugerencia de su
Hay que resaltar el valor de esta pieza, que más allá de sus maestra, la crítica Annemarie Meier, realizó su tesis montando
cualidades técnicas y estéticas, brilla por la loable naturaleza de una exposición titulada ¡Cámara! El cine en Guadalajara. Ésta se
su origen y su enorme esfuerzo de producción, todavía cifrado armó en acuerdo con la Secretaría de Cultura del Estado de
en los esquemas de trabajo analógicos y pre-digitales con los Jalisco para difundir lo más relevante del cine y la animación
que comenzaron sus predecesores del grupo de Guadalajara, realizado en dicho estado de 1985-2001, e incluyó una
cuando de manera más patente “el cine se hacía con sangre, sudor exposición relacionada con el cine hecha por pintores tapatíos.
y lágrimas, gracias al esfuerzo extremo de los realizadores y a pesar de Para montarla en 2002, en el Ex Convento del Carmen en el
los numerosos obstáculos que enfrentaban” 70. Y agrega “es en este centro de Guadalajara, Karla y su compañera de tesis Julia
Lupe el de la vaca (Aguerre, 2011) tipo de experimentos, de procesos de prueba y error, como empieza a Büchsenschütz realizaron entrevistas a los cineastas y
constituirse una carrera de animador.” 71 animadores tapatíos --o radicados en Guadalajara— que
incluirían en la muestra. Fue así que en 2001 Karla conoció al
En fin, es sin duda debido al propósito que generó el afamado grupo animado de Guadalajara: René Castillo, Rigo
proyecto que este halló reconocimiento de numerosos foros y Mora, Rita Basuto, Juan José Medina, Paco Guzmán y Cecilia
festivales, al encontrar en él una joya atípica y difícil de Lagos, así como al animador defeño Luis Téllez, de quien se
reproducir, en tiempos en que además IMCINE hacía ojos ciegos haría amiga y más tarde pareja, casándose en 2004.
en apoyo al género.
Karla empezó a trabajar al lado de Téllez ayudándole en la
Después de La historia de todos , Blanca continuó búsqueda de apoyos para su proyecto Viva el rey ;
Exposición “¡Cámara! El cine en
Guadalajara”, 06/03/2002-28/04/2002 trabajando algunos años en la SEP, a la par que hizo títeres de aprendiendo y asistiéndolo en algunos comerciales que animó. Al
siluetas para la compañía teatral El Tlacuache y algunas otras. principio, Luis sugirió a Karla hacer comics o historias con sus
Tras casarse y tener un hijo, se mudó al DF a fines del 2006, y personajes, y luego ella pensó darles movimiento y empezar a
fue en 2007 que comenzó un proyecto de documental de acción plasmar historias vivas detrás de ellos. Clara cinéfila, Karla
viva titulado Lupe el de la Vaca (2011), homenaje a la gente admira a animadores autorales como Sylvain Chomet y Adam
del campo de la Sierra del Tigre en Jalisco, que incluye 50 Elliot, aunque se empapa más del trabajo de ilustradores como
segundos de animación realizados por ella. Aunque su

72
Entre 1998 y 2002, impartió a niños en el museo el Globo y
Conferencia “La animación por sus 70
Aguerre Blanca, La historia de la historia de todos, ITESO, el Trompo mágico, en el ITESO, en la Sierra de Manatlán y
autores” Rita Basulto, Juan José Medina, Guadalajara, 2006, p.56.
Paco Guzmán, Julia Büchsenschütz y Karla
en la Huichola, con Dominique Jonard, y en el 2011 para
71
Castañeda, 16 de marzo de 2002
Idem, Pág.47. adultos en el estudio Riggen Films, en Guadalajara.
50
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EXTENSIÓN DEL GRUPO DE GUADALAJARA

Shaun Tan, Rebecca Dautremer o Benjamin Lacombe. Le gusta la bullicio, el foro estaba a una cuadra de la casa… …y diario a las
literatura fantástica y el realismo mágico, teniendo un interés de 6 de la tarde religiosamente nos ibamos a nadar y a andar en bici
tiempo atrás por garabatear, bocetar y crear personajes de montaña y combinamos muy bien lo físico con la animación,
fantásticos atípicos y desproporcionados que reflejen un que de pronto eso se descuida.”
intrincado mundo interior.
A pesar de ello, Castañeda admitió que no fue cosa fácil
Así, Castañeda comenzó en 2004 con un par de ejercicios para ella.
de animación, entre ellos uno de menos de un minuto en “Jacinta fue una bola de nervios, porque era el primer corto que
vas a hacer como ya en forma… …y la presión que tenía de
plastilina llamado Melquiades (2005), en honor al personaje
IMCINE… me pusieron las reglas sobre la mesa desde el principio, Melquiades (Castañeda, 2005)
de García Márquez de 100 años de soledad. Éste trata de “un de que era el primer corto que se apoyaba de nuevo en 7, 8
señor con alas que quería volar, pero se hallaba atrapado en las años… y de que como era mujer —porque con la que quitaron el
monedas y cosas materiales.”73 Luego, en 2005 empezó a trabajar apoyo fue con Lourdes Villagómez con Síndrome de Línea
en su primer corto formal: Jacinta (2008). El concepto lo inició Blanca—, que tenía que salir en tiempos y acabar bien, era como
a partir de una imagen que tenía fija en la cabeza: Un corazón bien intenso.” 75
expuesto del cual salían gusanos. Luego ligó dicho tema a su
abuela, quien murió casi a los 100 años, poco antes del estreno “Teníamos esa presión Karlita y yo, porque pensabamos “si no
del corto. Karla siempre pensaba cuántos kilómetros pudo tejer terminamos en tiempos [de IMCINE], van a quitar el apoyo otra
durante esa centuria de vida para toda su descendencia. A partir vez”, así que teníamos que pensar como en todo lo que podía
de ello, construyó una bella y sensible historia, y un personaje repercutir [para otros]” acotó Téllez.76 Jacinta (Castañeda, 2008)
entrañable. Aplicó con el proyecto para una beca del Consejo
Estatal para la Cultura y las Artes (CECA) y también acudió a la A pesar de una distribución errática de parte de IMCINE,
Universidad de Guadalajara, sin respuesta positiva. Para su Jacinta logró reconociminetos como selección en la semana de
fortuna, en 2006 se lanzó, después de 6 largos años de la crítica de Cannes (por parte del Festival de Morelia) y la Perla
ausencia de apoyos del Instituto Mexicano de Cinematografía Negra a mejor animación del Festival de Cine de Abu Dhabi, —
(IMCINE), la primera emisión de la categoría animación para su Middle East International Film Festival—, que les valdría un
6º Concurso Nacional de Proyectos de Cortometraje74, y el significativo premio económico de 75 mil dólares que compensó
proyecto fue seleccionado. el enorme esfuerzo que les llevó el proyecto, y les permitiría
Los colgados y Francisco Goitia. Suertes,
acondicionar un espacio especial para trabajar sus futuros humores y pequeñas historias de la
Luis Téllez, que apoyó de cerca a Karla en todo el proceso, proyectos en una nueva casa. Jacinta tomó alrededor de 14 Revolución (Castañeda, 2009)

recuerda: meses de producción y costó cerca de 900 mil pesos.


“Para Jacinta estábamos en el DF, justamente por [un proyecto
llamado] Kairosis, y en cuanto dieron el apoyo nos fuimos a vivir Luego, en 2009 y hasta principio de 2010, Karla trabajó
a un pueblito de Zacatecas, El Teúl de González Ortega, que es el como una de los 5 directores del proyecto de animación 2D de
pueblo del papá de Karlita, y ahí bajamos mucho el presupuesto. Batallón 52 para conmemorar el bicentenario de la
Rentamos una bodega baratísima gigante para tener los foros, y Independencia y la Revolución. A inicios de 2010, codirigió junto
fue una etapa muy padre, porque nos olvidamos de todo el con Luis Téllez Un día sin petróleo , un corto de plastilina de
73
Entrevista a Karla Castañeda, el 23 de abril de 2012.
74 75
La convocatoria fue armada y redactada por Luis Téllez, Idem. Un día sin petróleo
76 (Castañeda, Téllez, 2010)
René Castillo y Alejandra Guevara Entrevista a Luis Téllez, 10 de abril de 2012.
51
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

cuatro minutos comisionado por el Festival Internacional de Cine ”Fue un momento bien difícil porque era replantear la historia, y
y Medio Ambiente de México Cinema Planeta, y el corto fue más que [el niño] era un personaje en el que ya habiamos
producido en sólo 20 días desde España. Para fines de ese año trabajado [detalles y articulaciones por] 5 meses y dijimos ya, el
fue invitada también en ese país por la editorial gallega OQO personaje principal no va a actuar, va a estar muerto.77”
para dirigir en 20 días, y asistida por Téllez, un corto animado de
la serie para televisión Os contos do camino , inspirada de la Los personajes contaron con el diseño de la española
colección de cuentos infantiles pertenecientes a dicha casa Sandra Arteaga y las estructuras internas fueron hechas por el
editora. La historia escogida y adaptada por Karla fue Félix el estudio Se-Ma-For de Polonia. La edición fue hecha por el
Félix, el coleccionista de miedos. Os contos
do camino (Castañeda, 2010) coleccionista de miedos , una animación que ilustra en un cineasta Carlos Bolado, y la música tuvo una elaboración
sencillo stopmotion –pues sólo les daban una semana para relevante y emocionalmente especial de parte del compositor
animar— la adorable historia de un niño que le tiene miedo a Gilberto Cervantes78. Los intérpretes fueron la banda de los
todo, pero que al final decide afrontar sus demonios, y hermanos Torres, una familia originiaria del mismo pueblo de
guardarlos todos en un baúl. Teúl de González Ortega –que tocaba especialmente en
funerales de niños muertos, llamados angelitos—, y que no
También en 2010 Karla aplicó por tercera vez un nuevo habían tocado en años por estar peleados.
“En el pueblo veía mucho los velorios de niños hechos en casa, y
proyecto en el 10º concurso de IMCINE, y fue seleccionada para
que los cargaban, toda esta parte que me interesó muchísimo, y la
realizar el cortometrale La Noria (2012). Éste retrata el foto del principio de La Noria es eso, cuando al niño se le para la
velatorio de una familia de pueblo que va a enterrar a uno de sus mariposa negra, ese es augurio de mala suerte en los pueblos, de
La Noria (Castañeda, 2012) niños. Lidia con el dolor del padre ante una pérdida inesperada, que alguien se va a morir... …las fotos postmortem… …Todo
y la necesidad que tiene de soltar a su hijo y su dolor para volver esto es esta parte de viviencia personal que desde chica he visto
a echar a andar su vida. Respecto al origen de la idea, Karla en el pueblo.”
menciona:
“A mi otra abuela se le murió su hijo a los 30 años y ella nunca Para la Noria, Karla fue madurando su oficio de animadora,
volvió a vivir…También tiene que ver conmigo, porque en corto y en mancuerna con Luis pudieron trabajar ya en el nuevo taller
tiempo murieron mis dos abuelas, murió Rigo [Mora], …mucha que acondicionaron. Cambiaron la clásica lonchera de stopmotion
gente cercana a mí, y no lograba desprenderme, quería soltarlos y con que Téllez había animado por años para utilizar el software
no sabía como, entonces tiene que ver con una experiencia
DragonFrame, y aprovecharon tener ya mayores certezas en el
personal…”
área de postproducción: Con Jacinta se había complicado porque
Stills de La noria (Castañeda, 2012)
aún no sabían muy bien como hacerla, y armaron el compositing
El guión se decantó a partir de estas experiencias
en el DF con el estudio New Art. Para la Noria este proceso se
personales y de imágenes que Karla traía constantemente en la
hizo todo en Guadalajara, y cuando fueron al DF a terminar
cabeza, como la noria y el pescado que se quedaban
imagen, les tomó sólo una hora y mucho menos dinero, mientras
suspendidos, y de una serie de seres raros dentro de globos que
con Jacinta habían tomado dia y medio79.
Karla frecuentemente bosquejaba. La historia sufrió infinidad de
tratamientos y modificaciones, hasta el punto que, ya con la beca 77
y a punto de empezar la animación, decidió cambiarla, Entrevista a Karla Castañeda, el 23 de abril de 2012.
78
Mejor amigo de Karla, había trabajado también la música
sustituyendo la pérdida del padre por la del hijo, dado que la de Jacinta. Su madre falleció justo mientras trabajaban La
anécdota le parecía aún más fuerte. Noria, hecho que se permeó sensiblemente en el espíritu de
la obra.
Set de La noria (2012) 79
Entrevista a Luis Téllez, 10 de abril de 2012.
52
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EXTENSIÓN DEL GRUPO DE GUADALAJARA

Para 2012, entre los planes inmediatos de Karla estaba bizarros, en una obra que remite al viaje entre planetas de El
colaborar con Luis Téllez en la realización de su primer Principito, o la búsqueda de Atreyu en La historia sin fin.
largometraje, Inzomnia .
Con el tiempo, Erick se concentraría profesionalmente en
Sofía Carrilllo, exorcista de los malos sueños labores de dirección de arte, y Sugey se establecería como
Hija de pintores, siempre se interesó por la plástica, y productora para el Canal 44 de la UdeG, pero Sofía encontró en
estudió la Licenciatura en Artes Audiovisuales en el la animación una forma de expresión que se convertiría en su Mara (Alvarado, 2003)
Departamento de Imagen y Sonido (DIS) de la Universidad de quehacer más apasionado en los siguientes años.
Guadalajara, tomando cursos de animación con Cecilia Navarro.
“Me quería expresar, quería vivir en mundos de fantasía… …no De vuelta en la licenciatura al terminar Mara , su primer
sabía si quería ser pintora o escritora, y entonces descubrí el plan trabajo personal como directora fue Vértigo (2003), animación
de estudios de la UdeG, y vi que existía una carrera que también de stopmotion, basada en un sueño suyo:
básicamente era una cosa entre pintor y escritor, eran como “Fue la primera historia que tenía que ver absolutamente
cuentos vivos…”80 sobre mí y lo que sentía, y que se acercó más a lo que
imaginaba; fue un parteaguas en ese aspecto. Involucraba
Su primer trabajo de animación fue colaborando con dos mucho algo del corazón, que era importante”. Mara (Alvarado, 2003)
compañeros en un corto de stopmotion llamado Mara (2003), Este corto se terminó también en 35mm, por ganar la
por el que decidió dejar por un año la carrera para terminarlo. Lo convocatoria estatal de apoyo a producciones del Fondo Estatal
hizo con Erick Alvarado, director del corto, y Sugey González, para la Cultura, de parte la Secretaría de Cultura.
que asumió un rol de productora. En él, Sofía animaba a un
elefante e hizo varios de los personajes, y Rigo Mora les asesoró Después de esto, Sofía realizó la primera tesis de
para hacer un vaciado del personaje principal en látex. Los tres animación hecha para su licenciatura en la UdeG. El proyecto era
compañeros pretendían hacer 3 animaciones dirigidas por cada Fuera de Control (2008), el cual planeó en 2006, y rodó y
uno a forma de tríptico, pero al final solo terminaron realizando postprodujo en 2007. Por este trabajo Sofía fue becada por el
Mara . Compraron una lata de película blanco y negro, y Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (CECA) y en 2007
consiguieron una cámara de cine y una bodega para el rodaje. ganó la convocatoria jalisciense de Apoyo a la Postproducción de
Contaron también con la suerte de obtener un apoyo especial Cortometraje de IMCINE. De tipo no narrativo, el corto de 11
que salió por vez única de parte de la UdeG para subir tres minutos encierra un mundo de fantasía pero nada idílico, más Vértigo (Carrillo, 2003)
cortometrajes a cine. Erik resultó becario de Fomento y bien perturbador, de difícil lectura, y que despierta emociones
Coinversiones de FONCA 2002, y Sugey consiguió apoyos y que hacen pensar en obras como las de los hermanos Quay o en
patrocinios de donde pudo. los de su admirado colega, Luis Felipe Hernández. En él, lidia
con sus pérdidas personales y sentimentales:
Con varias limitaciones técnicas y una animación “A partir de Fuera de Control, me di cuenta que cada trabajo
accidentada en su hechura, pero con mucha dedicación y que hago es como un exorcismo, un acto pánico, dijera
necedad, concluyeron en 35mm una historia sin diálogos en que Jodorowsky. Fue como sumergirse en la cueva del lobo personal…
el protagonista Trefuloso y su elefante Hormigón buscan la mítica es un abrazo a sí mismo.”
tierra de Mara, hallando en su trayecto a los personajes más
Buscando elementos recurrentes en su obra, Carrillo se ha
interesado mucho en el trabajo de escenografía y dirección de
80 Vértigo (Carrillo, 2003)
Entrevista con Sofía Carrillo el 27 de marzo de 2012.
53
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

arte, para diseñar una concepción completa de sus proyectos. Para Prita Noire , la tapatía trabajó ya un poco más su
Busca una forma de contar que (con)tenga lo emocional, no se estructura de guión, y trató de mezclar técnicas, pixilando a una
interesa tanto por la narrativa convencional. Afirma que, en su actriz de carne y hueso en vez de animar una muñeca.
particular forma de trabajo, tiene un gusto por buscar que los
objetos se muevan solos y la utilicen como un medio para A diferencia de los ya más conocidos animadores de
manifestarse, se maneja bajo una lógica emocional. Guadalajara, Sofía se mantenía a distancia del uso de tecnologías
“[En fuera de control], si los pasillos y los colores son así, es muy elaboradas, debido a restricciones presupuestales.
porque esas eran mis pesadillas cuando era chica. Soñaba que me Trabajando sus muñecos con simple estructura de alambre,
Fuera de control (Carrillo, 2008) perdía en un hormiguero y que nunca volvía a ver a mis papás. Esa nunca tuvo una lunch box81, y fue hasta Prita Noire que llegó a
angustia de ser un niño de 4 años perdido siempre termina en mis usar programas de referencia inmediata para animar, y a
cortos, los niños siempre se pierden” y agrega: “Diario termino experimentar con recubrimientos tipo látex y otras cosas más
haciendo canciones de cuna para los personajes femeninos, algo
elaboradas. Aunque terminado sólo en video digital y hecho muy
muy onírico”.
apresuradamente para el gusto de la autora, Prita le trajo a
Carrillo más premios y sorpresas de lo que esperaba, haciéndola
Reconociendo el peso de los animadores tapatíos más
acreedora a su segundo Ariel a mejor animación (el primero fue
reconocidos en su trayectoria, especialmente de Cecilia Navarro,
por Fuera de control ) y un tercer lugar en el Foro animasivo
Rigo Mora, Juan José Medina y Rita Basulto (siendo estos dos
2012, entre muchos otros reconocimientos.
últimos exalumnos de su padre), así como recientemente León
Fuera de control (Carrillo, 2008) Fernández, afirmaba que no se sentía aún animadora como ellos,
A la par de sus trabajos personales de animación, que no
“creo que los demás tienen mas oficio” decía, pero agregaba que
le dan necesariamente para comer, se ha sostenido haciendo
se declara privilegiada de hacer lo que le gusta.
también trabajo de escenografía y dirección de arte, elaborando
títeres, vestuario “…lo que sea necesario, por así decirlo”. Ha
En 2009 empezó a planear Prita Noire , el cual rodó en
trabajado para Nahuyaca Films, productora fundada por
2010 y estrenó, esta vez con salida en video digital, en el
compañeros suyos de la carrera; también para grupos de teatro
Fuera de control (Carrillo, 2008) Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) en 2011. La
como A la deriva teatro y Luna Morena en títeres; y para grupos
idea comenzó con un personaje que tenía rondando en la
de danza alternativa. La animación, por su parte, es la manera
cabeza, una especie de alter ego, el cual mutó cuando durante
que ha encontrado para expresarse de manera personal; es
un viaje a un festival en Berlín recordó un arte objeto que había
como se acerca a lo que ha querido ver, reflejar, y no se imagina
hecho unos 5 años antes. Era la escultura de una muñeca de
vivir haciendo animaciones por encargo. Sofía es una animadora
tela de tamaño real sin brazos que en medio de sus piernas
especialmente comprometida con su trabajo y con sus
tenía una botella con una niña chiquita sentada, exactamente
búsquedas, lo que le hace llegar a un público más reducido que
Prita Noire (Carrillo, 2011) igual a la grande.
“Entendí entonces qué significaba la obra, y era una forma de otros animadores, pero afirma “Si se permanece lo más fiel a la
deshacerse de un niño interior que no dejaba madurar… Se vino a naturaleza propia, es la mejor manera de estar uno bien. Además,
mí la idea de hacer una historia de unas hermanas siamesas que cualquier otra cosa, quien sabe si me saldría…”. Sofía tuvo un
tienen una relación codependiente, y la grande que no tiene brazos trayecto bastante autodidacta y en solitario, de mucho esfuerzo
está un poco a voluntad de la chiquita. …También tuvo que ver para ir consiguiendo poco a poco apoyos y reconocimiento, pero
con cuestiones médicas después, porque resultó que tenía un
tumor y medía exactamente lo que medía el puppet.” 81
Aparato de profesional de captura utilizado por
Prita Noire (Carrillo, 2011) animadores para trabajar con referencia de video inmediata.
54
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / EXTENSIÓN DEL GRUPO DE GUADALAJARA

se ha ido consolidando con su propuesta autoral como una cómo escapar de la prisión en que se encuentra, y el secreto que
relevista natural de la estafeta del grupo de Guadalajara. encierra la sobrevivencia de toda su especie. En este
confinamiento, debe adaptarse a su entorno, en aras de
En 2011 y 2012 preproducía un cortometraje apoyado por pertenecer a un grupo social. “Es lo que yo creo que todo mundo
Jóvenes Creadores del FONCA titulado La casa triste , una hemos vivido, ese sentido de pertenencia, el querer pertenecer a un
historia de una familia contada a través de simples objetos, a grupo.”82
partir de una idea que tenía desde pequeña, de que los objetos
se movían cuando no se les veía. Su propuesta esta vez suponía Enviado al concurso de IMCINE tres veces desde 2007
un proceso de filmación con una guía narrativa inicial, aunque antes de ser aceptado, Mutatio tomó 16 meses de producción Carne de cañón (Fernández, 2007)
mantenía la alta construcción intuitiva de obras anteriores. total, con un presupuesto de parte de IMCINE de 900 mil pesos,
incluidos los 300 mil pesos de postproducción. Para producción,
León Fernández, promesa de múltiples dotes dirección de arte y construcción de los muñecos, contó con la
Tapatío, escultor en bronce de cuna (ya que sus padres colaboración de Rita Basulto.
tienen un taller de fundición), su madre lo inscribió sin avisarle a
un curso de animación en el entonces Centro de Artes Aunque tenía claro su deseo de seguir produciendo sus
Audiovisuales (CAAV) de Daniel Varela, impartido por los propios proyectos, León gustaba de asistir a sus amigos y
animadores Rita Basulto y Juan José Medina, en 2002. Viendo colegas en la construcción de sus marionetas. Así, en 2012
sus aptitudes y capacidad, Rita y Juan José lo invitaron a construiría las del corto Un día en familia (2013) de Pedro Mutatio (Fernández, 2011)

ayudarles como asistente en sus animaciones, colaboró como “Zulu” González, realizado en el DF, mientras que en Lluvia en
asistente en el proyecto de Eclosión de Basulto, y lo instaron a los ojos (2013) de Rita Basulto haría las marionetas, dirección
que realizara algún proyecto propio. En 2005 ganó el apoyo del de arte y asistencia en animación83.
Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (CECA) para hacer en
un año una animación dibujada en grafito de minuto y medio Como animador, admira el trabajo de Jan Svankmajer y al
llamada inicialmente Enjaulados y finalmente Carne de director Henry Selick, y la influencia que tuvieron en su formación
Rita y Juan José es innegable. Dentro de sus ideas a desarrollar Mutatio (Fernández, 2011)
cañón (2007). Contando con la asesoría de Rigo Mora para su
elaboración, el trasfondo de esta historia es la explotación, y asegura que la explotación es un tema que se le aparece
muestra la crianza de unos cerdos que son utilizados como constantemente y de manera inconsciente.
animales de guerra por una tribu.
Autor de un banco personal de guiones a desarrollar;
Después de esto, siguió trabajando en animación al dotado de excelentes habilidades de dibujo; escultor de
colaborar en la construcción de las marionetas y como asistente profesión; nociones esenciales para construir armazones
de animación en el corto Jaulas (2009), de Juan José Medina, y funcionales de stopmotion; manejo único de materiales para
en 2009 aplicó con un proyecto propio para el 9º Concurso vaciado y recubrimiento de los mismos; además de un estilo
Nacional de Proyectos de Cortometraje de IMCINE, para hacer plástico bastante madurado… León conjuntaba sin duda un
una animación en stopmotion llamada Mutatio (2011). Con una perfil sin precedente en el medio, y a opinión de varios colegas
idea original gestada con sus amigos Alejandro Aguilar y
Salvador Delgadillo y guión de esté último, la historia gira en 82
Entrevista a León Fernández el 24 de abril de 2012.
torno a un grotesco personaje que despierta en un islote. 83
Ambos cortos fueron ganadores del 11º concurso de
Abandonado y sin refugio ni alimento, este ogro debe descubrir cortometraje de IMCINE (2011). León en grabación
Fernández de Mutatio
en producción de Mutatio

55
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

suyos en Guadalajara, lo proyectaba como una de las más Otro proyecto importante a considerar es
grandes promesas y herederos de la animación de autor tapatía. Electrodoméstico , corto de stopmotion comenzado en el año
Dentro de sus múltiples habilidades, aseguró que gusta del 2000 por Erik de Luna Fors, arquitecto egresado del ITESO que
proceso animado en su totalidad, y aborda casi todas las etapas. había realizado las maquetas del corto Sin Sostén (1998)
Le gusta el diseño de storyboard, la puesta de cámara… pero para Antonio Urrutia y René Castillo. Planeada para durar 14
La Frontera (Gómez, 2006)
especialmente, animar. minutos, esta animación doméstica e independiente llevaba 12
años de realización, con un presupuesto aproximado de 2
Otros animadores y proyectos de stopmotion millones y medio de pesos. A la fecha era dirigido por Erik en
Aunque el espacio es insuficiente, cabría mencionar el caso sociedad con Pavel Ortiz, Sergio Velázquez y Manuel Loustaunau
de otros animadores que, quizá sin estar tan directamente en su productora Pulso Producciones Animadas. Es curioso
ligados a los animadores del llamado grupo de Guadalajara, han mencionar este caso de excepción, ya que se ciñe un poco más
tenido proyectos de cierto renombre, y se han visto inspirados e al perfil largo, accidentado, artesanal y enfermizamente cuidado
insertos en esta inercia creativa del stopmotion tapatío. Uno de de los cortos de fines del siglo anterior, que parecían no
estos casos es el de Paul Salvador Gómez, quien realizó durante terminarse nunca, como Malapata (2001), Hasta los
Antenas de conejo (Gómez, 2010)
sus estudios en Artes Audiovisuales en la UdeG el corto en huesos (2001) o El Octavo Día (2000)… Casos que ya casi
plastilina La frontera (2006), protagonizado por un cactus, y no se ven en la actualidad tecnológica de la inmediatez. Su
terminado en 35 mm; una animación que toca el tema de la historia es protagonizada por una pareja dispareja con
depresión navideña que aqueja a los migrantes. En 2010, primer problemas que ha encontrado una manera de relacionarse a
año en que el Festival de Cine de Guadalajara comenzó a aceptar través de objetos sustitutos, hasta que llega un electrodoméstico
proyectos en video digital, Paul terminó y presentó también, ya a poner orden en esa errática relación. El proyecto, con unas
por cuenta propia, Antenas de conejo , una original maquetas impresionantes y personajes construidos por la
animación de maquetas reales mezcladas con animación 2D en prestigiada empresa inglesa Mackinnon and Saunders, estaba
Preproducción de Electrodoméstico en donde un televisor de bulbos lucha para evitar ser reemplazado planeado para estrenarse en el Festival de Cine de Guadalajara
Mackinnon and Saunders
por una tele de alta definición, y preservar a sus dueños en marzo de 201385.
humanos del consumismo que los impele a abandonarlo.
Y para cerrar, entre los animadores más recientes, cabe
Gómez trabajaba además en 2012 en un proyecto que mencionar a Luis Beltrán, quien con su proyecto de tesis de la
mezclaría stopmotion con cutout de figuras de plastilina y Lic. en Artes Audiovisuales de la UdeG ganó la beca del CECA en
dibujos animados, titulado Jerminación , una historia con tintes 2011, y el Concurso Nacional de Apoyo a la Postproducción de
de realismo mágico acerca de la educación de una niña en una Cortometraje de IMCINE (2012) para poder terminar hacia 2013
escuela rural84. También ligado en colaboración a los proyectos su cortometraje de stopmotion ¿Qué es la guerra? .
Electrodoméstico (De Luna, 2013) de Paul, se encontraba constantemente Erasmo Rodríguez,
animador de stopmotion, escultor y monero de la revista el
Chamuco que también asistió por varios años en sus proyectos a
Rigo Mora, además de ser colaborador constante del estudio
tapatío Haini, de Tonatiuh Moreno.

84 85
Entrevista a Paul S. Gómez el día 9 de junio de 2012. Entrevista a Erik de Luna, el 29 de noviembre de 2012.
¿Qué es la guerra? (Beltrán, 2013)
56
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / TAPATÍOS MÁS ALLÁ DEL STOPMOTION

TAPATÍOS MÁS ALLÁ DEL STOPMOTION


Finalmente, a la par del cinturón externo de gente nueva allegada al “grupo”, orbita también una serie de jóvenes con técnicas,
influencias e intereses diferentes, que vinieron a brindar una mayor variedad a la animación jalisciense. Cabe aclarar, que aunque éstos
no han tenido mucho que ver con el grupo inicial, es indudable que su desarrollo y producción se dio, aunque sea indirectamente,
gracias al camino arado por la influencia y legado creativos del grupo de Guadalajara en el occidente del país.

Tonatiuh Moreno (ver Estudio Haini) todos los cuadros sobre papel Guarro de algodón para aplicarle
color en acuarela. Posteriormente se recortaron los personajes
Leopoldo Aguilar, giro a la producción animada con Photoshop para ser integrados a los fondos, que fueron
Licenciado en Relaciones Internacionales, Leopoldo vivió a también hechos a mano, y se compuso todo en After Effects. Se
los 17 un año en Japón, donde conoció el trabajo de Hayao realizó en un año y ocho meses.
Miyazaki y otros animadores japoneses. A los 26 decidió cambiar
de profesión y estudiar algo relacionado con cine. Fundó A partir de ese proyecto, Ombligo formó un pequeño
entonces con tres amigos el colectivo Ombligo Films en departamento de animación que llegó a trabajar algunas cosas De cómo los niños pueden volar
Guadalajara, que se dedicaba a ofrecer servicios de casting y para Mandaraka, el estudio de animación publicitaria de René (Aguilar, 2008)
producción trabajando para películas de acción viva como Castillo. Luego Leopoldo colaboró con los animadores Arturo
Buscando un Ángel (2008), de Rodolfo Guzmán. En Ombligo, Tornero y Christian Vázquez para pulir el guión de otro proyecto:
Leopoldo desarrolló en 2006 un guión para un cortometraje, y Monarca , pero Leopoldo ya no vió la conclusión del proyecto,
aunque no sabía hacer animación, aprovechó a algunos jóvenes tras diluirse Ombligo y que él se moviera al proyecto de cortos
estudiantes del área como Arturo Tornero, Christian Vázquez y históricos de Batallón 52 68. Ahí relevó a Rodolfo Guzmán como
Víctor Ramírez, que se encontraban haciendo trabajo y servicio gerente de producción, y dirigió un par de las cápsulas que Rigo
social para el estudio, y decidió armar una carpeta que ganó en Mora había dejado inconclusas tras su muerte. Cuando el estudio
la convocatoria del 6º Concurso Nacional de Cortometraje de de Batallón 52 se instituyó como Kaxan en 2010, trabajó como
IMCINE. Así, realizó el primer corto animado (junto con Jacinta, asesor de producción y dirección en el primer largometraje de Fondo de De cómo los niños pueden volar
de Karla Castañeda) que fue apoyado formalmente por el animación 3D digital hecho en Jalisco: El secreto del (Aguilar, 2008)
instituto desde que frenaron apoyos a la animación en el año medallón de Jade (2012), asumiendo la co-dirección y las
2001. riendas del proyecto cuando Rodolfo Guzmán se vio forzado a
retirarse por sobrecarga de trabajo, por asumir la dirección de la
El corto fue De cómo los niños pueden volar carrera de Animación y Arte Digital en el ITESM campus
(2008), una historia sencilla y melancólica que muestra el paso a Guadalajara.
la otra vida de un niño con problemas para caminar. Atraído por
un cuervo al verlo volar, el chiquillo trata de alcanzarlo y, tras la Leopoldo estuvo un tiempo como gerente de producción de
desatención de su madre, encontrará un final trágico pero a la Kaxan, cuando éste se encontraba en el Chapala Media Park y
vez conmovedoramente poético. Con una premisa argumental todavía estaban asociados con Metacube, y colaboró entonces
que puede hacer recordar al suicida de Sin sostén (1998) de en preproducción del proyecto de El Misterio de la
René Castillo, pero en un tono diametralmente diferente,
emotivo, lleno de color y luz, el corto se hizo con apoyo en 68
Para un mejor entendimiento del siguiente par de El decreto de excomunión de Hidalgo.
asesoría de animadores como Juan José Medina y Rigo Mora. párrafos, se recomienda consultar también el apartado de suertes, humores y pequeñas historias de la
Dibujado a mano, una vez hecha la animación, se imprimieron “Estudios animados - Batallón 52, Kaxan y Metacube”. Independencia. (Mora, Aguilar, 2009)
57
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Calavera de Carlos Gutiérrez. También hizo durante ese la etapa de coloreado, mientras que Christian realizó diseño de
periodo gerencia de producción de Rafita (2010), proyecto de personajes, storyboard, fue animador y, al igual que Cerpa,
serie animada de Diego Luna que fue animada por Metacube y colorista70. Para servicio social, al final de este proyecto entró
coordinada por Estefani Gaona. otro compañero (de una generación debajo de ellos en el CAAV),
interesado por el 3D digital: Víctor Ramírez.
En 2012 estudiaba con una beca FONCA-CONACYT una
maestría en dirección de cine en la Escuela de Cine y Para 2009, los animadores de este corto, después de tres
Audiovisuales de Catalunya (ESCAC), y en agosto regresaría para intentos y ya desligados de Ombligo Films y Leopoldo Aguilar,
comenzar El columpio en el cerezo , corto que le sería volvieron a ganar en el 9ª concurso de corto de IMCINE con el
Arturo Tornero animando en De cómo los
producido por Ánima Estudios, al ser ganador del concurso de proyecto Monarca (2011), donde Víctor Ramírez fungió como
niños pueden volar (Aguilar, 2008) proyectos de cortometraje lanzado por el Cutout Fest en 2011. director y representante ante IMCINE, en co-dirección con Arturo
Tornero. El proyecto germinó mientras se hacía De cómo los
Arturo Tornero, Christian Vázquez y Victor Ramírez, niños pueden volar , cuando Christian Vázquez hizo un dibujo
otra generación, otras técnicas de un niño rodeado de mariposas. Al verlo, su compañero Arturo
En 2005 en Guadalajara, los dibujantes Arturo Tornero, Tornero comenzó a hacer intercambio de ideas con él acerca de
Christian Vázquez y Sergio Hernández Cerpa entre otros jóvenes una hipotética historia alrededor del dibujo y así nació la idea,
interesados específicamente por la animación, entraron como con revisiones de guión de Leopoldo Aguilar (el director de De
Monarca (Ramírez, Tornero, 2011)
primera generación a estudiar en una nueva escuela que ofrecía cómo los niños... ) quien en un inicio estuvo contemplado
estudios especializados en el área, el Centro Universitario de como productor del proyecto, pero finalmente optó por moverse
Arte, Animación y Multimedia (CUAAM). En 2007, para su quinto al proyecto de Batallón 52.
semestre y tras manejos muy erráticos y dudosos del centro, se
les notificó que no tendrían validación de la SEP al terminar la El corto contó con 7 animadores y 8 personas de color, su
carrera, motivo por el cual los tres arriba nombrados decidieron costo total fue de 949 mil pesos (con gran porcentaje vertido en
abandonar la escuela e integrarse con la primera generación de la etapa de post), para realizarse en 18 meses, y se terminó en
la nueva Licenciatura de Animación y Medios Digitales del Centro febrero de 201171. Fue hecho en animación tradicional a lápiz,
Universitario de Medios Audiovisuales (CAAV), de Daniel Varela. como su corto antecesor, pero esta vez decidieron optimizar
tiempos coloreando digitalmente en Photoshop y con fondos
Antes de ese cambio, en 2006, recomendado por su ilustrados digitalmente.
maestro del CUAAM Leo Marín, Arturo Tornero había llegado a
Ombligo Films y se involucró junto con Christian y Sergio en el Monarca es un homenaje a la maravilla natural de las
proyecto animado de De cómo los niños pueden volar mariposas migrantes que habitan temporalmente en el estado de
(2008)69, de Leopoldo Aguilar. Otro maestro más del CUAAM, Gil Michoacán. Presenta a un niño amante de las mariposas que
Izquierdo, había sido invitado a ser el director de animación del encuentra y ayuda a un anciano que parece ejercer una gran
corto, pero tras problemas con la productora, se retiró de la atracción y poder sobre ellas. Al final, en un bosque talado y
producción con 90 por ciento de la animación terminada. mermado por el hombre, el anciano desaparecerá y heredará
Entonces Arturo tomó la dirección de animación y coordinó toda sus dones al pequeño muchacho. Monarca destaca respecto a

Tratamiento de fondos para Monarca 69 70


(Ramírez, Tornero, 2011) Para más referencias de De cómo los niños…, ver apartado Entrevista a Arturo Tornero, el 3 de diciembre de 2012.
71
anterior de Leopoldo Aguilar. Entrevista a Víctor Ramírez, el 29 de abril de 2012.
58
CAPÍTULO 2: REALIZADORES INDEPENDIENTES / TAPATÍOS MÁS ALLÁ DEL STOPMOTION

otros cortos mexicanos debido a que la animación recae en gran Dejando atrás estas 2 experiencias no del todo gratas,
medida en grandes planos abiertos, que dejan lucir un Vázquez levantó, ya como director, un proyecto basado en una
excepcional trabajo de diseño de fondos y escenarios –a cargo historia que ideó mientras estudiaba en la universidad, titulado
de Sam Díaz del Río–. Estos tienen un detalle tal, que nos remite El regreso del vampiro . Con este ganó la beca del Fondo
inequívocamente (con la debida distancia), a pensar en el trabajo Estatal para la Cultura y las Artes 2010-2011 de la Sría. de
de animaciones de estudios japoneses. Igualmente a nivel Cultura de Jalisco, por la que le otorgaron 48 mil pesos, y
temático, podemos pensar en el nutrido historial de obras también ganó en 2011 el 11º Concurso Nacional de Cortos de
niponas –particularmente de Hayao Miyazaki– que giran en IMCINE, quien le autorizó un presupuesto de alrededor de 400
torno a la naturaleza y el cuidado de la madre tierra. En este mil pesos para poder realizar todo el trabajo de postproducción
corto Christian intervino como guionista y nuevamente como para cine72. La historia, de corte cómico y animada en 2D digital
Sergio H. Cerpa, Ángeles Vargas y
storyboardista, diseñador de personajes y animador; mientras en Toonboom, se basa en la leyenda del vampiro del panteón de Christian Vázquez, animadores en
que Sergio Hernández Cerpa junto con Juan Pablo Becerra fue Belén de Guadalajara, la cual cuenta que un vampiro conocido Monarca (circa 2010)
director de arte y animador. como don Jorge fue asesinado y enterrado ahí. De su lápida
creció un enorme árbol, y se cree que cuando éste se seque y
Hablando de su hechura, hay que admitir cierto problema muera, el vampiro volverá a la vida para cobrar venganza.
de integración figura-fondo por la riqueza de tonos y Christian planeaba terminarlo para inicios de 2013.
difuminados de los escenarios, que contrasta con el coloreado
en plasta de los personajes; además, éstos últimos no pasaron Hablando de Arturo Tornero, éste había ganado en 2008
por etapa de clean up en su trazado, sino que solamente se con su corto de 3 minutos Caballo mexicano el concurso
contrastó digitalmente, dando por resultado una delineación CUACO, del periódico El Informador de Guadalajara, y pagó con El regreso del vampiro (Vázquez, 2013)
poco fina. También hay ciertos problemas de constancia en el los 25 mil pesos del premio sus deudas escolares. Esta
diseño de los personajes a lo largo de la animación, y problemas
de fluidez de la misma. Con todo, Monarca resultó en una idea
diferente, que invita a la reflexión sobre el cuidado del patrimonio
natural con que cuenta el país, y otra propuesta 2D que se
diferenció de lo que se venía viendo con el stopmotion en
Guadalajara y el resto del país.
El regreso del vampiro (Vázquez, 2013)
Antes de comenzar Monarca , de febrero a mayo de
2009, Christian Alain Vázquez participó como diseñador de
personajes en los cortos de Batallón 52 , mientras que en las
tardes trabajaba en el corto de animación 2D tradicional de Rigo
Mora, American Way . Cuando Rigo falleció, este corto quedó
inconcluso, y por otra parte Christian decidió desligarse
definitivamente de Batallón por inconformidad con la manera de
trabajar del estudio. Después de Monarca , en 2011 trabajó por Equipo de Monarca. Izq a Der: Sergio H. Cerpa (1), Arturo Tornero
(2), Christian Alain Vázquez (4), Juan Pablo Becerra (7) y Víctor
un tiempo en el fallido estudio Dreamsky, en la realización de la Ramírez (8)
problemática serie y película de los Juegos Panamericanos 2011 72
Entrevista a Christian Alain Vázquez, el 12 de abril y 13
en Guadalajara, del cual terminó sin recibir pago. de noviembre de 2012.
Caballo mexicano (Tornero, 2008)

59
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

animación 2D muestra la silueta de un caballo formada con fotos,


y su importancia en la cultura mexicana. Después, en 2009,
Tornero echó a andar junto con Sergio H. Cerpa el estudio de
animación independiente Mansion Bécquer, el cual ofrecía
servicios de animación 2D, stopmotion, motion graphics y
composición digital, contando con colaboraciones eventuales de
Christian Vázquez y Víctor Ramírez.
Agua pasa por mi casa (Tornero, 2010)
Después de terminar la composición y efectos de
Monarca , Mansion Bécquer se dedicó por un rato a realizar
publicidad, videos institucionales y videos internos para
empresas. En 2010, Arturo obtuvo el 2º lugar del Concurso
Hazlo en cortometraje de Fundación Cinépolis y Bancomer BBVA,
dirigiendo el corto en 2D digital Agua pasa por mi casa , con
la colaboración de sus amigos Víctor Ramírez, Sergio H. Cerpa y
Juan Pablo Becerra. En los últimos años, Tornero se enfocó
Secos (Ramírez, 2011) como profesor de animación en las escuelas 3DMX y la
Universidad del Valle de Atemajac (UNIVA). En 3DMX participaría,
de mayo a octubre de 2012, en el piloto de una serie para niños
en 3D digital, Baby abuelita , como director de animación73.

Por su parte, Víctor Ramírez terminó en mayo de 2011 un


corto ecologista en 3D digital llamado Secos , el cual narra la
historia de una persona que se queja de la enajenante
saturación mediática sobre el cuidado del agua, mientras
Help! (Amor, 2012) cínicamente deja la llave del agua abierta.

Aparte de este grupo de animadores, también se puede


nombrar a Edgar Amor, otro egresado del CAAV, quien con la
beca del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (CECA, 2009)
terminó en 2012 su corto de animación 2D digital Help! ,
presentado en el 27º Festival de Cine de Guadalajara. También
concursó en esa edición del festival Steve Granados, egresado
de la Universidad de Artes Digitales, que junto con otros
Enraizados (Granados, 2011) compañeros realizó Enraizado (2011), corto 3D con una
estética que rinde homenaje al clásico estilo del estudio
estadounidense UPA, y estableció el estudio MonsterView.

73
Entrevista a Arturo Tornero, el 3 de diciembre de 2012.
60
CAPÍTULO 3: COLECTIVOS

COLECTIVOS: LA UNIÓN HACE LA FUERZA… CREATIVA

A partir de la segunda mitad de la década, mientras las nuevas tecnologías empezaron a democratizar la producción animada así
como el acceso a la misma, y las escuelas comenzaban a ofrecer materias especializadas en sus programas de diseño o comunicación –
e incluso nuevas licenciaturas en animación–, comenzó a darse un nuevo fenómeno en la manera de producir cortos. A diferencia de la
efigie de director como figura creativa espinal que coordinaba a un crew de colaboradores más o menos anónimo, se dio un nuevo
modelo, principalmente en el DF, en el que grupos de jóvenes universitarios en su mayoría, y recién entrados al mercado laboral algunos
otros, comenzaron a aliarse para realizar proyectos en conjunto, involucrándose todos en las distintas ramas del proceso, turnándose el
rol de dirección y buscando poder materializar, juntos y con un mayor nivel de profesionalismo, sus múltiples ideas personales; aumentar
conjuntamente su nivel técnico, y poder superar el fantasma del “one hit wonder”, impulsando una inercia colectiva de producción.

Sea que lo hicieran con el objetivo de convertirse eventualmente en un estudio que pudiera hacer producción comercial por
encargo, o más bien como un medio para poder sostener sus proyectos personales y su exploración del medio, estos colectivos se
hicieron la norma en los últimos años.

RECUENTO GENERAL DE COLECTIVOS


Se incluye ahora mención de la historia de algunos de los colectivos más relevantes de los que se pudo obtener información.

DIEZ Y MEDIA, oscura creatividad que se sumerge en el mercado comercial


Este colectivo de animadores surgió en 2005 de estudiantes del área de producción audiovisual y multimedia de la carrera de
Diseño y Comunicación Visual de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la UNAM, tras la inquietud de producir proyectos más
Diez y media
profesionales y que trascendieran el ámbito estudiantil, mejorando su técnica y fomentando un ámbito de experimentación y que les
acercara al proceso cinematográfico. A iniciativa de Salvador Herrera y Pedro Castro, y bajo la tutela de su maestro de animación Carlos
Narro, se juntaron con otros 4 compañeros de trabajo en el área: David Reyes, Roberto Martínez, Eduardo Valencia y José Barrera para
realizar, en animación de stopmotion, un guión de Pedro titulado Azul . Éste se inspiró en el cuento de Rubén Darío, El Pájaro Azul , y
muestra a un escritor frustrado por no saber qué escribir, y que al final intenta liberar a esos pájaros azules enjaulados en su cerebro.

Autonombrados originalmente Tenebrum, como casa productora ficticia de su materia de producción audiovisual, este grupo de
amigos decidió dar un salto de calidad con Azul y cambiaron su nombre “queríamos dar un extra, y eso fue Diez y media, ese ya no querer
hacerlo como tarea1” mencionó Castro. En el proceso de determinar la imagen y nombre del colectivo “empezamos a animar chácharas Azul (Castro, 2005)
extrañas que se prestaban a la imaginación, movidos por la estética de [Jan] Svankmajer y de los hermanos Quay” dijo Salvador, y así escogieron
un molino de café como ícono. Y debido a que el único tiempo libre que les quedaba para trabajar sus proyectos era la noche, y que
querían un sobrenombre que se ligara al término “multi-media” surgió el título Diez y media, una incierta noche de trabajo del 2005 a
las 2:18 de la madrugada, apuntándolo en la pared de la casa donde trabajaban. Fue así que, volviéndose autodidáctas de la animación,
realizaron un oscuro cortometraje que se presentó en la ENAP el 24 de octubre de ese año y ganó varios reconocimientos en festivales
universitarios internacionales.

1
Entrevista a Pedro Castro y Salvador Herrera el 31 de mayo de 2012. Las citas textuales subsecuentes, salvo indicación de lo
contrario, pertenecen a la misma. Azul (Castro, 2005)

63
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

A partir de ahí, se consolidó un equipo al que se fueron integrando después otros artistas externos como los enapos Salvador
Tovar y Juan Carlos Bustamante; el médico cirujano Farid Trejo Quiñones en producción de contenidos y música; el escultor Hugo
Taboada; y Damián Aguillar, cinefotógrafo del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), entre varios otros. En 2006, aplicaron a la
convocatoria del concurso de cineminuto animado lanzado por la distribuidora Tarántula Films, para la película de La ciencia del
sueño (2006) de Michel Gondry. Aunque no ganaron, sus cuatro propuestas: Aguja, El milagro de la duplicación del pez,
Sueño que despertó y Amor de Salvador Herrera, Pedro Castro, Salvador Tovar y Eduardo Valencia respectivamente, entraron en
los 20 preseleccionados. Estos cineminutos se mantuvieron constantes en el sello de una estética lúgubre sin una narrativa tradicional
Amor (Valencia, 2006) o evidente en que objetos cobran vida en contextos inesperados y producen sentimientos algo inquietantes. Para el concurso de
Anímate de verdad de TVUNAM, que permitiría asistir a la grabación del corto Pedro y el Lobo en Polonia, Salvador Herrera realizó
también un cineminuto en stopmotion titulado El ejercicio (2006), en el que un personaje lidia con una carta viviente y su contenido.
Aunque no fue seleccionado, el trabajo les permitió seguir explorando sobre esta técnica y la línea estética (tan cercana a Svankmajer y
los Quay) que marcó fuertemente sus inicios y les hizo bastante reconocibles en el medio. En este fuerte apego que tenían al stopmotion
en ese entonces, en 2007 comenzaron a impartir talleres de animación en el centro cultural Faro de Oriente.

En 2007 y 2008 el colectivo cobró fuerza en el área comercial y comenzaron a dedicarse principalmente a producir anuncios y
conseguir clientes. Los dos Salvadores y Eduardo Valencia entraron a trabajar en la casa postproductora Ollin Studio y se dió un
El milagro de la duplicación del pez (Castro,
periodo de profesionalización técnica. Salvaror Herrera menciona:
2006)
“El colectivo estaba en alma pero no en cuerpo, y todos estaban trabajando por separado, hasta que llegó un momento en que dijimos
¿Para qué enriquecer a otros si podemos hacer nuestro propio estudio y unir fuerzas para formar algo más interesante?... …Yo me salí de
Ollin para dirigir de lleno en Diez y media un segundo comercial para Domino’s Pizza”

Dicho animador considera que a partir de ahí se desencadenó una serie de encargos que los consolidó como estudio, y los llevó a un
nuevo nivel de estructura y calidad.

En 2008 y 2009 realizaron varios minutos de animación dibujada cuadro por cuadro y motion graphics que ilustraron el
largometraje documental El Informe Toledo , dirigido por Albino Álvarez. Luego, con pretexto de un encargo de visuales hechos para
El Informe Toledo (Álvarez, 2009) MTV, Pedro y Salvador dirigieron independientemente dos nuevos cortos en 2009. El de Salvador Herrera fue Impregnación , hecho
con stopmotion y con tomas submarinas de acción viva, en el que un enorme pez muta y se impregna de características diferentes
conforme devora pequeñas y sensuales figuras femeninas que retozan en un mar oscuro. Pedro, por su parte, realizó Redo , una
exquisita animación en plastilina, sincronizada con música clásica y jazz. “El personaje representa una especie de Dios al que le llega la
inspiración, se la come con su mente y construye la música clásica; y después llega la inspiración del jazz y construye la música del jazz”.

Ese mismo año, Pedro realizó para el director de Mórbido (Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Tlalpujahua
Michoacán) la cortinilla promocional del festival, que terminó convirtiéndose en un cortometraje que se presentó hasta el siguiente año,
llamado Y nada quedará sin castigo . El corto es protagonizado por una perturbadora especie de deidad con cabeza de cabra, en
una mezcla de stopmotion y notable trabajo de efectos digitales que puede resultar impactante pero abrumadora, debido a su tónica
fuertemente oscura y simbólica. Con este proyecto, inauguraron la división de Diez y Media VFX, después nombrada Diez y Media Lab,
Redo (Castro, 2009)

64
CAPÍTULO 3: COLECTIVOS

que era la parte de efectos especiales para cine y TV, un laboratorio de experimentación audiovisual que se dedicaría a todo lo
comercial, mientras que mantendrán Diez y Media Films como la parte independiente del colectivo.

Paralelo a lo que trabajaba Pedro en el Festival Mórbido, Salvador coordinó en 2009 un corto elaborado dentro del taller de
pixilación que impartió junto con Quim Ribalta, de la escuela de animación de Barcelona 9zeros, para el CutOut Fest (Festival
Internacional de Cortometraje Animado de Querétaro). A partir de ello, Diez y media elaboraría el trailer y las cortinillas de premiación Y nada quedará sin castigo (Castro, 2009)

para las ediciones de 2010 y 2011 del festival. En 2010, Eduardo Valencia y Hugo Taboada produjeron el corto Barha, y Salvador Tovar
y Salvador Herrera colaboraron para el armado del proyecto colectivo “zapping animation ”. Coordinado por los profesores de la
ENAP-UNAM Tania de León y Carlos Narro, este proyecto involucró a 28 animadores mexicanos y extranjeros en un tributo a Émile
Reynaud en el marco de la primera celebración en México del Día Mundial de la Animación, llevado a cabo en la UNAM. En este
emsamble, el fragmento inicial y final, titulados La cara luminosa de Saturno , fueron realizados en animación 3D por Salvador
Tovar, y la edición corrió a cargo de Chava Herrera.

Como ya se comentó, en su periodo de despegue comercial el colectivo hizo a un lado sus propuestas artísticas y propias, pero La cara luminosa de Saturno (Tovar, 2010)
alcanzaron una mucho mejor calidad técnica. Herrera y Castro comentaron al respecto:

Un tiempo fuimos juzgados, en el aspecto de que otros colectivos o gente que estaba cercana decían “ustedes ya se vendieron a la
publicidad” pero no, realmente lo que nos dio la publicidad fue infraestructura y estándares de calidad y tiempo, y un equipo mucho más sólido
con el cual realizar la obra audiovisual… Efectivamente es muy difícil conservar una media entre las dos, porque el trabajo te absorbe… lo que
nos ha ayudado es tener las cosas muy claras, y sabemos que lo que queremos es hacer arte, antes que los productos comerciales o generar
una empresa… nuestro sueño no lo olvidamos.”

Desde finales de 2010 y en 2011 Salvador dejó México y desarrolló en Barcelona una fase más artística, donde fundó una unidad White noise (Herrera, 2011)
satelital de Diez y media, llamada Cyan, trabajando con estudiantes de animación europeos. Así, impartió talleres de representación
visual sonora en espacios en que le permitieron a su vez generar piezas propias. Inspirado fuertemente por experiencias psicodélicas y
en continuación del trabajo de experimentación de tipo fractal que había comenzado en Zapping animation , Salvador pasó a realizar
piezas que buscaban reflexionar sobre la vida dentro del grano cinematográfico como textura que cobra vida propia. Así, nace el
proyecto Screen histology , desarrollado con Farid T.Q., que consiste a palabras de Salvador en: “una investigación, introspección
científico-artística de los seres que le dan vida a la imagen en movimiento… …generando un universo paralelo dentro de nuestras mentes, que
puede tener cabida con distintos visuales.”

RGB Luminance (Herrera, 2011)


Su propósito era trascender el marco de la narrativa cinematográfica, y hacer que el público experimentara sensaciones
hipnotizantes, más allá del tradicional lenguaje audiovisual. De ahí surgieron obras como El ruido blanco o La luminosidad del
RGB . En la misma línea, realizó en 2012 para la revista Picnic C.R.T. Braun Wave , una pieza comisionada que versa alrededor de
“un tipo de tejido, una representación de las ondas que suceden dentro de una televisión que salió en el 87, que era la de rayos catódicos”.

Pedro Castro por su parte, separado geográficamente de Salvador, y curiosa y coincidencidentemente ligado en concepto, realizó
para Mórbido 2012 Manifestation between frames 1369 and 1370 (2012). Este clip retoma la famosa secuencia de horror de
la bañera de la película Psycho (1960) de Alfred Hitchcock, y muestra una concepción horrorífica y deformada digitalmente de lo que
puede suceder en la “nada” subyacente en el espacio entre dos fotogramas del filme. C.R.T. Braun Wave (Herrera, 2012)

65
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Pedro consideraba que en Diez y media cada realizador había ido logrando definir su estilo particular, y una cierta madurez que
les permitía fortalecer su búsqueda en torno a la percepción del tiempo, la creación y los nuevos mundos. Esto a través de la explotación
de sus mejores posibilidades técnicas, como herramientas para generar su obra.

“Creo que nuestro espíritu sería este móvil de que cada corto sea experimental. Cada uno ha tratado de jugar con distintas cosas: las
historias, el color, la forma… Cuando cada uno saca una pieza, busca reinventarse, explorando [trabajo a trabajo] todas las áreas. Ahora, más
allá de sólo querer representar que algo cobra vida, queremos plasmar una emoción o una sensación, y se están dando experimentos muy
interesantes con muchos artistas en obras donde la animación está definiendo las maneras de decir las cosas… …y las nuevas reglas que
Manifestation between frames 1369 and 1370 está imponiendo la tecnología y el mundo digital están transformando los contenidos, estamos pudiendo hacer más cosas.”
(Castro, 2012)
Herrera agrega: “A través de la pantalla, yo puedo tener una extensión de mi sistema nervioso para hacer realidad mi imaginación, para
transmitir lo que me estoy imaginando y hacer que exista para otras personas… Yo encuentro en la animación la posibilidad de hacer que mi
universo exista…”

Entre otros varios proyectos en los que se embarcó el colectivo que valdría la pena mencionar, están la producción de decenas de
cápsulas para la serie de divulgación científica de la UNAM Una Dosis de ciencia, en un estilo similar al concepto Imaginantes –
aunque con un nivel de complejidad y hechura más relajado–. También están las campañas audiovisuales para nuevos festivales, como
el Ecofilmfest 2012; contenidos audiovisuales para distintos museos como el Dolores Olmedo, el Maya en Yucatán, de la Venta en
Clip animado para exposición de Tabasco, del Agua en Silao, el de la Mujer, y para la exposición de Abel Quezada del Museo de la Ciudad en el DF; y encargos para
Abel Quezada (2010)
varios eventos privados de empresas. Trabajaron nuevas tecnologías de mapping para el gobierno de Oaxaca, y maquila de
postproducción y efectos visuales para shots de filmes extranjeros y mexicanos de acción viva como Tron Legacy (2010), Let me in
(2010), Rescatando al soldado Pérez (2011), y El cielo en tu mirada (2012), entre otras.

EL TALLER, preámbulo de dos colectivos: Llamarada de petate y Viumasters


En agosto de 2003, José Castro2, Juan José Sarabia y Alejandro Lozano ‘El Patas’ aceptaron en su productora de contenidos
audiovisuales para publicidad Scegami Visualab, a una pareja de chicos originarios de Valle de Bravo para realizar prácticas y
eventualmente trabajos de diseño, ilustración y animación.

Estos dos muchachos, llamados Emiliano González Alcocer (entonces estudiante recién ingresado a la ENAP) y Alejandro
‘Malemandro’ García Caballero, habían sido recomendados por el ilustrador Piero Macgowan, con quien compartían una amistad desde
Ventosa (Azuela, 2008)
su secundaria en Valle de Bravo, como un cercano grupo de amigos aficionados a dibujar y hacer cómics3. Emiliano y Alejandro
laboraron en la intermitente vida de Scegami, hasta que esta productora se reestructuró a principios de 2007 como “El Taller”, con
Pepe Castro nuevamente a la cabeza, pero esta vez junto con Gabriel Govela (productor), Iván España (postproductor) y el joven recién
egresado de Vancouver Film School en estudios de animación clásica, Esteban Azuela, como director de animación.
 
Entonces, junto a Emiliano y Alejandro como empleados, se integró a El Taller gente nueva para colaborar en distintos proyectos.
Se contaron entre ellos el primo de ‘Malemandro’: Alejandro ‘Ihlo’ Caballero Romero; Daniela Villanueva (otra conocida de ellos en

2
Guionista del famoso corto de la Universidad Iberoamericana seleccionado en Cannes, 4 maneras de tapar un hoyo (1995)
3
Manantial (Govela, Novelo, 2008) Grupo al que también perteneció el compañero de la ENAP de Emiliano, Andreas Papacostas.
66
CAPÍTULO 3: COLECTIVOS

Valle de Bravo, estudiante de comunicación de la Universidad Iberoamericana, y que en ese entonces estaba terminando su proyecto
animado de tesis: La lencería de Mamoshka (2008)); y Mara Soler, estudiante de diseño de la escuela del INBA.

Entre enero y marzo de 2008, este grupo de creativos colaboró para la realización del corto comisionado para Animasivo
Ventosa (2008), dirigido por Esteban Azuela, y el proyecto ganador de la Convocatoria de Productores Independientes de Canal 22,
Manantial (2008), codirigido también desde el Taller por Gabriel Govela y Federico Novelo.

LLAMARADA DE PETATE, animación 2D de excelencia


Al terminar estos proyectos para El Taller, Emiliano, Malemandro, Daniela, e Ihlo decidieron que querían probar suerte haciendo un
trabajo juntos por su cuenta. Para dicho proyecto conversaron con dos personas más: Su otro amigo de la secundaria de Valle de
Bravo, el ilustrador y enapo Andreas Papacostas, y con el mexicano-puertorriqueño César Moheno, comunicólogo de la Ibero y pareja de
Daniela, quien fungiría como productor general del estudio. El proyecto que tenían entre manos era un corto titulado Moyana (2010)
(que significa ficción/mentira), basado en una idea original de Emiliano. Así, en junio de 2008 aplicaron y fueron seleccionados en la
tercera convocatoria de animación del 7º Concurso Nacional de Proyectos de Cortometraje de IMCINE.

Tras ganar el concurso y para hacer Moyana , decidieron forjar formalmente un estudio propio al que denominaron Llamarada
de petate, y durante la realización del corto, se integró el último miembro formal del colectivo, el también ilustrador de la ENAP, José
Daniel Morales. La animación de Moyana era en estilo 2D clásico, cuadro por cuadro, pero trabajado en digital (algo no muy común en
El Gran Bang (Llamarada de petate, 2009)
cortometrajes mexicanos en ese momento). Su historia se basaba en la idea de un niño que se veía atrapado en su atención y voluntad
por la televisión. Tras irse la luz, el pequeño Juanelo despierta a un mundo de imaginación y aventuras que había tenido abandonado,
hasta que la luz regresa, la tele se prende de nuevo y el infante vuelve a caer víctima del trance adormecedor de la caja idiota. En el
corto participaron también como freelance Mariana Villegas y Cid Rodrigo Castillero; tomó 13 meses en producirse, y fue nominado para
el Ariel a mejor animación4.

Inmediatamente después de que el proyecto de Moyana ganara el concurso de IMCINE y antes de que empezaran su producción,
César consiguió un trabajo que serviría de fogueo y entrenamiento al estudio de Llamarada. Fueron encomendados para realizar el
segmento animado de un largometraje puertorriqueño que pugnaba por la conservación ambiental, titulado Las estrellas del
estuario . Sacaron así poco más de 4 minutos animados en unos tres meses. Ya durante la producción de Moyana , a principios de
Moyana (Gonzalez, 2010)
2009 decidieron realizar una propuesta para competir y eventualmente ganar el segundo Foro Animasivo, que había lanzado en ese año
una convocatoria relacionada con la Astronomía. El corto fue escrito y dirigido por todos en Llamarada a partir de una idea ‘disparada’
por Andreas Papacostas, se tituló El Gran Bang 5, y fue realizado como Moyana en 2D cuadro por cuadro digital. Su fresco guión
contrasta la violencia, aparentemente inherente al ser humano, con su capacidad para sorprenderse por las maravillas del universo.

En 2010, después de estrenar Moyana en marzo en el 25º Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), el estudio volvió
a participar en Animasivo, ganando el tercer lugar esta vez con Sin Juicio . Dicho corto mezclaba esta vez animación 2D con tomas
reales de la ciudad de México, y era básicamente una broma que retrataba de manera directa, sarcástica y claramente mexicana la

4
Entrevista a Emiliano González, el 3 de agosto de 2012. Sin juicio (García, 2010)
5
Entrevista a Andreas Papacostas, el 10 de agosto de 2012.
67
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

situación caótica decadente e inmutable de México dentro de 100 años, de cara a la llegada de los 4 jinetes del Apocalipsis. El corto
esta vez fue dirigido por Alejandro ‘Malemandro’ García Caballero. En ese mismo año, Llamarada de petate siguió construyendo un
nombre, reconocimientos y presencia constante en el medio (en contraste con lo que el nombre del colectivo pareciera indicar). Además
de los encargos que fue ganando para trabajos publicitarios y para la curaduría de museos, ganó nuevamente el X concurso de
cortometraje de IMCINE en su 5ª edición para animación, y fue Malemandro quien propusiera la idea básica, la dirigiera y afinara el
guión, al lado de Daniela Villanueva. El corto, titulado Las tardes de Tintico (2012) y estrenado en el 27º FICG, muestra a un grupo
de mosquitos amantes de la rumba y fanáticos de un viejo “Pérez Prado” acapulqueño, al que van a visitar constantemente para
disfrutar de su música y sabor. El corto, con un caliz alegre, entretenido y de buena música, mostró la evolución y crecimiento del
Las tardes de Tintico (García, 2012)
estudio, y traería aún más reconocimientos para este grupo.

Paralelo la producción de Las tardes de Tintico , se realizaron dos cortos más abrigados bajo el sello de Llamarada. Andreas
Papacostas Quintanilla realizó de manera muy personal y con colaboración en animación de Eduardo Rivero el corto A secas (2011),
ganador del primer lugar de animación en la 1ª edición del Ecofilmfest, organizado por Fundación Hombre Naturaleza, la Comisión
Nacional del Agua, el Fondo Mundial por la Naturaleza (WWF), y Cinépolis, entre otros. Esta animación fue realizada por Andreas
mientras cursaba su diplomado de titulación en la Academia de San Carlos en la UNAM. Por su parte, Emiliano González produjo el
cortito en 3D digital con texturas “toon”, titulado El Cortejo (2011), una exquisita, sombría y desconcertante historia de desamor
A secas (Papacostas, 2011) entre los peluches que habitan un tierno cuarto infantil.

Independientemente de su labor en Llamarada, Emiliano también participó durante 2012 en la animación del corto animado inglés
Buy, buy, Baby (Gervais Merryweather, 2012), y comenzó a colaborar como animador en el proyecto de la serie El Chango y la
Chancla del estudio Brinca, en Valle de Bravo. Por otro lado, aparte de su labor en Llamarada como productor de Tintico , César
Moheno fungiría para IMCINE como productor en otro corto animado del instituto: Un ojo (2012), de Lorenza Manrique; y en 2012
sería jurado y a la vez productor de los tres proyectos ganadores del concurso de cortos de IMCINE de ese año: El Don de los
espejos , de Mara Soler de Viumasters , La Última Cena , de Vanessa Quintanilla6, y El trompetista , de Alejandro Morales.
El cortejo (González, 2011)
Llamarada es un estudio que se ha caracterizado por su distintivo estilo en animación tradicional-digital 2D, que ha ido llamando
la atención del público entendido de la animación por el sello particular en su trabajo, así como por su convicción para continuar
realizando proyectos propios, agradables y con un nivel de exigencia-calidad bastante atractivo para sus espectadores.

VIUMASTERS, voz audiovisual con investigación y propósito


Después de terminar sus estudios de animación clásica en la Vancouver Film School de Canadá y su participación a través de la
productora El Taller en algunos cortos, Esteban Azuela decidió unirse a fines del 2008 con la diseñadora formada en la Escuela del
Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y también colaboradora en el Taller, Mara Soler; con Luis Nuñez, diseñador que estudió en la
Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), y el artista visual de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP-UNAM) Carlos Gamboa,
para conformar el colectivo Viumasters. ¿Para qué lo fundaron? Con el objetivo principal de tener un espacio de experimentación
personal, en el que pudieran desarrollar libremente sus ideas, sus capacidades gráficas, y su habilidad como animadores.

6
Artista visual y tía de Andreas Papacostas, quien sería el director de animación del corto.
68
CAPÍTULO 3: COLECTIVOS

En sus inicios, este grupo realizó trabajos de lo más diversos, como visuales para las presentaciones de la cantante Yuridia, la
animación del video musical Bestia (2008) del grupo Hello Seahorse! (dirigido por Marcos Castro), las cortinillas del programa
Entrelíneas de Canal 22 junto a Simon Gerbaud (2009), y los títulos de entrada de las películas Intimidades de Shakespeare y
Victor Hugo (2008) y Año Bisiesto (2010). Pero una producción que fue fundamental para su mayor reconocimiento en el medio
animado, fue su corto ganador de la 5ª Convocatoria de Apoyo a Productores Independientes de Canal 22, y nominado al Ariel por mejor
cortometraje animado en 2011: Xochimilco 1914 (2010). Este corto está basado en la versión taquigráfica de la conversación que
tuvo lugar en Xochimilco el 4 de diciembre de 1914 entre Villa y Zapata, la primera vez que cruzaron palabras frente a frente. Cabe
mencionar para este proyecto, como para algunos otros de la producción de los Viumasters, la importante y orgánica participación del
animador francés Simon Gerbaud, quien encontró un muy buen entendimiento con el colectivo. Otros colaboradores eventuales del
colectivo han sido Denisse Flores, Philippe Dureault, Israel Hernández y Marisa Alejo7. Xochimilco 1914 (Viumasters, 2010)

Viumasters manejaba un atractivo y particular estilo, que podía combinar, de manera desenfadada y armónica, animación
tradicional foto por foto con motion graphics digitales; tomar elaborados diseños y mezclarlos con imágenes de cultura pop o del
imaginario mexicano; y ataviarlas con texturas que les impregnaran una sensación de realidad y acabado artesanal. La conjunción de
estos rasgos brindaban al todo una integrada riqueza visual que los ha caracterizado y distinguido.

Entre su producción de los siguientes años, se puede mencionar la obra comisionada para la 4ª edición del foro Animasivo
Las Fugitivas de Ubberwasser (2011), animación no narrativa dirigida por Carlos Gamboa, que presenta un collage visual de
Las Fugitivas de Ubberwasser
técnicas a la vez que realiza diferentes representaciones femeninas. Esteban Azuela realizó por su cuenta la obra Desierto Blanco (Gamboa, 2011)
(2010), animación en la que hace una interpretación de la pintura Esperando a los tártaros (2009) de Boris Viskin, hechas ambas en el
marco del proyecto Akaso, exposición de pintura monumental, video y animación, apoyada y promovida por el Museo del Chopo (2011).

A inicios de 2012, Viumasters realizó El Circo , un cortometraje promocional del CRomafest 2012, inspirado en la historia
legendaria de la Colonia Roma. También realizaron, experimentando con animación tradicional de recorte sobre una mesa multiplanos
adaptada por ellos mismos, los fragmentos animados de la película documental La piedra ausente (2012, Sandra Rozental/Jesse
Lerner). Dichos clips recrearían la historia del monolito del Tláloc de Coatlinchán, y su memorable traslado en 1964 desde Texcoco al
Museo Nacional de Antropología.

Para agosto de 2012, Viumasters tenía varios proyectos llamativos en puerta. Estaban por presentar, por comisión del Laguna
Fest de Torreón y con temática en torno a la violencia y la restitución del tejido social, la obra Darío no ha muerto . Ésta fue una Desierto Blanco (Azuela, 2010)
impresionante intervención con rotoscopía de un video de dominio público que capturaba cómo un estudiante de la Universidad
Autónoma de Ciudad Juárez fue baleado por la policía federal durante la XI caminata contra la muerte en el 2010. Igualmente Mara Soler
acababa de ser seleccionada en el 12º Concurso Nacional de Proyectos de Cortometraje de IMCINE para producir su proyecto El Don
de los Espejos , y producirían el proyecto de animación 2D Mi casa (2012), que acababan de ganar nuevamente en la Convocatoria
de Apoyo a Productores Independientes de Canal 22.

La piedra ausente (Lerner, 2012)


7
Entrevista a Esteban Azuela, Mara Soler, Luis Nuñez y Carlos Gamboa el 28 de septiembre de 2011.
69
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

La versatilidad de proyectos, encargos y técnicas del colectivo ha sido patente, y sea realizando animación para cine, diseño de
impresos para revistas, o complementación de artes escénicas por medio del video, estos amantes de la imagen y su inseparable tejido
cultural gustaban de involucrarse con todo tipo de materiales a su disposición, en una época en que las manos creadoras ya parecen
ser presas cautivas del mouse y el teclado.

COMESESOS, un zombi gustoso de nuevas ideas


El alma de Comesesos es Jonathan Ostos, hijo de dos diseñadores gráficos y amante de los zombies y las patinetas que comenzó
Darío no ha muerto (Viumasters, 2012) a pintar a la edad de 12 años. Interesado por las artes, a los 15 tomó un diplomado de animación lanzado por Guillermo Sánchez
Loaeza en Plasmatics S.A., donde adquirió bases de animación clásica. Luego tomó un diplomado de cine en Arte7, escuela establecida
por Carlos Bolado, y en ese tiempo hizo su primer corto: Metro (2000), el cual narraba en un stopmotion de minuto y medio la historia
de una mosca que llegaba al metro y conocía y desafiaba a la muerte. En 2001 cursó estudios de animación 3D digital en la escuela
Eunoia donde realizó su segundo ejercicio importante: Hambre . El corto de tres minutos hecho con el software Maya, presenta a un
camaleón cuya mejor amiga era una mosca a la cual devora. En él, después de escuchar de fondo la canción Y todo para qué, el reptil
arrepentido escupe a una mosca totalmente destrozada.

En 2004, tras terminar sus estudios de prepa y el diplomado de Eunoia, obtuvo una media beca en Vancouver Film School que le
permitió estudiar el curso de Animación 3D y efectos especiales con especialidad en animación de personajes. Ahí realizó, con el
software de 3D digital Softimage y música de Yamil Rezc, el corto Zombies? (2005) en el que irónicamente dos no-vivos observan
desde lejos lo mecánico y deshumanizado del pueblo que los rechaza.

Su conocimiento en ese entonces de Softimage, que era utilizado en el mercado por menos gente que Maya, le valió conseguir un
trabajo en Inglaterra en Jellyfish Pictures, estudio inglés de efectos visuales por computadora. Ese verano tomó un curso de Character
Animation en la University of the West of England en Bristol, que era patrocinado y apoyado en su cátedra por varias empresas
especializadas, entre ellas el estudio Aardman. A partir de ello, consiguió una estancia laboral de 7 meses en dicho estudio durante
20068. Al terminar, vio que trabajar como engranaje en la gran industria comercial no era lo que realmente quería, así que regresó en
2007 a México y comenzó con su propio estudio: Comesesos. Su nombre remite al hambre voraz por todo tipo de ideas, para realizar
sus propios proyectos, de los cuales el primero fue el corto en stopmotion La nostalgia del Señor Alambre (2009).

Zombies? (Ostos, 2005) Durante su tiempo en Bristol, todos los miércoles Jonathan iba con sus colegas a un bar de jazz llamado el Old Duke al que llegaba
un vagabundo que realizaba marionetas de alambre y las intercambiaba por cervezas Guiness. Pensando en la historia y las
motivaciones detrás de estos artistas callejeros venidos a menos, Jonathan escribió el guión de La nostalgia…, y su compañera
animadora polaca Magdalena Osinska le sugirió acudir al estudio SE-MA-FOR 9, donde a un precio bastante razonable sus artesanos le
realizaron 12 excelentes marionetas profesionales con intercambios de cabezas. El 3D digital para realizar todo lo que eran fondos y
escenarios de su corto comenzó realizándolo con el estudio Gretel de Mihael Hoffman, pero tras serias desaveniencias económicas y
retrasos, el llamado ‘zombie’ decidió equiparse y montar su propio departamento 3D para hacer dicha labor. Con unas 50 personas

8
Entrevista realizada a Jonathan Ostos el 20 de septiembre de 2012.
9
Elaboración de puppets del Sr. Alambre en Estudio especializado en la clásica animación de marionetas de Europa del este desde los años 50s y que realizaron
estudios SE-MA-FOR de Polonia. recientemente el corto ganador del oscar Pedro y el Lobo (Templeton, 2007).
70
CAPÍTULO 3: COLECTIVOS

involucradas en total, un presupuesto que ascendió a los 3 millones de pesos, 12 meses de animación y 6 de postproducción, consiguió
la primera copia en video digital en abril de 2009, y fue invitado a la selección oficial del Festival de Edimburgo.

Queriendo hacer la copia en 35mm, Ostos se acercó a IMCINE para pedir apoyo de postproducción, pero no estaba dispuesto a
ceder todos los derechos –como se lo exigía dicha dependencia– por un corto que tanto sudor y dinero le había costado, y que ya
estaba terminado. Finalmente, mejor logró conseguir el apoyo generoso de un estudio en Los Angeles para hacer dicho transfer10.
Jonathan afirma que desde entonces el corto ha pasado por cerca de 160 festivales, entre ellos Cannes, Edimburgo y Huesca.
La nostalgia del Sr. Alambre (Ostos, 2009)
En la primavera de 2011, Comesesos realizó para la productora The lift y la agencia publicitaria Vago, la animación de dos minutos
Declárate, yo me declaro . Este es un clip pactado con la ONU para la promover la defensa de los defensores de los derechos
humanos, y fue subido a la red vía Youtube para viralizar dicha campaña de concientización11. El trabajo, hecho con animación 2D por
Jonathan con la colaboración del ilustrador juarence Héctor Reez, mezcló texturas de ilustraciones reales con un armado digital, dando
un producto sencillo pero bastante atractivo. Lamentablemente, el video no tuvo el soporte de difusión esperado, y del millón de visitas
presupuestado, hasta 2012 solo se habían superado las 218 mil.
Declárate, yo me declaro (Comesesos, 2011)
Después de esto, Comesesos (es decir, Jonathan con la colaboración de varios artistas y amigos que se suman eventualmente a
sus iniciativas) emprendió otros proyectos como son From A to Z , luego llamado Who killed imagination , una historia animada
interactiva que se planteaba pudiera ser modificada en su desarrollo narrativo y visual a partir del fondo musical que el usuario escoja
para acompañarla, por medio de un software que el mismo estudio estaba produciendo. La idea fue seleccionada por la convocatoria
“En construcción” de Animasivo 2011 y por Creative Focus del Festival Annecy 2012. Igualmente, Jonathan desarrollaba el guión de
The Morphable Man , largometraje de acción viva con inserciones de animación tradicional y digital que presentaría a un hombre que
se transforma en todo tipo de cosas dependiendo de sus emociones. Este proyecto fue seleccionado en el Binger Writer’s Lab de Proyecto Who killed imagination
Amsterdam.

Hasta mediados de 2012, Comesesos se mantenía como un estudio reducido que buscaba mantener el desarrollo de ideas propias
e innovadoras, con alta calidad visual, y contenidos alternativos a la enajenante oferta comercial.

FRUTABOMBA, proyecto de un animador exquisito


FrutaBomba se trata de una productora de animación especializada en 2D, ilustración, proyectos a partir de desarrollo de
personajes, y medios interactivos, que se fundó en enero de 2010. Fue establecida por Juan Carlos ‘Lápiz’ López, defeño egresado de la
primera generación de la Licenciatura de Cine y Televisión de la escuela privada Centro. Para su tesis en esta carrera, Juan Carlos realizó
en 2008 L.U.I.S. , un cortometraje de 10 minutos de cutout digital armado en After effects a partir de dibujos a tinta, el cual cataloga
como un corto muy ambicioso y poco accesible en su lectura. “Fue un gran proyecto que afortunadamente es malo, porque justo me enseñó
qué no hacer”12. López agregó acerca del origen de su interés por el género:

10
La postproductora Plaster City, perteneciente a Roman Coppola, hijo del famoso cineasta Francis Ford.
11
Éste se puede consultar en www.youtube.com/watch?v=t6zizschxCY&feature=plcp
12 L.U.I.S. (López, 2008)
Entrevista a Juan Carlos López, el 4 de diciembre de 2012.
71
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

“En la carrera encontré que la animación era un medio en que con muy pocos elementos podías hacer algo que se viera profesional y que
pudiera contar cosas… …[y] la infraestructura que se necesita para hacer buenos trabajos de animación es muy poca, es más el talento
humano y las ganas que todo lo demás.”

En la universidad fue oyente del ilustrador Alejandro Magallanes, y cuando su animador de cabecera Irving Sevilla partió a estudiar
a Canadá, Juan Carlos comenzó a trabajar unos meses para Magallanes. Fue así que ahorró para ir a estudiar animación clásica en 2009
a la Vancouver Film School, donde realizó dos proyectos: Uno fue Airborne love , animación 2D tradicional en el que dos pequeñas
creaturas, Xun Xun y Pio-pó, viven y vuelan en un universo de burbujas rosas hasta que finalmente se encuentran en una explosión de
amor. El segundo trabajo fue Pas de deux , animación 2D hecha en Flash y armada en After Effects en que un hombre, atrapado en
medio de la batalla de Stalingrado en la segunda guerra mundial, sueña despierto con la angelical aparición de una hermosa bailarina
Airborne Love (López, 2009) que lo hace olvidar por un instante el infierno en que vive… ¿o en el que muere?

Tras terminar sus estudios, regresó a México nuevamente con Magallanes para trabajarle una animación para la exposición
mundial de Shangai, y es cuando decide establecer el nombre de FrutaBomba. Poco después, comenzó a trabajar con Lila Martínez y
Mariana Villegas y realizaron igual como FrutaBomba proyectos de publicidad. En verano de 2010 viajó a Francia y tomó un curso
intensivo de 2 semanas especializado en animación de personajes en la famosa escuela Gobelins de París. Al volver, dejó de trabajar
con Lila y Mariana quienes fundaron su propio estudio, Fenómena, con interés en proyectos de mayor solvencia, mientras Juan Carlos
decidió experimentar por su cuenta en proyectos personales. Entre otras cosas, realizó un lírico corto de minuto y medio en blanco y
negro, con ilustración 2D a mano y digital, titulado Fantasmas (2010), el cual es una reflexión visual y onírica sobre la delgada línea
Pas de deux (López, 2009) existente entre el recuerdo de los héroes y los conquistadores sin justicia.

Para fines de ese año, conocería en un evento del ITESM Ciudad de México a Cru de Ladies, una productora de publicidad
especializada en animación 2D, 3D, efectos visuales y diseño interactivo con quienes establecerá una fructífera y valiosa relación laboral
que se mantienía hasta la fecha, realizando cerca de 22 comerciales, y que le permitió a FrutaBomba realizar sus proyectos propios.

En 2011 Juan Carlos se asoció como FrutaBomba con Carlos Kaim, diseñador interactivo que estudió en la Iberoamericana, y en
ese momento participaron en la convocatoria del Premio Internacional de Libro Animado Interactivo “Paula Benavides” de CONACULTA,
realizando entre mayo y septiembre de 2011 el proyecto Niño Radio . Con el pretexto de este concurso, elaboraron un cortometraje en
Fantasmas (López, 2010) ToonBoom y el diseño de una aplicación Ipad, en la que se asociaron con el estudio Anémona para poder realizar el trabajo de
programación de la misma. Una historia de colores puros y pastel, con un estilo de ilustración que remite a cortos de los cincuentas de
la UPA, y que bien podría parecer un fragmento animado de Plaza Sésamo por su naturaleza de entretenimiento, muestra a un niño con
cabeza de radio que se pregunta cuál será el color de los sonidos, y que decide inventar una máquina para capturarlos y crear coloridas
melodías con ellos.

En 2012 se unió a FrutaBomba Luis Almazo, Ingeniero en computación egresado de la UNAM que ya había trabajado con Kaim, y
en julio de 2012 Juan Carlos se desmarcó un poco del estudio para acudir a una invitación de participar por el resto de ese año como
animador y director de capítulos para la serie El chango y la chancla , realizada en el estudio Brinca de Valle de Bravo, y
coordinada por Jorge Villalobos y Carlos Hagerman. Durante este tiempo, Carlos Kaim llevó la estafeta de FrutaBomba, inclinándo el
estudio de manera más fuerte hacia el desarrollo web y de aplicaciones interactivas para Ipad y Android.
Niño Radio (López, 2011)
72
CAPÍTULO 3: COLECTIVOS

Para sus animaciones, siendo amante de la economía inteligente de recursos gráficos, del estilo vibrante y de colores brillantes del
estudio UPA, y de trabajos como la serie Pocoyó, Juan Carlos López asegura que también se ha inspirado fuertemente del cómic y
autores como Robert Crumb y Daniel Clowes. En cuanto al futuro de FrutaBomba, pensaba que continuarían en la búsqueda de conjuntar
programación con animación, para explorar los nuevos soportes que estaban brindando una nueva flexibilidad y versatilidad a la
narrativa de sus discursos13.

ANEMONA, Animation & VFX Studio


Anemona Animation Studio fue creado en 2010 por Henedy Macías, egresada de dibujo publicitario del Instituto Politécnico
Nacional y Dieter Magallán, egresado de Diseño Gráfico de la Universidad La Salle, quienes se conocieron mientras realizaban la
especialidad de Digital Character Animation en Vancouver Film School (VFS) en 2009. Durante esos estudios cabe mencionar el corto
que Dieter realizó, The proposal (2009), que en una serie de gags visuales tipo Looney Tunes narra, en animación 3D digital, la
batalla entre un hombre y una mosca, y cómo ésta pone en riesgo el anillo de compromiso que el protagonista piensa dar a su novia.

Anémona es un estudio que inicialmente decidió dedicarse a realizar contenidos audiovisuales en 3D digital y motion graphics,
pero desde mediados de 2010 empezaron a concentrarse en la realización de videojuegos y aplicaciones para móviles con fines
publicitarios. En la rama independiente, destacan su primer videojuego Snail Trails (2010)14, compatible con dispositivos Iphone y
Ipad, y Racing Puffs (aún en proceso). Trabajaron también la programación y diseño de interfaz para la aplicación de Niño Radio y
el color de los sonidos (2011) de Juan Carlos López de FrutaBomba, quien elaboró todo el concepto, historia y arte visual.

MUV EXPERIMENTO (luego MUV), emprendedores con voz


MUV es un colectivo que comenzó a surgir en 2009 a partir de la iniciativa de 5 estudiantes de animación de la primera generación
de la carrera de Animación y Arte Digital del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey (ITESM) campus ciudad de Radioterapia (Gaviño, 2010)
México. Estos eran Gabriela Acosta, Marco Gaviño Tanamachi, Alejandro Ríos, Carlos Isaac González y Rolando González.

Después de realizar en la escuela los cortos de acción viva Demasiado tarde y Vida congelada , en 2010 hicieron la
animación Radioterapia , asesorados por la profesora Tania de León Yong, para el 1er concurso de cortometraje “La Animación y la
Radio”, en el festejo del Día Mundial de la Animación en la UNAM, donde obtuvieron el primer lugar. Esta historia mostraba, en un
colorido rotoscopiado digital, la manera en que un ciego puede “ver” a través de la radio. Posteriormente, asesorados nuevamente por
la Dra. De León hicieron un corto animado titulado Hubiera (2010), stopmotion en que iban animando la luz y diversos objetos dentro
de una casa, e iban pintando sus paredes cuadro por cuadro, para mostrar una oscura reflexión sobre el compromiso matrimonial. El
Hubiera (Ríos, 2010)
corto recibió mención honorífica en la edición 2011 del Foro Animasivo en su convocatoria “Géneros: repensando los roles”15.

También hicieron para esa edición de Animasivo dos cortos que elaboraron para la clase de su maestra Nuria Menchaca, titulados
WyC y Érase una vez (2011). El primero muestra en animación 2D y de cutout digital a dos letreros de baño enamorados, hombre y
mujer, que al romper los límites que los encierran para estar juntos, confunden a los usuarios de los baños, que no saben a cual deben

13
Idem.
14
Entrevista con Henedy Macías, el 10 de octubre de 2012.
15 WyC (Rosas, 2011)
Entrevista a Marco Gaviño, Gabriela Acosta y Rolando González, el 3 de noviembre de 2012.
73
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

entrar, rompiendo las barreras del género. En el segundo corto se muestra, en animación dibujada cuadro por cuadro, a graciosos
personajes de fábulas que no son lo que se esperaría de ellos, cambiando su papel. Ninguno de los dos cortos fue seleccionado en
Animasivo, pero tuvieron una buena acogida en otros festivales: WyC ganó 2 premios en el Festival Kinoki de la Universidad
Iberoamericana, y Érase una vez fue premiado como mejor animación en el Festival de Morelia, entre otros. Después realizaron otro
corto más, titulado Fuimos muchos (2011), sobre el calentamiento global.

Paralelamente, comenzaron a realizar visuales para eventos como la ceremonia inaugural de Espacio 2009 de Televisa o el
Érase una vez (Ríos, 2011) concierto de Celso Piña en el Bienvenida la Primavera del Centro Nacional de las Artes en 2010. Para 2012 terminarían su corto
Rewind , trabajado en 3D digital con motion capture, y trabajaban en el proyecto de una serie cómica de animación 2D para web.

Con una planta en 2012 de 15 personas, el promisorio colectivo giraba básicamente en torno a la producción de buenos
contenidos, y como su nombre original lo indica, gustaba de la experimentación de diversas técnicas y narrativas para nutrir su proceso
de aún franco aprendizaje. Es de notar que, siendo un ejemplo relevante y de meteórico avance, Muv era hasta 2012 uno de los pocos
casos de realizadores egresados de la reciente carrera de animación del ITESM que llegó a colocarse visiblemente en el mapa del medio
Rewind (Ríos, González, Gaviño, 2012) animado independiente. Un medio que en general expresaba fuertes críticas hacia el programa de estudios y perfil de egreso de dicha
carrera.

DEAD ASTRONAUTS, artífices tecnológicos de múltiples texturas


Este colectivo se integró por Daniel Monterrosas, Omarkayam Manzanarez, Jorge Ramírez, Rubén del Moral y Alejandro Reyes, un
grupo de compañeros egresados en 2009 de la especialización de Audiovisual y Multimedia de la carrera de Diseño y Comunicación
Visual de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (ENAP-UNAM). Dead Astronauts se conformó después de realizar juntos el
proyecto de un corto llamado Desconectado (2010), animación en cutout digital y motion graphics.

Tras este primer intento de animación, realizaron The Panic Broadcast (2010), una divertida parodia que recrea a través de
curiosos muñecos de tela la famosa grabación radiofónica basada en la novela La guerra de los mundos , que fue transmitida por
Orson Welles en la noche de brujas de 1938. Este corto se hizo mezclando animación 3D digital, grabación en acción vivo de títeres, y
motion graphics. Con él ganaron una mención honorífica en el concurso de “La Animación y la Radio” en el evento del Día Mundial de la
Animación en la ENAP-UNAM en 2010, en el Festival Kinoki de la Ibero, y el premio Wacom del Cutout Fest 2011, entre otros16.

Afectos a los conceptos de la inmensidad del espacio, la ciencia ficción, y cruzar los umbrales de lo desconocido nutriendo la
Desconectado (Ramírez, 2010) imaginación, dieron lugar a su nombre. Con un interés especial por la buena ilustración y la hibridación de técnicas, aseguran que su
nutrido estilo se ha dado a raíz de los perfiles tan diferentes de sus integrantes. Han procurado generar ideas y productos diversos en
tratamiento y estilo, y a partir de sus cortos, comenzaron a trabajar en comerciales, videos corporativos y trabajo de infografía y
mapping para diversas empresas.

16
Entrevista a Rubén del Moral, Daniel Monterrosas, Omarkayam Manzanarez, Jorge Ramírez y Alejandro Reyes, el 30 de
The Panic Broadcast (Rupit, 2010) mayo de 2012.
74
CAPÍTULO 3: COLECTIVOS

EL BLOQUE, COLECTIVO DE COLECTIVOS


Ante esta inercia creativa de surgimiento de numerosos colectivos de jóvenes animadores, y en la coyuntura temporal que abrió la
primera emisión del Cutout Fest, Festival Internacional de Cortometraje Animado de Querétaro en noviembre de 2009, se gestaría El
Bloque. Éste es un colectivo de colectivos que se concibió por primera vez en alguna reunión durante dicho festival, en la que su
directora Bianca Peregrina discutió con Salvador Herrera del colectivo Diez y media y otros animadores presentes la posibilidad de
armar una página o pool de directores para que pudieran vender más fácilmente su trabajo17.

A partir de ahí, gente de los colectivos Diez y Media, Llamarada de petate, Viumasters, FrutaBomba, Comesesos y
Anémona 18, así como el animador Simon Gerbaud comenzaron a reunirse para fundar el Bloque, con Alejandra ‘Jana’ Guevara –
reconocida productora del corto Hasta los Huesos (2001)– en la dirección, y Laurette Flores y Red Albert en labores de producción.
El objetivo de este organismo era juntar esfuerzos para crear una especie de comunidad, una fuerza común de productores
independientes que, a manera similar de lo que pasó unos años antes con los animadores de Guadalajara, pudieran darse a conocer y
propiciar mejores oportunidades de difusión, formación y sobre todo, gestar un mercado de trabajo más estable y de mayor
envergadura para sus integrantes.

De esta manera, para la segunda edición del CutoutFest (2010), el Bloque tenía ya un espacio formal de ponencia, y a principios
de 2011 se constituyó como una Asociación Civil que iría teniendo presencia en infinidad de foros y festivales ligados a la imagen en
movimiento. Siendo una iniciativa voluntaria sin fondos específicos aún, y debido a la falta de tiempo de sus integrantes para reunirse19,
su desarrollo en los últimos tiempos había sido algo lento. Sin embargo, El Bloque trataba hasta la fecha de reestructurarse y colocarse
como una entidad definitiva en el medio20. Los colectivos que integraban parte formal del Bloque en ese entonces, eran Diez y Media,
Llamarada de petate, Viumasters, Comesesos, Frutabomba y Muv.

Cabe decir que ésta es una iniciativa que generó gran esperanza en el impulso a la producción animada independiente, ya que con
el empuje de gente joven con propuestas frescas y con deseos de realizar algo más allá de simples animaciones de encargo publicitaria,
se podría dar pauta a un mayor desarrollo de estilos, más creación de relatos animados, de proyectos alternativos acordes a las nuevas
tecnologías, y un mayor juego con técnicas diversas e innovadoras que retasen la demanda estandarizada y convencional del voraz Viumasters
mercado comercial, el cual ha fomentado un estancamiento en el desarrollo de la animación mexicana con un estilo propio por décadas.
En fin, se esperaba que una organización de este tipo pudiese dar pauta para solidificar una tercera fuerza creativa que alternase con la
producción generada por los estudios de películas animadas y las casas productoras dedicadas netamente a la publicidad.

Llamarada de petate
17
Entrevista a Bianca Peregrina, el 24 de junio de 2011.
18
Anémona decidiría desligarse del Bloque para cuando éste se constituyó como Asociación Civil, a principios de 2011.
19
Que a mediados de 2012 sumaban los 70, entre independientes y colectivos.
20 muv
Entrevista a Alejandra Guevara, el día 7 de diciembre de 2012.
75
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

76
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

Estudios de anim ación: Lucha por generar una industria

A principios de 1999, Enrique Navarrete, del equipo de animadores de Dreamworks en Antz, Shrek y El Príncipe de Egipto ,
planteaba que no existía la capacidad económica ni técnica para la realización de un largometraje animado por computadora en México.1
Tuvieron que pasar 20 años desde el fugaz estreno en salas de cine de Roy del espacio (1979) en 1983, para que un estudio
mexicano volviera a elaborar y estrenar una película animada en la sala oscura. Este renacimiento de largometrajes animados vino
principalmente a través de los estudios Ánima y Huevocartoon en el DF, y Animex 2D en Puebla, colocando el grueso de películas y los
casos de mayor éxito en taquilla. Posteriormente, compañías como Santo Domingo Films, Imagination Films, Animación 2D Studio, Lo
Coloco Films y Grupo PROAN de Monterrey trataron de llevarse su parte en el esquema de apoyos gubernamentales administrados por el
IMCINE (FIDECINE, FOPROCINE y EFICINE2), para conseguir altos financiamientos que les permitieran producir sus propias películas.
Además de esto, otros estudios se dedicaron a colaborar en la maquila de los filmes, como Grupo EsCómic de León, o BL Cartoons.

Dentro de este universo, se dio un poco aparte el proceso de gestación de los estudios jalisciences, que trataron de estructurar un
foco industrial regional con financiamientos como el de Prosoft, de la Secretaría de Economía. Y por otro lado, algunos estudios
comerciales más, que tuvieron una labor destacada en la producción de contenidos animados para la cultura del entretenimiento.

Comenzaremos pues el recorrido dando cuenta de los estudios que surgieron a nivel nacional (principalmente en el DF) para
producir largometrajes en el periodo de estudio. Posteriormente, debido a su importancia y caso particular, se incluye un apartado para
las companías de animación surgidas en la región de Jalisco. Finalmente, el capítulo cierra con la enunciación de algunos otros estudios
que, aunque no fueron fundados expresamente para producir películas, han tenido un desarrollo importante en el medio, más allá de la
simple maquila publicitaria.

PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

ÁNIMA ESTUDIOS
En el año 2002, con la experiencia reciente de coordinar un canal de animación3 para el apenas desaparecido portal web alo.com,
el empresario Fernando de Fuentes Sáinz4 junto con los hermanos Guillermo y José Antonio Cañedo y Fernando Pérez Gavilán decidieron
aventurarse en una empresa específicamente productora de animación, fundando Ánima Estudios. Su objetivo era, más allá de producir
una película, constituirse como un lugar de formación y desarrollo profesional, y un negocio redituable y autosustentable. Instalados
inicialmente en Bosques de las Lomas y posteriormente en sus actuales instalaciones de Lomas de Chapultepec en el Distrito Federal,
comenzaron lo que nadie hasta entonces había logrado: Producir largometrajes animados en una base relativamente regular, y fundaron
una compañía que tuvo la visión y propósito desde un inicio de producir tres películas con un programa de producción intercalado e
ininterrumpido.
1
Pérez, Javier. “En busca de la consolidación definitiva”. Cine-Toma: Revista mexicana de Cine. Ilusiones que se mueven: Un Vistazo
al arte de la animación. Año II, núm. 10 (mayo-junio 2010), pp. 8.
2
Fondo de Inversión y Estímulos al Cine; Fondo para la Promoción Cinematográfica de Calidad y Estímulo Fiscal a la
Producción Cinematográfica Nacional, respectivamente.
3
El canal se llamaba Tirabala, y de todos los canales temáticos de entretenimiento del portal, resultó uno de los más visitados.
4
Tercero de la renombrada dinastía cinematográfica iniciada con Don Fernando de Fuentes.
79
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Las 3 primeras películas


El primer gran proyecto del estudio fue la película Magos y Gigantes (2003), dirigida por Andrés Couturier, diseñador
egresado de la UAM Xochimilco, y Eduardo Sprowls. Entendiendo que Fernando de Fuentes y Jose Carlos García de Letona, presidente y
vicepresidente respectivamente de Ánima no tenían idea de la magnitud del proyecto en que se estaban embarcando, Couturier tomó la
dirección con muchas reservas, y tras una reiterada insistencia de sus jefes5. Con un plan de producción inicial pasmoso de nueve
meses, y sintiéndose demasiado nuevo en el medio, el novel director les sugirió incluso que se considerara buscar a gente ya
reconocida como Carlos Carrera o René Castillo, pero finalmente decidió aceptar, pensando que al menos en lo que se daban cuenta de
Magos y gigantes que era una causa perdida, tendría una fuente constante de ingresos. De esta manera, con un presupuesto final aproximado de
(Couturier y Sprowls, 2003) novecientos mil dólares (12 millones de pesos), un tiempo de producción de 14 meses, un crew de alrededor de 35 personas y
distribuida en México por la 20th Century Fox, ésta fue apenas la quinta cinta animada hecha en México de la historia (y la cuarta
estrenada en cines) y el primer largometraje azteca realizado con asistencia de computadora, que se estrenó el 19 de noviembre de
2003. “Al inicio --comenta Fernando de Fuentes— queríamos hacer un programa de TV que se llamara “Ada y el Gigante”, el cual poco a poco se
fue transformando en la película, gracias a los avances que vieron en la 20th Century Fox6. El filme –así como todas sus producciones
subsecuentes— fue realizado principalmente en animación bidimensional con el software Flash.

Inexperiencia de la coordinación en proyectos de esta envergadura; poco conocimiento entre sí del equipo de producción; poca
familiaridad de varios de los nuevos artistas con el software; y falta de dominio de principios de animación clásica de muchos de sus
animadores. Todos estos inevitables factores dieron como resultado un primer experimento con una animación acartonada, de fondos
Magos y gigantes
(Couturier y Sprowls, 2003)
aplanados, y personajes de movimientos rígidos y mecánicos, muy a la manera de las animaciones web tan populares en esos años. Por
otro lado, el manejo de marketing y promoción de la película no fue tan exitoso como se hubiera querido, y la respuesta del público no
fue toda la deseada, por lo que la película pasó algo desapercibida y no tuvo las ganancias estimadas en taquilla (8,3 millones de
pesos). Sin embargo, su venta posterior a otros países y su salida a ventanas de video (DVD) y televisión permitió finalmente tener una
recuperación económica. Lo más importante dentro de la inocencia y la inexperiencia involucrados en la realización de Magos… , es
que se demostró que podía plantearse un modelo financiero y de producción que permitiera realizar una película animada en México. De
esta manera, el estudio continuó inmediatamente, y sin demasiados miramientos en los resultados obtenidos, con su plan de negocios
de tres películas, para tratar de establecer un estudio que fuera más allá de una sola gran producción que quedase para la historia
como una mera curiosidad aislada.

Magos y Gigantes La segunda película del estudio fue Imaginum (2005), dirigida por Alberto Mar e Isaac Sandoval. Se echó a andar en cuanto se
(Couturier y Sprowls, 2003)
terminó Magos y Gigantes , sin preocuparse tanto por el éxito que pudiera o no tener la primera. Esta vez, la película contó con el
apoyo de FIDECINE (Fondo de Inversión y Estímulos al Cine) de IMCINE y fue distribuida por Videocine; tuvo un presupuesto entre 14,5 y
16 millones de pesos (un millon trescientos mil dólares)7. La historia relata cómo cuatro extraterrestres se escapan de un hospital
mental y se preparan para invadir la Tierra. Con un crew en el estudio de alrededor de 40 personas (20 de ellos animadores)8, a
diferencia de Magos …, esta película trató de concentrarse más en el uso de actores populares para doblar las voces de los
5
Tal era la reserva de Andrés, que por eso decidieron incluir a Sprowls para codirigir la película.
6
Carrasco, Luis, “México puede convertirse en un gran exportador de películas de animación”. Cine-Toma: Revista mexicana de
Cine. Ilusiones que se mueven: Un Vistazo al arte de la animación. Año II, núm. 10 (mayo-junio 2010), pp. 22
7
Entrevista a Fernando de Fuentes, 26 de septiembre de 2011.
8
Imaginum (Mar y Sandoval, 2005) Larqué, Monserrat, “Imaginum para reanimar a México” Önderfilm. Año I, Núm. 3, (México, agosto-septiembre 2005), p. 21.
80
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

personajes, contratando a Eugenio Derbez para hacer la voz de Jxxxxx. Esto fue algo muy a la usanza probada por las películas
estadounidenses que se valían de voces conocidas –aunque no necesariamente capacitadas– como gancho para atraer la atención del
público. Otro elemento a notar fue el intento por incluir bromas localistas con las que pudiera sentirse identificado el público mexicano,
idea que contrastó extrañamente con la elaboración de un soundtrack que incluía varias canciones en inglés. Así las cosas, por un lado
resultó una historia con un humor casero que podía dificultar su exportación a otros mercados, y por otra parte la gente no entendía del
todo por qué veía una película “mexicana” con canciones “gringas”.

En cuanto a la animación, se vio una ligera evolución y aprendizaje, pero el producto seguía contrastando desigualmente con las Imaginum (Mar y Sandoval, 2005)
películas extranjeras que hubo en cartelera ese año (El cadáver de la novia , de Warner Brothers, Wallace y Gromit: La Guerra
de los vegetales , de Aardman, Madagascar , de Dreamworks y Cars de Pixar entre otras, para darse una idea). Dentro del
esquema de mercadotecnia, la estrategia de promoción en cine contempló nuevamente botargas de los personajes en centros
comerciales y en algunas escuelas; se pactaron intercambios con firmas de golosinas y productos para niños en tiendas
departamentales; y su estreno se programó para el 19 de agosto de 2005, para procurar la publicidad “de boca en boca” de los niños
recién reintegrados a clases. Sin embargo, estas ideas no dieron buenos dividendos (7,8 millones de pesos), probablemente porque los
papás no pensaban gastar en otra cosa que no fueran útiles y cuotas de inicio de cursos de sus hijos, resultando en que Imaginum es
probablemente la película de Ánima (con salida a cines) menos conocida entre el público9. A pesar de ello, el estudio logró venderla
eventualmente, en paquete junto con Magos y Gigantes , a más de cien países en video y televisión, según afirma De Fuentes.
Imaginum (Mar y Sandoval, 2005)
El 13 de febrero de 2009, se estrenó su tercera película, después de un largo proceso de cuatro años en que el proyecto fue
pausado, retomado y retrabajado. Su staff de producción fluctuó mucho (por momentos con sólo 5 o 6 personas a la vez), ya que se
dividía con otros proyectos del estudio, como El Chavo Animado . Además, sufrió dificultades para negociar una fecha de estreno
entre los saturados espacios ofrecidos por las salas exhibidoras. Trabajada originalmente con los nombres de “Intriga polar” y
“Guacamayo” se decidió cambiar el nombre por algo más pegajoso y representativo del folclor nacional, escogiendo el escatológico y
sugerente nombre de El Agente 00-P2 . Andrés Coutourier volvió a dirigir y tuvo varios contratiempos, considerando que sin planta
de animadores, coloristas ni fondistas, y más de 40 minutos de película por ser producidos aún, el productor en línea Francisco Hirata
se marchó a la mitad de la producción. Así, de 15 a 20 minutos fueron hechos por sólo cuatro personas. Este largometraje fue el
primero en el que Ánima involucró a un estudio extranjero, Copernicus, de Canada, que maquiló parte de la animación y con quienes se
El agente 00-P2 (Couturier, 2009)
trabajó también parte del proyecto de Poncho Balón , del que hablaremos más adelante.

La historia gira en torno a Tambo Macaw, un conserje guacamayo que por accidente se ve convertido en un agente secreto de la
CIA, (Central de Inteligencia Animal) y que ayudado por Molly, una tímida doctora, intenta destruir los planes de la malvada Mamá Osa
que ponen en riesgo el destino del mundo animal. Ésta vez se sumaron más voces famosas (Jaime Camil como Tambo Macaw, además
de Rogelio Guerra, Silvia Pinal y la entonces popular cantante del grupo RBD, Dulce María). Con un presupuesto de 25 millones de
pesos, recuperó 22, pero aún así el resultado en términos generales fue nuevamente magro para el estudio. La película no se sostuvo
muchas semanas en cartelera, y la animación, que esta vez incluía más interacción de los personajes en espacios tridimensionales
digitales, seguía sin lograr una hechura que se ganara el aprecio franco del público. Esto sin mencionar que la producción comenzó
antes de tener un guión completamente acabado que, por más que se trabajó, siguió siendo bastante endeble.
El agente 00-P2 (Couturier, 2009)
9
La película tuvo un 20% menos de ingreso en taquilla respecto a Magos y Gigantes
81
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Entrando a las coproducciones


A partir de ...00-P2 , Ánima comenzó un nuevo esquema de trabajo en el que comenzó a delegar maquila de animación y a realizar
coproducciones en sus largometrajes con estudios extranjeros, para poder tener una mayor solvencia de sus proyectos. En 2010, Ánima
asumió el encargo de una película para Producciones Antonio Peña, dueños de la empresa de lucha libre AAA, con un calendario
descabellado de producción de sólo un año. El filme se tituló AAA la película: Sin límite en el tiempo , y fue dirigida por Alberto
“el chino” Rodríguez. Ánima se hizo cargo de toda la preproducción, direccion de arte y armado, pero prácticamente toda la animación
se mandó esta vez a maquilar con el estudio irlandés Boulder10. Con un presupuesto estimado de 3,2 millones de dólares11 y distribuida
por Videocine, la respuesta en salas fue muy mala por parte del público, recaudando solo 7,1 millones de pesos en taquilla. Mientras
AAA, la película: Sin límite en el tiempo
(Rodríguez, 2010) que los dueños de la citada empresa de lucha tenía entonces un público cautivo estimado de 10 millones de personas, y se esperaba
que al menos la mitad fuera a ver el filme, parece ser que nadie de estos fans tenía interés alguno por ir a ver una película de este tipo
(por lo menos al cine, ya que cabe mencionar que el filme fue la cuarta película mexicana más descargada de internet en 201012), amén
de la atropellada y apresurada producción, que se vió reflejada en la calidad final del producto.

Habiendo comenzado pláticas desde 2005 de una posible coproducción, el largo KungFu Magoo (2010) se empezó a trabajar
desde enero de 2008, con 20 meses aproximados de producción y un costo de 2,6 millones de dólares. Éste fue coproducción entre
Motion Toons (fusión realizada en 2007 entre Ánima y Santo Domingo Films) y la empresa estadunidense Classic Media (empresa que
se dedica básicamente a manejar la licencia de distintas marcas de personajes clásicos, como Gerald McBoing Boing, Rocky y Bullwinkle,
Supercan y Ricky Ricón entre otros)13. Con fondos, animatics y armado realizados en el estudio, se animó nuevamente en colaboración
KungFu Magoo (Couturier, 2010) con los canadienses de Copernicus y el estudio irlandés Boulder. El script fue elaborado por guionistas anglosajones, y fue dirigida por
el mexicano Andrés Couturier, quien lo menciona como su trabajo más fluido y satisfactorio en el estudio hasta ese momento, resultando
quizá en la película más eficientemente hecha hasta entonces14. Aunque nunca se descartó la posibilidad de que se llegara a estrenar en
cines mexicanos, esto nunca sucedió, y se distribuyó (como estaba planteado desde un inicio) para DVD y Televisión, en 2010 en E.U.
Según menciona De Fuentes, la calidad de la película permitió que Disney se interesara y la comprara para sus territorios de E.U. y
Europa; por otra parte, más allá de su transmisión por Cartoon Network, no se ha distribuido aún en México.

Otro proyecto de coproducción financiera, pero en el que Ánima no tuvo ingerencia más que en la postproducción, es Gaturro
(2010). Basado en el personaje de tira cómica del argentino Nik, realizado con el estudio Illusion de Argentina, y dirigido por el
argentino Gustavo Cova (director de Boogie el aceitoso , 2009), el filme de formato 3D digital estereoscópico tuvo un costo
Gaturro (Cova, 2010) estimado de cuatro millones de dólares15 y fue estrenada en México sólo con 40 copias, en 2012.

10
Entrevista con Alberto Mar, 7 de septiembre de 2012.
11
IMDb, Movies, TV and Celebrities, <http://www.imdb.com/title/tt1484065/business> [consultado el 10 de dic. de 2011]
12
Anuario estadístico de cine mexicano 2010, IMCINE, México, 2011. Pág. 108
13
Vargas, Maria Celeste y Lara, Daniel, “Ánima anima a Mr. Magoo”, Animación Mexicana. Una visión crítica del arte animado en
México [online], 27 de marzo de 2008, México, disponible en <http://animacionenmexico.blogspot.mx/2008/03/nima-anima-
mr-magoo.html> [consultada el 24 de julio de 2011]
14
Entrevista a Andrés Couturier, el 26 de septiembre de 2011.
15
Don Gato y su Pandilla (Mar, 2011) Carrasco, Luis, op. cit., pp. 24.
82
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

Para 2011, el proyecto más grande de Ánima fue el estreno del largometraje basado en la icónica serie de Hanna-Barbera: Top
Cat (Don Gato y su pandilla ). Ésta fue animada por el estudio, también en coproducción con la casa argentina Illusion, y en
colaboración con los estudios de animación Cartoon Saloon de Irlanda (realizadores del ganador del oscar El Secreto de Kells ,
2009), Copernicus de Canadá, y algo más con Laughin Lion de India. Los personajes de Don Gato tuvieron un rediseño respetuoso del
concepto original, y un buen cast de doblaje que incluía a la voz original de la serie del ‘Tata’ Arvizu, siendo realizados en 2D con fondos
3D digitales. La película la dirigió Alberto Mar (director de Imaginum ), se realizó con efecto 3D estereoscópico, y se estrenó el 16
septiembre, coincidiendo accidentalmente con el 50 aniversario de la clásica caricatura. Los directivos de Ánima tuvieron en definitiva un
gran acierto cuando decidieron negociar el uso de licencia de esta serie, que poco representaba para los estudios Warner Bros. debido
Don Gato y su Pandilla (Mar, 2011)
a que no tuvo mayor huella en Estados Unidos, pero que tanto éxito y nostalgia representaba para el público mexicano. De esta manera,
Don Gato salió a salas con impresionantes 492 copias, y recaudó 112 millones de pesos en taquilla16, quedando como la tercera
película animada mexicana más taquillera de todos los tiempos.

Cinco semanas después del estreno de Don Gato , en un hecho inédito para un estudio animado mexicano, el 21 de octubre
Ánima estrenó otra película animada en cines: La Leyenda de la Llorona (Alberto Rodríguez, 2011). Secuela de la exitosa
Leyenda de la Nahuala (2007) creada por el estudio poblano Animex, Ánima partió de un guión original realizado por Ricardo
Arnaiz (director de Animex) y Omar Mustre. Esto se dió debido a que Arnaiz acarreaba en ese momento otros proyectos y no tenía
interés de hacer la secuela en su propio estudio, así que negociaron la cesión de derechos. El largometraje se inició así en 2010 con un
presupuesto estimado de 25 millones de pesos17, y subido todavía en la ola que representó el éxito de Don Gato , (que tras 5 semanas
La Leyenda de la Llorona (Rodríguez, 2011)
permanecía aún programada en algunas salas) su estreno tuvo una buena recepción. Quedó así, justo por debajo de Don Gato , en el
cuarto lugar de películas animadas más taquilleras en México, con un acumulado de más de 55 millones de pesos.

El siguiente gran proyecto, agendado para fines de 2012, sería la película del Santos, personaje de culto de los moneros
jalisciences Jis y Trino, que se realizaba en coproducción con Paco Arraigada (productor de las películas de Huevocartoon) y Lynn
Fainchtein, con un guión de Augusto Mendoza (guionista de la película Abel , 2010). La dirección de animación fue de Couturier, pero la
dirección general corrió a cargo de Alejandro Lozano “El Patas”, director de publicidad y de la película de ficción Matando Cabos
(2004). Ésta es la primera vez que Ánima relegó la dirección general de una de sus películas a un cineasta de acción viva, y en que a
pesar de ser hecha en Flash, el estudio se propuso trabajar la animación cuadro por cuadro, para contrarrestar los vicios que una
producción con ritmos tan apresurados como el Chavo animado les fue dejando a sus animadores. Conservar la gestualidad y la
La Leyenda de la Llorona (Rodríguez, 2011)
soltura en el trazo del personaje, y apegarse a la esencia escatológica, altamente sexual y políticamente incorrecta de la tira cómica (sin
autocensuras) son objetivos que el equipo de trabajo se planteó. Había así esperanzas de un producto inédito en la historia de los
largos animados, con sorpresas por ver como la vagina de la Tetona Mendoza por primera vez en pantalla grande, y a todo color.

Al cierre de este texto, en la víspera de su estreno, había altas expectativas y responsabilidad cifradas en esta película, ya que
podría modificar de manera radical el funcionamiento de la industria en México. Esto debido a que se trataba de la primera película
animada mexicana que no tendría una clasificación AA o A. Los productores de animación han vivido por años con el temor –
infundado— de que una película B-15 o de mayor clasificación sería un fracaso seguro, por perder en los niños pequeños a un alto

16
Dato otorgado por IMCINE. El Santos vs La Tetona Mendoza
17
Carrasco, Luis, op. Cit, p. 24. (Lozano, 2012)
83
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

porcentaje del público en salas. Debido a esto, hemos vivido toda una década de filmes infantiles llenos de burdos chistes locales y
albures disfrazados que buscan que los adultos también acudan a las salas en familia. El Santos pues, de ser bien hecha y no
traicionarse a sí misma con autocensura, podía abrir campo a una nueva manera de ver y hacer animación en México, pero faltaba ver la
palabra final de la presidencia del estudio, y de los censores de RTC...

Ánima en serie
Además de su división dedicada a la realización de largometrajes, Ánima cuenta con otras unidades dedicadas desde principios de
2004 a otros proyectos que tendrían salida a televisión. Retomando uno de los experimentos creativos que había manejado un par de
El Santos vs La Tetona Mendoza
(Lozano, 2012) años antes el equipo original de Alo.com18 antes de su cierre, Ánima realizó para Televisa Cascaritos , un concepto que comprendió
dos series: Una de 35 cápsulas de 30 segundos titulada Chuta remata y gol! , transmitida durante la Eurocopa 2004, y otra de 15
cápsulas llamada En sus marcas listos fuera! , para la barra deportiva de olimpiadas de Atenas (2004). Posteriormente, para el
mundial de Alemania 2006 produjeron para Televisa la serie de 31 cápsulas de minuto y medio de Poncho Balón , dirigida por René
Castillo y escrita por Carlos Cuarón, y transmitida también por Cartoon Network. Para este proyecto, Ánima se asoció con la compañía
Estación espacial (empresa de René Castillo) que aportó guiones, diseño de personajes, voces y fondos; René hizo un primer storyboard
y los demás se trabajaron en Ánima, así como la traslación digital de los diseños a Flash, supervisión de la animación (con maquila
realizada con el estudio canadiense Copernicus), y composición digital.

La experiencia de Cascaritos y Poncho Balón fueron el puente que dio pauta para negociar el más destacado proyecto de
Cascaritos: En sus marcas listos fuera! Ánima: La serie de El Chavo Animado (2006- ). Impulsada por Roberto Gómez Fernández y realizada para Televisa –a pesar de que
(Anima Estudios, 2004)
Animex, el estudio Los Hijos de su madre y Metacube tambien propusieron pilotos para poder hacerla—, el estudio empezó la serie
desde noviembre de 2005, alcanzando hasta 2012 cinco temporadas hechas con 113 capítulos totales (algunos aún no se habían
transmitido), y contaba con un crew que llegó a ser de 60 personas. Los capítulos se han realizado en un sistema de producción en
cadena, similar al que se usa para producir series como los Simpson. En éste, áreas como storyboard, animatic, animación, color,
armado y composición tenían de 10 a 14 días cada una para efectuar su labor, pasarla al siguiente departamento y recibir
inmediatamente un nuevo capítulo del área anterior. Se animaba en Flash, con trabajo de fondos 3D en Lightwave (y posteriormente en
Maya), y en After Effects para algunos efectos y composición.

El estudio también trabajó en un especial de navidad de 48 minutos para la televisión estadounidense y con salida a video, A
Poncho Balón (Castillo, 2006) Martian Christmas (2008) dirigida por José Alejandro García Muñoz, y coproducida y distribuida por PorchLight Entertainment,
quienes aportaron el guión, voces, música, diseño de audio y derechos de los personajes (basados en un libro). Por su parte, Ánima
manejó preproducción (storyboard, layout, animatic, diseño de personajes, fondos…), y la composición digital. La animación, que fue
tradicional y no en Flash, se mandó a maquilar en gran parte con el estudio Cineanimadores de Chile19.

Viendo a futuro, Fernando De Fuentes declaró que Ánima Estudios tenía interés en desarrollar más televisión, y querían hacer una
serie de televisión infantil para un mercado global, similar a Magos y Gigantes , en coproducción con Australia, Irlanda y E.U.
Hablando de la relevancia que tuvo Ánima en esta década, es fundamental el hecho de que reactivaron la industria, especialmente la de

18
Alberto Mar, Andrés Couturier y Oscar Hidalgo.
El Chavo animado (Anima Estudios, 2006- ) 19
Entrevista a Claudio Ortega, 22 de septiembre de 2011.
84
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

largometrajes y series, haciendo una enorme apuesta en el negocio, entendiéndolo fundamentalmente así, como un negocio. Muchos
artistas adquirieron experiencia en el estudio, y se abrieron fronteras de la animación mexicana. Una muestra son la venta a más de 100
países de Magos y Gigantes e Imaginum , el estreno casi simultáneo de Don Gato en varios países de Latinoamérica e Inglaterra,
así como la expandida transmisión del Chavo en México y el extranjero. Igual es de destacarse que lograran una calidad suficiente para
obtener luz verde en el uso de personajes reconocidos a nivel mundial (con Don Gato fue la primera vez que WB liberaba uno de los
personajes de Hanna-Barbera para la realización de una película20). Por otro lado, hay que decir que el estudio ha dado reducido
interés a la situación laboral y remuneración de su equipo creativo; entendiendo que con algo más de tiempo para desarrollar los
proyectos, horarios más sensatos, y un mayor espacio para la motivación y el crecimiento profesional y personal de sus artistas, el A Martian Christmas (García, 2008)
equipo no se hubiese disipado y recompuesto tantas veces, y habría sin duda una velocidad de crecimiento y calidad notoriamente
mayor en las producciones, redundado en la posibilidad de ligar proyectos aún más ambiciosos.

HUEVOCARTOON
La detonación en internet
En el Distrito Federal en noviembre de 2000, Gabriel Riva Palacio Alatriste, animador que trabajaba en una agencia publicitaria, fue
a comer al departamento de su hermano Rodolfo, un comunicólogo formado en guionismo y dirección cinematográfica, y ahí platicaron
sobre la idea de crear un sitio en internet con contenidos animados. Influenciados de manera importante por el humor crudo y burdo del
norteamericano Joseph Shields21 y sus animaciones flasheras para web, pensaron hacer algo que fuera tácitamente irreverente y
mexicano, ya que no había nada similar produciéndose en el mercado nacional. Dado que la comida era una de las cosas más mexicanas
en que podían pensar, y que los huevos eran algo muy distintivo y había mil maneras de cocinarlos, jugaron con distintas palabras y
variantes hasta optar por la idea de huevocartoon.com, y se propusieron crear unos personajes a partir de huevos.22

De inmediato Gabriel se puso a dibujar y Rodolfo a escribir para comenzar a gestar la idea de algunas animaciones y contenidos.
Gabriel era diseñador industrial egresado de la Universidad Iberoamericana, y había trabajado por un tiempo para la postproductora
Ollin como animador. Tiempo después fue contratado por una compañía norteamericana, por lo que migró por cerca de un año a
California, y se le dio la oportunidad de capacitarse en cursos especializados de animación y diseño de personajes, impartidos en Walt
Disney Studios. Rodolfo, por su parte, había estudiado Ciencias de la Comunicación en el ITESM campus Querétaro y posteriormente una
maestría en guionismo y dirección de cine en el American Film Institute de Hollywood California.

Un mes después de aquella comida, los hermanos platicaron con su padre, Rodolfo Riva Palacio Velasco, que era administrador,
para que inyectara capital y les ayudara a constituir e inscribir la empresa, y luego hablaron con Carlos Zepeda Chehaibar, Ingeniero en
Sistemas Computacionales y excompañero de escuela Rodolfo, quien se comprometió a construir la página y colaborar también con
capital. De esta manera, para enero de 2001 la empresa La Comunidad Huevo estaba consolidada con los 4 socios. También se integró
desde el inicio Fernando Meza, cómico y actor amigo de Rodolfo, quien fue una de las voces principales de las animaciones junto con los
hermanos Riva Palacio (él era el 3er huevo poeta). Los hermanos trabajaron durante todo ese año en la sala de casa de su madre

20
Entrevista a José Carlos García de Letona, 26 de septiembre de 2011.
21
Alias Joe Cartoon, sus animaciones fueron las primeras en su tipo con una distribución amplia y viral por internet.
22
Entrevista con Rodolfo Riva Palacio Alatriste, fundador y director del estudio Huevocartoon, 8 de agosto de 2012. Postal animada. Te extraño (2002)

85
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

creando las animaciones, y para enero de 2002, huevocartoon.com abrió sus puertas de manera pública, incluyendo cerca de 8
animaciones, 15 tarjetas animadas, 4 fondos y 5 protectores de pantalla.

La optimista proyección inicial de los hermanos era que en 6 meses el sitio llegara en aumento exponencial hasta las 6 mil visitas,
pero para marzo la página había tenido ya tres millones. Su idea de partida era cobrar por las animaciones, pero la facilidad para
romper seguros y descargar los archivos de Flash, y la falta de infraestructura en ese tiempo para establecer pagos bancarios por
internet, expuso a la compañía a un enorme porcentaje de fraudes. Todo el contenido se pirateó y se esparció de manera
inusitadamente viral por la red; y mucha gente, después de haber visto las animaciones en la página, negaba al banco haber hecho uso
de tal servicio, y pedía su reembolso. Así, cerraron la página en abril y reabrieron hasta junio, cuando el banco les permitió finalmente
Poeta Huevos (Riva Palacio, 2002) tener el software para establecer terminales de punto de venta en línea. En ese entonces sus ingresos fueron realmente mínimos y por
el contrario, el servidor de la página les estaba cobrando mucho por el inusual ancho de banda utilizado en la descarga de tantas
animaciones.

Entonces, buscando una vía de negocio y recuperación, Gabriel y Rodolfo crecieron el estudio con dos personas más: Rafael Luna,
animador que auxiliaría a Gabriel para el dibujado y creación de más material animado, y una chica que se dedicaría a la venta y
mercadeo de productos que tuvieran la imagen de huevos. Abrieron así una tienda en línea para vender playeras, gorras, y otros
artículos, pero mucha de la gente negaba haber recibido sus encargos, pedían la devolución de su dinero, se quedaban con la
mercancía pedida y además de todo, la revendían. Con un margen de fraude calculado entre el 70 y 80 por ciento, al final del 2002
concluyeron que por inviable debían cerrar la empresa, pero en 2003 hubo un giro afortunado. Elías Fasja, director de Tycoon
Branding de productos
Enterprises, --empresa de licenciamiento que maneja los permisos de uso de imagen de grandes marcas estadounidenses como Los
Muppets, los Simpson, Barney, Star Wars, Ice Age entre otros--, decidió tomar los huevitos de Gabriel y Rodolfo para negociar su uso de
imagen en todo tipo de productos. Huevocartoon fue la primera licencia mexicana tomada por Tycoon –aún antes de la del Chavo
animado—y salieron más de 90 productos licenciados de empresas como Scribe, Bic, Telcel, Gamesa, Kellogs, Pepsico, etc.

Esto permitió que dejaran de usar la sala de su madre como oficina, rentaran un lugar, contrataran más gente y crearan
personajes a partir de escribir y hacer improvisaciones grabadas. Se animaron sketches con personajes como los Poeta Huevos, el
Huevasesino, los Huevos Rancheros, el Huevo Filósofo o Huevo de Pascua, Huevo Zen y Li-Mon Chu-Pao, los Eggbrothers VIP, los
Bongos, la Hueva Spears, los Huevos al Albañil, Frankendemente, Egor, las Cerecitas, el tío Gamborimbo, Anolín y Sal Chiquita, el Huevo
de acero, Huevitos en el Espacio, y un enorme etc. Aunque no existen a la fecha series como tal de los huevos, con una estructura
Huevo Zen y Li-Mon Chu-Pao formal de capítulos ni duración fija (las animaciones duran desde 10 segs hasta 5 minutos), la empresa tenía registrados alrededor de
100 personajes y cerca de 6 horas y media de material animado de sketches23, y el estudio había sacado a la venta a través de Tycoon
Group más de 13 compilaciones de estas animaciones en DVDs que duraban entre 20 y 40 minutos cada uno.

A partir de los acuerdos de venta de marca, la página huevocartoon.com y sus contenidos se hicieron gratuitos, con la única
finalidad de aumentar la popularidad de los huevos, y la empresa pudo empezar a vivir exclusivamente de la ganancia de los
licenciamientos. Igualmente en 2007 se creó en Youtube un canal oficial ligado a huevocartoon.com, que recopilaba más de 252
millones de reproducciones de video hasta agosto de 2012.

23
Idem.
Egg Brother (Riva Palacio, 2002)
86
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

Una película de huevos


Por otra parte, la idea del largometraje la traían desde abril de 2002. Cuando Rodolfo Riva Palacio estaba siendo prácticamente
despedido como director de una película de Videocine titulada Anatomía de un robo porque el proyecto se cancelaría, éste mostró
un video de sus sketches de huevos al entonces director de Videocine, Eckehardt Von Damm, y le planteó la posibilidad de hacer una
película sobre “eso”, pitcheándole de manera improvisada la historia de dos huevitos que escapan de la cocina para no ser cocinados y
que sueñan con convertirse en pollos. A Eckehardt le encantó el concepto y le dijo que trabajaran la idea. Aparte de la inversión ofertada
por Videocine, los Riva Palacio tomaron algo de tiempo para conseguir el resto del financiamiento, ya que en ese entonces nadie
confiaba en la viabilidad económica de hacer una película animada. En junio de 2003 aplicaron por primera vez al apoyo de
Una película de huevos (Riva Palacio, 2006)
largometrajes del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE) de IMCINE, pero los pésimos antecedentes de películas animadas y
la poca experiencia y presencia en el medio de los Riva Palacio evitaron que el apoyo al proyecto se aceptara24; además, el comité
técnico replicó que el guión no les parecía sólido.

Para ese entonces, Huevocartoon encontró una inversionista clave en la persona de Elisa Salinas, popular y poderosa empresaria
ligada fuertemente al grupo Salinas Pliego y TV Azteca, que para sorpresa de algunos, aceptó añadirse como socia junto a la ya
mencionada distribuidora fílmica de Televisa. Para ese momento, la página de huevocartoon.com nutría un potencial mercado de
espectadores, ya que recibía 230 mil visitantes a diario de más de 18 países, con un avasallador éxito entre adolescentes y adultos, y
un llamativo mercado callejero pirata de falsas “películas de huevos” hechas con las animaciones de internet. Pero la película volvió a
ser rechazada por FIDECINE, cuyo comité insistió que el guión debía ser menos grosero y más dirigido al público infantil para no perder
ese rango de público y tener perspectivas mínimas de recuperación en taquilla. Después de haber hecho 10 tratamientos del guión, en
diciembre de 2004 FIDECINE aceptó el proyecto y se obtuvo el financiamiento completo, que fue de 18 millones de pesos.

En ese tiempo Huevocartoon trató de negociar la hechura de la película con gente como René Castillo y el estudio La Mamá de Una película de huevos (Riva Palacio, 2006)

Tarzán, pero nadie estaba dispuesto a responder en su calidad de trabajo por el restringido presupuesto con que contaban. Tras una
solicitud especial y la exposición de los hechos a IMCINE, propuso la posibilidad de hacerla con algún estudio en el extranjero. Fue así
que la película se animó de 2004 a 2006 en el estudio Hookup de Argentina (aprovechando la accesibilidad de costos por a la crisis
económica que pasaba dicho país), mientras el trabajo de preproducción, grabación de voces y postproducción se hizo en México, y
Una película de huevos salió a salas cinematográficas el 20 de abril de 2006 con 420 copias25.

Había mucha incertidumbre y expectativas muy reservadas respecto a los dividendos que aportaría el primer largo animado
apoyado por FIDECINE26. El resultado fue la segunda película más taquillera en toda la historia del cine mexicano, solo por debajo de El
Crimen del Padre Amaro de Carlos Carrera (2002) con una recuperación de 142 millones de pesos en taquilla27; además del
primer Ariel otorgado en categoría de largometraje animado. Añadido a esto, el gran número de licencias vendidas para productos de
Una película de huevos (Riva Palacio, 2006)

24
Victor Ugalde en Rodríguez Manuel, Animación, una perspectiva desde México, CUEC, México, 2007. p. 199.
25
Dato aportado por el IMCINE.
26
Primero apoyado junto con Imaginum de Anima Estudios, ese mismo año.
27
Riva Palacio aclara que con el flujo de capital de inversión y recuperación, entre pago a exhibidores, distribuidores,
sindicatos, etc. el estudio solo ganó 2 millones netos de la exhibición de la película en cines.
87
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

marketing hizo del asunto un negocio redondo. “Eso nos abrió todas las puertas, inmediatamente todo mundo quería nuestros huevos, querían la
segunda película, querían una serie de TV, querían más animaciones, más productos, fue un gran momento de Huevocartoon”.28

Otra película de huevos


Para su segundo largometraje, Otra película de huevos y un pollo, empezaron levantar financiamiento de inmediato y a
escribir para tenerla lista en abril de 2009. En esta historia, el huevo Toto reaparecería ya como un pollo que es secuestrado por un
malvado huevo brujo. La esperanza en esta segunda entrega era tal, que según dicen los hermanos, tuvieron que dejar de lado a
Otra película de huevos y un pollo algunos inversionistas que querían entrar. Fundaron la empresa Mamá Gallina en México, en la que se reunió a argentinos y mexicanos,
(Riva Palacio, 2009) y parte se hizo en este estudio (con unas 20 personas) y parte importante nuevamente en Argentina (con unas 40 personas).

“Tuvimos un equipo mucho más entrenado, y fue un salto de calidad. Hay más animación 3D con escenas de batalla, mucho más tomas con
movimientos de cámara más complicados, y un diseño de arte más elaborado.29” “Nunca nadie ha hecho una mezcla de audio [en México]
como la que hicimos en Estudios Churubusco con Nerio Barberis, ni un score [musical] de una hora diez de orquesta completa… Es mucho
mejor.”

Con la recuperación de la economía gaucha, el presupuesto vertido en Argentina se duplicó y la película costó 38 millones de
pesos. Cabe mencionar que en esta ocasión Huevocartoon tampoco tuvo problemas utilizar de nueva cuenta un importante porcentaje
de mano de obra extranjera debido a que esta vez, en vez de aplicar a FIDECINE, el estudio pudo echar mano libre de un bono
Otra película de huevos y un pollo económico que IMCINE les entregó debido al inusitado éxito que generó la primera película. Este dinero se sumó al apoyo en de 18
(Riva Palacio, 2009)
millones que tuvieron esta vez a través del recién instituido Estímulo Fiscal a la Producción Cinematográfica Nacional (EFICINE) y del
involucramiento de nuevos inversionistas.

Estrenada el 20 de marzo de 2009, la película tuvo la mejor semana de apertura en cines para cualquier filme mexicano en la
historia (35 millones de pesos), pero poco después sufrió el estreno desleal de Monsters vs Aliens con novedosa versión 3D
esteroscópica, que había sido preacordado con Paramount hasta dos semanas después, y que no se respetó. Además, para abrir su
quinta semana, el 24 de abril se dió el cierre oficial de salas en todo el país, debido a la histeria provocada por el brote de Influenza
AH1N1, lo que truncó sensiblemente la corrida de la película. Para darse una idea del impacto de este hecho, Riva Palacio aseguró que
cuando se cerraron los cines, de las 700 copias con que se estrenó el filme30 (1100 salas aplicando el interlock), todavía se mantenían
Otra película de huevos y un pollo vivas 512 copias, lo que auguraba todavía una permanencia importante a la película, de no haber ocurrido este incidente.
(Riva Palacio, 2009)

Otra película de huevos y un pollo no tuvo una sola nominación al Ariel, y la categoría de largo animado se declaró
desierta ese año. A pesar de ello, la película logró recaudar 113 millones de pesos y colocarse en ese tiempo como la séptima más
taquillera del cine mexicano, y segunda del cine animado mexicano.

28
Entrevista con Rodolfo Riva Palacio Alatriste, el 8 de agosto de 2012. Las citas textuales subsecuentes, salvo indicación
contraria, corresponden a la misma.
29
Pérez Javier, “Huevo Cartoon, del flash a la escuela de animación”, Cine-Toma: Revista mexicana de Cine. Ilusiones que se
Otra película de huevos y un pollo mueven: Un Vistazo al arte de la animación. Año II, núm. 10 (mayo-junio 2010), p. 29.
30
(Riva Palacio, 2009) Cabe aclarar que este dato difiere de la cifra aportada por IMCINE para su estreno, que es de 439 copias (446 con interlock).
88
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

Huevos pelados al cine


Cuando salieron las dos películas de huevos, con historias dirigidas para niños y con un humor bastante dulcificado comparado
con los gags que lanzaron a la empresa al estrellato, mucha reclamó de no ver en pantallas el concepto original, que era más adulto.

“Una de las quejas principales que tuvimos, es que [mucha gente] esperaba una película superfuerte. Muchos chavos que amaban
Huevocartoon por las groserías en internet dijeron: pues la película de huevos debe de ser durísima… Nos reclamaron mucho, hubo varias
quejas al respecto, pero nosotros sabíamos que a los niños les estaba gustando demasiado… …[al hacer las películas dirigidas para toda la
familia] ganamos creo que más de lo que perdimos…”.

A raíz de este hecho, en 2010 Leonardo Zimbrón y la distribuidora local de Warner Bros. Pictures Mexico (New Born) ofreció a
Huevocartoon realizar el experimento de sacar a cines la primera película animada clasificación B dirigida a un público más adulto, que
mostrara una compilación de 90 minutos con las mejores animaciones hechas para internet de huevocartoon –y tan sólo un par de clips
nuevos—, sin censura. La película titulada Huevos en corto salío en septiembre de 2010 por solo una semana, de martes a martes,
en funciones de 10 de la noche, con cien copias. El proyecto fue un fracaso terrible. La película no superó los 5300 espectadores,
apenas alcanzó para pagar las 100 copias que se hicieron, y no hubo ni un peso de utilidad. “Ni quien quiera ver huevocartoon pelado [en
cines], para eso lo haces en la intimidad de tu casa en una compu, ese es el mercado del huevocartoon hardcore”, explicó Rodolfo.

Huevocartoon se diversifica
Hay que mencionar que en el periodo entre el estreno de la primera y segunda película de huevos, Huevocartoon sufrió la caída
Huevos en corto (Riva Palacio, 2010)
del mainstream, que quiere decir un desplome de la venta de sus productos y licencias comerciales en el lapso en que no tenían una
película en proyección, dado que las empresas anunciantes preferían utilizar licencias de los grandes blockbusters gringos. Esto les hizo
tomar la decisión de que una vez terminado el segundo largometraje, además de empezar inmediatamente a trabajar en el tercero,
Huevocartoon se conformara en dos nuevos departamentos: Uno de live action, coordinado por Rodolfo, y uno de animación, dirigido
por Gabriel, y empezaran a trabajar en diversos proyectos de tele y de cine.

De esta manera, han generado numerosos proyectos no materializados aún, como el largometraje animado Gungo y las
olimpiadas cavernícolas , o la película The Bones Family , combinación de animación y live action que con apoyo de Salma Hayek
y George López se pitcheó y vendió a Dreamworks, aunque dicho estudio nunca hizo la película.
Programa Fábrica de huevos (2012)
En el área de live action Rodolfo vendió también en 2011 la emisión Fábrica de Huevos al canal televisivo Azteca América en
Estados Unidos, conformada por 24 capítulos de 30 minutos con una combinación de la totalidad de sketches animados producidos por
el estudio, mezclado con intervenciones en vivo de personajes y actuaciones cómicas frente a cámara. Este se convirtió en 2012 en un
show de alto rating para el citado canal de la unión americana, y dicha temporada se vendió igualmente a México para salir en 2013.

A partir de la fundación de la Asociación Nacional de Productores de Animación, Efectos Especiales y Medios Interactivos
(ANPAEM) en marzo de 2011, Huevocartoon entró en planes de coproducción con Carlos Gutiérrez, del estudio Metacube de
Guadalajara, para producir a partir de 2012 la película The Algola a real vampire , contemplada en acción viva con animación 3D
del personaje del vampiro.

Concept art de El Algola, A Real Vampire


89
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Por su parte, la división de animación de Huevocartoon negociaba en 2012 el posible desarrollo de una nueva serie de caricaturas
en colaboración con Ánima Estudios titulada Mi casa, su casa . Para agosto de 2012, Huevocartoon apenas iba a iniciar la
producción de la tercera entrega de las películas de huevos, titulada como Una película con más huevos y un gallo –y luego Un gallo
con muchos huevos – se decidió hacer, ahora sí, totalmente en México, en 3D digital y estereoscópico. Para su realización fundaron
en Guadalajara la empresa Jalywood, que entró en sociedad directa también con el estudio Metacube. Se tenía contemplada en 63
millones de pesos, y para salir a fines de 2014.

Concept art para Un gallo con muchos Huevocartoon fue una punta de lanza que impulsó desde el nacimiento de la década la producción de contenidos en internet,
huevos cuando aún no existía un mercado y no se concebían maneras de capitalizar los millones de visitas que recibían –como ahora lo hacen
infinidad de casos como el regio de Werevertumorro o la serie flashera Vete a la versh—. Por otro lado, aunque el corte de sus
películas haya sido duramente criticado, y que fueran maquiladas en gran parte por manos argentinas, también impulsaron el interés del
público y de inversionistas por la industria animada en México, y promovió el establecimiento de una mayor producción de animación y
contenidos locales, cuando nadie se atrevía a hacerlo todavía.

Hermanos Gabriel y Rodolfo Riva Palacio ANIMEX 2D (luego ANIMEX)


El nacimiento de un estudio fuera de la capital: Animex2D
En 1997, Ricardo Arnaiz era un estudiante de Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana de Puebla que tenía la inquietud de
aprender a hacer caricaturas y dibujos animados, y echó a andar junto con un par de amigos de escuela una empresa llamada Imagex.
Ahí, y con la curiosidad que le provocaba entonces el surgimiento de posibilidades técnicas ofrecidas por nuevos softwares de edición no
lineal como Media 100 y programas como Photoshop y Director, comenzó a aventurarse en la producción de sus primeros experimentos
animados a la manera clásica, pero armados en computadora. Paralelamente y desde entonces, Ricardo mostró un agudo estilo
emprendedor, con gran énfasis en relaciones públicas para tejer importantes redes de contactos con gente del medio. Así, el par de
años que pudo durar Imagex le permitió entre otras cosas asistir a un evento especializado en Miami, donde pudo llevar su trabajo y
conocer a gente del canal Nickelodeon. Este espíritu empresarial será un sello que acompañará a Ricardo como director y productor.

Aunque Imagex no funcionó y desapareció después de dos años, con la experiencia adquirida, los contactos obtenidos, y algunos
animadores que reclutó de su aprendizaje previo, Ricardo decidió fundar un estudio propio para realizar sus proyectos. Fue así que en
el año 2000, con apoyo económico de su tía María Eugenia nació, en un departamento de la colonia Prados Agua Azul en Puebla,
Animex2D. Este estudio tenía el objetivo de producir proyectos animados con contenidos originales para cine y TV (aunque no
necesariamente películas) y realizó al inicio una gran variedad de cortinillas y pilotos. Los pioneros de esta aventura junto con Ricardo
fueron, entre otros, Gabriel Cortés, Miguel Espinosa, Mario Romero “el mago”, y los músicos Juan Pablo Alvear y Gabriel Villar.

Animex2D desarrolló así durante el 2000 varias propuestas buscando crear un portafolio del estudio con pilotos de historias como
Superchone y Filorito , Diti Don Pepi Dom , Cazadores de monstruos y Micro Vicros. Ninguno de estos proyectos logró
pasar del piloto, ya que aunque la experiencia técnica para hacer animación creció, Ricardo aún no tenía idea de cómo o donde
venderla.

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CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

Aparición de un padrino mágico para el estudio


Un giro importante se da cuando por contacto de su tío, Jesús Arnaiz, conoce a Guillermo Montemayor (director del canal de tele
de paga Cable Kin, del grupo PCTV) quien le propone trabajar proyectos juntos, y entre otros profesionales del medio, le presenta en
2001 al comediante Andrés Bustamante. Considerado hasta la fecha por Arnaiz como un gran amigo y padrino del estudio, el “Güiri-
Güiri” impulsó y apoyó de manera importante al desarrollo de la empresa. Tras ver las pruebas de Animex2D, le mandó a realizar varios
proyectos. El primero fue un piloto de 15 minutos llamado Niños en el tiempo (2001) que narraba las Aventuras del Profesor
Segundo Minuti (Andrés Bustamante) y sus amiguitos Ulises, María y Gabino, a través de las diferentes épocas de la historia. La idea
original fue de un amigo que en ese entonces le sugirió a Arnaiz hacer un proyecto en que se hablara de México –un concepto que
Animex2D abrigó y ha mantenido como su sello en casi todas sus producciones desde entonces—. Además, para este proyecto el Güiri- Niños en el tiempo (Arnaiz, 2001)
Güiri le presentó a uno de sus guionistas de cabecera, Omar Mustre, con quien Arnaiz colaboraría de manera importante en sus
proyectos de largometraje por venir.

En 2002 Animex2D realizó dos series de cápsulas de un minuto muy importantes: Una para el Güiri-Güiri, que son Gorgojo y
comején , y otra titulada Leyendas Futboleras , que elaboró –por mediación de Bustamante– para los moneros Jis y Trino. Aunque
el estudio permaneció anónimo en la producción de ambas series, éstas serían ampliamente vistas y apreciadas al ser transmitidas por
TV Azteca en la emisión deportiva Los protagonistas durante el mundial de Corea-Japón 2002.

A la par de esto, Animex2D trabajó arduamente para producir una serie de cápsulas para el emergente canal Ponchivisión, que
presentaba entre otros varios personajes al “compadre”, quien encarnando individuos de diversas épocas y oficios, muestra la Leyendas futboleras (Animex 2D, 2002)
importancia del humor como escape de los problemas. Aunque se realizaron 52 cortinillas, durante el 2002 y 2003 sólo unas 6 fueron
transmitidas debido a la salida del aire del canal. En 2003 trabajaron también para el Güiri-Güiri una serie de cápsulas titulada Noooo o
99 formas de suicidarse, en las que el personaje “Fayo” trataba inútilmente de acabar con su vida. De los 99 suicidios planeados
en el proyecto, sólo se realizaron los primeros 33, y la serie nunca fue mostrada al público, aunque la que sí vió la luz en la pantalla
chica fue una serie de cortometrajes llamada Roncho el perro malapata 31 . De entre todas estas cortinillas y cápsulas, ésta será la
serie más destacada, en la que narra las desventuras de un perro azul pinto al que siempre le ocurren desgracias y accidentes en sus
actividades cotidianas, las cuales se complican aún más a partir de sus rabietas, entrando en un círculo vicioso sin fin.

En ese tiempo, Marcel Vinay, director de COMAREX y encargado de distribuir la produccion de TV Azteca en todo el mundo, le llevó
a Miami, donde le presentó a gente de Nickelodeon, HBO y Locomotion, cosa que le ayudó enormente para colocar el proyecto de Piloto de Noooo o 99 formas de suicidarse
(Arnaiz, 2003)
Roncho con este último canal. La primera temporada de 30 capítulos de un minuto fue realizada entre 2002 y 2003, en un periodo
aproximado de 40 a 50 días, y logró ser transmitida por la cadena de cable Locomotion, vendiéndose sus derechos de transmisión a 8
países (América latina, Portugal y España a finales del 2002, y a Europa, Asia y E.U. en 2003) así como su emisión en México en canal
22 por cerca de un año32. Tras el éxito de la primera temporada, se realizaría una segunda tanda de 30 capítulos en 2005 asociado con
Leticia Candiani de Candiani Estudios, trabajando ideas de comercialización y diseño de playeras, y se transmitió también en canal 22,

31
Todas estas series que hemos mencionado eran realizadas en animación 2D, algunas en flash, otras de manera más
tradicional, pero siempre coloreada y terminada en la computadora.
32
Entrevista a Ricardo Arnaiz, el 25 de agosto de 2011. Cápsula de Ponchivisión (Animex2D, 2002)

91
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

pero el resto de los planes para el proyecto se vieron interrumpidos. Ante la dificultad para poder negociar espacios televisivos para
esta nueva temporada, se consideró que lo mejor sería aventurarse en nuevos planes ligados con la pantalla grande.

El intento de Maya
Con la experiencia adquirida en esos primeros años, en 2004 Animex 2D decidió que era momento de realizar su primer
largometraje. Ese año Arnaiz conoció a Bruno Bichir, a quien le presentó su proyecto titulado Maya . Como le agradó, decidió asociarse
con Arnaiz, quien se mudó entonces al DF para realizar negociaciones que pudieran dar viabilidad al proyecto. Se asoció también con el
cantante Emannuel para constituir la empresa Ceiba producciones, y generó pláticas con Federico González Compeán y Mónica Lozano
de Altavista Films para distribuir y producir. Igualmente a principios de 2004 llamó a Mike Kunkel, artista que habia trabajado en Disney
Roncho, el perro malapata
(Animex 2D, 2003-2005) para integrarse al proyecto como director de animación. Así, el 13 de mayo de 2004 en conferencia de prensa se anunció la
preproducción de Maya, la primera gran historia , largometraje con un presupuesto estimado de 3 millones de dólares33.
Lamentablemente, tras 8 meses de preproducción, debido a diferencias entre los productores y sus visiones, el proyecto se congeló.

La leyenda de la nahuala
De esta manera, habiéndose mantenido sus oficinas en el DF desde octubre de 2004, a finales del 2005 Animex (ya sin el 2D en
su nombre) deja a un lado Maya y comienza a gestar un nuevo proyecto llamado 1806 , que se llamó después 1807 y finalmente La
leyenda de la nahuala . El estudio trabajó a grandes rasgos en la preproducción mientras lograba conseguir inversionistas o
Maya, la primera gran historia financiamientos, hasta que el gobierno del estado de Puebla durante el mandato de Mario Marín decide apoyar el proyecto, sumándose
también el financiamiento de FIDECINE. A partir de ahí, el proyecto se echó a andar a marchas forzadas para tenerlo listo para su
estreno en el Festival Internacional de Cine de Morelia en octubre de 2007, y con premier especial en salas comerciales en la ciudad de
Puebla el 1º de noviembre de 2007.

Contando ya con presupuesto más firme, la preproducción se echó a andar en forma a partir de septiembre de 2006 hasta mayo
de 2007 y la producción (traslapada) se realizó de enero a septiembre de 2007. La película contó en total con un equipo de trabajo de
alrededor de 120 personas, de las cuales unos 45 trabajaron de manera interna en Animex (unas 27 desde los estudios localizados
todavía en el DF y 15 trabajando en la Angelópolis), subcontratando igualmente con estudios como Diseño extremo en Puebla para
trabajar preproducción, y con BL Cartoons en el DF y Es Comic! de León para animar. Su costo estimado fue de 21 millones de pesos,
para trabajarla en poco más de un año.
Model sheet para La leyenda de la Nahuala
(Animex, 2007) Esta película creó mucha expectación, ya que el guión era realizado por Antonio Garci y Omar Mustre, escritores de cabecera del
cómico Andrés Bustamante, con una historia que permitía ver una Puebla de inicios del siglo XIX y que jugaba con el contexto de las
leyendas mexicanas y de la celebración del día de muertos. Contó además con la asesoría de Phil Roman (relevante productor, director y
animador mexicano radicado en Estados Unidos que ha laborado para series de personajes como Los Simpson, Snoopy y El Crítico), y la
participación de las voces de actores reconocidos como Andrés Bustamante, Rafael Inclán, Jesús Ochoa, Manuel el Loco Valdéz, Martha
Higareda y Ofelia Medina en el rol de la Nahuala.

33
Lara, Daniel y Vargas, Maria Celeste “Pronto: La leyenda de la nahuala, sólo en cines”, Animación mexicana, una visión
crítica del arte animado en México, 18 de septiembre de 2007, México disponible en <http://animacionenmexico.blogspot.mx/
La Leyenda de la Nahuala (Arnaiz, 2007) 2007/09/pronto-la-leyenda-de-la-nahuala-slo-en.html> [Consultada el 20 de septiembre de 2011]
92
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

A pesar de todos estos elementos a favor, el filme dejó ver la inexperiencia del estudio para montar un proyecto de este calibre.
Entre algunos problemas, se observa la inconsistencia en la construcción visual de sus personajes y en la animación misma, así como lo
acartonado de la psicología de su carácter. La integración de personajes y fondos tampoco fue la ideal, y por otro lado, la historia tiene
un desenlace bastante abrupto, rápido y previsible. La película adolece de una edición algo accidentada, que presenta chistes y gags
sencillos que no acaban bien de integrarse en el cuerpo de la historia, dando como resultado un relato en el que el público rió por
momentos sin lograr nunca adentrarse del todo en el universo presentado. En resumidas cuentas, la película cobró la novatada al
estudio y a su director.
La Leyenda de la Nahuala (Arnaiz, 2007)
A pesar de ello, el filme tuvo una promoción especial (sobre todo en Puebla), consiguiendo acuerdos para publicitarla desde un
año antes y cediendo libremente los derechos de licencias a distintas empresas para poder promocionar y difundir la película, a través
de productos que llevaban la imagen de sus personajes. Esto logró dar una cierta presencia de marca que hizo que la gente supiera de
la película y se interesara por ella; además de un buen trabajo en la música de parte de Gabriel Villar, agradó suficientemente al público
infantil, y tuvo un éxito respetable de taquilla, con un millón trescientos mil boletos vendidos y un recaudo de más de 42 millones de
pesos, distribuyéndose a través de Artecinema Gussi con 330 copias (250 según Arnaiz) alrededor de la república.

Nikté
Mientras terminaban La leyenda de la Nahuala , Arnaiz comenzó a preparar su segundo largometraje: Nikté . Inició su
planeación desde mediados de 2007 y tomó un tiempo total de pre y producción de 20 meses, terminándose en noviembre de 2009, La Leyenda de la Nahuala (Arnaiz, 2007)
con el estreno nacional el 18 de diciembre de ese año. Esta vez la producción decidió llevarse de vuelta a Puebla, realizándose en
nuevas instalaciones ubicadas en unas bodegas conseguidas con el apoyo de la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla
(UPAEP), en la avenida Cúmulo de Virgo. Con el respaldo de un muy decoroso éxito en taquilla de su película predecesora, Arnaiz tuvo
una mayor facilidad para levantar los apoyos financieros y contó nuevamente con el soporte del programa FIDECINE y del Gobierno de
Puebla (quienes creyeron verían repetido y quizá superado el triunfo taquillero de ...La Nahuala ) más financiamientos derivados de la
ley de estímulo fiscal 226 (EFECINE). Distribuida por Universal Pictures, esta vez apostaron por salir a salas nacionales con 422
copias34.

Si bien Animex se propuso hacer una mejor película a partir del aprendizaje obtenido de todos los errores cometidos y falta de
organización en su filme previo, las expectativas se quedaron cortas. Los personajes de esta historia, suscitada en el mundo maya,
resultaron algo aviñetados y la animación no superó en mucho la de La Leyenda ... El estudio trató de implementar procesos que Nikté (Animex, 2009)
mejoraran la calidad visual de la misma, y un ejemplo fue la elaboración de las escenografías a partir de modelos referenciales hechos
en 3D digital para mejorar su manejo de proporciones y perspectivas, pero fue difícil integrar los personajes bidimensionales en estos
espacios. También trataron de planear mejor su calendario de producción para optimizar el capital con el que ahora contaban, que era
de 29 millones de pesos. Pero parece que el trabajo de difusión del filme no fue tan efectivo esta vez, y su calidad aún sufría
visiblemente al compararse con las cintas estadounidenses. Nikté fue estrenada una semana antes que La Princesa y el Sapo de
Disney, y el mismo día que el aplastante monstruo taquillero Avatar –que estaba originalmente planeada para ser clasificación B, y
terminó por invadir su mercado, al ser cambiada a clasificación A— de manera que logró con trabajos los 700 mil espectadores. Así las
cosas, la película pasó bastante desapercibida ante el público.

34
Cifra aportada por IMCINE, Animex dijo que fueron 500 copias. Nikté (Arnaiz, 2009)

93
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

La Revolución de Juan Escopeta


No obstante este revés, Arnaiz continuó en su convicción de construir un estudio rentable y con una producción en constante
crecimiento. En su tercer proyecto, que comenzó desde agosto de 2009, volvió a hacer un replanteamiento de sus procesos, mejorando
el orden de sus calendarios, y continuó en la búsqueda de lograr un mejor producto. Mientras las perspectivas y recursos destinados
para La Revolución de Juan Escopeta (2011) tuvieron que reacomodarse a partir del desaire de Nikté , esta vez hubo varios
elementos cambiantes en la obra que podrían derivar en una esperanza de resultados diferentes y ¿por qué no? mejores. Para
empezar, presentó dos elementos refrescantes: Un nuevo director, y un guión ya bastante trabajado. La dirección cayó a cargo del joven
Nikté (Arnaiz, 2009) Jorge Estrada, un cineasta egresado del CUEC que poco había tenido que ver con la experiencia de hacer dibujos animados, y que llegó
al estudio con la propuesta de un guión titulado 1914 que venía reescribiendo y puliendo desde el 2005 en diversos talleres, siendo,
por ejemplo, seleccionado en el Toscano Sundance Lab en 200735.

En palabras del mismo Estrada, la llegada de una persona externa al medio, que se concentró más seriamente en el armado de la
historia que en la misma animación, quizá provocó que el potencial creativo de la animación no se explotara todo lo posible, pero
indudablemente permitió un largometraje con una columna narrativa mucho más sólida y profesional. Igualmente, Estrada puso esmpero
en pulir el lenguaje cinematográfico del relato, empleando y explotando la posibilidad de más emplazamientos y movimientos de cámara
para lograr un armado mucho más dinámico y orgánico, tal como el observado en películas de acción viva. Otro factor diferente tras la
llegada de Estrada, fue que aunque toda la preproducción se llevó acabo dentro de Animex, la animación de la película esta vez fue
distribuida casi en partes iguales en tres estudios diferentes: Animex, EsComic! de León Guanajuato, y Los Hijos de su Madre del DF,
La Revolución de Juan Escopeta
(Estrada, 2011) estudio de producción principalmente publicitaria que corría a cargo de Enrique Navarrete. En este giro de producción, era fundamental
lograr una unificación y constancia en el diseño de los personajes que Animex no habia logrado; lamentablemente, el problema persistió.

Con un crew de alrededor 100 personas36 en su punto más intensivo de producción, que tomó 20 meses de pre y producción
desde agosto de 2009 hasta abril de 2011, …Juan Escopeta se proyectó en premier el 23 de julio en el Festival Internacional de
Cine de Guanajuato. Planteada esta vez como una producción de autor más que como un filme de pretensiones comerciales, contó por
parte de IMCINE con el apoyo del Fondo para la Promoción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE), saliendo con sólo 30 copias
distribuidas en el centro de la república. También tuvo el apoyo del EFICINE (226), así como del Gobierno de los estados de Puebla y
Guanajuato, costando un total de 28 millones de pesos y siendo distribuida por la novel distribuidora Cinestesia.
La Revolución de Juan Escopeta
(Estrada, 2011)
En 2010, Ricardo Arnaiz mudó a Estados Unidos para buscar nuevos contactos como Edward James Olmos, Phil Roman, Mike
Kunkel y el español Raúl García para entrar en el mercado norteamericano y conseguir apoyo en lo que sería su siguiente producción: El
Americano . Ésta estaba planteada a realizarse en animación 3D digital con colaboración del estudio tijuanense Boxen Interactive de
Andres Reyes Botello. Acerca del filme, trataba el tema migratorio y contaría la historia de Cuco, un joven perico mexicano que busca a
una celebridad gringa que vió en la tele para que vaya a defender a su familia en México del crimen y los bullies. Arnaiz declaró que esta
vez deseaba tomar la producción con más cuidado, apegándose a estándares y tiempos más similares a los empleados de las
producciones norteamericanas, con la intención de terminarla para 2013.

35
Seminario organizado por la Fundación Toscano, la productora Bertha Navarro, el prestigiado Festival de Sundance e
El Americano, proyecto en proceso
IMCINE para impulsar el desarrollo de guiones de alta calidad.
36
Cerca de 50 personas de Animex, 30 de Los hijos de su madre y unos 35 de EsComic!
94
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

ITHRAX y SANTO DOMINGO ANIMATION


Los cómics y el origen de Sabel
Con un espíritu inquieto e hiperactivo, fanático de toda la vida de las historias fantásticas, las figuras de acción y los cómics, Benito
Fernández comenzó a dibujar desde pequeño y demostró amplia aptitud para ello. Cuando terminó la preparatoria, debido a sus
habilidades ya trabajaba haciendo labores de ilustración comercial, y al no encontrar algún programa de estudios que le convenciera
para lo que quería dedicarse, decidió formarse de manera autodidacta en sus intereses, que se concentraron en el cómic, el cine y la
animación. Entre 1994 y 1995, tras un boom de ventas que se disparó con ediciones como La muerte de Superman , Benito se
involucró apasionadamente en el universo de la historieta, sumergiéndose de lleno en congresos e interactuando con gente destacada
del círculo. Tras un par de años, se dio cuenta que había chocado con un entorno estéril y era casi imposible publicar algo en el
mercado nacional, así que cuando rondaba los veinte años –y no sin cierta inocencia– decidió voltear su mirada a un medio que en ese
tiempo parecía abandonado en México, pero a su juicio, lleno de oportunidades: la animación.

Fue entonces que tomó una idea que él mismo había comenzado a desarrollar como cómic, titulada Sabel , y decidió tratar de
lanzarla como película animada, cuando él mismo no había visto en cines una sola película mexicana animada. Entusiasmado, en 1997
se acercó a PROMEXA, el estudio de Fernando Ruiz –director de la primera película mexicana animada y de la última que había salido en
México en video—. Ruiz, que trabajaba en ese tiempo en el corto La Señal de un proyecto titulado Cuauhtli, que hacía para la SEP,
dejó asombrado a Benito con su personalidad magnética y con el gran estudio de tres pisos con que contaba entonces, ubicado en la Sabel Redemption (Fernández)
Avenida Revolución de la ciudad de México. Ante el despliegue de infraestructura que PROMEXA ostentaba debido a la gran inyección de
capital que tenía en ese entonces gracias a la SEP, el joven Fernández decidió que era el lugar idóneo para mandar hacer un demo de 5
minutos que le permitiera vender su proyecto, así que como pudo juntó trescientos ochenta mil pesos para encargar al estudio de Ruiz
la materialización del trailer de Sabel.

Tras algunos meses de asistir diariamente al estudio y ver solo algunas ilustraciones y escenas sueltas, Benito sentía que los
ciento ochenta mil pesos que había entregado de adelanto le estaban siendo desfalcados. Cuando Fernando Ruiz le pidió más dinero y
el desalojo de PROMEXA por demandas legales estaba a la vuelta de la esquina, decidió tomar, a pesar de la mala gana del estudio, los
avances que tenían y que Fernández asegura nunca utilizó, pero que se llevó con tal de que no le robaran la idea37.

Fundación de Ithrax
Después del cierre de PROMEXA, Benito tomó el resto de dinero que le quedaba y decidió montar su propio estudio para realizar
la historia de Sabel, contratando a algunos de los artistas que había podido conocer en el estudio de Fernando Ruiz, y convirtió su
pequeña empresa Drakul Ilustración en Ithrax38, que fundó junto con los artistas Gustavo Rubio y Enrique Cabrera. Realizar Sabel
Redemption con un pequeño grupo que siempre osciló –según afirma Fernández –en no más de 7 personas, tomó 10 años desde su
concepción. A diferencia de las películas hechas por Ánima Estudios en Flash, ésta fue animada a la manera tradicional, dibujando sobre
papel, trabajando digitalmente el entintado, coloreado y composición, y agregando algunas tomas con 3D digital y maquetas. Después
de cuatro años de preproducción, Ithrax empezó a trabajar con el dinero que podía juntar a partir de trabajos que Benito y su equipo

37
Entrevista a Benito Fernández, 3 de julio de 2012.
38
El nombre proviene de uno de sus personajes favoritos, Vermithrax, dragón que aparece en la película de fantasía
Dragonslayer (1981), de Disney. Sabel Redemption (Fernández)

95
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

hacían para publicidad, como fue el diseño de la campaña de la Familia Telmex. La película se cotizó en 10 millones de pesos, cinco y
medio de los cuales salieron de los ahorros de Benito, ochocientos mil del ingeniero y coleccionista de arte Sergio Autrey39 y
ochocientos mil más de otro empresario no especificado.

En la recta final de la película, y ya sin recursos para terminarla, Benito entró en contacto con los hermanos Alfredo y Charbel
Harp. Alfredo, adinerado y osado inversionista privado de numerosos filmes mexicanos, se interesó en el proyecto de Ithrax y decidió
invertir los 3 millones restantes empleados para poder terminar el filme en 2007. Con la copia final de 35mm bajo el brazo, Benito
Sabel Redemption (Fernández)
aprendió de la manera difícil por qué en el negocio de las películas conviene vender y pactar primero el proyecto con las distribuidoras, y
luego hacer la película. A pesar de estar terminada, ninguna distribuidora se ha animado a tomarla, probablemente entre otras razones
por falta de fe en el producto, pensando que un potencial público target de púberes amantes de las sagas vampíricas pudiera no
interesarse en la película, o que el corte de violencia fantástica para adolescentes fuera demasiado agresivo y encontrara problemas de
censura, cosa que a juicio de los fragmentos vistos, no parecería tener sentido. Hay que mencionar que, a partir de los clips revisados,
la calidad de la película no pareciera más limitada que la de varias propuestas desabridas que sí llegaron a cartelera animada nacional
en los siguientes años. En fin, los vampiros no envejecen, pero la película sí, lo cual fue haciendo más difícil año con año que ésta
encontrase salida comercial, y queda tristemente como uno de los proyectos más avanzados que nunca vieron la luz en salas durante la
el periodo.

Brijes (luego Brijes 3D).


Estudio Ithrax
A fines de 2007, y mientras Ithrax seguía realizando screenings y buscando opciones para la distribución de Sabel
Redemption , el estudio comenzó a trabajar en un nuevo proyecto que los hermanos Harp querían trabajar a partir de un concepto e
historia de Ricardo Duprat, creador, escritor y amigo del empresario Charbel Harp. Esta vez, se planteó como una coproducción entre
Ithrax, que se encargó de realizar la película, y Santo Domingo Films, creada por los Harp, que se hizo cargo de la producción. La
historia, dirigida a un público más infantil que Sabel , narraba las aventuras de un grupo de niños que descubren una leyenda ancestral
que devela la existencia de los brijes, pequeños monstruos-espíritus que al fundirse con su complemento humano se convertían en
criaturas poderosas que podían luchar del lado del bien o del mal, y que habían desaparecido años atrás tras la pérdida de la fe en la
magia y la fantasía por parte de la humanidad. La historia se criticó ampliamente por retomar de manera aparentemente indiscriminada
y parchada elementos muy reconocibles de franquicias como Pokemon y Digimon , que usaban la idea de los monstruos portables, o
el concepto de los daemons, de la saga de La Brújula Dorada (2007).
Brijes 3D (Fernández, 2010)

Benito aceptó dirigirla, pero a diferencia de Sabel …, esta historia no era suya, y tuvo ciertas dificultades en la toma de
decisiones sobre la historia con el guionista cinematográfico, Luis Antonio Ávalos. Aunado a esto, en 2009, cuando ya llevaban cierta
parte de la película animada, Charbel Harp sugirió la idea –si es que la sugerencia del inversionista principal puede considerarse algo
menos que una orden— de hacerla en 3D estereoscópico, así que contactó a la empresa estadounidense Ray 3D Zone y mandó a traer
a un técnico especializado para tratar de llevar de manera práctica la conversión. Así, acuñaron el “3D” al título, siendo la primera
película animada mexicana que se proyectó en este formato –Disney tardaría todavía un par de meses en sacar su adaptación 3D de La
Bella y la Bestia (2010), por lo que Brijes 3D (2010) fue la primera experiencia estereoscópica de animación bidimensional para

Santo Domingo Animation 39


También presidente del consejo directivo del Festival de México en el Centro Histórico –luego fmx- que organiza el Foro
Animasivo.
96
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

el público mexicano–. Aunque el efecto 3D se logró de manera relativamente satisfactoria con los recursos empleados40, muchos
espectadores se quejaron de que los personajes “flotaban” y no se sentían integrados a los fondos, y la adaptación de una película 2D a
un efecto tridimensional resultó en una estética que mucha gente sintió extraña y no recibió de buena gana, al percibir a los personajes
como figuras planas extruidas, a manera de una animación multiplanos.

Un problema relevante fue la oscilación notoria de calidad y estilos de animación a lo largo de la película, esto debido a una
integración deficiente del trabajo de los diferentes artistas y estudios involucrados, resultando en un diseño de personajes altamente
inestable41. Y el mayor inconveniente a juicio autocrítico del director, fue la inestabilidad de un guión que entre sus arreglos y ajustes
resultó demasiado confuso, enmarañado y complejo. No obstante, el filme tuvo cierta recepción positiva en salas de parte de los más
pequeños, que aún sin entender demasiado la historia, se entusiasmaron con sus secuencias de acción y karatazos al estilo de las Brijes 3D (Fernández, 2010)
series japonesas que suelen ver solo en televisión. Y algo de lo más rescatable de la película fue la afortunada pista musical interpretada
con orquesta real y compuesta por Juan Manuel Langarica. Este filme costó cerca de 22 millones de pesos, financiado con 2 millones de
Fernández, el resto por los Harp y apoyado por FIDECINE con 7 millones. Permaneció cerca de 4 semanas en taquilla y recuperó sólo 12
millones de pesos. Un detalle interesante es que su estreno, contemplado para marzo de 2010, se aplazó hasta el 16 de septiembre de
2010, sólo una semana antes de la otra película mexicana Héroes Verdaderos , lo cual implicó una competencia extra en taquilla.

Terminada esta aventura infantil, Benito continuó trabajando en un proyecto cuya idea ya traía en elaboración desde antes de
terminar Brijes 3D . En este filme, contemplado a realizar con 26 millones de pesos (presupuesto bastante bajo para los estándares
Brijes 3D (Fernández, 2010)
vigentes en México), decidió canalizar su energía y presupuesto en pulir un guión que le tomó dos años, y no comenzar a producir hasta
tenerlo listo y haber hecho el animatic completo de la película. El proyecto se titulaba tentativamente Uma y Haggen, search for
the Godess Warrior , y narraría las aventuras fantásticas de un niño guerrero y una joven princesa en un mundo con referencias
híbridas –muy al estilo del director— de culturas vikingas, medievales y prehispánicas. Para 2012, la película ya llevaba algunos
minutos animados, y Fernández deseaba terminarla en 2014.

WHITE KNIGHT CREATIVE PRODUCTIONS


Establecida en 2002, la agencia de publicidad y estudio de animación White Knight se denomina como una desarrolladora de
Brijes 3D (Fernández, 2010)
productos infantiles que busca propiciar el entretenimiento responsable y educativo, con oficinas en Estados Unidos y México. Asimismo,
la empresa se dedica a la adaptación de todo tipo de productos al mercado latinoamericano.

Defeño y psicólogo con especialización en educación lúdica, su fundador y director, Carlos Kuri, comenzó en 1994 con una
empresa llamada Grupo Centauro, la cual se dedicaba a la distribución en Latinoamérica de distintos juegos de cartas y de rol tipo Magic
y Pokémon (publicados por la empresa estadunidense Wizards of the Coast), así como de organizar torneos de estos juegos. Sin
embargo, cuando la firma Hasbro compró a Wizards…, Grupo Centauro se fue haciendo menos necesario, hasta que la juguetera Uma y Haggen, en producción
terminó por dejar de manejar el producto en México. En ese momento, Kuri se dio cuenta que todo su trabajo y esfuerzo lo había estado
virtiendo en productos que no le pertenecían, y que sería mejor desarrollar una empresa que trabajara contenidos y productos propios.

40
Fernández afirma que el proceso implicó cerca de 3 millones de pesos más de presupuesto.
41
Algunas de las partes más interesantes y mejor logradas fueron las realizadas por el estudio Jugando en serio de Luis
Manuel Villarreal, que se encargó entre sus 20 minutos de animación, de la multitudinaria batalla inicial de la película.
97
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Trabajando para empresas en Estados Unidos y algunas en Latinoamérica, White Knight ha producido animaciones breves para
publicidad –como la de los tecolotes animados de la cadena Samborns—, y productos con desarrollo pedagógico y educativo dirigido
para niños. Pero en 2007, entre otros proyectos propios, Kuri decidió concentrarse en materializar una animación de largometraje sobre
los héroes de la historia mexicana, aprovechando la coyuntura que se venía con el festejo del Bicentenario de la Independencia y la
Revolución. Fue así que comenzó a trabajar en el proyecto de Héroes Verdaderos, Capítulo II: Independencia (2010), el cual
se planteó como parte de una trilogía que contaría el desarrollo histórico de México abarcando los episodios de la Conquista,
Independencia y Revolución Mexicana. Sobre la película Kuri menciona:

“Quería transmitir lo grandes que somos como raza y llegarle a los niños específicamente, que tienen que estar orgullosos de nuestra
historia… …¿Por qué siempre le estamos haciendo fuchi a la historia mexicana y a todo lo mexicano, cuando es algo que nos debería
enorgullecer muchísimo? Si bien la película narra todos los hechos históricos más importantes, también tiene un fuerte contenido de emoción y
heroísmo. Quería que los niños se emocionaran con la historia, y si me salía bien, el resultado serían niños que cuando fuera el momento de
hablar y de hacer algo por su país, lo hicieran con todo el orgullo del mundo, niños que no se quisieran ir a trabajar a otro país, que no
hablaran mal de México sino que lo defendieran, aún de sus propios padres.” Además agregó: “Es simple y sencillamente orgullo patrio sano,
con una historia light para que la entiendan los niños, y sin embargo es la historia oficial; yo no me voy a poner en polémica histórica, sino al
Héroes Verdaderos, Episodio Independencia revés, en orgullo histórico”.42
(Kuri, 2010)
Aunque de inicio se pensó que la película se beneficiara de las partidas gubernamentales destinadas para los festejos del
Bicentenario, el complejo papeleo y manejo de tiempos del aparato burocrático hicieron que esto se descartara. Kuri acudió
principalmente al beneficio de inversionistas privados, así como el impulso de la ley fiscal 226 para obtener el apoyo de empresas como
Grupo Carso (Inbursa, Telmex y Telcel) de Carlos Slim, Televisa, la Costeña y Sabormex, y también 2 millones de pesos de apoyo de
FIDECINE. La película se cotizó en 40 millones de pesos, y se estrenó el 24 de septiembre de 2010 con 350 copias en todo el país43.
Para su promoción, contó con una importante campaña de branding que tuvo el apoyo de empresas como cuadernos Scribe, hielos
Fiesta, Volaris, y Telcel, entre otros, que hicieron uso de la licencia y plasmaron en sus productos los personajes y el arte de la película.
Grupo INFRA financió de manera total la realización del soundtrack, que contó con un tema interpretado por los cantantes Emannuel y su
hijo Alexander Hacha. Por su parte, Cinemex y Cinépolis ofrecieron insertar cortos promocionales en sus salas de manera gratuita.

Héroes Verdaderos (Kuri, 2010) Algunos de los artistas nacionales involucrados fuertemente en la película fueron Ariel Orea, con experiencia importante en Ánima
Estudios, el animador Aaron Rey, Julio Ordoñez como director de arte, y la historietista Aurea Freniere como coordinadora de fondos,
entre otros. El guión fue escrito por el mismo Carlos Kuri y su esposa Riley Roca.

La historia gira principalmente en torno a un grupo de jóvenes personajes ficticios (criollos, mestizos e indígenas), y trata de
mostrar los conflictos de identidad y discriminación que existían en ese momento y que prevalecen hasta hoy. La trama, que por su
armado simplificado y relativamente predecible parece haber sido diseñada para educar a niños de primaria –pero hay que decirlo, de
primaria de hace 40 años—, hace que sus protagonistas se entrelacen de manera indirecta con los legendarios personajes
independentistas por todos conocidos. Con esto, Kuri tenía la intención de despertar el interés de los pequeños por el episodio histórico
y hacer ver un lado humano, más allá del mito presentado en los libros.
42
Entrevista a Carlos Kuri, el 11 de agosto de 2012.
Héroes Verdaderos (Kuri, 2010) 43
Dato aportado por Kuri. IMCINE reportó 300.
98
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

Ahora bien, tenemos una desconcertante contradicción entre ese concepto y la construcción gráfica de los personajes,
estéticamente muy atractiva, pero absolutamente irreal, presentándolos físicamente fuertes e idealizados cual superhéroes, restándoles
no solo credibilidad, sino también mérito. Y si bien es innegable que la calidad técnica del diseño de personajes y la dirección de arte
llamaron la atención del público en los carteles y trailers promocionales, no correspondió con el resultado visto en el filme terminado. La
película mostró personajes fluctuantes en su diseño y animación, que se desarrollaron varias veces frente a fondos precarios y mal
integrados44.

Sin las restricciones que hubiera implicado una mayor ingerencia económica de IMCINE en el proyecto, la producción echó mano de
una importante cantidad de artistas extranjeros. Kuri trajo al estudio en México –que asegura llegó a las 90 personas— a varios
Carlos Kuri y el animador Ramón Baturoni
animadores y artistas que habían trabajado en estudios como Disney y Sony Pictures. Entre los norteamericanos que reclutó, mencionó en la producción de Héroes Verdaderos
a animadores como Jared Beckstrand –animador de La princesa y el sapo (2009) y otras ocho películas de Disney–, y Jacques
Muller –animador en Quién engañó a Roger Rabbit (1988) y La espada mágica (WB, 1998)–. Con un gran problema de
calendario y los tiempos encima para llegar a la fecha estimada de estreno, White Knight contrató en los últimos meses a un ejército de
animadores en el extranjero. Kuri coordinó a través de Internet la hechura de 45 minutos de la película que se maquilaron en unidades
de Taiwán, Filipinas y Estados Unidos45, lo cual parece derivó en caos general al final. Quizá ésta fue una de las razones por las que la
película sufrió tanto en la integración de un estilo definido, y que la calidad de la animación fuera tan irregular. Así, la película brinca de
una estética disneyana a aviñetadas secuencias de un estilo más ameri-manga, pasando por instantes en que el diseño de los
personajes parecía perder por completo su consistencia.
Héroes Verdaderos (Kuri, 2010)
Resumiendo, la película representa un esfuerzo bastante ambicioso y había creado enormes expectativas en los amantes del
medio y el público en general, pero batalla demasiado durante la hora y media que dura para conservar las esperanzas que creó en
torno a ella. Presentando algunas secuencias y aspectos con un nivel de calidad nunca antes visto en producciones animadas
mexicanas, comete el pecado de presentar muchos errores de factura inesperados, tomando en cuenta el gran número de apoyos con
los que contó para hacerse. El lenguaje narrativo y cinematográfico del filme presenta dificultades para contar la historia de una manera
fluida. Y hay cierto problema en el manejo de los tiempos, que hace que el inicio del filme parezca tomarse mucho tiempo y la resolución
final sea accidentada y parezca más bien inconclusa, utilizando viñetas en movimiento que parece quisieran contar todo aquello para lo
que ya no hubo tiempo.
Animadores en el estudio de Filipinas
Hay que decir que a pesar de la fecha idónea de los festejos patrios y de su clara presencia promocional, la película no tuvo una
respuesta buena en taquilla. Logró recuperar solamente 10 millones de pesos en salas según asegura Kuri46, quien se declaró
satisfecho en parte con los resultados obtenidos (por considerarlos buenos, tratándose de una película histórica dirigida a niños). El
filme se planteó para que pudiera integrarse como un material didáctico oficial en las escuelas primarias por parte de la Secretaría de
Educación Pública, y White Knight propuso que realizaría fichas pedagógicas que pudieran utilizarse en las aulas, pero el asunto nunca
se formalizó.

44
Vázquez, Luis “Héroes verdaderos: ¿Una animación… a la mexicana?”, Enfilme. Cine todo el tiempo [online], México, 2010,
disponible en <http://www.enfilme.com/ciniciados/animacion/resena/Heroes/> [consultado el 12 de agosto de 2012].
45
También trabajaron algunos animadores de Cuba y Argentina. Héroes Verdaderos (Kuri, 2010)
46
El dato de IMCINE indica ocho millones y medio.
99
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Al parecer, mucho del equipo que trabajó en México quedó descontento y con adeudos pendientes, y dado que los resultados de
una producción que se precipitó notablemente al final no dio tan buenos dividendos, parece improbable ver el resto de la trilogía,
aunque Kuri afirmaba que aún mantenía el capítulo de la Conquista entre sus proyectos a futuro. Otro largo para el que Carlos tenía más
avances y perspectivas a mediano plazo era de uno llamado Los Guerreros del Fin del Mundo , que apenas tenía en desarrollo.

Héroes verdaderos sería uno de los 4 proyectos de largometraje que a finales de la década no ofrecieron al medio muy
Tecolotes de Samborns, campaña animada buenas perspectivas de recuperación económica y/o crecimiento de la industria (junto con Nikté, AAA la película, y Brijes 3D ), lo
por White Knight (2010) que hizo temer a más de uno que los financiamientos que se habían dado de manera inusitada, pudieran dejar de fluir.
Afortunadamente, los dos años siguientes brindarían mejores dividendos y perspectivas (al menos en lo económico).

IMAGINATION FILMS
Imagination Films es un estudio de animación que se fundó en 2007 especialmente para realizar la película Historia de un
gran equipo (luego llamada Z-Baw, Grandes amigos (2011)), la cual comenzó a hacerse desde 2005. El estudio y la película
nacieron de la iniciativa de Ricardo Gómez Villanueva, profesional de publicidad y marketing que trabajaba como creativo de la empresa
Coca-Cola, y que previamente se había involucrado con el mundo del cómic, publicando una historieta llamada Ransom 4 .

Con la ilusión desde varios años atrás de hacer una película animada, y con mucha visión de venta y capacidad para levantar
productos, Ricardo comenzó a trabajar el guión de la película y a buscar fondos para realizarla. Para obtener el estímulo fiscal 226 de
EFICINE (de 12 millones de pesos), fundó el estudio Imagination Films, y ahí reclutó animadores 3D que habían trabajado para los
estudios más reconocidos de publicidad y eran ganadores de varios premios por sus comerciales (aunque luego descubriría que tener
ese equipo de artistas no era garantía directa para hacer un buen largometraje, ya que éste maneja una estructura y naturaleza
completamente distinta).

En un desgastante proceso de aprendizaje de prueba y error, la película pasó por tres intentos de realización distintos. La primera
vez, se realizaron 18 minutos animando en 3D digital cuadro por cuadro, a la manera que lo hacen estudios especializados como Pixar.
Sin embargo, la etapa no funcionó porque el armado cinematográfico era mucho más elaborado que el de publicidad. Al ver que no
funcionaba, Ricardo decidió adquirir en 2008 tecnología de motion capture, la cual captura los movimientos de actores reales para
Z-Baw (Gómez, 2012) trasladarlos directamente a los personajes. Esto abarató significativamente sus costos y tiempos de animación, pero paradójicamente
esta técnica suele brindar un feeling artificial a la animación resultante, y más aún si no se afina después con el cuidado debido. Así se
animó la película en una segunda etapa, y se logró una mayor cuota de tiempo animado, pero en 2009 se dieron cuenta que la historia
no funcionaba, siendo poco interesante.

Al no ser cineasta, y carente de conocimientos técnicos y de lenguaje cinematográfico, Gómez decidió contratar a Genaro
Peñalosa. Este joven comunicólogo neófito en la animación que estudió la carrera de cine, fue contratado para ayudarle a rearmar la
historia como co-director. A esas alturas, y ya en plena etapa de animación, se regrabó un 20% de la totalidad de los diálogos que ya
estaban completamente hechos, y con esto se trató de rehacer una historia más dinámica y entretenida. Al respecto, Peñalosa
mencionó: “Si las bases y los pilares no están sólidos, es muy difícil después intentar parchar todo, así que la película se siente mucho mejor, pero sí
se notan los parches.”
Z-Baw (Gómez, 2012)

100
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

Igualmente, Genaro se encontró en plena producción con limitantes del área de animación que desconocía. Por ejemplo, descubrió
que sus personajes no podían caminar más de 3 pasos; los close-ups estaban restringidos porque la textura no tenía la calidad
suficiente para verla de cerca; y a veces tampoco se podían hacer planos muy abiertos porque el escenario estaba vacío, y no había
extras. La batalla de ir aprendiendo, retrabajar simultáneamente el guión y animar ajustando lo ya hecho, dio lugar a un resultado que
se sintió poco acabado y deficiente para los estándares usuales que se ven en películas 3D hechas fuera de México. El director dijo:
“Lejos de lo que yo pretendía, que era como realmente generar una historia que funcionara y que fuera entretenida y divertida, lo único que nos
quedaba era que funcionara lo mejor posible ¿no?, lo otro ya no lo podíamos alcanzar, porque los cimientos no eran sólidos” 47. Añadido a esto, en Z-Baw, Mejores amigos (Gómez, 2012)

2009 empezó la moda del 3D estereoscópico, y convencidos que nadie vería la película si no la hacían con efecto 3D, ni tendrían opción
de distribuirla en el extranjero, se rehizo el render para hacerlo estereoscópico duplicando así tiempos de postproducción.

La productora del estudio Marya Saab explicó al respecto:


“Estábamos en terrenos que no conocíamos, entonces fueron dos años de estar como ciegos, hasta que llega la ayuda de Genaro, en donde ya
empieza como a salir adelante la historia y ahí empieza la producción… No tiramos a la basura dos años, porque aprendimos… pero tenemos un
retraso por el aprendizaje, porque fuimos la primera película que se aventó como el borras a hacer proyectos de 3D”.48 Z-Baw (Gómez, 2012)

Z-baw … terminó siendo de hecho la tercera película estrenada en estereoscopía. Los personajes se modelaron con el software
Modo, y la captura de movimiento y la animación se hicieron con Motion Builder y Maya, rendereándose con Mental Ray. La película, a
pesar de ser la primera trabajada por la nueva distribuidora Candybox, salió con 446 copias en el país. Se estrenó el 16 de marzo de
2011 y recaudó casi 10 millones de pesos de los estimados 40 a 45 millones que costó. Más allá de la polemizada calidad de la
película, la productora Marya Saab asegura que la baja recuperación se debió principalmente a que los exhibidores bajaron la película en
la segunda semana de exhibición de un número enorme de salas, debido al estreno del blockbuster Los Juegos del hambre (2011).
Esto a pesar de que abrieron en la primera semana con un relativo buen ingreso de cuatro y medio millones de pesos49.

Llama particularmente la atención que la película tomara tanto tiempo en su realización y estreno desde que recibiera el estímulo
fiscal 226 (5 años atrás) sin tener problemas con IMCINE. Saab explicó que les ayudó un replanteamiento retroactivo que hubo en los
estatutos EFICINE en 2009 respecto a los tiempos de entrega. Esto moderó sus retrasos y problemas de aprendizaje, y les permitió
negociar entregas que llegaron a cumplir cabalmente. Para el siguiente proyecto del estudio, no obstante, trabajarían netamente con
capital privado.

Para esa segunda película, que se empezó a preproducir desde finales de 2007 y aseguraron estaba por terminarse, reincidía el Alley of Dreams (En producción)
problema de que los diálogos ya estaban grabados cuando Peñalosa se involucró como co-director, y otra vez debió ingeniárselas para
hacer con ellos una nueva historia. En 2011 se replanteó el guión, a la vez que se capturaban las actuaciones y se animaba, todo al
mismo tiempo. Titulada tentativamente como El callejón de los sueños (Alley of dreams) , el argumento, al igual que en Z-
Baw ... era de Ricardo Gómez, y el guión de Genaro Peñalosa. La historia se desarrollaba a inicios de la Segunda Guerra mundial, y

47
Entrevista a Genaro Peñalosa, co-director de Z-Baw, y Marya Saab, prod. general de Imagination Films, el 9 de julio de 2012.
48
Idem.
49
Por citar un ejemplo cercano, Saab afirma que Las aventuras de Tintin (2011) de Steven Spielberg había abierto con 4 millones Alley of dreams (en producción)
novecientos mil pesos.
101
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

narraba la historia de dos hermanos de Southampton Inglaterra que son enviados por sus padres a un orfanato en Nueva York para
protegerlos de la guerra, donde conocen unos vagabundos de características mágicas.

Fue hasta la tercera película, titulada tentativamente El Príncipe Dragón , que Imagination tomó la resolución de no empezar la
realización hasta estar seguros de contar con un guión sólido. Sin fecha de estreno, Alley of dreams se esperaba terminar de
posproducir en octubre de 2012, y El Príncipe Dragón estaba en etapa de preproducción.

LO COLOCO FILMS
Este estudio se creó especialmente para hacer la película Ana , y hasta el momento no había hecho ningún otro trabajo externo o
publicitario –ni tenían plan de hacerlo, salvo para obtener fondos para realizar el largo–. Para el nacimiento de Locoloco, un evento
importante fue una reunión que tuvo lugar en el Festival Internacional de Cine de Morelia de 2004. Lourdes Villagómez había ido a
presentar en cine su corto Síndrome de Línea Blanca (2003/2005), y durante el festival hizo una denuncia de manera pública y en
voz alta: Expuso la necesidad de nuevos apoyos a la animación mexicana, dado el abandono que IMCINE había hecho del medio, y
destacó la labor de Pablo Baksht en ese instituto algunos años atrás, para impulsar el cortometraje mexicano. Baksht, que formaba
parte del comité de organización del Festival, se enteró y se sentó a platicar con Lourdes y con Carlos Carrera, ganador en ese festival
con el corto De Raíz (2004). En esa reunión, acordaron que buscarían inversionistas y fondos para promover la creación de una
fundación que brindara apoyos de formación, de producción y difusión de la animación en México, y Pablo Baksht planteó como una de
las primeras acciones la producción de dos películas.
Ana y Bruno
Cuando comunicaron esta iniciativa, tuvieron el respaldo inmediato de Soumaya Slim, una inversionista bastante fuerte, pero poco
después les informó que no le sería posible apoyarlos. De esta manera, optaron por dejar lo de la fundación para un momento posterior,
y Pablo decidió arrancar con las películas. Al inicio, la idea fue que Carlos Carrera y René Castillo manejaran cada uno una historia y un
guión personal. Carlos trabajó por un tiempo una historia posapocalíptica acerca de una banda de niños y una vaca, y un señor rico que
se roba las almas, titulada tentativamente Los ladrones de almas . René por su parte, comenzó a trabajar su propio guión por cerca
de un año, y Pablo le pidió que se lo dejara revisar a un escritor amigo suyo, llamado Daniel Emil.

Tras revisar el guión de René, además de una corrección del mismo, Daniel le pidió a Pablo Baksht la oportunidad de proponerle
una historia nueva, y en enero de 2006 le entregó un texto de 18 páginas que era el de una historia titulada Ana . Pablo quedó
Carlos Carrera (Foto: Oscar Juárez)
maravillado con la propuesta.“Yo había leido muchos guiones, tanto en Altavista, como en Anhelo [producciones], como en IMCINE; miles y miles
de historias, y cuando leí ésta, me sorprendió, dije “wow, esta es una de esas historias que te encuentras una en un millón”, un garbanzo de a libra,
como le llaman”.50 Fue así que Baksht le propuso a René tomar la propuesta de Emil, y ante ciertas reservas de Castillo, este aceptó.
Después de un año de trabajar juntos el proyecto, y tras una fuerte discusión por cuestiones de financiamiento, Pablo pagó a René por
sus servicios y éste decidió hacerse a un lado. Tiempo después, Baksht le propuso a Carlos Carrera que tomara el proyecto de Ana ,
cuyo guión también le había gustado bastante. De esta manera, Carrera decidió tomar el proyecto en 2007.

Poco después, hubo algunas pláticas muy cercanas con Guillermo del Toro para asociarse al proyecto, a quien la historia le pareció
igualmente con mucho potencial, pero éste no pudo por acuerdos de contrato que asumió con Disney. Por ese entonces, Carlos Carrera

50
Preproducción de Ana en Lo Coloco Films Entrevista a Pablo Baksht, el 30 de mayo de 2012.
102
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

se enfrascó en plena producción de dos proyectos de largometraje de ficción. Debido a esto, la entonces productora en línea de Ana ,
Lourdes Villagómez, sugirió que Enrique Navarrete entrara como codirector del proyecto. Navarrete había trabajado en Dreamworks y
dirigía el estudio de animación publicitaria Los Hijos de su Madre, así que Lourdes consideró que podría apoyar a Carrera con su
experiencia como animador digital, además de que la película se podría hacer con el apoyo de su estudio.

Después de que Navarrete presupuestó y negoció con Baksht las cuestiones de producción y levantamiento de la película, a Pablo Still de secuencia piloto de Ana
le pareció que la propuesta era bastante accesible, y consiguió rápidamente el dinero con subsidios del estado y algo de capital privado.
Pero durante ese inter en que Carrera estaba filmando, Andrés Palma, uno de los colaboradores que entraron al equipo de producción,
le dijo a Baksht que el presupuesto no estaba bien planteado y que con él no lograrían los estándares de calidad que realmente
deseaban. Enrique Navarrete menciona que tras diferencias con Pablo Baksht (unas creativas, por manejar un estilo visual distinto al de
Carrera, otras de financiamiento, ya que no quiso comprometerse en un proyecto cuyos fondos no estaban aún concretados)51, se retiró
del proyecto, aunque algunos miembros de su estudio, como Adolfo Díaz y Alejandro Solórzano, decidieron permanecer en Ana .
Stills de secuencia piloto de Ana
Una vez que Navarrete salió, y sintiendo que no había otro estudio que pudiera producir este proyecto tan ambicioso en 3D,
Baksht decidió comprar equipo y software, y establecer Locoloco Films como productora y estudio de la película. Llevó luego el proyecto
de Ana al Festival de Cine Animado de Annecy, donde obtuvo el apoyo de proyectos en desarrollo, y también fue recibido en Cannes,
Francia. Vió entonces opciones de coproducción con el estudio Mac Guff de París (realizadores de Mi villano favorito (2010)) pero
sus costos eran muy altos. También buscó planes de coproducción en Canadá y Estados Unidos para financiar la película, pero las
condiciones eran muy desiguales y los costos se disparaban demasiado si trabajaban una parte en el extranjero. Entonces Alejandro
Still de Ana, en producción
Solórzano, —productor que había trabajado en Los Hijos de su Madre— le aseguró que ya era posible juntar el talento creativo
necesario en México, así que optó por continuar tratando de hacerla en el país.

Locoloco contrató gente en 2009, en marzo se reintegró Carlos Carrera ya de lleno en el proyecto, y Marec Fritzinger llegó como
director de arte. Un año después, se presentó una impresionante secuencia piloto en el XXV Festival Internacional de Cine de
Guadalajara, creando un gran impacto y expectación en el público, expectación que se mantiene hasta la fecha de este escrito, ya que en
verano de 2012 se frenó la producción, por falta de fondos. Baksht seguía buscando los financiamientos alternos que le hacían falta
para completar y descongelar los apoyos ya aprobados por IMCINE, aunque el recabar 10 millones de dólares para una película animada
mexicana sería algo realmente inédito. Alejandro Solórzano, Marec Fritzinger,
Silvia Pasternac, Carlos Carrera y Pablo
Baksht en presentación del FICG (2010)
GRUPO ES COMIC! (antes ESCOMIC!) (Foto: Oscar Juárez)
Empresa que remite sus inicios a 1993 en León Guanajuato, se especializa en el diseño de personajes de identidad y sus
aplicaciones y derivados, como son la ilustración, diseño de impresos y animación. Se conformaba en 2012 por 16 colaboradores con 4
socios principales: Los diseñadores gráficos Francisco Javier de León Murillo, Gastón Ortiz Gutiérrez, y Horacio Hernández Galván52,
egresados todos de la Universidad del Bajío (UBAJ, hoy Universidad La Salle Bajío) así como el Ingeniero con maestría en electrónica y
también animador, Miguel Angel Martínez Castillo.

51
Entrevista a Enrique Navarrete, el 16 de enero de 2012.
52
Gastón es también pintor y Horacio comenzó como realizador de tiras cómicas y creador de personajes haciendo cartón
político para el periódico El Sol de León cuando tenía solo 15 años.
103
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Juntados en la universidad debido a su interés por leer y hacer cómics, los tres diseñadores crearon la revista escolar La Iguana .
Para promoverla, en 1995 organizaron un pequeño encuentro de historietas llamado EsComic!, programando conferencias, y
conectando con algunas personas del ámbito “le pusimos así para explicar a la gente que todo lo que habría ahí tenia que ver con el cómic”
comenta De León.53

Su brinco a la animación fue en un encuentro de video independiente organizado por una productora de video llamado
Salamandra. Ahí conocieron a unos ingenieros veinteañeros de Salamanca llamados Miguel Angel Martínez (que luego se convertiría en
su 4º socio) y Ramón Salas, quienes tenían un proyecto de animación tradicional 2D llamado El pollo portentoso . Igualmente
conocieron a un animador de la vieja guardia que les dió un primer acercamiento a algunas cosas de animación. En ese lapso (1997)
El Pollo Portentoso (Martínez, 1997)
les concedieron el apoyo local de Estímulo a la Creación de FONCA para realizar un corto de animación clásica, La leyenda del
callejón del Beso , del cual se realizó el guión, storyboard y se llegaron a animar cerca de 2 minutos, aunque el corto nunca se
terminó. Fue así que el grupo de estudiantes laboraba a la vez alrededor de 3 proyectos: El estudio Cuarto de siglo, con el que hacían la
animación; El Ático, que era un cómic de autor; y la conocida Iguana, cómic de humor.

Para cuando los muchachos concluyeron la carrera y hacían su última convención de cómics, corría ya el gobierno de Vicente Fox
en Guanajuato, y el encargado de comunicación social de la Comisión Estatal del Agua, Rafael Jacinto, fue a la única tienda de cómics en
León que había entonces, Asylum Comics. Su razón era encontrar quién podría hacer una historieta promocional para su dependencia. El
encargado sin dudar mencionó a los chicos que realizaban las convenciones de cómics, y es así que surge a finales de 1997 el proyecto
Hidrokids, vigilantes del agua Aqua . Para éste, realizaron una historieta y una animación tradicional de 2 minutos. El corto era una aventura con los personajes del
(EsComic, 1998) cómic Hidrokids, vigilantes del agua , y tenía el objetivo de promover la cultura del agua en el público infantil y juvenil. Con este
proyecto, el colectivo decide unir sus tres divisiones en una sola empresa, y conservar el nombre del evento de cómics que los había
dado a conocer, fundando Es Comic! S.A. de C.V. De León afirma que “Este proyecto nos dio una buena patada de inicio, que nos fue llevando
hacia otros proyectos”54. Con los mismos personajes de Hidrokids trabajaron también en la imagen del festival para niños Papirolas,
organizado por la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, y que el gobierno estatal llevó a León. Y tiempo después, también
realizarían un comercial animado para promover dicho festival.

A partir de esto consiguieron mayores encargos para diseño de personajes, ilustración e historietas, aunque el trabajo de
animación era aún algo demasiado inexplorado por los clientes y por ellos mismos. Sin escuelas de animación a la vista, el estudio
Comercial de festival Papirolas de aprendió viendo películas, tutoriales y libros55. En 2000, Miguel Angel Martínez ganó el apoyo de FONCA de Creadores con Trayectoria,
Guadalajara (EsComic!, 2000)
el cual le permitió desarrollar el proyecto El Arte Perdido ante el Umbral , que constaba de 3 cortos animados con duración total
de 10 minutos.

En 2002, hicieron unas cortinillas animadas para la premiación de las diversas categorías del Festival Expresión en Corto de
Guanajuato. Los clips eran de corte cómico –como ha sido generalmente la línea del estudio– y por ejemplo, para la categoría de mejor
53
Entrevista con Fco. Javier De León, fundador de EsComic!, el 14 de noviembre de 2012.
54
Idem.
55
Villagómez, Cynthia, “EsComic! de León, una empresa en movimiento”, Revista Interiorgráfico de la División de Arquitectura,
Guerreros Samurai, cortinilla de premia- Arte y Diseño de la Universidad de Guanajuato, 26 de agosto de 2009, <http://www.interiorgrafico.com/articulos/41-septima-
ción del Festival Expresión en corto (2002) edicion-agosto-2009/114-escomic-de-leon-una-empresa-en-movimiento> [Consultado en agosto de 2011]
104
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

director, presentaban la lucha de dos samurais que quieren pelear y terminan besándose. Los clips gustaron y se pasaron del 2002 al
2004, y ganaron un premio en Pantalla de Cristal y en un festival independiente Nueva York, entre otras muestras. En 2004, EsComic!
hizo el diseño de cerca de 300 personajes para las 2 temporadas de la serie animada de TV Azteca Descontrol 56. Para 2006 y 2007
realizaron para el estudio Animex 2D 20 minutos de animación en rough para su película La Leyenda de la Nahuala (2007). En
2009, bajo coordinación y supervisión general de Miguel Angel Martínez, elaboraron con 15 animadores 40 minutos de animación para
el largo Nikté (2009), esta vez interviniendo en layout, animación y también coloreado de las escenas.

En 2008 realizaron, para una exposición itinerante del Museo de Ciencias Explora, un video didáctico de casi 6 minutos titulado
Colapso de energía , que por medio de un trepidante encuentro de lucha libre, enseña a los niños la naturaleza e importancia de las
fuentes renovables y no renovables de energía, y su consumo responsable. El corto maneja un estilo visual que recuerda series como Diseño de personajes para la serie
Descontrol (TV Azteca, 2004)
Las Chicas Superpoderosas (1998-2005) o las aventuras de Mucha Lucha (2002-2005), de Cartoon Network. Buscados en
gran medida por su trabajo especializado en creación de personajes de identidad de marca, la empresa ha creado personajes a partir
de cero, y ha actualizado otros, como el caso de los personajes de Calzado Coqueta, creados hace más de 40 años, y para los cuales
hicieron su primer comercial publicitario de proyección nacional en 2009.

En 2010 y 2011, para La Revolución de Juan Escopeta (2011), tercera película de Animex, realizaron 40 minutos con los
mismos procesos que en Nikté , pero haciendo además compositing de las escenas. Igualmente colaboraron con varios ilustradores
reconocidos en la edición de una serie web de 5 cómics que narraban la historia previa a la película, y que se publicaron en línea.57
Animación en rough trabajado para La
Para estas alturas, constituidos como un estudio con una importante producción de material animado para diversas empresas a leyenda de la Nahuala (Animex, 2007)
nivel nacional, Es Comic! se valió de Internet y las redes sociales para darse a conocer al resto de la república y el extranjero, lo que les
permitió absorber más y diversos trabajos de empresas de todo tipo, pero en 2011, el estudio pasó por una experiencia complicada.
Realizaron para el estudio DreamSky la introducción de la serie de los juegos panamericanos de Guadalajara 2011, Escuadrón 2011,
el origen del fuego , así como un capítulo. Originalmente, habían firmado contrato por 7 meses, y planeaban también colaborar en la
realización de la película, pero ante los múltiples atrasos y problemas de producción y de pago de parte de Dreamsky, EsComic! se retiró
del proyecto. Según menciona De Léon, los problemas generados por la falta de pago de cara a su propia plantilla de trabajadores
estuvo cerca de costarles la desaparición del estudio.
Colapso de energía (EsComic!, 2008)
Pasado este trago amargo, trabajarían en labor de coloreado de personajes y algunos pequeños retoques de animación para la
película de Ánima Estudios El Santos vs. la Tetona Mendoza (2012). En 2012 también trabajaron para Amparín Serrano,
creadora de la marca Distroller, haciendo un corto de 3 minutos de animación cutout digital llamado Chico Zapote , así como uno de
12 minutos titulado Una historia Guadalupanísima , que se distribuirían por Youtube. Además, realizaron por un breve tiempo labor
de intercalado para la serie El Chango y la Chancla (2012-2013) del estudio Brinca de Valle de Bravo, dirigida por Carlos
Hagerman y Jorge Villalobos.

Edición para serie de cómic web sobre


56
La primera temporada fue animada por un estudio colombiano, y la segunda por el estudio Animex 2D, de Ricardo Arnaiz. La Revolución de Juan Escopeta
57 (Es Cómic!, Animex, 2011)
En la dirección <www.juanescopetacomic.com>
105
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Hasta la fecha, Grupo Es Comic! continua trabajando materiales animados en una gran diversidad de plataformas (cine, video,
internet) en las áreas publicidad, material didáctico, y entretenimiento. Con trabajo serio y comprometido, esperaban seguir aportando
cada vez en mayor medida al impulso de una industria animada más sólida, con un ambiente colaborativo, y de sana competencia que
permitiese aumentar al fin el nivel de calidad en nuestro país.

GRUPO PROAN (PROYECTOS ANIMADOS) DE MONTERREY, Y LA PELÍCULA DE PEPITO


Para fines de la década, a Francisco Santos Elizondo, empresario y director de Consorcio Santos de Monterrey (y familiar de “Don
Chico Zapote (Es Cómic!, Distroller, 2012) Galleto” Alberto Santos, fundador de Gamesa), le surgió el interés por hacer un largometraje sobre el personaje de Pepito, el de los
cuentos. De esta manera, fundó Grupo PROAN (Proyectos Animados) y en 2009 consiguió, a través del estímulo fiscal de la ley 226 de
EFICINE, apoyos de 20 millones de pesos de las empresas Lala y Soriana, y buscó un estudio de animación con el cual realizar dicho
proyecto, que se cotizó inicialmente en 25 millones. Acordó así trabajarlo con Animex del poblano Ricardo Arnaiz, y contrató en
Monterrey un pequeño grupo de apoyo para web, para realizar la página del proyecto.

Pero desde el inicio, esta película pasó por numerosos replanteamientos y problemáticas. Para empezar, Francisco Santos tenía
mucha indecisión sobre cómo debía ser el personaje, y se pasaron por 7 versiones distintas de guión y de cambios en el personaje de
Pepito. Finalmente, para mediados del 2011, habiendo hecho ya el 70% total del proyecto y 50% de animación en rough, Animex
decidió que no podía volver a comenzar desde cero, así que se desligó del proyecto58.

Entonces, Santos lo delegó al grupo de apoyo web que tenía en Monterrey, y contrató a más gente local, de Chihuahua, y de
Torreón, llegando a emplear a cerca de 60 personas. El nuevo equipo comenzó a hacer la película, también en 2D digital. Ya en la
marcha, se pensó que era mejor hacer la animación 2D con escenarios 3D, y finalmente se tomó la resolución de que se haría toda en
3D, con el software Maya. Todos estos cambios y la falta de un plan de producción estable provocaron que el financiamiento de EFECINE
se fuera acabando, hubo una crisis en el proyecto y el estudio frenó por afirmar quedarse sin capital, despidiendo sin liquidación a
muchos de sus artistas59.

Para diciembre de 2011, Martín Alexander Arenas, un miembro del equipo que permaneció, propuso armar el concepto con el
software libre Blender. El proyecto se replanteó entonces desde cero, con nueva inversión privada desligada ya del EFICINE 226, con un
Evolución y versiones del personaje de
Pepito (PROAN)
arte conceptual totalmente renovado, y esta vez con más formailidad en su plan de producción. La dirección la tomó el ingeniero Aizar
Vázquez, quien había sido productor de efectos especiales para la película de ciencia ficción Seres: Génesis (2009). Para adaptarse
al nuevo calendario y plan de producción, Aizar decidió trabajar parte de la animación a distancia, con animadores freelance de diversas
partes del país, Colombia y Canadá. La última versión de la historia narraba que Pepito se ve accidentalmente involucrado en la
desaparición de la máscara de Moctezuma cuando ésta es llevada a su escuela. Debido a ello, su maestra consentida se mete en
problemas, así que el travieso y audaz niño buscará al responsable, para poder salvar a la futura madre de sus hijos. La película se
encontraba hasta el momento en producción, con la idea de terminarse para 201360.

58
Entrevista con Jorge Antonio Treviño, animador de Grupo PROAN; el 17 de agosto de 2012.
59
Martínez, Perla, “Protestan… y no es chiste”, El Norte, 21 de agosto de 2011, Monterrey, consultado el 17 de enero de 2013 en
Still de Pepito, la película, en producción <http://www.elnorte.com/gente/articulo/643/1284175/>
(PROAN) 60
Entrevista con Aizar Vázquez, director y productor del largometraje de Pepito, el 22 de agosto de 2012.
106
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

ANIM-ART y ANIMACIÓN2D STUDIO


Poco es lo que el público ha podido saber del trabajo emergido del estudio del animador Fernando Ruiz, director de la primera
película animada mexicana en la historia, desde el año 2000. Inició el siglo acarreando varios problemas financieros de proyectos que
había realizado su empresa Productora Mexicana de Animación (PROMEXA) en asociación con Adalberto Gallo. Principalmente, el de la
serie histórica-educativa para la SEP Cuautli , del que solo trabajó tres capítulos de lo que estaba planteado como una serie de 30, y
sólo terminó el primero, titulado La Señal (1997), que narraba la peregrinación de los aztecas hasta su llegada a Tenochtitlán61.

Asociado todavía con Adalberto Gallo, Ruiz cocinaba dos proyectos en 2001: Balam, el príncipe maya , basado en un cuento
del mismo Fernando, y del que realizó un trailer de 8 minutos entre 2001 y 2002. El otro fue El Peregrino , una historia que narraba
la vida de Juan Pablo II. De estos dos, Fernando Ruiz asegura que presentó en ese entonces al representante de Disney Latinoamérica
los avances que llevaban de Balam..., y que quedó tan interesado que deseaban patrocinar el proyecto, siempre y cuando no superara
los 3 millones de dólares. Pero su socio Adalberto se aferró a cotizarlo en 7 millones, motivo por el cual perdieron la oferta62, y Ruiz y
Gallo rompieron así su sociedad. Fernando decidió entonces retomar el nombre original de su estudio: Anim-Art producciones (Animacio-
nes artísticas), y guardó los proyectos de Balam y El Peregrino en archivo, los cuales no retomaría hasta casi terminada la década.

En 2003, trabajó el proyecto de un cortometraje de 24 minutos del cuento El Príncipe Feliz de Oscar Wilde, que más adelante
propondría como parte de una trilogía que pretendía sacar al mercado en video. Eso sería con otras dos historias de Wilde: El Gigante
Egoísta y el Fantasma de Canterville. Ruiz terminó la animación de El Príncipe Feliz en octubre de ese año, e inmediatamente El príncipe feliz (Ruiz, 2003)
también realizó un trailer de 5 a 6 minutos de El gato con botas de Charles Perrault, pero luego el proyecto se estancó. Con los
años, la optimista –pero aparentemente infactible– idea de Ruiz ya era producir toda una colección de cuentos clásicos, con triadas en
DVD de Charles Perrault, Hans Christian Andersen y los Hermanos Grimm. “Lo que pretendemos es rescatar para los niños gran parte de la
literatura universal infantil, porque los niños ya no la conocen” 63, mencionó el veterano realizador. Sin embargo, cuando se escribió este
texto, al parecer solo se había trabajado algo de producción de El Gigante Egoísta y El Ruiseñor de Hans Christian Andersen, y el
proyecto seguía siendo sólo eso.

Animación 2DStudio
En 2008, Raymundo Juárez, una persona que había trabajado con Fernando Ruiz en cuestiones digitales de animación, lo invitó
para dirigir y levantar juntos un proyecto de largometraje sobre el tlatoani Nezahualcóyotl, bajo el sello Animación 2D Studio. Interesado
por la idea de hacer un largo que contaría a los niños sobre la historia de México, Ruiz accedió. El proyecto se tituló como
Nezahualcóyotl, La gran historia, y narraba la vida del llamado Rey Poeta desde su nacimiento hasta su ascenso al trono,
pasando por su huída, ante la amenaza de ser asesinado. El proyecto se presentó a IMCINE a través de FIDECINE, mostrando a Ruiz Dibujo de El gato con botas (Ruiz, 2003)
como director del filme, y fue aceptado. Pero debido a diferencias sobre lo que sería el control financiero del presupuesto, Fernando
estuvo solo tres meses. Ruiz afirma que decidió desligarse cuando Juárez le dijo que quería hacer la mitad de la producción en el
extranjero64 (parte de la producción se mandó a hacer a Corea).

61
Aurrecoechea, Juan Manuel, El episodio perdido, Cineteca Nacional, 2004, p. 122.
62
Entrevista a Fernando Ruiz, 7 de junio de 2012.
63
Idem.
64
Idem.
107
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Desde ese momento, Raymundo Juárez asumió la dirección, comprometiéndose a hacer la película en tan solo un año, y entregar
en 2010. Para el proyecto llegó a integrar gente de experiencia y de confianza de Fernando Ruiz, como Beatriz Herrera, Luis Vázquez y
Alejandro Reyes, pero varios dejaron el proyecto por lo alejado que se encontraba el estudio del DF, cerca de Tecamachalco.
Animadores relacionados declararon que contrató a varios familiares suyos y a estudiantes muy jóvenes sin experiencia para trabajar en
el proyecto. En 2011, al no estar terminado el filme, FIDECINE interpuso una demanda legal al director, el cual objetaba que no había
podido terminar la película porque la ex-titular del área sólo le había entregado poco más de 2 millones de pesos de los 6 prometidos.
La película se valuó en un total de 20 millones de pesos65; y hasta la fecha, aún no ha sido presentada.
Nezahualcóyotl, La gran historia (Juárez)
Regresando a Fernando Ruiz, tras quedar fuera de Nezahualcóyotl , decidió retomar el proyecto de Balam , el cual metió tres
veces consecutivas a consideración del apoyo de FIDECINE, pero fue rechazado en todas. Para 2012, Ruiz aseguraba haber encontrado
un inversionista europeo que había visto su película Los 3 reyes magos (1976) en una proyección especial en el Festival Animadrid
2008, y que estaba casi listo para echar a andar la etapa de producción. Además, compartió que tras interés y pláticas con un
empresario regiomontano, tenía la intención de realizar un mediometraje titulado El Peregrino y la Virgen . Su idea era retomar su
animación de El Gran Acontecimiento (1981) sobre la historia de la Virgen de Guadalupe, y añadirle 10 a 12 minutos de nuevo
material, retomando también su proyecto de El Peregrino , sobre el Papa Juan Pablo II. La historia incluiría así la llegada del Pontífice
a la Basílica y mostraría la beatificación de Juan Diego y la muerte y beatificación de Wojtyla. Cabe decir que, aunque Ruiz cuenta con un
gran carisma y don de convencimiento para conseguir colaboradores, debido a su balance de proyectos inacabados, es difícil saber si
Nezahualcóyotl, La gran historia (Juárez) alguno de los mencionados se concretará.

Hay que observar que, a diferencia de estudios como Ánima, que ha podido mantener una planta relativamente fija de artistas,
Anim-art se ha mantenido en la pasada década más que nada como una razón social, sin un estudio físico realmente definido. Ésto
debido a lo fluctuante de sus proyectos, y las dificultades de su director para administrar los apoyos que audazmente ha podido
negociar en épocas pasadas. Manteniendo contacto con sus antiguos colaboradores y gente más cercana (varios, famliares suyos), Ruiz
sólo llama y contrata a dibujantes si hay algún proyecto, y mientras tanto la gran cantidad artistas y dibujantes que en diversos
momentos han trabajado con él, van y vienen por distintos estudios o encargos, y varios han formado ya sus propios negocios.

LEGADO DEL TRABAJO CON FERNANDO RUIZ


Concept Art para Balam, el Príncipe Maya Pese al historial incierto que Fernando Ruiz pueda cargar en sus proyectos, hay que reconocer algo: Muchos artistas involucrados
(Anim-art)
en los diversos largometrajes y proyectos que se mencionan en este documento pasaron en algún momento por su estudio, y hallaron
en éste un lugar en el cual formarse, desarrollarse, o bien seguir ejercitando sus capacidades (el Sr. Ruiz afirma que el 90% de los
dibujantes realmente especializados que trabajan actualmente en animación, laboraron para él).66 Así, mencionamos a continuación
algunos de los más relevantes.

Comenzamos con Beatriz Herrera y Luis Vázquez. Ellos formaron su estudio BL Cartoons, han colaborado frecuentemente con
Ruiz y han utilizado a dibujantes que han pasado por su estudio. BL Cartoons colaboró de manera importante con 30 a 40 minutos de
animación de La Leyenda de la Nahuala (2007) de Animex, y Beatriz ganó con su cortometraje de dibujo animado Ponkina en el

65
Huerta, César “Películas mexicanas que buscan sanar sus heridas”. El Universal, Espectáculos, 9 de septiembre de 2011, D.F.
66
Idem.
108
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / PRODUCIENDO PELÍCULAS ANIMADAS A NIVEL NACIONAL

Festival de Cine de Morelia en 2010. Otro caso es Claudio Ortega, quien junto con su esposa Adriana –hija de Ruiz– fundó su
miniestudio-escuela BLAC&Toons, que ha colaborado en encargos publicitarios y sobre todo para impartir clases de animación clásica.
Uno más es el regio Daniel Martínez, brazo derecho y director de producción de Fernando Ruiz en varios proyectos, que tras haber
trabajado con su propio estudio en Monterrey, radica actualmente en el DF. Otro regiomontano y gran dibujante es Luis Manuel
Villarreal, quien trabajó en 2003 en el estudio publicitario Imágica, en la escuela de animación 3D Digital Eunoia (2003-2004), y fundó
en 2005 su propio estudio, Jugando en serio, que imparte también comprometidos cursos de animación, y trabajó cerca de 20
minutos de animación para la película Brijes 3D (2010).
Ponkina (BL Cartoons, Herrera, 2010)
Mencionaremos también a Enrique Navarrete, quien fundó su famoso estudio La mamá de tarzán y luego Los hijos de su
madre 67 . Adolfo Díaz, que trabajó en estos dos estudios; además, dirigió junto con Fernando Ruiz hijo la serie de El santo contra
los clones (2003); y hasta 2012, era también colaborador de Carlos Carrera en el largometraje Ana y Bruno . Héctor Manje, que ha
trabajado desde 2006 en Ánima Estudios y colaboró en Brijes 3D (2010). El dibujante Ismael Linares, colaborador en varios trabajos
de las animadoras Doble A. El animador Ramón Baturoni, que trabajó por varios años en Ánima Estudios en la serie del El Chavo
Animado , en el estudio los Hijos de su Madre y para la película Héroes Verdaderos (2010) de White Knight productions. Alejandro
Reyes, de los pocos que han logrado trabajar animación dibujada para grandes proyectos, a través de pequeños estudios
norteamericanos de maquila. Así, ha intervenido en filmes como Tom y Jerry: La película (1992) de Warner, El Rey León (1994)
de Disney, e hizo efectos especiales 2D para Spirit (2002), de Dreamworks. Hasta 2012, Reyes trabajaba en Cd. Victoria.

Siendo una referencia ineludible del medio animado en México y una voz que no se podía dejar de escuchar, el conocido décadas
atrás como “Disney mexicano” observó sobre los largometrajes realizados en los últimos años que tienen dos grandes problemas: Uno
es la gran cantidad de trabajo que permiten fugarse a estudios extranjeros –que asegura podría hacerse sin problema y con gran
calidad en México—. Y por otra parte, que se ha caído en exceso en la vulgaridad, algo inadmisible en el caso del cine infantil de dibujos
animados, que es el área en que Ruiz ha decidido desde siempre canalizar su trabajo. Secuencia trabajada por el estudio Jugando
en Serio para Brijes 3D
(Ithrax, Santo Domingo Films, 2010)

O en polvo te convertirás
(Jugando en serio, Villarreal, 2011)

67
Más información sobre estos estudios y Navarrete en el apartado Otros estudios con fuerte vertiente en animación
109
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

JALIWOOD, O LA BÚSQUEDA DE UNA INDUSTRIA EN OCCIDENTE


Debido a su importancia y caso particular, decidí dar un lugar especial a la evolución del universo de estudios jaliscienses. Cabe
comenzar apuntando que su gestación, que pretendía estructurar un foco industrial regional independiente del DF, se fue configurando
en gran medida a través de financiamientos federales como el de Prosoft (Programa para el Desarrollo de la Industria del Software) de
la Secretaría de Economía, a diferencia de los estudios capitalinos, que acudieron principalmente a las instancias del IMCINE.

METACUBE, BATALLÓN 52 Y KAXAN


Metacube
Metacube fue fundado en el año 2000 por el tapatío Carlos Gutiérrez Medrano, diseñador gráfico egresado de la Universidad
Autónoma de Guadalajara (UAG), junto con su compañero de la universidad Rubén Darío Pérez Medina, y Jaime Jasso68. Carlos decidió
establecer Metacube tras cuatro años de experiencia ganada trabajando en el área de producción, postproducción, y animación para
una agencia publicitaria, donde produjo más de 100 comerciales. Es así que desde su aparición, Metacube se colocó rápidamente en el
mercado publicitario tapatío. En sus inicios, Carlos se enfocaba en producción, y hacía efectos especiales junto con Jaime Jasso, mientras
que Rubén fungía en labores de diseño y animación de personajes 3D. El estudio se ha distinguido por ser una empresa que busca
trabajar siempre con equipo de vanguardia en tecnología audiovisual (adquiriendo, por ejemplo, el primer sistema de motion capture en
México).

Realizando videoclips y jalando cuentas del DF, Carlos conoció a Roberto Gómez Fernández, hijo de Roberto Gómez Bolaños
(Chespirito), y empezaron a trabajar desde 2002 en la posibilidad de realizar un videojuego y una película del Chapulín Colorado.
Mientras trabajaban dicho proyecto con Gómez Fernández, en 2003 llegaron a generar para él una propuesta en 3D digital de El Chavo
Secuencia inicial de del 8, cuando Televisa lanzó una iniciativa para renovar la licencia de la serie en una versión animada69, pero el área de licencias de la
La leyenda de la Nahuala (Animex, 2007),
animada por Metacube televisora decidió contratar los servicios de Ánima Estudios para realizar la serie por todos conocida, en 2D digital.

Para la película La leyenda de la nahuala (2007) del estudio Animex, realizaron todo el intro 3D de la película, y también
comenzaron a hacer efectos para películas mexicanas de ficción, como Llamando a un ángel (2008). Añadido a esto, hay que
mencionar que mucha de la gente que en los años siguientes fundaría más estudios del ramo en Guadalajara, había trabajado y se había
entrenado inicialemente en Metacube. Los ejemplos más claros son Ricardo Robles, que abrió la postproductora Polar Studio; y Paco
Navarro, Daniel Smith y Francisco Zamudio, que echaron a andar Exodo, estudio de postroducción, efectos especiales y animación 3D.

Surge Batallón 52
En 2007, Carlos Gutiérrez conoció a Ricardo Gómez Quiñones, Ingeniero en Sistemas que trabajaba en IBM y era vicepresidente de
software de la CANIETI70 zona occidente. Éste le explico al director de Metacube el potencial de bajar importantes recursos públicos para
crear compañías y estudios, si estos impulsaban el ramo de la producción creativa con medios digitales. De esta manera, Gómez le

68
Jaime se desarrolló rápidamente y sería eventualmente reclutado por estudios en Estados Unidos como Digital Domain, Blur
Studio (empresa que realiza animatics para videojuegos) y luego ILM, para trabajar como artista de matte painting digital en
películas como Avatar, Ironman 2, Transformers 3 y los Avengers, entre otras.
69
Entrevista a Carlos Gutiérrez, director de Metacube, 3 de mayo de 2012.
70
Cámara Nacional de la Industria Electrónica, de Telecomunicaciones y Tecnologías de la Información. Se trata, básicamente,
de una cámara formada por empresas privadas interesadas en el mercado de la alta tecnología.
110
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / JALIWOOD, O LA BÚSQUEDA DE UNA INDUSTRIA EN OCCIDENTE

propuso unir su conocimiento empresarial con la experiencia creativa y de producción que Carlos poseía, y le compartió su propósito de
fundar una decena de compañías en Guadalajara a través de estos fondos. En 2008 Ricardo asumió la presidencia de la CANIETI, y
Gutiérrez quedó elegido como su vicepresidente de medios interactivos, que consideraba las áreas de multimedia y animación.

Desde esta figura, Carlos Gutiérrez aprovechó el contacto que ya tenía con Víctor Ugalde, funcionario de IMCINE, y platicaron sobre
la posibilidad de levantar un gran proyecto animado que potencializara el semillero creativo del que Guadalajara tenía fama en
animación. Tiempo después, esta idea se ligó a un proyecto de los historiadores Isaac Toporek y María del Carmen Tostado, que
deseaba aprovechar el presupuesto público destinado a los festejos del Bicentenario de la Independencia y Centenario la Revolución
Mexicana. De este modo, nació el proyecto y estudio Batallón 52, que planteó capacitar a un equipo de artistas y animadores para
hacer 52 cortometrajes sobre dichos temas históricos. Carlos Gutiérrez cerró trato con Marina Stavenhagen, Directora de IMCINE, y
Ricardo Gómez se encargaría de conseguir el resto de los financiamientos de parte del estado de Jalisco para completar el presupuesto.
Ricardo Gómez se estableció así como productor ejecutivo del proyecto, encargándose de la parte financiera, y Gutiérrez como productor
general, diseñando el esquema general de entrenamiento y selección del equipo encargado de la capacitación. La serie de cápsulas se
tituló Suertes Humores y Pequeñas Historias de la Independencia y la Revolución , y su producción total se extendió de
febrero de 2009 hasta mediados de 2010. Para conocer más sobre esta producción, consultar su apartado en el capítulo Series.

Centros de desarrollo digital


Desde 2006, se desarrollaron en la zona occidente del país tres complejos enfocados al desarrollo de bienes y servicios
relacionados con los contenidos para medios digitales y la tecnología. Estos se construyeron a instancia de la CANIETI, con Ricardo
Gómez fuertemente ligado a dichas iniciativas. Para este objetivo, se bajaron importantes fondos de apoyo públicos a través de
instancias como del programa Prosoft de la Secretaría de Economía; del gobierno de Jalisco a través del Consejo Estatal de Ciencia y
Tecnología del Estado de Jalisco (COECYTJAL); y el gobierno del estado de Nayarit, así como capital privado.

El primero de estos complejos fue el Centro del Software (2006), importante cluster de empresas desarrolladoras de
tecnologías de la información, microelectrónica y multimedia, situado en el centro de Guadalajara, que tuvo un costo de 60 millones de
pesos. El segundo fue el Chapala Media Park (2010), centro de desarrollo de alta tecnología de producción audiovisual, con un
enorme foro y un edificio diseñado para fines de producción cinematográfica, de animación, videojuegos y tecnologías multimedia. Éste
se presupuestó en 55 millones de pesos y con capital privado llegó a 10 millones de dólares71, y se pretendía convertir en el centro más
Chapala Media Park
importante en su tipo en Latinoamérica, aunque hasta la fecha eran muy pocos los estudios y proyectos concretados en ese espacio,
convertido hasta el momento en un gran elefante blanco72. El otro complejo que se abrió fue el Parque de Medios Interactivos de
la Rivera de Nayarit (2009), con una inversión de 40 millones de pesos73, y que se planeaba como una sede de capacitación y
formación para proyectos como el de Batallón 52.

71
Durán, Cecilia, “Chapala Media Park aspira a ser la meca de la producción audiovisual y multimedia” La Jornada Jalisco,
sección Cultura, Guadalajara, 1º de agosto de 2011.
72
Cabe mencionar que los cortos de Batallón 52 se realizaron principalmente en las instalaciones de la CANIETI en el Centro
del Software. La idea original era comenzarlos ahí y eventualmente trasladar la producción al Chapala Media Park, pero esto no
sucedió por el retraso para terminar de acondicionar el complejo, y su lejanía de Guadalajara.
73
“Inaugura el Gobernador Ney González Parque de Medios Interactivos Riviera Nayarit”, Diario Informativo Gente y Poder, Equipamiento de primera línea para el
Tepic, 31 de julio de 2009, consultado el 30 de julio de 2012 en <http://www.genteypoder.org/nota.php?id=2473> proyecto de Batallón 52
111
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Mencionamos estos complejos porque han sido reflejo de una importante iniciativa de parte de instancias públicas y privadas por
impulsar la zona occidente como productora contenidos de entretenimiento para medios digitales y tecnologías de la información. Y el
eco mediático de esta serie de propuestas se vería coronada en febrero de 2012 con el nombramiento de Guadalajara como Ciudad
Creativa Digital. Éste es un proyecto del gobierno federal que pretendía colocar a la ciudad elegida como capital tecnológica del país,
en una millonaria inversión planeada a diez años.

Todos estos hechos fueron fuertemente de la mano de varios de los contenidos animados producidos en Jalisco en este periodo, y
de los estudios que estamos mencionando. Estudios que buscaban establecer una industria alterna a la que se ha ido formando en el
centro del país.

Kaxan, después Kaxan Media Group


Para principios de 2010, cuando Ricardo Gómez dejó la presidencia de la CANIETI, propuso a Carlos Gutiérrez que se asociaran
para crear un nuevo estudio, que derivara y se nutriera de la gente empleada y capacitada en el proyecto Batallón 52, y trabajara en
conjunto con Metacube. Así, de acuerdo a su plan, Batallón se transformó en Kaxan, y crearían una división llamada Kaxangames, que
ubicó sus operaciones en el Centro del Software y buscaría el desarrollo de videojuegos. A su vez, Kaxan empezaría a trabajar en el
Parque de Medios de Nayarit con el proyecto de un primer largometraje animado: El secreto del Medallón de Jade (2012). Y por
su parte, Metacube realizaría su propio proyecto de largometraje, El misterio de la calavera , y el de El Chapulín Colorado,
utilizando las instalaciones del Chapala Media Park.

Durante ese periodo, Kaxangames negoció con Nintendo la primera licencia de desarrollo de videojuegos wii en Latinoamérica, y
comenzaron a diseñar Fiesta Town , juego de consola basado en las tradiciones mexicanas y los juegos de feria, piñatas, trompos y
baleros. Carlos Gutiérrez hizo uso de su contacto con Roberto Gómez Fernández, y consiguieron convenio para que el videojuego se
adaptara e incluyera a los personajes del Chavo del 8. A su vez, la división también comenzó a explorar el diseño de videojuegos para
ipads y dispositivos móviles.

Kaxan y Metacube toman caminos separados


Pero después de pocos meses juntos en Kaxan, Gómez y Gutiérrez encontraron dificultades para ponerse de acuerdo en las
decisiones, teniendo visiones diferentes sobre cómo llevar el estudio. A Carlos le incomodaba la inoperatividad de las 2 unidades
El Chavo (Kaxangames, 2012) alejadas de Guadalajara (Chapala y Nayarit). Otro detalle, era que Carlos ya estaba más acostumbrado en Metacube a un manejo de
proyectos a partir de inversión privada autosustentable, mientras que Ricardo hacía recaer mucho del peso financiero de los proyectos
en inversión pública, la cual apoyaba a fondo perdido. De esta manera, a fines de 2010 Ricardo Gómez pagó a Carlos por las acciones
que le correspondían y quedaron de común acuerdo en seguir cada quien por su camino, en su interés por cooperar al crecimiento de la
industria.

Carlos se llevó consigo la mitad de la gente capacitada en Batallón 52, y para la segunda mitad de 2012 estaba cerca de terminar
su primera película de 2D digital hecha en Metacube. Ésta se llamaba Buu , y su temática era de Halloween. Metacube continuaba
también con sus proyectos del Chapulín y de El misterio de la calavera , la cual pasaría a llamarse Noche de muertos ,
contando esta última con Juan José Medina y Francisco Rodríguez en el trabajo de guión, y José Carlos García de Letona, vicepresidente
Still de la película Buu!! (Metacube) de Ánima Estudios, como productor asociado. Noche de muertos se planeaba como una historia ubicada en el festejo del 2 de
112
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / JALIWOOD, O LA BÚSQUEDA DE UNA INDUSTRIA EN OCCIDENTE

noviembre y protagonizada por dos personajes basados en los íconos de la Época de Oro del cine mexicano: Pedro Infante y Jorge
Negrete. Además de esto, Metacube comenzó también a hacer efectos para largos estadunidenses, y abrió su propia división de diseño
de aplicaciones.

Carlos también propuso a los estudios en el centro del país que se aliaran para trabajar en conjunto y fundar en marzo de 2011 la
Asociación Nacional de Productores de Animación, Efectos Visuales y Medios Interactivos A.C. (ANPAEM). Ésta se
conformó entre Ánima Estudios, Huevocartoon, Animex y Metacube; y luego se sumaría a ellos en 2012 la alianza jalisciense conformada
por los estudios Kaxan, Gyroscopik y Exodo. A partir de esta asociación, Metacube acordó en colaboración con Huevocartoon el
establecimiento de una división en Guadalajara, facilitándole equipo e instalaciones para realizar su tercera película de huevos en
animación 3D, y para una película de acción viva de vampiros titulada tentativamente The Algola, a real vampire .
Concept art de Dia de Muertos (Metacube)

A la vez que Metacube realizó todo esto, por su parte Kaxan se constituyó como Kaxan Media Group, con sus 3 divisiones
Kaxangames, Kaxancampus y Kaxanstudios. Bajo esta última rúbrica, terminó y presentó en el Festival de Cine de Guadalajara en marzo
de 2012 El secreto del medallón de jade , película co-dirigida por Rodolfo Guzmán y Leopoldo Aguilar, utilizando la leyenda de la
isla de Mezcaltitán en Nayarit como punto de partida74. Inicialmente preproducida en el Parque de Medios Interactivos de Nayarit, esta
película se contemplaba hacer en 2D digital, utlizando el modelo de capacitación de Batallón 52. Pero luego se movió la producción a
Guadalajara, y por cuestiones de ahorro de tiempo y presupuesto, se hizo finalmente en 3D digital con uso del sistema de motion
capture, en un tiempo de apenas 12 meses y con un presupuesto de 22 millones de pesos. La película, que sufre en su acabado por las
limitantes de su novel crew de producción, buscaba todavía distribuidor comercial.

Desde 2011, la mayor parte del equipo de trabajo de Kaxan, incluida la gente de Nayarit, se movió al Centro del Software en
El secreto del medallón de jade
Guadalajara para continuar trabajando ahí sus proyectos. Ese año, el estudio se asoció con René Castillo para realizar juntos su primer (Guzmán, Aguilar, Kaxananimation, 2012)
largometraje animado, el proyecto de Lucas y Poncho Balón , el cual se cotizó en 80 millones de pesos; y en 2012, Kaxanstudios
comenzó a preproducir otro siguiente largometraje: Bruno, héroe por accidente . Kaxangames por su parte, sacó al mercado en
agosto de 2011 el exitoso juego Taco master , que llegaría a convertirse por un tiempo en la aplicación mexicana de Ipad más
descargada a nivel mundial, y para abril del 2012, sacarían finalmente al mercado el juego en wii de El chavo .

Hay que decir que para cuando se cerró este texto, el porvenir de estos estudios tapatíos era incierto, ya que a la fecha aún no se
había visto el resultado de muchos de sus grandes proyectos. Lo que es verdad, es que con la enorme inversión pública y privada que
promovieron en la capital tapatía, se deberían tener grandes expectativas, el problema es que esa inversión pudiera ser correctamente
Taco Master (Kaxangames, 2011)
administrada…

HAINI Y DREAMSKY
Haini
Éste es un estudio fundado y dirigido por Tonatiuh Moreno. Jalisciense interesado desde muy chico por las historietas y la narrativa
visual, Moreno comenzó a los 15 años a publicar junto con su hermano y un primo en un pequeño periódico llamado, precisamente, El
Jalisciense. Ahí realizaba una página de tiras cómicas llamada La Bomba Cómica , en la que trabajó entre 1988 y 1998. Durante ese

74
La selección del tema se debió al apoyo que el gobierno nayarita ofreció en un principio para echar a andar el proyecto.
113
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

periodo, comenzó también a publicar en La Jornada, en la sección de “Histerietas”, unas caricaturas llamadas Los Brujos de
Catemaco (1992-1993). Tonatiuh estudió Ciencias de la Comunicación en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente
(ITESO). Al terminar la carrera, con la curiosidad de dar movimiento a sus monitos, retomó una de sus historietas llamada El Tingo
Lilingo y realizó, basado en ella, un piloto animado de 8 minutos llamado Tortas y lagartos (2002). Ésta sería parte de una
pretendida serie que llamaría La ciudad de los demás , y que propondría a las televisoras75.

Aunque no tuvo ninguna respuesta positiva para dicho proyecto, en el equipo de 8 personas con que trabajó ese piloto conoció a
un arquitecto hábil en la ilustración, llamado Ruy Fernando Estrada. Decidió asociarse con él, y en 2003 formaron un estudio de
animación, al que nombrarían un par de años después Haini. Éste es un término proveniente de la palabra quechua que significa
Tortas y lagartos, La ciudad de los demás “espíritu” (y se puede añadir el dato de que una cultura creada por Ursula K. Le Guin se llama también "Haini").
(Moreno, 2002)
Con una clara inclinación y gusto por el estilo manga y anime, y la colaboración de animadores como Ricardo García, Blanca
Mercado y Erasmo Rodríguez, entre otros, Haini se ha especializado en animación de dibujos animados y diseño de personajes, tanto
para proyectos propios como para distintas empresas. El estudio participó y ganó en 2004 con su corto No tiene sustituto en un
concurso de video lanzado por Canal Once del IPN, cuya temática era “Un día sin agua”. La animación era una parodia tipo infomercial
hecha en animación 2D. También ganaron en Guadalajara los concursos Julio Verne con una historieta llamada Bis (2006), y el
ConComics con una llamada El Revolver eléctrico . En 2006, realizaron un videoclip animado para la banda musical Selectro-on,
titulado Whap and go .

En 2007 Haini participó y ganó en la convocatoria del 7º Concurso Nacional de Cortometraje de IMCINE con la que realizó El
relato de Sam Brennan (2009). El corto se inspiró en una canción en inglés del grupo tapatío Radaid, y es la historia de Sam, un
No tiene sustituto (Haini, 2004) muchacho que trabaja en el pub de su padre, pero sueña con embarcarse y conocer países exóticos y tierras lejanas. Dirigido por
Moreno con un equipo de alrededor de 12 personas, el corto se cotizó en ochocientos cincuenta mil pesos. Siendo apenas el segundo
año desde que IMCINE reabría su apoyo en la categoría de animación, Haini se preocupó por terminar en tiempos establecidos por el
instituto, y agendaron un acelerado periodo de producción de cerca de 8 meses, y otros 2 de post, que le cobrarían cierta factura al
acabado de la obra, y la fluidez de su narrativa. Entre uno de los detalles mencionados por el mismo Tonatiuh, se encuentra la falta de
mayor postproducción, y el descuadre de sync de bocas en las partes de diálogos, ya que originalmente Haini pensó hacerla en inglés,
como la canción que inspiró la idea, pero terminó sonorizándose en español76.

Después de Sam…, Haini trabajó en las películas Nikté (2009) y La Revolución de Juan Escopeta (2011) del estudio
El relato de Sam Brennan (Moreno, 2009)
Animex, donde hizo animación en rough y clean-up de cerca de 10 minutos para cada película.

El mal sueño de DreamSky


En noviembre 2010, el empresario Mario Alberto Ochoa fundó en Guadalajara un estudio llamado Dreamsky, asociado con
Adalberto Flores como director de desarrollo, con el fin de realizar una serie de televisión y una película para los Juegos Panamericanos

75
Entrevista a Tonatiuh Moreno, el 19 de abril de 2012.
76
Idem.
114
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / JALIWOOD, O LA BÚSQUEDA DE UNA INDUSTRIA EN OCCIDENTE

de Guadalajara 2011, que dijeron costaría alrededor de 30 millones de pesos77. En ese entonces, Ochoa como productor general se
acercó al estudio Haini para invitar a sus miembros y comenzar a conformar su equipo creativo para realizar el proyecto. Convenció a su
director Tonatiuh Moreno de que los recursos estaban asegurados con fondos que aportaría el Comité Organizador de los Juegos
Panamericanos 2011 en Guadalajara (COPAG) y la Secretaría de Turismo, y que contratarían a más de 100 personas.

Así, Haini se enroló, al igual que lo hizo la gente del estudio EsCómic! de León Guanajuato, y varios otros animadores
independientes de Guadalajara reclutados para el proyecto. Después de estar por varios meses en pésimas condiciones de trabajo, con
cerca de 70 personas hacinadas en un edificio, y con severos retrasos de salarios, los problemas se acumularon. Se descubrió que el
Equipo de producción de DreamSky
dinero público, supuestamente asegurado, no se había siquiera tramitado, y gran parte del equipo de trabajo –incluido Tonatiuh, que
era el director de animación de la serie—se retiró, mientras otros se quedaron, acumulando deudas de pago.

El joven y novel equipo de producción que se mantuvo, dirigido por la cineasta de acción viva Sharon Toribio, terminó como pudo
10 capítulos de 15 minutos para una serie que tenía contemplados 12 capítulos de 20 minutos. Ésta se tituló Escuadrón 2011: El
origen del fuego , y a pesar del mal manejo de los directivos y lo accidentada de la producción, llegaron incluso a ser transmitidos en
octubre de 2011 en Canal 4 de Televisa Jalisco. Por su parte, el caso del largometraje fue aún menos afortunado. Éste se titularía
Escuadrón 2011:La venganza de los autómatas , duraría 90 minutos y sería hecho también en técnica cutout digital; pero sin
cabeza de mando clara, pasó por varios directores, y casi se terminó, pero nunca hubo una edición final que tuviera salida al público.
Escuadrón 2011: El origen del fuego
Mario Alberto Ochoa recibió igualmente financiamiento de la Secretaría de Promoción Económica del Gobierno de Jalisco (Seproe), (Dreamsky, 2011)
y del fondo federal Prosoft –que en una cotización establecía que Dreamsky Animation Studios S.A. de C.V. tenía en inventario más de
20 millones de pesos en equipo—. Y contaba también con obtener fondos extras de empresas privadas como Scotiabank a través de
estímulo fiscal EFICINE 226, pero dichos recursos ya nunca llegaron.

Así, Ochoa desapareció, quedando en deuda con prácticamente todo el personal, incluyendo productores, animadores y guionistas
–al guionista Jorge Gutiérrez por dar uno de los peores ejemplos, se le quedaron debiendo cerca de 185 mil pesos–78. El equipo de
producción afirmó que el dinero que sí se aprobó fue mal administrado, derrochándose en equipo, viajes y sueldos privilegiados para los
administradores que luego no dieron la cara. La empresa y todo su inventario de equipo desaparecieron sin rendir cuentas a las
instancias públicas, a quienes se aseguró que se brindaría trabajo a una plantilla de 100 personas por al menos un año, cuando en Escuadrón 2011: El origen del fuego
realidad el proyecto se administró en un tiempo inaudito de 7 meses79. (DreamSky, 2011)

Tonatiuh renunció al proyecto de Dreamsky desde abril de 2011, pero Ochoa contrató a los animadores individualmente, así que
Haini como estudio quedó muy lastimado, perdiendo a casi todo su personal. De esta manera, Tonatiuh y Ruy Fernando fueron los
únicos que quedaron de los 10 empleados originales de Haini, teniendo empezar de nuevo de cero para levantarse80.

77
Plascencia, Ángel, “Fraude de película” Reporte Indigo [online], Guadalajara, 7 de septiembre de 2012, disponible en
<http://www.reporteindigo.com/reporte/guadalajara/fraude-de-pelicula> , [Consultado el 7 de septiembre de 2012]
78
Idem. Dr. Driller, villano del filme inacabado
79
Entrevista a Christian Alain Vázquez, 12 de abril de 2012. Escuadrón 2011: La venganza de los
80
Entrevista a Tonatiuh Moreno, el 19 de abril de 2012. autómatas (DreamSky)
115
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

En 2012, Haini trabajaba en el proyecto de un videojuego para dispositivos móviles llamado Chaneques , y en un largometraje de
animación 2D de comedia, aventura y fantasía, titulado tentativamente Fausto, el mago extremo . Su guión relata sobre un mago
poderoso que había industrializado y embotellado la magia, formando un gran imperio y dañando terriblemente la Tierra. Un día Fausto
quiere rejuvenecer, pero se convierte accidentalmente en un niño. Entonces, es expulsado de su empresa, y sin poderes, debe sobrevivir
en el mundo decadente que él mismo ha provocado a costa de su imperio. Hasta el momento, la película tenía un guión que llevaba ya
varios tratamientos y algo de trabajo de preproducción.

Still del proyecto Fausto, el mago extremo


(Haini)

Still del proyecto Fausto, el mago extremo


(Haini)

116
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / OTROS CON FUERTE VERTIENTE EN ANIMACIÓN

OTROS ESTUDIOS CON FUERTE VERTIENTE EN ANIMACIÓN


Ahora hago mención de algunos estudios que, si bien su línea principal sea publicitaria, o que no hayan realizado películas, se les
incluye por su incursión en la realización de producciones que destacaron o con contenidos que fueron más allá de lo estrictamente
publicitario.

IMÁGICA
Imágica es el estudio de animación publicitaria en activo más antiguo de México, fundado en noviembre de 1990 por Gregorio
Nuñez, Patricia García-Peña y el italiano Alberto Binetti. Los tres socios realizaron estudios inclinados hacia los gráficos por computadora
(CGI) en Estados Unidos, Japón e Italia respectivamente; y se conocieron trabajando en el ahora desaparecido Qualli Centro de
Producción (estudio pionero de animación comercial publicitaria en el país, con el primer departamento de animación por computadora).
Imágica, por su parte, es el único estudio de animación publicitaria que se ha involucrado en la elaboración visual completa de un
largometraje animado en México: El gran milagro (2011).

Este estudio ha colaborado en apertura de créditos y animación digital agregada en diversas películas de ficción, extranjeras y
nacionales, como Total Recall (1990, E.U.), Katuwira, Donde nacen y mueren los sueños (1997, España-México), Solo
(1996, E.U.-México), y Por la libre (2000, México). Para esta última, realizaron el primer efecto digital hecho en México para un
largometraje mexicano. Fue en la escena final del filme, donde un pez construido digitalmente se come las cenizas tiradas al mar por los
protagonistas. También se involucraron en trabajos de manipulación digital para los filmes El tigre de Santa Julia (2002),
Temporada de patos (2004), e hicieron 10 minutos de animación en motion graphics para Perdida (2009), un documental que El gran milagro (Morris, 2011)

habla de la historia olvidada del cine mexicano.

Para que El Gran Milagro naciera, e Imágica se involucrara en el filme, el proyecto se gestó de la siguiente manera: Pablo José
Barroso, fundador y presidente de la casa productora cinematográfica Dos corazones Films81, y persona muy espiritual, tenía un libreto
basado en las visiones de una señora muy allegada a él. Éste texto hablaba del significado no percibido físicamente de ir a misa y a la
iglesia. Barroso confió dicho libreto al especialista en guión Luis de Velasco, quien le sugirío hacerlo en cine y con animación 3D digital,
por la naturaleza de las secuencias. Fue así que le contactó a los directores de Imágica, y Pablo se asoció con ellos para producirla.
Inicialmente, el mismo Luis de Velasco estaba contemplado como director, pero por problemas personales, se desligó del proyecto en
cuanto terminó el guión. Así, hubo varios directores en el proceso, y la historia se fue ajustando en el camino. Finalmente, sería el
estadounidense Bruce Morris82 quien tomaría la batuta durante el último tercio de la producción. Izq. a Der.: Alberto Binetti, Gregorio
Núñez, Patricia García-Peña y Bruce Morris
La película se realizó con el software Maya, en formato HD, y a la mitad de la producción, Barroso tuvo la inquietud de hacerla en
3D estereoscópico, para poder verla con lentes especiales. A partir de este giro de timón, el estudio tuvo que replantear el proyecto,
haciendo la segunda película animada estereoscópica estrenada en el país (la primera fue Brijes 3D, de dibujos animados) y el primer
largo terminado en 3D digital. Sin preproducción real, la fase de producción comenzó en abril de 2008, y la película se terminó en
febrero de 2011. Su costo fue realmente bajo para los presupuestos del mercado en esos tiempos, con una cuota total aproximada, de

81
Con filmes de live action de tinte religioso en su haber como Guadalupe (2006) y La Cristiada (2012).
82
Morris es un artista especializado en narrativa que ha laborado para filmes de Disney y varias series televisivas
estadounidenses. El Gran Milagro (Morris, 2011)

117
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

acuerdo a los directores de Imágica, de 25 millones de pesos. Ellos cotizaron exclusivamente el tratamiento del aspecto visual, realizado
por menos de 20 personas, en 11.5 millones de pesos.

Cabe resaltar además, que la película fue animada desde cero, es decir, los demás largos mexicanos hechos en 3D digital han
utilizado captura de movimiento con actores reales (motion capture); esto, para ahorrar tiempo y presupuesto. Ahora bien, el acabado
visual de El gran milagro se percibió primitivo y pobre, tanto en el modelado como en la animación de la película, y más
considerando que el público la comparaba con películas multimillonarias de estudios hollywoodenses, como Pixar o Dreamworks. La falta
El Gran Milagro (Morris, 2011) de dinero repercutió en todas las áreas, tanto en los tiempos para modelar y hacer texturas, como para animar, y en el tortuoso diseño
de la estereoscopía, ideado y hecho in house, por Rafael Rivera.

Debido a todo esto, al excepticismo de distribuidores y comercializadores, que no daban un peso por ella, y a su tónica
visiblemente religiosa, mucha gente pensó que el filme sería un fracaso total. Sin embargo, precisamente por contar con un público meta
bien definido e interesado en verla y haberla hecho pensando específicamente en ellos, El gran milagro se convirtió en un decoroso
e inesperado éxito económico. La película debió aumentar, de las 116 copias con que se estrenó, a 188, y el resultado fue una colecta
en taquilla de más de 31 millones de pesos y casi 500 mil asistentes, convirtiéndose en la sexta película animada más taquillera en la
historia nacional.

Pese a lo que se supuso, la película no tuvo inversión de la Iglesia, solo contó con un modesto apoyo gubernamental de EFICINE
Rafael Rivera, diseñador de estereoscopía de menos de un millón de pesos, y el resto del capital fue levantado de manera privada por la productora Dos Corazones de Pablo José
del filme
Barroso. Ahora bien, aunque la película no tuvo ingerencia económica ni de producción por parte de la arquidiócesis católica mexicana,
sí fue gratamente acogida por ésta, y ampliamente recomendada por varios ministros a sus feligreses. En consecuencia, mucha gente
acudió de una manera que no debería sorprender, en un país cuya conformación de creencias sigue siendo ampliamente católica. “Había
algunas poblaciones donde no tenían cine, en que se juntaba el pueblo, rentaban un camión el domingo, y se iban a la ciudad más cercana a ver la
película. Fue un fenómeno, no solamente en México, sino en Estados Unidos”83 menciona Gregorio Núñez.

Se podría decir que la película se hizo 3 veces, con versiones en 3D estereoscópico, y con lipsync ajustado en inglés y en
español84; esto porque se estrenó simultáneamente en Estados Unidos y México, algo inédito para un filme de animación mexicana.
Efectos animados para el corto XX-XY
(Guzmán, 2005) Otros trabajos dignos de mencionar, son la colaboración de Imágica con Carlos Carrera en 1998 para la producción de su corto El
magias , aunque este nunca se concluyó. También el trabajo de algunas secuencias animadas para el cortometraje XX-XY, Fuera del
mundo (2005) de Ulises Guzmán, y El imperio de Piedra (2005) de Leopoldo Laborde, totalmente animado en 3D.

En 2012, Imágica buscaba financiamientos y ya tenía el guión de un largo listo para arrancar: Pata de Perro , el cual versaba
sobre las aventuras de un grupo de mascotas perdidas. Igualmente tenían avances de un largometraje titulado La Señal, el
surgimiento de una nación , que a través de la vida del protagonista, Cuauhtlatoatzin, buscaba atestiguar el esplendor de la cultura
indígena en la ciudad de México, y los conflictos de su raza ante la llegada de los españoles.

83
Entrevista a Gregorio Núñez y Alberto Binetti, directores del estudio Imágica, el 7 de septiembre de 2012.
84
La Señal, proyecto de película de Imagica Este doble sync causó que tuvieran que reanimar dos terceras partes de la película en tres meses.
118
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / OTROS CON FUERTE VERTIENTE EN ANIMACIÓN

Pensando a futuro, este importante estudio publicitario deseaba concentrarse más en trabajo de postproducción y de desarrollo
de series y películas animadas, ya que el gran mercado publicitario de antaño se había visto fuertemente golpeado y reducido. Binetti
acotó al respecto:
“Ha habido un cambio muy fuerte en el mercado [publicitario]... hoy en día no es costeable. Y después, con la globalización, siempre hay
productores que les gusta ir a Argentina, Uruguay, a Brasil, y por supuesto Estados Unidos y Canadá… es más glamoroso decir: ‘La hicimos en
Nueva York’ que decir ‘¡ay!, la hicimos aquí, en Barranca del muerto’.” 85

ENRIQUE NAVARRETE, LA MAMÁ DE TARZÁN, Y LOS HIJOS DE SU MADRE


Diseñador gráfico egresado de la Universidad Iberoamericana en 1988, Enrique trabajó inicialmente en agencias publicitarias, y
comenzó su formación de animación en Producciones Quarzo, estudio de Fernando Ruiz. Luego migró a Canadá para estudiar animación
en la prestigiada Sheridan College y trabajó como animador en el estudio Dreamworks en las películas Prince of Egipt (1998), Antz
(1998) y el proyecto de Shrek (2001). A fines de 1998 regresó a México y fundó junto con su primo Francisco Navarrete y Alejandro
Orendain el estudio La mamá de tarzán, que tuvo una importante cantidad de producción animada publicitaria. A finales de 1999,
Francisco vendió su parte y dejó el estudio, y en 2002 Enrique hizo lo mismo, de manera que Alejandro adquirió el concepto y asumió la
dirección completa de La mamá de tarzán.

Durante 2003 y 2004 Enrique regresó a trabajar a Dreamworks, para participar como animador en Shrek 2 (2004) y
Madagascar (2005). Terminada esta película, a pesar de la posibilidad de trabajar en Shrek 3 (2007), decidió volver a México para
fundar esta vez su propia compañía de animación, aprovechando que ya contaba con una potencial e importante cartera de clientes que
conocían su trabajo. Fundó así, en marzo de 2006 con Pedro León y Adolfo Díaz86, Los hijos de su madre. Su perfil era de inicio la
realización animada de comerciales como en La mamá de tarzán, pero esta vez deseaba ir integrando paulatinamente otros proyectos
animados que pudieran interesar al estudio, y de inspiración propia.

Así, además de animar infinidad de anuncios con casi todos los personajes de marca que se puedan pensar (Gansito, Melvin, Tigre
Toño, Conejo Nesquik, Chester Cheetos, Coketa y Audaz…), durante 2008 y 2009 Enrique estuvo involucrado como codirector en la
planeación de un proyecto de largometraje titulado Ana, junto con Carlos Carrera y con el productor Pablo Baksht. Lamentablemente, Enrique Navarrete, fundador de los
Enrique fue separado del proyecto debido a varias razones. Por un lado, la visión oscura y más personal de Carlos contrastaba con el estudios La mamá de Tarzán y Los Hijos de
su madre
estilo más comercial y ligero de Navarrete, dos puntos de vista que parecieron no hallar conciliación, por lo que el productor Pablo
Baksht decidió que prevaleciera la visión de Carrera, y Enrique pasara a dirigir sólo el aspecto técnico y de animación. Además de esto,
Enrique se negó a trabajar en el proyecto hasta que el presupuesto estuviese consolidado, cosa que no se lograba. Finalmente, debido
a la percepción de que se desdeñaba su experiencia, y la preferencia por gente extranjera que tenía las mismas capacidades que él,
terminó por separarse del proyecto.87

85
Idem.
86
Adolfo abandonó el estudio en 2009 para continuar con el proyecto de Ana en Locolocofilms. También participó como director Comercial de Coqueta y audaz
de la serie de cápsulas Santo vs los Clones desde el estudio La mamá de Tarzán en 2004, cuando Enrique ya no estaba en el (Los hijos de su madre)
estudio.
87
Entrevista a Enrique Navarrete, el 16 de enero de 2012.
119
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Más allá del proyecto de Ana , en 2009 su estudio realizó un piloto de 22 minutos para la cadena MTV, para una serie basada en
los personajes de una campaña que se había trabajado con la refresquera Pepsi, titulada Los Rocklonitos , aunque la serie nunca se
concretó. En 2010, realizó para el estudio Animex 33 minutos del largometraje La Revolución de Juan Escopeta. Esta
intervención tomó unos 8 meses y cerca de 35 personas que trabajaban animación tradicional y digital 2D. En 2011, se dedicó a
producir una adaptación animada del programa infantil Odisea Burbujas en una serie de 25 capítulos de 22 minutos para televisión,
aún sin fecha de salida al público. Y en 2012, realizaron un capítulo de la serie El Chango y la Chancla para el estudio Brinca de
Valle de Bravo. Los hijos de su madre ha realizado a su vez otras labores de tipo técnico, como la conversión 3D estereoscópica –con
La Tarea, capítulo realizado por Los Hijos desarrollo de tecnología propia—, del filme norteamericano de acción viva Conan (2011).
para la serie El Chango y la Chancla del
estudio Brinca (2012-2013)
A la par que Enrique desarrollaba todos estos proyectos, se dio a la tarea de formar una escuela para animadores, para contar
con gente calificada y con los conocimientos adecuados para involucrarse en futuros grandes proyectos. Al mismo tiempo de haber
fundado Los hijos de su madre en marzo de 2006, instituyó legalmente también el concepto de Animaturas. El primer par de años
siguientes creó un programa de contenidos basado en su experiencia en Sheridan y Dreamworks, y comenzó a dar clases dentro de su
estudio a grupos de 6 a 10 personas. Tras la epidemia de influenza AH1N1 en mayo de 2009, suspendió su diplomado, pero 6 meses
después logró un acuerdo con la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) e integró el diplomado en sus instalaciones. Luego firmó
otro convenio con la Universidad Anáhuac y a inicios de 2012 Enrique tenía perspectivas de ampliar su diplomado a otras universidades
en Querétaro, Puebla y Guadalajara.

Algo que llama la atención de Navarrete es su decisión por establecerse en México a pesar de tener la posibilidad de una carrera
bastante más estable como animador en el mercado de hollywoodense. Preguntándole al respecto, comentó:

“Mi idea siempre ha sido hacer algo por la animación en México, sí era importante adquirir la experiencia en EU, pero la quería aplicar en
algo, en un estudio propio, entrenar gente y poner lo de la escuela, y hacer proyectos nuestros… con conceptos que dejen algo en el público,
y lo conmuevan”.88

El estudio Los hijos de su madre ocupó así un lugar muy particular en el medio, colocándose de base en la producción comercial
para agencias publicitarias, pero con una eventual búsqueda de proyectos narrativos, algo muy difícil de balancear. Navarrete por su
parte ha sido un animador que contó con mucha suerte, puesto que sus tiempos profesionales personales coincidieron con momentos
fundamentales del salto de la animación clásica a las tecnologías digitales. Estuvo en el lugar idóneo en el momento preciso, en el ojo
Estudiantes de Animaturas
del naciente huracán Dreamworks-Pixar, que desencadenaría en el mapa el inconmensurable número de estudios digitales que
actualmente ocupan el firmamento animado. A mediados de 2012, buscaba aprovechar esa experiencia y conocimiento del oficio, y sus
mayores contactos respecto a otros mexicanos, para hacer proyectos de otra envergadura.

LINTERNA (o LINTERNA DE HIDRÓGENO, S.A.)


Linterna es una empresa alterna fundada en 2008 por Luis Cabrera, Coordinador de Postproducción y Diseño de la serie
Imaginantes de Televisa, y dos colaboradores suyos dentro de dicha serie: Christopher Olvera y el diseñador de audio Ezequiel
Malbergier; ésto con el objetivo de captar clientes y hacer proyectos propios. Al inicio, contrataron 5 animadores y rentaron una oficina

88
Idem.
120
CAPÍTULO 4: ESTUDIOS DE ANIMACIÓN / OTROS CON FUERTE VERTIENTE EN ANIMACIÓN

pequeña en la colonia Nápoles del DF, y tuvieron como primer cliente importante a la Comisión de Festejos del Bicentenario del Gobierno
del DF, que tenía un proyecto de homenaje a personajes ilustres de la Ciudad de México. Así, produjeron el programa Todos
cumplimos años (2009), 4 cineminutos que contaban anécdotas sobre Carlos Monsiváis, cronista por excelencia de la capital, que
cumplía entonces 70 años. Se realizó con guiones escritos por el Dr. Enrique Márquez, comisionado de los festejos del DF e íntimo
amigo de Monsiváis, y con ilustraciones del colectivo Caldo de Pollo, Enrique Torralba, Isabel Reyes y Álvaro Rocha Buitrón. Los
cineminutos se cotizaron entre 90 y 150 mil pesos cada uno, y fueron los siguientes:

Los rituales del caos , basado en un escrito de Monsiváis que narra en breves palabras la naturaleza caóticamente viva de la
Los rituales del caos (Olvera, 2008)
Ciudad de México. El asalto o El inmutable Monsiváis , que da cuenta del asalto acontecido en un Wings mientras él comía con
una amiga. Monsiváis, el del Estanquillo , que retrata su afición como coleccionista. Y finalmente, Días de guardar , con un
extracto de una de sus novelas, que versaba sobre el luto por la inverosímil y surreal matanza del 68.

También realizaron un cortometraje de cuatro minutos89 en homenaje a Carlos Fuentes, que cumplía 80 años, titulado
Encuéntrame en el polvo de la ciudad (2008). Éste es un repaso por la vida de Carlos Fuentes, entremezclándolo con varias Prop de Todos cumplimos años
personalidades que se contaban entre sus amistades más memorables, y con personajes de sus obras. (Linterna de hidrógeno, 2009)

Todos estos cortos se hicieron con animación de cutout digital, y se pautaron con un considerable número de copias en salas
Cinemex alrededor del Distrito Federal. Fue notoria la frescura de ver animados a personajes tan actuales y representativos de la
sociedad del momento, y esto aunado a un formato y técnica que no se había trabajado tan comúnmente en México, generó buenas
reacciones en sus proyecciones. Ahora bien, cabe acotar que hacer esta serie le mereció a la gente de Linterna un regaño de parte de
Maribel Martínez, Directora de Postproducción y Diseño de Imaginantes . Esto se debió a que las cápsulas mostraban similitudes
observables en técnica y armado con dicha serie; demasiada cercanía a la hechura de un proyecto colectivo, que tanto esmero y
dedicación estaba representando al departamento en el que colaboraban dentro de Televisa.

Posteriormente, Linterna realizó otra serie de cápsulas trabajadas con motion graphics y recorte digital para la empresa Oferta Encuéntrame en el polvo de la ciudad
(Cabrera, 2008)
Creativa de Alejandra Lajous, guionista, historiadora, y ex directora de Canal Once. Lajous produjo y vendió dichas cápsulas a Televisión
Azteca, para transmitirlas durante el festejo del Bicentenario. La serie se titulaba ¿Quieres repensar la historia? y constaba de 25
documentos de un minuto que trataban sobre la historia de México desde los antecedentes de la Independencia hasta la época actual, y
que finalizaban siempre planteando una pregunta a manera de reflexión sobre el tema abordado. Además de las reflexiones de
numerosos académicos, el proyecto contó con la asesoría histórica de Enrique Florescano, Javier Garciadiego y Jean Meyer.

Alvaro “El Mákinas” Rocha Buitrón coordinó la ilustración, y la serie se hizo con un equipo de alrededor de quince personas, siete
de los cuales eran animadores, encabezados por Isabel Reyes y Paul Gaviña. Los cortos se realizaron de diciembre de 2009 a agosto de
2010. Terminando esa serie, Linterna se dedicó al trabajo de encargos más particulares, realizando algunas secuencias animadas para
documentales de los canales People & Arts y Biography, y se mantienía abierto al encuentro de nuevos proyectos.

¿Quieres repensar la historia?


89
(Linterna de hidrógeno, 2010)
Cotizado entre 400 y 600 mil pesos.
121
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

ALGUNAS BREVES MENCIONES MÁS…


Existen varios otros estudios comerciales alrededor del país con producciones de relativo interés para nuestro tema, pero no es
posible ahondar en todos ellos. Esto debido a que su surgimiento es aún bastante reciente, o bien porque su producción propia y
creativa era aún tan reducida, que los saca de nuestro campo de estudio. Citamos no obstante de manera muy breve algunos ejemplos
de estudios alrededor del país, sea por su influencia en la producción regional animada, o por que se han aventurado a producir cortos
o materiales con contenido intelectual de iniciativa propia.

Voodoo Bayou (Gutiérrez, 2007)


En el DF, por ejemplo, los estudios publicitarios Ciberfilms y Organika produjeron respectivamente los cortometrajes
independientes Voodoo Bayou (Javier Gutiérrez, 2007) y Clean is good (Carlos Matiella –aka Fric Martínez–, 2010). Vodoo
Bayou , es un corto en 3D digital con la historia de un pequeño muñeco vudú de trapo que cobra vida, y trata de escapar del malvado
médico brujo al que pertenece. Su estética e historia nos hace recordar mundos oscuros como los de Tim Burton y al protagonista de la
película 9 (2009), de Shane Acker. Ciberfilms tenía la intención de construir una historia completa de largometraje, a partir de la
realización paulatina de varias entregas en cortometraje de esta historia, aunque hasta agosto de 2012 apenas el segundo capítulo
estaba en construcción. Clean is good por su parte, nos muestra a Richard, un empleado harto de su vida que decide embarcarse en
un alucinante viaje interior con la ayuda de guías muy especiales. El corto es en general un psicodélico y alucinante despliegue visual de
múltiples técnicas de animación y efectos visuales, que permite mostrar al espectador la calidad técnica que Organika había podido
desarrollar a partir de su trabajo publicitario.
Clean is good (Matiella, 2010)
Hablando de estudios comerciales establecidos en otras regiones, en Monterrey se encuentra Ethos Studio & Academy, que
se ha dedicado a capacitación y el trabajo de animación 3D, postproducción y efectos para diversas empresas y eventos, como el
Festival de Cine de Monterrey. También regia, está Luciérnaga Studio, una casa de animación y efectos especiales a cargo de Jorge
Hernández, que realizó el corto Santiago y el monstruo amarillo (2008). Otro más es AnimaArte, estudio de origen defeño de
Sergio Cedeño que se mudó a la capital regia, y que realizaba a la fecha un largometraje en 3D digital titulado Los Judiciales. En
Guadalajara resaltan, además de los ya mencionados estudios de animación, Larva y Exodo, dedicados uno al diseño de videojuegos,
y el otro a la postroducción, efectos especiales y animación 3D digital.

En 2002 en Mexicali Baja California, para desarrollar algunos proyectos personales y luego publicitarios, el animador Armando
Camacho creó Cárico Estudio, primero de su tipo en el noroeste mexicano. Y en Yucatán radica MyPetStone Studio, fundado en
Santiago y el Monstruo Amarillo
(Hernández, 2008)
2008 por Juan Carlos Fleites, Alonso Pérez y Benjamín Carbonero. Este estudio meridano produjo, junto con el animador Luis Ramírez, el
corto 2D Biósfera (2009), ganador de la 4ª Convocatoria de Apoyo a Productores Independientes de Canal 22, realizado en 3 meses
con un presupuesto de 400 mil pesos.

Videoclip de Tuve ángeles, de


Aleks Syntek (Cárico, 2002)

Biósfera (Ramírez, 2009)


122
CAPÍTULO 5: S ERIES ANIMADAS

Series anim adas: Anim ación en serie

Para cerrar lo referente a realizadores y sus producciones, hago ahora una revisión y mención a detalle de algunas de las series
animadas más representativas de las que se tiene registro. Se consideró como criterio de selección que hayan sido transmitidas por
televisión; no obstante, se agrega un pequeño apartado sobre las animaciones con salida a internet al final del capítulo.

PRIMERAS SERIES BREVES, ANIMEX Y ANIMA TOMAN LA BATUTA


Comenzando pues el recuento, se encontraron las series producidas por el estudio Animex2D, que son: Gorgojo y comején
(2002) y Cápsulas futboleras de Jis y Trino (2002) para el mundial de Corea-Japón; también la serie de cápsulas promocionales
Gorgojo y comején (Animex, 2002)
de Ponchivisión (2002-2003); y 2 temporadas de 30 capítulos de un minuto de Roncho, el perro malapata (2003 y 2005). Sin
restar mérito de las realizaciones previas, quizá Roncho... pudiera considerarse formalmente como la primera serie animada televisada
en nuestro periodo de estudio. Esto desde el punto de vista de su duración, la periodicidad de su transmisión, y la cantidad de capítulos
transmitidos. Para mayores detalles de todas estas, leer el apartado de Estudios-Animex-Un padrino mágico llega...

Por su parte, Ánima Estudios realizó la serie Cascaritos (2004), dividida en dos bloques: Chuta remata y gol! y En sus
marcas listos fuera! ; Poncho Balón , con René Castillo para el mundial de Alemania 2006 y, obviamente, la serie animada más
popular de todas: El Chavo Animado (2006- ). Para más detalles, ver apartado de Estudios-Ánima Estudios-, y el de
Realizadores independientes-René Castillo.

LA GRUTA DEL ALUX, PRIMERA SERIE ANIMADA DE LARGA DURACIÓN EN MÉXICO Roncho, el perro malapata
Y hablando de El Chavo Animado (2006- ), mucha gente considera a ésta la primera serie animada mexicana con capítulos (Animex, 2003 y 2005)
diseñados para programas de 30 minutos. Sin embargo, el título se lo ganó una serie yucateca que manejó el mismo formato, y que hizo
una primera temporada de 52 capítulos, transmitidos semanalmente por un año, desde julio de 2004. Esta serie fue La Gruta del
Alux (2004-2005), basada en un programa hecho inicialmente para la radio por el talentoso escritor y locutor de programas infantiles
radiofónicos Iván Ramírez Gamboa. Su versión audiovisual fue ilustrada y animada completamente por el defeño radicado en Mérida
Sergio Neri, y fue llevada a la televisión local yucateca por la productora local Tópicos. Esta caricatura presentaba aventuras de la vida
diaria de sus personajes: Alux el duende, Soot’s el murciélago (quien se terminaría robando el show), Chuchul Soot’s, Zahuayak la
mantis religiosa, Kisín el Diablo, Jatzahá el mal viento, Tía Tata y Kitán el cerdo.

A diferencia del enorme capital y equipo de trabajo que se utilizaba en el DF para hacer una producción como El Chavo ..., el
presupuesto, equipo y procesos de La gruta... eran muy reducidos y simples. Iván Ramírez, su hermano Rubén y Claudia Domínguez Chuta remata y gol! (Anima, 2004)

armaban las historias y les ponían voz (muchas veces improvisadas en la grabación, a partir de una pauta). Estos eran grabados por
Hector Tamayo Ku, director creativo de Tópicos Televisión, y éste le entregaba el audio a Sergio Neri, para hacer coincidir la narrativa
con sus ilustraciones animadas.

Visualmente, La gruta… presenta un excelente trabajo ilustrado de Neri, quien diseñó una atractiva gráfica estilo Spümcø1, y
llegó a realizar más de 2600 elementos de librería2. Estos le ayudaban para poder animar rápidamente y de manera muy básica y

1
Estudio de animación fundado por John Kricfalusi, creador de la serie Ren y Stimpy Show. El Chavo animado (Anima, 2006-)
125
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

limitada sus marionetas dibujadas, en estilo cutout. Así, realizaba en Flash la gran cantidad de tiempo que le demandaba cada capítulo.
Pero el corazón de la emisión recayó sobre todo en la inigualable calidad de los guiones y diálogos de Ramírez, llenos de chistes y
modismos locales mayas, y basado en el tradicional formato teatral de revista cómica yucateca. Este rescate de la cultura y jerga local,
en un sano y desenfadado humor, disparó de inmediato el interés del público y el rating en el canal 2 local de Yucatán, extendiéndose
después a transmisiones por toda la península, a Telemar de Campeche y TV CUN de Quintana Roo3. La fama de los personajes fue tal,
que se comenzó la venta de artículos promocionales como gorras, camisetas, plumas, un disco musical, y un amplio rango de productos.

Lamentablemente, en un fenómeno que recuerda lo que pasó con el comentado cambio de voces de doblaje de la serie de Los
La Gruta del Alux (Tópicos, 2004-2005)
Simpson (1989-), La Gruta del Alux no pudo continuar debido a la ambición de su casa productora. Después del primer año de
transmisión, la fama de la serie y los patrocinios que la apoyaban se habían disparado a las nubes, pero Tópicos había conseguido
ventajosamente la cesión de derechos del show de parte de Iván Ramírez, así que le ofreció a éste y a Sergio Neri un contrato igual de
mediocre que el de la primera temporada, para poder realizar una segunda. A raíz de esto, Iván se vio forzado a dejar la serie, y poco
tiempo después Sergio Neri haría lo propio. El estudio pensó soberbiamente que la serie era ya un negocio asegurado, así que prefirió
buscar nuevos guionistas y animadores, pero Soot’s el murciélago nunca fue lo mismo. Trataron a su vez de agregar nuevos personajes
(al estilo de Gazoo en Los Picapiedra (1960-66)), pero estos no pegaron, y sólo se realizaron 10 capítulos más, antes de
cancelarla.

EL SANTO CONTRA LOS CLONES


Soot’s el murciélago Para el 2004, animadores del estudio La mamá de Tarzán realizaron la serie de 5 capítulos de menos de 4 minutos de Santo
contra los Clones . Su dirección general y guión corrió a cargo de Carlo Olivares Paganoni, teniendo como Director de animación a
Adolfo Díaz y jefe de animación a Fernando Ruiz hijo4. En esta saga, el legendario enmascarado de plata pelea contra el malvado doctor
Clon, quien recogió ADN de antiguos enemigos del luchador para dominar el mundo, usando un ejército de clones. Presenta una hechura
bastante respetable, trazando una estética retro que nos hace recordar caricaturas como Los Superamigos (1973) de Hanna-
Barbera o Batman: La serie animada (1992) de Warner Brothers. Este proyecto fue comisionado por Cartoon Network,
transmitiéndose en dicho canal después de Las sombrías aventuras de Billy y Mandy (2001-2007). Todo fue hecho en México
salvo la entrada, que realizó el estudio argentino Hook up, a quien se tenía pensado comisionar originalmente el proyecto.

El Santo contra los clones (Cartoon


Network, La mamá de tarzán, 2004) SUERTES, HUMORES Y PEQUEÑAS HISTORIAS DE LA INDEPENDENCIA Y LA REVOLUCIÓN (Conocida también como CORTOS
DE BATALLÓN 52)
Esta serie apenas tuvo corrida en televisión, y sólo un puñado de sus cápsulas salieron a cines. Sin embargo, se ha decidido
incluirla por la importante inversión económica que representó, así como por el rol que jugó en el desarrollo de la industria animada
jalisciense, y la capacitación de decenas de artistas locales.

2
Entrevista a Sergio Neri, el 17 de julio de 2012.
3
Wordpress.com [online] La Gruta del Alux, primera serie animada producida por mexicanos, México, disponible en
Los Calzones del General, Suertes humores y <http://kaixoadiskide.spaces.live.com/blog/> [consultada el 12 de octubre de 2011].
pequeñas historias de la Revolución 4
(Castañeda, 2009) Entrevista al animador Claudio Ortega el 22 de septiembre de 2011.
126
CAPÍTULO 5: S ERIES ANIMADAS

En 2009 y parte de 2010, los animadores radicados en Jalisco René Castillo, Rigoberto Mora, Luis Téllez, Karla Castañeda y Rita
Basulto fueron los cinco directores que, coordinados por el cineasta Rodolfo Guzmán en calidad de gerente de producción, comandaron
a cerca de una centena de jóvenes que tendrían como principal objetivo concluir 52 cortos de un minuto y treinta segundos que
contarían historias relacionadas con nuestra Independencia y Revolución. A partir de 2008, CONACULTA a través del IMCINE, en
coproducción con la CANIETI sede occidente –Cámara Nacional de la Industria de Telecomunicaciones y Tecnologías de la Información,
entidad que supervisaría la adecuada administración de los fondos colectados—, con el apoyo del Gobierno del estado de Jalisco, el
Instituto Jalisciense de Tecnologías de la Información (IJALTI) y el Consejo Estatal de Ciencia y Tecnología de Jalisco (Coecytjal) sumaron
esfuerzos para llevar a cabo este proyecto de 36 millones de pesos5 (aportados a partes iguales por IMCINE y CANIETI) como parte de Linterna mágica a la Inquisición, Suertes
las actividades para la conmemoración del Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución mexicanas. Humores y pequeñas Historias de la
Independencia (Téllez, 2009)

La primera etapa del proyecto consistió en realizar la investigación histórica, gráfica y documental, de la cual se desprendieron los
relatos y anécdotas que dieron origen a los primeros 26 cineminutos. Ésta fue coordinada desde el DF por Isaac Toporek y María del
Carmen Tostado, y conformada por destacados historiadores entre los que se encontraban Marcela Dávalos, Héctor Ortiz, Georgina
Rodríguez y Martha Patricia Guerra. Aunque el equipo de producción jalisciense –autonombrado Batallón 52— deseaba que se
aceptaran las 52 cápsulas que aseguraban podían realizar, IMCINE pactó y aceptó oficialmente solo 26, basados en los guiones que
emanarían directamente del equipo de historiadores designados en el DF, y que tendrían la aprobación de apego fiel a los hechos
históricos. Pero ante la falta de llegada de los guiones de parte de IMCINE ya en plena etapa de producción, el estudio de Batallón
decidió producir también sus propios guiones –con ayuda y asesoría de Octavio Jiménez del Arco– y sujetarlos a aprobación de IMCINE El Cometa del Centenario, Suertes Humores
y pequeñas Historias de la Revolución
para poder terminar los 26 pactados, y cubrir los otros 26 que deseaban. Finalmente, Batallón realizó 52 cápsulas y dos extras, que (Castillo, 2009)
eventualmente IMCINE aceptó como “legítimos”.

Para la realización, la CANIETI reclutó a un numeroso y emprendedor grupo de talento joven jalisciense en el área de diseño y
animación, para capacitarlos. Este equipo trabajó desde febrero de 2009 en el diseño de los storyboards, personajes y escenarios. Se
utilizó el sistema PaperLess y el software Toon-Boom, con el que los animadores dibujaron directamente en la computadora con tabletas
de pluma digital.

IMCINE anunció que la proyección de cinco cineminutos de Suertes, humores y pequeñas historias de la
Independencia y la Revolución 6 comenzó el 15 de octubre de 2009 en las principales plazas del país, con 150 copias por cada El orden en bata y chinelas, Suertes humores
y pequeñas historias de la Independencia
cineminuto. Marina Stavenhagen, directora del IMCINE, afirmó que en enero de 2010 habría ocho más, con 450 copias cada uno7. Hay (Mora, 2009)
que mencionar que tanto el equipo de Batallón como IMCINE se deslindaron del cuidado que tuvieron o no las cadenas exhibidoras por
proyectar efectivamente todas esas copias en sus salas. La verdad es que poca gente vió estos cortos en cines, la mayoría observó solo
5 de los 13 anunciados por IMCINE, y no se supo nada de los demás.

5
Entrevista a Yuria Goded, Subdirectora de producción de cortometraje, IMCINE.
6
Así fue el nombre que se asignó oficialmente al proyecto, aunque perduró más entre sus realizadores y el conciente colectivo
el apelativo de “cortos del Batallón 52”, que refería a este nuevo y aventurado grupo de animadores, y al número de cápsulas
que tenían como objetivo final.
7
CONACULTA [online] “Destacan éxito del proyecto "Suertes, humores y pequeñas historias de la Independencia y la El telégrafo y Villa, Suertes Humores y
Revolución"”, Sala de prensa, comunicado No. 2116/2009, México, 16 de diciembre de 2009, disponible en pequeñas Historias de la Revolución
<http://www.conaculta.gob.mx/sala_prensa_detalle.php?id=2697> [consultado el 10 de septiembre de 2010] (Basulto, 2009)

127
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Se tenían igualmente planeadas múltiples ventanas de salida durante 2010 y 2011, entre las que se estimaba editar un DVD y
difundir las cápsulas por internet. Pero hasta la fecha en que se escribieron estas letras, las únicas opciones para verlas de que se tuvo
conocimiento fue en vuelos de la aerolínea Aeroméxico, en pantallas de sucursales del banco Banamex, su exhibición eventual por canal
22 de CONACULTA, y un par de semanas en que el servicio Video on Demand de la empresa de tele privada Cablevisión las incluyó
gratuitamente en su catálogo. Con un alcance aún menos masivo, IMCINE llegó también a presentar el proyecto en algunos festivales
internacionales especializados, como Annecy, Clermont Ferrand y Cannes, y en algunos eventos públicos al aire libre en el marco de la
celebración bicentenaria.

Batallón 52 fue un proyecto bastante ambicioso y sin precedente en las iniciativas gubernamentales en pro de la animación y la
formación de una industria en México, y Jalisco especialmente. No obstante, hay que decir que tuvo numerosos accidentes y
contratiempos. Uno de los más importantes fue el lamentable fallecimiento de uno de los directores, Rigo Mora, el 6 de mayo de 2009.
Otros problemas fueron la escasa o nula experiencia de un gran número de los jóvenes creativos reclutados, así como la incursión de los
directores, habituados a un esquema de trabajo mucho más personal y autoral en sus premiadas y alabadas producciones previas, a un
Cortos de Batallón 52
plan más industrial y estricto de producción. Esto derivó en una calidad visual del producto que llegó a decepcionar a más de un
(CANIETI, IMCINE, 2009-2010) admirador de estos excelentes realizadores. Se suman las dificultades de planeación, coordinación y trabajo entre IMCINE y la
productora Batallón 52, con su entrega de guiones fuera de tiempo; y finalmente y sobre todo, la deficiente y raquítica difusión de los
cortos en los espacios inicialmente contemplados. Esto hizo que lo que parecía un excelente proyecto se difuminara en la memoria del
gran público, el cual casi no pudo ver nada del resultado final.

Aún así, es innegable la importancia de esta serie para dar un impulso inédito a la formación de material humano importante y más
calificado en la región. Este grupo de jóvenes adquirió una nueva experiencia técnica y entendimiento de lo que es trabajar en un
estudio, y esta mano de obra se canalizaría en los siguientes grandes proyectos animados que surgirán en la entidad, como fue por
ejemplo El Secreto del Medallón de Jade (2012). Ésta sería la primera película animada jalisciense, producida por Kaxan, un
La Gota en el Desierto, Suertes humores y estudio creado por Ricardo Gómez a partir del personal de Batallón 52 (del cual fue productor ejecutivo). Para mayor información,
pequeñas historias de la Independencia
(Osuna, 2009) consultar también Estudios-Jaliwood-Metacube, Batallón 52 y Kaxan.

IMAGINANTES
"Saltan los límites del pensamiento, son novelistas, científicos, creadores y artistas plásticos que despiertan nuestra capacidad de asombro
y nos recuerdan que nuestra especie, se llama Imaginantes”. José Gordon

En un rincón recóndito de los estudios San Ángel de Televisa, en una cobacha cuya existencia no conocía mucha gente de la
misma empresa, fue el lugar ideal para que pudiera gestarse, como una semilla que toma largo tiempo en crecer y salir a la luz del sol,
un proyecto de alto valor educativo, técnico y estético: Imaginantes . En 2001, tras la apertura de un nuevo departamento que al inicio
no contaba ni siquiera con nombre propio, Maribel Martínez, Directora de Imagen y Diseño en Imagen Corporativa de Televisa, y Luis
Cabrera, su Coordinador de Postproducción y Diseño, comenzaron a trabajar por cuenta propia y a brazo partido en proyectos con un
solo y descontinuado equipo de cómputo. Los años, y mucho esmero por sacar adelante propuestas con dedicación y alma, fueron
permitiéndoles ganar algunos premios de imagen y publicidad, lo que les dejó ir armándose como pudieron de equipo y algunos
colaboradores.
Pepe Gordon en Excursión a la luna,
Imaginantes (2008)
128
CAPÍTULO 5: S ERIES ANIMADAS

Fue así que en 2007 Manuel Gilardi, Vicepresidente de Imagen y Publicidad, y el escritor Pepe Gordon se acercaron al
departamento para solicitarles la realización de una cápsula piloto de animación con una idea y guión de Gordon, que versaba sobre el
libro Cosmicómicas , de Italo Calvino. Ésta se tituló Excursión a la Luna (2008), e ilustraba visual y ágilmente la historia que
Calvino construye alrededor de la hipótesis de un astrónomo que afirmaba que “hubo un tiempo en que la Luna estaba muy cerca de la
Tierra”. La idea del concepto era despertar en el público en general una chispa de curiosidad e interés por diversas manifestaciones
culturales, por conocer y acercarse a diversas obras y autores de renombre mundial e imperecedero. Maribel pidió mano de la
ilustradora de oficio Nora Morales para preparar una serie de ilustraciones y texturas que serían empleadas y animadas por Heber
García y sonorizadas por Ezequiel Malbergier8. Después de 4 meses de arduo trabajo sobre un concepto que no sabían exactamente Excursión a la Luna, Italo Calvino,
cómo hacer, obtuvieron la primera cápsula de un experimento y eventual fenómeno que haría huella en la animación mexicana. Imaginantes (Carmona, 2008)

Tras quedar encantados Gordon y Gilardi con el resultado, la cápsula deambuló por algunos departamentos de la televisora, y
Maribel tuvo el ofrecimiento de Fundación Televisa de invertir en el proyecto, lo que les permitió contratar de 5 personas nuevas, y echar
a andar la primera temporada completa, que comprendería 26 capítulos. Éstos los realizarían a la par de los encargos comerciales de
imagen interna que les demandaba Televisa, como eran entradas de algunas series y paquetes gráficos para programas y canales de
provincia.

Maribel mencionó que Imaginantes fue desde su inicio un proceso de constante experimentación empírica. Tuvieron que
aprender en el campo profesional su exploración técnica, visual y de herramientas, así como la manera de contar sus pequeñas
El Horóscopo Secular, Arthur Koestler
historias. Depuraron así el rápido fluir de una narrativa de lenguaje audiovisual que debía relatar y capturar el interés de sus Imaginantes (Carmona, 2008)
espectadores en sólo 60 segundos9.

A partir de los nuevos guiones entregados por Pepe Gordon, se comenzó a trazar un flujo de trabajo que diera mayor viabilidad al
proyecto. Cada cápsula pasaba pues por un proceso de investigación e inmersión documental y visual, para conocer y entender el
personaje o tópico escogido, y poder ilustrarlo y contarlo. La parte creativa y de diseño realizaba un storyboard. Luego hacían un
scouting de posibles ilustradores, entre los que se eligía el ideal; se realizaban entrevistas con él, y se le solicitaba la entrega del trabajo
gráfico (fondos y personajes en distintas vistas, desarmados en partes animables). Generalmente se asignaba un animador líder, que
era asistido por un número variado de asistentes, buscando la uniformidad de estilo y tomando de dos y medio a tres meses por clip
(esto en la primera temporada, luego llegaron a bajar sus tiempos a entre 6 y 8 semanas)10. Las técnicas de animación empleadas a
Las libretas de la Revolución, Madero
partir de entonces fueron diversas, y los variados acercamientos buscaban dar a cada cápsula un sello no sólo temático, sino también Imaginantes (Huacuja, 2010)
visual y de estilo, aunque todos se trabajaban a través del armado de motion graphics11. Para este fin, los clips eran armados y
compuestos en el programa After Effects y sonorizados con Protools.

Según afirmó Luis Cabrera, haciendo un cálculo estimado –porque el equipo trabaja a partir de sueldos fijos, no por proyecto–,
una sola cápsula podría cotizarse entre los 200 y los 320 mil pesos, aunque ya la primera temporada completa pudo haber costado
8
Entrevista a Luis Cabrera, Coordinador de Postproducción y Diseño de Imaginantes, el día 5 de julio de 2012.
9
“La relación entre televisión y animación”, impartida por Maribel Martínez, Foro Animasivo, México, D.F., 22 de marzo de 2011.
10
Entrevista a Luis Cabrera, 5 de julio de 2012.
11 La tradición de los no me olvides, Claudio
Gráficos bidimensionales que son colocados, alterados y movidos por computadora en un entorno virtual tridimensional, en
el que distintas capas pueden dar una ilusión general de profundidad. Linati, Imaginantes (Huacuja, 2010)
129
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

alrededor del millon y medio de pesos. Hablando de las múltiples referencias que llegaron a tocar al equipo creativo para establecer el
“sello” particular de su trabajo, Cabrera mencionó que podría citar cortos como A Short Love Story in Stop Motion (2008) del
argentino Carlos Lascano, Hasta los huesos (Castillo, 2001), y la serie estadounidense de cutout digital Southpark , entre otras.

La duración de las cápsulas se fue dando debido a las pautas tan rígidas y restringentes que maneja el espacio televisivo. De
hecho, pautar un minuto cultural en espacio comercial es muy complicado, y por ello los lineamientos corporativos de Televisa mermaron
largamente el interés por su propio producto. Su apertura de espacios para la difusión y crecimiento del proyecto fueron bastante
El vuelo del profesor Hawking, Imaginantes. pobres; aparecían solo al inicio o final de las transmisiones de sus canales comerciales, en canal 22, emisoras de provincia, y a través
Cápsula con efecto 3D estereoscópico de redes sociales de Internet. Afortunadamente, la calidad y frescura de las nuevas propuestas hablan por sí mismas, y el proyecto no
(Badillo, 2011) naufragó gracias al positivo comentario de boca en boca que surgió de la gente que accidentalmente empezó a encontrárselos en
horarios muertos de transmisión, así como los diversos reconocimientos internacionales que la serie fue ganando. Esto permitió no solo
que el proyecto sobreviviera, sino que creciera y ganara muy pacientemente terreno, hasta que inevitablemente nuevas pautas (aún
enormemente estrechas) fueron brindadas en mejores espacios y horarios.

De esta manera, se decidió realizar en 2010 una segunda temporada de 10 cápsulas versadas en la celebración del Bicentenario
de la Independencia y Centenario de la Revolución mexicanas. Éstas trataron de mostrar otra mirada de México, sin entrar tanto en el
enfoque histórico. Reflejaron así la visión de personalidades tales como Eisenstein, Gabriel Figueroa, Juan Rulfo –y su obra Pédro
El ingeniero imaginante, Guillermo Páramo–, o una faceta espiritista de Francisco I. Madero. En 2011, se realizó una temporada de diez cápsulas más para el Teletón, en
González Camarena, Imaginantes (2012) el que se hablaba de las limitaciones físicas –muchas veces ignoradas– que sufrieron grandes creadores y personajes, y su manera de
lidiar con ellas o de sortearlas para explotar su creatividad, y dejar un gran legado a la humanidad.

Para el 2012, se realizaba la cuarta temporada. Ésta se dedicó especialmente a los niños, teniendo por protagonistas interesantes
personalidades como George Mèlies, Elena Poniatowska, Leonora Carrington, Mario Molina, y Guillermo González Camarena. Llegaron
con ellas a un total de 53 pequeñas historias con una fascinante mezcla de técnicas, ilustradores y anécdotas. De hecho, algo a
destacar en Imaginantes es el gran acierto de aprovechar la colaboración fresca, orgánica y altamente creativa de destacados
ilustradores, casi todos nacionales, para imprimir al trabajo un estilo visual rico y diverso. Entre estos, han contado con gente como Luis
San Vicente, Enrique Torralba, Manuel Monroy, Luis Safa y Alberto Cerriteño, entre muchos otros. Hablando acerca de un posible estilo o
Un rayito de imaginación, Elena
Poniatowska, Imaginantes estética definido en el proyecto, Luis Cabrera mencionó:
(Hernández, 2012)
“Se me hace un tema interesante para reflexionar si la variedad misma es el estilo. Y aún así, lo que lo liga no es algo puramente gráfico,
sino algo más bien conceptual, que es el guión, lo que cuenta la animación... ...[Es] el formato de un minuto, la anécdota que narra cómo se
encendió la chispa de la imaginación, y cómo eso está ilustrado por buenos ilustradores y animado por buenos animadores”.

Con tanta riqueza de artistas y referencias, es ésto es lo que le ha dado a Imaginantes su peculiaridad y frescura, aunado a un
manejo de contenidos interesantes, suculentos, sólidos, y magníficamente condensados y estructurados narrativamente.

Equipo de producción de Imaginantes

130
CAPÍTULO 5: S ERIES ANIMADAS

Series similares a Imaginantes


Tras la aparición al aire de Imaginantes (2008- ), se han visto en pantalla algunas otras series de cápsulas que han manejado
similitudes técnicas o de formato. En algunas de ellas se debe al hecho mismo de haber sido realizadas por manos que participaron en
Imaginantes , como son el caso de la serie-homenaje a Carlos Monsiváis Todos cumplimos años (2008), producida en el marco
de festejos rumbo al bicentenario por parte del Gobierno del DF. O la serie ¿Quieres repensar la historia? (2010), coordinada y
producida para TV Azteca por la historiadora Alejandra Lajous. (Para más información de éstas, consultar el apartado de Estudios de
animación-Otros estudios con fuerte vertiente animada-Linterna).
Francisco I. Madero ¿Quieres repensar la
Otra serie más que emula de manera muy cercana el formato didáctico manejado por Imaginantes , aunque con una hechura historia? (Linterna de Hidrógeno, 2010)
mucho más simple y laxa, fue la serie de divulgación científica Una dosis de ciencia (2010-2012). Ésta se trabajó también en
motion graphics, con más predominio gráfica digital 2D. Fue producida desde 2009 por la Dirección General de Divulgación de la Ciencia
de la UNAM, bajo la producción ejecutiva de Pedro Sierra, manejo de contenidos de Gertrudis Uruchurtu, y conducida por el Dr. René
Drucker Colín. El concepto partió de la serie radiofónica con el mismo nombre, y se transmitió por el canal de televisión ForoTV de
Televisa, para después ser difundida también por TVUNAM y en circuito cerrado de Aeroméxico, del Metrobus, y el Metro de la Cd. de
México12. Se realizaron hasta su culminación en 2012, 52 cápsulas. La primera decena fue realizada totalmente a nivel interno por la
dependencia de la UNAM, pero para el resto de ellas se mandó a realizar la parte visual con el colectivo Diez y Media.
Una Dosis de Ciencia
BICEAVENTURAS MEXIQUENSES (DGDC/UNAM, Diez y media, 2010-2012)
Una serie más enmarcada por el festejo Bicentenario, comisionada por el gobierno del Estado de México, fue BiceAventuras
mexiquenses . Ésta se realizó en 2010 y 2011 por el estudio Onirik de los hermanos Rafael y Raúl Cárdenas, y constó de 10 capítulos
de 8 minutos cada uno. Fue dirigida al público infantil, y buscó retratar personajes ilustres o hechos históricos de la entidad. En ella,
Migue, el personaje principal que nos conduce a través de todos los capítulos, es animado en 3D, y las historias narradas son realizadas
en animación 2D-Flash.

Se decidió que los protagonistas de la serie fueran héroes no bélicos, y en su lugar resaltar artistas y científicos que habían
ayudado a enaltecer el orgullo del estado. Se incluyeron así personajes como Ángel María Garibay, quien con sus traducciones mostró la
riqueza cultural, de arte y poesía que poseían los hablantes de náhuatl, o el pintor paisajista José María Velasco, entre otros. Después
de las BiceAventuras …, en 2012 el gobierno federal encargó también a los Cárdenas un proyecto que aterrizara para entendimiento Pedro Ascencio y los diablos de Teloloapan,
BiceAventuras Mexiquenses
del público infantil el contenido de 30 artículos constitucionales. La serie constaba de 30 cineminutos construidos en 3D con el (Onirik, 2010-2011)
programa Maya y el arte fue realizado en Flash, dando una sensación 2D. La transmisión de esta serie se tenía planeada a partir del
mes de septiembre en el canal del congreso, y se titularía Anímate con tu constitución 13.

KEN Y EL MONSTRUO
Pasando a series en stopmotion, Gerardo Rodríguez Álvarez (Graco) emprendió desde 2009, en convenio con la teledifusora NHK
de Japón, la realización de una serie para niños de 6 episodios, titulada Ken y el Monstruo . La idea de ésta nos recuerda
remotamente el concepto de Monsters Inc. (2001) del estudio Pixar. Trata de un pequeño niño que, tras atravesar una puerta

12
Entrevista a Pedro Sierra, Jefe del departamento de televisión de la DGDC de la UNAM, el 30 de enero de 2013. The puppet show, Ken y el Monstruo
13
Entrevista a Rafael y Raúl Cárdenas, el 1º de agosto de 2012. (Graco, 2011)
131
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

mágica en el closet de su casa, entra a un mundo mágico donde conoce a Monstruo, un nuevo amigo con el que vivirá diferentes
aventuras. Sus capítulos terminan generalmente con la despedida de los dos amigos, Ken yendo a la cama, y la partida de Monstruo tras
la puerta de su armario. La entrañable saga ha mostrado una visible evolución en su acabado con cada capítulo, dejando ver la
experimentación con nuevos materiales, y la afinación en su calidad de animación. Hasta agosto de 2012, Graco llevaba terminados 5
episodios: Ken & Monster, Happy Birthday Ken , Trip to the moon , The puppet show y All you need is mop .

RAFITA
Ésta es una serie que fue producida por Canana Films y el estudio Metacube de Guadalajara, a instancia y dirección general del
actor Diego Luna, con la coordinación de animación de Estefani Gaona desde Metacube14. Constó de 31 capítulos de entre 2 y 4 minutos
Rafita (Metacube, Canana, 2010)
que fueron transmitidos por Televisa Deportes en 2010 y que narran las aventuras de Rafita, un diputado que viaja al Mundial de Futbol
de Sudáfrica para devolver a la FIFA la verdadera Copa Mundial, la cual fue robada en México y ocultada secretamente en el archivo de
la nación. Trabajada con animación de Flash extremadamente limitada y sin aplicación alguna de color, se produjo en menos de 2
meses, y se basó sobre todo en el humor ñero típicamente mexicano de los guiones, interpretados por los actores Diego Luna, Jesús
Ochoa y José María Yazpik.

ESCUADRÓN 2011, EL ORIGEN DEL FUEGO


Consultar el apartado Estudios de animación-Jaliwood… -Haini y Dreamsky.

Escuadrón 2011, El origen del fuego Otra serie bastante promisoria, pero que aún no salía al aire durante nuestro periodo de estudio, era EL CHANGO Y LA CHANCLA
(DreamSky, 2011)
del estudio mexiquense Brinca. Para algo más de información sobre el estudio y la serie, consultar el capítulo de Realizadores
independientes en el apartado A nivel nacional-La vieja guardia-Jorge Villalobos y Guillermo Rendón.

ANIMACIONES PARA INTERNET


Además de las series realizadas para cine o televisión, era inevitable hacer mención de aquellas que durante la década surgieron
en la nueva ventana que ha representado la world wide web o internet. Debido al inmenso espectro que implica este medio, con número
indeterminable de producciones realizadas a menores costos y en formatos mucho menos restrictos y clasificables, se hará mención
simplemente de algunos ejemplos representativos, y de sus características comunes observables.

El Chango y la Chancla (Brinca, 2012) Dentro de este rubro, las primeras y más conocidas animaciones que pueden dar una idea más clara de sus características, son
las de Huevocartoon . Alejados de las restricciones de los medios electrónicos tradicionales, los huevos nunca manejaron capítulos
como tal, sino que han publicado materiales que pueden ir de los 10 segundos hasta 5 minutos. Acumulaban hasta 2012 un total de
seis horas y media de material, y cerca de 100 personajes registrados, además de 252 millones de vistas en su canal de la página de
videos Youtube15. Para más historia y descripción, el ver apartado Estudios-Produciendo películas animadas-Huevocartoon.

Después del fenómeno Huevocartoon, aparecieron otras propuestas con un corte similar, como La familia del barrio ,
animación bidimensional flashera creada por Sergio Lebrija y Arturo Navarro, que comenzó a hacerse viral en internet desde 2008. Ésta

14
Entrevista a Leopoldo Aguilar, el 25 de abril de 2012.
15
Huevocartoon (Riva Palacio, 2002-) Entrevista a Rodolfo Riva Palacio A., fundador de Huevocartoon, el 8 de agosto de 2012.
132
CAPÍTULO 5: S ERIES ANIMADAS

consiste en los episodios léperos e irreverentes de una familia visiblemente disfuncional, burla de la idiosincracia mexicana. Está
conformada por 4 personajes: El Noruego, un hombre moreno y desempleado bueno para nada; Gaspar, un hombre más serio, padre
soltero y de pelo puntiagudo; su vivaracho hijo pre-adolescente Johnatan; y el Abuelo, un senil anciano que en su juventud fue Gigoló.
“Son una sátira de los elementos que vemos a diario en todos lugares, pero obviamente exagerados para hacerlo más chistoso”, comentaba
Lebrija16. Esta serie de clips animados alcanzó una popularidad tal en la red, que comenzaron a ser mostradas online por el canal de
paga Comedy Central. Lebrija aseguró tener con dicha compañía el acuerdo de hacer una temporada de tres episodios de 30 minutos,
que deberían salir en televisión para fines de 2012. Por otra parte, desde 2009 consideraba la realización de un largometraje, que se
trabajó un tiempo con la productora Mantarraya Films, del cineasta Carlos Reygadas y su productor Jaime Romandía. Posteriormente, a La Familia del Barrio (Lebrija, Navarro,
mediados de 2012, Lebrija habló de un nuevo acuerdo con la productora Lemon Films para terminarla17, pero hasta la fecha ni la serie 2008- )
de tele ni la película se concretaban aún.

Otra propuesta que cobró notoriedad también a fines de la década fue la irreverente Vete a la versh , creada en Flash desde
2009 por el joven defeño Roberto “Darkar” Alatriz (1988). Roberto entró a estudiar la carrera de Cine, Animación y Efectos Visuales al
Instituto de Media Creativa en la Universidad Estatal de Nuevo México en Estados Unidos el mismo año que comenzó la serie. Ésta
llevaba casi una treintena de capítulos, y hasta agosto de 2012 más de 270 millones de reproducciones. Sus guiones comenzaron Vete a la versh (Alatriz, 2009- )
girando principalmente en torno a la interacción de dos personajes: Darkar, un chico “normal”, y Mecoboy, un ser amargado hecho de
semen, los cuales discuten irónica y agresivamente sobre temas como los videojuegos o la sexualidad. Otro producto que es comparado
por varios internautas con Vete a la Versh , son los incontables y variados clips animados de Mr. Don Makila, el chihuahuense Ricardo
Adrián Lozoya (también conocido como el Negas ), que a través de su amargado alterego animado, ha ganado miles de suscriptores
desde 2010 en sus múltiples canales de Youtube.

Todo este conjunto de animaciones realizadas por mexicanos para el internet han presentando en general ciertas constantes, que Vete a la versh (Alatriz, 2009- )
son: Su técnica 2D digital, elaborada con Flash; su variabilidad en duración y periodicidad de episodios, que son breves; una producción
usualmente de muy bajo prespuesto, con una gráfica y animación bastante primarias (comparada con las producciones de medios
tradicionales); el uso de un lenguaje coloquial y altisonante; y un consumo por parte de público predominantemente adolescente y joven.
Más que en el rubro visual, se observa que su popularidad y peso recaen principalmente en sus guiones irreverentes y diálogos
explícitos, con temáticas que generalmente rondan el humor negro y ordinario, cerca de lo censurable o políticamente incorrecto18.
Coinciden también en que han encontrado vías de sustentabilidad nuevas y diferentes: En vez de la venta a cadenas de TV, o directo al
público en DVDs, subsisten a partir de partnerships comerciales con grandes páginas como Youtube, y patrocinios de empresas
logrados a partir de su creciente número de reproducciones o suscriptores.
Don Makila (Lozoya, 2011-)

Finalmente, y para cerrar este capítulo, mencionamos un solo caso de excepción que se aleja del patrón seguido por los ejemplos
arriba mencionados. Éste fue el de una serie de 7 cortometrajes animados comisionada por la editorial educativa SM, y producida por el

16
Huerta, César, Los burrón del siglo XXI, El Universal, Espectáculos, México, 12 de agosto de 2009.
17
“Familia del Barrio: Serie de TV y Película!”, Entrevista de FlashFacilito a Sergio Lebrija, disponible en
<http://www.youtube.com/watch?v=ns0zXB2YcTk> [consultada el 15 de enero de 2013]
18
Una excepción en el uso de lenguaje francamente altisonante, puede ser el caso de chocolitos.com, serie tabasqueña que se
cifraba en un humor más ligero y folklórico, usando lenguaje y modismos típicos de la región, como lo hacía la mencionada
serie televisiva La Gruta del Alux de Yucatán. DFme le cuento (Lozoya, 2011-)
133
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

colectivo de Lourdes Villagómez, Los Animantes. Realizadas entre 2005 y 2006 al lado de Carlos Carrera y los animadores Alberto Mar y
Alberto ‘Chino’ Rodríguez19, Lourdes produjo estas animaciones que se basaban en cuentos infantiles impresos, para promover la venta
de éstos. Fueron hechas en cutout digital, y rondaban el minuto y medio cada una. Los títulos que la compusieron fueron Una casa
para el abuelo (2005), Nunca es demasiado circo (2005), Xavier con X (2005), Ratón que vuela, Ríbit (2006), Un
papá a la medida (2006), y Ser y Parecer , en los cuales intervinieron ilustradores como Grassa Toro e Isidro Ferrer; Valeria Gallo;
Felipe Ugalde; Juan Gedovius y Davide Cali; y Ana Laura Cantone.

Cortos de editorial SM, Nunca es


demasiado circo (Animantes, 2005)

Cortos de editorial SM
Ríbit (Animantes, 2006)

19
En ese entonces ya directores de animación de Ánima Estudios.
134
CAPÍTULO 6: CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN

CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN: ORGANISMOS GENERADORES

Entre las entidades que promovían (o se piensa que deberían promover) la formación, producción y difusión de cine animado,
encontramos los centros educativos, ciertas dependencias gubernamentales, y los festivales y concursos, que incentivaban la producción
emergida. A continuación doy cuenta a grandes rasgos de cuáles son, y de su rol en el desarrollo de la animación mexicana a lo largo
del nuevo siglo.

ESCUELAS DE ANIMACIÓN Y UNIVERSIDADES


Durante el transcurso de la década, algo importante cambió en el medio. En el primer lustro, todavía muchísimos animadores
continuaron con la tradición autodidácta, o con el ancestral método del aprendiz-esclavo que adquiría el oficio al lado del maestro
artesano. Pero a la par, mientras antes no había lugares donde uno pudiera aprender a hacer animación, en esta época la poca gente
reconocida que había aprendido por cuenta propia y a la mala, como René Castillo, Rigo Mora, Luis Téllez o Dominique
Jonard, comenzaron a impartir talleres que reclutaban a los contados admiradores que ya conocían y admiraban su trabajo, y que
deseaban aprender para realizar sus propias producciones.

Asociaciones y pequeñas escuelas


Seguido a esto, comenzaron a aparecer talleres, cursos, y diplomados ofrecidos por pequeñas asociaciones o escuelas
conformadas específicamente con el fin de formar gente en cine y animación, o para instruir en los nuevos softwares que parecían
prometer la panacea de crear una animación con sólo oprimir algunos comandos. En estos lugares se ofrecían conocimientos específicos
que los estudiantes jamás podrían obtener en institutos universitarios. Algunos de los centros más relevantes de este tipo fueron:
Calavera Films (1999) y Digitrain (1996) de Guadalajara, Golem Producciones (1999), Eunoia (2001), Fiction Lab (2004-
2005), Centro Cultural Border (2006), Graco Animation Training (2008), Digital Invaders de Saltillo (2009), Embryonic
de Puebla (2011), y Animaturas (2009). Esta última empezó incluso a ligar de manera institucional sus cursos con universidades,
como la UAM Iztapalapa y la Universidad Anáhuac.

Hablando del ámbito de formación para niños, destaca la continuidad de La Matatena, Asociación de cine para Niñas y Niños
A.C. (1995), que en 2012 celebró la 17ª edición de su Festival Internacional de Cine para Niños y no tan Niños y llegó a los 125 cortos
animados producidos dentro de sus talleres de animación cuadro por cuadro, entre ellos, 23 de la serie Los Derechos del
Corazón . Éstos últimos se realizaban con poblaciones vulnerables de niños con el fin de que éstos pudieran contar sus propias
historias animadas, reflexionar sobre sus derechos, y compartir a otros niños su realidad e inquietudes.

Dentro de estos primeros organismos formativos, se delimitan usualmente dos líneas: Los que se concentraban en la enseñanza
de las bases de la animación clásica y técnicas más tradicionales, basadas en el cuadro por cuadro; y por el otro las que comenzaron
siendo centros capacitadores o de entrenamiento para aprender nuevos softwares relacionados con la animación, como Flash, 3DMax, o
Maya. Cabe resaltar que muchos de éstos últimos se caracterizaron, sobre todo en la primera parte de la década, por concentrarse en
modelado y construcción de mundos virtuales, mientras su enseñanza de nociones reales de animación era muy escasa (o inexistente),
carente de los verdaderos fundamentos esenciales de la animación.

137
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Primeros centros universitarios especializados


A mediados de la década también comenzaron a conformarse y abrirse nuevos centros universitarios. Éstos constituían algo
intermedio entre lo que representaban los centros de capacitación especializada ya citados, sin validez académica oficial alguna, y las
grandes universidades, que aún no cubrían las nuevas necesidades especializadas que se estaban creando de cara a la producción
audiovisual y de animación. En esta franja destacan institutos como el CAAV (Centro de Arte Audiovisual, luego Centro Universitario de
Medios Audiovisuales) de Guadalajara. Éste fue fundado por Daniel Varela en 1995, cuando abandonó la coordinación del Departamento
de Cine y TV de la UdeG. A partir de 2005, el CAAV registró con el Reconocimiento de Validez Oficial de Estudios de la SEP (RVOE)
cuatro nuevas licenciaturas relacionadas con los Medios Audiovisuales, entre las que se encontraba la de Animación1. También en
Guadalajara, 3DMX Digital Design University pasó de impartir simples entrenamientos y cursos a conformar una Maestría
oficializada en Animación 3D y Producción en 2005. La Universidad de Artes Digitales (UAD), surgida del centro de
entrenamiento Digitrain, se fundó en 2007 y ofrece desde entonces la Licenciatura en Animación.

En el DF, la entidad privada Westbridge University comenzó a impartir desde 2003 una Licenciatura en Animación y Efectos
Visuales. Ésta no contaba con RVOE, pero obtuvo certificación de habilidades de parte de la Secretaría del Trabajo desde el 2006.2 Y en
2011, se abrió una sucursal de la franquicia académica de origen australiano SAE Institute, que empezaría a impartir las licenciaturas
de Animación, Diseño de Videojuegos, y Programación de Videojuegos, a partir de 2012.

Las universidades se especializan


A la par de todo esto, durante la década algunas de las universidades públicas y privadas de mayor historial y renombre
comenzaron a interesarse más seriamente en este medio de expresión audiovisual. Algunas empezaron a incluir a la animación dentro
de sus materias optativas y curriculares en las licenciaturas de comunicación, luego en las de diseño, las de artes visuales, hasta llegar
finalmente a la apertura de carreras específicas de animación. Igualmente han abierto mayores opciones de formación dentro de la
modalidad de diplomados de educación continua.

Entre estas instituciones podemos destacar el trabajo realizado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, la
Universidad Autónoma Metropolitana campus Xochimilco y Azcapotzalco, la Universidad de Guadalajara, el Instituto
Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), la Universidad del Valle de Atemajac (UNIVA), el Centro
de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey (CEDIM), la Universidad Iberoamericana y el Tecnológico de
Monterrey (ITESM), el cual abríó en 2007 la carrera de Animación y Arte Digital en sus campus de Guadalajara y Monterrey, para
luego extenderla a varios más.

Ahora bien, hay que mencionar que, de acuerdo a lo observado hasta la fecha de este escrito, la mayoría de las escuelas no
parecían ser aún causa directa, o estar demasiado relacionadas con la formación de los jóvenes nuevos creadores de los que hemos
hablado en el segundo y tercer capítulo. La mayoría de los animadores que han tenido una producción personal relevante, o se han
formado en el extranjero, o han despuntado a partir de una iniciativa e inquietud propias, muchas veces “a pesar de” más que “gracias
a” los centros en que se formaron académicamente.

1
Entrevista a Daniel Varela, el 24 de febrero de 2012.
2
Entrevista a Mauricio de la Orta, fundador de Westbrige University el 6 de septiembre de 2012.
138
CAPÍTULO 6: CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN

Ésto nos da una pauta de reflexión, acerca de si se ha hecho un buen trabajo de parte de las entidades de formación y sus
programas de contenidos para dar impulso a este medio y a su industria, o si sólo se ha tratado de aprovechar la fiebre vigente de
muchos jóvenes por ésta área de conocimiento, para aumentar su matrícula de inscritos. A veces pareciera que algunas escuelas sólo
deseaban subirse al tren de la moda de la innovación, para poder facturar la formación de esta latente generación.

La verdad es que, de acuerdo a lo consultado a un gran número de animadores y cabezas de estudios animados, el perfil de los
egresados de carreras de animación que comenzaron a salir después de 2010 parecía tener aún poco que ver con las necesidades
requeridas por una industria aún inmadura que difícilmente podría darle cabida a toda esta oleada de jóvenes. El problema es que al
parecer, una vez egresados, éstos estudiantes se sentirían inadecuados y sin herramientas sólidas para producir o insertarse
competitivamente en el medio profesional animado. Como sea, la incorporación de formación universitaria al campo de la imagen en
movimiento era un hecho que no podía dilatarse más. La esperanza que restaba, era que con los años sus programas de contenidos se
fueran asentando, amoldándose a la realidad nacional, y esta gran cantidad de recurso humano pudiera vertirse en una industria cada
vez más grande y próspera.

DEPENDENCIAS GUBERNAMENTALES
Instituto Mexicano de Cinematografía
Entre las dependencias gubernamentales que han brindado apoyo a la animación, la más importante es sin duda el Instituto
Mexicano de Cinematografría (IMCINE).

En 2001, el IMCINE lanzó la primera emisión de su nuevo concurso de proyectos de cortometraje, una convocatoria que buscaba
fortalecer la producción nacional en este rubro, solidificar la canalización de fondos y establecer su distribución con base en reglas más
claras y sanas para los interesados, para combatir las susceptibilidades sobre manejos dudosos de la administración, y que se evitaran
dedazos, compadrazgos o favoritismos. Esta iniciativa daría un nuevo aire y empuje al cortometraje mexicano… solo que había un
problema… dicha convocatoria no contemplaba cortos animados.

En 2001, tras el triunfo inédito de Hasta los huesos (2001) en el Festival de Annecy –para muchos el certamen más prestigia-
do de animación en el mundo— y de dar una gira de cerca de dos meses por numerosos festivales extranjeros, René Castillo regresó a
México con cerca de 15 premios bajo el brazo, y pasó a las oficinas de IMCINE para conocer finalmente a Alfredo Joskowicz, director del
Instituto. Igualmente Luis Téllez, su mano derecha en el corto, deseaba proponer un proyecto que sería su ópera prima como director,
contando con el respaldo y apoyo de René. Pero ambos recibieron un cubetazo de agua fría, cuando al recibirlos Joskowicz les notificó Hasta los huesos (Castillo, 2001)
que no se daría un apoyo más a cortos animados. “De ahí en adelante, todas las convocatorias decían “únicamente para ficción y documental, la
animación se apoyará en convocatorias posteriores”, convocatorias que jamás salieron”3, mencionó Castillo.

Con cierta distancia de los hechos, se sintió frustrante y contradictorio que IMCINE decidiera frenar sus mecanismos oficiales de
apoyo justo en el momento de mayor efervescencia de la animación mexicana, cuando el mundo reconocía sus producciones y éstas
daban en gran medida la cara por el cine mexicano a nivel internacional; cuando comenzaba a cimentarse una comunidad que ya había
ganado cierta experiencia, ávida de seguir produciendo, y que probablemente podría hacer las cosas cada vez mejor. En ese tiempo

3 Rita Basulto en preproducción de


Entrevista a René Castillo, 20 de abril de 2012. El Octavo Día (Medina, Basulto, 2000)
139
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

muchos jóvenes empezaban a conocer esas relevantes obras recientes, se sentían altamente inspirados para unirse a esta oleada
creativa, y querían contribuir a ella con sus propios proyectos, pero se vinieron a topar con que ya no había más apoyos como los que
estos grandes realizadores emplearon. Así, en 2001 la animación mexicana, contra toda lógica, con el mayor éxito de su historia y el
futuro más promisorio para consolidar una corriente con un sello estético reconocible internacionalmente, se vió asentado con un fuerte
freno de mano.

El animador Rigo Mora mencionó al respecto:


“Hay dos proyectos de animación que por lo tardado del proceso y debido a las contingencias que tuvieron, IMCINE decidió detener el
apoyo a los proyectos de animación, que fueron Síndrome de la línea blanca (2001-2003-2005) y Malapata (2000). Ambos proyectos
tardaron cinco años en concluirse y fue porque de repente tenían dinero para empezar a trabajar, podían dedicarle mucho tiempo al proyecto y
de repente tenían que conseguir más dinero para, digamos, seguir trabajando, y tenían que suspender el proceso. Y la animación es muy
celosa, necesitas estar trabajando mucho para poder ir avanzando poco a poco”4.
Síndrome de línea blanca
(Villagómez, 2001-2003-2005) Mora mencionaba igualmente que el problema con estas instituciones es la inmediatez. Se requiere presentar resultados en un
año, y los proyectos de animación no necesariamente se terminan en un año, necesitan de más tiempo para su formación y su
gestación5. Otro detalle es que el programa que existía antes del 2001 para producir animación, que era el de apoyo a producción de
guiones, muchas veces era ganado por gente que no sabía ni siquiera cómo animar, y eso provocó que los proyectos tardaran aún más.

De tal manera y sin apoyo por 5 años, la producción de cortos de altos estándares se volvió altamente escasa y muy complicada.
Ninguna otra institución, ni siquiera el FONCA, ofrecía los apoyos necesarios para proyectos de la envergadura de los realizados por
mediación de IMCINE. Durante estos años, solo algunos contados cortos fueron apoyados por el instituto fuera de convocatoria, para
terminar su postproducción en cine de 35mm. Éstos fueron en 2002 Volarte (2003) de Juan Mora Cattlet, en 2004 Mi radio (2005)
de Mariana Miranda, y en 2005 Berlitad (2006) de Pablo Ángeles, así como el corto de cine experimental Modelo Siqueiros
Malapata (Guzmán, 2000) (2006), de Mariana Rodríguez.

Sería hasta 2005, cuando Carlos Taibo se incorporó como Director de Apoyo a la Producción de IMCINE y Vanessa Hernández fue
asignada a la Subdirección de Producción de Cortometraje, que se trató de hallar un arreglo a tal situación. René Castillo aprovechó el
acercamiento de Taibo, admirador de su trabajo, para externar su queja ante el abandono al cine animado. De esta manera, Carlos
organizó un comité formado por René Castillo, Luis Téllez y Alejandra Guevara para formular una nueva convocatoria para la categoría
de animación, que se integraría al sexto concurso de apoyo al cortometraje, en 2006. Este comité resolvió que la opción era establecer
una convocatoria bastante dura, pidiendo no sólo guión, —“porque luego ganaban proyectos donde la gente no sabía animación, y al aprender
sobre la marcha, entraban en problemas serios”— 6, sino también animatic, diseño y hasta pruebas de animación, para ver que la gente
detrás de estas propuestas realmente pudiera terminarlas, y limitar el tiempo. Esto reduciría el número de proyectos que llegaran, pero
serían de buen nivel. A pesar de los numerosos requisitos, en esa primera emisión llegaron 40 proyectos, y a juicio de René Castillo
“diez de ellos tenían una calidad tal, que merecían ser producidos”7.
Jacinta (Castañeda, 2008)

4
Nieto, Lourdes, Movimiento de animación en Guadalajara, Tesis, ITESO, Guadalajara, 2006, pág. 50.
5
Ibidem, p.51.
6
Entrevista a René Castillo, 20 de abril de 2012.
7
Nieto, Lourdes, op.cit., p. 51
140
CAPÍTULO 6: CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN

Los dos primeros proyectos ganadores en esta primera convocatoria fueron Jacinta (2008) de Karla Castañeda –esposa de Luis
Téllez—, y De cómo los niños pueden volar (2008), de Leopoldo Aguilar, ambos de Guadalajara. A partir de entonces, se
realizaron generalmente una tripleta de cortos anuales, con presupuestos que rondaban los 800 a 900 mil pesos, y con un periodo
establecido de realización de 10 a 12 meses. Sumado a este plazo, se han requerido habitualmente prórrogas de 6 meses más, ya que,
como dice Carlos Carrera:
“Es una pesadilla porque el tiempo de la animación es otro… y lo que pasa muchas veces con los proyectos del IMCINE es que el trabajo
de los animadores se va haciendo independientemente de que llegue el apoyo. Por ejemplo, los proyectos de animación de Guadalajara se
comienzan sin recursos, entonces cuando llegan los recursos ya es con una gran parte del proceso avanzado, por eso sí pueden entregarlos a
De cómo los niños pueden volar
tiempo, pero no porque se lleve menos de un año hacerlos.8” (Aguilar, 2008)

El constante aumento de artistas y propuestas que aplican a esta convocatoria año con año ha permitido que ésta se conserve,
revitalice y crezca. Es una instancia que ha reavivado al medio, y que debe conservarse y mejorarse aún más, puesto que entre más
animadores surjan, y sus niveles de calidad se mantengan y aumenten, más necesidad habrá de acrecentar los espacios e instancias de
apoyo. En Argentina, por dar un ejemplo equiparable, desde 2011 ya había apoyos del tipo de IMCINE para 6 diferentes subdivisiones
regionales, para poder realizar, incluso, series animadas.

Otro aspecto importante para el nuevo boom animado en IMCINE, fue su incursión en el apoyo para financiamiento de
largometrajes animados. Primero, a partir de 2004, a través del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), cuyo objetivo es el Las tardes de Tintico (García, 2012)
fomento y promoción del cine comercial de calidad. Luego, desde 2007, a través del Estímulo fiscal previsto en el artículo 226 de la ley
de impuesto sobre la renta (EFICINE), el cual acredita hacia este tipo de proyectos el pago de impuestos de empresas que así lo
decidan. Finalmente, en 2009 se dio el primer y único apoyo hasta el momento a una película animada a través del Fondo para la
Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE)9, que apoya documentales y el cine de autor.

Estos apoyos fueron esenciales para despertar una industria de largometraje que había permanecido callada por dos décadas, y
13 de las 16 películas que fueron animadas y estrenadas en México entre 2000 y agosto de 2012, se beneficiaron en mayor o menor
medida de alguno de estos auxilios. Don Gato y su Pandilla
(Anima Estudios, 2011)
Otras instancias públicas importantes
Además de los apoyos ofertados por el IMCINE para la animación, se han mantenido aquellos propiciados a nivel nacional por el
Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), en sus respectivas convocatorias: Jóvenes creadores; Coinversiones Culturales y
Fomento a la Producción: el Sistema Nacional de Creadores; y el Apoyo para Estudios en el Extranjero. Aunque estas ayudas son más
modestas que las de IMCINE, han permitido a varios artistas realizar algunas obras menores, o completar proyectos manejados en
conjunto con otras becas o fondos. Animadores como Rita Basulto, Juan José Medina, René Castillo, Rigo Mora, Blanca Aguerre, Sofía
Carrillo, Erik Alvarado, Erik de Luna Fors, Dominique Jonard, Lourdes Villagómez, Miguel Anaya, Andrea Robles de Doble A, Guadalupe
Sánchez, Patricia Henríquez, Luis Felipe Hernández, Gabriela Martínez, entre varios otros, se han visto beneficiados por ellas.

8
Entrevista a Carlos Carrera, 7 de junio de 2012.
9
Éste fue instituido para cine de acción viva desde 1997, para incentivar la producción tras la crisis de fin de siglo. El
FIDECINE se empezó a ejercer en 2001, y el EFICINE entró en operaciones en 2007.
141
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

En menor medida se encuentran las ciertas dependencias estatales, que por ejemplo en los estados de Michoacán y el Estado de
México han apoyado a gente como Dominique Jonard y los hermanos Cárdenas. Y habría que destacar especialmente los apoyos
brindados por el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Jalisco (CECA). Éste ha brindado modestos pero valiosos apoyos
económicos, a partir del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes (FECA), para realizadores que comenzaron así su carrera en la
animación tapatía, como León Fernández, Sofía Carillo, Luis Beltrán y Edgar Amor.

FESTIVALES Y CONCURSOS
Help!, (Amor, 2012). Corto apoyado por el
Uno de los elementos que se ha podido observar definitivamente como mayor incentivo y motivación para impulsar la producción
CECA. de los animadores desde el año 2000, ha sido la aparición de reconocimientos más formales dentro del gremio cinematográfico. La
confirmación de la animación como categoría dentro de los reconocidos festivales nacionales de cine ha sido importante, pero lo ha sido
aún más la aparición de festivales especializados del género, así como la apertura de diversos concursos que premian económicamente
y/o en especie a sus ganadores. Éstos han fomentado la creación de nuevo material que de otra manera no hubiera sido producido por
sus autores.

La animación en los Arieles


Fue hasta el último año del milenio anterior que comenzó a surgir una consideración oficial del cine animado dentro de foros y
festivales artísticos y cinematográficos. Es increíble pensar que los primeros atisbos de cortos animados se remiten a 1934, con los
intentos de Don Catarino de Salvador Pruneda y Paco Perico del Dr. Vergara y su estudio AVA, pero fuera hasta 1999 que la
Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas incluyera en la premiación de los Arieles la categoría de mejor corto animado. En aquel
tiempo, fue el legendario Sin Sostén (1998) de Antonio Urrutia y René Castillo que ganara la estatuilla, en competencia con El muro
(1998) de Sergio Arau y Largo es el camino al cielo (1998) de Jose Ángel García Moreno. En el 2000, la categoría desapareció y
así tuvo una vida intermitente en los años subsecuentes, en que a veces se omitía o era declarada desierta (2000, 2003, 2004, 2006).

La animación y los festivales de cine


Hermanos Cárdenas, ganadores del Ariel Los festivales y muestras de cine en México tuvieron un boom sin precedente en nuestro periodo de estudio. En el año 2000, se
por Luna (2010) realizaban cerca de 10, pero para 2010, IMCINE registraba formalmente 47 de ellos10, y en 2011 se contabilizaban ya cerca de 90. Con
el paso de la década, comenzó a incluirse la categoría animada reconociendo cortos mexicanos en varios de los más importantes. El
Festival Internacional de Cine de Morelia incluyó desde su primera edición, en 2003, la categoría de mejor cortometraje de
animación, premiando La historia de todos , de Blanca Aguerre. En 2005 el Festival Internacional de Cine de Monterrey
integró la categoría de mejor corto animado (otorgando el segundo lugar a Memo Monedas , de Miguel Ángel Martínez). El Festival
Internacional de Cine en Guadalajara estableció la categoría de mejor cortometraje de animación iberoamericana en 2007
premiando a Niebla (2005) del mexicano Emilio Ramos. También estableció en 2010, a iniciativa de Guillermo del Toro, el Premio Rigo
Mora, en homenaje al fallecido animador jalisciense, dando un incentivo en efectivo al mejor cortometraje animado. Expresión en
Corto de Guanajuato incluyó la modalidad Mejor Cortometraje de animación desde 2007, pero ningún corto mexicano ganó la presea11.
Fue hasta 2010 que incluyó el reconocimiento a Mejor Cortometraje Mexicano de Animación, otorgándolo a Xochimilco 1914 del
Alejandro García Caballero, ganador en el
Festival Internacional de Cine de Morelia
por Las Tardes de Tintico (2012) 10
Anuario estadístico de cine mexicano 2010, IMCINE, México, 2011. Pág. 45.
11
Jacinta solo logró una mención especial del jurado en 2008.
142
CAPÍTULO 6: CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN

colectivo Viumasters. También festivales como el Shortshorts Film Festival, Kinoki, el Festival de Cine de Vallarta, Aquí
y en corto de Puebla, y varios otros fueron incluyendo paulatinamente categoría de animación en sus concursos.

CONGRESOS Y FESTIVALES ESPECIALIZADOS DE ANIMACIÓN


Por su parte, la eclosión de espacios y festivales dedicados exclusivamente a este medio de expresión es un fenómeno que fue
evolucionando a través de la década, con eventos que fueron mutando su perfil y objetivos. A continuación incluyo un lugar especial para
estas iniciativas visionarias (u obstinadas), que han ido cultivando un espacio referente de discusión, difusión y convivencia de la
comunidad animada, y que sin duda tendrán una influencia directa en el desarrollo y crecimiento por venir del gremio animado.

FX. Congreso de animación y efectos visuales


El primer antecedente del que se tiene registro previo a los festivales, es el Congreso de Animación y Efectos Visuales FX, evento
de tres días llevado a cabo de 2001 a 2003 en el World Trade Center de la Ciudad de México y luego en el Tec de Monterrey campus
Ciudad de México. Éste tuvo una fuerte carga temática hacia efectos especiales, postproducción y animación 3D digital para publicidad y
cine. Dado su contexto temporal, su objetivo no era fomentar la producción animada independiente o su divulgación, ya que ésta era
casi inexistente en el país, sino sencillamente informar a un público ávido y curioso sobre aquello que se estaba haciendo en el ramo en
los grandes estudios extranjeros, o para empresas publicitarias. El congreso se componía así de ponencias de directivos y especialistas
técnicos de estudios hollywoodenses como Disney, Pixar, Bluesky o ILM, y pláticas de estudios publicitarios nacionales como Animatica,
Ollin o Metacube. Se montaban además unos cuantos stands de empresas de software, casas de animación publicitaria y cursos de
capacitación, así como un pequeño concurso de animación.

CREANIMAX. Congreso de animación y desarrollo de videojuegos de Guadalajara


Creanimax apareció en el mapa en octubre de 2006 y se erigió como un evento multidisciplinario que buscaba reunir estudiantes,
profesionales e investigadores relacionados con el área de animación y desarrollo de videojuegos, con el fin de compartir sus
experiencias y conocimiento, así como tratar temas de interés para la industria en general. Fue establecido a iniciativa de la Cámara
Nacional de la Industria Electrónica de Telecomunicaciones y Tecnologías de la Información (CANIETI) y el Instituto Jalisciense de las
Tecnologías de la Información (IJALTI), que trabajaban para fomentar el desarrollo y proyección de la industria en la creación de
contenidos, medios interactivos, animación 2D y 3D, y videojuegos. Creanimax contó con proyectos de investigación, pláticas, y el primer
gran concurso específico de animación a nivel nacional e internacional. También tenía una feria del empleo y una exposicíón nutrida por
compañías que ofrecían diversos productos y servicios de hardware y software, animación, formación y publicaciones.

Este espacio se desarrolló probablemente influenciado y motivado por la corriente creativa de animadores que despuntó desde
fines de los noventas en el llamado “grupo de Guadalajara”, y se llevó a la par de un marcado interés del gobierno y empresas
jalisciences por impulsar esta efervescencia productora para establecer al estado como un foco líder en la producción audiovisual,
animada, de efectos visuales y contenidos electrónicos en el país.

Enfocado de manera clara en promover la animación a nivel industrial, sus invitados y conferencias fueron más inclinados hacia un
ámbito técnico, al desarrollo de iniciativas tecnológicas y comerciales, y a la capacitación y entrenamiento profesional, que a cuestiones
de índole artística o de producción autoral. Comenzando como una expo de animación y videojuegos de 15 stands en 2006, y con
algunos invitados relevantes como Jan Pinkava –ganador del Oscar por el corto de Pixar Geri´s Game (1997) y codirector de
143
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Ratatouille (2007)--, Bill Plympton –icónico y multipremiado animador independiente-- y Colin Brady –animador de Toy Story 1 y 2
(1995, 1999), Bichos (1998) y Hombres de Negro (1997)—, por mencionar algunos, el congreso creció notablemente en su
edición de 2007. Ese año Creanimax afirmó contar con más de 3 mil asistentes, 25 pláticas y 8 talleres, así como un concurso que
recibió 85 trabajos que se repartieron una bolsa de 425 mil pesos en premios. Lamentablemente, el evento nunca tuvo una difusión ni
impacto real a nivel nacional, asistiendo básicamente público de la región, y perdiendo fuerza con el tiempo. En 2009 se canceló el
concurso (que era lo único que le daba eco fuera del estado) y solo se realizaron las conferencias (que ya no tuvieron invitados
internacionales) y la exposición. Así, la edición 2010 ya no vió la luz. Para ese entonces, su fundador Ricardo Gómez y la CANIETI
prefirieron redireccionar sus esfuerzos bajando fondos públicos para otros proyectos como Batallón 52, el Chapala Media Park y el
establecimiento formal de estudios animados. (Ver apartado de Estudios de animación-Jaliwood, o la búsqueda de una
industria regional).

ANIMASIVO. Foro de animación Contemporánea de la Ciudad de México


Proyecto impulsado por el Festival de México en el Centro Histórico –llamado fmx-Festival de México desde el 2010--, Animasivo
surge en 2008 como un espacio para la promoción, difusión y gestión de la animación en México. Su coordinador Fernando Llanos12
(2008-2010)13 lo planteaba como escenario para mostrar la producción local, pero también como una tarima para presentar lo mejor
de otras latitudes. Este foro de animación contemporánea tuvo una apuesta peculiar: Generar ediciones temáticas con un concurso
internacional para jóvenes y una serie de piezas comisionadas a animadores con trayectoria consolidada, con el fin de impulsar la
creación y producción de piezas animadas. La primera edición fue dedicada al deterioro ambiental, la segunda a la astronomía, el
tema de la tercera fue Año 2110: Proyectando el futuro, el de la cuarta Géneros: Repensando los roles y la quinta
¿Crees que estás viendo lo mismo que yo?, esta última con énfasis en la animación experimental.

En 2010 se abrió una sección de Visionados, con la proyección de retrospectivas de animación mexicana y también de
animaciones participantes de algunos de los festivales más influyentes en el orbe, como el Festival Annecy de Francia, Animamundi de
Brasil, y el Festival Internacional de Animación de Ottawa, Canadá. Otro elemento importante es la memoria en DVD que se ha editado de
cada edición y obsequiado a los asistentes al foro. Esto ha permitido que las producciones, inéditas y realizadas específicamente gracias
a la existencia de Animasivo, puedan llegar y permanecer entre el público asistente. Llanos afirmó que “Como su nombre lo indica,
Animasivo busca llegar a las masas, capitalizar al público sediento de conocer qué pasa con la animación, ese arte de ilusión, de vida y
movimiento.”14 Acotaba igualmente que la capitalización de este público no había sido difícil, ya que aunque otros espacios promovían la
animación en México, como Creanimax en Guadalajara o el CutOutFest en Querétaro, hacían falta aún más foros para apoyar la ya
Cortinilla de Animasivo
(Azuela, Gerbaud, 2012) desbordada cantidad de artistas que trabajaban animación en el país.

Cabe mencionar que para 2012 Animasivo decidió focalizar su espectro específicamente hacia la animación experimental y su
proyección en espacios alternativos, lo que dejó de lado producciones más narrativas y tradicionales. Sumado a esto, debido a falta de
fondos, la iniciativa de obras comisionadas desapareció. Probablemente ambas circunstancias provocaron que el amplio público cautivo

12
Fernando Llanos es un artista experimental mexicano, destacado especialmente en Latinoamérica en el área de video.
13
La coordinación fue asumida en 2011 por su asistente de producción, la italiana Lucia Cavalchini.
14
Llanos, Fernando “Animar la creación de otros mundos”. Cine-Toma: Revista mexicana de Cine. Ilusiones que se mueven: Un
Vistazo al arte de la animación. Año II, núm. 10 (mayo-junio 2010), pp. 41.
144
CAPÍTULO 6: CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN

atraído en ediciones anteriores por una oferta más generalizada, se redujera. Habría que preguntarse entonces si esta especialización
tan pronta de uno de los dos grandes foros de animación en México no vino demasiado pronto, y quizá pudo arriesgar su continuidad.
De cualquier manera, hasta hoy Animasivo se ha mantenido sin duda como uno de los espacios referenciales de la producción animada
independiente en el país.

CUTOUT FEST. Festival Internacional de Cortometrajes Animados de Querétaro


Los festivales de cine se multiplicaron y diversificaron de manera exponencial en la primera década del siglo XXI, y era sólo
cuestión de tiempo para que apareciera el primer festival internacional especializado en cortometrajes animados en México. Lo que
nadie esperaba, es que surgiera en la ciudad de Querétaro. Su director Miguel del Moral explicó que, a la manera en que lo hacen
festivales como el de animación de Annecy en Francia, este proyecto descentralizado de la capital –situado convenientemente entre
Guadalajara y el Distrito Federal, las dos grandes capitales en cuanto a producción animada se trata— buscó acercar este tipo de
eventos a más personas en otras partes de la República. Contando con un importante apoyo de Fundación Bancomer, de la beca de
Coinversiones y Fomento Cultural de FONCA, del gobierno local, así como de la reciente carrera de Animación y Arte Digital del Instituto
Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey campus Querétaro, el origen del CutOut Fest tuvo que ver con la evidente necesidad
de crear un espacio físico donde el trabajo de las mentes creadoras de México pudiera ser conocido y reconocido, además de servir
como un foro en el que todos los interesados en la animación pudieran convivir, compartir experiencias y conocer la realidad que se vive
en torno a este tema dentro y fuera del país15.
Promo del CutoutFest (Diez y media, 2010)
Cabe resaltar que a pesar de los normales imprevistos logísticos de todo nuevo festival, y de la evidente limitación de recursos en
un inicio, la primera edición del festival en 2009 se llevó a cabo de una manera relevante, y creó una excelente impresión en una
comunidad animada nacional que estaba ávida de espacios dónde darse cita, y que no dudó en asistir, rebasando las expectativas de
Miguel y de Bianca Peregrina (productora general del festival). Recibieron poco más de 90 trabajos para concurso, entre los que se
incluían algunos de España, Canadá y Argentina, derivando en una competencia oficial de 47 cortometrajes, en categorías narrativa y no
narrativa. Se impartieron dos talleres: Uno de pixilación en tiempo real, y el de composición y animación 3D. Además se contó con una
serie importante de conferencias en torno a la animación y su situación en la realidad nacional, así como clases magistrales de Lorenzo
Fonda (Italia) y el colectivo The Blackhearted Gang (Sudáfrica).

Para la segunda edición en 2010, se recibieron 160 trabajos provenientes de 24 países, aumentando su selección competitiva a
74 producciones. Se añadieron actividades especiales como proyecciones al aire libre, muestras pictóricas, intervención en espacios
públicos, muestra de los festivales de Annecy (Francia) y Museek (Rusia), y se impartieron talleres de storyboard, representación sonora
en plastilina, pitching, y animación con marionetas. La edición de 2011 se focalizó en la participación femenina en la producción, y creció
nuevamente: Más talleres, más invitados, más clases magistrales y más premios donados por nuevos patrocinadores, recibiéndose 281
cortos de 46 países. El festival ha contado en cada edición con un país invitado, siendo España (la comunidad de Catalunya
específicamente) en 2009, Francia en 2010, Canadá en 2011 y Holanda para 2012. Ahora bien, hay que observar que en su última
edición el festival comenzó a crecer tanto en tamaño y comunidad asistente, que inevitablemente perdió algo del toque íntimo y
personalizado de sus inicios, y sus invitados y temáticas comenzaron a diversificarse tanto que la animación como tal empezó a quedar
en un segundo plano, ante temas como la publicidad y las innovaciones tecnológicas.

15
Entrevista a Bianca Peregrina, Miguel del Moral y Ulises Santamaría, el 24 de junio de 2011.
145
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

En otro ámbito, el CutoutFest ha permanecido firme en su objetivo de difundir la producción contemporánea de animación a través
de su muestra itinerante de ganadores. Al paso del tiempo, ésta invadió un número notable de foros y puntos de toda la república,
a través de numerosas universidades y espacios culturales de toda índole. En suma, el Cutout apareció como una oferta refrescante y en
constante renovación que se fue estableciendo como un encuentro capital para la animación en México y el crecimiento de ésta.

CROMAFEST. Festival de Animación, Efectos Especiales y Videojuegos


En febrero de 2012 se realizó en el DF la primera edición del CROMAfest16, Festival de animación, efectos visuales y videojuegos.
Este fue concebido y dirigido por José Iñesta y financiado por la Secretaría de Economía por vía del organismo intermedio Incubadora de
Talento S.C., a cargo del argentino Gabriel Grinberg. El objetivo del CROMAFest era generar una plataforma para la aceleración de
negocios de la industria creativa local, y abrir un espacio de encuentro con la industria internacional para crear derrama económica,
intercambio de conocimientos, contactos entre mercados, formación, y trabajo colaborativo en red. Su anhelo fundamental era optimizar
micro y pequeñas empresas de la creatividad vinculadas con el sector de medios interactivos para la generación de contenidos y
producción de animación, efectos visuales y videojuegos. De esta manera, apostaba a estructurar un tejido empresarial sustentable para
colocar al DF como una ciudad creativa… algo que en esencia recuerda mucho las motivaciones de Creanimax en Guadalajara seis años
antes.

Contando con Lucia Cavalchini (directora de Animasivo) en su comité de organización y programación, el evento incluyó 3
secciones principales: Net-working (conferencias), Connections (encuentros de negocios y speed pitching o presentación de proyectos a
inversionistas), y Art in motion (intervención y acercamiento de la animación y el videojuego al espacio ciudadano), además del concurso
internacional de animación. Todo esto desde una clara perspectiva de integración de medios interactivos –con la animación como parte
importante de ellos, pero no como la motivación única del festival—, y su inserción empresarial en el mercado.

Al momento de escribir estas palabras, resultaba aún difícil conocer el verdadero impacto, quorum y perspectivas de éxito de un
evento tan cercano; habría que ver si una propuesta tal, de carácter más empresarial y con esta ambición de espectro multidisciplinario
–dado en parte por el momento tecnológico vigente—, lograría generar sus frutos. Lo que sí se supo es que, por incumplimiento de
pagos de parte de Grinberg e Incubadora de talento a gran parte del personal e invitados que colaboraron para el proyecto, incluido
José Iñesta, éste se desligó en abril del CROMAFest, cuyo nombre y propiedad quedó entonces en manos de Grinberg17.

Así, para abril de ese año José y su hermano Jordy fundaron ya por su parte el colectivo Pixelatl , y emprendieron la realización
de otro festival: El Laguna Fest, Festival de animación, videojuegos y nuevos medios, que se llevaría acabo en octubre de 2012 en
Torreón. Su línea y objetivos serían muy cercanos a lo que ellos habían propuesto para el CROMAFest. Por un lado, la estimulación de
nuevos públicos en la zona, con la proyección de contenidos animados de calidad y demostración de las emergentes narrativas
interactivas del mundo. Por el otro, generar un espacio de intercambio para el impulso y divulgación de la industria creativa vinculada al
entretenimiento en el norte de México, fomentando la creación de proyectos y empresas locales con estándares internacionales. En este
rubro destacaba el lanzamiento del Ideatoon, primer concurso de ideas para producir series animadas.

16
Titulado así por la sede de su entidad gestora, ubicada en la zona de la Colonia Roma y Condesa.
17
Entrevista a José Iñesta, creador de CROMAFest y Laguna Fest, el 24 de enero de 2013.
146
CAPÍTULO 6: CENTROS GESTORES Y DE DIFUSIÓN

CONCURSOS DE ANIMACIÓN
Además de los festivales citados, se han organizado algunos concursos que han fomentado especialmente la producción de
nuevos cortos animados. Entre estos, al inicio de la década destacan algunos que fueron fugaces y no tuvieron continuidad, pero que
quedaron en la memoria colectiva animada por ser las únicas opciones disponibles entonces. Generalmente se lanzaban convocatorias
que hacían competir a la par acción viva y animación, pero esto nunca descorazonó a los animadores, quienes siempre colaron alguna
animación entre los ganadores. Hubo así concursos como el de Máximo 9’85” (2002, 2003) de la estación de radio Radioactivo, del
cual emergieron cortos como el ganador La guerra… (2003-2004), de Rubén Silva, e Invasión del Planeta Mercurio (2003),
de Graco. O el concurso de video Un día sin agua, lanzado por Canal Once del Instituto Politécnico Nacional, y del que resultó
ganador Tonatiuh Moreno con la parodia de comercial No tiene sustituto (2004). La guerra (Silva, 2003-2004)
Ganador del concurso Máximo 9’85” de
Radioactivo (2003)
Años después, surgieron concursos con mayor envergadura y continuidad, con premios que atrajeron la atención tanto de
realizadores universitarios, como de profesionales establecidos y pequeños estudios. Entre estos destacan la Convocatoria de
Apoyo a Productores Independientes de Canal 22 de CONACULTA. Surgida en 2007, con una bolsa habitual de hasta 200 mil
pesos, esta convocatoria ha tenido una periodicidad intermitente en sus siete ediciones, y solo ha apoyado producciones animadas en
cuatro de éstas. No obstante, ha contado con seleccionados de alta calidad técnica, que han sido transmitidos por dicho canal.

Otro concurso importante es Hazlo en Cortometraje, que se crea en 2008 para que estudiantes universitarios y recién
egresados propusieran, a través de sus producciones, soluciones creativas a los retos en materia de medio ambiente. El certamen,
organizado anualmente por Fundación BBVA Bancomer y Fundación Cinépolis, ofrecía hasta 400 mil pesos en premios, y los ganadores
se han programado en varios festivales como el Festival de Cine de Guadalajara, Cine en el Campo, CutoutFest, entre otros.

Finalmente, con un perfil igualmente a favor de la ecología, surge en 2011 el EcofilmFest, Festival Internacional de
Cortometrajes Ambientales. Patrocinado por la Fundación Hombre Naturaleza, Fondo Mundial por la Naturaleza (WWF), la Comisión
Nacional del Agua (CONAGUA), Cinépolis, Grupo FEMSA e IMCINE entre otros varios organismos, este concurso ha contado con una bolsa
de 100 mil pesos para el ganador de la categoría de animación, y un millón de pesos para el gran ganador (que en esa primera edición,
dedicada al agua, la ganó también un corto animado). Debido a esta enorme bolsa, y que el concurso no era dirigido solo a estudiantes,
las producciones competidoras han sido de un corte más elaborado y profesional.

MEDIOS (ELECTRÓNICOS) DE DIFUSIÓN


Además de todas estas instancias gestoras, valdría mencionar la valiosa labor de difusión aportada por algunas emisiones
televisivas que en el periodo de estudio crearon nuevos públicos y tuvieron la visión de brindar espacio a producciones independientes
poco conocidas, entre ellas a cortometrajes animados. Las más representativas fueron Abrelatas (2003-2009), producida por Canal
Once del IPN; Pantalla de Cristal (2001- ) y Corto circuito (2007-), transmitidos ambos por Canal 22 de CONACULTA; y Corto y
queda (2011-), de Canal 44 de la Universidad de Guadalajara. Otro programa sobre cine que llegó a mostrar contenidos sobre
animación con entrevistas a animadores, estudios y detrás de cámaras fue Cine-secuencias Televisión (2009-), coproducido por
Canal 22 e IMCINE.

147
CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

Y en cuanto a opciones destacadas de difusión informativa en internet, es indispensable destacar el esfuerzo del foro y página de
Golem Producciones , de Ricardo Torres; el referencial y destacado blog Animación en México (2007-) de Daniel Lara y María
Celeste Vargas; EnFilme.com , primera web-magazine de cine en México, fundada en 2010 por Alfonso Flores-Durón y con una
importante sección consagrada a la animación, editada por Sofía Ochoa y Luis Vázquez; la revista electrónica de animación, cómics y
arte gráfico Pegs Magazine , fundada en 2010 por Fernando Gómez y Claudio Ortega; y la aparición en 2011 del portal sobre
animación Tweenbox , concebida por Christian Bermejo.

148
CAPÍTULO 7: RECAPITULACIÓN Y ANÁLISIS . REFLEXIONES COSECHADAS EN EL RECORRIDO

RECAPITULACIÓN Y ANÁLISIS: sigue haciendo igual que antaño, cuadro a cuadro, con cuidado y meticulosidad, y con
REFLEXIONES COSECHAD AS EN EL RECORRIDO un estudio serio del movimiento en la naturaleza. La facilidad que otorgan las
computadoras ha vuelto a mucha gente perezosa e impaciente, queriendo todo de
Hay muchos animadores en México que no conocen el trabajo de sus colegas. inmediato y a través de cálculos automáticos de la máquina, lo que provoca
Esto provoca muchas veces que algunos vicios se repitan, o que se cometan los secuencias torpes, artificiales, y a medio hacer. En fin, una vez dado el brinco en el
mismos errores. El recorrido por la filmografía producida en estos años me permitió uso de herramientas y técnica digitales, muchos se deslumbraron con el despliegue
observar algunos patrones comunes, reparar en tendencias que no eran observables visual que estos medios podían lograr, y olvidaron que el elemento clave en cualquier
a primera vista, y dar cuenta de fenómenos que han obstaculizado el crecimiento del corto o largo es la limpieza de lenguaje cinematográfico y de sus historias. Por ello, es
cine animado en México, así como reflexionar sobre elementos que pudieran ayudar a imperativa en México la formación de guionistas especializados en animación, ya que
mejorarlo en los años venideros. Es por esto que me tomé la libertad de elaborar un esto llevaría seguramente al cine animado mexicano a nuevas alturas.
diagnóstico de la situación observada, y de un humilde pronóstico personal sobre los
factores que probablemente se modificarían en el futuro próximo, así como algunas RASTREANDO LÍNEAS O SELLOS ESTILÍSTICOS EN LA ANIMACIÓN
sugerencias. MEXICANA…
Después de organizar y clasificar todo el material encontrado, es de notar que
Para comenzar, hay que mencionar que en los ochentas había una generación para el estilo visual y discursivo –más logrado algunas veces, aparentemente
de animadores tradicionales con un mundo de experiencia que no fue heredada a inexistente en otras— han influido de manera importante: El formato trabajado
nuevos sucesores. Muchos artistas que trabajaron en su momento a nivel de maquila (largo o cortometraje); la ventana de salida del producto (cine, televisión,
para estudios extranjeros se diluyeron ante la falta de proyectos; algunos se internet…); y el público al que va dirigido. Así, se pueden encontrar
insertaron en la publicidad, pero muchos dejaron de trabajar sin pasar sus determinadas técnicas, diseño de arte y temáticas que diferencían, por ejemplo, las
conocimientos a la gente joven que comenzó a incursionar en las nuevas tecnologías. irreverentes cápsulas cortas de la web, las películas de espectro infantil-familiar, o los
Esto propició, en los noventas e inicio del siglo, una escasez de obra y de animadores conceptuales y artesanales cortometrajes.
que tuvieran verdadero conocimiento del oficio. Otro problema para el subdesarrollo
del medio animado ha sido que, a pesar de que en él se ha dado cita un grupúsculo De entrada, habría que decir que la producción a niveles generales, sobre todo
de creatividad inusitada y reconocida a nivel internacional, la animación como género de largometrajes, es bastante dispersa, sin una solidez técnica y en varios casos con
cinematográfico sigue siendo poco valorado en nuestro país. Ha sufrido, como un visible intento por imitar (de manera no muy exitosa) estilos de otros países más
mencionaba Manuel Rodríguez Bermúdez, de “un ninguneo histórico”.1 desarrollados en el género, es decir, sin líneas de estilo suficientemente claras qué
trazar en su conjunto. Sin embargo, creo que en este panorama vale la pena destacar,
Una bendición y maldición a la vez, fue la llegada de las nuevas herramientas debido a su más atrevida propuesta y reconocimiento general, ciertos rasgos
tecnológicas, a las cuales todavía no acabamos de adaptarnos. Los medios digitales observados en el acervo de cortometraje y obra de autor.
permiten tener atajos, proporcionan herramientas que no sólo disminuyen los tiempos
de producción, sino también los costos; pero lamentablemente, mucha gente que no En cuanto a este rubro, se puede reunir un grupo relativamente representativo
conocía de animación pensó que la llegada de estas innovaciones significaría que de producciones que, además de ganar varios galardones a nivel nacional e
hacer animación se estaba reduciendo a solo oprimir algunos botones. Las nuevas internacional, han mostrado líneas convergentes en su manera de trabajar, que con el
tecnologías y su inmediatez aburridamente homogeneizante dio lugar a un sinnúmero tiempo les ha hecho reconocibles y seguidas por algunos entendidos de este arte
mayor de proyectos, pero éstos comenzaron a carecer de espíritu, originalidad, y de la dentro de nuestro país, pero aún más (y sobre todo) fuera de él. Este grupo de obras
calidad técnica escrupulosa de aquellos proyectos quijotezcos y artesanales de inicios se conforma por animadores de toda la república, pero se nutre de manera
del siglo. Se pasó por alto que, aún con los nuevos recursos, la mejor animación se significativa del trabajo de varios artistas que radican en Guadalajara; sumado a estos,
la producción de varios colectivos de animación del DF también tuvo aportes con
1
Rodríguez M., Animación: una perspectiva desde México, CUEC, 2007, p. 192.
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CUENTOS Y RECUENTOS ANIMADOS: Panorama de la animación mexicana: 2000-2012

niveles discursivos interesantes, y algunos de sus trabajos también compartían adquirir la disciplina de la repetición, haciendo las cosas una y otra vez, una y otra
algunas de dichas características. vez, una y otra vez…
“Puede ser que a toda obra la disparó una referencia, pero a razón de hacerlo una y
Cabe decir que si no comprende la totalidad de estos buenos cortos, existe ya otra vez, y de buscar la manera más eficiente y diferente de hacerlo, se encuentra uno
en el imaginario colectivo cierta construcción o concepción de un estilo presente de tarde o temprano con la originalidad”.
manera recurrente en el cortometraje mexicano, sobre todo el que se presenta y se
difunde a través del circuito mundial de festivales de cine y animación. Así, muchas de Citaba el mismo Cabrera un concepto del arquitecto español Eduardo Chillida,
estas obras... acerca de que el secreto del arte está en hacer lo que no se sabe hacer, y abundó:
“Está bien que tus primeros bocetos no estén bien, que salgan feos, que a lo mejor
• Se ligan con el uso recurrente del stopmotion, o bien de técnicas que dejan un
se parezcan a otra cosa que ya se hizo, pero la labor de taller implica que eso lo hagas
sentimiento de hechura fuertemente artesanal, manual, imperfecta, armada cuadro varias veces, lo mejores, lo extiendas, hasta que llegues a un punto en donde lo que
por cuadro (aún si fueron maquilados digitalmente). hagas no solamente se vea genial, sino que sea diferente. Y eso es lo que nos hace falta,
• Rescate de elementos gráficos e ideológicos característicos del folclor y cultura creo yo que como mexicanos nos quedamos en nuestro primer o segundo intento. El
mexicanos (sin necesidad de caer en los clichés o estereotipos extranjeros). inicio de la originalidad, está en la persistencia. Llegar a tu límite, para saber qué barrera
• Muchos de ellos hacen claramente notoria su influencia o simpatía por obras de tienes que saltar, y no quedarte siempre en tu corral.” 2
realizadores de Europa del Este, encabezados por Jan Svankmajer, o de los
estadounidenses hermanos Quay. Volviendo al desarrollo histórico del medio, Carlos Carrera mencionó que la
• Una dirección de arte bastante trabajada, que presenta a menudo un manejo de animación reciente en México
ambientaciones, escenografía e iluminación de tonos oscuros y colores terrosos, “Es como dos historias que no se tocan: Por un lado se encuentran los
recurrentemente ricos en texturas. cortometrajes, que tienen ideas propositivas, originales, creativas, en los que hay una
• Obras de narrativa conceptual, experimental, o bien con un nivel de complejidad búsqueda estética; y por otra parte, está el lado comercial. Hay [muchos largometrajes
que implica cierto esfuerzo del espectador promedio para su lectura. Se les percibe que son] imitaciones muy extrañas y muy pobres de cine hollywoodense… de una
con un amplio uso de simbolismos y metáforas, así como temáticas serias que giran pobreza de ideas tremenda. Ahora ya están logrando mejores resultados narrativos y
técnicos pero... …en el largometraje industrial de animación hay una atroz falta de
recurrentemente en torno a la muerte, y/o la alienación psicológica o emocional de
iniciativa de cualquier búsqueda estética, lo cual es muy triste, porque por otro lado los
sus personajes (algo muy lejano de las clásicas caricaturas naifs de matinée cortos son de una potencia visual tremenda, y los largometrajes están muy centrados en
sabatina con las que el grueso de la población concibe todavía a la animación). la idea del negocio.”3

Cabe aclarar que en los cortos más destacados entre todo el material revisado, Y en este contexto, surgieron al final del periodo proyectos de largometraje que
hay temáticas, estilos visuales y técnicas tan diversas como artistas –encontrando eran dirigidos por reconocidos cortometrajistas, como la película Ana y Bruno del
varios dibujados y de 3D digital, con paletas de colores claros o vivos, y/o con mismo Carlos Carrera, o Lucas y Poncho Balón de René Castillo. En estos recaería
temáticas más alegres, cómicas o desenfadadas–, sin embargo, son varios los que una expectativa de que finalmente el trabajo y estilo de largos y cortos confluyera de
tocan las características arriba citadas, y que han provocado que tal se establezca manera más activa, y las películas pudieran adoptar algunos de los buenos elementos
tímidamente como un concepto o percepción tipológico de la animación mexicana. que se han presentado en los cortos, que tanto prestigio le han dado a la animación
mexicana en el extranjero, sin embargo, ningún proyecto de tal naturaleza ha podido
Ahora bien, hablando sobre la estética –o falta de ella— en la obra mexicana, y aún alcanzar la concreción.
qué se requiere para el mejor encuentro y logro de un estilo o sello propio, original y
destacable en sus obras animadas, y sobre todo, calidad, Luis Cabrera, Coordinador
de Postproducción y Diseño de la serie Imaginantes , comentaba la importancia de
desarrollar una fuerte labor de taller, y así, a la usanza de otro tipo de artistas, 2
Entrevista a Luis Cabrera, el 5 de junio de 2012.
3
Entrevista a Carlos Carrera, 7 de junio de 2012.
152
CAPÍTULO 7: RECAPITULACIÓN Y ANÁLISIS . REFLEXIONES COSECHADAS EN EL RECORRIDO

UNA INDUSTRIA EN PLENO CRECIMIENTO las instancias públicas de apoyo al cine. Igualmente, hay muy poca apertura de
Pasando al rubro del largometraje, en los últimos años, el peso del género espacio en salas de parte las cadenas exhibidoras, por su preferencia desigual hacia
animado en la gran industria cinematográfica internacional aumentó de manera las producciones estadounidenses, y esta discriminación se remarcó debido a la baja
indudable. Para darse cuenta, basta ver las cada vez más recurrentes nominaciones calidad que hizo mella en las primeras películas mexicanas de este nuevo siglo.
de filmes animados para el Oscar a mejor película, con títulos como Up (en 2010) y
Toy Story 3 (en 2011) de Disney. Así, las diez películas extranjeras más taquilleras Así, ante la incapacidad de competir con películas de alto presupuesto de cientos
en México en 2012 incluyeron cuatro completamente animadas, y todas las demás de millones de dólares, algunos estudios de animación en México se convirtiero