Habilidades, técnicas y procesos

Experimentación con Carboncillo y Grafito

Como todo aspirante a artista mis inicios fueron meramente
en dibujo, ya que quería ilustrar los más fiel posible la realidad,
para esto estuve practicando poder dibujar con carboncillo y
grafito todo tipo de figuras redondas

Experimeté por mucho tiempo con el carboncillo, pero nunca lo pude

dominar realmente, se me complicaba mucho visualizar las sombras
de las figuras, por lo que opté por utilizar otros medios
Muchos de mis problemas con el carboncillo estaban relacionado
al dibujo anatómico de mis figuras humanas, ya que al no estar los
dibujos anatómicamente correctos las sombras realizadas daban como
resultado dibujos no muy armónicos. Es decir, tenía que practicar más
dibujo anatómico para poder obtener buenos resultados en carboncillo,
sin embargo me di cuenta que con otros medios como la tinta, y la
pintura, este ipo de problemáticas no se daban, por lo que opté por
mejorar mis habilidades en esa áreas
Experimentación con Tinta Lo que más me gustó de esta forma de creación artística es que es muy
Continuando con la intención de realizar dibujos realistas, decidí experimentar con tinta. Esta era una expericiencia completamente versátil, ya que al inicio en el curso de Artes Visuales me interesaba
nueva, ya que anteriormente nunca había utilizado tinta para realizar un dibujo mucho el dibujo realista,y sin embargo experimenté con la temática
de cómic, utilizando esta misma forma de creación. Es decir, se pudo
adaptar a mis intenciones artísticas a los largo del curso

Comencé con ejercicios básicos para aprender

a dominar el pulso, y luego poco a poco fui
experimentando con figuras más complejas,
aunque presentaba el mismo problema que
con el carbocillo, por lo que decidí practicar el
sombreado tomando imágenes de referencia
para tener un mejor resultado, aunque al igual
que con el carboncillo tenía que mejorar mi
persepción sobre las sombras en la figura, pero
al contrario que con el carboncillo, con la tinta se
me facilitaba percibir las sombras y plasmarlas
en las figuras.
La tinta permite un mayor control sobre la
intensidad que se plasma en los dibujos, ya que
se inicia con lineas bases y se va intensificando
entre más lineas que coloquen, mientras que con
el carnboncillo se realiza el proceso contrario,
se inicia con intensidad y se va degradando.
Mediante esta experimentación pude mejorar
mis habilidades de sombreado
Experimentación con Pintura Acrílica
Previamente ya había tenido expericias utilizando la pintura acrílica, sin
embargo era metamente en la creación de paisajes, trabajos muy básicos,
aun así tenía un conocimiento sobre cómo pintar. Cuando comencé con esta
técnica en el curso de Artes Visuales tenía muchas falencias, como que no
agregaba luces a las figuras y me restringía a hacer sombras de la misma
gama de color de la figura original, por lo que mis pinturas se veían muy
planas

Para mejorar técnica en pintura, comencé a estudiar los

mapas de color que tienen las imágenes, que básicamente
se basaba en dividir en sombras, luces y colores intermedios
imágenes de revistas para poder así mejorar mi percepción.
Esto me servía para observar de donde provenía la luz,
y en base a eso ver donde comunmente se colocan las
sombras, etc.
Mi tecnica se basaba en tomar un color base y luego agregar color negro, Comencé estudiante el contraste entre los colores, de ésta
si era para una sombra, o blanco si quería aclarar la zona, para crear la manera podría tener conocimiento de qué colores utilizar
perspectiva de que es una figura en tres dimensiones. Sin embargo esta para las sombras y en base a esto que ambiente crearía
tecnica acaba dando resultados muy simples que no iban acorde a mis
intenciones, que era crear representaciones realistas del cuerpo humano.
Entonces fue cuando comencé a cambiar mi técnica implementando más
colores para crear las sombras, las luces y los colores intermedios
 El estudio de los colores me ayudó
mucho en mi técnica de pintura, aunque Placer
al principio me basé meramente en poder Trabajo Propio
identificar que colores se utilizaban para 30 cm x 20 cm
Pintura acrílica sobre
las sombras y las luces, luego apliqué lienzo
lo que observaba. Por ejemplo que el
azul y el morado se suelen utilizan para
sombras muy fuertes y para crear la
sensación se sombra creada por la luz,
mientras que los colores del mismo matíz,
por ejemplo del color piel, se utilizan
para hacer las sombras relacionadas a
la anatomía del cuerpo y las divisiones
Color base de este (Diferenciar el brazo sobre
el torso). También me di cuenta que
se utilizaba con mucha frecuencia en
rojo y tonalidades rosas para crear las
iluminaciones. Sin embargo el crear
este tipo de sombras e iluminaciones se
Iluminación me complicaba por los materiales, al ser
la pintura acrílica se secaba muy rápido,
así que tuve que ingeniarmelas para
poder hacer la combinación de colores,
Iluminación una vez que se secaba el color base
procedía a agregar las sombras con
un poco de agua para poder difuminar,
Sombra como se lo hace en acualera, y de esta
manera también agragaba las luces que
siempre quedaban como veladuras.
Finalmente, mi aprendizaje de los
mapas de colores, la experimentación
con las paletas de colores y el tener que
adaptarme al material utilizado (acrílico)
definieron mi estilo en lo que se refiere
a la pintura, el cuál se caracteriza por
la constante uilización del color morado
para sombrear, de pinceladas gruesas
y difusas, teniendo un toque post-
impresionista
 En illustrator se utilizan vectores, por lo que la presición para contornear era increíble,
Experimentación con Ilustración Digital sin embargo me parecía muy tedioso que para colorear tenía que volver a vectorizar
Comencé utilizando el programa Paintool SAI, que ya había utilizado en toda la figura. Por lo que hacía doble trabajo cada que realizaba una ilustración
previas ocasiones. Este programa me permitía un “fácil” manejo de las
herramientas que proporcionaba para la digitalización de dibujos o imágenes
fuente. Mi obra “Shy” fue realizada en este medio

Delineado de
la figura

Fuente de la imagen base para la ilustración: https://

www.oricon.co.jp/news/2068599/photo/2/

Este programa me permitia contornear las imagenes, sin embargo a momento

de querer agregarles, color la herramienta de selección no permitía realizar
una selección muy precisa, por lo que los resultados tampoco eran de gran
calidad. Es decir, se me dificultaba al momento de colorear
Había decido cambiar de programa porque si bien mis resultados mejoraron, el
proceso de realización me tomaba mucho tiempo, aunque eso era en partes porque
recién estaba comenzando a dominar la Herramienta para Vectorizar, sin embargo
decidí aprender más sobre el pograma, y fue ahí cuando me di cuenta que había
más de una forma de ilustrar, y la que se optimizaba más el tiempo, al no tener que
realizar doble vectorización para contonear y colorear, era vectorizar cada figura que
se pintaría, es decir, vectorizar figuras cerradas para poder colorearlas directamente
con la herramienta de color. Esto evitaba el paso de doble vectorización, aunque
alargaba este proceso, pero aún así se conseguían mejores resultados y se optimizaba
tiempo
Fuente de la Belucci
imagen base para Trabajo Propio
la ilustración: 29,7 cm x 21 cm
Ilustración Digital
pin /388294799
112800150/?
lp=true

Para mejorar mis ilustraciones empecé a aprender a utilizar en programa

Adobe Illustrator CS6, el cual me permitía tener una mejor presición al
momento de contornear y pintar. Eso fue lo que en primera instancia me
hizo cambiar de programa
Al igual que con el carboncillo, la tinta y la pintura, es la práctica lo que mejora la
técnica. La ilustración digital se me da con facilidad pero fue gracias a la constante
práctica vectorizando imágenes, ya que mediante esto se desarrolla la agilidad de
Vectorización del contorno
colocar los puntos lo más preciso posibles para obtener una figura más armónica.
Con armónica me refiero a que todas las lineas curvas y rectas fluyen contorneando
la figura que se está dibujando. Algo que pude notar es que entre más desarrollaba
la habilidad para vectorizar era la cantidad de puntos de anclaje utilizandos en un
dibujo
Vectores de la ilustración

Puedo decir, de acuerdo a mi experiencia, que lo que define el desarrollo de las

habilidades para vectorizar es la práctica, para que la vectorización sea fluida, y la
identificanción de las sombras e iluminaciones de la figura a la que se está dibujando,
ya que es mediante las sombras y las iluminaciones que se logra un mejor acabado. Identificación
Es decir, eso también depende del estilo, pero como mi intención es ser lo más de las
realista posible, para mi es fundamental que luzca de esa manera sombras e
luminaciones

Figura plana Sombras Iluminación Coloreado a escala de

grises para simular la forma
final
Experimentación con medios basados en lentes Capas de video y audio para
Programa de Edición superposición de imagenes
Mi interés por producir un cortometraje era bastante, sin embargo producir un
corto en el curso de Artes Visuales puede ser algo diferente, ya que tuve que
aprender mucho sobre los planos, ángulos y movimientos cinematográficos,
debido a que las imágenes son las que deben transmitir todo el mensaje, el
sentido narrativo, y todo lo que se quiere emitir. La meta era poder lograr eso
mediante imágenes en movimiento
Este plano lo hice
en perspectiva
para presentar el Storyboard del cortometraje
escenario: una chica
preparandose para
maquillarse. En este El programa que utilicé para la edición fue Sony Vegas Pro 13, que me permitía editar tanto la parte visual como la sonora. Lo que más me gustó de este
plano en específico programa fueron loe efectos visuales que me permitió hacer, que también es una parte importante dentro de la producción de un cortometraje, ya que puedes
el sentimiento que se manejar los filtros de color para crear un ambiente, mejorando la imágen digitalmente, y no dependes del clima con el que se graba. En este primer caso, ajusté
quería transmitir era de la saturación, el brillo y el contraste, ya que el video original se emitía una iamgen triste, y la idea era que se viera un ambiente vivo y de ensueño.
frustración, y se logró Video Original Proceso de Edición Resultado
junto con la expresión

Ambos planos fueron

planeados para
mostrar al personaje
pensando, a través
de las rejas para
emitir un sentimiento
de encierro, teniendo
el mensaje de que
la mente humana se
limita a los sentidos de
nuestra realidad. No fue
necesario expresarlo Una ténica cinematográfica es la sobreimpresión que sirve para mostrar al espectador lo que pasando por la cabeza
en los diálogos, sino del sujeto. En este caso se quería mostrar lo que el personaje leía e imginaba el mismo tiempo, para esto se utilziaron
que se se eligen los dos videos distintos y el programa se bajó la opacidad al video del libro, para que se mostrara tambien las imágenes
planos (Primerísimo del mar. La opacidad es la intensisdad con la que la imagen se proyecta, por lo que si se baja la opacidad, se hace
primer plano, y más transparente la imágen.
Plano Medio Corto,
respectivamente) y se
utilizan simbolismos
dentro del plano para
emitir sólamente
mediante la imagen el
mensaje
Esta es sin duda la parte con la que más se experimenta ya que
puedes llegar a expresar diversos sentmientos depediendo del
plano con el que se planee una escena, ya que depende del plano
la manera en que se proyecta el mensaje y la manera en que el
espectador lo visualizará
Experimentación con Escultura
Mi primera experimentación con creando una escultura fue con
arcilla para modelar. Recuerdo que no sabía nada del asunto, por
lo que consulté video de Youtube, y esas fueron mis bases para mis
siguientes experiencias. También debo recalcar que me basaba
mucho en la intuición para darles la forma mis esculturas, que toda
fueron basadas en la figura femenina
También experimenté con plastilina para hacer esculturas.
Este material me resultó más fácil de manejar, ya que no
se secaba como la arcilla, además de ser más suave para
moldear. La platilina al ser más fácil de moldear me permitó
obtener mejores resultados, además de sólo tener que
rosearla con barniz y cola blanca para que se endurezca
 Los encajes son
Experimentación con Textiles y Objetos de Diseño importantes para la
lencería ya que son
los que le dan el toque
diferente a cada diseño.
Para este caso escogí
un encaje color rosado
con forma de rosa. Es
cogí este color porque
contrastaba con el
color negro de la pieza
principal, este encaje
sería la pieza que le
daría el toque femenino
y delicado al brasie
El primer diseño que
hice se basaba en unir
dos pieza triangulares
que se cosen por la
parte central, para ahí
colocar una cinta, dando
lugar al diseño. Pero al
momento de hacerlo y
ver el resultado, no me
gustó, por lo que decidí
cambiar el diseño.
Entonces consulté otros
dieños que me podrían
gustar, y en lo que más
me inspiré fueron en los
bralettes de Elgert L

Esta forma de creación artística me llamaba mucho la atención, ya que una de mis obras sería una pieza de lencería femenina. Entonces
consulté sobre las medidas que se necesitaba tomar para hacer un brasier y posteriormente invetigué sobre los moldes que se deben
hacer según el tipo de brasier que se quiere hacer. Esta es la parte más complicada realmente, puesto que hay que hacer los moldes
basándote en las medidas de la modelo, y puede llegar a ser un poco confunso hacer los moldes y que queden bien. Luego de esto
viene la parte divertida que es crear los diseños para la ropa, para esto tomé referencias de lencería muy antigua hasta lencería actual,
además de consultar en páginas de Instagram de marcas de lencería femenina para inspirarme en diseños. Finalmente viene el proceso
de armar la lencería, para esto hay que comprar la tela que más se ajuste al diseño que tenías en mente desde un principio, en mi caso
tuve que variar porque no encontraba un tipo de tela que se ajustara a mi diseño original. Entonces se toma los moldes que se hicieron
en un principio en base a las medidas y se corta la tela en base a estos moldes, y se comienza a coser las diferentes partes para ir
dando la forma a la pieza final.
 Investigación Crítica Jamie Hewlett Jhonen Vásquez

Según yo tenian mucho en común, por lo que hice una comparación de sus técnicas
y conceptos, y si bien compartían ciertas similitudes, ambos tenían una escencia que
hacía único su arte. Por otro lado, si bien Vásquez me influyó mucho en mis inicios fue la
técnica de ilustraciones digitales de Hewlett que me influyó a lo largo de todo el curso de
Artes Visuales, como se lo puede observar en mi experimentación en las páginas 5 y 6

Let me out of this

Trabajo Propio
42 x 29,7 cm
Tinta china y pintura
blanca sobre cartulina

Influencias iniciales: El cómic y lo bizarro

Al inicio del curso de Artes Visuales, comenzamos a experimentar con el concepto de lo Bizarro, y me gustó tanto que busqué artistas que estuvieran
relacionados a ello, y los que más me gustaron fueron Jhonen Váques y Jamie Hewlett, ya que ambos tenían un estilo geométrico y hacían cómics,
además de tratar sobre temas sociales y expresar mediante sus cómics frustraciones internas. Estos conceptos y carácterísticas fueron los que me
inspiraron en crear mi primer trabajo para la clase, que se basaba mucho en el estilo de Vásquez y en las frutraciones que tenía yo sobre vivir en un
país con límitadas opciones no solo educativas pero también laborales y económicas, por lo que cree Let me out of this, que trataba de representar
estas frustraciones.
 Desnudo Desarrollo de nuevas Ideas: El
Egon Schiele
44,4 x 29 cm
1917
Desnudo Femenino
A pesar de que inicié con una temática con estilo cómic
y temática de lo bizarro, la figura femenina era algo que
siempre había estado presente en mis dibujos, como se
puede ver en mi experimentación con el carboncillo, y
decidí tomar en cuenta algo relacionado a ello, cuando
estudiamos a Egon Schiele. Su estilo es particular y
muestra a simple vista movimiento en el dibujo, traté de
imitar su estilo un par de veces pero no me resultaba
muy bien, por lo que su mayor influencia fue en hacerme
Experimentación
decidir en utilizar la figura femenina dentro de mi temática
del estilo de
para la exhibición
Schiele
Experimentación
del estilo de
Schiele

Dos amigas
abrazandose
Egon Schiele
1915
 Judith I
InfluenciaTemática:
Gustav Klimt
óleo sobre Lienzo
Mitologías, Femme Fatale y
1901
84 cm x 42 cm
Österreichische Galerie
Arte de Escándalo
Belvedere Gustav Klimt fue uno de los artistas que
estudié que me influyó fuertemente en el area
conceptual de mis obras. En primer lugar me
llamó la atención por su singular manera de
representar cuentos/historias de la mitología
griega o bíblicos, ya que cuando decidí utilizar
la figura femenina como tema de mi exhibición,
pensé en maneras de representar la belleza,
esto me llevó a tomar en cuenta la mitología
griega, la era clásica y su concepto de belleza.
Al consultar artistas relacionados encontré a
Klimt, pero lo que más me llamó la atención
de él era su polémica manera de representar
estos cuentos bíblicos y mitologías. Eso me
inspiró a tratar de darle un enfoque parecido a
mi exhibición, para esto les di las características
de seguras, lujuriosas, seductoras y malignas
a las mujeres que fueron protagonistas dentro
de mis obras artísticas. Experimentación
relacionada a la Femme Fatale se puede ver
en la experimentación con tinta e ilustración
digital en las páginas 2 y 6 respectivamente.
Influencia Temática: Erotismo desde el punto de
vista femenino, Masturbación y Amor Propio
Tina María Elena Back me brindó un punto de vista completamente diferente al
usual sobre el erotismo. Ésta artista abarcaba un sin número de temáticas que
me llamaron la atención como la masturbación y el amor propio, proclamando
que se debía romper tabúes sobre la sexualidad femenina y hacer que las
mujeres se empoderaran sobre sus cuerpos y sexualidad. A mi punto de vista,
al ser una artista de Instagram, era un tipo de lucha social, por lo que al hacer
arte por la misma causa me hacía sentir parte de ello, y por lo tanto me influyó
para uno de los matices que le di a mi exhibición.
Al inicio de estudiar a ésta artista, quise experimentar con su técnica, pero no
me fue muy bien, y eso pasó con la mayoría de los artistas, y creo que eso fue
debido a que yo ya había comenzado a experimentar formas de creación artistas
previamente a comenzar a estudiar artistas, por lo que ya tenía formado un
propio estilo, y más bien, terminé adaptando el estilo de los artistas estudiados
al que yo tenía desarrollado a ese punto.

Experimentación
del estilo de Back
Kiss me No. 3
Tina María Elena Back
Acuarela sobre
cartulina
21 x 29,7 cm
tinamariaelenaback.
com

Self Love No. 14

Tina María Elena Back
Acuarela sobre
cartulina
21 x 29,7 cm
tinamariaelenaback.
com

Experimentación
del estilo de Back
 Estudio y
comparación de los
tres artistas:
La investigación sobre
estos tres artistas me
permitió desarrollar ideas
nuevas e influyó de
gran manera en la parte
conceptual de mis trabajos,
a pesar de no tener
influencia sobre mi técnica
directamente, también me
permitieron experimentar.
Al ver que los tres artistas
se relacionaban de alguna
manera, decidí colocar las
características de cada uno
y sacar ideas centrales que
me sirvieran para poder
definir un tema, aunque
Desnudo Boceto

De pie desnudo en
Gustav Klimt
Fecha Desconocida
sea una temática que me
Make Love
negro medias
Egon Schiele
permitiera expandirme a lo
Self Love No 42 Watercolor No. 143
Tina María Elena Tina María Elena
1917
Desnudo Boceto largo del curso, entonces
Back Back Gustav Klimt
Acuarela sobre Acuarela sobre Semidesnudo
Fecha Desconocida me di cuenta que lo que
cartulina cartulina
21 x 29,7 cm 21 x 29,7 cm
arrodillado
Egon Schiele realmente me llamaba la
tinamariaelenaback. tinamariaelenaback.
com com
1917
atención de los tres era su
representación de la figura
femenina y los desnudos,
además de tener a mujeres
fuertes, seguras de sí
mismas y voluptusosas (en
el caso de Klimt y Back).
Entonces luego de ésta
exhaustiva investigación
y comparación, pude
establecer esa temática
central, con la cuál ya
había desarrolado algunos
trabajos dentro de las
clases del curso.
 Mis primeras ideas para obras estuvieron influenciadas por los artistas Jhonen Vásquez y Jamie Hewlett, por eso tenían esa temática de Bizarro. Por
Comunicación de Ideas e Intenciones Ideas parte de Jamie, me gustaba mucho la banda Gorillaz, en la cuál realiza las ilustraciones, por lo que quería mezclar ambos temas y tratar de llevar a
Iniciales cabo una obra, sin embargo a lo largo del curso mis ideas tomaron otro rumbo
 El nacimiento de
Venus
Alexandre Cabanel
1863
Pintura al óleo
Cuando estudié a Egon Schiele tomé la desición de cambiar por completo de lo Bizarro a la Figura Femina, y luego del estudió de Tina María
Desarrollo de Elena Back y Gustav Klimt, cambié los temas por completo, tomando un poco de la técnicas que ya sabía como el carboncillo y la plumilla para
225 cm × 130 cm
Museo de Orsay,

Ideas planificar obras en base a esto, pero sin definir por completo un tema central que conectara a todos mis trabajos París
 Progresión Temática
A este punto trataba de tratando de unir los conceptos de desnudos, figura femenina
y homosexualidad, pensé en unirlas mediante algún concepto más grande como el
Naturalismo y el Determinismo Biológico, para poder abordar desde ese punto el
erotismo, que sería enfocado tanto en hombres como en mujeres, pero el tener tantas
posibilidades con el tema para la exhibición, me pareció que sería muy abierto y que
tal vez al final no se notaría la conexción entre todas las obras presentadas, por lo que
decidí limitarlo solo al erotismo femenino
 Delimitación del tema
Cada que hacía una investigación sobre el erotismo encontrba más y más ideas para el
tema, y pensé que eso era una desventaja, e incluso pensé en cambiar de tema, pero ahí
fue cuando me di cuenta que esa misma variedad era lo que hacía grandioso al tema y
me permetiría experimentar con una variedad de formas de creación artísticas, fue en este
punto que definí al erotismo como un espectro y la idea se formalizó y se delimitó en 5
matices, que se verán en la sigueitne página

https://www.instagram.
com/p/BoBT7ZKnO1S/?-
https://www.biography.com/people/
taken-by=stelavitsu_lin-
marilyn-monroe-9412123
gerie
http://myporn.today/
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 Lo que más mes costó en la renovación de ésta obra fue adaptarme a
Revisión y perfeccionamiento nuevo tamaño de liezo que había escogido, ya que los lienzo de la serie
de pinturas originales eran muy pequeños, no permitiendo crear detalles.
Para este cuadro no había desarrollado por completo la técnica de pintura
que había estado practicando, aún así mi uso de solor para crear sombras
e iluminaciones mejoró a como estaba en la primeras pinturas, en donde la
sombras no están difuminadas y parecieran que no fueran parte del cuadro,
además de darle un sentido cercano al cómic, o caricaturezco

Figura plana, con

solo la base de
color
Pintura a punto
de terminar
Lo primero que hice fue cambiar las poses con las que se formaría la serie, con sombras e
además de incluir a mujeres de tez morena. Para esto tomé de referencia iluminaciones en
imágenes de internet, y como nunca había pintado a mujeres morenas, tuve la piel y los labios
que experimentar con los colores para obtener el tono adecuado, que me
permitiera crear sombras e iluminaciones.

Adhesión de
sombras Mientras que mediante la utilización de ésta técnica los resultados se en
más reales, que ese había sido mi propósito desde un principio en cuanto
al carboncillo, la tinta y la pintura.
Finalmente, en el refinamiento de ésta serie de pinturas, pude desarrollar
Este trabajo es una serie de pinturas llamado Lips, que fue uno de los primeros
mi técnica en pintura, hacer de mis cuadros más realistas, además de crear
trabajos que hice en pintura basandome en la temática de Tina María Elena Back,
un mejor trabajo a nivel formal. Esto se complementa con el concepto de
sin embargo luego de haber experimentado en bocetos con mi ténica en pintura,
cuadro, que no cambió, pero mediante éste perfeccionamiento creo que el
me di cuenta que ésta tenía mis errores básicos de sombreado, que no utilizaba
receptor recibe de mejor manera el mensaje de la serie de cuadros, que se
otras gamas de colores, por lo que cuando definí mi tema de exhición, Erotismo
refiere a que no es necesario el desnudo para que un acto sea erótico.
Femenino, si quería utilizar esta pintura, por lo que decidí renovarla

Figura plana, con

solo la base de
color

Adhesión de
sombras e Una de las
iluminaciones en pinturas en su
la piel etapa final
 “Aslaug” se suponía Los resultados sobre
que era una de mis la figura de Aslaug no
primera obras hechas son malos, y de hecho
solamente a carboncillo, podría considerar
aunque para este punto que fue un muy buen
ya había llegado a la trabajo considerando
conclusión de que el mis antecedentes con e
dibujo a carboncillo no carboncillo
era mis mejor técnica
y había decidido no
tomarla en cuenta,
debido al concepto de
clásico decidí usarla
Entonces decidí hacer
un nuevo dibujo bajo el
mismo concepto pero
con un fondo distinto,
sin embargo éste dibujo
no me salió para nada
bien, debido a la errónea
composición anatómica

Sin embargo me
di cuenta que la
composición del dibujo
era errónea, además
de no considerar tener
Realmente pensaba la habilidad de poder
que poniendo mi mejor dibujar un bosque y Por esas razones decidí
esfuerzo lograría un arbustos, que era lo finalmente utilizar
buen resultado con el que tenía planeado, la tinta, además de
carboncillo, así que basandome solo en el cambiar el concepto e
comencé a hacer el lápiza carboncillo incluir a Afrodita dentro
dibujo del dibujo
 Sin embargo no Y luego la volví a recubrir
quedé contenta con con una plastilina más
Ya había experimentado los resultados finales suave y utilicé las manos
anteriormente con y decidí hacerla para darle suavidad
escultura, por lo nuevamente. Debido a la masa, y con esto
que hacer ésta fue a que había recubierto remoldeé las partes de
relativamente fácil, al la escultura con cola la figura, obteniendo
ya saber como moldear blanca, tuve sacar mejores resultados que
una masa y darle forma con un rastrillo la capa los del principio, donde
supercial de platlina la figura estaba rígida

El trabajo con
plástilina resulta
mucho más fácil de
corregir, ya que no
se seca, sino que se
barniza o se endurece
con la pintura que se
le coloca. Esto me
permitó desarrollar
más habilidades en
cuanto a moldear
esculturas, con la
plastilina se tiene
un mejor manejo y
La escultura con control, además de
arcilla normalmente se permitirte corregir
seca con la luz solar, errores, agregar
a la plastilina para o quitar masa sin
endurecerla se la puede preocuparse de las
barnizar, reubrir con fisuras
cola blanca o pintura
 Reflexión

A lo largo de todo el curso de Artes Visuales lo que más hice fue experimentar con distintas formas de creación artística, esto se dio debido a que nuestro
profesor nos incetivaba a experimentar. Sin embargo, también tuvo mucho que ver el hecho en que yo definiera cuál iba a ser el hilo conector de toda mi
exhibición, es decir, cuál sería el tema que se basaría toda mi exhibición, y mientras investigaba y desarrollaba ideas para definir y delimitar un tema, fui capaz
de desarrollar mi técnica en formas de creación artística de mi interés como lo son el carboncillo, la tinta y la pintura, sobre todo con el carboncillo que fue una
técnica que intenté dominar, pero al final no pude. Entonces para cuando ya definí un tema, la planificación de mis obras se basaba en los distintos matices
que había definido para el concepto de erotismo femenino, y los que yo abarcaría, que eran cinco. Entonces es ésta parte la que me da la libertad de poder
seguir experimentando con otras formas de creación artística como la ilustración digital, los medios basados en lentes, la escultura, y los textiles y objetos de
diseño, porque yo escogí los materiales basándome en el concepto central que quería transmitir en mi exhición. Por ejemplo, las ilustraciones me permitía
utilizar imágenes de referencia, y así pude captar la escencia de las expresiones de las celebridades que me interesaba retratar; los medios basados en lentes
me permitió grabar un cortometraje en donde podía captar en todo su esplándor la sensualidad que emite una mujer al maquillarse, cosa que no habría poder
hecho por otro medio; la escultura me permitió hacer una representación de tres dimensiones sobre los temas de BDSM y Bondage, que debido a mis alcances
como estudiante no pude conseguir modelos que estuvieran dispuestas a posar para hacer referencia a ese matíz del erotismo, y sin embargo, pude lograr una
intención parecida con la escultura; los textiles y los objetos de diseño me permitieron crear la pieza de lencería, en vez de sólo dibujarla, el crearla y que el
espectador pueda interactuar con ella es mucho más personal y causa impacto. Finalmente, ésto también me permitió tomar obras que había hecho sólo por
experimentar, refinarlar y modificarlas, y al mismo tiempo que las modificaba, mejoraba mis habilidades técnicas en ésas áreas.