Вы находитесь на странице: 1из 4

Teatro de la crueldad

JEAN GENET
Nace en parís, es hijo de una prostituta. Con desdelos 10 años, hasta los 30, se enfrento a varios cargos de
robo y de prostitución homosexual, por lo que fue condenado a cadena perpetua. En la cárcel escribió y
publico varios libros y su prestigio literario mueve a muchos escritores franceses para pedir su libertad, la
cual se le concedió por el presidente de Francia. Estuvo vinculado con el teatro de Artaud, sus personajes son
maginados de la sociedad y tiene una estética en la que el sacrilegio y el principio de crueldad y maldad
aparecen como forma personalísima de religión y vinculado a lo trascendente, en ella el ritual es
determinante. Tiene conexiones con el teatro de la maldad y la crueldad.
Fue novelista y dramaturgo y en sus obras expresa una rebelión contra la sociedad y sus convenciones. Fue
descubierto y patrocinado por Sartre, lleva a cabo una apología de sus obsesiones personales y su vida
irregular, motivada por los escándalos, el último de esos fue por el estreno de Los biombos. Sus obras
anteriores están caracterizadas por temas como la violencia, la maldad o las tensiones eróticas. Su primera
obra, Las criadas, es una de las más exitosas y marco su entrada en el teatro del absurdo, en esta dos criadas
se turnan para interpretar el papel de señora, buscando sus identidades, en un medio entre la fantasía y la
realidad. En Estricta vigilancia, El balcón, Los negros y Los biombos, usa cambio de papeles y la inversión
entre el bien y el mal, como técnica para señalar la falsedad de los valores sociales y políticos. Sus obras
expresan una profunda simpatía por los desheredados y marginados, expuestos en el sexo, el delito o la
muerte. Sus obras contienen rituales, crueldad y convicción acerca de la absurdez de los valores morales. Sus
escritos se consideraron al principio pornográfico, Genet fue definido como existencialista preocupado por
los problemas de la identidad y la alineación. Recibió el Premio Nacional de las Letras francesas. Dejo de
escribir y se dedicó a liderar causas a favor de los marginados, los pobres, los homosexuales, ladrones, etc.
TEATRO PÁNICO
FERNANDO ARRABAL
Nace en Melilla y estudia derecho en Madrid. Decidió exiliarse a Francia y desde entonces vivió en Paris.
Escribió en francés y español. Fue un escritor con gran sentido de la provocación anticlerical, antimilitarista,
irrespetuosa, violenta, etc. Es admirador de Kafka, Beckett y André Breton. Define su teatro como teatro
pánico, muy cercano al principio al teatro del absurdo. Etapas:
- Primera etapa: teatro del absurdo.
No es un absurdo intelectual, su absurdo está en el dialogo y en la acción. Su producción es absolutamente
innovadora respecto al teatro español. Sus primeras obras son también llamadas dramas sin esperanza, de
gran elementalidad escénica con decorados sencillos, personajes primitivos y lenguaje ingenuo. Un teatro en
que nada parece al que se veía en España. Sus obras más representativas son Picnic y El triciclo. EN algunas
obras de esta etapa aparece el teatro del exilio y la ceremonia, en obras como: Fando y lis, Ceremonia por un
negro asesinado, Los dos verdugos, El laberinto, Oración y El cementerio de automóviles.
Lo importante de este periodo es por la diferencia con los dramaturgos españoles, derivado de su residencia
en el extranjero y su proximidad a movimientos culturales de vanguardia.
Estas obras tienen una estructura lineal, fácilmente comprensible. Desde un principio aparece su concepto de
muerte, que llega a ser ejercicio de ritual. Es unas víctimas. Introduce notas autobiográficas, reales o no, pero
siempre sentidas. Los decorados, rozan el realismo, pero muy despojadas de elementos. Sus descripciones
son escuetas, disponen de señales simbolistas que abren la imaginación del escenógrafo.
- Teatro pánico
Sus de sus colaboraciones con Jodorowski y Topor, se inspira en el teatro de Artaud y en el surrealismo de
Breton en los happenings. En nombre de este teatro alude al dios Pan, que con su música hacia perder la
cabeza a quienes le escuchan, que liberaban sus sentimientos y emociones de entrega y repulsión. Así surge
un teatro cuya naturaleza es establecer una relación sadomasoquista entre personajes y espectador, para lo
cual el autor no duda en presentar en escena un mundo amoral y cruel presentido por el erotismo y la
Perversidad, lo que provoca las acciones airadas del público, que era lo que pretendía. Este caracterizado por
la búsqueda de lo formal y la utilización casi exclusiva de elementos surrealistas en que al lenguaje se
refiere.
Obras: Orquesta teatral, La princesa, La primera comunión, Concierto en un huevo, La bicicleta del
condenado, El strip-tease de los celos, Ceremonia para una cabra sobre una nube, La juventud ilustrada,
¿Se ha vuelto loco Dio? Y Ars Amandi.
El pánico es definido como una manera de ser presidida por la confusión, el humor, el terror, el azar y la
euforia. Se realiza en la fiesta pánica, otros autores fueron Jodorowski, Topor y Stemberg.
Incorpora la ceremonia como comportamiento teatral Ej.: El gran ceremonial, La coronación, El arquitecto y
el emperador de Asiria y El jardín de las delicias, también llamados dramas de esperanza lejana e incierta.
La plástica tiene un complejo mundo de signos.
Combinan elementos pánicos con formas vodevil. Los elementos cumplen con una misión estética e
utilitaria. Arrabal soñó con un teatro en que los objetos tuviesen autonomía y fuesen capaces de reemplazar a
los personajes. El pánico simpatiza con el barroco, y por el realismo onírico. La fuente procede de su
biografía, deformada por la memoria y los sueños. La pesadilla es la forma más habitual del trabajo de la
memoria junto a la ironía el humor y la euforia. Es una escritura onírica, el artista trabaja en el terreno del
inconsciente
Notas más características: origen y concepción libre de censura, predominio de las fijaciones y las imágenes
oníricas, carácter psicodrama tico, base sagrada, tendencia a la forma ceremonial y teatro total y barroquismo
en el vestuario y elementos escenográficos del pánico.
Periodos del pánico
- 1º: El gran ceremonial y la obra breve
- Pánico consolidado: La coronación, el arquitecto y el emperador de Asiria
- Pánico revolucionario: el psicodrama deja paso al socio drama.
La tensión dramática surge del yo y el superyó. El superyó representado por el universo materno, logra
dominar al yo pero no anularlo, intenta acaparar en exclusiva sus sentimientos, pretextando la debilidad del
yo para enfrentarse con el mundo, el yo toma conciencia de su pequeñez y se siente vilipendiado por los
otros. Tiende a buscar refugio en el amor del ser al que considera la causa de sus males: la madre.
Al personaje pánico solo le queda la vía de la representación entendida como un ensayo del yo, armado para
deshacerse del superyó. El yo intenta destruir el súper yo materno. La catarsis conlleva una crítica al sistema
ético-estético tradicional, lo convencionalmente feo, tiende a verse progresivamente libre de su carga
negativa. En el pánico pasaremos de las superposiciones erotizadas del primer pánico a las recreaciones
evangélicas. El personaje pánico no abomina de Dios, solo abomina de Dios que el súper yo quiere
imponerle. Las obras pueden ser unicirculares buscando un lenguaje teatral, de imagen. La ceremonia es la
forma que explica y da sentido a los elementos que la conforman.
El personaje es teatral, el actor investirá de gestualidad. Tiene un carácter connotativo y simbólico.
El espacio suele ser la habitación, concebida como un cubo de salidas vigiladas. La imposibilidad de salir
explica la casi constante presencia de los personajes principales de la obra. El espacio es el espacio paterno,
queda incluido en el superyó social. La presencia en la representación por medio de imágenes acústicas o
visuales.
Objetos: quiere que cobren plata autonomía y sea capaz de reemplazar a los personajes. Destacan:
candelabros, cuchillos, etc. Dentro de la ceremonia destacan los vestuarios que contribuyen a la
transformación del personaje, hay objetos simbolizan tés de la huida.
El tiempo: es el elemento ordenador. Acrónica infringimiento de la lógica temporal del antes y después. Los
cambios los marca de varias formas. La duración se presenta como un tiempo detenido dentro del real físico.
Su ritmo es más pausado.
- Teatro de guerrilla
Etapa provocada por su experiencia carcelaria en España. Usa espacios barrocos. Ej.: La aurora roja y
negra, Bestialidad erótica, etc.
- Teatro bufo
Se ríe ante todo de sí mismo, reivindicando el teatro vodevil. Se interesa más en detalles particularizan tés e
intenta ser exponente de su momento y perdura en el futuro. El espacio más frecuente es la casa que puede
estar en cualquier parte del mundo. Hay que añadir la ilusión del espacio extra escénico. Los objetos no
cumplen funciones simbólicas. Hay escenas iniciales donde se da información sobre los personajes. El
espectador debe saber más que los personajes para disfrutad del quid-pro-quo. Hay un empleo usual del
transformismo y travestismo que sustituye en un tono degradado las investiduras y metamorfosis del Pánico.
Obras: Róbame un billoncito Apertura oranguta, Punk y punk Y Colegram.
Realismo español
Buero Vallejo
Nace en Guadalajara, estudio en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Al final de la guerra es
condenado a pena de muerte. Tras pasar por varias cárceles, sale en libertad. Vuelve a su vocación pictórica,
la cual quedó relegada a un segundo plano tras obtener el premio Lope de Vega con Historia de una
escalera, este mismo año recibió el premio de la Asociación de Amigos de los Quinteros por Las palabras en
la arena. Desempeño una actividad intelectual y literaria intensa, muchas de sus adaptaciones son de
Shakespeare, Ibsen y BERTOLD Brecht con gran perfección. Perteneció a la Real Academia y murió en
Madrid en el año 2000.
Su obra es difícil de clasificar, se integra en una serie de planos que aparecen superpuestos en sus primeras
obras y que van evolucionando a través de su trayectoria dramática. Historia de una escalera se clasifica
como drama de la frustración social, visto a través de tres generaciones de clase media/baja. La ardiente
oscuridad trata sobre Institución de ciegos, en el que plante el dilema de si debemos aceptar nuestras
limitaciones tratando de ser felices o debemos rebelarnos trágicamente. A estas le siguen La tejedora de
sueños basada en el mito de Ulises y Penélope, La señal que se espera donde exalta el poder creativo de la
fe, Casi un cuento de hadas, trata del valor de la posesión del amor e Irene o el tesoro, sobre la diferencia
entre el mundo real y la fantasía. En Hoy es fiesta y Las cartas boca abajo el ambiente es parecido al de
Historia de una escalera desarrollándose en la azotea e interior de casas modestas. Un soñador para el
pueble es un drama histórico, pero termina derrotado por el pueblo. Escribe sobre Velázquez Las Meninas y
sobre Goya El sueño de la razón, de Larra La detonación, sobre este grupo se encentra El concierto de San
Ovidio. En La doble historia del doctor Valmy, trata la tortura. En La llegada de los dioses, aparece la
ceguera, como símbolo de la rebelión contra las injusticias que le rodean. La Fundación presenta presos
políticos en busca de la libertad. La situación política de finales de los setenta se inspira en Jueces en la
noche. Con Caimán vuelve a los planteamientos sociales de su comienzo. Su obra es considerada la más
relevante de la postguerra. Se clasifica su obra en:
- Teatro existencialista con técnicas realistas: estética realista-tradicional que admite elementos
simbólicos. Historia de una escalera, Las cartas boca abajo, En la ardiente oscuridad y La tejedora
de sueños
- Teatro social con técnicas simbolistas. Dramas históricos basados en hechos y personas reales. El
argumento admite una segunda lectura de tipo simbólico en la que reside toda la fuerza respecto a la
España del momento. Ej.: Un soñador para un pueblo, El tragaluz, Las Meninas, El concierto de
San Ovidio y EL sueño de la razón.
- Teatro abiertamente político y experimental. Contenidos sociales y políticos son más explícitos y
directos. Ej.: La doble historia del doctor Valmy, Música cercana, La fundación, La detonación,
Jueces en la noche o Lázaro en su laberinto.
Rodrigo García
Nace en Buenos Aires y se nacionaliza español. En 1989 crea La Carnicería Teatro, con quien montaba sus
obras propias y de otros. Su vinculación con el teatro va más a la de la creación de texto, el dirige sus obras y
participa en su escenografía. En su estancia en Argentina se licencia en Ciencias de la Información y recibe
parte de su información teatral. Recibe influencias de Beckett, Pinter, Pavlosky, Arrabal, Kantor, Müller,
Bernhard. Louis Ferdinand Celiney y Peter Handke. Clasifica su obra como combativa, ingenua y optimista
y rechaza que le usen como un transmisor de cultura. Según el autor solo se puede confiar en las nuevas
generaciones para mejorar el mundo, lo cual es una de sus utopías, la segunda es el teatro como foco de
resistencia. Su teatro es una propuesta donde la palabra alterna con imagen y donde se abordan los problemas
marginales con un alto nivel de crítica. Se vale de diferentes disciplinas para reflejar la realidad y divertir.
Las características de su teatro se hacen extensibles al resto de los autores de su generación:
- Tratamiento del cuerpo como materia creativa frente a la palabra como elemento exclusivo de
informaci0on, la existencia de cuerpos vivos, etc. La asociación del mundo cotidiano. La realidad es
múltiple, compleja, plural y abarca muchas posibilidades. En una acción sórdida puede haber mucho poético.
- Monologo tratado de varias perspectivas escénicas. Un monologo no significa un actor solo en
escena, de forma estática, sino que puede ser una experiencia extraordinariamente coral.
- Carencia de la cuarta pared férrea. Rompe la frontera con el espectador y apela a su presencia en el
espacio emocional y simbólico. Su presencia, actitud, energía influyen en la acción teatral movilizándola.
- Existe un tratamiento poético del espacio. Espacio como asociación, abstracción, sugerencia,
conceptualización, materia, etc.
- Espacio sonoro presente a por efectos acústicos, ecos, ruidos, etc.
- Se amplía el mundo de los sentidos. Se busca no solo como comunicar a través de la vista y el oído
sino a través del olfato y el gusto.
- Se utiliza la revisión como actitud creadora, interroga a sus personajes, abre la puerta a mitos, a
héroes y antihéroes antiguos y contemporáneos, que recupera a los figurantes de la vida y les permite dar su
visión del mundo.
- Se mezclan los géneros canónicos. Explora las fronteras, transida el camino entre la tragedia, el
drama, la comedia, que propone la cohabitación de lenguajes distintos que se atreve con la farsa, que no
descarta la parodia y el melodrama.
- Reiteración como forma de definición
- Relación dialéctica entre palabra y cuerpo. Hay trabajos de mov, coreografías, expresión gestual, etc.
- Humor presente que aniquila prepotencias, totalitarismos y de paso el culto a la gravedad de
pretensiones trascendentes. Se convierte en herramienta para abordar la relación con el mundo. Empieza
escribiendo obras trágicas y el humos se filtra por sus textos.
- Destrucción del lenguaje. Los pensamientos se formulan a golpes y dan forma al discurso de forma
obsesiva y violenta.
Su obra es premiada en varias ocasiones.
Su producción es difícil de encontrar ya que hasta el momento su publicación no se ha llevado a cabo por
grandes editores. Sus estrenos pasan más de lo mismo, se estrenan en salas alternativas y festivales, así
como fuera de nuestras fronteras.
Su producción es muy extensa: Macbeth imágenes, Reloj, Acerca derecha, Matando horas, Martillo,
Prometeo, Notas de cocina, Obras cómicas, Carnicero español, Protegedme de lo que deseo, Rey Lear,
Nuevas ofensas, Todos sois unos hijos de puta, Borges, Conocer gente, comer mierda, Haberos quedado en
casa, capullos, After Sun, Lo bueno de los animales es que te quieren sin preguntar nada, A veces me siento
tan cansado que hago estas cosas, Compra una pata en Ikea para cavar mi tumba.