1)

2) Emile Jaques-Dalcroze (Viena 1865-1950 Ginebra)

Periodo de influencia: 1910-1950

Músico, compositor, pedagogo y teórico suizo. Se formó en el conservatorio de Ginebra

entre 1875 y 1883.A parir de 1890 comienza a ser una figura destacada del mundo de la
música en Ginebra. En 1892 comienza a desarrollar su método (focalizado hacia la
infancia). Este método es mal visto por la dirección del conservatorio de Ginebra,
consideraban el método de enseñanza como algo banal. En 1911 construye una escuela
en hellerau: Instituto Jaques-Dalcroze.

Tres pilares básicos del método Dalcroze: ritmo (Euritmia), Solfeo e Improvisación
Dalcroze basa la expresión rítmica en “la tensión y destension, la contracción y la
relajación; esta oposición perpetua mantiene beneficios de equilibrio y liberación.

Emile plantea que el cerebro tiene que coordinar el movimiento con la música.

Relaciones e influencia

 Formación de numerosos futuros pioneros de la danza moderna alemana:

Suzzanne Perrotet, Mary Wigman, Ivonne Geoge
 Nijinsky y los ballets rusos de Diaghilev a través de Marie Rambert.
 Influencias en la escenografía moderna, a través de Adolphe Appia, cuyas
búsquedas deben mucho a su encuentro con Dalcroze en Hellerau.

3) François Delsarte (Solesmes 1811-1871 Paris)

Periodo de influencia: 1840-1870

Cantante, maestro de canto, declamación y estética, teórico del movimiento y pedagogo

francés. Influyo en la evolución de la expresión corporal, sentando las bases para el teatro
físico, con el cuerpo como único medio de expresión. Descubre la estrecha relación entre
la voz y el gesto, entre los movimientos espirituales y los físicos. Elabora un código gestual
independiente del de la tradición de la danza clásica. Será el primer sistema de estudio,
análisis y enseñanza del movimiento, codificando un sistema lógico de relaciones entre las
diferentes partes del cuerpo, tipos de movimiento y sentimientos. L a importancia del
peso y su desplazamiento. La gravedad ocupa su lugar y su derecho de ser. Sus ideas
fueron formando la relación entre el teatro y la danza, pasando de una tradición basada
en la expresión.

Relaciones e influencias:

 Francia
 Alemania
  Estados Unidos: Delsartismo americano (Steele MacKaye, Genevieve Stebbins,
Henrietta Crane) influirá sobre los futuros pioneros de la danza moderna
americana: Ruth Saint-Denis, Ted Shawn, Isadora Duncan, etc.

4)LoÏe Fuller

Técnica y estilo: Sera habitual que se haga referencia a las “Danzas Serpentinas” de LoÏe
Fuller. Con esta danza el vestido se concibe como un dispositivo técnico que prolonga el
cuerpo en el espacio. En su fase de búsqueda inicial, el movimiento ira apareciendo poco a
poco como un componente necesario del efecto visual global. Desarrolló un arte de
movimiento en tanto en cuanto le era necesario para el efecto luminoso y cinético de sus
montajes. Fuller no intentó afirmarse mediante ninguna técnica corporal. Prolongará sus
brazos mediante largos bastones (primero de bambú y más tarde de aluminio),
produciendo extraordinarios efectos de ondulación y extrañas e imprevisibles formas
fantasmagóricas. Mejorará continuamente sus vestidos, trabajando las texturas mismas
de la tela, en su forma, en la manera de sostener el tejido en sus movimientos ondulantes
a través del espacio y evolucionará a vestidos cada vez más complejos elaborados por ella
misma. Era muy difícil sincronizar los movimientos del vestuario con los efectos luminosos
porque en ese momento no existía ningún tipo de automatización para ello, por lo que
muchas veces la artista por medio de la voz o de golpes por los talones enviaba señales a
los electricistas.

5) Al llegar Isadora a Rusia con su danza los bailarines tienen otro estereotipo, son
“libres”. Ya no era todo danza clásica.

6) Trayectoria artística de Duncan: Desde que llega a Europa Isadora comienza una fase
de creación de diferentes solos en los que interpretara a Chopin (Preludio, hacia 1900),
Gluck (Ifigenia, 1904) y Beethoven (Séptima sinfonía, 1904), entre otros.
Después de su encuentro con Gordon Craig y del nacimiento de su hija, la cualidad de su
danza se vuelve más carnal: Becanal (1904), Valses de Brahms y Danzas alemanas de
Schubert (1905), Orfeo de Gluck (1910) y extractos de óperas de Wagner (1911).

En 1910 su arte se vuelve más grave, sobre todo por los acontecimientos de la muerte de
sus hijos y el inicio de la 1er Guerra Mundial. Pasará a la búsqueda de un teatro
comprometido donde la danza, la música y la expresión dramática se unen abordando un
papel de portavoz social y político. Ella se verá como encarnación de la colectividad y de
sus aspiraciones: Ave María (1914) de Schubert, Sinfonía Inacabada (1915) también de
Schubert, Sinfonía n°6 (1916) de Tchaikovsky.

De esta época es su solo La Marsella (1915), creado para una gala benéfica en el palacio
de Trocadero de Paris, simbolizaba la aspiración de los pueblos a la libertad. La Marsella
será repetida en 1916 y 1917 en el Metropolitan de Nueva York. El público la aclamara con
delirio. Durante el resto de la guerra Isadora acaba sus representaciones con esta obra,
tomada siempre, según ella “con una vibrante ovación a favor de Francia y de los aliados”,
convirtiéndose en icono de la libertad. Este solo y lo que hará en esta época como La
marcha eslava (1917) se caracterizan por una mayor teatralidad, siendo representaciones
a medio camino de danza y mimo, simbolizando la determinación de no rendirse.

En la URSS coreografiara danzas de grupos sobre música de cantos rusos populares o

revolucionarios, principalmente con el himno de la internacional comunista. En este
periodo el contenido político de algunas de sus danzas se acentúa, además de plasmar en
ellas la resistencia del género humano ante la adversidad: Impresiones de Rusia (1921),
Cantos Rusos (1924).

7) Denis aporto liberarse del misticismo asiático. Su compañero fue Ted Shawn, el cual fue
el principal animador del movimiento que cambia la danza en EE.UU, veía al cuerpo solo
como un instrumento de expresión. Juntos crearon, en 1915, la escuela Denis Shawn
School. Las clases se daban al aire libre y se practicaba todo tipo de danzas. Tenía como
objetivo desarrollar la personalidad individual de los alumnos. Se estudiaba la técnica
clásica (sin puntas), el yoga, la historia de traje y tratamiento de los tejidos, etc. Sus
principales discípulos fueron Doris Humphrey y Martha Graham. Crearon la danza
americana.

8) Las enseñanzas de Wigman y Laban favorecen a estas épocas el surgimiento de un

enjambre de bailarines que desarrollaran múltiples realidades y diferentes formas de
movimiento, eligiendo a su vez diversas denominaciones: danza libre, danza de expresión,
danza expresionista, danza natural, danza moderna, danza concierto…
En consecuencia, se conseguirá una gran profesionalización y estructuración de la
comunidad de la danza, a través de sindicatos, conferencias, congresos, revistas
especializadas… llegándose muy rápido y temprano reconocimiento oficial de la danza
moderna.

9) Loa pioneros de la danza acostumbraban a ir al Monte Verita por distintas razones, ya

sea por problemas de salud, persecución política o simplemente buscando una vida
tranquila. En este encontraban la libertad de expresión corporal, nudismo en algunas
zonas como terapia higienista, amor libre, entre otros.

10) Martha Graham fue coreógrafa e interprete excepcional, tuvo una legitimidad y
fecundidad extraordinaria. Su técnica se fundamentó en la respiración, la contracción y la
relajación del cuerpo, focalizada en la pelvis, como centro de todas las pulsiones, impulsos
y deseos. Ella considera a la columna vertebral como el árbol de la vida y en ella concentra
la energía haciendo partir el movimiento del centro del cuerpo hacia la periferia. Las
caídas y los saltos forman parte de su técnica, estos deben suspenderse en el espacio.
Toma al movimiento como expresión de pasiones universales como expresión del
inconsciente.

11) Los dos temas esenciales que aborda su repertorio fueron la identidad americana y la
re visitación de los grandes mitos griegos.
12) Katherine Dunham fue descendiente de africanos, gracias a ella y a Pearl Primus fue
reconocida la danza africana. Analizo las relaciones formales y funcionales entre la danza,
los ritos caribeños y sus orígenes africanos. Llego a hacer por primera vez danza y folklore
ritual en composiciones escénicas modernas.
Ella integro elementos fluidos sacados del clásico con elementos tomados de las danzas
antillanas, subsaharianas, sudamericanas y afroamericanas: flexibilidad del torso,
articulación disociada entre la pelvis y los miembros, oposición controlada de algunas
partes del cuerpo y complejidad rítmica. Una de las características de su técnica fue la de
aislar las diferentes partes del cuerpo y moverlas de manera independiente a otras partes.
Por ello crea el jazz.
13) En la década del 60’ se revoluciono nuevamente la danza, se rompieron las reglas que
se seguían hasta ese momento y se crearon cosas nunca antes vistas, se replantean ¿Qué
es el arte?
A la danza se la empieza a ver cómo moverse por moverse, al arte por el arte mismo y se
dice que los artistas no están para entretener.
Crean dos campos opuestos:
• Los que bailan descalzos (contemporáneo)
• Los que bailan calzados (clásico)
Marce Cunningham se revela contra Martha Graham, dice que el baile no tiene que tener
significado, hace curvas en lugar de contracciones y elimina la relación entre el baile y la
música.
El coreógrafo se sitúa en una lógica de dinámica crítica y experimental, que sustituye la
noción de espectáculo por la de “Performance” y que hace del público un interlocutor
activo (participa de la elaboración).

14) Balanchine:
• Nació en Rusia (1904)
• Estudio en San Petersburgo
• Vocabulario del ballet pero tangible
• Crea el neoclásico. Toma cosas del moderno pero usa puntas.
• Se dio cuenta que el ballet era flexible.
• Metáfora de expresión.
• En su obra “Meditación” demuestra que esta perdidamente enamorado de su primera
bailarina.
• Figura paterna para Twilat Tharp
Tharp:
• Evolución de viejas tradiciones.
• Anarquía de la creatividad
• Baila con un guante para pertenecer en el clásico y el moderno.