UNIVERSIDAD CENTRAL DE VENEZUELA

FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN

Comisión de Estudios de Postgrado
Área de Artes
Maestría en Artes Plásticas: Historia y Teoría
Profesora: María Magdalena Ziegler
Materia: Problemas y tendencias en el arte contemporáneo
Estudiante: Dulce Gómez. 6.833.366

Creación e innovación
Índice

Introducción

1. La teoría del arte moderno/contemporáneo sobre los conceptos de creación e

innovación artística.
1.1. Creación artística: principales propuestas.
1.2. Innovación artística: principales propuestas.
2. Problemas derivados de la diferenciación/indiferenciación entre creación e innovación
artística en el arte moderno/contemporáneo.
3. Proyecciones hacia el siglo XXI y las tendencias actuales del arte.
Conclusiones
Bibliografía

2
Introducción

El presente ensayo tiene como propósito identificar las diferencias entre creación
e innovación, dos palabras que muchas veces se utilizan como sinónimos, pero que tienen
diferentes aplicaciones en la teoría del arte. Se contrastará lo que fue el concepto de
creación e innovación en el arte moderno y cómo se expresa en el arte contemporáneo.
Entendiendo por moderno los movimientos que se desarrollaron en Europa y
Estados Unidos entre las décadas entre 1912 y 1930, que conocemos como las
vanguardias históricas. Nos centraremos en el impacto que generaron los ready mades de
Marcel Duchamp en su época y la influencia que tiene en el devenir del arte actual.
Como libro de referencia se utilizará el texto de Boris Groys: On the New1 y otro
artículo del mismo autor titulado La topología del arte contemporáneo,2 porque aborda
de manera precisa el concepto de innovación y creatividad en el campo de la cultura. Se
analiza la función del museo como espacio dialéctico que preserva el valor de un objeto
de arte para mostrar la diferencia entre lo que se considera arte y no-arte.
En este ensayo se analizan ambas nociones: creación e innovación, en las
relaciones entre la experiencia artística, la obra y la experiencia estética del espectador;
para esto último se utilizan las nociones que trabaja Giorgio Agamben en su libro El
hombre sin contenido.3 Como análisis complementario se citará el concepto de creación
que hace George Steiner en su libro Grámaticas de la creación, 4 y un trabajo de
investigación titulado: Innovación en cultura. Una introducción crítica a la genealogía y
usos del concepto de innovación,5 que nos servirá de texto guía con el objetivo de tener

1Groys Boris: On the New, Verso, Brooklyn, Verso, Brooklyn, 2014, pp. 224.
2Boris Groys: La topología del arte contemporáneo; 2009. En: Esfera
Pública.http://esferapublica.org/nfblog/la-topologia-del-arte-contemporaneo/

3
Agamben, Giorgio: El hombre sin contenido, Ediciones Áltera, Barcelona, 2005, pp 185.
4
Steiner, George, Gramáticas de la creación, Editorial Siruela, Barcelona, 2005.
5
Traficantes de sueños: Innovación en cultura. Una introducción crítica a la genealogía y usos
del concepto, España, 2009, pp. 211-

3
un matiz desde otro campo de estudio. El trabajo abarca desde las nociones desarrolladas
en la economía hasta el arte contemporáneo.
En lo que se refiere a las obras seleccionadas como ejemplos, tres de las cuatro
obras fueron vistas en persona por quien escribe este texto. La idea surgió para tener un
anclaje vivencial de la experiencia estética. La obra de Vincent van Gogh fue vista en el
Museo de Arte Moderno de Filadefía, así como la de Marcel Duchamp. Las obras de
Louise Burgeois se vieron en Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington,
así como en la Galería Cheim Read en Nueva York.

4
 1. La teoría del arte moderno/contemporáneo sobre los conceptos de creación e
innovación artística

¿Qué es la creación? La creación, de acuerdo con George Steiner, está relacionada

con el génesis religioso judeocristiano. La creencia general de que existe un creador:
Dios, de quien parte el origen del mundo. 6 La otra idea asociada es que antes de lo que
conocemos como mundo existía un caos primigenio. Desde la filosofía, el tiempo juega
un rol importante para comprender la creación, existe un tiempo cronométrico —el que
marca el reloj— y otro, un tiempo arcano, que no puede ser medido y pertenece al
misterio originario de toda creación. Crear es concebir una idea y darle forma de acuerdo
a un estado mental abierto y reflexivo, que combina de forma simultánea la intuición, la
imaginación y visualiza su resolución técnica que canaliza todo el proceso. Es de carácter
orgánico individual o colectivo. La creación es la materia prima de la innovación.
¿Qué es la innovación? La innovación es un término moderno que surge del mundo
económico para dejar atrás a productos, medios de producción o materiales. La
innovación es el motor de la economía. En la económia es donde mejor se puede
visualizar cómo se pueden hacer combinaciones de nuevos modelos o aplicaciones, que
pueden partir de cualquier faceta del proceso productivo, desde la inversión a partir de un
crédito pasando por cualquier modo de incidir en la producción, hasta el propio sistema
de gerencia de una empresa. En la empresa está la figura del emprendedor y el manager,
que son las personas llamadas a dinamizar el sistema económico. La innovación se mide
en los términos del impacto que se efectúa en la cultura y en su grado de eficiencia.
En el arte la innovación está relacionada con lo original, que va a reemplazar y
sustituir lo que se considera obsoleto en el campo de las ideas y, sobre todo, en el valor
que posee una obra de arte que es, en definitiva, un producto cultural. Para entender cómo
se da una innovación hay que analizar la cultura que la originó, para saber cómo fue el
contexto en el que se dio determinado objeto cultural, en nuestro ensayo: la obra de arte.
.

6 Steiner, George, Gramáticas de la creación, Madrid, Editorial Siruela, 2005, p. 28.

5
 Por valor entendemos lo que hace que se produzca un cambio en la percepción en
los individuos. Se manifiesta como revelación, supera la memoria cultural y el mundo
profano. En el ejemplo del museo, lo caracteriza la colección de objetos reconocidos y
validados como arte para distinguirlos del no-arte —que pertencen al mundo real o
profano—; en la interpretación de Groys, el urinario de Duchamp es un claro ejemplo de
innovación, ya que introduce dentro del sistema del arte un objeto que se reconoce tal
cual es el mundo profano y en el espacio del museo, creando una tensión en la
comprensión de este traslado en la recepción del espectador.
El concepto de creación desde la teoría del arte, según Boris Groys, en un artículo
titulado La topología del arte contemporáneo, expresa que el arte moderno estaba
signado por la creatividad.7 La creación es el proceso por el cual, a partir de cero creamos
una forma que antes no existía. Groys explica que la creatividad en el arte moderno
estaba relacionada con el gesto iconoclasta de destruir para crear lo nuevo.
La primera distinción entre creación e innovación en el arte moderno, consiste en
apuntar que la creación es primero y da paso a la innovación, en el sentido de que la obra
ocupa un espacio en el contexto social. La obra moderna buscó ser original. La
originalidad, según Giorgio Agamben, en su libro titulado El hombre sin contenido8, es lo
que se encuentra más cercano de su origen, es decir, en el campo de las ideas.
Si el arte moderno se caracterizó por tener como motor la creatividad para hacer
surgir lo original, era porque había un objetivo claro de reconocimiento con respecto al
pasado. Por ejemplo, Marcel Duchamp sabía cuál era la tradición a la que se enfrentaba,
donde el arte tenía un rostro reconocible en esa tradición, los ready mades como Fuente
(1917) era lo que se consideraba —y aún hoy en día se considera dentro del común de las
personas— como no-arte. Duchamp, supo utilizar la ironía y el humor como gesto
innovador. De aquí se desprende que la innovación tiene un carácter cultural y social.

7 Boris Groys: La topología del arte contemporáneo, 2009 En Esfera

Pública.http://esferapublica.org/nfblog/la-topologia-del-arte-contemporaneo/
8
Agamben, Giorgio, El hombre sin contenido, Ediciones Áltera, Barcelona, 2005, pág.100.

6
 Siguiendo el pensamiento de Groys, señala: “La práctica de la vanguardia
histórica estuvo basada en la ecuación “negación es creación”, que ya había sido
enunciada por Bakunin, Stirner y Nietzsche”. 9 La negación de los valores visuales
encarnados en las obras precendentes, lo que cambió fue el gesto iconoclasta que
destruyó todo de forma radical, sobre todo el valor simbólico de las obras.
A partir de nuestra experiencia artística, la creación en el arte contemporáneo, por
su parte, tiene diferentes formas de pronunciarse desde la primacía de lo visual y su
contenido, hasta querer brindar una visión espectacular de la obra para que sea vista por
una gran cantidad de personas. Sirvan de ejemplos las Bienales Internacionales como la
Documenta de Kassel, en Alemania, La Bienal de Venecia en Italia, y la exposiciones
que organiza la Tate Gallery en Londres, espacios ya consagrados dentro del campo
cultural como escenarios donde se exponen las tendencias que validan el arte actual.
En su libro On the New, Groys plantea la tesis de la transmutación de los valores no
comerciales, el arte establecido se encuentra en los museos, lo profano se encuentra en el
exterior. La innovación va a cambiar el valor de lo existente hacia otro estatus de la obra
artística, aboliendo la tradición y sustituyéndolo por otro sistema de valorización de la
obra de arte por parte del espectador. El innovador tiene claro que su objetivo está en la
recepción del objeto, pero primero debe de reconocer cuáles son los valores de esa
tradición que desea transmutar y en qué sentido.

1. 1. Creación artística

La creación en la obra moderna, que surge a partir de la negación, está en relación

con lo que se consideraba viejo. La tradición tiene un enorme peso que se intenta abolir
para así emancipar el libre albedrío propio de la creación. Esto se dio a través del gesto
iconoclasta que fue una forma radical de romper con lo establecido y también gracias a
los diferentes estilos en pintura, que brindó un espacio transitado por la tradición de la
historia del arte, pero donde los artistas podían trabajar libremente.

9 Boris Groys: La topología del arte contemporáneo; 2009. En Esfera

Pública.http://esferapublica.org/nfblog/la-topologia-del-arte-contemporaneo/

7
 Por citar un ejemplo de creación artística, nos referiremos a la obra de Vicent van
Gogh (1853-1890) Portrait of Madame Augustine Roulin and Baby Marcella (1888 o
1889) óleo sobre tela (125.7 × 106.7 × 14 cm)
http://www.philamuseum.org/collections/permanent/52064.html. Esta obra se
encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Filadelfia, en
Estados Unidos, Vicent van Gogh, representa el prototipo del artista moderno-romántico
quien en vida exaltó su vida interior volcado en su expresión plástica. Vivió y murió en
función de su actividad creadora. En esta obra se observa la vulnerabilidad de la vida en
la figura del bebé que es sostenido por su madre.
La creación moderna se basa sobre la base de la destrucción del padre, 10en este
caso el padre es el mundo existente. La creación moderna tuvo la aspiración utópica de
crear mundos nuevos, claro ejemplo es la pintura moderna encarnada en los diversos
estilos: el fauvismo, el expresionismo, el cubismo y el surrealismo. En la pintura
moderna se expresan los sistemas de representación a través de la composición con la
intención de exponer una verdad interior del artista. El museo se propuso conservar esta
verdad encubierta de la obra en su mecanismo de colección, además porque es un espacio
que nos da cuenta de lo que existe y está inventariado como arte. El artista moderno sabe
que es lo que no debe repetir para crear o innovar.
El arte contemporáneo a diferencia del arte moderno se mueve en el tiempo
presente. La creación está ligada sobre todo a la gran variedad y cantidad de materiales de
los cuales se puede hacer uso así como la combinación de diferentes medios. De la
pintura tradicional se puede derivar a la instalación pictórica, donde el lugar es
importante a considerar en la exposición de la obra. En la escultura tradicional el
volumen y el carácter tridimensional es lo más importante y han derivado a las esculturas
monumentales que involucran de forma activa al espectador envolviéndolo en el espacio.
Otro ejemplo es el arte para sitios específicos —site specific art—, que surgió a
finales de los años sesenta y principios de los setenta. Las esculturas envueltas del artista
búlgaro Christo (1935) pasaron hacia el espacio exterior para cubrir el paisaje natural.
Para producir estas obras era necesario el empleo de la tecnología. Asimismo, surge el
arte de la instalación, donde a partir del espacio se hace una nueva gramática de los

10 Steiner, George, Gramáticas de la creación, Madrid, Editorial Siruela, 2005, p. 33.

8
materiales u objetos que van a formar parte de la obra. Un ejemplo de creación en el arte
contemporáneo sería la obra de la artista estadounidense nacida en Francia, Louise
Burgeois (1911 – 2010). Su obra Untitled (No 1) 1996, Mármol sobre base de metal.
(66 × 78,7 × 63,5 centímetros) http://www.cheimread.com/artists/louise-bourgeois
La obra de Louise Burgeois se caracteriza por su profunda penetración psicólogica; de
acuerdo a la artista, su trabajo parte de sus propias experiencias personales, el arte le
brindó una oportunidad para explorar su mundo interior. En esta pieza se observa de
forma directa un par de brazos que al estar como mutilados nos narran su relación con el
cuerpo, agarrar un objeto, hacer alguna actividad o abrazar a alguien. En este caso la
entendemos por su presentación en negativo.

1.2 Innovación artística.

La innovación según nuestro enfoque está determinada por la re-localización de la obra

en un nuevo contexto. Muchas veces incluye un acto de transgresión como lo fue Fuente
(1917). Es decir, traer del mundo profano al mundo del arte un objeto para hacer notar lo
que de esta transgresión surge como paradoja: es un objeto simple y a la vez un objeto
que se carga de un nuevo significado en una operación intelectual por parte del artista.
Giorgio Agamben hace una interesante análisis del ready made de Duchamp a las Cajas
de Brillo (1964) de Andy Warhol (1928-1987)
“Marcel Duchamp hizo pasar un objeto de una condición de reproductibilidad y
fungibilidad técnica al de auntenticidad y unicidad estética. También el pop art —como el ready
made— se funda sobre una perversión de la doble condición de la actividad productiva, pero en
él, el fenómeno, de alguna manera, se presenta invertido y se parece más bien a ese reciprocal
ready made en el que —según pensaba Duchamp cuando sugería utilizar un Rembrant como tabla
de planchar—. En efecto mientras que el ready made procede desde la esfera del producto técnico
a la obra de arte, el pop art, en cambio, se mueve desde la condición estética a la producción
industrial”11
Según nos explica Agamben, “en los dos casos menos durante el instante que dure el
efecto de alejamiento, el paso de una condición a otra es imposible, lo que es reproducible no

11
Agamben, Giorgio, El hombre sin contenido, Ediciones Áltera, Barcelona, 2005, pág. 103-104.

9
puede convertirse en original y lo que irreproducible no puede se reproducido. El objeto no puede
llegar a la presencia, se mantiene en la sombra entre ser y no ser”.
En este sentido, la obra de Duchamp extiende su impacto original al arte pop y
renueva su cuestionamiento al presente. Esta es otra característica de la innovación que
está llamada a cultivar la revalorización de los valores que fueron novedosos en otro
momento. Así pues, la flexibilidad del tiempo es un aspecto del arte contemporáneo para
interpretar su carácter original o innovador.
En el desarrollo de este ensayo ha sido más complejo identificar la innovación en
el arte contemporáneo que en el arte moderno. Por una parte, debido al tiempo real,
cronológico que nos separa del primero y, por otro, por la variedad de estilos, materiales
y formas que ha tomado el arte contemporáneo en su presentación. En el trabajo de
investigación sobre la la genealogía del concepto de innovación,12 refiere que una de las
formas de introducir la innovación es a través de la teoría y la crítica. Por ejemplo, en la
revisión del estatus del arte en la difundida tesis de Artur Danto, Después del fin del arte,
que refiere no a la muerte del arte en sí, sino a la concepción de la historia del arte antes
del pop art, específicamente se marcá un hito en la obra de Andy Wharhol, las Caja de
Brillos (1964).
Encontramos un ejemplo de innovación en el arte contemporáneo, en la obra del
artista británico Damien Hisrst (1965), For Heaven’s Sake, dado que en ella se conjugan
varios aspectos de la innovación, como lo es el que intervenga un grupo de saberes
especializados que den forma a sus propuestas. En el caso de la obra seleccionada, todo el
mercado que ha originando desde la calavera original hasta las impresiones hechas en
serigrafía. La obra produce un impacto al poner en relación una forma desnuda, primitiva
de la calavera en contraste con los diamantes, que está asociado con lo valioso y eterno.
For Heaven’s Sake, Aluminio, diamantes rosados y blancos, 2008 (85 × 85 × 100 mm)
http://www.damienhirst.com/for-heavenas-sake

12Traficantes de sueños: Innovación en cultura. Una introducción crítica a la genealogía y usos

del concepto, España, 2009, pp. 211.

10
2. Los problemas derivados de la diferenciación/ indiferenciación entre creación e
innovación en el arte moderno/ contemporáneo.

Entre los problemas derivados de la diferenciación entre creación e innovación en el

arte moderno, en primer lugar está la valorización de la obra de arte como el resultado de
la expresión subjetiva del sujeto para mostrar una verdad. Esta verdad está relacionada
con la esencia de la obra, su significado.
En su libro El hombre sin contenido, Agamben aborda el tema de la creación para
ubicar a la subjetividad del artista como la de alguien que debe desagarrarse, escindirse
vaciarse, para crear y al mismo tiempo estar cercano a sí mismo. La creación tiene como
germen este vacío, pero su ejecución es inmediata ya que está imbricada con la
imaginación. Por su parte, la innovación u originalidad, amerita un desarrollo gradual y
está dirigida al espacio social. La creación se muestra en forma de líneas gruesas y no
llega a las líneas finas propias en la innovación para formar parte del constructo social.
Esto deriva hacia el problema de identificar la verdad a la que se refiere la obra y sus
múltiples lecturas.
En el arte moderno la diferencia entre creación e innovación está determinado por la
forma de recepción de la obra de arte. La obra de Malevich (1878 –1935), el Cuadrado
blanco sobre fondo blanco o el Cuadrado Negro (1915), en principio es la creación de
una nueva forma de entender la representación de un cuadro que solamente se refiere a sí
mismo en su forma y contenido. El resultado es innovador dentro del sistema del arte.
Otro aspecto en el que se hace palpable la diferenciación de la creación moderno /
contemporáneo, es en el discurso. En el primero, vemos que lo moderno estimaba su
permanencia en los manifiestos que los propios artistas producian para validar ellos
mismos sus prácticas artísticas; en el segundo, el discurso de la crítica y teoría del arte ha
sustituido esa necesidad. Esto representa un problema, ya que el discurso puede inferir
tanto en el receptor de la obra como en la producción de la misma. Siendo los artistas
personas que suelen estar informadas en lo que se refiere a lo que el sistema del arte
valora a través del discurso. Si no referimos a los problemas de indiferenciación, lo más
inmediato es observar que la creación forma parte de la innovación, al contrario una obra

11
puede ser creativa y no representar una innovación. La creación, en cambio, es medida
por las características de la obra en sí y no por sus repercusiones en el entorno.

3. Proyecciones hacia el siglo XXI y las tendencias actuales del arte.

Es difícil hacer una proyección del arte en siglo XXI, en principio por lo cerca que
estamos de lo que acontece en el escenario del arte actual. Sobre todo por los problemas
que enfrenta el arte contemporáneo, dada la libertad que existe desde el siglo pasado con
las rupturas propuestas por las vanguardias históricas en relación con la libertad de
seleccionar cualquier material o medio. Hoy en día el arte se proyecta sobre todo a través
de la primacía de la imagen digital que circula vía Internet, donde no existen paredes y se
manejan tanto la promoción y difusión de la obra en los portales de los museos, galerías y
en las páginas personales de los propios artistas. El lugar donde todos –los que tenemos
acceso a Intenet– es el URL.
La página web de un artista tiene su declaración de artista o artist statement, con su
correspondiente curriculum vitae así como su respectivo perfil, al igual que en la redes
sociales. Esto se refiere a las estrategias que utiliza el artista para presentar su obra en la
conquista de un espacio virtual que contribuya a una determinada lectura. Considerando
que nuestra época está caracterizada por una gran proliferación de imágenes que circulan
en nuestro télefono celular, la computadora personal y en nuestro entorno. Si en el siglo
XIX hasta la primera década del siglo XX, los artistas se vieron impactados por la
Revolución Industrial (1820-1840), que introdujo una noción de velocidad en el ritmo
de percibir la cotidianidad, en nuestros días nos vemos impactados por la Revolución de
Internet y su inmanente instantaneidad.
La virtualidad hace que todo sea un intercambio casi anónimo entre el artista que
tiene su computadora personal como taller y su página web como ejemplo de su perfil
dentro de este formato. La difusión se hace en el espacio infinito de la red, donde

12
cualquier persona puede acceder desde cualquier lugar. El arte moderno se apreció
gracias a su realidad material, hoy en día la imagen virtual tiene un gran uso en la
difusión de las ideas y en el intercambio libre de información a través de Internet. El
artista francés Yves Klein (1928-1962) se interesó por conceptos referidos a la
desmaterialzación del arte. Su obra Salto al vacío ( 1960) da cuenta de esta aspiración de
contar con la presentación efímera de la obra. Quizas hoy las proyecciones del arte del
siglo XXI se orientan hacia la desmaterialización del arte.
La desmaterialización del arte la entendemos como la recepción efímera e instantánea
de la obra, que puede estar medida por la pantalla de una computadora, al entrar a algún
sitio web, a los espacios de un museo o galería, o en la presentación espectacular de la
misma en un museo, hecho que seduce al espectador envolviéndolo en el ejercicio de
todos los sentidos y rompiendo la frontalidad propia de la experiencia estética que
caracterizó el arte moderno.

Conclusiones

En su conocido libro ¡Crear o morir!, el periodista Andrés Openhaimer hace un

compendio de maestros innovadores que van desde el creador de Whatsapp, Jan Koum
hasta el chef peruano Gastón Acurio. Lo que subraya en su libro es la capacidad que
tienen los innovadores para reconocer el fracaso sin que esto signifique un bochorno.
Además de reconocer el fracaso como un activo donde se evidencia que es a través del
ensayo y el error donde surge lo innovador, también está el hecho de compartir las ideas
de forma que cada uno aprenda de los demás.
En nuestras sociedades aún pensamos en el artista romántico, quien en su
aislamiento e iluminación nos brindará una obra original. Del mismo modo, el circuito
cultural aún suele preguntar a un artista ¿Qué has hecho nuevo? Lo nuevo es lo que se
puede consumir de inmediato. La innovación, para que sea llamada así, requiere de
investigación y tiempo real para que se sustente en el tiempo y produzca un efecto en la
cultura. En contraste, crear depende de una innata vocación hacia el hacer y dar forma a
una obra que al final es un objeto que se crea para su contemplación.

13
 De acuerdo con Giorgio Agamben, en algún momento el artista y el espectador
comparten un mismo lugar, esto es, en el intercambio simbólico que se produce cuando el
primero es espejo del segundo. En este sentido, la innovación de acuerdo a nuestro
enfoque surge entre los límites del museo y el exterior, es decir, en el espacio y no en el
tiempo histórico. Se encarga de hacer obsoleto lo que le precede de acuerdo a un sistema
de revalorización de valores precedentes.
En nuestros días, la innovación se encuentra en la efectividad que produce una
imagen virtual y la creación en la resolución creativa de los problemas propios de nuestra
contemporaneidad. Crear, como señalamos al inicio de este ensayo, es primero dar paso a
la innovación. Para innovar hay que crear.

Bibliografía

1. AGAMBEN, Giorgio: El hombre sin contenido, Barcelona, Ediciones Áltera

2005, pp.185
2. GROYS, Boris: On the New, Nueva York, Verso, 2014, pp.200
3. STEINER, George:Gramáticas de la creación, Madrid, Editorial Siruela, 2005,
pp.352
4. OPPENHAIMER, Andrés: ¡Crear o Morir!, Bogotá, Editorial Debate, 2014,
pp.330

Referencias electrónicas

1. GROYS Boris: La topología del arte contemporáneo; 2009 En Esfera

Pública.http://esferapublica.org/nfblog/la-topologia-del-arte-contemporaneo/
En línea ( 05-09-16)

2. Traficantes de sueños: Innovación en cultura. Una introducción crítica a la

genealogía y usos del concepto, España 2009, pp.211
https://www.traficantes.net/sites/default/files/pdfs/Innovación%20en%20cultur
a-TdS.pdf En línea ( 05-09-16)

14
15