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Más de 70 ejercitaciones
Leonardo D´Atri
leonardodatri@hotmail.com
www.LEONARDODATRI.com.ar 3
Desde 2013 ha lanzado tres seminarios y un taller. Los cuales se dictan todos
los meses en Buenos Aires en forma grupal, y vía Skype en forma virtual ( audio-
video conferencia en vivo ) para estudiantes de Latinoamérica.
Para contactarse con el autor o para más información sobre las clases, cursos, talleres y
seminarios, pueden visitar www.LEONARDODATRI.com.ar o bien dirigirse por mail a
leonardodatri@hotmail.com
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Introducción ------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 7
Escalas ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 10
Arpegios ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 18
Articulación ------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 21
Matices ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 25
Armónicos -------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 28
Afinación --------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 38
Vibrato ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 41
Sobreagudos ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- 43
Multifónicos ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- 55
Growl -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 58
Bend --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 59
Slap ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 64
Microtonalidad -------------------------------------------------------------------------------------------------------- 65
Embocadura ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- 70
Respiración ------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 71
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Postura ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 74
Ataque ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 76
Metrónomo ------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 77
Boquillas ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 78
Memorización --------------------------------------------------------------------------------------------------------- 79
Repertorio -------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 80
Lectura ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 81
Audio-Perceptiva ----------------------------------------------------------------------------------------------------- 82
CODA -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 87
Tengan en cuenta que este material deja por sobreentendida los primeros
tópicos ( notas musicales, notas en el saxo, armado, cuidado y secado del
instrumento, etc.. ) así como conceptos como improvisación, composición e
interpretación que son ajenos a este libro. La razón por la cual estos temas quedan
fuera de esta guía es porque considero que son inevitablemente cuestiones que
deben trabajarse y aprenderse en presencia de un profesor. No recomiendo a
nadie tomar un sistema de enseñanza que parta y finalice en un libro, video
interactivo o cualquier otro medio que separe al alumno del profesor físicamente
durante toda la etapa de estudio ( especialmente la etapa inicial )
Espero que este material les sirva para aprender, depurar y perfeccionar
cada elemento sobre los que trabajamos a la hora de convertirnos en saxofonistas,
y quedo completamente a disposición de ustedes para cualquier tipo de pregunta o
inquietud respecto de este contenido o lo que quedase fuera de él.
SONIDO: Aquí nos referimos a las cualidades del sonido en el concepto figurativo y también en lo
abstracto.
ELEMENTOS TECNICOS: Con esto nos referimos a los conocimientos y prácticas de desarrollo
teóricas o relacionadas con aspectos de complemento ( por ejemplo embocadura, respiración,
metrónomo, repertorio, memorización, postura, lectura, audio-perceptiva, etc… )
El siguiente cuadro muestra la división con la que trabajaremos en este libro por partes y capítulos:
La técnica abarca una serie de elementos que van desde lo básico hasta cuestiones más
avanzadas del desarrollo instrumentístico. Recomiendo no saltear las cuestiones básicas, o bien
tenerlas bien aprendidas al momento de abordar conceptos más elaborados.
Estos son algunos de los temas que vamos a trabajar en esta primera parte del libro:
La primera parte del estudio de las escalas no la voy a abarcar aquí en este libro, ya que
corresponde a otro tema referente a “lenguaje musical” ( tipos de escalas, estructuras de las
escalas, etc… ) Lo que sí les presento a continuación es una serie de ejercicios muy útiles para el
trabajo y estudio de las escalas en nuestro instrumento.
Los siguientes patrones están diseñados en lo que se conoce como “Do movible”; es decir
que se escribe en Do mayor y se debe trasladar, para cada caso, a la escala en cuestión que
estemos trabajando.
Con solo tocar notas largas, a conciencia, sabiendo en qué grado de la escala estamos,
escuchando con atención y siendo cuidadosos de respetar este ejercicio les aseguro que se
aprenden a memorizar la técnica y las notas para cada escala.
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Para la práctica deberá transponerse a todas las tonalidades siguiendo el ejemplo dado en
tonalidad Do
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Se conocen a los arpegios como la forma distribuida o separada de tocar un acorde “nota
por nota”. Al desarrollar acordes en un instrumento melódico, la única posibilidad que tenemos
de trabajarlos es a través de la interpretación de los mismos por arpegios.
Les dejo una ejercitación para trabajar el estudio de acordes en nuestro instrumento.
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- Ataque: la nota ( cada nota atacada ) comienza con un “Tah...” El ataque trabaja sobre el
punto inicial del sonido.
- Ligadura: las notas no tienen ataque, se tocan de corrido.
El ataque simple lo vamos a llamar “tah…” para hacer referencia al “como suena”.
Hay un tipo de ataque, similar, más sutil, que llamaremos “dah…”, en el pentagrama lo
encontraremos escrito como una línea horizontal por encima de la nota ( _ )
El cuarto tipo de articulación que veremos ahora modifica el final ( el cierre ) de la nota.
En el caso de ver la siguiente figura corresponderá a que la nota termina con un nuevo ataque.
Lo llamaremos “tat” para hacer referencia a la sonoridad que obtendremos con esta articulación.
Pongan en práctica las articulaciones sobe los ejercicios de patrones vistos en las escalas y
arpegios que deseen trabajar ( tengan en cuenta elegir alguna escala o arpegio que les sea de
comodidad para concentrarse en el trabajo de la articulación )
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Y, a su vez, los indicadores siguientes nos señalarán el nivel de volumen ( intensidad ) que
debemos emplear para la sección comprendida desde el punto en que la indicación aparece,
hasta que una nueva indicación lo señale. Estas indicaciones junto con las de “crescendo” y
“decrescendo” se escriben por debajo del pentagrama.
A) de pp a ff
B) de ff a pp 25
C) de pp a ff y luego devuelta a pp
“Método dinámico para Saxofonistas” por Leonardo D´Atri
D) similar al ejercicio 1C pero en forma constante ( pp-ff, ff-pp, pp-ff, ff-pp, etc.. ) en lo que dure
una nota larga )
A) de pp a ff en la subida, y de ff a pp en la bajada
Ej. 3:
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Los armónicos son aquellos sonidos que se desprenden de la nota misma que estemos
tocando. En el caso del registro grave de nuestro instrumento, podemos observar que con
facilidad el sonido se dispara hacia nuevos colores.
Todos las notas que escuchamos en el aire, tienen una carga de armónicos ( en mayor o
menor medida ) que determinan el color de la nota misma. Esto tiene que en gran proporción
con la composición misma del instrumento, la caja de resonancia, en aire en los instrumentos de
vientos, la habitación o el lugar donde el sonido rebote, etc… A estas características que
componen un simple sonido las conocemos como “espectro armónico”.
Pero podemos hacer un cambio en nuestra entonación mientras lanzamos el aire a través
de nuestro instrumento, y definir el nuevo tono dándole mayor volumen al segundo o tercer
armónico. De este modo, a pesar de estar digitando la misma nota, vamos a escuchar su octava,
su 12º o su 15º dependiendo a que armónico pongamos nosotros en primer plano.
Por supuesto trasportamos esta tabla sobre la fundamental de cualquier nota grave.
Entonación: consiste en “cantar” el tono que vamos a hacer sonar en primer plano.
Generando armónicos:
Ej. 1:
Les dejo en pentagrama la idea de práctica del siguiente ejercicio para que entonen:
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Toquen ahora en su instrumento las fundamentales graves sobre las que trabajaran los
armónicos. Asegúrense de que suene completo el sonido y manténganlo como una nota larga.
A continuación toquen con la misma digitación de nota grave, y canten ( por dentro ) la
octava.
Luego de esto, si salió bien el armónico, inténtenlo con la quinta de la segunda octava y
con la tercer octava.
Dato !! el armónico de quinta de la segunda octava es más fácil de lograr que el armónico de la
primer octava. Hay que asegurarse de saber entonarlo bien antes de llevarlo al instrumento.
Ej. 3:
Ahora bien, no solo podemos definir el tono en el ataque de la nota, sino que también
podemos variar la entonación de nuestra nota tono, e ir dándole las características al nuevo
sonido. De este modo, el armónico va “apareciendo” de a poco hasta que se adueña de la
atención sonora, quedando bien en primer plano ( como si estuviéramos digitando esa nota con
nuestro instrumento )
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Ej. 4:
Ahora trabajaremos con el campo del espectro armónico. La idea es partir de la nota
fundamental ( grave ) y hacer que los armónicos vayan apareciendo durante la misma
respiración, durante la misma nota larga, sin cortar el aire, sin atacar cada armónico.
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En una misma nota larga, intenten generar los armónicos en orden y luego desciendan.
Ej. 6:
Ahora intenten tocar alguna melodía en el registro medio del instrumento usando los
armónicos. Utilicen la digitación de las notas graves, pero entonando los armónicos para generar
una melodía en el registro central del instrumento ( segundo armónico ). Luego súbanlo a la
siguiente octava ( cuarto armónico )
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El registro extremo de nuestro instrumento suele ser un flanco débil en los comienzos de
nuestro estudio e incluso por mucho más tiempo. Por este motivo es importante no descuidarlo,
en función de ser completos como instrumentistas.
Ej. 1:
Ej. 2:
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Ej. 4:
Ej. 5:
Ej. 6:
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El registro extremo de nuestro instrumento suele ser un flanco débil en los comienzos de
nuestro estudio e incluso por mucho más tiempo. Por este motivo es importante no descuidarlo,
en función de ser completos como instrumentistas.
Ej. 1:
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Ej. 3:
Ej. 4:
Ej. 5:
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Cuanto más cerca está la boquilla del borde del tudel, el sonido tiene a tomar una
afinación más baja; cuando la boquilla se encuentra más al fondo ( más metido en el tudel ) la
afinación tiende a ser más alta. La idea es que encontremos el punto justo donde la boquilla
debe colocarse para que la afinación sea correcta.
Para esto necesitamos trabajar inevitablemente con un afinador. Soplar una nota y
corregir la boquilla para que la afinación sea precisa ( esto teniendo en cuenta que no tengamos
problemas con la embocadura o con el soplido ) Si esto es así, podemos saber que la boquilla en
esa posición nos va a dar la afinación correcta.
Podemos hacerle una marca con un lápiz o lapicera al corcho del tudel, justo en donde la
boquilla termina para recordar hasta donde adentrarla las próximas veces.
Problemas de embocadura:
Ej. 1:
Traten de encontrar el punto justo donde la afinación se mantiene correcta durante toda
la duración de la nota larga.
Presten atención al punto visto anteriormente y chequeen que la boquilla esté colocada
de manera de darles la afinación correcta.
Ej. 2:
Toquen primero todo atacado. Luego hagan una repetición del ejercicio ligando cada nota hasta
cambiar el tono.
Ej. 3:
“Armónicos”
“Sobreagudos”
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Bajar el maxilar consigue hacer que la nota se desafine levemente hacia el grave; un
nuevo movimiento subiendo el maxilar la vuelve a colocar en la afinación correcta. La repetición
rápida ( y a tempo ) de esta musculatura consigue el efecto de vibrato en la nota que estemos
tocando.
La frecuencia del vibrato puede cambiar, entre un vibrato amplio o uno rápido. Esto no
modifica la duración de la nota.
Hay algo importante en el asunto de la técnica del vibrato, que es conseguir que la
afinación no se baje a la nota que estamos tocando, sino que el vibrato esté levemente por
encima de la afinación. Es decir, tocar la nota y desafinarla NO es vibrato.
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Ej. 1:
Sin el instrumento, cantaremos ( en el tono que les sea cómodo ) un “ahhh….”. Bien,
ahora busquen generar el vibrato en la voz. Recuerden que se consigue bajando y subiendo
repetidamente y rápido el maxilar y la mandíbula.
Ej. 2:
Ahora con nuestro instrumento, elegiremos una nota del registro que nos quede cómoda.
Haremos la nota larga y buscaremos generar el mismo efecto trabajado en el Ej. 1.
Ej. 3:
Ahora es momento de darle una figura rítmica al vibrato. La idea es tocar una nota larga y
que la frecuencia de afinación varíe en función de repeticiones de semicorcheas y tresillos. Estos
son los ejemplos más sencillos de trabajar el vibrato en forma constante y simétrica: controlada.
Tengan cuidado de no utilizar el afinador en estos casos, presta mucho para la confusión. Su guía 42
será su oído. No descuiden la emisión del aire ni la embocadura; son fundamentales.
Es importante aclarar antes de comenzar, que para la obtención del sobreagudo no basta
con respetar la digitación. Observarán que existen varias opciones de digitaciones que nos
permiten obtener ciertos sobreagudos ( en algunos casos son muchísimas las formas ) eso nos
hace llegar a la conclusión de que el punto clave para obtener sobreagudos es la emisión del aire.
Un tema inseparable del estudio del registro altissimo ( sobreagudo para nosotros ) es la
identificación de una boquilla adecuada. Las boquillas de apertura mínima ( entre 4 y 5 ) no
permiten, o más bien nos dificultaran muchísimo la emisión del sobreagudo.
La caña, por su parte, nos favorecerá en caso de ser rígida. Las cañas muy gastadas o demasiado
blandas son, por el contrario, un elemento que nos juega en contra a la hora de buscar o dominar
el extremo altissimo del instrumento.
43
Realicen, a conciencia, una práctica intensa de armónicos sobre las notas graves.
Digitación
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Esta digitación es muy útil para pasajes donde necesitamos tocar mucho en este registro que
excede nuestro instrumento.
Ej. 2:
Realicen en forma individual la práctica de cada ejemplo para conseguir ver cuál o cuáles
digitaciones consiguen mejor resultado.
Ej. 3:
Realicen el trabajo de tocar escalas y arpegios ( por patrones, por notas largas ) hasta
llegar al máximo extremo posible en los sobreagudos.
Ej. 4:
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Ej. 6:
Toquen un estándar, o una línea melódica que conozcan en todas las octavas posibles que
incluyan los sobreagudos.
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Las siguientes son una recopilación de melodías breves conocidas. Están planteadas en
varias tonalidades. Practiquen la implementación de los sobreagudos interpretando estas
melodías en una octava superior a la que está escrita.
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Existe un libro muy recomendable ( “les son multiples aux saxophones” autor D. Kientzy )
que les dejo como investigación para ahondar mucho más sobre afinaciones milimétricas y más
de 520 multifónicos y sus variantes. Es una enorme cantidad de material que no podría ni
resumir en este libro.
Lo que voy a dejarles es la ejercitación necesaria y algunas posiciones para que puedan
generar multifónicos.
Ej. 1:
Ej. 2:
Tengan en cuenta que la afinación de cada tono producido en simultáneo con otros
puede no ser tan precisa. En el estudio complejo de multifónicos se lo llama como una micro-
tonalidad interna en el armónico complejo resultante; es decir, si producimos un multifónico
compuesto por C-F#-G#-B-E, puede que alguno de estos tonos no sea exactamente afinado,
aunque el efecto multifónico sigue lográndose.
Ej. 3:
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Ej.1:
Este efecto suele dominarse con muy poca práctica. A pesar de ello notaremos mayor
facilidad en cierto registro ( aproximadamente en las notas A, Bb, C de las octavas central y
superior )
Ej. 2:
Similar a esta ejercitación, continuar con las escalas mayores, menores, arpegios, etc.
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Este efecto se logra produciendo una resonancia en la cámara de la boquilla. Es decir, una
aumento en la amplitud vibracional.
Ej. 1:
Sin el saxo, buscaremos generar y mantener y sonido de la letra “M”. Similar al mantra
Om ( ommmmmm… ) buscaremos sostener la vibración. Haremos esto por unos dos o tres
minutos antes de pasar a la siguiente ejercitación
Ej. 2:
Puede ayudar el pensar en “cantar la nota que estamos tocando”. Hasta la afinación que
hagamos influye en las cualidades sonoras de nuestro Growl.
Notaremos que, con el paso de los días, iremos dominando la técnica. Lleva trabajo
conseguir dominar la técnica de forma intuitiva. Recomiendo una práctica bien a conciencia y
constante de estas dos ejercitaciones durante un plazo de una a dos semanas para poder evaluar
si el método ha funcionado.
Ej. 3:
Una vez conseguido, aplicaremos este efecto en nuestro repertorio ( lecturas melódicas,
escalas, improvisaciones, etc… )
Con la aplicación del criterio adecuado, este efecto nos será muy útil en nuestro
repertorio sonoro como saxofonistas.
Si bien esta técnica no suele ser tan sencilla como otras, el efecto conseguido al
dominarla es altamente aprovechable, principalmente en géneros como el rock, funk, Blues, Pop.
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Esta técnica se consigue mediante el gradual retroceso de la columna de aire ayudado por
una leve bajada del maxilar o del labio inferior. Al estar tocando el instrumento es importante
mantener la columna de aire constante y la embocadura firme. Bien, cuando decidimos soltar la
firmeza en la embocadura ( relajando el labio o bajando levemente el maxilar ) y le sumamos un
retroceso en la columna de aire ( forzando a que el aire casi “salga sin fuerza” ) logramos este
efecto.
Es importante destacar que el Bend, para finalizar una nota es una articulación y dura
muy poco, es decir que no podemos sostener una nota larga con una caída.
Ej. 1:
Ej. 2:
Ej. 3:
Repitan esto sobre cualquier escala mayor o menor, en todas las tonalidades.
Ej. 4:
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60
Este es un recurso muy poco usado en saxofonistas. Obviamente puede quedar al margen
de nuestra performance, ya que no nos limita el no saber aplicarlo.
La respiración circular consiste en estar tocando el saxo durante el tiempo que deseamos
sin que la emisión del aire se corte: es decir, poder hacer por ejemplo una frase o una nota larga
durante 3 minutos ( sin que se corte en ningún momento !! )
Aprender esta técnica lleva mucho tiempo ( meses, años tal vez ) es importante la
paciencia y la práctica diaria para poder conseguir avances, pero aún así, los resultados no llegan
rápidamente, debe hacerse un plan de estudios y de expectativas de resultados pensando en el
mediano o largo plazo.
Voy a dejar a continuación una sola ejercitación: la única según mi experiencia, que nos
lleva a aprender correctamente esta técnica y aplicarla en nuestro instrumento. Si bien, para ser
honesto, debo decir que no he llegado muy lejos con la implementación de este recurso por falta
de interés y de necesidad de aprenderlo hasta el final; cualquiera puede en muy poco tiempo
conseguir un resultado favorable con los primeros pasos de la ejercitación.
Etapa 1) visualización:
Es importante saber esto: biológicamente no se puede tomar aire y emitir aire al mismo
tiempo. Pero hay un truco !
Como si fuera magia y sabemos que hay alguna forma de hacerlo, conseguimos el efecto
de respiración circular trabajando sobre el cuarto ciclo de la respiración, para que podamos
eliminar la sensación de pausa entre emitir el aire y volver a tomarlo.
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El truco es retener una pequeña cantidad de aire en nuestras mejillas internas. Ese aire lo
vamos a liberar en el preciso momento en que estemos tomando aire por nuestra nariz.
Vamos a comenzar por tomar aire, retener una parte en nuestra mejilla e intentar soltarlo
en el preciso momento en que volvemos a tomar aire con nuestra nariz. Como si fuera un
ejercicio de hacer una “P” al momento de tomar el aire nuevamente.
Tomamos un vaso con agua, una pajilla o bombilla. La idea es soplar por la pajilla y ver
que en el vaso de agua se generan burbujas. Cuando dejamos de soplar dejan de salir burbujas.
Es importante tener bien aprendido los primeros pasos hasta llegar a este, y a su vez es
importante dominar bien este ejercicio antes de continuar.
En esta etapa lo que vamos a tratar de hacer es mantener el sonido emitido. Para esto es
necesario informarse sobre la técnica del digeridoo. No la vamos a tratar en este libro, quedando
como materia opcional de complemento una breve investigación de esta técnica.
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Una vez que consigamos darle presión al aire, el punto realmente complicado de esta
última etapa, es que la presión entre dejar de soplar, tomar aire, largar el de las mejillas, y volver
a soplar nuevamente, sean iguales !! De este modo no se notará en ningún momento el recurso
al que acudimos para realizar esta técnica.
Es lógico que cueste, que los primeros pasos les den ánimos, pero es importante persistir
en esto para llegar hasta el final si lo desean. Todas las etapas son sencillas a excepción de la
última, cuando realmente tenemos que lograr que la presión sea estable aún haciendo tantas
modificaciones en nuestro sistema de respiración. Debemos mantener una salida constante e
igual de aire y presión que son muy difíciles de controlar al mismo tiempo que realizamos
nuestra respiración.
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Tengan paciencia especialmente con este caso porque lleva tiempo, mucha práctica y
experimentación conseguir resultados en este asunto.
Las cañas de material platico ( cañas “plasticover” por ejemplo ) son mucho más
favorables para manejar esta dinámica de ataque )
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Así como los guitarristas de rock estiran las cuerdas de las guitarras para aproximarse a la
nota en la que resolverán, los instrumentistas de viento generamos el mismo efecto comenzando
en la digitación de la nota a la que resolveremos, y provocaremos una desafinación inicial que la
llevaremos a la afinación correcta en el tiempo que creamos necesario a fin de fortalecer el
efecto.
Ej. 1:
Por ejemplo, la nota Sol ( en ambas dos octavas ) puede bajarse hasta un Fa sostenido en forma
gradual si bajamos levemente la llave de Fa sostenido.
Este caso es aplicable con facilidad en los siguientes intervalos en ambas octavas:
F-E
G - F#
B - Bb
**Podemos también utilizar las digitaciones alternativas para lograr el mismo efecto bajo este
método alternativo:
*** También podemos llegar a C o a D, desde el C#, con la aplicación de la ejecución de la llave de
Do o Re en forma lenta.
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Es decir; somos capaces de proyectar un sonido con tantas variantes gracias a nuestro
instrumento, que debemos también cuidar los elementos básicos para darle una textura óptima.
Más adelante, un saxofonista irá desarrollando “su” propio sonido. Es decir, el tono, color
y tipo de elementos que caracterizan su sonido. Pero, antes de eso, es necesario cumplir con un
estándar de calidad de sonido como saxofonistas. Para esto trabajaremos en esta sección; para
optimizar nuestro sonido, engordarlo, darle tono y color adecuados para despegarnos de nuestra
inmadurez instrumentística y lograr un gran nivel sonoro.
En todos los casos donde quieran trabajar su sonido es recomendable comenzar por una
práctica de notas largas. Ya no lo hacemos desde el punto de vista de la nota en sí, sino
proyectando la sonoridad del tono que estemos tocando.
Ej. 2: Armónicos
Como vemos en gran cantidad de ejercitaciones de este libro, el trabajo en los armónicos
es fundamental. Para este caso, repasen toda la ejercitación del capítulo donde vemos este
tema.
Ej. 3: Tudel
Esta ejercitación consiste en tocar solamente con el tudel y la boquilla colocada en él.
Notarán al soplar que la nota que sale es un F# de su instrumento ( E concert para saxos
tenores y sopranos, A concert para saxos altos y barítonos )
Primero van a colocar la boquilla levemente más afuera del tudel ( llevando la afinación
un poco por debajo de la normal ) Luego, con un teclado de referencia ( o un afinador ) toquen la
nota y traten de llevarla exactamente a la afinación correcta.
Es difícil retener esto en la siguiente sesión de estudio; es decir, el hecho de que hayamos
encontrado un nuevo color en nuestro instrumento no significa que lo podamos retener y repetir
siempre, pero, la práctica cotidiana de este ejercicio les llevará a tenerlo cada vez más
incorporado, hasta el punto en el que realmente se convierta en nuestro sonido.
Ej. 4: Boquilla
Este ejercicio es levemente más complejo que el anterior. Consiste en tocar solamente
con la boquilla y la caña colocada.
Una vez que puedan hacer esto, lo siguiente es encontrar qué tono es que están tocando
( búsquenlo en un teclado o con un afinador )
Luego buscaran desafinar ese tono y conseguir un nuevo tono ( semitono descendente )
Repitan esto hasta tener una paleta de notas a su disposición tocando únicamente con la
boquilla.
Cuando hayan podido retener, conservar y tocar distintas notas lo que sigue es tocar una
escala, no necesariamente completa ( cromática, primer o segundo tetracordio de alguna escala
mayor o menor, escala hexatonal, etc…. )
Tengan en cuenta que realizar esta ejercitación como se la pide les llevará tiempo y
trabajo.
Ej. 5:
Más sencillo que los ejercicios vistos hasta ahora en este capítulo, es el siguiente.
CAPITULO 1: EMBOCADURA
- Los dientes muy clavados sobre la boquilla pueden causar mucha sensibilidad y molestia
- Apretar mucho la embocadura causa molestia, dolor en el maxilar y daños en el labio
inferior interno.
- El ideal de postura de embocadura es con el maxilar relajado
- Los dientes incisivos superiores clavan en alrededor 1,5 cm del borde de la boquilla
- La boca muy dentro de la boquilla no permite que el sonido salga controlado.
- La boca muy sobre el borde de la boquilla nos da más control, pero empobrece
enormemente nuestro sonido y nuestras posibilidades.
70
Una buena técnica de respiración nos permite ejecutar con mejor firmeza y precisión
cualquier tipo de pasajes. Ya sea por su dificultad en lo extenso, en la articulación, o en el hecho
de tocar incesantemente durante un largo tiempo, cuanto más mecanizado sea nuestro sistema
de respiración al tocar, más eficaces seremos en la ejecución.
1) Respiración torácica
2) Respiración abdominal
Es una costumbre respirar en la forma del primer ejemplo, llevando el aire a la parte
superior de nuestros pulmones. En nuestra vida cotidiana esto no afecta tan directamente
nuestro desarrollo ( aunque es recomendable pensar en llevar nuestra respiración a un punto
más profundo )
Esta forma de respirar consiste en llevar el aire hacia la zona del abdomen en lugar de
llevarlo al pecho. Vean los ejemplos en las siguientes animaciones:
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Recostados en el suelo, en posición cómoda, con la espalda recta, los dos talones
apoyados contra el suelo, respiraremos profundo procurando llevar el aire a la zona abdominal (
observaremos como se “infla” nuestra panza )
Retenemos el aire unos segundos, luego lo comenzamos a largar en forma continua pero
lenta. Notaremos como la panza se va “desinflando”.
Una vez que hayamos agotado el aire retenido haremos otra pausa, breve, y
procederemos a continuar desde el primer paso este ciclo unos 2 a 3 minutos más.
Ej. 2:
Similar al ejercicio 1, pero esta vez de pie, con los pies algo separados, la espalda recta y
el mentón alto. Colocaremos nuestras manos en la cintura con los codos arqueados.
Sostendremos con cada mano los músculos intercostales y realizaremos la respiración mostrada
en el ejercicio anterior.
Ej. 3:
Observaremos que cuanto más presión ejercemos, más control tenemos sobre nuestra
resistencia. La presión se logra forzando la emisión del aire desde los músculos intercostales y el 72
diafragma.
Ej. 4:
Esta ejercitación, sobre notas largas, deberá practicarse con constancia, durante 4 o 5 minutos
cada día que ejercitemos nuestro instrumento y por un tiempo prolongado, para asegurar la
internalización de los conceptos vistos en este capítulo.
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Si bien este tema no es fundamental, o puede tomarse como un tema sin importancia;
hay que resaltar poseer una buena conducta en nuestra postura. Tanto para el momento de la
ejecución como en las practicas, la postura adecuada favorece la emisión de aire y la buena salud
de nuestra musculatura ( principalmente cervical, lumbar y dorsal )
- Tocar erguido
- Pies levemente separados
- No dar tensión a nuestra columna
- No encoger los hombros
El uso del arnés, en lugar de la correa, suele ser más beneficioso para nuestros músculos
de la espalda; especialmente en saxofonistas tenores y barítonos.
Hay que considerar, que muchas veces, la ejecución nos pide un compromiso corporal de
nuestra parte, y esto desobedece a la ejecución con una postura “correcta”. En estos casos
siempre es mejor dejar seguir nuestro hilo emocional al interpretar una melodía, un solo, o lo
que estemos realizando en ese momento. A pesar de descuidar la postura, tenemos que tener en
cuenta esta cuestión, el resto de las veces, es mejor estar atento y crear una sana costumbre en
nuestra postura.
74
Respecto a la digitación, al igual que la postura, hay una forma “optima” de ejecutarla. Sin
embargo, en muchas ocasiones nos vemos forzados a romper esta regla de elegancia en función
de dar dramatismo o compromiso con nuestra ejecución.
- Las yemas de los dedos deben estar levemente apoyadas sobre el nácar de las llaves, en
el caso de los dedos 2, 3 y 4 de ambas manos.
- El dedo pulgar derecho no debe hacer demasiada fuerza sosteniendo el instrumento. El
instrumento se sostiene desde el arnés o la correa, por lo tanto nuestro dedo pulgar
derecho se limita a dar equilibrio y manejabilidad al instrumento.
- El dedo pulgar izquierdo debe colocarse sin hacer fuerza detrás de la zona alta de nuestro
saxofón. El portavoz no requiere mucha fuerza para trabajar, por lo que se recomienda
usar un suave movimiento del dedo pulgar para su ejecución.
- Ambos dedos meniques, izquierdo y derecho, apoyan sobre una máquina de llaves que
cierran o abren en el saxofón. Se ejecutan con normalidad al igual que los otros dedos.
- Los laterales y palmas de ambas manos, para el caso de las posiciones alternativas, o el
extremo agudo del instrumento deben ejecutarse sin provocar un movimiento antinatural
de la mano completa, siendo ayudados por un movimiento leve de la muñeca.
Para todos los casos, lo recomendable es trabajar en lograr una técnica de digitación que
requiera el menor movimiento posible, el menor alejamiento de nuestra mano o dedos del
instrumento y la menor necesidad de hacer fuerza.
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Provocamos este efecto del mismo modo que acentuamos una letra consonante en
nuestra habla; ejecutamos el mismo movimiento con la lengua sobre la caña al atacar una nota,
que cuando colocamos la lengua sobre los dientes incisivos superiores cuando decimos “ TA “
76
La práctica de escalas y ejercicios con metrónomo es una tarea que debe estar siempre
presente en el estudio de todo músico. Es importante no descuidarla.
Recomiendo comenzar con tempos medios ( entre 80 y 100 bpm ) y luego proseguir a
tocar en tempos más veloces ( 120 a 200 bpm ) y más lentos ( 50 a 70 bpm )
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- Boquillas de Plástico: No son tan comunes como se piensan. Poseen poca durabilidad y
muy mala calidad de sonido en comparación con otros tipos de materiales
- Boquillas de Ebonita: Esta es la más recomendada, con un sonido clásico, sencillo, dócil y
fácil de manejar ( dependiendo obviamente de otras consideraciones que
mencionaremos más adelante en este mismo capítulo )
- Boquillas metálicas: Poseen un timbre más brillante, generalmente tienen mayor fuerza y
volumen que las boquillas de ebonita y una articulación más dura.
- Boquillas de Acrílico: Son poco frecuentes, su sonido no llega a ser tan aceptado. Poseen
una sonoridad suave que deja a perder muchos de los elementos sonoros característicos
de nuestro instrumento.
- Boquillas de madera: Suelen aportar una sonoridad muy suave. Hay muchos modelos y
materiales específicos en las boquillas de madera que, en algunos casos suelen ser muy
interesantes. Llevan el sonido del saxofón, metálico, a un nivel de un instrumento hecho
en maderas ( un clarinete o un oboe por ejemplo )
Consideraciones:
- Apertura: Cuanto mayor sea la apertura de la boquilla, más volumen genera, más difícil es
la emisión del aire a través de ella, menor es el control que se tiene del sonido y de la
articulación; Cuanto menor sea la apertura, el volumen disminuye, pero se gana control,
facilidad en la articulación y en la emisión del aire.
- Posición de la embocadura: Cuanto más adentro armemos la embocadura, mayor
volumen tendremos pero perderemos control sobre la articulación y el control del aire.
- Abrasadera: Es importante que la abrasadera presione la caña de manera firme, pero
suele confundirse y apretarse de más en muchos casos. El exceso de presión en la caña
contra la boquilla provoca menor movilidad que la óptima en la caña, perjudicándonos en
nuestro sonido y generando una complicación a la hora de dominar y controlar las
resistencias que la boquilla y la caña nos provoca. Existen varios tipos de abrasaderas,
dependiendo de la forma y material de la boquilla. Para un buen aprovechamiento, el
ideal de abrasadera será aquella que presione la caña sobre la boquilla en todos sus
puntos y en forma pareja.
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Como saxofonistas corremos con una ventaja grande que tal vez nunca nos dimos cuenta:
no podemos ver las notas que tocamos, nos tapa nuestro mismo instrumento, lo ejecutamos
desde atrás. Esto nos da una perspectiva diferente a cualquier otro instrumento. El hecho de no
poder ver la digitación que ejecutamos nos pone en la situación de imaginarla digitada y nos
obliga a escucharla y sentirla mejor.
A pesar de ello, la memorización nos creará un vínculo mucho más complejo entre la
música y nosotros, y por otra parte, nos liberará enormemente.
Recomiendo tomar unos momentos a diario en nuestra sesión de estudio, para incorporar
las siguientes ejercitaciones:
Cualquier escala, arpegio que estemos trabajando, lo haremos sin la partitura. En forma
lenta si es necesario.
Crearemos un patrón musical: una frase breve que contenga intervalos ascendentes y
descendentes. No importa el tono inicial ni el respeto por una tonalidad en particular.
A este motivo lo llamaremos “motivo inicial en tono movible”. Y aplicaremos, al igual que
en el caso trabajado como “do movible”, una serie de ejecuciones de este motivo transportado
por semitonos a todas las tonalidades.
Ej. 3: Repertorio
Es una buena idea crear una carpeta de trabajo que incluya nuestro repertorio. Este
repertorio se compondrá de las melodías que estemos practicando, aquellas que deseamos
aprender a tocar, aquellas que ya hemos aprendido, las que nuestros profesores nos dan para
que aprendamos, etc…
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Les dejaré una recomendación importante que necesitan tener bien en claro:
Es fundamental no solo saber leer en pentagrama, sino tener un muy buen nivel de
lectura, no alcanza con saber leer bien.
La lectura “a primera vista” es un tema que también nos vendrá en conveniencia adoptar
como habilidad. Fuera del saber leer y poder hacerlo sin dificultad, la lectura a primera vista
consiste en leer aquello que nos es puesto delante nuestro, e interpretarlo en tiempo real.
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Existen varias formas de desarrollar un buen nivel de audio perceptiva. A continuación les
dejo algunas ejercitaciones
Ej 1: Retención de tono
Ej 2: Sacar melodías
Comenzaremos con melodías breves o pasajes melódicos simples, para luego llevarlos a
transcribir una canción por completo.
Ej 3: Sacar armonías
Lo que trabajaremos en este ejercicio es tomar una canción que nos sea de agrado y
descifrar el movimiento armónico ( acorde por acorde, la progresión completa )
Como paso previo a esta ejercitación sería recomendable informarnos y trabajar sobre
“patrones armónicos”, “progresiones armónicas”, “funciones tonales”, etc… Temas que se
encuentran fuera del contenido de este libro y que se vinculan con el lenguaje musical, y que nos
serán de gran utilidad para abordar esta práctica.
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Esta práctica consiste en transcribir únicamente la nota más grave que escuchemos. Esta
nota será en el caso de interpretaciones de varios instrumentos, la nota que lleve el ritmo
armónico y la mayor definición del movimiento armónico ( fundamentales para luego descifrar el
resto de la armonía )
Ej. 5: Solos
Para todos estos casos tengan en cuenta que la recopilación e información es inconsciente. Es
decir, que al momento de abordar las ejercitaciones no serán conscientes de los logros que estén
generando. Sion proyectos de estudio a mediano plazo que veremos ( y agradeceremos ) con el
tiempo.
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Quiero agradecerte a vos, que hoy estas con este libro en tus manos. Por confiar en mi,
por abrirte a mis ideas y tomar mis recomendaciones. Por creer en este método ( no es del todo
mío como lo mencioné en la introducción )
Quiero ayudar a dejar un legado simple, claro, preciso, completo, eficaz, útil, vivo, sobre
la forma de estudiar y convertirnos en saxofonistas.
L..
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