CARRERA UNIVERSITARIA

EN MODA Y TEXTIL
Curso: 3º
Asignatura: Fotografía de Moda

FOTOGRAFÍA, TÉCNICA
Y COMPOSICIÓN

CARRERA UNIVERSITARIA
EN DISEÑO GRÁFICO
Curso: 2º
Asignatura: Imagen Visual - Fotografía

CURSO 2018-2019
 Fotografía, técnica y composición

ÍNDICE DE CONTENIDOS

1. Un poco de historia 3

2. Ojo Vs Cámara 5

3. La fotografía y sus mecanismos de control 6

• Enfoque 6

• Medición 7

• Diafragma 9

• Obturador 10

• Sensibilidad ISO 11

• Histograma 13

• Modos de exposición 15

• Longitud focal - Objetivos 15

4. Terminología digital 18

• Píxel - Megapíxel 18

• Sensor digital 19

• Resolución 20

• Factor de corrección 20

5. Profundidad de campo 22

6. Elementos a tener en cuenta 24

7. Notas 33

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1. UN POCO DE HISTORIA

La posibilidad de formar imágenes mediante un orificio pequeño es conocida desde la época de Aristóteles, y constituye la
base de la cámara oscura, primer aparato óptico y predecesor de la fotografía. Se trata de una sala (en sus orígenes)
dotada de una pequeña abertura en una de las paredes a través de la cual se proyectaba en la pared situada enfrente una
imagen invertida de la escena exterior. Esta imagen era oscura y poco definida, porque ser el agujero muy pequeño, lo que
provocaba una cierta dispersión de los rayos que lo atravesaban. Para producir una imagen más luminosa y definida es
preciso recoger más luz y hacer que los rayos converjan, es decir, enfocar. Esto exige el concurso de una lente
convergente (disco de cristal más grueso en el centro que en los bordes que hace que todos los rayos de luz converjan en
un punto), y que resuelve los problemas que plantea el agujero, llevando a foco todos los puntos y formando una imagen
muy clara.

Se desarrolla en el Renacimiento, como ayuda al dibujo fácil. Los pintores empezaron a utilizarla para trazar las
perspectivas geométricamente correctas que exigía la pintura renacentista. Ese fue reduciendo el tamaño de la cámara
hasta hacerla portátil; la cámara oscura paso de ser una habitación grande a ocupar el tamaño de una cabaña pequeña,
luego un coche de caballos, una tienda de campaña pequeña y por fin, un cajón.

Hablando ya de fotografía, la primera imagen fotográfica conservada data de 1827. Es una vista desde la ventana de
Joseph Nicéphore Niepce que necesitó 8 horas de exposición. Textos suyos no dejan duda de que había conseguido fijar
la imagen de la cámara una década antes. Nunca llegó a oficializar el descubrimiento porque Daguerre le convenció de lo
contrario buscando el perfeccionar dicho invento.

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El 19 agosto 1839 se anunció en Paris que Louis Daguerre había descubierto un procedimiento con el que fijaba la
imagen de la cámara oscura por la acción de la propia luz. Había desarrollado un material fotosensible. Exigía más de
media hora de exposición. En pleno momento industrial, de avances enormes, la sociedad requería, demandaba rapidez
también en este ámbito. Este invento causó un impacto tremendo, porque ya se podía disponer de un medio de
reproducción rápido, y sin necesidad de pinceles ni habilidad. Esta noticia sorprendió a William Henry Fox Talbot, hombre
de ciencias inglés, que con total independencia había inventado una técnica que le pareció idéntica a la de Daguerre.

Daguerre llamó a su invento Daguerrotipo, de un tamaño considerable, aunque poco a poco fue cogiendo unas
dimensiones aceptables, que funcionaba más o menos como la cámara actual, aunque en vez de dar un negativo, daba
directamente un positivo, por lo que cada imagen era única y no reproducible. Al mismo tiempo, debido a lo poco
sensibles que eran las placas que usaba, se necesitaban tiempos de exposición muy largos, por lo que los temas eran
siempre de arquitectura. No se podía tomar a personas. Pocos días después del anuncio, una revista ya publicó una
litografía de un daguerrotipo. Estas copias, impresas mediante las técnicas gráficas convencionales, se hicieron
rápidamente populares. Por el contrario, el invento de Fox Talbot si producía un negativo, por lo que podía hacia todas las
copias que quisiera en positivo. En la actualidad se considera que los inventores de la fotografía, aunque solamente existe
un título oficial de dicho invento, fueron cinco. Debemos añadir a los 3 ya comentados, otros 2 nombres como inventores
de la fotografía: Hippolythe Bayard y Hércules Florence.

Tantas personas en un mismo momento, tantas coincidencias en un mismo invento... Todo ocurre en un periodo en el que
la sociedad, tras años de revolución industrial, demandaba rapidez en todos los ámbitos, y la fotografía fue la respuesta a
gran parte de esas demandas. Desde sus inicios, la fotografía ha sido capaz de cambiar la forma en la que recordamos las
cosas, ofreciendo instantaneidad y dándonos la capacidad de capturar momentos reales. Ha jugado un gran rol en nuestra
concepción de la historia y del mundo. Ha sido clave, por ejemplo, para confirmar al público los estragos de una guerra, o
mostrar otras sociedades, otras razas y modos de vida, y por supuesto, para liberar a las artes tradicionales del yugo de la
representación. Pero, por su propia capacidad transversal, no fue fácil la aceptación de la fotografía en la sociedad.
Aparecían nuevos fotógrafos, personas interesadas en la fotografía que se introducían en diferentes mundos, como el del
arte, el de la antropología y la sociología, a veces sin tener conocimientos de esos temas, y a veces siendo atacados
desde esos mundos. Y así unos y otros comienzan a unirse y aparecen las primeras escuelas y corrientes fotográficas.

Habrían de pasar 40 años hasta que las fotografías hicieran acto de presencia en las páginas de libros y periódicos, lo que
ocurrió mucho antes de que el cine y la televisión hicieran de la imagen algo cotidiano. Actualmente estamos tan
acostumbrados a la presencia de la fotografía que difícilmente podemos apreciar hasta qué extremo ha ampliado y
transformado nuestra visión del mundo. Sin la fotografía nuestro conocimiento del mismo sería reducidísimo.

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2. OJO VS CAMARA

La luz es esencial en fotografía, ya desde su mismo nombre: escritura con luz. Sin luz es imposible ver o tomar fotografías
por ser la luz la que hace los objetos visibles al ojo y a la cámara. Pero desde el punto de vista de la fotografía, lo más
importante de la luz, es su principal característica física, y es que se desplaza en línea recta. Más adelante haremos
incidencia en este punto.

Al igual que la fotografía, el ojo crea una imagen invertida al que el cerebro da la vuelta. Este es todo el parecido existente
entre el ojo y la cámara. Es muy importante comprender las diferencias entre ambos ya que cuando vamos a realizar una
fotografía, vemos a través del ojo, y no podemos saber el resultado de la fotografía hasta que no vemos la imagen una vez
realizada. Por ello, las principales diferencias son:

- Mientras el ojo es capaz de percibir con claridad los objetos gracias a que sólo admite una cantidad de luz limitada a
través de un pequeño orificio, la pupila (que el cristalino enfoca a continuación), la fotografía acepta toda la luz que
queramos, pudiendo aparecer una estancia oscura como clara, y viceversa.

- La visión selectiva del ojo (sólo se ven nítidas las palabras que se leen mientras el resto se ven borrosas) es diferente a
la en planos de la fotografía, la cual divide la realidad en planos paralelos al plano focal y enfoca o desenfoca la escena en
base a estos. Así que “jugando” con la exposición se puede mejorar la luz de una escena.

- El ojo se adecua a cualquier situación ambiental mejor que la fotografía. Mientras, la fotografía exagera los contrastes
entre las partes claras y oscuras de una escena, por lo que no puede enfrentarse a ciertos contrastes. Técnicamente
podemos decir que el rango dinámico del ojo es mayor que el de la fotografía. Por ello, en la fotografía, a la hora de
realizar una fotografía donde existen grandes contrastes, tenemos que elegir entre las zonas claras y las zonas oscuras a la
hora de medir, porque ambas no podrán salir bien. Y sobretodo, deberíamos decidir a la hora de encuadrar el solamente
introducir en nuestra imagen una de dichas zonas.

NOTA: Rango dinámico es la capacidad para aceptar una menor o mayor cantidad de tonos de color entre el blanco y el
negro. A mayor rango dinámico, más tonos, mayor degradado y mejor resuelve el contraste una cámara fotográfica.

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3. LA FOTOGRAFÍA Y SUS MECANISMOS DE CONTROL

Cuando nos disponemos a hacer una fotografía, al presionar el botón suceden tres cosas que debemos tener en cuenta de
forma independiente: Estamos enfocando, es decir, decidimos que parte de nuestra fotografía será nítida. Estamos
encuadrando (elegimos qué elementos y en qué posición formarán parte de nuestra fotografía) y la cámara mide la luz
(decide la cantidad de luz necesaria para dicha fotografía).

EL ENFOQUE: Para hacer una fotografía, debemos presionar el botón de disparo hasta la mitad. De este modo, la cámara
enfocará. Podremos ver en nuestra pantalla o visor uno o varios cuadrados de color. Nos indican el punto de enfoque de
nuestra fotografía. Debemos asegurarnos que este siempre sobre el elemento principal. En caso contrario, debemos
levantar el dedo del disparador y volver a presionar este hasta la mitad.

Foco

De todos modos, antes de hablar de los diferentes modos de enfoque existentes, debemos definir cómo enfoca una
cámara: Enfoca "por contraste" a un plano paralelo a la cámara a una distancia determinada. Una vez dicho esto, existe un
enfoque manual y un autofoco.

01.- Enfoque manual: girando la rosca del enfoque situada en el objetivo variaremos la distancia de foco o enfoque
manualmente.

02.-Enfoque automático o autofoco: la cámara enfoca automáticamente. Distinguimos tres tipos de autofoco:

a)Enfoque Automático: One Shot / AF-S: Apretando ligeramente el botón del disparador y sin llegar a disparar la fotografía,
activamos el enfoque. De ese modo la cámara enfocará a esa distancia y se mantendrá así hasta que dejemos de presionar
el disparador.

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b)Enfoque continuo: AI Servo / AF-C: Apretando ligeramente el botón del disparador y sin llegar a disparar la fotografía, la
cámara seguirá el movimiento del motivo manteniendolo siempre enfocado. Es ideal para objetos en movimiento.

c)Enfoque inteligente: AI Focus / AF-A: Es una combinación de los dos modos de enfoque anteriores. La cámara trata de
determinar si el objeto enfocado es estático o está en movimiento, aplicando el enfoque que cree apto para ello. De todos
modos, no es un modo muy fiable.

Con respecto a las diferentes zonas de enfoque que nos dará la cámara, optaremos siempre por la misma:

01.-AF de punto único: Este modo permite que se seleccione cualquiera de los puntos de enfoque disponibles. Al ser uno
mismo quien decide el punto de enfoque, se sabe exáctamente donde se está enfocando. El riesgo es que si no somos
precisos ese punto único puede enfocar en otro sitio cercano a nuestro objeto principal.

NOTAS:

- El resto de zonas de enfoque se podrán consultar en el manual de la cámara.

- Recordad que si el punto de enfoque se encuentra bloqueado y no podemos cambiar dicho punto, tenemos que buscar
un botón o rosca en la cámara con una L (es la opción de bloqueo del punto de enfoque). Hay que moverla para
desbloquearlo.

EL ENCUADRE: Una fotografía está limitada por el ángulo de visión del objetivo y el formato rectangular impuesto por la
cámara. Esto determina la porción de imagen que formará parte de nuestra imagen. Más adelante hablaremos de lenguaje
visual y composición.

LA MEDICIÓN: El exposímetro que la cámara tiene en su interior decidirá la cantidad de luz que es necesaria para iluminar
nuestra fotografía de la forma que considere correcta. Para ello, debe estudiar la luz de la escena. Cuando hablamos de luz
en fotografía podemos estar hablando de luz incidente y/o de luz reflejada. La luz incidente es la que llega desde la fuente
de luz a la superficie de un sujeto. La luz que el objeto no absorbe, es la luz reflejada. Con este segundo tipo de luz es
con el que trabaja una cámara fotográfica, por lo que la medición no siempre resultará exacta, en base a la cantidad de luz
que hayan absorbido o reflejado los diferentes objetos de nuestro encuadre.

Una cámara está preparada para entender que lo que tiene delante es un gris medio, es decir, refleja un 18% de luz (media
de luz que refleja un objeto en base al porcentaje absorvido y reflejado). Por lo tanto, siempre tenderá a subexponer el

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color blanco y los objetos muy claros (debido a que lo considera un gris medio muy iluminado) y a sobreexponer el color
negro y los objetos muy oscuros (debido a que lo considera un gris medio poco iluminado).

NOTA: si realizamos una fotografía a una pared blanca y a una pared negra, con la misma iluminación, el resultado será
exactamente el mismo. Una imagen de color gris.

El exposímetro de nuestra cámara es la representación gráfica de la medición, y utiliza diferentes patrones de lectura o
modos de medición:

- Medición ponderada o promediada: da más importancia a la luz de la zona central de la escena aunque mide en toda
ella. En Canon, también existe la Parcial, que solo mide la luz en una amplia zona central.

- Medición puntual: mide la luz en una porción muy pequeña de la imagen y suele coincidir con el punto de enfoque.

- Medición evaluativa o matricial: mide la luz en toda la escena.

Debemos recordar siempre que, puesto que estamos utilizando luz reflejada, se debe hacer una interpretación de la lectura
realizada, y cambiar los valores dados en el caso que no la consideremos correcta. Cuanta mayor diferencia haya entre las
zonas de luces y de sombras de una imagen, más complicado será para nuestra cámara decidir la correcta exposición de
ésta.

Para determinar la exposición en casos con mucho contraste es necesario decidir la parte de la escena que consideramos
importante, es decir, la parte donde se encuentra nuestro centro de interés. Por ejemplo, si un sujeto tiene un fondo muy
luminosos se debe medir la exposición para el sujeto que es el que nos interesa, el fondo saldrá sobreexpuesto, pero el
sujeto estará bien expuesto. De todos modos, siempre debemos intentar que esto no ocurra, moviéndonos nosotros, al
modelo...

NOTA: Lo que nosotros consideramos exposición correcta y lo que la cámara considera son dos cosas diferentes. Para la
cámara será la mejor exposición posible de toda la escena en general (recordando incluso que se puede equivocar en
base al gris medio) mientras que para nosotros dependerá en gran medida de lo que consideremos importante en la
fotografía: sombras, luces,… Para corregir los fallos en la medición siempre podremos usar la compensación de la
exposición: (+/-) o EV. Nos servirá para aclarar u obscurecer un poco la toma si no nos gusta como la resolvió la cámara
la fotografía. Si decidimos sobreexponer (permitir la entrada de más luz) y conseguiremos destacar algo más las sombras
o zonas oscuras, aunque corremos el riesgo de llegar a quemar las luces (se perderá información y se verán zonas
blancas). Si por el contrario decidimos subexponer (recortar la entrada de luz) destacaremos el detalle de las luces en
detrimento de las sombras (se perderá información y se verán zonas negras).

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El exposímetro, como decíamos, decidirá la cantidad de luz que es necesaria para iluminar nuestra fotografía de la forma
que considere correcta. Y lo hará mediante dos elementos o mecanismos de control: un diafragma y un obturador.

DIAFRAGMA: Situado en el objetivo, está formado por un conjunto de laminillas que se solapan, determinando en su
centro un orificio de diámetro variable que controla la cantidad de luz que pasa a su través. El anillo de control de la
apertura tiene pasos fijados en números f marcados o intermedios. El diafragma se puede ajustar de manera regular en
diferentes puntos entre la abertura mínima y la máxima.

Diafragma

Existe una escala oficial (en nuestra cámara veremos más valores además de los de la escala oficial) de los números f que
se estandarizó en 1904 en París y es:

1 - 1,4 - 2 - 2,8 – 4 – 5.6 – 8 – 11 – 16 - 22 - 35 – 45 – 64 – 90 - 128 – 180

Cuanto menor sea el número (ej. f/2.8) mayor será la apertura de diafragma.

Cuanto mayor sea el número (ej. f/22) menor será la abertura del diafragma.

Como podemos comprobar, es una progresión geométrica (doble o mitad de cada valor del mismo color). La diferencia
entre cada uno de esos valores es que permite entrar el doble o la mitad de luz. Es decir, una f2.8 dejará entrar el doble de
luz que una f4, y viceversa. A esta diferencia en la cantidad de luz (doble o mitad) se le llama un paso de luz.

Nuestras cámaras traen valores intermedios, que equivalen a tercios de paso. Por ejemplo, mientras en f8 entra el doble de
luz que en f11, existen 2 pasos intermedios: f9 y f10. Y así con toda la escala. Por lo tanto, podemos decir que 3 tercios
de paso, partamos del valor que partamos, equivalen a un paso completo de luz.

NOTAS:

- En fotografía son muy importantes la apertura máxima de un objetivo y la variedad de aperturas, dado que es uno de los
controles básicos de la creatividad a la hora de tomar fotografías.

- La apertura está relacionada con la Profundidad de campo, término que trabajaremos más adelante.

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OBTURADOR: Decide la velocidad de obturación o tiempo de exposición (se utilizan ambos términos), es decir, el tiempo
durante el cual la luz entra en la cámara. El más común el de cortinillas o plano focal, que se ubica en el cuerpo de la
cámara. La velocidad de obturación es la velocidad a las que estas cortinillas se abren y cierran, determinando, como
hemos dicho, el tiempo de exposición. Se desarrolló en los años 80 para conseguir velocidades más rápidas.

A continuación podéis ver una escala de tiempo de exposición o velocidad de obturación:

30”-15”-8”–4”-2”-1”-½-¼-1/8-1/15-1/30-1/60-1/125-1/250-1/500- hasta 1/8000 de segundo.

Como en el caso del diafragma, la diferencia entre cada uno de estos valores es de un paso de luz, y también tenemos
pasos intermedios.

En la cámara también nos encontraremos otros valores no numéricos referentes al tiempo de exposición.

- Bulb: Mientras se mantenga presionado el obturador estará abierto.

- T: Cuando se pulsa se abre el obturador y al volver a pulsar se cierra.

Dicho tiempo de exposición o velocidad de obturación está directamente relacionada con la influencia del movimiento
externo (de los elementos que fotografiamos) en la fotografía.

La velocidad de obturación determina 4 tipos de fotografías.

- Instantánea: el objeto principal queda congelado, esté o no esté en movimiento, y el fondo estático. El grado de
desplazamiento no es apreciable para el ojo humano.

- Todo movido: Tanto el objeto principal como el fondo están movidos. No siempre es un error como estamos habituados
a pensar. A veces puede ser la que mejor opción que represente un momento donde existe un gran movimiento, puesto
que aporta el dinamismo necesario a una imagen que si hubiéramos congelado resultaría extraña.

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- Barrido: El objeto principal, a pesar de estar en movimiento, queda congelado en apariencia y el fondo movido.

- Estela: El objeto principal aparece movido y el fondo quieto.

Hay tres factores o características del movimiento de los que dependen a su vez estas fotografías:

- La velocidad del sujeto.

- La distancia de toma a dicho movimiento.

- La dirección o trayectoria de dicho movimiento respecto al eje óptico.

NOTAS:

- La longitud focal utilizada también influye en este tipo de tomas.

- Recordad el posible uso del flash como dispositivo para congelar la velocidad.

El tercer mecanismo de control es la SENSIBILIDAD (ISO): es la capacidad o rapidez del sensor para captar la luz. Ante
una cantidad de luz determinada, dependiendo de la ISO, necesitaremos más o menos tiempo de exposición.

Los valores de ISO se representan en una escala como la del resto de mecanismos de control, aunque en este caso
depende mucho del tipo de cámara.

ISO 50 – 100 – 200 – 400 – 800 – 1600 – 3200 – 6400 – 12800 – …

Como en los casos del diafragma y el obturador, la diferencia entre cada uno de estos valores es de un paso de luz, y
también tenemos pasos intermedios.

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- Cuanto más baja sea nuestra ISO, mayor tiempo de exposición necesitaremos. Gracias a esto conseguiremos una mayor
calidad de imagen aunque si no hay mucha luz es fácil que nos salga movida la fotografía (el tiempo de exposición deberá
ser largo).

- Cuando la sensibilidad sea alta, será al contrario, menor calidad, pero más difícil que nuestra fotografía esté movida
porque conseguiremos un tiempo de exposición más corto.

- De todos modos, se considera sensibilidad normal o estándar de 200 ó 400. Por debajo se considera sensibilidad baja, y
se considera sensibilidad alta por encima de 800. De todos modos, depende mucho del típo de cámara, como
explicaremos a continuación.

Esa falta de calidad o menor calidad de la que hablamos al usar una ISO alta, se llama ruido. El ruido en fotografía digital
es el equivalente al grano en la analógica. A diferencia del grano que aparecía de forma uniforme en toda la imagen, el
ruido aparece de forma más evidente en las zonas oscuras. No siempre es sinónimo de mala calidad puesto que puede ser
buscado por estética. Por otro lado, el ruido aparecerá a diferentes sensibilidades dependiendo de la cámara que usemos.
Por ejemplo, a igual sensibilidad, habrá más ruido en la imagen sacada con una cámara compacta que con una cámara
réflex.

En resumen, podemos decir que la mejor sensibilidad a usar en cada momento será la más baja que nos permita disparar
a la velocidad adecuada evitando así la trepidación de la fotografía, es decir, que la fotografía salga movida.

Una vez usemos un trípode porque vayamos a hacer una fotografía a algo estático, podremos usar una ISO baja,
garantizándonos la mayor calidad sin pensar en la velocidad, por no existir movimiento en la escena y estar nuestra cámara
apoyada. Se recomienda en estos casos utilizar un disparador remoto o el temporizador de la cámara para no mover la
misma a la hora de apretar el disparador.

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A continuación hablaremos del HISTOGRAMA. Es un gráfico estadístico que representa la cantidad de pixeles para cada
valor de luminancia de una imagen, y que nosotros utilizamos para exponer en fotografía digital. Estos valores varían entre
el 0 que corresponde al negro y el 255 correspondiente al blanco. La importancia del histograma en fotografía digital
radica en que a partir de este gráfico, podemos hacer una rápida interpretación de la exposición que tiene la imagen.

Cabe aclarar que no siempre desearemos una imagen “equilibrada” en cuanto a la gama tonal, pues podríamos buscar
deliberadamente conseguir imágenes donde predominen las zonas oscuras o las zonas claras, según nuestra intención.

NOTA: debemos aclarar en el caso de elegir una imagen oscura, más bien subexpuesta, que en fotografía digital la
información se encuentra en las zonas claras de la imagen. Un píxel negro es un pixel sin información ya que el color
negro en fotografía digital significa falta de información. Según van siendo más claros los píxeles, van teniendo más
información. Según esto, siempre será mejor dar más luz a la hora de realizar la imagen, y subexponer en el ordenador,
puesto que esa foto tendrá más información y más calidad aunque aparentemente obtengamos el mismo resultado con
más trabajo.. Por lo tanto, si al fotografiar un píxel negro lo llevamos hacia un gris, conseguiremos que sí tenga
información. En el posterior procesado, al subexponerlo, llevaremos ese gris de nuevo a negro, pero en este caso con
información. Esto significará menos ruido en nuestra imagen.

Gracias al histograma podemos exponer con más facilidad incluso que con un fotómetro, aunque la desventaja en algunos
casos de cámaras es que no te permiten ver el histograma antes de realizar la fotografía.

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El histograma se puede utilizar para exponer de diferentes maneras:

- Exposición correcta al gris medio: es aquella exposición que representa la imagen tal como la vemos, o al menos lo más
parecido posible, según las limitaciones de la cámara que utilicemos. Generalmente el histograma estará más bien
centrado.

- Exposición a la derecha o derecheo: esta medición no busca tanto el resultado estético correcto de la fotografía en un
principio, si no que busca la mayor cantidad de información posible y así evitar también el mayor ruido en la imagen
posible. El resultado suele ser un histograma ligeramente sobreexpuesto, para ya en la posterior edición subexponer
buscando el resultado correcto.

NOTAS:

- Hay que recordar no tener en cuenta las luces directas y los reflejos, especulares o no, que entren en nuestro encuadre a
la hora de exponer. Si intentáramos recuperar esas luces (que no aparezcan quemadas o con exceso de luz), el resto de la
fotografía quedaría subexpuesto. A veces puede ser una fotografía estéticamente interesante.

- En la cámara podemos comprobar las zonas quemadas de la fotografía activando las altas luces. A la hora de ver la
información de la fotografía, en uno de los modos podremos ver cómo parpadea en negro alguna zona de la misma. Eso
son las altas luces y significa que esa zona se ha quemado. Debemos comprobar si es una zona que nos interesa, y repetir
la imagen subexponiendo un poco la misma, o si por el contrario, así está bien.

- Por último, un apunte sobre lo que ocurre cuando disparamos en RAW con respecto a las luces altas. Podremos
recuperar ciertas luces quemadas. Una fotografía en color, recordemos tiene 3 canales (Red, Green, Blue) así que cuando
vemos un histograma en gris estamos viendo el histograma promedio de los histogramas de cada canal. Si las luces
quemadas de las que hablamos solamente están en uno de esos tres canales, podremos recuperar la información de los
otros dos.

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Una cámara fotográfica tiene diferentes MODOS DE EXPOSICIÓN, de tal manera que controle ella la cantidad de luz de una
exposición o nos lo deje hacer a nosotros parcial o completamente. Esos modos son 4:

- P: En el modo Programa, la cámara decide la velocidad de obturación y la apertura, como en modo automático, pero en
este caso nos permite cambiar la ISO, (+/-), el flash... Es el modo más usado al inicio.

- M: En el modo Manual nosotros decidimos velocidad y apertura, siempre en base a los datos que nos sugiere la cámara,
y que podremos comprobar al ver el exposímetro.

- A / Av: En el modo de Prioridad a la apertura, nosotros podemos elegir la que queramos, mientras la cámara elige la
velocidad.

- V / S / Tv: En el modo de Prioridad a la velocidad, elegimos la velocidad y la cámara elige la apertura.

NOTA: Tenemos que tener cuidado con las escenas (otros modos de disparo automáticos que las cámaras traen). AL
seleccionar una escena, le decimos a la cámara qué tipo de fotografía vamos a realizar y en base a esto la cámara se
configura. Debemos tener cuidado con lo que creemos que la cámara hace. Por ejemplo: Imaginemos que deseamos
hacer una toma nocturna. Seleccionaremos la escena nocturna por lo que la cámara sobreexpondrá un poco, es decir,
alargará aún más el tiempo de exposición, de tal manera entre más luz. Así que si intentamos hacer esta fotografía con la
cámara en la mano, nos saldrá movida. Deberemos apoyar la cámara en algún sitio.

El siguiente término es la longitud o distancia focal, que viene directamente relacionada con el OBJETIVO. Como vimos al
principio sobre la cámara oscura, el objetivo hace posible que nitidez y luminosidad no sean opuestas en la fotografía.
Recibe los haces de luz procedentes de un objeto y modifica su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa
del objeto, que envía al sensor. Proporciona una imagen más libre de aberraciones ópticas, gracias a la evolución de la
óptica y a que se incorporan diferentes grupos de lentes (convergentes y divergentes) que contrarrestan estas
aberraciones.

Distancia o longitud focal: distancia en milímetros entre el centro óptico y el plano donde se forma la imagen (sensor
digital y plano frontal del objetivo). En la actualidad vemos que esta distancia no se corresponde con la realidad, por la
suma de lentes en busca de una buena calidad, pero si corresponde al mismo ángulo de visión.

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Como hemos podido ver en este cuadro, cuanto mayor sea la longitud o distancia focal, más cerrado será el ángulo de
visión.

Los objetivos se clasifican en base a su longitud focal. Los valores que ponemos a continuación son aproximados, por
existir muchas otras longitudes focales:

- Ojo de Pez: 6mm, 8mm, 10mm, 12mm.

- Gran angular: 16mm, 18mm, 20mm, 24mm.

- Angular: 28mm, 30mm, 35mm.

- Normal: 45m, 50mm, 55mm. Similar al ángulo de visión humano.

- Tele corto: 70mm, 80mm, 100mm, 135mm.

- Tele medio: 180mm, 200mm, 300mm.

- Super tele: 400mm, 1000mm.

También podemos realizar una segunda clasificación en base a sus usos:

- Retrato: teles cortos.

- Interior, paisaje, documental: grandes angulares y angulares.

- Moda: teles cortos.

- Deportes: teles medios y largos.

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Aberración óptica: término que se utiliza para definir imperfecciones de la imagen producidas por la falta de calidad de la
lente u objetivo con que se haya sacado la fotografía.

Efecto angular-tele: La selección de una distancia focal determinada a la hora de hacer una fotografía no solamente incide
en el acercar o alejar lo que estás fotografiando, si no que también lo hace sobre la propia perspectiva de la imagen.

Como hemos visto, los objetivos pueden ser angulares, normales o teleobjetivos. Por otro lado, hemos visto que en
fotografía enfocamos a un plano paralelo al plano focal, y eso es porque la fotografía ve la realidad dividida en una multitud
de planos paralelos.

Se llama normal a un objetivo cuando la distancia entre esos planos es la misma que ve el ojo humano. Por el contrario,
cuando hablamos de angulares, se alejan los planos entre sí por lo que da sensación de mayor profundidad, y en los
planos cercanos produce una deformación bastante marcada. Mientras, el efecto que produce un teleobjetivo es el
contrario, comprimiendo la distancia entre los diferentes planos, y dando la sensación de aplanar la imagen y acercar
elementos que en la realidad están alejados entre si.

NOTA: cuando en una fotografía tenemos diferentes elementos que se repiten en el espacio, podemos jugar a alejar o
acercar los mismos, de tal manera que consigamos crear una especie de ritmo entre ellos. O por el contrario, romper ese
ritmo, si es que no lo queremos.

¿Qué ocurre cuándo retratamos a una persona? Haz una fotografía muy de cerca a una persona con angular y con tele
(si tienes una compacta, hazla sin zoom y con zoom).Haz que la persona te mire directamente y hazla lo más cerca
posible. En ambos casos con el mismo encuadre. Verás la enorme diferencia

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4. TERMINOLOGÍA DIGITAL

En este apartado vamos a familiarizarnos con terminología relacionada con la fotografía digital. Lo primero que debemos
comentar son los diferentes grupos de cámaras digitales. Sus propias características técnicas permiten hacer una clara
distinción basándonos en criterios tan claros como el espejo réflex, los objetivos intercambiables o la diferencia de
tamaño del sensor entre unas y otras (hablaremos de los sensores a lo largo de este tema).

- Compactas: cámaras con muchísimos automatismos y pocas funciones manuales, que se suelen encontrar tras extensos
menús digitales. Los resultados suelen ser bastante malos en condiciones de poca luz. Sensores muy pequeños.

- Puente: Mismos resultados que las compactas, aunque con más funciones manuales, un zoom muy grande y un aspecto
cercano al de una cámara reflex. Sensores muy pequeños.

- Compacta avanzada: Primera de las cámaras interesantes a la hora de querer aprender fotografía, con funciones
manuales, en muchos casos visibles (roscas y botones). Sensores de un tamaño aceptable e incluso grande.

- Micro cuatro tercios: Tienen funciones y calidad similar a las cámaras Reflex, pero en un formato de mucho menor
tamaño, tipo a las compactas avanzadas. Además, al igual que las cámaras reflex, tienen objetivos intercambiables.
Sensores de un tamaño aceptable e incluso grande.

- Reflex: Las cámaras que generalmente han dado mejores resultados, con objetivos intercambiables y funciones
manuales. En la actualidad están siendo superadas por las cámaras micro cuatro tercios debido a su tamaño y peso.
Sensores grandes.

NOTA: no siempre se puede apreciar la calidad de una imagen al verla en un monitor. Se nota la diferencia, sobre todo, a
la hora de querer imprimir la fotografía.

El primer término que se nos viene a la mente al hablar de fotografía digital es el Píxel (del inglés "picture element"), cada
uno de los elementos que conforman la imagen digital. Para hacerse una idea visual de su naturaleza, se puede comparar
con los mosaicos formados por pequeñas piedras de colores. El hecho de que no los percibamos como unidades
independientes, si no como un conjunto, se debe a una limitación de nuestra visión que nos da esa sensación de
continuidad.

Es importante establecer la diferencia entre los píxeles como elementos de la imagen (los que se ven al ampliar la imagen
en el ordenador) y los píxeles como dispositivos físicos capaces de captar la luz dentro de la matriz de un sensor digital
(fotodiodos).

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 Fotografía, técnica y composición

El siguiente término hace referencia al total de los píxeles de una imagen: Megapíxel. Hace referencia al tamaño de las
imágenes generadas al fotografiar. Una cámara de 6M, quiere decir que es capaz de generar imágenes que tienen un
tamaño de 3.000 por 2.000 píxeles.En base a los megapíxeles se conoce el tamaño máximo de ampliación de una imagen.
No tiene nada que ver, como erroneamente se cree, con la calidad de la imagen resultante.

La calidad de una imagen tiene que ver con 2 elementos. La calidad del objetivo a utilizar, a través del cual pasa la luz, y el
Sensor Digital. En la fotografía digital la luz sigue siendo la base. Lo que ocurre es que se ha sustituido un soporte
fotosensible (la película de sales de plata o negativo) por otro soporte, el sensor digital. De este modo, la luz penetra a
través de la lente y llega al sensor. Este, al contrario que el negativo, puede tener diferentes tamaños.

E l Sensor Digital es un conjunto de celdas que tiene en su interior silicio, que es fotosensible y reacciona ante la luz
proporcionando una carga eléctrica proporcional a su nivel de intensidad en cada uno de estos fotodiodos. Cada fotodiodo
genera un píxel aunque no en todas las cámaras. Para convertir esta carga en digital se utiliza el ADC, conversor analógico
digital, que coge la carga eléctrica de cada punto, fotodiodo y lo traduce en ceros y unos (8 ceros y unos), 8 bits. Si fuera
un ADC de 1 bit, sólo podría asignar dos valores: 0 o 1, presencia de luz o ausencia de ella (colores blanco y negro). Un
ADC de 8 bits genera valores de 8 cifras, por lo que combinando ceros y unos podemos obtener un total de 256
resultados. 256 valores que equivalen a la cantidad de grises que el ojo humano es capaz de distinguir en una imagen. El
silicio es monocromático, reacciona solo a un color. La imagen en color, tal y como nosotros la vemos, está compuesta
por tres canales: rojo, verde y azul (RGB), los conocidos colores primarios, cuya adición da como resultado el blanco. Al
unir estos tres canales, con valores entre 0 y 255 grises cada uno, nos permiten ver la imagen en color.

NOTA: en el apartado de enlaces de interés, encontraréis un artículo de Hugo Rodriguez sobre Profundidad de color que
explica de forma sencilla el tema.

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 Fotografía, técnica y composición

Tamaño del sensor: Como comentamos anteriormente, al contrario que un negativo, los sensores pueden ser de diferentes
tamaños. Así que cuanto mayor sea el tamaño del sensor de nuestra cámara más información podrán tener cada uno de los
pixeles o fotodiodos que lo componen, y por lo tanto mayor será la calidad de la imagen resultante. Así mismo, cuanto
mayor sea el sensor mejor se comportará en situaciones de poca luz, aceptando Sensibilidades (ISO) cada vez más altas,
y dando menor ruido que sensibilidades incluso más bajas, de sensores de menor tamaño.

Peso: está relacionado con la cantidad de información que capta la cámara. Por lo tanto, está relacionado con el tamaño
de la imagen generada (tamaño del sensor), pero también con la exposición de la misma. Como ya habíamos comentado,
el negro en fotografía digital, es falta de información. Por lo tanto, una imagen clara pesará más que una imagen oscura. Es
un tema totalmente secundario a la hora de realizar o imprimir una fotografía, siendo prioritarios el tamaño y la resolución.
Pero si es importante a la hora de trabajar en el ordenador, porque puede ralentizar mucho la gestión si el archivo pesa
mucho y el ordenador no es potente.

Resolución: La resolución son los píxeles por pulgada, es decir, hace referencia a como se distribuyen los píxeles a la
hora de ser impresos. Al contrario que en un monitor, por ejemplo, la resolución de una fotografía se puede cambiar, sin
que ello afecte al peso de la misma. Está relacionada con la calidad y el tamaño a la hora de imprimir. Al aumentar al
resolución de una imagen, reducimos automáticamente el tamaño al que se puede imprimir, y viceversa.

Por ejemplo, una fotografía de 3000 píxeles de lado impresa a una resolución de 300ppp (píxeles por pulgada) se podrá
imprimir a 10 pulgadas (2,54 cm por pulgada). Mientras, si bajamos la resolución a 100ppp podremos imprimirla a 30
pulgadas, pero con menos calidad, por tener la fotografía

Factor de corrección o multiplicación: la mayoría de las cámaras digitales tienen un sensor más pequeño que el tamaño
de un negativo de 35mm (24x36). Para obtener la distancia focal de una lente en términos equivalentes a 35mm tenemos
que multiplicar la distancia focal por el número de veces que nuestro sensor es menor al de un negativo de 35mm.

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 Fotografía, técnica y composición

Por ejemplo, si el sensor de nuestra cámara es 3 veces menor al de un negativo de 35mm, se dice que nuestra cámara
tiene un factor de conversión de 3x. Un lente de 20mm en esta cámara equivaldría a un lente de 60mm (3x20). En el caso
de los diferentes modelos reflex, este factor suele estar entre 1,5 y 2 dependiendo del tamaño de sensor usado por una u
otra marca. Cuando el sensor es de tamaño completo, es decir, igual al negativo analógico (24x36) se llama FULL FRAME.
En este caso el factor de corrección o multiplicación será igual a 1.

NOTA: Una gran parte de los fabricantes de cámaras digitales a la hora de indicar el tamaño de captador empleado en el
modelo en cuestión suele emplear un lenguaje críptico, expresando el tamaño en fracciones de pulgada ("). Una pulgada
equivale a 2,54mm.

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5. PROFUNDIDAD DE CAMPO

Entendemos por profundidad de campo todo el espacio por delante y por detrás del plano de foco que se ve
aparentemente enfocado en una fotografía. Al fotografiar un objeto tridimensional sólo uno de sus planos puede estar
enfocado, mientras que el resto estará borroso. Partiendo de este plano de enfoque tendremos una zona de nitidez
aceptable y que se extiende por delante y por detrás del plano al que se ha enfocado (dicha zona será más extensa por
detrás del plano de enfoque). La razón de esta zona es que el ojo no necesita una definición total para darse por satisfecho.
Más adelante definiremos el concepto de círculo de confusión.

Los factores que intervienen sobre la profundidad de campo son 3, siendo en realidad el que menos influye de los 3 la
apertura:

- Distancia al plano de enfoque: cuanto más lejos estemos del plano de foco(donde estamos enfocando), mayor
profundidad de campo. Y como no siempre tenemos que querer mucha profundidad de campo, podemos decir que si nos
acercamos al plano de foco, conseguiremos desenfocar más el fondo.

- Longitud focal:en este caso hablamos de angulares (sin zoom) y teleobjetivos (con zoom). Es más fácil conseguir
profundidad de campo al usar objetivos angulares. Por el mismo motivo, cuando usamos teleobjetivos, es más sencillo
desenfocar los fondos.

- Nºf: Dependiendo de la apertura, tendremos mayor o menor profundidad de campo. A mayor apertura (números
pequeños: f2.8, f4...), menor profundidad. Y a menor apertura (números mayores: f16, f22...) mayor profundidad. A la hora
de utilizar diferentes longitudes focales y diferentes distancias de enfoque podemos conseguir profundidades de campo
mínimas con números cerrados, o máximas con números abiertos. Es el factor o concepto más confuso de los 3.

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A modo de resumen podemos decir que si queremos mucha profundidad de campo, debemos tender a usar nºf más
cerrados, angulares y alejar lo que podamos el plano de foco. Por el contrario, si queremos poca profundidad de campo,
podemos usar nºf más abiertos, teles y acercar al plano de foco.

NOTAS:

- Recordad que es relativamente sencillo conseguir mucha profundidad de campo en distancias largas, es decir, cuando
enfocamos relativamente lejos (varios metros).

- Lo realmente difícil es conseguir mucha profundidad de campo en distancias cortas, es decir, cuando enfocamos cerca
(un metro o menos). Por ello, en este caso, tenemos que tener muy claro el plano en el que estamos enfocando. Recordad
que es más fácil equivocarse en estos casos.

Círculo de confusión: cualquier punto de una fotografía, en el momento que no está enfocado, pasa a ser percibido como
un círculo de menor o mayor tamaño. En base a esto, podemos describir el círculo de confusión como el tamaño máximo
de esos círculos que se perciben como si se tratase de puntos y que, por tanto, a pesar de estar desenfocados, resultan
nítidos a nuestros ojos (esto sucede porque el ojo no necesita una nitidez absoluta para ver un punto enfocado).

Debido a que nuestras cámaras son incapaces de enfocar a más de un plano de forma simultánea, utilizamos la
profundidad de campo para mantener esos desenfoques por debajo del tamaño del círculo de confusión, y así poder
percibir otros planos como enfocados.

Podéis descargar la app gratuita de android "DOF Calculator". En el caso de apple sería la app "Set my camera" donde
podréis calcular de forma aproximada la profundidad de campo en base a vuestra cámara y los datos que proporcioneis
de distancia, longitud focal y apertura.

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6. ELEMENTOS A TENER EN CUENTA A LA HORA DE FOTOGRAFIAR

A la hora de pensar en componer una fotografía, son muchos los términos a tener en cuenta. Este tema solo pretende dar
una idea de los mismos. Por ello mismo, este primer esquema de elementos a tener en cuanta se apoyará en diferentes
enlaces de interés a modo de ejemplo, donde el alumno/a podrá completar los contenidos.

- Peso visual: Hablamos de la característica que adquieren los diferentes elementos al llamar más o menos la atención.

- Centro de interés: Es el elemento que queremos resaltar en la foto dándole peso visual. Existen diferentes maneras para
conseguir que el objeto que queramos destacar sea el elemento con más peso visual de la fotografía, y por lo tanto, el
centro de interés real de la misma.

La pregunta, por lo tanto, es cómo dar peso visual a un elemento:

- Tamaño: en teoría, cuanto mayor sea un elemento mayor peso visual tendrá.

- Color: los cálidos tienen más peso visual que los colores fríos, pero sobretodo el color con más peso visual es
aquel que tenga contraste en la fotografía. Imaginemos una fotografía donde todo es de color rojo, y
tenemos un elemento de color gris. Por poco que destaque en principio dicho color, por contraste será
el elemento que más nos llame la atención. Por último, decir que en un principio los colores fríos, como
el azul y el verde, relajan, mientras que los cálidos destacan y llaman la atención, como es el caso del
rojo. Mientras los colores semejantes (sean fríos o cálidos) dan sensación de calma y serenidad, los
colores opuestos destacan entre si y dan carácter a una imagen.

- Posición: el ojo entra por la derecha en fotografía, y por ello la derecha tiene más peso visual que la izquierda.

- Luz: el contraste entre luz y sombra siempre va a distribuir los pesos visuales.

-Enfoque y desenfoque: está claro que el enfoque destacará más que la zona desenfocada, pero si ponemos esta
a la derecha, tendrá también mucho peso visual, produciendo un efecto no siempre estético. En cuanto
al desenfoque de luces, o efecto Bokeh (desenfoque en japonés) puede ser un elemento muy estético y
con un gran peso visual.

- Forma: una forma reconocible llama más la atención que una forma abstracta.

- Espacio positivo: espacio donde existen elementos y permite que el ojo se mueva por ellos. Es el espacio más común.

- Espacio negativo: donde no hay nada determinado. Este espacio puede tener mucho peso visual. En la mayor parte de
ocasiones, lo que consigue es aislar algún otro elemento o separar elementos entre si, evitando que se toquen. Les da su
propio espacio dentro de la foto. Si está entre elementos, permite al ojo atravesarlo, dando sensación de profundidad.

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- Equilibrio: es lo que en principio se buscará en la fotografía, que esté equilibrada. Existen 2 tipos de equilibrio, el
simétrico y el asimétrico. El primero, la simetría, es el que más claro tenemos, y produce imágenes estáticas. El segundo,
por el contrario, es el más difícil de conseguir, pero consigue imágenes con mucho más dinamismo.

- El encuadre: en este caso, existen multitud de preguntas. Abierto o cerrado; horizontal o vertical; un formato diferente al
original de la cámara:cuadrado y panorámico... Lo que debemos de tener en cuenta es la importancia del uso de los
límites del encuadre. No elegir tanto el encuadre en base a nuestro gusto personal, si no a la utilidad del mismo en cuanto
a delimitar la imagen, cosa que por otro lado, no deja de ser su función.

- Reglas de composición Vs libertad compositiva: en composición no existen reglas como tal, pero si ayudas o
recomendaciones que nos ayudan a componer cuando estamos introduciéndonos en este mundo. Es importante
conocerlas, de tal manera que podamos utilizarlas como recursos que dan equilibrio a nuestra imagen. Pero también es
verdad que es importante aprender a romperlas para conseguir imágenes más impactantes. Algunas de estas ayudas son:

- Regla de la mirada: Dejar más espacio hacia donde mira la persona o el objeto principal, en general.

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- Regla de 5/8: Se usa cuando deseamos realizar una fotografía a algo en primer plano. Debemos situarlo algo a
la derecha del centro de nuestro encuadre, para descentrarla y dar más dinamismo a la imagen.

- Regla de Tercios: divide nuestra imagen en 9 partes iguales gracias a dos líneas equidistantes verticales y otras
dos horizontales. Los puntos de intersección de las líneas son los lugares de mayor interés de nuestro
encuadre, destacando siempre la derecha sobre la izquierda. Con respecto a la línea de horizonte o
cualquier otra línea horizontal de importancia debemos hacerla coincidir con una de estas dos líneas
horizontales. Ej: Si queremos un paisaje en el cuál tenemos cielo hay que decidir si queremos destacar
éste o no, colocándolo en el tercio inferior o superior.

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A la hora de componer una imagen debemos tener en cuenta multitud de variables, empezando por conocer que función
tiene el uso de elementos de la plástica, como son el punto o la línea:

- Punto: La importancia del punto esta es su contraste con el resto de elementos de la escena. El punto es un elemento de
pequeño tamaño capaz de llamar la atención y crear espacios. Tiene relación con el minimalismo compositivo y su
posición determinará el grado de equilibrio, tensión visual o dinamismo así como marcar el grado/centro de interés.

- Línea: El uso de las líneas, reales o imaginarias (sucesión de varios puntos), es muy importante. Unifica las imágenes
llevando de unas partes a otras, puesto que dirigen al ojo en la foto. Centran la atención donde queremos. Una línea
vertical suelen ayudar a parar nuestra mirada dentro de la imagen, y da sensación de mayor dinamismo que una horizontal,
que es mucho más estática. La línea diagonal sería realmente dinámica y nos movería por la foto. Atentos a no cortar estas
líneas, lo cual es algo muy sencillo, puesto que no siempre las vemos. Por último, las líneas pueden c rear profundidad en
nuestra imagen.

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NOTA: un elemento que se introduce en el lenguaje visual a través de la línea es el Ritmo, el cual se crea normalmente por
la repetición de líneas, aunque también pdoría ser por la repetición de otros elementos.

- Forma: La forma está creada por 2 o más puntos que no estén en línea recta. La forma más común en fotografía es el
triángulo. Cuando uno de los lados de un triángulo es la base de la fotografía, da mucha estabilidad (podemos observar el
triángulo en la base de la imagen superior). En cuanto a la fuerza y el peso visual de una forma, siempre tendrá más peso
una forma reconocible que una abstracta.

El siguiente punto a tener en cuenta es cambiar el punto de vista, y para ello tenemos que hablar del ángulo o altura de la
toma. Buscar nuevos ángulos de toma (desde abajo o arriba) puede ser muy interesante permitiéndonos descubrir cosas
nuevas que no habíamos visto. Si exageramos la toma disparando desde muy abajo o muy arriba conseguiremos deformar
lo que estemos fotografiando.

En el caso de una fotografía de paisaje también podemos cambiar la altura de la toma. Si bajamos la cámara a la altura del
suelo conseguiremos dar a nuestra fotografía sensación de “lugar”, de estar “allí”.

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En el caso del retrato, la altura correcta es la de los ojos de la persona fotografiada (sobre todo si son niños). También
podemos disparar un poco más alto o más bajo para conseguir efectos interesantes. Si exageramos la toma disparando
desde muy abajo o muy arriba deformaremos a la persona.

Como podemos comprobar, desde abajo haremos a la persona más grande y en el fondo veremos cielo, techos,…
mientras que desde arriba haremos a la persona más pequeña y destacaremos los suelos. Es muy fácil de comprobar, y un
muy buen ejercicio. Coge tu cámara y fotografía a alguien desde abajo, desde la cintura, a su misma altura, un poco
elevado y desde arriba del todo. Después podrás sacar tus propias conclusiones.

- Distancia de la toma, lo que cambiará la relación personaje entorno. En muchas ocasiones el problema que tienen
nuestras fotografías es que no nos situamos lo suficientemente cerca.

En esta fotografía podemos ver tres sujetos. Vemos un primer sujeto a la derecha en el primer plano que destaca (nos
llama la atención) sobre el entorno totalmente. Vemos en segundo plano, un poco más alejado, un segundo sujeto que
queda perfectamente equilibrado con el entorno, mientras que vemos mucho más alejado un tercer sujeto que
prácticamente no destaca, siendo mucho más importante el entorno que él.

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Llega el momento de hablar de la Luz y la sombra. Aunque es un tema que trataremos más adelante, es importante tener
claras algunas cuestiones, como son algunas características de la propia luz:

- Luz directa con sombras marcadas que eliminan el detalle de las sombras.

- Luz difusa que permite ver los detalles de las sombras.

- Luz lateral refuerza el contraste y alarga las sombras.

La diferencia entre una luz dura y una luz suave está en las sombras que forman. La luz dura, como la de un día soleado,
nos dará unas sombras muy fuertes y con poco detalle. Por el contrario, la luz de un día nublado, luz difusa, nos permitirá
ver el detalle de estas sombras. Por lo tanto, aunque estamos acostumbrados a que un buen día es también bueno para la
fotografía, en realidad no suele ser así.

Podemos comprobar las duras sombras de la primera foto, las inexistentes sombras de la segunda y las sombras laterales
de la tercera.

- Tono: Representa y da sensación de volumen. Clave alta o baja: podemos disparar subexponiendo o sobreexponiendo
para conseguir aclarar u oscurecer mucho la toma y que solamente destaquen los elementos esenciales del personaje.

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También podemos jugar con las sombras para conseguir nuevas formas y composiciones originales.

En este caso es muy fácil de comprobar. No necesitaremos ni la cámara. Fíjate al pasear por la calle, las diferencias que
hay en las sombras dependiendo la luz que haya y las formas que estas nos deparan.

Y por último, con relación a la luz, los reflejos: El uso de reflejos o brillos nos puede llevar a efectos sorprendentes en las
fotografías, aportan diferentes tipos de sensaciones al espectador. Podemos utilizar el agua, ventanas, espejos o cualquier
tipo de superficie reflectante. En este tipo de fotografía hay que trabajar la imaginación para encontrar el arte escondido.

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Para terminar con este tema, me gustaría puntualizar 3 cosas:

- Es importante, a la hora de que alguien vea nuestra fotografía, que perciba que hubo una intencionalidad en el encuadre
elegido. Y para ello es realmente importante ordenar las esquinas o bordes de una fotografía, especialmente la inferior
derecha. Siempre podemos ubicar un punto con poco peso visual equidistante a la esquina inferior derecha (el tema de la
distancia exacta se haría en la edición). De este modo, nuestro ojo partirá desde ahí a ver la fotografía, y tendrá la
sensación de orden al verla. Este elemento introducido en el primer plano también nos permita crear espacio y
profundidad en la imagen. Nos obligará a movernos por la fotografía. Nos obligará a ver la imagen desde el primer plano
hasta el fondo. Si no existiera ese primer plano, la mirada se nos iría al fondo. Y de estar bien situado este punto,
podríamos considerarlo un punto de anclaje.

- Grupos de tres: Existe un equilibrio especial de los números impares en fotografía y en especial funcionan los grupos de
tres elementos como centro de interés. Un único elemento transmite soledad, dos elementos demasiado equilibrio y una
foto estática, y cuatro elementos resultan demasiados para distribuir.

- Marco dentro de marco: En primer lugar el marco nos ayuda a dirigir la mirada, centrar la atención del espectador en el
tema de la imagen. En segundo lugar añade perspectiva y sensación de profundidad, además de añadir contexto o crear un
juego de contrastes. Los marcos están por todas partes, tanto naturales como creados por el hombre, enmarcar una
imagen sólo suele ser cuestión de desplazarse unos metros para colocarse detrás de unas ramas o una estructura
arquitectónica.

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7. NOTAS

A continuación vamos a presentar una serie de directrices que os puedan servir a modo de ayuda a la hora de realizar una
fotografía.

1. La longitud focal que uséis está relaciona con la velocidad de disparo para que la foto no salga movida. Así que cuanto
más teleobjetivo (o más zoom) uséis, más velocidad necesitaréis. Para solucionarlo, observáis vuestro objetivo para
descubrir qué longitud focal estáis utilizando. Así podréis elegir la velocidad mínima adecuada.

La velocidad mínima sería la propia longitud focal (por ejemplo, un 35mm deberíais usar 1/30 o 1/40) y multiplicarla x2
para asegurar la fotografía. Pero como no tenéis cámaras de sensor completo, eso no es real del todo. Para calcularlo,
deberíais multiplicar dicho número (longitud focal) por el número de veces que vuestro sensor es más pequeño que un
sensor de tamaño completo. De forma más sencilla, podéis usar lo de multiplicar la distancia focal x3 en vez de x2 para
sujetos relativamente estáticos o x4 para sujetos en movimiento. De todos modos, recordad que esto no son matemáticas,
y que todo va a depender de las características del movimiento en si (tema ya explicado anteriormente).

2. Si tengo mucha prisa a la hora de hacer la fotografía, dejo que la cámara trabaje ella sola (en P o una prioridad) y
comprobando el histograma veo si tengo que dar más o menos luz con la compensación de la exposición (+/-).

3. Si hay mucho contraste en mi fotografía (luces y sombras), tendré que decidir que quiero. Si prefiero las luces, la
medición será igual que siempre, dejando las sombras muy oscuras. Si por el contrario, prefiero las sombras, Tendré que
dejar que las luces se quemen, controlando cuánto.

4. Es importante conocer la cámara, para saber hasta donde se puede subir la ISO y donde empezará a dar demasiado
ruido.

5. Si lo que tengo que hacer es subexponer porque hay demasiada luz, siempre puedo poner la velocidad más y más
rápida, porque no modificará nada el resultado. Como hablábamos en el primer punto, existe una velocidad mínima de
disparo para asegurar que la fotografía no salga movida, pero no existe ninguna velocidad máxima. Cuanta más velocidad,
más aseguramos la fotografía.

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6. Siguiendo con la velocidad, si quiero hacer estelas o barridos, tengo que usar una velocidad algo más baja que la
distancia focal que esté usando.

7. Uso del trípode I: cuando utilizamos velocidades altas no es necesario el uso del trípode, pero si es verdad que nos
vendrá muy bien cuando no podamos poner dichas velocidades. Eso si, solamente cuando todo lo que vamos a fotografiar
está estático. Si no, la velocidad deberá ser alta, y ya no necesitaremos trípode.

8. Uso del trípode II: cuando lo usamos, tenemos que desactivar el estabilizador de nuestro objetivo (si lo tiene), poner el
temporizador o usar un disparador remoto, y si estamos fotografiando cosas muy cercanas o incluso macro, repetir la
fotografía modificando un poco el plano de foco (podemos acercarlo o alejarlo manualmente muy poco a poco) ya que la
profundidad de campo suele ser crítica en estos casos. Por eso mismo, el uso del trípode es necesario en estos casos
para no modificar la distancia entre la cámara y el objeto a fotografiar (cosa que sería imposible con la cámara en la
mano).

9. Uso del trípode III: es lo último que se coloca para hacer una fotografía. Primero debemos decidir el encuadre de la
misma (moviéndonos y/o dando vueltas alrededor de lo que queramos fotografiar). Luego adaptamos el trípode a la
posición que deba tener nuestra cámara para realizar la fotografía elegida.

10. WB: El balance de blancos es un tema a trabajar en el futuro. Por ahora lo tendremos siempre en automático. Si vemos
que una fotografía nos sale con una dominante azul o naranja... buscaremos este mando para comprobar que esté en
automático. En caso de estarlo, siempre podemos probar a poner algún balance de blancos de los que nos da la cámara,
pero siempre recordando volver a ponerlo en automático después de haber realizado la fotografía.

11. Debemos diferenciar entre fotografía y disparo. Siempre podremos hacer más de un disparo comprobando exposición,
enfoque, contraste, composición, histograma y altas luces, y así asegurar una buena fotografía.

12. Es interesante dejar los parámetros de la cámara siempre de la misma manera al guardarla en la bolsa. De ese modo,
siempre sabremos como está a la hora de ir a cogerla, y no tendremos problemas si un día tenemos que usarla
rápidamente sin poder pararnos a mirar como está. Por ejemplo, podemos dejarla en el modo P de programa, para que
decida ella la exposición, una ISO intermedia, que no baja, como puede ser ISO 400, la compensación de la exposición
(+/-) a cero, y como decíamos, el WB en automático.

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Autor: Fernando González.

Asturiano de nacimiento, mi formación comienza en la Universidad de Oviedo, donde realizo los estudios de
Geografía e Historia especializándome en Historia del Arte, y continúa en Italia y Barcelona, donde estudio fotografía y
Fotoperiodismo, respectivamente. Estoy en posesión del Certificado de aptitud pedagógica (CAP) y del curso de Formador
Ocupacional.

En la actualidad trabajo como fotógrafo y como profesor de fotografía digital, informática especializada y lenguaje
visual en “Entremiradas I Escuela de fotografía”, para diversas instituciones asturianas.

Datos de contacto: www.entremiradas.com

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