La cinematografía ha sido siempre una forma de arte única para las películas de todo tipo

temprana era del siglo XX, las películas pedían una nueva forma de fotografía, y nuevas
técnicas estéticas. "Es plasmar una percepción en imágenes en movimiento con o sin
sonido, tal vez distorsionada en la mayoría de las realizaciones cinematográficas, pero con
un sentido propio y de querer dar una visión más amplia, simple o compleja de la realidad,
la historia, el concepto de futuro y de la ficción." (González Victor Raúl)
En la infancia del largometraje, el cinematógrafo ejercía también el papel de director y la
persona que sostenía la cámara. Al tiempo en el que el arte y la tecnología evolucionaron,
emergió una separación entre el director y el operador de cámara. Con la llegada de la luz
artificial y mayor rapidez en las películas (más sensibles a la luz) y de los avances
tecnológicos como la películas en color y las panorámicas, resultó que la producción de
películas especialmente en algunos aspectos técnicos requerían personal cada vez más
especializado. La cinematografía fue clave durante la era del cine mudo –no había sonido
aparte de la música de fondo, no había diálogo– y las películas se basaban en la
iluminación, la actuación y la interpretación.
En 1919 en Hollywood, se creó la nueva película capital del mundo, una de las primeras
(que todavía existe) sociedades de comercio: la Sociedad Americana de
Cinematógrafos(ASC), la cual permaneció para organizar la contribución de los
cinematógrafos al arte y la ciencia de la creación de las películas. En otros países también
se establecieron este tipo de asociaciones de comercio. La ASC define la cinematografía
como "Un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de un trabajo original
de arte más bien que una simple grabación de un evento físico".
La cinematografía no es una sub-categoría de la fotografía, sino que es una destreza que
el cinematógrafo utiliza en adicción con otras técnicas físicas, organizativas, directivas,
interpretativas y manipuladoras de la imagen para efectuar un proceso coherente.

Sensor de la imagen y cinematografí

La cinematografía puede empezar con roles de películas o un sensor digital de la imagen.
Los avances en la producción de películas y la estructura granulada proveyeron un amplio
rango de películas fotográficas disponibles. La selección de una película fotográfica fue
una de las primeras decisiones tomada en la preparación de la película típica del siglo
veinte.
Aparte de la selección del ancho de la película —8 mm (aficionado), 16 mm (semi-
profesional), 35 mm (profesional) y 65 mm (fotografía épica que se usa pocas veces
excepto puntos de reunión para eventos especiales)— el cinematógrafo tiene una
selección de reservas en reversión (que cuando son reveladas crea una imagen positiva) y
los formatos negativos junto con un amplio rango de velocidades de la película (la
sensibilidad hasta la luz) desde ISO 50 (lento, menos sensibilidad a la luz) hasta 800 (muy
rápido, extremadamente sensible a la luz) y respuestas distintas para el color (baja
saturación, alta saturación) y contraste (variando los niveles entre el negro puro (no hay
exposición) y el puro blanco (completa sobreexposición).
Avances y ajustes para casi todas las medidas de la película creadas, los “super” formatos
donde el área de la película solía capturar un solo fotograma de una imagen expandida,
aunque la medida física de la película permanezca igual. Super 8 mm, super 16 mm y
super 35 mm todos utilizan más del total del área de la película para la imagen que sus no-
super contrapartes “regulares”. A mayor dimensión de la película, más grande será la
resolución de claridad y cualidad técnica en la imagen.
Las técnicas empleadas por el laboratorio de películas para procesar la película fotográfica
puede también ofrecer una considerable discrepancia en la imagen producida. Controlando
la temperatura y variando la duración en la que la película es remojada en el desarrollo de
productos químicos y saltando ciertos procesos químicos, o parcialmente saltando todos
ellos. Los cinematógrafos pueden lograr diferentes vistas de una sola película fotográfica
en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son las de revelado, bypass
blanqueador y proceso cruzado
El trabajo del siglo XXI utiliza en su totalidad cinematografía digital y no tiene películas
fotográficas, pero las cámaras pueden estar ajustadas en diferentes formas que van más
lejos de las habilidades de una película fotográfica en particular. Estas pueden proveer
variando los grados de sensibilidad de color, el contraste de la imagen, la sensibilidad de la
luz etc. Una cámara puede lograr toda la variedad de vistas de diferentes emulsiones,
aunque es muy discutido como para que método de captura de la imagen es el “mejor”
método. Los ajustes de la imagen digital (ISO, contraste etc.) son ejecutados estimando
los mismos ajustes que tendrían lugar si una película real estuviera en uso, y así son estas
vulnerables a las percepciones del diseño del sensor de las cámaras de varias películas
fotográficas y los ajustes de los parámetros de la imagen.

Filtros[editar]
Los filtros, como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también son
ampliamente utilizados para mejorar los efectos del estado de ánimo o efectos dramáticos.
La mayoría de los filtros fotográficos se componen de dos piezas de vidrio óptico pegadas
entre sí con una forma de imagen o material de manipulación de la luz entre el vidrio. En el
caso de los filtros de color, a menudo en medio hay un color translúcido presionado entre
dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan mediante el bloqueo de ciertas
longitudes de onda que el color de la luz llega a la película. Con la película en color, esto
funciona muy intuitivamente, así pues un filtro azul reduce el paso al rojo, naranja y
amarillo claro y crea un tinte azul en la película. Con las fotografías en blanco y negro, los
filtros de color se utilizan poco, por ejemplo un filtro de color amarillo, lo que reduce las
longitudes de onda azules de la luz, puede ser utilizado para oscurecer un cielo de verano
(mediante la eliminación de la luz azul de golpear la película, por tanto en gran medida
subexponiendo el cielo todo azul), aunque no sea un tono de piel más humano. Algunos
cineastas, como Christopher Doyle, son muy conocidos por su uso innovador de los filtros.
Los filtros pueden ser utilizados en frente de la lente, o en algunos casos, detrás de la
lente para diferentes efectos.

Lente[editar]
Con la lente se puede conectar a la cámara para dar una cierta mirada o sentir el efecto de
enfoque, color, etc. Al igual que el ojo humano, la cámara crea perspectiva y las relaciones
espaciales con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia de un ojo, una fotografía
puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la distancia
focal es una de las ventajas principales. La longitud focal de la lente determina el ángulo
de visión y, por lo tanto, el campo de visión. Los directores de fotografía pueden elegir
entre una amplia gama de lentes angulares, “normales”, y lentes de enfoque largo, así
como los objetivos macro y otros sistemas especiales de lentes de efectos tales como
lentes de baroscopio. Los objetivos de un gran ángulo tienen longitudes focales cortas y
distancias espaciales que hacen más evidentes. Una persona en la distancia parece
mucho más pequeña, mientras que alguien de cerca es más grande. Por otro lado, las
lentes de enfoque largas reduce tales exageraciones, que representa los objetos lejanos
aparentemente tan próximos entre sí y la perspectiva de aplanamiento.
Las diferencias entre la representación de la perspectiva no es debido a la longitud focal
por sí mismo, sino por la distancia entre los sujetos y la cámara. Por lo tanto, el uso de
diferentes longitudes focales en combinación con otra cámara a distancia de sujetos crea
esta representación diferente. Cambiando la distancia focal solo mientras se mantiene la
posición de la misma cámara no afecta la perspectiva, solamente el ángulo de visión.
Una lente de zoom permite a un operador de cámara cambiar su longitud focal dentro de
un disparo o rápidamente entre configuraciones para los tiros. Como objetivos principales,
se ofrece una mayor calidad óptica y son “más rápidas” (las grandes aberturas de
diafragma, que puedan utilizarse en menos luz) que los objetivos zoom, que se emplean a
menudo en el cine profesional sobre las lentes de zoom. Ciertas escenas o incluso tipos de
cine, sin embargo, puede requerir el uso de un zoom de velocidad o facilidad de uso, así
como vacunas que implican un movimiento zoom.
Como en otra fotografía, el control de la imagen expuesta se hace en la lente con el control
de la abertura del diafragma. De la selección, el director de fotografía necesita que todas
las lentes sean grabadas con T-Stop, no con f-stop, por lo que la pérdida de luz es debido
a la eventual, el vidrio no afecta al control de la exposición cuando se ajusta utilizando los
medidores habituales. La elección de la abertura también afecta a la calidad de la imagen
(aberraciones) y la profundidad de campo (véase más adelante).

La profundidad del campo y el enfoque[editar]

Un ejemplo de enfoque de tiro profundo se encuentra en el film Ciudadano Kane (1941):
todo, incluso el sombrero en el primer plano y el muchacho (el joven Charles Foster Kane)
en la distancia, se encuentran en un enfoque nítidoo. En Ciudadano Kane los directores de
fotografía Gregg Toland y Orson Welles utilizan estrictas aberturas para crear profundidad
de campo muy grande en las escenas, a menudo haciendo que cada detalle del primer
plano y fondo se junten en un enfoque nítido. Esta práctica se conoce como la profundidad
de campo. La profundidad de campo se convirtió en un dispositivo cinematográfico popular
de la década de 1940 en Hollywood.
La distancia focal y la abertura del diafragma afectan a la profundidad de campo de una
escena, es decir, hasta qué punto el fondo, a mediados de baja y el primer plano se
representará en el “enfoque adecuado” (un solo plano exacto de la imagen está en el foco
exacto) en la película o de destino de vídeo. La profundidad de campo (que no debe
confundirse con la profundidad de foco) se determina por el tamaño de la apertura y la
distancia focal. Una gran profundidad o profundidad de campo se genera con una apertura
muy pequeña del iris y centrándose en un punto en la distancia, mientras que una menor
profundidad de campo se puede lograr con una gran apertura del iris y centrándose más
cerca de la lente. La profundidad de campo también se rige por el tamaño de formato. Si
se considera el campo de visión y el ángulo de visión, menor será la imagen, la distancia
focal debe ser más corta, como para mantener el mismo campo de visión. Entonces,
cuanto menor sea la imagen, la profundidad de campo se obtendrá más, para el mismo
campo de visión. Por lo tanto, tiene menos de 70mm de profundidad de campo de 35mm
para un campo determinado de vista, más de 16mm a 35mm y cámaras de vídeo aún con
más profundidad de campo de 16mm. Como camarógrafos tratan de emular el aspecto de
película de 35mm con las cámaras digitales, este es un tema de la frustración, excesiva
profundidad de campo con cámaras digitales y el uso de dispositivos ópticos adicionales
para reducir esa profundidad de campo.
Hoy en día, la tendencia es un mayor enfoque superficial. Para cambiar el plano de
enfoque de un objeto o personaje a otro dentro de un disparo, se conoce comúnmente
como un foco de rack.

Relación de aspecto y el encuadre[editar]

La relación de aspecto de una imagen es el cociente de su anchura a su altura. Esto se
puede expresar como una relación de 2 enteros, tales como 4/3, o en un formato decimal,
como 1,33. Diferentes proporciones ofrecen diferentes efectos estéticos. Normas para la
relación de aspecto han variado significativamente con el tiempo. Durante la época del
cine mudo, las relaciones de aspecto variado ampliamente, abarca desde la plaza 1,1 ,
todo el camino hasta el extremo de pantalla ancha 4,01 Polyvision. Sin embargo, desde la
década de 1910, las imágenes mudas en movimiento en general, se establecieron en la
proporción de 4:3 (1,33). La introducción del sonido en la película brevemente estrecha la
relación de aspecto, para dejar espacio a una banda de sonido. En 1932 se introdujo un
nuevo parámetro, con la proporción de 1,37, con el fin de ensanchar el marco.
Durante años, los directores de fotografía tradicionales se limitan al uso de la razón de la
Academia, pero en la década de 1950, gracias a la popularidad de Cinerama, las tasas de
pantalla ancha se introdujeron en un esfuerzo por sacar al público de nuevo al teatro/cine,
fuera de su casa y lejos de sus televisores. Estas nuevas panorámicas proporcionaban a
los productores un fotograma mucho más amplio para componer sus imágenes.
Varios sistemas de fotografía fueron inventados y utilizados en los años 50 para crear
películas, pero hay uno que domina en la actualidad: el proceso anamórfico, que exprime
ópticamente la imagen para fotografiar el doble del tamaño en el área horizontal y el
mismo tamaño vertical como las lentes “esféricas" estándar.
El primer uso común del formato anamórfico fue CinemaScope, que usó una proporción de
2.35, aunque originalmente era de 2.55. CinemaScope se usó desde 1953 hasta 1967,
pero debido a defectos técnicos en el diseño y su posesión por Fox, terceras compañías,
dirigidas por las mejoras técnicas de Panavision en los años 50, dominan ahora el
mercado de lentes anamórficas.
Los cambios en las proyecciones estándar de SMPTE alteraron las proporciones
proyectadas de 2.35 a 2.39 en 1970, aunque esto no alteraba nada excepto los estándares
anamórficos de fotografía; todos los cambios respecto a las proporciones de fotografía
anamórfica de 35 mm son específicas a una cámara o proyector, y no al sistema óptico.
Tras la “guerra de las panorámicas” de los años 50, la industria cinematográfica estableció
1.85 como estándar para las proyecciones en los Estados Unidos y el Reino Unido. Esta
es una versión corta de 1.37. Europa y Asia optaron por 1.66 al principio, aunque el 1.85
ha permeado ampliamente estos mercados las últimas décadas. Ciertas películas “épicas”
o de aventuras utilizaban el anamórfico 2.39.
En los años 90, con la llegada del vídeo en alta definición, los ingenieros de televisión
crearon la proporción de 1.78 (16:9) como compromiso matemático entre el estándar del
cine de 1.85 y el de la televisión de 1.33, ya que no era práctico producir un tubo de
televisión CTR tradicional con una anchura de 1.85. Hasta aquel momento, no se había
creado nada en 1.78. Hoy en día, este es un estándar para vídeos de alta definición y para
televisiones panorámicas. Algunas películas del cine se graban actualmente usando
cámaras HDTV.

Iluminación[editar]
La iluminación es necesaria para crear la exposición de una imagen en un fotograma de
una película o en una tarjeta digital (CCD, etc.). El arte de la iluminación en cinematografía
se aleja de la exposición básica, no obstante, en la esencia de cuenta-cuentos. La
iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional que la audiencia tiene
al ver imágenes en movimiento. Como dijo una vez el director Sahin Michael Derun: la
diferencia entre porno y erotismo es la iluminación (simplemente remarcando la
importancia de la iluminación en cinematografía).

Movimientos de cámara[editar]
Artículo principal: Movimientos de cámara

La cinematografía no solo puede representar un objeto en movimiento si no que puede

usar una cámara que representa el punto de vista o perspectiva de la audiencia, que se
mueve durante la filmación. El movimiento juega un rol considerable en el lenguaje
emocional de la filmación de imágenes y la reacción emocional de la audiencia a la acción.
Las técnicas se extienden desde los movimientos más básicos del “panning” (movimiento
horizontal de un punto de vista desde una posición fija; como si giraras tu cabeza de un
lado a otro) y “tilting” (movimiento vertical de un punto de vista desde una posición fija;
como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar hacia el cielo y luego hacia el suelo) hasta
el “dollying” (posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para acercarse o
alejarse del objeto), “tracking” (posicionando la cámara en una plataforma en movimiento
para moverla hacia la izquierda y la derecha), cranning (moviendo la cámara en una
posición vertical; siendo capaz de levantarla del suelo así como balancearla de un lado a
otro desde una posición fija), y combinaciones de las anteriores.
Las cámaras se han llegado a montar en casi cualquier medio de transporte imaginable; la
mayoría de las cámaras también pueden ser de mano, eso quiere decir que están en
manos del cámara, que la mueve de una posición a otra mientras filman la acción. Las
plataformas estabilizadoras se empezaron a utilizar a finales de los años 70, durante la
invención de Garret Brown, conocida como “Steadicam”. La “Steadicam” es un arnés y
estabilizador de brazos que se conecta con la cámara, apoyando la cámara mientras se
aísla de los movimientos de quien la usa. Después de que la patente de “Steadicam”
caducara a principios de los 90, muchas otras compañías comenzaron manufacturando su
concepto del propio estabilizador de cámaras.

Efectos especiales[editar]
Artículo principal: Efectos especiales

Los primeros efectos especiales en el cine fueron creados mientras la película estaba
siendo filmada. Estos empezaron a conocerse como los efectos “in-camera”. Más tarde, se
desarrollaron efectos ópticos y digitales para que los editores y artistas de efectos visuales
pudieran controlar el proceso manipulando la película en posproducción. Se pueden ver
muchos ejemplos de efectos especiales “in-camera” en obras de Georges Méliès.

Velocidad de fotogramas[editar]
Las imágenes en movimiento se representan a la audiencia a una velocidad constante. En
el cine, es de 24 fotogramas por segundo (FPS), en NTSC (EEUU) la televisión es de
30 fotogramas por segundo (29.97 para ser exactos), en PAL (Europa) la televisión es de
25 fotogramas por segundo. Esta velocidad de representación no varía.
Sin embargo, variando la velocidad en la que la imagen es capturada, varios efectos
pueden ser creados sabiendo que la imagen grabada más rápida o lentamente se
presentará a una velocidad constante. Por ejemplo, la fotografía “time-lapse” se crea
mediante la exposición de una imagen a una velocidad muy lenta. Si un cinematográfico
coloca una cámara para exponer un fotograma cada minuto durante cuatro horas, y
después ese material se proyecta a 24 fotogramas por segundo, un evento de 4 horas
tardará 10 segundos en representarse, y cualquiera puede presentar los eventos de un día
entero (24 horas) en un solo minuto.
A la inversa, si una imagen es capturada a velocidades mayores de las que serán
expuestas, el efecto es para ralentizar las imágenes (cámara lenta). Si un director de
fotografía captura a una persona zambulléndose en una piscina a una velocidad de 96
fotogramas por segundo y la imagen es expuesta a 24 fotogramas por segundo, la
representación durará 4 veces más que la acción real. La captura extrema de cámara
lenta, capturando miles de fotogramas por segundo puede presentar cosas invisibles al ojo
humano, como las balas en una guerra y las ondas expansivas viajando por el aire, una
técnica cinematográfica potencialmente poderosa.
Con imágenes en movimiento, la manipulación del tiempo y del espacio es un factor que
contribuye considerablemente a las herramientas para contar historias. La edición de
películas juega un rol mucho más fuerte en esta manipulación, pero la selección de la
velocidad de fotograma en la fotografía de la acción original también es un factor
contribuyente en cuanto a la alteración del tiempo. Por ejemplo, Modern times de Charles
Chaplin fue filmada a una “velocidad silenciosa” (18 fps) pero proyectada a “velocidad de
sonido” (24 fps), que hace que las payasadas parezcan más frenéticas.
El “Slow motion”, o “Speed ramping” es un proceso por el cual la velocidad de captura del
fotograma cambia con el tiempo. Por ejemplo, si durante el proceso de 10 segundos de
captura, la velocidad de captura se ajusta de 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas
por segundo, cuando se pone en marcha a la velocidad estándar de 24 fotogramas por
segundo, se consigue una manipulación de tiempo excepcional. Por ejemplo, alguien
abriendo una puerta y saliendo a la calle parecería que empezara con cámara lenta, pero
unos segundos más tarde, y en la misma toma la persona parecería estar caminando a
“tiempo real” (velocidad normal). De forma contraria se utiliza el “Speed ramping” en The
Matrixcuando Neo vuelve a entrar en Matrix por primera vez para ver el Oráculo. Tal como
sale del almacén, la cámara se acerca a Neo a una velocidad normal, pero cuanto más se
acerca a la cara de Neo el tiempo parece que se vaya ralentizando, prefigurando la
manipulación del tiempo que luego se ve en la película de Matri