Michael Freeman

GUÍA PRÁCTICA NEGRO

Y BLANCO DE
FOTOGRAFÍA
Michael Freeman
GUÍA PRÁCTICA NEGRO
Y BLANCO DE
FOTOGRAFÍA
los guía esencial al arte de crear imágenes en blanco y negro
Publicado por primera vez en el 2013 por los EE.UU. Focal Focal Press

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Campbell Alastair: Peter Bridgewater Editor Asociado: Adam Juniper Jefe
de Redacción: Natalia precio-Cabrera Especialista Editor: Frank
Gallaugher editor: Tara Gallagher

Asistente Editorial: Rachel Silverlight director

creativo: James Hollywell diseñador: Jon Allan

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CONTENIDO
Introducción 6 El uso de Hue para la vegetación 118
Tonos de piel 120
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO 8 Colores específicos 126
Monocromo en Bellas Artes 10 Los polos opuestos de manipulación 128
La tradición fotográfica dieciséis Manipulación adjacents 130
Longitud de onda y Sensibilidad 20 Las sutilezas de manipulación 136
Blanco y negro como Normalidad 22
Monocromo en la fotografía contra Pintura 30 opciones creativas 140
Elección del fotógrafo 34 Pensando en Blanco y Negro 142
restando color 42 El rango de la luz: Adams y los Weston 144
Forma 44 La gama larga de Grey: Paul Strand 146
Estructura 46 Medios tonos 148
Nuance tonal 48 Contraste alto 150
Forma y Volumen 50 de bajo contraste 154
Textura 52 Sombra y oscuridad: Brandt y McCullin 156
Interpretación 54 Clave baja 158
Película 60 Altas luces y Fotografía: Callahan & Hosoe 160
Clave alta 162
MONOCROMÁTICO DIGITAL 66 Régimen de Zona Digital 166
El sensor monocromo 68 HDR en Blanco y Negro 172
Captura lineal 70 Mapa de tonos sin HDR 180
El problema de recorte 72 La adición de tintes 182
Ruido, Profundidad de bits, y sombreado 74 Efecto del proceso de edad 184
Infrarrojo 80
Su procesamiento de flujo de trabajo 88 Glosario 186
Silver Efex Pro 92 Índice 190
Procesamiento básico 96
Colores en tonos 104
Conversiones por defecto 106
Ajuste de tono 108
Reversiones de Brillo 110
Usando Hue a control de contraste 112
El uso de Hue para la profundidad y Atmósfera 114
INTRODUCCIÓN
la fotografía en blanco y negro ocupa un lugar único en el mundo del
arte y de imagen, tanto más sorprendente porque en el mundo de la
fotografía se toma tanto por sentado. Lo que voy a tratar en este libro
es para sacudir blanco fuera de su posición normalmente complaciente
y negro, y en este estoy ayudado por las circunstancias cambió por
completo de la fotografía digital.

W
HY complaciente?
blanco Debido
se ha vuelto tan negrocomo
establecido y la
tradición de la fotografía de alto nivel a lo largo de más de
un siglo que sus razones para ser interrogados están sólo
en raras ocasiones.
Para muchas personas, tal vez más, la fotografía
en blanco y negro simplemente “es”. Acabo de releer un
volumen sobre la historia de la fotografía de Ian Jeffrey,
titulado
Fotografía: Una historia sucinta que apareció en Thames &
Hudson Mundo del arte serie, donde el negro y el blanco es
tanto supone que es el centro del escenario que los
rellenos de color apenas tres páginas de cada 240. Este
es, de ninguna manera inusual, pero es difícil de justificar
simplemente con el argumento de que había más años
pasados ​en negro y blanca que en color. Tampoco va a
hacer por el mundo moderno de la fotografía digital, en el
que la elección de uno u otro está en la cara de todos los
fotógrafos cada vez que se deciden a procesar en el
equipo.
Parece que la mayoría de los fotógrafos, cuando están
disparando o procesamiento, habitan un mundo de la
fotografía solo, y sólo unos pocos ven su trabajo en el contexto
más amplio del arte. Tengo que decir que “parece”
La tradición Blanco y Negro
porque no hay manera de cuantificar esto, pero lo que no
está en duda es la siguiente: En todo el cuerpo de la
escritura y la discusión sobre la fotografía, las
referencias a la pintura o cualquier otro arte gráfico son
muy delgados en el suelo. Esto es un poco extraño, por
no decir miope, pero es parte de la realidad de nuestro
mundo fotográfico. Hay razones históricas para ello, ya
que hay, además, razones filosóficas.
Desde el otro lado de la fence- el arte sin 7
restricciones lado ha habido una mayor aceptación de
monocromo digital
la fotografía. Un fenómeno bastante reciente, que
tiende a fijar los dientes muchos fotógrafos en el
borde, es la apropiación de la fotografía por artistas
que no pretenden ser principalmente fotógrafos. En
otras palabras, los artistas contemporáneos invaden la
fotografía más que la fotografía invade el arte.
Y es este sentido inequívoco de la fotografía
siendo su propio mundo, en gran medida autónomo,
que nos permite ser complaciente con blanco y negro.
Es sólo algo que la fotografía creció. Ahora, sin
embargo, las cosas están en movimiento, que es lo
que quiero explorar en este libro.
Las opciones creativas
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO

La fotografía digital ha cambiado muy claramente la forma en que podemos

rodar en blanco y negro, y es perfectamente obvio que, con mucho, la

diferencia práctica más importante entre un sensor y la película es que ahora

se puede tener tanto en color como en blanco y negro desde el mismo tiro. No

hay otra opción antes de ser hecho, ninguna decisión para cargar una película

en blanco y negro en lugar de la película de color antes de salir.


UNA
y discutido sobre blanco y negro digital, se centra
omo resultado, la mayor parte de lo que está escrito
en la practicalities- cómo convertir, cómo ajustar los
canales con el fin de alterar el brillo de diferentes
colores que aparecen en escala de grises, la forma de
lograr el “look” y el grano de un favorecidos y negro
emulsión -white, y así sucesivamente.
Todos son temas esenciales de gran valor para el
estudio, pero se saltan dos cuestiones fundamentales:
más fundamental que el “cómo” de disparo monocromo es
“por qué” y “cuándo”. No hay nada demasiado complicado
de explicar cómo lograr todos los diversos tipos de blanco
y negro efecto de una imagen-digital y me apresuro a
añadir que esto es todo incluido en este libro, pero lo que
es mucho más interesante es la opción para que la imagen
en blanco y negro en lugar de en el color más claro.
Esta elección trasciende la diferencia entre los
sensores y el cine, y que nos compromete en la larga y
rica tradición de la fotografía blackand-blanco. Cine y
anteriores
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
procesos, por supuesto, tienen un gran peso en esta
tradición, y por esta razón no me disculpo por mirar
hacia el pasado. fotografía de la película
Blackand-blanco, sus cualidades y procesos de
imagen, tiene mucho que enseñarnos. No sólo esto,
sino negro-andwhite fotografía es tradicionalmente
más fuertemente asociado con el arte de la fotografía
en color, y también hay lecciones que aprender de la
pintura monocroma. El tema común a través de todo
esto es la restricción de la paleta. Lo que diferencia a
blanco y negro, aparte de color es que no es la forma 9
en que vemos el mundo, y que no pretende
monocromo digital
representar la realidad. Es una traducción de una
vista en un medio especial con características muy
particulares. Como veremos más adelante, se ha
producido un cambio en la percepción de blanco y
negro como medio en la fotografía. Crudamente, que
comenzó como una necesidad,
Las opciones creativas
 Monocromo en Bellas Artes
METRO
más-ocupa la misma posición minoritaria en la
blanco y negro-onochrome incluso
historia del arte como el color de la fotografía hizo en
los primeros cien años.
Las razones de esta inversión completa de la condición
tienen cierta examen, ya que nos ayudan a entender la forma
independiente en el que la fotografía ha desarrollado.
Independiente del resto del arte, es decir. Monocromo en la
fotografía se utiliza más o menos de forma intercambiable con
el blanco y negro, pero no del todo por lo que en el resto del
10 mundo del arte. pintura monocromática es en gran parte un
fenómeno del siglo XX, mientras que la historia de blanco y
negro es principalmente la de la tinta, uno de los más antiguos
de los medios de comunicación.
La fuente más común de tinta ha sido siempre de
carbono, unidos por agentes de unión, y en las primeras
veces que puede haber sido más que un paso de tocar el
negro de humo u hollín sobre un fuego a la pintura y el
dibujo. El uso de tinta de color negro en el arte era
universal debido a esta facilidad de producción. Tinta
apareció en China hace al menos 5.000 años y en la India
hace al menos 6.000 años. Otras fuentes incluyen sulfato
ferroso, taninos de gallnuts, sepia, y corteza de espino
blanco.
Sus principales usos en el arte occidental han sido para
dibujar y para la aplicación indirecta, tales como el grabado y
grabados en madera. En Asia oriental, se aplica directamente a
brocha en forma de pinturas y caligrafía de desplazamiento,
tinta disfrutó de un estatus más alto. Allí, establecido a grandes
rasgos con los pinceles, sus cualidades en que cubre un área
de papel fueron reconocidos de manera más crítica. El
compromiso inmediato sea necesario con pinceladas
demostrado ser un terreno fértil para el desarrollo de una
gran habilidad, y por una apreciación estética finamente
sintonizado.
pintura monocromática en Occidente,
conocido como “grisallas” (del francés
Gris, que significa “gris”), que se conoce a partir del
Renacimiento, pero en ocasiones en lugar de
frecuencia, y se utiliza, se encontraba en los frescos en
tonos de gris y / o marrón. Su uso fue dictada a
menudo por la necesidad de ejecutar más de forma
rápida y barata por razones estéticas. Fue el ascenso
del arte abstracto en el siglo XX que dio lugar a una
mayor experimentación con la pintura en un solo color,
y este color no se limitó a negro o blanco. El pintor
suprematista Kasimir Malevich produjo negro sobre
blanco, y blanco en pinturas blancas a partir de 1913;
Ben Nicholson produjo bajorrelieves de todos los
blancos en la década de 1930; Yves Klein creó una
serie de pinturas en azul en la década de 1950; Agnes
Martin en negro, blanco, marrón y en la década de
1960; las últimas pinturas de Mark Rothko desde la
década de 1960; También lo contemporáneo Chuck
Close en blanco y negro;
La conexión entre la pintura blanco y negro y en
blanco y negro fotografía es notablemente ausente de las
discusiones de la historia del arte, pero me parece una
zona fructífera, sobre todo ahora que la captura digital
hace que sea una opción libre para los fotógrafos. Los
motivos por los pintores eligen trabajar con una paleta
severamente restringido pueden no ser muy diferentes de
las preferencias de los fotógrafos en blanco y negro. En
Occidente del siglo XX, era blanco y negro
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
11

monocromo digital
Las opciones creativas

frecuentemente ligada a la simplicidad de la forma, Kazimir Malevich

particularmente en un sentido geométrico. El movimiento de Una de las pinturas de Malevich, “Composición Supremist: blanco sobre

corta duración rusa suprematista (nada debe confundirse con blanco, 1918,”. “La supremacía del sentimiento puro o percepción en las

la supremacía) sentó las bases para esto, con los cuadrados artes pictóricas” en la que se buscaba expresar

y los círculos de Kasimir Malevich en negro y en blanco, y se

puede ver más tarde en las obras blancos de Ben Nicholson y
en Agnes Martin rejillas a mano. Algún indicio de la
importancia emocional de blanco y negro
12

viene a través de la escritura de Malevich al describir CALIGRAFÍA CHINA

su plaza Negro, 1913: “Sólo sentí la noche dentro de La imagen superior muestra el artista contemporáneo chino que

mí y fue entonces que concebí el nuevo arte, que me trabaja principalmente en pincel y tinta. Las modulaciones de una

llamó suprematismo.” Esta sola hábil manejo de color negro-a través del pincel muy cargado
iniciaron una fuerte tradición asiática de blanco y negro.
emoción-throughmonochrome es un tema recurrente
en la fotografía, como puede verse en la obra
perdurable de, entre otros, Don McCullin, Bill Brandt, y
Harry Callahan.

El pintor estadounidense Agnes Martin se trasladó a principios

de la década de 1960 a partir de los primeros experimentos con

bandas de color brillante para una paleta gravemente silenciado,

coincidiendo con una tendencia en el arte americano en el tiempo

hacia reductivismo que utilizan algunos elementos solamente, en el

color, el tono y la forma , para evitar la ilusión y la representación.

Salió con su logro de la madurez artística de este tiempo, diciendo:

“Finalmente llegué a una pintura abstracta absoluta”

Significativamente, Martin estaba interesado en el arte chino, la

filosofía del arte,

 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
LUZ ALTERNATIVA 13

Un número de diferentes tratamientos de sujetos negros indican el rango

monocromo digital
potencial de incluso una paleta estrecha cuando se interpreta a través de

opciones de exposición.

Las opciones creativas

14
y el taoísmo; ya partir de esta, en la importancia de
comunicar ausencia. Una de sus declaraciones dice: “Dos
platos finales de los Tang, una imagen, una flor con una
vacía. El formulario vacío va todo el camino al cielo.”La
característica monocromática de la obra de Martin es sólo
uno de los métodos que emplea para simplificar el fin de
hacer una conexión espiritual, como la declaración alude a.
Ella define el arte como “la representación concreta de
nuestros sentimientos más sutiles”, y la sutileza del color y el
tono eran muy evidentemente un método clave en esta
exploración.
Más conocido, expresionista abstracto Mark
Rothko también se movió a través de su carrera de la
pintura de colores hacia una paleta restringida, y sus
últimas pinturas fueron casi en negro y gris cerca. Su
Negro-Form pinturas, en particular, nunca se muestran
juntos durante su vida, aparecen a primera vista como
negro sólido, pero revelan una lenta acumulación de
capas y muy fina gradación. Esto tiene el efecto de atraer
al espectador en un mundo aparte con su
ARTE BLANCO
Imprimir es una pieza en blanco sobre blanco por Yukako Shibata, en el
que se explora un alto clave. Las muescas físicas se les da una cualidad
ilusoria por tener sombras pintadas en ellos.
propia gama de luminosidad. Al igual que con algunas de las
fotografías de bajo perfil veremos más adelante en el libro,
una vez que el espectador acepta la muy diferente gama de
tonos desde el mundo circundante, la percepción de
sombreado fino y las diferencias tonales minuto se
intensifica.
Un artista chino contemporáneo siguiendo esta ruta es
Shao ventilador. Su trabajo, como el de los intelectuales en
los siglos anteriores, es de amplio alcance, desde la
escultura a la caligrafía, a la arquitectura, diseño de jardines,
y la pintura, un enfoque muy chino a las artes. En su serie
de negro, que data de
1998, Shao ventilador funciona en óleo sobre lienzo en una gama
de tonos que rara vez se eleva por encima de color gris oscuro. Él
escribe: “El bajo perfil y muy débil contraste crean un ambiente de
la

sobrenatural. Renueva nuestra atención a lo insignificante,
ya las cosas en el proceso de desaparecer, una sensación
simultánea de la distancia y la atracción.”Diferencias
sutiles en el color, similar a lo que los fotógrafos blanco y
negro tradicionales piensan que es tonificante, juegan un
papel importante .
Otro artista contemporáneo, cuyo trabajo racismo
blanco pintura y la escultura, y que se dibuja en el extremo
sutil y baja cromaticidad de la escala, es con base en
Londres Yukako Shibata. Para ella, monocromo significa
trabajar dentro de un color específico, a menudo modulación
de ella por medio de la reflexión de las superficies externas
cierre, tal como una pared blanca. Ella explora baja
cromaticidad en su trabajo y una importante fuente de
inspiración es lo Shibata llama “el
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
MONOCROMO
Al igual que en la fotografía, en blanco y negro puede significar un color que no
sea negro. En esta pieza por Yukako Shibata, de un azul específica arroja un
reflejo en la superficie blanca, sin embargo, que no se ve, ya que está pintado en
el interior del marco.
colores fugitivos de la naturaleza.”La delicadeza, transiciones
muy finas de color, y una sensación de calma en lugar de
estridencia marcan sus intereses. Pintores, por supuesto,
pueden optar por ver e interpretar con total libertad, pero
ahora procesamiento digital de los fotógrafos da las mismas 15
oportunidades, y la restricción de la gama de colores sin
monocromo digital
duda alienta un enfoque contemplativo de imágenes.
Como veremos una y otra vez en la fotografía, la
restricción de la paleta permite al artista concentrarse
plenamente en las sutilezas de tono. Como cualquier
calígrafo sabe, la calidad de negro es infinitamente variable
y va mucho más allá de cualquier simple medida numérica
de la oscuridad. Las formas en que negro varía a medida
que el cepillo se levanta ligeramente en el papel durante una
carrera de encontrar su equivalente en ajustes de tono
delicados durante el procesamiento de una fotografía en
blanco y negro.
Las opciones creativas
 La tradición fotográfica

T
Varios procesos se inventaron entre esa fecha y la
que
En la historia
realidad técnica
monocromo de nosotros
sobre la fotografía
forzada de la década de 1930, pero las limitaciones técnicas impedían
manera más obvia. En pocas palabras, los materiales sensibles a su uso masivo, y no fue hasta que la Eastman Kodak
la luz que se podrían utilizar para capturar una imagen en una Company presentó la película en color tri-pack integral
superficie plana reaccionaron a la luz en total, no dividido por la en 1935 que el blanco y el negro tenía ninguna
longitud de onda. competencia real como medio. Este fue el clásico de
Kodachrome.
Grabación de la color de una escena significaba el
filtrado de la luz a través de un conjunto de al menos tres La fotografía más temprana, tomada por Nicéphore
filtros de colores transparentes, y que implicó una hazaña Niépce en 1826, que se utiliza una sustancia que endurece
dieciséis mucho más complicado de la tecnología que la simple blanco más que oscurecen cuando se exponen a Light- un tipo de
y negro. asfalto que ya se usó en el grabado. Recubrimiento sobre
Aún así, podría ser una sorpresa para mucha una placa de estaño, el asfalto se expuso a una vista
gente a aprender que la primera fotografía de color desde la ventana de Niépce. Después de unas ocho horas,
permanente, tomada por James Clerk Maxwell, era ya
en 1861.

DAGUERROTIPO

Estas imágenes muestran una cámara de daguerrotipo simple en madera, con un

mecanismo de enfoque en el que el soporte de la placa trasera se trasiega a cabo

al revés. Que lo acompaña, un retrato del daguerrotipo Cyrus West Field, el

estadounidense que puso el primer cable telegráfico transatlántico.


el asfalto expuesto a las partes brillantes de la escena fue
tan endurecido que resistió el disolvente que Niépce
después se vierte sobre ella; las partes oscuras, no
expuestas lavados.
Dentro de los doce años, el socio de Niépce, Louis
Daguerre, había descubierto una placa fotográfica más
sensible. El cobre, ya revestido con plata, se sensibilizó por
la exposición a vapor de yodo se levanta de cristales de yodo
con calefacción. Después de que la foto había sido tomada,
la imagen, sin embargo, no visible, fue desarrollado por
vapor de mercurio, un proceso peligroso, con riesgos para la
salud no se aprecia plenamente en el momento. La imagen
fue finalmente fijado con hiposulfito de soda, y el resultado
fue una fotografía de gran detalle, delicado. Sin embargo,
debido a su acabado de espejo, tenía que
COLODIÓN
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
Se trata de un kit de placa de colodión húmedo desde el siglo XIX. Todo el
proceso, desde el recubrimiento a través de la exposición a procesamiento,
tenía que ser completa antes de que la placa se seca.
ser visto en un ángulo particular y, al ser un positivo, no se
podía utilizar para hacer una cantidad de copias. Sin
embargo, el tiempo de exposición se ha reducido de ocho
horas a entre 20 y 30 minutos, y aunque esto todavía era
demasiado largo para el retrato, que tuvo que esperar a
que las mejoras posteriores, la fotografía había convertido
finalmente en una posibilidad práctica. 17
monocromo digital
El daguerrotipo fue pronto desafiado por un
procedimiento alternativo, el calotipo, que utiliza papel en
lugar de una placa de metal, y estaba más cerca de las
películas modernas, ya que produce una imagen negativa
que podría ser utilizado para hacer tantas copias en
positivo como el fotógrafo quería. La capacidad
reproductiva hace este proceso un importante rival del
daguerrotipo, a pesar de la peor calidad de la imagen. El
inventor fue el inglés William Henry Fox Talbot (1800-77)
que, comenzando con un papel de escritura de alta calidad,
los recubrimientos de nitrato de potasio y yoduro de plata,
seguido por una solución de ácido gálico y nitrato de plata
para sensibilizar el papel agregó. Después de haber hecho
Las opciones creativas
la exposición, el papel fue desarrollado en una segunda
aplicación de la solución de nitrato de ácido / plata gálico.
Una vez seco, el papel negativo estaba listo para realizar
impresiones de contacto.
El siguiente paso importante en el progreso de la
emulsión fue la invención del proceso de colodión por
Frederick de Scott Archer (1813-1857) en 1851. También
conocido como
18
el proceso húmedo de la placa, el proceso de colodión
rápidamente reemplazado otros sistemas porque a pesar del
gran inconveniente de la preparación de las placas-que
tenían que ser llevado a cabo en el punto justo antes de
tomar la foto-permitió exposiciones de tan poco como diez
segundos. Para lograr este gran sensibilidad, el fotógrafo
tuvo que verter colodión, una solución que contiene yoduro
de potasio, sobre una placa de vidrio, inclinarlo en diferentes
direcciones hasta que el recubrimiento era uniforme, y luego
sumerja rápidamente la placa en una solución de nitrato de
plata. Debido a que la sensibilidad se ha perdido en gran
medida cuando el colodión se seca, la placa tuvo que ser
expuesta en húmedo, haciendo la vida muy difícil para el
fotógrafo en el lugar.
Silueta y FLARE
La respuesta limitada de la película y sensores para el rango dinámico completo
de escenas iluminadas por el sol se ha aceptado como un fotográficos
característicos-objetos en silueta, y brillante llamarada de puntos destacados, por
ejemplo.
Por la década de 1870, una emulsión compuesta de
gelatina y bromuro de plata había sido inventado como un
sustituto seco por colodión, y estaban siendo massproduced
pronto placas. Aunque el vidrio (que es voluminoso y se rompen
fácilmente) ahora ha sido reemplazado por película flexible,
emulsión de color blanco y negro sigue siendo básicamente el
mismo: los cristales lightsensitive, conocidos como granos,
están incrustados en una capa de gelatina. película era

originalmente hecha de celuloide, pero desde entonces se ha
movido a través de nitro-celulosa en acetato de celulosa a los
polímeros sintéticos inmensamente estables de hoy.
Cualquiera que sea su composición, el uso de la película hizo
posible enrollar largas tiras de emulsión, la base de película de
cine, película de 35 mm, y la película de rodillo.
La secuencia precisa de eventos que sigue a la
exposición de película a la luz es compleja. En el primer paso,
libera luz fotoelectrones, y estos se combinan con iones de
plata para producir átomos de plata, que se forman alrededor
de las pequeñas partículas de impureza dispersos en cada
cristal de haluro de plata. En esta etapa, todavía no hay una
imagen visible sobre la película, y se necesita un producto
químico
Cielo blanco VS Tonemapped
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
Esta es una fotografía moderna, sino que se transforma en dos
formas: como sensible al azul, lo que demuestra la sensibilidad
de las primeras emulsiones, y la imagen HDR un tono mapeados
como, a partir de cinco exposiciones, para revelar todos los tonos
de la escena original.
19
monocromo digital
desarrollador para producirlo. Desarrollo ennegrece las
partes de la emulsión que se expone a la luz, mediante la
reducción de los granos de haluro de plata a plata metálica,
que es oscuro. Cada grano está bien desarrollada, es decir,
Las opciones creativas
ennegrecido-o no; no hay etapas de reinserción de gris. El
resultado final, con una gama de tonos en la negativa, se
debe a que el número de granos desarrollados en cualquier
pequeña parte de la película: si sólo unos pocos se han
desarrollado, dispersos entre muchos otros sin desarrollar,
el tono será un gris claro , pero si todos tienen
 Longitud de onda y Sensibilidad
yo
n la fotografía en color normal, uno de los objetivos
básicos es registrar la escena como se ve en el ojo.
Esto puede sonar demasiado obvio mencionar, y la mayoría de
los sensores de la cámara y lentes de lograr resultados tan
perfectamente aceptables que rara vez cuestionamos, pero las cosas
se vuelven interesantes en esta área cuando se dispara para
monocromo. En el fondo, se trata de una cuestión técnica que
involucra la longitud de onda.
20 Nuestros ojos son sensibles a una muy pequeña
parte del espectro electromagnético, desde alrededor
de 400 nm a 700 nm, lo que se llama, obviamente, el
espectro visible. En razonablemente buena luz, el ojo
puede distinguir millones de colores. Gestiona esto
porque los conos se dividen en tres tipos: los que son
sensibles al rojo, otros a verde, y otros a azul. Estos
tres juntos abrazar más o menos el espectro completo,
de manera que mediante la variación de la entrada de
cada uno, cualquier otro color puede ser hecha. En el
caso de nuestra visión, esto ocurre en el cerebro, pero
los tres tipos de receptores no son igualmente
eficientes. El ojo es más sensible a amarillo-verde, y
menos sensible al azul; lo que no podemos ver es
ultravioleta, la razón es que el ojo tiene dos filtros de
color amarillo, sobre el objetivo y sobre la fóvea, que
se desarrolló probablemente a reducir la aberración
cromática,
sensores de la cámara no coinciden respuesta de color de
los ojos, y ambos necesitan filtros físicos y de procesamiento de
imagen especial para acercarse. Sensores, de hecho, en blanco y
negro de grabación, y los medios para capturar el color en la gran
mayoría es un filtro delante, llamaron una matriz de Bayer. Este
es un mosaico de rojo,
verde y azul, cada cuadrado del color situada sobre el sitio
de fotos en el sensor. Para que se corresponda más
estrechamente con extra sensibilidad del ojo humano a la
luz verde, hay el doble de filtros verdes en una matriz de
Bayer que no son de color rojo o azul. pico de sensibilidad
del ojo humano está en yellowgreen a 555 nm; reacciona
muy mal, por el contrario, a longitudes de onda más corta
que violeta y ya que el rojo. Los sensores también difieren
del sistema de visión humana, ya que son sensibles a los
infrarrojos. Como resultado, las cámaras normales tienen
sensores con un filtro de infrarrojos (como veremos en la
página
82, retirar esta es la forma de personalizar una cámara
para la fotografía infrarroja).
En nuestra experiencia de colores, algunos colores son
más brillantes que otras: un promedio amarillo, por ejemplo, es
más brillante para nosotros que un promedio de azul. Si los
tonos en los que diferentes colores se reproducen en una
fotografía blackand-blanco aproximada a esta experiencia, la
imagen parece realista. La sensibilidad azul de película en
blanco y negro puede resultar en cielos claros que parecen
demasiado pálido, pero un filtro azul-amarillo, que absorbe
restaura la apariencia esperada.
El principio es sencillo. Un filtro de color colocado
delante de la lente pasará más de su propio color y
bloquear la luz de otros colores. El contraste entre un
tomate rojo y hojas verdes de lechuga en una
ensalada, por ejemplo, es claro y evidente cuando se
ve en color, pero no a todos en blanco y negro.
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
ORIGINAL desaturados

desaturación recto, igual para todos los canales.

RED DE BAJA

rojos: - 22%
La reducción de rojo y verde elevar sigue siendo alto
21

contraste, pero opuesta a la “alta Rojo”.

monocromo digital
amarillos: 181%

Verduras: 190%

Cianes: 60%

Blues: 20%

magentas: 80%

y Negro Blanco y Negro RED DE ALTA

rojos: 211%
Altos verdes rojos e inferior crean un alto contraste

con un techo de la luz y la oscuridad circundante.

amarillos: 47%

Verduras: 40%

Cianes: 60%

Las opciones creativas

Blues: 20%

magentas: 80%

Blanco y Negro Blanco LUZ ROJA

rojos: 122%
Un resultado más naturalista mantiene la luz roja del techo

(en el principio de que los colores cálidos son considerados

amarillos: 51%

como más ligero), y el medio oscuro hierba.

Verduras: 47%

Cianes: 60%

Blues: 20%

magentas: 80%
 Blanco y negro como Normalidad

UNA claramente a ciertaen

fotografía distancia
blanco yde realidad
negro es que
representa una escena.
Hasta que la película de color se convirtió en práctica y
ampliamente disponible, la misma falta de información de color
era una desventaja definitiva para muchos fotógrafos y de
publicaciones que utilizan fotografías. Y, sin embargo, en
alrededor de la década de 1930, en la fotografía documental
(dirigido por las noticias), en blanco y negro se había
convertido aceptado a fondo como una representación normal
22 de los acontecimientos y el mundo en general. Desde la
perspectiva de ahora, con la fotografía en color larga CUBIERTAS revista Life

establecido como predeterminado, esto puede no ser fácil de Durante muchos años, Vida la revista presenta una combinación llamativa de

apreciar en su totalidad, pero en, por ejemplo, Vida revista y Pictureuna cabecera de color rojo frente a una fuerte imagen en blanco y negro que
Post' la cobertura de s de la Segunda Guerra Mundial, la representan los acontecimientos actuales. Durante la década de 1950, el

color se hizo más habitual.

veracidad de blanco y negro era incuestionable, y el público
lector logró sin pensar para cerrar la brecha entre el mundo
real y la imagen de color completamente saturado. imaginería
Blackand-blanco sigue siendo “normal” en papel de periódico
hasta que el color se convirtió en práctica para compensar los
diarios alrededor de la década de 1980. ¿Cómo y por qué
sucedió esto vale la pena considerar, ya que las décadas de
“normalidad” en blanco y negro-impresionaron a la imagen
monocroma con una fuerza y ​legitimidad particular.

El inicio de la aceptación fue lenta y desigual, y se

puede argumentar que ha sido una característica especial
de la fotografía documental, donde el objetivo era mostrar
las cosas “tal como son”, a pesar de que este es un
concepto vago abierto a diversas interpretaciones.
Naturalmente, los fotógrafos documentales, siempre más
preocupados por los acontecimientos en frente de ellos que
una

tratamiento creativo o deliberada de ellos, trabajó con lo que estaba
disponible para ellos. La velocidad era una preocupación a la
interminable capacidad de captura de movimiento en igual número
de condiciones de luz como sea posible. Incluso con lentes rápidas,
la fotografía documental se ha apoyado en los medios de
comunicación rápido, más sensible a la grabación. Esto por sí solo
mantuvo a raya de color, ya que siempre fue más fácil de fabricar
emulsiones más rápido blanco y negro que las emulsiones de color.
de Kodak Tri-X, con su velocidad nominal de ISO 400, y su
capacidad de ser “empujado” más adelante en el desarrollo
considerablemente mayor, se convirtió en el más popular y
ampliamente utilizado de todas las películas de reportaje.
El período comprendido entre la década de 1930 hasta la
década de 1940 vio el progreso técnico sustancial en la fotografía,
desde cámaras de lentes para película. película de 35 mm, que ya se
utiliza en
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
23
monocromo digital
película rápida
Una cámara de 35 mm y 400 ISO película Tri-X llegó a encarnar la
fotografía de reportaje-disparo rápido de los sujetos en la luz
disponible, aquí, un adicto al opio en el norte de Tailandia.
Las opciones creativas
cinematografía, se convirtió en el medio de elección
después de Oskar Barnack inventó el Leica para
usarlo. Cargando, enrollado sobre, y la descarga eran
más rápidos, y como resultado de este y otros
desarrollos, la fotografía de reportaje se hicieron cada
vez más flexible y adaptable a las situaciones
cambiantes. Al mismo tiempo, este fue un período
social y económicamente desastroso para gran parte
del mundo, y la fotografía se concentró en estos temas
más que nunca. Ian Jeffrey, escribiendo en Fotografía:
Una historia sucinta
 El corsé Mainbocher

Horst P. Horst, 1939

la imagen de Horst sigue siendo una de las fotos más
icónicas del siglo XX.

(Parte de la Thames & Hudson Mundo del arte

la serie), consideró que “... durante la década de 1930, las
tareas de la fotografía eran principalmente social y reformista,
para lo cual urgente en blanco y negro y era un medio apto.”
Esta es una visión exageradamente estrecha de la década de
1930 fotografía en masa, y por su propia conveniencia hace
caso omiso de una gran área de periodismo de noticias, pero el
24
punto es válido dentro de su marco de referencia. EauClaire de
Sally, preparando el escenario para una discusión de cómo la
fotografía en color se convirtió en estado crítico aceptable en la
década de 1970, escribió en La Fotografía Color nuevo, “Las
cifras de la fotografía en blanco y negro de manera
predominante en la tradición documental que podríamos estar
condicionados a esperar las noticias en los tonos, no cromos.”
fotografías en blanco con 'realismo' y las “auténticas.
documentalistas contemporáneos que se adhieren a
blanco y negro tanto como sea posible incluyen
Sebastião Salgado, Chien-Chi Chang, y Richard Kalvar,
El legado de este periodo, entre muchos otros. Algunos fotógrafos son sin duda
aproximadamente desde la década de 1930 hasta influenciados en esto por su preferencia por el medio de
principios de 1960, es que incluso hoy en día blanco y la película, pero Salgado, por ejemplo, recientemente se
negro se le concede un respeto por su documental ha trasladado a digital después de numerosas pruebas,
“corrección”. Tanto es así que en 1997, Graham Clarke, y está encantada con él. El medio para él es blanco y
escribiendo en negro en lugar de película.
La fotografía, parte de Oxford Historia del Arte serie,
podría decir: “El canon tradicional de la fotografía evita
en gran medida del color, de modo que nos
encontramos ante la paradoja de la fotografía 'realismo' Otras formas de fotografía estimularon la creación
que se comunica en blanco y negro ... El aspecto más de diferentes estrategias. En el estudio, por ejemplo, los
obvio de esto sigue siendo el tradicional 'documental' de mejores fotógrafos dejaron de lado rápidamente el
la imagen, donde la presencia del color en realidad problema de la falta de color negro y explotados y
disminuye el sentido de la veracidad de la fotografía esencial de blanco qualitie: iluminación, componiendo
como una imagen y testimonio. Igualamos negro-y- para el teatro, la geometría, la textura o la sensualidad, de
acuerdo con habilidad y

gusto. Ya desde el comienzo de la década de 1930, los
retratos de Hollywood de Horst P. Horst y fotografías de
moda, por ejemplo, son obras maestras de la iluminación
construido a partir de qué color solamente habría
distraído. La fotografía de retrato fuera del estudio también
podría hacer un uso completo de los puntos fuertes de
negro y blanco de. el uso audaz de Bill Brandt de masas
oscuras y claras, como en su retrato del dramaturgo
Harold Pinter en la página 157, fue otro enfoque, más
espontánea.
Y, por supuesto, con un pleno conocimiento de la
física de la luz y la química de la reproducción, que
era posible que un fotógrafo sensible para justificar la
superioridad del blanco y negro por razones
filosóficas. Henri CartierBresson escribió, “El color en
la fotografía se basa en un prisma de base; por el
momento, no puede ser de otra manera, porque
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
25
monocromo digital
TERRAZA BAYON
La terraza superior del templo de Bayon en Angkor Thom. Los
colores de la escena son relativamente insignificantes, y disparar
en blanco y negro permite que toda la atención que se pagará a la
modelización y la masificación de sombras y luces.
Las opciones creativas
todavía no tienen los procesos químicos que permiten
que el complejo de ruptura y reconstitución del color (en
el rango de colores pastel, por ejemplo, la gama de
verdes se compone de 375 matices!).”Luego pasó a
argumentar a partir de esto que,“ para mí, el color es un
medio muy importante de información, pero es muy
limitado en la superficie de la reproducción, que
permanece química y no trascendental, no es intuitivo,
ya que es en la pintura. A diferencia de negro, que tiene
la gama más compleja, el color, por el contrario, ofrece
sólo una gama fragmentaria “.
26
Paul Strand hizo una observación similar en sus objeciones
a los colores: “Es un tinte. Que no tiene cuerpo o textura o
densidad, ya que la pintura hace [...] Hasta el momento, no se
hace nada más que añadir un elemento incómodo para un medio
que es bastante difícil de controlar de todos modos.”Esto
probablemente expone su verdadera preocupación. Una de las
grandes alegrías y las fortalezas de la fotografía en blanco y
negro, es que ofrece un mundo diferente de la que
experimentamos, con menos pasando en ella y por lo tanto más
para explorar en las calidades de imagen que hace la oferta.
Como en la mayoría de las actividades humanas, la más simple
es la situación, más esfuerzo se puede poner en lo que queda.
En la fotografía, a continuación, restringir el medio y se aumenta
el potencial de refinamiento, lo que significa que si se enfrenta
con una escala de grises en comparación con una escala de
colores, más tonos de gris (como en los ejemplos aquí) que
prestar mucha más atención a las sutilezas de la escala de
grises. Strand, por cierto, continuó refiriéndose a la fotografía en
color como en blanco que había sido teñido y negro.
BÚSQUEDA DE ATENCIÓN
Una demostración de la afirmación de Paul Strand que “se presta mucha más
atención a las sutilezas de la escala de grises” en una imagen monocromática. La
versión en color de este punto de vista del Banco de Inglaterra está dominado por
el cielo y la necesidad de mantener los aspectos más destacados, mientras que
una representación blanco y negro permite mucha más atención que debe
pagarse a la estría apenas perceptible de las columnas.
Más profundo que esto era comprensible racha de
conservadurismo que corría a través de muchos de los
fotógrafos establecidos en la década de 1960, el tiempo que el
color se estaba convirtiendo en una fuerza importante en la
fotografía. Este conservadurismo fue creado porque habían
pasado toda una vida, o parte de ella, el dominio de un medio
que involucró a conceptualizar en blanco y negro. No era que
no había mucha evidencia o el miedo de perder el juego, sino
que su fotografía en blanco y negro era más intelectual, hecho
a mano, y depende de una sensibilidad duramente ganada a
cómo se podría convertir una escena en bruto del mundo en
un arte muy diferente y específica

VULGARIDAD
vulgaridad intencional, según Edward Weston, fue visto por algunos como el
uso legítimo del color en sus primeros días.
formar. Hubo una clara sensación en el extremo superior de la
fotografía hasta bien entrada la década de 1980 que,
básicamente, cualquier persona podría tomar una imagen en
color, ya que simplemente reproduce lo que estaba allí; pero
para hacer el cambio a un medio único era, simplemente, un
llamado superior. De ahí las declaraciones pomposas menudo
que se hicieron con frecuencia. Walker Evans hizo la
adaptación no muy inteligente de Lord Acton “El poder tiende a
corromper ...” como 'tiende' color a la fotografía corrupto y
corrompe de color absolutos absolutamente ... Hay cuatro
palabras sencillas para el asunto que debe ser susurraban: la
fotografía en color es vulgar."
Hay un sentido definido en la lectura de todas estas
opiniones a partir de la década de 1970 y principios de una acción
de retaguardia que se libra a
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
27
monocromo digital
preservar blanco y negro. Estaba claro para cualquier
persona que pensó que la fotografía se estaba
convirtiendo más simple, al alcance de todos, y la
fotografía en color iba a tener su camino en el mercado de
masas, ya que era simplemente lo que la mayoría de la
gente quería. Al final, no tienen por qué se han molestado
tanto. Sí, el color tomó el mundo de la fotografía, e
incluso, desde la década de 1980 en adelante, logra la
respetabilidad artística en el extremo más refinado de la
fotografía. Pero lejos de ortografía de la desaparición de
blanco y negro, se creó una razón entre muchos
Las opciones creativas
fotógrafos por querer un medio diferente, más refinado, y
aparte de la masa de snapshooters.
El argumento gira en torno a su variedad de colores
demasiado. Lo más que se puede esperar para capturar en
una imagen, más difícil es para poner su sello personal en la
imagen y decir “esta es la forma en que lo veo, no de la
manera que es.” Esta era, y es, una preocupación genuina.
Una gama más amplia de materiales, más y mejores
herramientas, son un arma de doble filo para

cualquier fotógrafo o artista. Por un lado, hacen que sea
posible hacer cosas nuevas y explorar las clases de
imágenes que nadie intentó hasta ahora. Al mismo tiempo,
sin embargo, que pueden ofrecer demasiada variedad y
distraer. Por lo general, ayuda a tener una visión clara
28 cuando se crea una imagen, y engordar este día con más y
más posibilidades solo puede ser una molestia perjudicial.
Cartier-Bresson, una de cuyas mayores habilidades estaba
organizando el caos de escenas de la calle fugaces en
unidad compositiva, dijo simplemente: “Imagínese tener que
pensar en el color en la parte superior de todo esto.” Es fácil
establecer paralelismos con otra cámara o mediano
invenciones. Los objetivos zoom, ahora estándar, no eran
considerados como una bendición universal cuando
comenzaron a aparecer a finales de 1950. Aparte de la
calidad óptica en los diseños de zoom temprana (un objetivo
primordial de alta calidad todavía establece el estándar más
alto), dieron una nueva dimensión a la composición.
Encuadre podría ser afinado infinitamente; sumamente útil si
usted es un evento deportivo o fotógrafo de tiro desde una
posición restringida, fijo, pero para muchos fotógrafos que
sólo le da una capa adicional de elección, lo que significa
más que pensar, que a veces puede retrasar la toma por lo
suficiente como para perderlo .
Y va mucho más allá de “¿cómo podemos hacer frente
a todo esto la entrada sensorial.” El arte puede ser muchas
cosas, pero nunca se trata de reproducir la realidad lo más
perfectamente posible. Siempre hay una traducción de
Puesto de carretera cerca de Birmingham, 1936
Walker Evans
uno u otro tipo de filtrado de la real a través de una
imaginación creativa, si lo desea. Es tentador argumentar que
las nuevas formas digitales en las que el color puede ser
manipulado y corregido en realidad han promovido la causa
de blanco y negro. La división entre blanco y negro y color, sin
duda ha desaparecido con la capacidad fácil elegir
exactamente cómo saturados o insaturados cualquier
tonalidad debe estar en una imagen. En ese sentido, blanco y
negro, simplemente representa un extremo de un continuo, no
en su propia isla. Más adelante, en el capítulo 4, vamos a ser
el tratamiento de estos matices de tono desde el punto de
vista de añadir toques de color a blanco y negro, pero los
mismos resultados igualmente podrían explorarse en un libro
sobre la fotografía en color como formas de silenciamiento de
color.
Algunos de los fotógrafos más interesantes para mí
en relación con todo esto son aquellos que cambiaron y
todavía mantiene el éxito, al menos en sus propios ojos.
Entre los más viejos y tradicionales son Eliot Porter, Harry
Callahan, y Joel Meyerowitz, cada uno de los cuales
cambió a color, mientras que mantener el pleno respeto y
afecto para blanco y negro. Y, si se acepta blanco y
negro como la normalidad, usted podría dar vuelta a la
pregunta sobre su cabeza y preguntar cuándo y dónde
sería mejor para disparar el color. Esta es una manera
bastante anticuada de pensar, que se remonta a los días
en que el color fue surgiendo en lugar de dominar, pero
trae una utilidad
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
29

monocromo digital
perspectiva a la misma cuestión de la elección. Edward En muchos sentidos, creo que la mayoría como
Weston, siendo anteriormente tanto distante y mal humor de argumento existencial de Robert Frank por monocromo:
“vulgaridad” de colores (que había reconocido que “cuando el “blanco y Negro son los colores de la fotografía. Para mí

Las opciones creativas

punto de un objeto de imagen es precisamente la vulgaridad que simbolizan las alternativas de la esperanza y la
... entonces sólo la película de color se puede utilizar de desesperación a la que está sometida la humanidad “.
manera válida”), finalmente se fascinó con las instantáneas
colores de Polaroid. Llegó a la conclusión de que no del todo
sorprendente que “los que comenzó a fotografiar en blanco y
negro pasado años tratando de evitar el tema interesante
debido a su color; en este nuevo medio, ahora tenemos que
buscar la materia debido a su color. Hay que ver el color
como forma, evitando los sujetos que sólo son 'de color'
negro y el blanco “.
 Monocromo en la fotografía contra Pintura

W
ela inició examinado
experiencia pintores
de blanco y negro con el fin de
poner la fotografía en el contexto más amplio de las
artes gráficas.
La diferencia más significativa entre la pintura y la
fotografía es que los pintores tienen una opción completa, y la
decisión de desaturar la paleta siempre se ha tomado
deliberadamente, mientras que para el primer siglo de la
fotografía, en blanco y negro era un medio impuesta. Por
necesidad, los fotógrafos aprendieron a trabajar dentro de las
30 restricciones de blanco y negro, y no es sorprendente estas
pronto dejaron de ser considerados como restricciones. Por
ejemplo, las primeras emulsiones fueron sensibles
principalmente a la luz azul, y en fotografía de paisaje esto
significaba un negativo con la exposición correcta para el
suelo estaba sobreexpuesta invariablemente para el cielo. Los
buenos fotógrafos aprendieron a componer la estructura para
permitir blancas en blanco cielos-toman Timoteo O'Sullivan
por ejemplo.
monocromo significa un grado de desaturación de
tonalidad que el artista podría decidir en el acto. En la
pintura, hay una serie continua de color a blanco y
negro, no un interruptor binario, y esto quizás explica la
relativa falta de discusión de artistas monocromáticos
sobre este tema (Agnes Martin, por ejemplo, habló
mucho más acerca de la geometría de su trabajo de
por la falta de color).
Ahora, el procesamiento digital ofrece exactamente este
continuo de colorido, de modo que la fotografía en blanco y
negro tiene extensiones en sutileza de color en lugar de
simplemente todo o nada. Cualquier grado de saturación es
fácilmente posible, y esto trae la fotografía a la pintura en un
aspecto. Al ser relativamente nueva, que aún no se ha
explorado completamente.

Otra diferencia importante entre blanco y negro en la

pintura y en blanco y negro en la fotografía es la cuestión
de grado de color. En la fotografía convencional, había
una clara distinción entre los dos porque las emulsiones
eran diferentes y muy distintivo (por supuesto, la situación
ha cambiado ahora con digital, como veremos en el
capítulo 2, pero la influencia de las tradiciones de la
fotografía sigue siendo fuerte artísticamente) . Se podría NEGRO CAÑON

Parte superior derecha: Timoteo O'Sullivan, 1871. Este disparo fue originalmente
hacer una o la otra, no una versión en el medio. Sin
encargado por el teniente George Wheeler como parte de una misión de
marcas película hizo la película “medio-colorido”. En la
reconocimiento militar, y tiene el título completo “Cañón Negro, del campo 8, que
pintura, sin embargo, siempre ha habido una gran
mira arriba.”
variedad de pigmentos, y con la excepción del arte
basada en tinta, como en China, Corea y Japón, IMAGEN DE MEDIO DE COLOR
moviéndose hacia
Correcto: El procesamiento digital hace posible la gama de “colorido” que

antes era del dominio exclusivo de la pintura. Este punto de vista interior

ha sido desaturado deliberadamente en partes.

 monocromo digital Las opciones creativas
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
31
32

Calidad fotográfica: la
silueta

Izquierda: Un monje tibetano en el

monasterio de Tashilhunpo. Este es

un buen ejemplo de la

silueta-inventado como una forma de

arte, y luego más tarde apropiado por

la fotografía.
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
33

monocromo digital
PARCIALMENTE imagen coloreada CALIDAD FOTOGRÁFICA: FLARE

Las opciones creativas

Otra posibilidad de la fotografía digital, que antes se complica Encima: Flare es un efecto óptico completamente característico de la

con la película, es desaturar ciertas áreas de una imagen, al fotografía, pero no de la pintura (que no sea la pintura que pretende

tiempo que mejora la saturación de los demás. imitar la fotografía).

 Elección del fotógrafo
V
primera
iewed desde
mitadladel
perspectiva
siglo XX, parece
de la totalmente
razonable que los fotógrafos pensarían en blanco
y negro de forma normal.
El color en sus formas más tempranas, como
Autocromo, y luego el Kodachrome revolucionaria, se
consideró comprensible exótico, incluso amenazador.
Pero una vez que la química del color había
madurado, era inevitable que se haría cargo de la
34 fotografía casi por completo.
El cambio gradual en el estado de la fotografía en
blanco y negro se produjo tanto por la forma en que se
utilizan y distribuyen como por la posibilidad de disparar en
el color de las imágenes. Hasta hace muy poco, cuando la
fotografía se ha convertido plenamente democrático y
abierto a casi todo el mundo, las necesidades profesionales
y comerciales fueron muy influyentes. Fue revistas en
particular que han sido durante mucho tiempo los medios
para visualizar la fotografía a un público masivo. Esto
comenzó en la década de 1930, y se prolongó durante al
menos sesenta años, disminuyendo gradualmente en
importancia frente a la primera televisión y ahora internet.
Color vende revistas, semanarios y los famosos como Vida, Popa,
y Paris Match movido rápidamente hacia ella, mientras
mensuales como
National Geographic y GEO centrado toda su atención en
mostrar el mejor más emocionante y bien impreso las
imágenes, el color que pudieran encontrar. Esto empujó
fotógrafos editoriales para cambiar a color. Publicidad, que
llenó páginas en las mismas prensas, seguida
inmediatamente. Por otra parte, el color compensado
procesos de impresión
se hizo cada vez mejor, y también más barato. Tan recientemente
como en la década de 1980, era completamente normal para un
libro ilustrado en gran medida a mezclar blanco y negro con el
color sólo por razones de costo. Una firma (típicamente 16
páginas) de imágenes en color con frecuencia sería seguido por
uno de blanco y negro. La impresión en color es ahora tan
eficiente que hoy en día esto es prácticamente impensable.
Muchos fotógrafos simplemente se trasladaron a color y
disfrutado de lo que tenía que ofrecer. Otros, como hemos visto,
luchaban acciones de retaguardia. Algunos simplemente
aceptaron las nuevas demandas de los editores al hacer los
menos cambios posibles a la forma en que trabajaban. Ian
Berry, un fotógrafo de Magnum, me dijo, “acabo de rodar en
color como si estuviera usando blanco [que prefiere] y negro.”
Durante mucho tiempo, muchas de las avenidas para la
visualización de la fotografía blackand-blanco obturado. Apenas
la impresión galería se mantuvo, lo que por supuesto se centró
energías en la calidad de impresión de manera que el color ha
recibido casi nunca.
Pero, finalmente, la disponibilidad universal de gran
color y los excesos que se ha puesto en riqueza, vitalidad,
y super-saturación, han dado blanco y negro de un estado
de refinamiento. Los “excesos” comenzaron con los
esfuerzos de los fabricantes de película para satisfacer sus
mercados de masas, el fabricante japonés Fuji siendo
particularmente activo en esto. Se aprecia que las
memorias de escenas de vacaciones de las personas eran
más colorido e idealizada de la realidad. cielos de
vacaciones, por lo tanto, deberían ser más azul, y esto era
alcanzable a través de la creciente sofisticación de la
tecnología de película. Impresión

REFINAMIENTO
El torso de lado iluminado de una estatua del Khmer ofrece un tema clásico
para blanco y negro, con un tratamiento refinado de las sutilezas de la forma y
la textura.
para su publicación que ofrece la misma
oportunidades de trinquete hasta el colorido. La fotografía
digital ha hecho que por desgracia el exceso de color aún más
fácil, y con la gama más amplia de las pantallas electrónicas,
las pantallas Internet todos de la misma.
blanco y negro, como es lógico, se ve mucho
mejor en comparación. Ian Jeffrey, que fue citado
anteriormente, considera que “mundos policromas
son a la vez radiante y genial ... monocromo prometió
ideas, visiones de la realidad purificados; o permitió
que los fotógrafos
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
35
monocromo digital
CIELOS DE VACACIONES
Un cielo Velvia, cortesía de los químicos Fuji que reconocieron el deseo de la
mayoría de los fotógrafos holidaying para reproducir los cielos azules como se
creen que deben ser en lugar de como son.
Las opciones creativas
la libertad de la riqueza contradictorio de todo color,
y un medio para énfasis y de control-ventajas no a
la ligera sacrificó “O, como Cartier-Bresson puso:‘
fotografía resúmenes cosas blanco y negro y eso
me gusta’.
la fotografía en blanco y negro contemporáneo tiene,
al menos como yo lo veo, desarrollado en dos vertientes
bastante distintas. Se continúa deliberadamente el
espíritu de estilo documental arenosa; Por otro explora la
textura, incluso táctil y sensual, cualidades del finamente
trabajados
36

“MUNDOS POLYCHROME SON TANTO radiante y GENIAL”

El aspecto “radiante y cordial” de “mundos policromos,” en las palabras de Ian Jeffrey, se ejemplifica en los

campos de arroz brillantes de este balinés de terrazas listas para la cosecha.

 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
37

Haciendo abstracción COSAS

monocromo digital
Mediante la eliminación de color y contraste mediante la manipulación, esta

visión de ñus en las llanuras del Serengeti alcanza una calidad gráfica

abstracta divorciada de la situación misma.

Las opciones creativas

38

CIELO PROFUNDO

la abstracción geométrica sólida de una vieja escalera en el

acantilado Nueva asentamiento mexicano de Acoma. El cielo azul

profundo era fácil de convertir a negro, para una máxima diferencia de

la madera blanqueada.

impresión. En algunos trabajos, por supuesto, los
dos se reúnen brevemente. Tan lejos a lo largo del
camino histórico, las décadas pasadas la
introducción de una opción completa entre el color y
las actitudes en blanco y negro, en dirección a las
imágenes en blanco y negro puede ser
auto-consciente. Esto aflora en la fotografía
documental, en el que hay una fuerte sensación de
continuidad con los grandes fotógrafos de reportaje
del pasado, como Walker Evans, Brassaï, Henri
Cartier-Bresson, Robert Capa, y otros. Por
supuesto, hay también, y quizás más importante, el
argumento tradicional de que la eliminación de la
distracción de color ayuda a centrar la atención en
la actividad significativa en la escena, pero el
sentido de seguir en una gran tradición todavía
aparece.
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
39
monocromo digital
TEXTURA
Las cualidades táctiles, texturales de una impresión en blanco y negro
son de gran preocupación la diferencia entre semi-brillo y mate se
demuestra aquí.
curadores. Las personas que toman en serio la fotografía en
blanco y negro toman aún más serio. Considere una venta
reciente e importante en 2008 por Swann Galleries de Nueva
Las opciones creativas
York de
19a importante y fotografías del siglo 20.
De los 389 lotes, 364 eran en blanco y negro.
Como era de esperar, la recogida de la fotografía está
sesgado hacia la seguridad, lo que favorece las impresiones más
antiguas conocidas por los maestros, y muchas personas están
todavía tiene dudas sobre las cualidades de archivo de
impresiones en color. Sin embargo, este aspecto fuertemente
sesgada para impresiones monocromas sugiere que el blanco y el
negro se percibe como más serio, más en el centro de la fotografía
que la mera color.
 sin color

Imágenes sin color pueden transmitir por completo

diferentes cualidades a la original, lo cual es inevitable
color en el mundo de la tecnología digital.

ALANG el desguace de buques

En la conversión blanco y negro, se elimina la distracción del color,

permitiendo que el ojo se concentre en las figuras y la mente a
considerar sus labores.

40

sacos de grano

El original color es confuso, con

el bote salvavidas rojo exigir
demasiado la atención. En
blanco y negro, la protaganist
central se ve con mayor
claridad.

BOY DELHI

Opuesto: reputación y negro del blanco para “cruda realidad” se adapte a

reportage temas como estos.

 monocromo digital Las opciones creativas
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
41
 restando color
UNA restando telelcolor
riesgo
dede
lassimplificar,
imágenes permite a los
demás elementos gráficos y dinámicas para aumentar
en importancia. De hecho, les obliga a, como una
especie de ley de componentes para llamar la atención
menos de Boyle en una imagen expandirse para atraer
la atención del espectador.
El color es tan integral de nuestra experiencia del
mundo, y de las imágenes, que la mayoría de la gente
42 (y la mayoría de los fotógrafos) no se separan en el ojo
de su mente de todo lo que está pasando. Con el fin de
entender lo que sucede cuando se lo quite y trabajar en
un solo color, necesitamos saber cómo se ajusta a toda
la gama de calidades de imagen; También, cómo se
diferencia de los otros elementos en su efecto.
Por otra parte, el color provoca respuestas subjetivas y
emocionales de una manera que otras calidades de imagen
no lo hacen. Sin normalmente analizarlo, se tiende
simplemente a gustar o no, en mayor o menor grado la
forma de un cierto color se ve, o una combinación de
colores. La respuesta subjetiva a color es poderosa y
penetrante, y como resultado, se hace cargo de la respuesta
espectador a muchas fotografías. Si el componente de color
de una imagen es fuerte, rico, inusual, o simplemente
notable, hay una buena probabilidad de que va a inundar la
atención. Muchos fotógrafos, tal vez demasiados, se han
aprovechado de esto y concentrado sus energías en el
poder del color. Una vez que la química de la película de
color se estableció adecuadamente a principios de 1960, la
oportunidad de concentrarse en él como una calidad de
imagen comenzó a ser explotado por una
RESTOS
En esta imagen tomada en la ruina Khmer abandonada de Banteay Chhmar,
con su torre de cara inimitable, la versión en color distrae sin añadir ningún
valor particular, mientras que una representación blanco y negro tira de la
atención de nuevo a donde estaba destinado, en la torre de la cara .
número de fotógrafos. Uno de los más influyentes
fue el fotógrafo suizo Ernst Haas, que sobre todo
explotó la, saturación de color fuerte, pero oscuro
que dio cuando Kodachrome ligeramente
subexpuesta. Por el contrario, Eliot Porter trabajó
con una paleta más moderado, pero aún con un
enfoque sensual en el que los propios colores son a
menudo la razón principal de la fotografía.
Y porque el color provoca respuestas emocionales,
también hay por lo general una suposición
incuestionable que funciona en una escala de belleza, o
por lo menos atractivo. Decir “lo que una puesta de sol
espectacular”, o “mirar cómo el azul es el agua”, o “ese
gris fija realmente de la rosa”, o cualquiera de los
muchos otros juicios de valor común sobre el color, es
reconocer que el efecto de color puede ser likeable- y
para la mayoría de la gente debe ser agradable. Esta
reacción visceral a color es de lejos el más común, y de
esta manera se distingue de los otros elementos
gráficos formales, que ahora examinaremos. Hay un
número de maneras de dividir los componentes gráficos
de una imagen, pero la más aceptada son: punto, línea,
forma, textura y color. En la forma en que estos se
utilizan e interactúan, hay
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
43

monocromo digital
de Abu Shouk

Izquierda: Una mujer sudanesa de

Darfur, recientemente llegó a un campo

de refugiados después de que su

marido murió en un ataque a su

pueblo. Podría decirse que los colores

brillantes favorecidos por todas las

mujeres sudanesas resta valor a la

Las opciones creativas

gravedad de la situación.

Por el contrario, el equilibrio, y la dinámica (o

vectores). Restando el color realza los restantes. En
la práctica, esto significa que los componentes y
cualidades más afectadas son las gráficas de la
forma, la estructura gráfica de la imagen, y la
gradación a lo largo de la escala de tonos grises, así
como las tridimensionales de volumen y textura.
 Forma

S en dos
hape endirecciones.
la fotografíaUno de ser
puede ellosempujado
es hacia el
bidimensionales y graphic- formas “puras” que se
comportan como los recortes, como en una silueta fuerte.

El otro es hacia la creación de la impresión de

volumen, redondez, y tres dimensiones. En cualquier
caso, el énfasis está en la estructura gráfica formal.
Como Joel Meyerowitz, otro fotógrafo que se trasladó
de blanco y negro a color, dijo, “fue un gran paso para
44 cortar el trabajo blackand-blanco y comprometerme a
color. En realidad está cambiando la naturaleza de su
respuesta. Es un juego muy diferente por ahí. negro y
el blanco tiene más forma. De alguna manera, fotos
se ve que hay una estructura formal comprimido
circula por ellos, atando eventos juntos. En color, hay
más de un flujo lánguida de una cosa a la otra.
Aprender cómo hacer que el interruptor era una salida
para mí “.

De hecho, aunque en este caso estoy aislando las

cualidades particularmente blanco y negro de la fotografía,
empezando por la forma, todos están interconectados. Forma
se puede utilizar para definir la forma, aunque no
necesariamente. Esto a su vez da una sensación de volumen y
presencia. Forma depende mucho de contorno, y por la
fotografía esta se define por contraste de los bordes, a
diferencia de en el dibujo, donde las líneas son más normales.
Este contraste en sí mismo atrae más atención a las
transiciones de borde en blanco y negro que en color, con
todos los problemas concomitantes de la nitidez, gradación shape silueta

suave (en el caso de un borde suave o desenfocado), y los Encima: Forma basada en los bordes de una silueta es clara, gráfica, y de dos

posibles artefactos tales como halos cuando se aplica el dimensiones. Mientras que los colores del atardecer son bastante atractivo, sin

afilado. embargo, esta imagen es un candidato para blanco y negro debido a sus

cualidades gráficas. La eliminación del color mantiene aún más la atención en el

contorno de estos viejos tejados de Shanghai.

 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
45

monocromo digital
DE CUALQUIER MANERA LÍMITES DE FORMA

Encima: Una imagen, tomada en Islandia, que funciona perfectamente bien en Abajo: Un detalle recortada que muestra dos efectos nocivos de la

color o blanco y negro, aunque de manera diferente. El blanco y negro es sin sobreproducción de afilado (imagen de la derecha en). Uno de ellos es haloing

duda más fuerte, al menos cuando se procesa de esta manera durante un buen alrededor de los bordes, especialmente notables en torno a las orejas del

contraste, con la forma de la esgrima y la iglesia blanca enfatizó. caballo; la otra es una exageración de ruido en las sombras del caballo y jinete.

Las opciones creativas

 Estructura
doser sutilmente incrustado, para que el
OMPOSICIÓN en la fotografía puede
espectador no es consciente de ello. Sin
embargo, también puede ser muy evidente, y
esto depende de dos cosas: si el fotógrafo quiere
impulsar este aspecto gráfico particular de la
imagen, y las oportunidades que ofrece la
escena.
posibilidades de imagen que contienen un gran
46 potencial para la estructura incluyen principalmente
elementos de la línea y la forma, casi siempre aumentadas
por alguna forma de contraste. Estas condiciones, y las
imágenes aquí, son sólo dos de los innumerables ejemplos
que crean lo que Henri CartierBresson descrito como la
“geometría” de una fotografía cuando dijo: “Creo que de lo
que veo, y la geometría, eso significa que todo tiene que
estar . compuesta adecuadamente”también escribió de
componer como ver“... la belleza de la forma; es decir, una
geometría despertado por lo que se ofrece “.
blanco y negro realza estas posibilidades mediante la
eliminación de la distracción de color, forzando más la
atención en el contraste a través de los bordes, como los
dos ejemplos de estas páginas muestran. imagen Museo
Guggenheim de Frank Lloyd Wright en, el interior no es
particularmente colorido, pero aún así, las diferencias en el
color de la iluminación mixta nada a la imagen contribuyen
y simplemente sirven para distraer. En blanco y negro, la
imagen es más fuerte y más limpio. En la otra imagen, en la
casa de un cerro en los agricultores en el sur de China, la
construcción de madera, la relación entre la pantorrilla y el
búfalo, y la exageración de todo esto mediante el uso de un
objetivo gran angular (a 27 mm de distancia focal), crean el
potencial para pronunciada geometría. Una vez más, sin
embargo, el enfriamiento caliente contraste de color
funciona a través de esto. En este caso, el proceso
cuidadoso hizo la mayor parte de la estructura,
ALTERNATIVAS: CHINA
Versiones del color y blanco y negro de
una escena en un pueblo de las tribus
de montaña en el suroeste de China.
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
ALTERNATIVAS:
GUGGENHEIM

Una vista del Museo

Guggenheim de Frank Lloyd

Wright en Nueva York, tanto

en color como en blanco y

negro.

47

monocromo digital
Las opciones creativas
 Nuance tonal

T preocupación,
la por su naturaleza
suya es una fotografía sutil y personal. Si
muy específica
se estudian los ejemplos aquí con cierto cuidado, se
puede ver la complejidad de la cuestión del brillo puede
ser una imagen en color.

Fisiológicamente, nuestro sistema visual responde con

mayor sensibilidad a algunos matices que a otros, por lo que
los amarillos y amarillos verdosos son más brillantes a los ojos.
Pero más que esto, no es nuestra respuesta psicológica a
48 diferentes tonalidades. Un ejemplo sencillo de esto es que los
colores “calientes” en torno a la naranja se asocian fácilmente
con la llama y la quema, y ​también la producción de luz. La
mayoría de la gente siente que estos son intrínsecamente más
brillante que, por ejemplo, azules, que tendemos a asociar con
agua, frescor y luz tenue. Una prueba más es la enorme
variedad en la traducción de matices en tonos cuando se utiliza
uno de los diversos métodos de procesamiento de software que
mezcla los canales (como se demuestra lo contrario, y vamos a
ver en mucho más detalle en el capítulo 3).

Tome esta distancia, y la escala de tonos simplifica

drásticamente. Lo que esto permite una concentración
más claro, más puro en las sutilezas de transición entre
tonos de gris. Inmediatamente, como era de esperar, diferentes áreas de la escala. Es posible, por ejemplo, querer

esto da gran importancia a la suavidad de gradientes delicadeza en los tonos medios superiores en particular, o muy

tonales, como en un cielo claro. Desnivel, y en particular finamente sintonizados toques de detalle en las zonas de sombras

de bandas, que es aún más evidente con ningún color profundas. Todo esto conduce naturalmente a diferentes

para distraer la atención. gradientes suaves largas interpretaciones de tono que, como veremos en unas pocas páginas,

muestran la eficacia del sensor, y hacer de 16 bits por tiene una gama más amplia de resultados aceptables en blanco y

canal procesar una prioridad. negro que en color.

Mencioné la mezcla en la conversión monocromo

software de canal, lo que lo haría como parte de su
En un nivel más subjetivo, hay espacio extra para procesamiento en bruto (siempre que se disparó Raw),
jugar con transiciones tonales en
 En blanco y negro

LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO

rojos: 99%

amarillos: 99%

Verduras: 40%

Cianes: - 193%

Blues: - 48%

magentas: 80%

49

monocromo digital
desaturados

En color, esta imagen de la fundición

de oro subraya claramente la
intensidad de las llamas, mientras que
una desaturación recta (arriba) pierde
el impacto completo. La recuperación
de la distinción tonal (derecha) implica
el funcionamiento de los deslizadores
de ajuste de tono para oscurecer traje
de protección del hombre y dar brillo a
las llamas de color naranja.

Las opciones creativas

pero que también se puede realizar en TIFF. Esto, por

supuesto, añade otra dimensión muy grande para el
control de matiz tonal. Esto hace que sea posible lograr
casi cualquier distribución concebible de tonos, con casi
demasiado elección. Se exige ciertamente una idea
clara de lo que quiere lograr, a ser posible antes de
comenzar el proceso.
 Forma y Volumen

F
Nos ocuparemos de la textura en las siguientes
ORM
parte yimportante
el volumen
entanto juegan un
la revelación de uno al otro, con páginas, pero para muchos fotógrafos blanco y negro,
la llave de la textura a la comprensión del espectador de esta masificación que utiliza brillo es la principal
la imagen. preocupación en la técnica. Eliot Porter, que se inició
En su clásica Una historia sucinta de la en blanco y negro, pero hizo su reputación en color,
Fotografía, Helmut y Alison Gernsheim poner el tema fue muy claro cuando escribió que, “al fotografiar
de la forma y la forma sucinta cuando escribieron “En objetos como rocas, el enfoque es completamente
blanco y negro de la masificación de la luz y la diferente, ya que en blanco y negro que se ve las
sombra y la reproducción de la textura son de la formas mucho más de lo hacer en el color “.
mayor importancia”, haciendo la comparación con la
50 fotografía en color.

WENTLETRAP PRECIOUS

Con una iluminación difusa desde la izquierda y un reflector

a la derecha, en contra de terciopelo negro, la configuración,

la iluminación, y el procesamiento de esta naturaleza muerta

de un wentletrap preciosos se han elegido principalmente

con el fin de enfatizar el volumen de la carcasa, de manera

que podemos sentir su tridimensionalidad y delicadeza.

ESTATUA DE BRONCE

Opuesto: La iluminación lateral, un toque de iluminación

secundaria por detrás y la izquierda, y un tratamiento de bajo

perfil se combinan para subrayar la forma de esta antigua

estatua de bronce jemer.

 monocromo digital Las opciones creativas
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
51
 Textura
T
exture
escalar,esloestructura y forma
que significa en una
pequeño pequeñacon la vista.
en relación
Y, debido a una textura es, por definición, algo que es
razonablemente consistente sobre un área sustancial de una
superficie, por lo general es una estructura repetitiva.
Una pared de guijarros y trazos, para dar un ejemplo,
tiene una consistencia particular de la rugosidad y el
espaciamiento. La razón por la textura se vuelve más
prominente de una calidad, maleable en blanco y negro que
52 en color es, como ya hemos visto de forma y color forma la
eliminación de la ecuación hace que la presentación de la
textura de un puro ejercicio de modulación tonal.
La forma más sencilla de tratar la textura en una
fotografía es en cuanto a su fuerza, y casi cualquier textura
alivio parece más fuerte bajo una luz de fuente puntual que
proyecta duro
sombras, y, en particular, bajo luz rasante desde un
ángulo bajo. Sin embargo, esto no es sólo simple pero
bastante simplista. Hay una infinita variedad de texturas,
incluyendo brillos suaves y brillos metálicos, y la clave
para manejar la textura es conectarlo al objeto cuya
superficie se cubre y lo que se quiere decir al respecto
en la imagen. Si, por ejemplo, un jarrón de cerámica o
recipiente tiene un pronunciado y textura arenosa,
¿cuánto quiere subrayar este aspecto en lugar del
volumen? Es casi seguro que habrá que llegar a un
compromiso. Este tipo de posibilidades y decisiones son
infinitas, y sin duda hay ninguna cuestión de la
justificación. El lugar le da a la textura de una imagen es
totalmente su decisión en todo lo que tiene el control de
la iluminación, que, en última instancia, revela la textura.
TIRANTES
Otra técnica de iluminación que revela
la textura es esto: una gran luz difusa,
espacio dirigido desde el frente de la
cámara, pero fuera del marco. Este
método se iluminó toda la losa de
piedra sobre la que se colocan estos
viejos aparatos ortopédicos, mientras
que muestra su textura.
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
53

monocromo digital
BADRUTTS

La textura metálica de un membrete en relieve en plata

llamada para una variedad de luz que incide sobre él

Las opciones creativas

para transmitir su textura. La solución fue un centro de

atención dirigida a través de una copa de vino vacía a

tirar cáusticos sobre el primer plano, más fuerte de

relleno de un reflector a la derecha.

BADRUTTS CUBIERTOS

platería hotel en primer plano. La textura, en este caso, incluye las letras y un símbolo que es
necesario leer con claridad. La respuesta es un área de luz, pero no tan grande que su reflejo
inunda toda la curva del metal.
 Interpretación
O
ne tema
libro recurrente
es que enyeste
en blanco negro, al ser
distanciado de lo que tomamos a través de
nuestros ojos, permite una manipulación más
extrema sin violar ninguna norma de
aceptabilidad.
Permítanme ampliar esto un poco. La fotografía en
color, a pesar de venir a finales del siglo XX en el mundo
fotográfico, lleva consigo, de forma automática, la presunción
de estar cerca de la realidad. Se espera que en la mayoría de
54 los casos. O más bien, es incuestionable. Hacer grandes
alteraciones una imagen en color a, como los cambios de
tono, cambios selectivos, y que definitivamente se verá como
alteraciones. Los ajustes en el mismo nivel de intrusión en
blanco y negro, sin embargo, no se otorgan mucha más
libertad por la mayoría de los espectadores.
Vamos a llegar a la gran escala
posibilidades más adelante, en el capítulo 2 cuando nos fijamos
en el procesamiento, pero por ahora vamos a limitarnos a tres
movimientos que son básicas y comunes a ambos color y
monocromo. Estos son la compresión de tono, el brillo y el
contraste global. El argumento es que se puede empujar a
cada uno de estos aceptablemente en un grado más
extremo en blanco y negro que en color. Ningún juicio aquí
son subjetivos, por supuesto
- una cuestión de gusto, por lo que es tal vez mejor que no
estoy aquí didáctica. Es mejor dejar que los ejemplos hablan
por sí mismos. compresión Tonal significa recortes en uno o
ambos extremos de la escala, que es generalmente más
aceptable para las sombras a causa de la larga tradición
fotográfica de la silueta; mucho menos para los más
destacados. Aun así, puede funcionar perfectamente bien
para una imagen en blanco y negro. La alteración de brillo es
básicamente un cambio de clave (entre highkey y de bajo
perfil), que se explora en detalle más adelante. contraste local
afecta a toda la imagen, mientras que los extremos de la
escala permanecen fijos, y tradicionalmente se alteró
mediante la aplicación de ya sea una curva S clásico o un
S-curva inversa.
ETAPAS DE INTERPRETACIÓN
La creación de la imagen en blanco y negro perfecto puede implicar una serie
de etapas, incluyendo -como aquí- el uso de máscaras para apuntar a áreas
específicas para diferentes tratamientos tonal.
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
dhobi WALLAH desaturados

El original en color, de paños amarillos que se secan en las orillas del A desaturación recta, puramente por referencia. Todo el sentido de contraste

Ganges en Varanasi. en los paños se ha perdido.

55

monocromo digital
BLACK & WHITE AJUSTES 1 En blanco y negro

Uso del ajuste del tono, mi objetivo para un contraste que tendrá la luz y la oscuridad paños río; criando amarillos y
rojos: 45%

verdes, bajando blues y cian. Esto sin duda logra contraste, pero viñetas que estaba presente es exagerada.
amarillos: 125%

Además, tanto los aspectos más destacados de tela y las sombras oscuras en la mitad superior necesitan templado.
Verduras: 294%

Cianes: - 79%

Blues: - 198%

magentas: 80%

Las opciones creativas

 Viñeta

Cantidad + 25
oscurecer encendedor

56
Punto medio + 79

BLACK & WHITE 2 AJUSTES

Uso de la corrección de lente en Photoshop, el viñeteado, más

prominente en las esquinas superiores, se reduce.

BLACK & WHITE AJUSTES 3

Para oscurecer el plano global al tiempo que aumenta su

contraste, una máscara se pinta más o menos sobre esta

zona con un gran cepillo suave. A continuación se aplica la

curva mostrada aquí. Algunos oscurecimiento no deseado se

ha producido en la izquierda y la derecha a causa de

imprecisión de la máscara. Estos fueron restaurados con el Pincel de historia.

 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
57

monocromo digital
BLACK & WHITE AJUSTES 4

El siguiente paso es aumentar el contraste en el río, con sus barcos, para conseguir una sensación arenosa. La zona de río

se selecciona por la pintura máscara como anteriormente, dejando intencionadamente un hueco en el medio de los barcos

en el lado derecho, que ya son muy oscuro. Se aplica un fuerte con contraste creación de S-curva. Ahora, algunos

desniveles a través del agua se ha colado en, dejando las esquinas superiores izquierda y derecha de la imagen demasiado

oscura.

Las opciones creativas

BLACK & WHITE AJUSTES 5

Para aclarar las esquinas, son máscara pintada, y

luego aplicar una curva. Tenga en cuenta que sólo la

parte superior de la gama se aligera-las sombras

oscuras se mantienen en su lugar. Esta es la imagen

con claridad definitiva sólo una interpretación de

varias posibles.
 LÍMITES DE COLOR

Lo que hemos hecho anteriormente

en blanco y negro es hacer ajustes

fuertes, incluso extrema, a la

imagen como tiro. Ahora quiero

mostrar los límites de regulación si

tuviéramos que trabajar en color.

la viveza

la viveza + 100

Saturación 0

VALORES DE COLOR 1 LOS VALORES DE COLOR 2

58
Estos límites son mucho más estrictos. En primer lugar, vamos a aplicar el 100% Abajo: Si, en cambio, decidimos cambiar todos los matices, hay aún menos

Intensidad (que es, por su diseño, menos extremo que el mismo aumento de latitud. Aquí el 15%, lo que es muy poco, es lo más lejos que podemos ir

saturación sería). Incluso entonces el resultado ya ha ido más allá de lo que la y aún así mantener cierta apariencia de naturalismo.

mayoría de la gente consideraría razonable.

Matiz: + 15

Saturación: 0

Ligereza: 0
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
VALORES DE COLOR 3
59
Por último, vamos a ver qué tan fuerte es un filtro estándar podemos aplicar y todavía parece natural.

monocromo digital
Se trata de un filtro de calentamiento básico, y la luz nublados podría sugerirlo. Pero aplicado al 50%

tenemos un efecto bastante diferente, casi como un color blanco y negro! La lección de estos tres Filtro de foto

experimentos de color claro-blanco y negro se presta a mayores extremos de interpretación de Filtro cálido (85)

procesamiento que hace el color. Color:

Densidad: 50%

✓ Preservar filtro Luminosidad:

Las opciones creativas

 Cualidades de cine
T el tiempo suficiente para ser una parte
que en particular aspecto de la película ha sido
establecida de nuestra comprensión cultural de
la imagen, incluso si ya no está presente en
muchas de las imágenes que se nos presenta
es. Que entrañan ciertas expectativas de verdad.
Cada medio agrega sus propias cualidades internas a
una imagen, ya sea pintura al óleo, carboncillo, acuarela, o
60 película. Y para la fotografía, emulsiones, tanto de cine como
de papel, que han dominado durante tanto tiempo que sus
características particulares están incrustadas en su idioma.
Considere la historia de emulsiones blanco y negro. A lo largo
de finales del siglo XIX y gran parte del siglo XX, las
emulsiones de película monocromático muchos fueron
inventados, cada una con una calidad diferente, variando por
una mezcla de grano y la textura, el contraste, la estructura
tonal, y otras cosas que era difícil de precisar abajo, pero sin
embargo la mayoría de ellos hecho identificable.
Grado de aspereza en la película es causada por la
formación de grumos partículas de plata. De hecho, cuando la
gente habla de grano en las películas, por lo general significa
estructuras mucho más grandes, como los granos individuales son
normalmente imposibles de ver a distancias normales de
observación. Esto se remonta a la estructura de una emulsión, en
la que los cristales de haluro de plata se suspenden en una matriz.
Reaccionan latente (no significa en el punto de exposición) a la luz
que cae sobre la película, y el procesamiento convierte estos
cristales expuestos en plata negro. Que, saltándose los detalles,
es la esencia. El haluro de plata es el ingrediente activo en la
película, en forma de una masa de cristales
Sensible a la luz Gelatina
cristales
Resistente a los arañazos
revestimiento
Adhesivo
Acetato de celulosa
base Adhesivo respaldo antihalo
ESTRUCTURA DE PELÍCULA
En una película en blanco y negro típico, la emulsión es una capa de gelatina
en la que están incrustados los cristales sensibles a la luz de bromuro de
plata. Esto se apoya en una base estable dura, por lo general acetato de
celulosa. Un revestimiento scratchresistant protege la emulsión y una capa
antihalo evita que la luz parásita de ser reflejada de vuelta en la emulsión
desde abajo.
distribuido lo más uniformemente posible en la capa de
gelatina que conforma el cuerpo de una emulsión. El tamaño y
la distribución de estos cristales, también conocido
comúnmente como granos, varía de acuerdo con el tipo de
película, pero en una emulsión promedio cada uno mide
alrededor de 1 / 1.000 mm de ancho. Los componentes de
plata y de haluro se mantienen juntas en una disposición de
enrejado por enlaces eléctricos; cuando los fotones golpean,
alteran el status quo eléctrica mediante la adición de energía al
cristal.
Una de las cualidades especiales de la película, perdido en los
sensores digitales, es que responde a

JUZGAR NEGATIVO luego imprimir
la impresión en blanco y negro a partir de negativos exigió experiencia
para ser capaz de “ver” la imagen negativa de su tonalidad invertida.
el brillo de una manera que es bastante similar a la del ojo
humano. Básicamente, se puede manejar una amplia gama de
brillo (rango dinámico, en otras palabras) mediante la compresión
de su respuesta. Dicho de manera más práctica, esto significa que
a medida que más luz incide sobre la película, la emulsión
responde más lentamente.
La mayoría de las mejoras y alteraciones que los
fabricantes de película utilizada para hacer a sus
productos tenía que ver con el tamaño y forma de estos
granos, y el modo en el que están suspendidas en la
emulsión. Para hacer una película más sensible a la luz,
una mayor área de cada
LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
61
monocromo digital
grano afectado necesita ser expuesta. Tradicionalmente,
esto se hizo mediante el uso de granos más grandes, pero
un desarrollo más moderno es el uso de granos que son
más planas en lugar de bultos; si ponen-lado plano hacia la
luz, el efecto es mayor sensibilidad sin más volumen de
haluro de plata. Película con más grande, o más planos,
granos reacciona más rápidamente a la luz y por lo tanto
Las opciones creativas
es “más rápido”. Sin embargo, el precio que hay que pagar
para este aumento de la velocidad de la película es una
imagen más grueso, más aún con gran grano que con Flat-
tecnología de grano. El aumento de la granularidad da
lugar a una apariencia granulada, que en las películas muy
rápido o con gran ampliación rompe en realidad la imagen
en una textura moteada pronunciada. Para maximizar la
calidad de la imagen, los fabricantes de película que se
desarrolla granos más pequeños en una
62
emulsión más fina, a fin de reducir los reflejos internos que
degradan la imagen en una capa gruesa de gelificación.
Este tipo de emulsión tiene una apariencia de grano fino,
pero reacciona menos bien a la luz y es por lo tanto
“lento”. La mejora de la sensibilidad de los granos planos
también se utiliza en combinación con los granos cúbicos
para emulsiones de grano fino que pueden producir
imágenes excepcionalmente agudos. Una distribución
uniforme de los cristales y una estructura interna bien
contribuyen a esto.
El resultado neto de todo este esfuerzo es que las
diferentes emulsiones de película tienen diferentes estilos de
granulación, y muchos fotógrafos que están aferrados a la
película se sienten capaces de discriminar entre marcas. ¿Qué
tan real es esta materia a menos de que los fotógrafos de
película sin duda utilizados para
CULMINANTE ROLL-OFF
Incluso disparando directamente a un sol brillante en un día claro, la película
maneja el contraste excesivo bastante suavemente en los aspectos más
destacados. Los tonos salen de forma gradual hacia el sólido blanco del sol, sin
bandas obvia.
favorecer la estructura de grano de ciertas películas, y en
general aprendido a apreciar esta cualidad. de Kodak Tri-X
fue siempre bien considerado para esto. Filosóficamente, se
podría argumentar que a pesar de que los fabricantes de
películas siempre han tratado de minimizar la aparición de
granos, sigue siendo estructuralmente una parte del
proceso y de la imagen, y por lo tanto debe ser aceptado, e
incluso ser querido, por esa razón. Es cierto que existen
muchos ejemplos en los fotógrafos blancos y negros de
enfatizar y utilizando esta calidad.
 LA TRADICIÓN EN BLANCO Y NEGRO
63

monocromo digital
AVES

George Krause, 1965. Esta es una fotografía que se basa en gran medida en que revela el grano con el fin de crear lo

que el fotógrafo llamadas “una imagen que sugiere un dibujo puntillista de Seurat o un aguatinta calcográfica.” Con este

fin exageró el efecto mediante la aplicación posterior de Victor intensificador de mercurio. Krause, una impresora de

renombre, así como fotógrafo, ya que se ha movido felizmente a blanco y negro digital.

Las opciones creativas

TRI-X

Tri-X en magnificación muestra la

estructura de grano distinto y

definido apreciado y disfrutado por

muchos fotógrafos de película.