Guitarist Peda 68

2 CD
AUDIO
BONUS
VIDEO
J.HENDRIX - J. PAGE - K. RICHARDS - ACDC - EAGLES - B. MARLEY - C. BERRY - BB. KING - B. GIBBONS
G. BENSON - PRINCE - D.BOWIE - QUEEN - TELEPHONE - C. SANTANA - M. KNOPFLER - G. MOORE - D. GILMOUR
ROLLING STONES - B. DYLAN - ZZ TOP - THE POLICE - METALLICA - THE WHO - TOTO - LED ZEPPELIN
SCORPIONS - DIRE STRAITS - BEATLES - M. STERN - AEROSMITH - E. VAN HALEN - SR. VAUGHAN - SLASH
J. SATRIANI - THE EDGE - K. COBAIN - E. CLAPTON - D. DARRELL - J. PETRUCCI - SHADOWS - D. REINHARDT...
ISSN : 1167-7880
SOMMAIRE CD1
4. À la manière de “Nuages” 1&2 29. À la manière de “Palm Trees (Love Guitar)” 51 & 52
5. À la manière de “Rock Around The Clock” 3&4 30. À la manière de “Another Brick In The Wall” 53 & 54
6. À la manière de “Johnny B. Goode” 5&6 31. À la manière de “Comfortably Numbs” 55 & 56
7. À la manière de ”The Wind Cries Mary” 7&8 32. À la manière de “Highway To Hell” 57 & 58
8. À la manière de “Sympathy For The Devil” 9 & 10 33. À la manière de “Mr. Crowley” 59 & 60
9. À la manière de “All Along The Watchtower” 11 & 12 34. À la manière de “Fat Time” 61 & 62
10. À la manière de “Whole Lotta Love” 13 & 14 35. À la manière de “Beat It” 63 & 64
11. À la manière de “Let It Be” 15 & 16 36. À la manière de “Pride And Joy” 65 & 66
12. À la manière de “The Thrill Is Gone” 17 & 18 37. À la manière de “Black Star” 67 & 68
13. À la manière de “Stairway To Heaven” 19 & 20 38. À la manière de “Purple Rain” 69 & 70
14. À la manière de “Statesboro Blues” 21 & 22 39. À la manière de “Fade To Black” 71 & 72
15. À la manière de “Highway Star” 23 & 24 40. À la manière de “Still Loving You” 73 & 74
16. À la manière de “La Grange” 25 & 26 41. À la manière de “Sweet Child O’ Mine” 75 & 76
17. À la manière de “Free Bird” 27 & 28 42. À la manière de “Always With Me, Always With You” 77 & 78
18. À la manière de “Take Five” 29 & 30 43. À la manière de “Talk To Your Daughter” 79 & 81
19. À la manière de “Tattoo'd Lady” 31 & 32 44. À la manière de “Cliffs Of Dover” 81 & 82
20. À la manière de “Bohemian Rhapsody” 33 & 34 45. À la manière de “The Fly” 83 & 84
21. À la manière de “Cause We've Ended As Lovers” 35 & 36 46. À la manière de “Smells Like Teen Spirit” 85 & 86
22. À la manière de “Hotel California” 37 & 38 47. À la manière de “Daddy, Brother, Lover, Little Boy” 87 & 88
23. À la manière de “Europa” 39 & 40 48. À la manière de “Layla” 89 & 90
24. À la manière de “Kid Charlemagne” 41 & 42 49. À la manière de “Walk” 91 & 92
25. À la manière de “Sultans Of Swing” 43 & 44 50. À la manière de “Another Day” 93 & 94
26. À la manière de “Like A Hurricane” 45 & 46 51. À la manière de “Rest In Peace” 95 & 96
27. À la manière de “Fly By Night” 47 & 48 52. À la manière de “Killing In The Name” 97 & 98
28. À la manière de “Parisienne Walkways” 49 & 50 53. À la manière de “Paranoid Android” 99
Directeur de la publication : Georges Fonseca

Directrice de la rédaction : Valérie Duchâteau
Création et réalisation maquette : Guillaume Lajarige (galerija@wanadoo.fr)
Ont participé à ce numéro : François Hubrecht, Eric Lorcey, Arnaud Leprêtre, Sylvestre Planchais, Olivier Pierrot, Thibault Hennart & Stéphane Boget
Photo couverture : © DR
Chef de publicité: Sophie Folgoas - sophie.folgoas@guitarpartmag.com – 06 62 32 75 01
Guitarist Pédago est une publication trimestrielle éditée par la SARL La Rosace au capital de 1 000 euros. RCS Chantilly : 830 643 797 00012. ISSN : 1167-788 / N°68 Mai 2019.
Siège social: 2, Chemin rural du Moulin à Vent - 60390 Berneuil-en-Bray - Tél. 06 03 62 36 76 (acoustic@editions-dv.com)
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La rédaction n’est pas responsable des textes, dessins et photographies qui n’engagent que la seule responsabilité de leurs auteurs.
Les documents ne sont pas rendus et leur envoi indique l’accord de leurs auteurs pour leur libre publication.
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© 2019 by Editions La Rosace.
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"Nuages"
Django Reinhardt
Le titre le plus connu de Django Reinhardt est un chef-d'œuvre dans sa conception déjà, ne serait-ce que dans le
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feeling qu'expose la mélodie du thème : regarder passer les nuages dans le ciel, que ce soit d'une roulotte, d'une
chambre d'hôtel ou du hublot d'un avion. La suite d'accords et les cascades de notes des chorus joués sur la Macaferri de Django
tiennent du génie. Un grand moment de pure inspiration datant de la période avec le quintette du Hot Club de France mais sans Stéphane
Grappelli, resté en Angleterre après le début de la seconde guerre mondiale, alors que Django avait choisi de revenir en France.
Pourtant la toute première version resta inédite. Enregistré en même temps que "Rythme Futur" le 1er octobre 1940 avec le quintette
: Django & Joseph Reinhardt (guitares), Hubert Rostaing (clarinette), Francis Luca (basse) et Pierre Fouad (batterie), ce "Nuages" ne
fut pas édité. Il fallut attendre le vendredi 13 décembre 1940 pour atteindre la version définitive, Alix Combelle (clarinette) et Tony
Rovira (basse) étant ajoutés au quintette. Séance d'un grand niveau de créativité puisque Django enregistra aussi "Swing 41" et le bien
titré "Vendredi 13". Mais "Nuages" restera son chef-d'œuvre inoubliable, joué incessamment sur scène et réenregistré plusieurs
fois par la suite en 1950, 51 et finalement sur une guitare électrique en 1953.
5 - - 2 5 3 2 - -
réglages d’ampli
Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
Volume Canal II Drive
Pour en venir à ce passage de solo, ici l’inventivité mélodique du phrasé de Django repose sur un vocabulaire simple, des notes approchées chromatiquement, des ar-
pèges diminués et des arpèges mineurs. Mesure 1 : plan construit sur la gamme mineure harmonique. Mesures 2 et 3 : arpèges diminués.
Mesure 1 : plan construit sur l’arpège de Bb Majeur. Mesure 2 : arpège de Bb enrichi d’une septième Majeure.
4
"(We’re Gonna)
Rock Around The Clock"
Danny Cedrone
Ce solo est la pierre angulaire du rock'n'roll, qu'un guitariste se doit d'apprendre et de citer, comme le font Jimmy Page, Jeff Beck,
Dave Edmunds ou Brian Setzer. Lorsque Bill Haley et son groupe entrent en studio au Pythian Temple, West 80th Street, New York
City, le 12 avril 1954, ils ont déjà une longue expérience de ce morceau qu'ils jouent depuis 1953 sous diverses formes. D'abord sous
le titre très semblable "Rock The Joint" (52), repiqué à Jimmy Preston & His Prestonians, puis dans cette version définitive reprise
à Jimmy DeKnight & His Knight Of Rhythm. Le guitariste Danny Cedrone est de Philadelphie, où il est bien connu pour ce solo qui porte
sa griffe et qu'il adapte aux chansons des artistes qu'il accompagne. C'est une construction d'une architecture musicale impeccable
qui commence en La par des modulations, puis des tirés de corde en Ré, une scansion rythmique en accords au retour en La, une
descente en cascade de notes sur le Mi (semblable à celle de "Guitar Boogie" de Arthur Smith & His Crackerjacks) et un riff de jazz
bien connu La-Do#-Ré-Mi-La pour la résolution sur la Les Paul de Danny Cedrone. C'est à la fois country, bluesy, jazzy, bref du pur
rock'n'roll. D'autant plus que le titre est enregistré en quinze minutes et deux prises à la fin de la session qui a été consacrée
presque entièrement à l'enregistrement de la face A, "Thirteen Women". Le single sort en mai 54, mais sera réédité en 1955 comme
thème du film “Blackboard Jungle”. Succès mondial à la clé. Malheureusement, Danny Cedrone est mort d'une crise cardiaque peu
de temps après l'enregistrement et sera remplacé par Francis "Franny" Beecher qui jouera ce solo pendant des années.
5 - - 3 5 6 4 3 -
réglages d’ampli
En effet, Danny Cedrone n’aura hélas pas pu profiter pleinement de son succès, la crise cardiaque l’ayant emporté avant. Amorçons l’hommage que nous lui rendons ici
par le son : Danny Cedrone s’arme d’une Gibson ES-300 équipée d’un micro P-90 et branchée sur un ampli Gibson BR1, pourvu d’un haut-parleur Jensen 12 pouces.
Ce solo est un petit concentré de dynamite, très énergique et particulièrement bien construit : court et performant ! Voyons ensemble ce premier passage : plan blues, ar-
pège de La Majeur et chromatismes.
La coda simple et efficace, un chromatisme descendant, une mesure à vide (très rare dans le rock), une gamme de La Majeur qui part sur la quinte, et un accord de La
septième pour clôturer.
5
"Johnny B. Goode"
Chuck Berry
Le break d'intro et le solo de "Johnny B. Goode" sont devenus des monuments, repris par Jimi Hendrix et littéralement des milliers
d'autres guitaristes. C'est le genre de riff que vous vous devez de connaître lorsque vous jammez avec d'autres musiciens. Chuck Berry
a toujours dit que pour ce break il s'était inspiré de Carl Hogan, guitariste de Louis Jordan & His Tympany Five. On le retrouve
d'ailleurs de façon embryonnaire dans "Brown Eyed Handsome Man" enregistré par Chuck en septembre 1956. Chuck fait une
première tentative le 30 décembre 1957 dans les studios Chess avec Willie Dixon à la contrebasse, Fred Below à la batterie et le pianiste
Lafayette Leake. Lorsque Leonard Chess entend le résultat, il est immédiatement accroché et restera pour diriger lui-même la
séance définitive en mars 58. Chuck ayant écrit cette chanson pour son pianiste Johnny Johnson, qui habite au croisement de
Goode Street et de l'Avenue B à St Louis, Missouri, il exige que ce dernier soit au piano. Après l'intro immortelle à la guitare, Chuck
Berry réitère avant le solo, puis se lance sur sa Gibson ES-350 T Short Scale dans une suite de tirés inspirés directement de T-Bone
Walker dont il est un admirateur depuis longtemps. Le résultat est l'un des grands moments du rock’n’roll. Chuck y reviendra souvent
dans l'intro de "Little Queenie" en octobre 58, puis avec "Let It Rock", "My Mustang Ford" et en de nombreuses autres occurrences.
Il a bien raison car, pour paraphraser John Lennon, s'il fallait désigner un solo qui représente le rock'n'roll, ce serait celui-ci.
- 3 6 5 6 4 2 3 -
réglages d’ampli
grille d’accords Clean

Volume
Gain Lead Master Lead
Canal II Drive
Bass Mid Treble Presence Reverb Master
Voici des phrases typiques de l’inventeur du rock, à jouer sur le micro grave de votre guitare.
Ci-dessous, dans la première mesure, vous trouvez des bends construits sur la gamme pentatonique mineure de La. L’artiste mélange ensuite cette gamme avec le
mode mixolydien de La, afin d’en tirer des phrases qui sentent bon le blues et le champ de coton.
Suite de tierces gagnantes en La7 ! Suivez le rythme qui donne toute son énergie à la rythmique tout en ponctuant le refrain comme le ferait un bon riff de cuivres.
6
"The Wind Cries Mary"
Jimi Hendrix
Le solo sur cette chanson écrite après une querelle avec Kathy Etchingham ("Jimi m'a reproché de ne pas faire la
bonus vidéo
cuisine", dit Kathy) est très représentatif du guitariste qu'était Hendrix début 67, alors qu'il sortait de cinq années
passées à accompagner les chanteurs de R&B de l'époque. La chanson a pour base un texte et une suite d'accords dylanesques mais
ils sont joués dans l'esprit du grand Curtis Mayfield & The Impressions. Enregistré au studio DeLane Lea le 11 janvier 1967, Jimi
commence le solo par des boucles d'accords et des montées mayfieldiennes avant de passer à un son plus claquant qui rappelle BB
King. La fin à tiroirs est particulièrement efficace, avec la répétition des accords Mi bémol - Mi - Fa et les réponses de Jimi en riffs
délicats. Le producteur Chas Chandler disait que "Noel Redding, Mitch Mitchell et moi n'avions jamais entendu ce morceau avant que
Jimi ne nous le montre dans le studio. Nous l'avons enregistré en vingt minutes…" Bien qu'il semble évident que beaucoup plus de
temps ait été passé en post-production, "The Wind Cries Mary" est l'une des premières réussites mémorables de Jimi Hendrix.
8 - - 7 6 6 2 3 5
réglages d’ampli
grille d’accords
Voici une grille assez intéressante, car construite sur une suite d'accords Majeurs. La tonalité centrale est Fa Majeur mais le Mi bémol crée une ambiguïté. La seconde
partie du solo module sur chaque accord. Ce solo, simple en apparence, est très mélodique. La maîtrise de Jimi du jeu en doubles-stops et son groove inimitable lui don-
nent sa saveur exceptionnelle.
Ampli à lampe, son clair, Stratocaster micro manche.
Cette première phrase est jouée sur la gamme de Fa Majeur, avec doubles-stops et hammer-on.
Pour ce second exemple, on retrouve le jeu en doubles-stops autour des accords, pour conclure avec une phrase bluesy sur le Ré bémol (notez la gamme mineure pen-
tatonique sur un accord Majeur).
7
"Sympathy For The Devil"
Keith Richards
Enregistré en mai 68 dans les studios d'enregistrement Olympic, situés à l'ouest de Londres, l'album “Beggars Banquet” est l'un
des meilleurs opus des Rolling Stones. A l'époque, Brian Jones n'est pas au mieux de sa forme, défoncé du matin au soir il commence
à mettre sur les nerfs la doublette magique Jagger/Richards. Quand Brian décide de démarrer les premières prises de son de
“Sympathy For The Devil”, il n'est plus du tout opérationnel. Capté par l'excellent Jimmy Miller aux manettes, secondé par Glyn
Jones, le morceau a du mal à prendre forme. Entre deux séances, Richards se confiait à Miller : “Cette chanson, on a essayé de la prendre
par tous les bouts, je ne sais pas comment faire...” Un soir de pleine lune, ils décident de s'y remettre. Nicky Hopkins est au piano,
Bill Wyman aux maracas et Keith à la basse. Peu à peu, “Sympathy For The Devil” se construit, Jagger habité par de bonnes vibrations
déroule ses textes embrasés comme si le diable lui bottait les fesses. Rapidement réchauffé par les flammes des backing vocals
“houhou”, Keith entre en piste et bichonne avec une précision chirurgicale un solo vif et implacable. Quelques années plus tard,
une rumeur affirmait que Clapton, sollicité pour pallier la méforme de Jones, serait en fait l'auteur du solo en question... En attendant,
plus de quarante ans après sa sortie, “Sympathy For The Devil” n'a toujours pas pris une ride.
- 4 5 5 5 4 4 4 -
réglages d’ampli

Volume
Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
Canal II Drive
Keith Richards est surtout connu et respecté pour ses riffs et sa "patte" dans son jeu en rythmique, mais durant la très longue carrière des Stones il a toutefois signé quelques
solos très sympas. Ce solo est tiré de la version studio de "Sympathy For The Devil" et nous sommes en tonalité de Mi mineur. Dans ce solo, notre ami joue une seule et
unique gamme, celle de Mi mineur pentatonique. La guitare qu'il utilisa en l’occurrence était probablement une Telecaster en position de micro lead, le son ressortant de
ce solo étant assez aigu et incisif. Son overdrive. Remarquez le peu de notes jouées dans cette phrase entrecoupée de silences. Keith Richards joue une première phrase
dans la mesure 1, qu'il répète ensuite dans la mesure 2 en changeant la dernière note, puis il conclut cette phrase avec une mélodie jouée sur les deux cordes de Si et Mi.
Cette phrase est très intéressante de par son aspect rythmique. Keith Richards tourne autour de quelques notes seulement, mais toute l'importance de cette phrase est
dans le rythme.
10
8
"All Along
The Watchtower"
Jimi Hendrix
Chanson étrange de Bob Dylan où l’on décèle un message annonciateur de l’apocalypse inspiré par l’Ancien Testament et le jeu de
tarot, “All Along The Watchtower” ne sera guère remarquée dans sa version originale, jusqu’à ce que Jimi Hendrix décide de la
reprendre à sa sauce. Déjà inconditionnel de Dylan, il découvre la chanson, et le reste de l’album “John Wesley Harding”, lors d’une
fête organisée par Paul McCartney fin 1967. Dès la première écoute il s’exclame : “Il faut que je rejoue cette chanson et que je l’en-
registre !” Ce qu’il fera à l’été 1968, au cours des séances de l’album “Electric Ladyland”. Le torrent de décibels et les longs solos
cosmiques qui contrastent avec l’ambiance dépouillée et acoustique de la version de Dylan donnent un tout autre éclairage aux
paroles. A tel point que Dylan lui-même est totalement emballé par ce titre, qu’il ne considérera dès lors plus tout à fait comme sa
chanson. Il expliquera que c’était comme un passage de témoin dans une course, Hendrix s’était approprié le morceau et, désormais,
lorsque Dylan rejouera la chanson (dès la tournée qui sera illustrée par le live “Before The Flood”, en 1974), toujours dans une forme
très électrique, ce sera presque comme s’il s’agissait d’une reprise de Jimi Hendrix. Dave Mason lui aussi reprendra régulièrement
le morceau avec un arrangement très similaire, mais lui avait le droit vu que c’est lui qui accompagne Jimi à la guitare acoustique
douze cordes et qu’il a passé son temps à rassurer le musicien, étrangement peu sûr de lui au moment de s’attaquer à du Dylan, lors
des séances. Ce sera le plus gros succès de Jimi Hendrix en single.
- 4 6 7 6 6 - 4 -
réglages d’ampli
grille d’accords Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
Positionnez votre sélecteur sur le micro manche de votre guitare (si possible simple-bobinage). Construits sur la gamme pentatonique de Do mineur, des bends d’un ton
en partant de la tonique sont effectués par le maître dans la troisième mesure. Il rejoint ainsi la neuvième de l’accord Cm7.
11
Notez le fait que le guitariste remplace la “blue note” de la gamme blues par son équivalent en bend (troisième mesure).
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9
"Whole Lotta Love"
Jimmy Page
Beaucoup de changements se produisirent dans Led Zeppelin après que leur premier album, avec le dirigeable en
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feu à Lakehurst sur la couverture, eut été classé n°10 aux USA et n°6 en Angleterre en avril 69. Tout d'abord Jimmy
Page décida avant les tournées d'été d'abandonner sa Fender Telecaster et ses amplis Fender Dual Showman pour adopter une
Gibson Les Paul et des stacks Marshall. Ensuite, le travail commença sur le second album pendant les tournées US et anglaises.
L'ingénieur du son était Eddie Kramer, technicien de Jimi Hendrix, Traffic et autres Illuminati du rock. Certains titres proviennent des
studios Olympic à Londres mais "Whole Lotta Love" fut enregistré à Los Angeles. La chanson est une reprise presque directe de "You
Need Love" écrite par Willie Dixon pour Muddy Waters et l'intro imparable est une relecture du riff de "Who's Been Talking ?" de
Howlin' Wolf sur son album “In London”, enregistré au début de l'année. Jimmy Page avait assisté aux séances. Mais le solo lui-
même ne doit rien à personne, sinon à John Bonham qui le lance avec un long rythme joué aux cymbales, coupé d'un double coup de
grosse caisse, qui voit entrer Jimmy Page sur un riff propulsé par un écho inversé et des cascades de notes. L'oscillateur theremin de
Page entre aussi en jeu. Le tout est mixé ensuite par Kramer à A&R Studios sur une console douze voies Altec. Les résultats ne se font
pas attendre, l'album “Led Zeppelin II” est n°1 aux USA et en Angleterre en novembre 69 et restera classé pendant 138 semaines…
- 7 4 5 5 4 4 4 -
réglages d’ampli
grille d’accords
Ce solo de Jimmy Page s'avère aussi fabuleux que celui de "Stairway To Heaven". Pour ce morceau, nous sommes en tonalité de Mi mineur et Jimmy Page joue princi-
palement la gamme mineure pentatonique de Mi. Guitare type Les Paul, micro lead, et son overdrive. Précisons aussi au niveau du son que la wah-wah est utilisée mais
sans l'actionner, en la laissant bloquée dans les aigus.
Ici il s'agit de la première phrase du solo. Jimmy Page commence dans un spectre relativement aigu en jouant une phrase très bluesy, puis il conclut cette phrase avec
une descente de gamme mineure pentatonique de Mi en début de manche.
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Magnifique phrase que nous joue ici Jimmy Page avec notamment le bending de deux tons présent en mesure 2. Nous sommes pour les mesures 2 et 3 dans le dernier
spectre aigu de la guitare.
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10
"Let It Be"
George Harrison
Tirée du dernier album éponyme du quartet de Liverpool, “Let It Be”, sortie en 1970, est une chanson dont la création remonte en réalité
au fameux “White Album”. Son sens a souvent été mal interprété. L’ambiance gospel de ce morceau, renforcée par l’orgue très
churchy de Billy Preston, pourrait laisser croire que McCartney y exprime un texte d’inspiration religieuse, d’autant plus qu’il prononce
distinctement les deux mots “Mother Mary”. Or, ce n’est pas de la Vierge Marie dont il parle, mais de sa propre mère, Mary, qu’il perdit
à l’âge de 14 ans. Une nuit, dans un rêve, il eut l’impression qu’elle revenait vers lui. C’est la vraie source d’inspiration de cette
ballade, qui à sa sortie resta en tête des charts anglais et américains pendant deux semaines. Le solo joué par George Harrison sur
ce titre, extrêmement lyrique mais très contrôlé, demeurera l’un de ses plus beaux. Il en existe deux versions, enregistrées à quatre
jours d’intervalle. L’une présente sur l’album, et l’autre qu’on entend sur la version éditée en 45 tours. Elles ont toutes les deux été
rajoutées a posteriori. George joue sur une Telecaster en palissandre qu’il adorait, faite spécialement pour lui par le luthier Phillip Kubicki.
Harrison obtient sa sonorité légèrement “tournoyante” avec un ampli Fender Twin Reverb 85 watts (Silverface) qu’il a couplé avec une
cabine Leslie 147 RV — sa marotte à l’époque —, qu’il abandonna ensuite. En 2004, “Let It Be” a été classée par le magazine Rolling
Stone comme faisant partie des 500 meilleures chansons de tous les temps. Harrison a largement contribué à cette récompense.
- 3 7 6 3 6 5 2 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Ce solo clé dans l’histoire des Beatles est construit sur la gamme pentatonique mineure de La (relative de la gamme pentatonique Majeure de Do). C'est un solo très mé-
lodique. Le son est crunch et plutôt aigu et respire l’ampli à lampes. Micro intermédiaire ou aigu.
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Il est intéressant de voir comment George change le rythme de la même cellule de notes dans la première mesure. La deuxième mesure vous permettra de vous entraî-
ner au “hold bend” qui signifie que vous devez tenir le bend en l’air pendant que vous jouez les autres notes.
16
11
"The Thrill Is Gone"
BB King
Riley "Blues Boy" King aborde l'enregistrement de son album “Completely Well” à la fin de l'année 1969. Il est sur la route avec son
groupe depuis 1951 et le succès de "Three O'Clock Blues". Son entourage d'une vingtaine de personnes, incluant les musiciens,
voyage avec lui. Mais depuis la seconde moitié des sixties, BB connaît des difficultés, le gouvernement lui réclame 85 000 dollars
d'impôts supplémentaires, son épouse Sue l'a quitté, ainsi que son manager Lou Zito, un ex-batteur. Pire encore, ce guitariste
infatigable n'arrive pas à trouver une nouvelle audience comme l'ont fait Albert King, John Lee Hooker et Muddy Waters. Pendant les
séances new-yorkaises de “Completely Well”, il cherche un blues qui exprimera sa frustration à travers Lucille, sa Gibson ES-355. Il
veut un titre à la fois blues et soul, un peu comme son récent "Don't Answer The Door" dont le succès lui a mis du baume au cœur.
Il se souvient alors d'une ballade blues des fifties de Roy Hawkins, qu'il a toujours gardée en mémoire, sans jamais trouver un
arrangement satisfaisant. Mais ce soir-là, dans le studio de Manhattan avec le producteur Bill Szymczyk (futur producteur des
Eagles), il indique les accords aux musiciens, prend sa Gibson branchée dans un ampli Roland Jazz Chorus et la laisse chanter à sa
place sur une longue intro avec un tempo soul funk, avant d'exprimer vocalement ses ennuis. A 3 h du matin, le titre est en boîte. Plus
tard, l'arrangeur Bert DeCoteaux rajoutera une section de cordes. Le succès de "The Thrill Is Gone" sera énorme, ouvrant les portes
du Top Ten à BB, qui va alors jouer dans les Fillmore, et en Europe pour le nouveau public qu'il recherchait, devenant l'ambassadeur
du blues qu'il est encore aujourd'hui.
4 - - 7 6 6 2 3 5
réglages d’ampli
grille d’accords Volume Canal II Drive
Dans ce blues mineur binaire en Si, on retrouve beaucoup des phrasés classiques du King avec son toucher magique et son feeling unique. Notez sur la grille l'accord de
Sol (neuvième mesure), construit sur le sixième degré mineur. La gamme utilisée pour ce solo est Si mineur blues, avec l'ajout du Do# (neuvième juste). Son clair, Gibson
ES-355 (Lucille) position intermédiaire, ampli Roland Jazz chorus.
Il vous faudra attaquer cette phrase d'intro avec un rake. Pas de difficulté, mais attention aux nuances.
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Cette deuxième phrase est jouée sur le passage sur le degré bVI. Notez le Do# qui apporte une couleur intéressante sur l'accord de Sol (quarte augmentée de l'accord).
18
12
"Stairway To Heaven"
Jimmy Page
Si ce morceau d’anthologie semble couler de source aujourd’hui, sa structure était des plus téméraires lorsqu’il a été enregistré en
décembre 1970. Même les Beatles n’auraient pas osé un collage aussi hétéroclite sur leur album “Abbey Road”. Il débute avec un arpège
acoustique sur lequel évolue une mélodie de claviers sonnant comme une flûte à bec dans un style proche du menuet baroque,
avec un rythme que le pauvre John Bonham fut incapable d’accompagner à la batterie malgré de nombreux essais. Et juste lorsque
l’on penserait que c’est une ballade idéale pour danser un slow langoureux, la guitare électrique fait une discrète apparition, toujours
en arpèges, avant que la batterie n’annonce que les choses ne seront pas aussi évidentes, d’abord sur un ton évoquant presque la
java, puis sur un break hard rock qui introduit l’un des solos les plus inspirés de l’histoire. Sa mélodie est si limpide que, lorsqu’il reprendra
“Stairway To Heaven” sur scène dans un arrangement reggae du meilleur goût, Frank Zappa chargera sa section de cuivres de
reproduire le solo note pour note. Sur scène, avec ou sans Led Zeppelin, Jimmy Page s’embarrassera beaucoup moins que lui en se
lançant dans de longues improvisations, sur sa Gibson SG double manche, très éloignées du solo original (enregistré avec une Les
Paul). Dans les années 80, avec The Firm, il jouera même le titre dans une version entièrement instrumentale.
- 6 5 6 5 5 5 4 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Nous nous attaquons ici à un des monuments de la guitare rock. Ce titre de Led Zeppelin est absolument fabuleux et le solo que joue Jimmy Page dans cette chanson
n'en est pas moins grandiose. Ce solo est joué en tonalité de La mineur et Jimmy Page nous livre de très belles phrases jouées en grande partie en gamme mineure penta-
tonique de La mais agrémentées par moments de notes supplémentaires provenant de la gamme mineure naturelle de La. Guitare Les Paul, micro lead, et son overdrive.
Les premières notes de ce solo donnent le frisson et nous emportent au paradis (Heaven !). Nous avons ici un phrasé bluesy rempli de subtilités diverses. Soignez bien
vos bendings et votre phrasé.
19
Jimmy Page joue dans ce passage un moulinet de toute beauté qu'il répète un bon nombre de fois en boucle. Attention à la mise en place rythmique.
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13
"Statesboro Blues"
Duane Allman
Lorsque le présentateur du Fillmore East annonce : “Les Allman Brothers !”, ce soir de mars 1971, il ne sait probablement pas qu’il
va donner au public l’occasion d’entendre l’un des plus beaux sons de bottleneck jamais sortis d’une guitare électrique. Le respon-
sable de cette apogée du blues : Duane Allman, alias SkyDog, qui rentre tête baissée dans cette reprise de Blind Willie McTell
comme s’il avait déjà deviné qu’il allait mourir six mois plus tard, dans un accident de moto. L’urgence avec laquelle Duane propulse
chaque note, sa façon de les triturer avec ce vibrato si généreux, la brillance qui jaillit de chacune de ses interventions pourraient faire
croire qu’il a effectivement senti comme une prémonition. D’ailleurs, la fausse note qu’il fait à la toute fin de son solo magistral fit
dire à Gregg, son frère, que c’était “la note de l’Enfer”. Accordé en open de Mi, sa petite bouteille de Coricidin (un médicament)
enfilée à son annulaire, tenant sa Les Paul SG comme une arme, Duane Allman, ce soir-là, est amplifié par une tête Marshall Super
Bass 50 watts, branchée sur un baffle 4 x 12. Le son qui sort de ses hp est taillé sur mesure pour célébrer la grand-messe du blues.
Clapton, avec lequel il enregistra “Layla” — la petite phrase en slide, c’est Duane —, disait du jeu de bottleneck de Duane Allman qu’il
avait complètement révolutionné le genre, en l’emmenant loin des plans usés utilisés par tous les précédents bluesmen. “Statesboro
Blues” arrive en tête de liste des morceaux de slide préférés de Derek Trucks, qui sait de quoi il parle.
- 8 6 6 7 5 - 4 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Si vous possédez une Les Paul SG, c’est le moment de la sortir de son étui. C’est également le moment de chausser votre bottleneck (en verre si possible). L’accordage
de la guitare est standard. Travaillez la justesse de vos notes, surtout dans les petits barrés (mesures 1 et 3).
Je joue sans médiator, avec les doigts de la main droite.
21
Vous trouvez dans la première mesure un plan célèbre du guitariste, réputé pour son jeu au bottleneck. N’oubliez pas qu’il est aussi dur d’étouffer les cordes que l’on ne
doit pas entendre que de jouer les notes elles-mêmes.
22
14
"Highway Star"
Ritchie Blackmore
Morceau d’ouverture de “Machine Head”, le plus populaire, à tort ou à raison, des albums de Deep Purple, “Highway
bonus vidéo
Star” doit beaucoup à son solo que même les guitaristes qui ont remplacé Blackmore (Tommy Bolin, Joe Satriani,
Steve Morse) se sentiront obligés de respecter quasiment à la note près, de peur de se faire conspuer par les fans. Contrairement
aux trois mousquetaires, Clapton, Page et Beck, par rapport auxquels il aurait bien mérité d’être traité en égal, Blackmore avait
surtout le tort d’être moins inspiré par le blues ou le rock’n’roll que par la musique classique. L’influence de Bach est particulièrement
évidente ici. A la version enregistrée au Grand Hôtel de Montreux, en Suisse, après le fameux incendie du Casino où le groupe devait
s’installer à l’origine, beaucoup préfèreront celle de l’album live historique “Made In Japan”, enregistrée en août 1972. Dream Theater
ne s’y est pas trompé en rejouant, 34 ans plus tard, tout l’album à l’identique, avec le fameux solo de “Highway Star” rejoué à la virgule
près, à Tokyo et Osaka, les deux villes où avait été enregistré “Made In Japan”, l’un des tout premiers albums live à avoir connu un
succès commercial.
- 7 5 6 4,5 6 5 - 3
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Concernant le son, je vous invite à utiliser la position chevalet du sélecteur de votre guitare (humbucker ou micro simple-bobinage) et à régler votre ampli pour avoir un
gros son crunch, à la limite du saturé. Pour ce premier passage, les trois premiers plans mélangent arpèges et bends. Le dernier plan utilise la technique du bend en dou-
bles-stops.
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Cette seconde phrase illustre le jeu néoclassique de maître Richie avec cette descente chromatique que l'on associera à une rythmique type "galop hard" (croche / 2
doubles-croches).
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15
"La Grange"
Billy Gibbons
En 1973, alors que ZZ Top n’a pas encore inventé son image macho de trio à forte pilosité, popularisée plus tard par ses clips, les Texans
accouchent de ce boogie diabolique, sur leur troisième album, “Tres Hombres”. Ce titre ultra percutant contient déjà la quintessence
des ingrédients sonores qui vont définir la popularité planétaire du groupe et de son leader. Un son bluesy jusqu’à la moelle, sorti de
guitares vintage — ici, une Strat de 1955, couplée à un Marshall préhistorique, un Super Lead 100 —, une voix cabossée de vieux routard,
une rythmique implacable, des harmoniques artificielles à foison, et peu de notes jouées mais les meilleures ! Inspiré par le “Boogie
Chillen” de John Lee Hooker, ce morceau tire son énergie de l’un des rythmes les plus efficaces de toute la musique afro-américaine.
Il reprend aussi une tradition sulfureuse des textes dédiés sans honte aux plaisirs tarifés. En effet, La Grange est le nom d’une
petite ville texane, qui existe réellement, dans laquelle se trouve une célèbre maison close où les filles sont paraît-il douées et très
accueillantes. A mots à peine voilés, Billy Gibbons y donne même le tarif pour consommer (“Ten to get it”), sans aller jusqu’à citer
le nom de l’endroit, qui existe aussi, et qui s’appelle The Chicken Ranch. Décidément très inspirant, ce haut lieu du plaisir a servi de
cadre au film “The Best Little Whorehouse In Texas”, sorti en 1982, dans lequel jouent Dolly Parton et Burt Reynolds. “La Grange” reste
à ce jour la chanson de ZZ Top qui a fait leur plus grand succès.
- 6 4 5 4 4 4 4 -
réglages d’ampli
Ah, cette chanson mythique de ZZ Top et sacré guitariste ce Billy Gibbons. Voici donc deux extraits de ce magnifique solo. Le morceau commence en tonalité de La mi-
neur mais module en Do mineur au moment du solo. Notre ami joue en grande partie la gamme mineure pentatonique de Do avec, comme à son habitude, un jeu inspiré
du blues.
Il s'agit ici de la toute première phrase du solo et Billy commence par un bending sur la corde de Si. Il joue ensuite une très belle phrase en descendant la gamme mi-
neure pentatonique de Do.
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Cette phrase fait intervenir une montée de gamme mineure pentatonique de Do en gamme brisée.
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16
"Free Bird"
Rossington & Collins
Au moment de son tout premier album en 1973, le groupe d'Alabama vient d'être découvert par Al Kooper. L'ex-organiste de Bob
Dylan recherchait de nouveaux talents pour son label Sound Of The South, distribué par MCA. Il voit le groupe au club Funocchio's à
Atlanta, Georgia, et est immédiatement emballé par les doubles lead-guitares de Gary Rossington & Allen Collins et leur cohésion
extraordinaire avec les vocaux de Ronnie Van Zant. Mais lorsqu'il les convoque en studio en novembre 73, le groupe vient d'engager
un troisième guitariste, Ed King, un ancien du groupe psychédélique Strawberry Alarm Clock et spécialiste du slide. Ils ont écrit un morceau
dédié à Duane Allman, dieu du slide, disparu l'année précédente dans un accident de moto. Al Kooper n'en croit pas ses oreilles :
"Free Bird" débute comme une ballade lente chantée soul music par Van Zant. Après trois ou quatre minutes le tempo s'accélère
progressivement et les trois guitaristes jouent chorus après chorus avec une interaction que peu d'autres groupes arriveront à
approcher par la suite. L'album, “Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd”, reçoit un Disque d'Or en 74, mais c'est au moment de sa sortie en
single en 75 que "Free Bird" devient le titre-phare du groupe et le favori éternel des radios US. Ed King sera remplacé par Steve Gaines,
qui disparaît en 77 avec sa sœur Cassie, Ronnie Van Zant et le manager Dean Kirkpatrick dans le crash de l'avion Convair 240 de Lynyrd
Skynyrd dans un marais du Mississippi. Etonnamment, le groupe survivra et rebondira, tournant encore aujourd'hui avec succès.
- 6 4 5 4 5 4 4 -
réglages d’ampli
Ce solo très sympa est rempli de jolies phrases et de moulinets. La tonalité est Sol Majeur mais précisons que le solo est joué en tonalité de Sol mineur avec notamment
l'utilisation de la gamme mineure pentatonique de Sol. Guitare type Les Paul, micro lead, et son overdrive.
Voyons d’abord cette phrase jouée dans les aigus et sur les deux cordes de Si et de Mi. Elle tourne autour de quelques notes seulement et est jouée avec beaucoup
d'énergie en raison du tempo rapide et de l'intensité de notes.
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Encore une phrase jouée avec une grande intensité de notes et beaucoup d'énergie. Nous avons ici un moulinet répété plusieurs fois.
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17
"Take Five"
George Benson
Premier titre du magistral “Bad Benson” (“bad” ayant ici le sens de “plus que bon”), sorti en 1974, “Take Five” est une reprise du fameux
morceau composé par Dave Brubeck, créé en 1959, qui n’a jamais cessé d’inspirer de nombreux musiciens aux styles très variés (Chet
Atkins, Quincy Jones, Al Jarreau). Entouré par une rythmique de rêve (Steve Gadd à la batterie, Ron Carter à la contrebasse, sans oublier
le fidèle et fabuleux Phil Upchurch à la guitare rythmique), Benson revient ici à ses fondamentaux : mixer son hallucinante vélocité
de jazzman, aiguisée comme un rasoir, avec son sens inné du funk, pour aboutir à son style unique, imprégné de Wes Montgomery
mais également nourri aux grooves torrides de Stevie Wonder et Donny Hathaway. Presque tout l’album est dans cette veine
instrumentale de niveau olympique, et rempli d’une énergie féroce et communicative. “Take Five” ressort comme l’un des sommets
de ce disque, sans oublier tout de même “Serbian Blue” et “Full Compass”. Sur ce balancement à cinq temps, le grand George laisse
éclater toute la subtilité de son phrasé et ses accélérations à couper le souffle. En l’écoutant, on sent qu’il s’investit à 2000 % dans
sa guitare, et qu’il est totalement débarrassé de ses aspirations de pop star. D’autant plus que son producteur, Creed Taylor, lui a interdit
de chanter ! Pour cet enregistrement, il utilise vraisemblablement un ampli Polytone et une Gibson (peut-être un modèle Johnny
Smith), car il a longtemps eu l’habitude de privilégier cette marque en studio, réservant l’usage de son modèle Ibanez aux concerts.
5 - - 4 5 6 4 3 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
J’ai choisi deux phrases qui représentent bien l’esprit bluesy du jeu de George Benson. Tout d’abord ici, première mesure : ce plan fait entendre une gamme de Eb mineur
pentatonique descendante. Deuxième mesure : Benson joue un plan construit sur la gamme blues et commence cette phrase avec la blue note (La bécarre).
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Première mesure : plan construit de nouveau sur la gamme blues avec une légère variante. Deuxième mesure : doubles notes jouées en tierce. George Benson a un tou-
cher puissant à la main droite mais léger à la main gauche, ce qui lui permet de jouer des traits rapides mais très “relax” pas faciles à reproduire, n’hésitez pas à jouer ces
plans lentement pour commencer.
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"Tattoo'd Lady /
Live Irish Tour '74"
Rory Gallagher
Le début de 1973 avait été un succès pour Rory Gallagher. L'album “Blueprint” s'était vendu aux USA, mieux qu'en Europe, et pendant
la tournée américaine qui suivit, Rory, Gerry McAvoy, Wilgar Campbell et Lou Martin eurent droit au traitement des stars : limousines,
hôtels de luxe, leur première partie en Caroline du Nord était ZZ Top, puis 10cc, Brian Auger & The Trinity, et même Chris Jagger. La
maison de disques réclamant la suite de “Blueprint”, Rory écrivit des chansons sur le thème de la route. Avec son penchant pour les
romans noirs et les pulp-stories, il composa un rock déchaîné traitant d'un personnage connu dans les cirques itinérants, la femme
aux tatouages, "Tattoo'd Lady". Les séances eurent lieu dans les studios Polydor de Londres, où Rory et Gerry installèrent leurs
nouveaux amplis Stramp, sortes de Marshall allemands améliorés. Pour "Tattoo'd Lady", Rory savait que la confiance du groupe était
importante, il leur donna les instructions de le suivre partout où il allait musicalement. Pendant le solo, il partit "dans une autre
dimension" d'après Gerry McAvoy. Rory aimait le style de vie des gypsies et c'est ce qui le guida dans une exploration mélangeant
blues et hard rock avec une efficacité rarement rencontrée. "Tattoo'd Lady" fut ensuite interprété aux USA fin 73 dans le show TV
“Midnight Special”. Grand succès, mais l'année suivante allait être encore meilleure avec le fabuleux “Irish Tour '74”...
- 4 5 7 6 7 2 2 -
réglages d’ampli
grille d’accords
Cette version live reprend quelques idées du solo original, avec l'énergie du live où Rory excellait. Il s'agit du premier solo. Les accords de la grille sont issus de la tonalité
de Mi Majeur, ce qui n'empêche pas Rory d'y jouer mixolydien (sous-entendant Mi7). Il y a une alternance de passages véloces et énergiques et de moments mélodiques.
Stratocaster (la Strat 71 de Rory) en position intermédiaire grave, son crunch, ampli à lampe (mélange Fender Tweed Twin, Vox AC30 avec pédale Dallas Arbiter Rangemaster).
Tout d’abord, voyons une phrase très véloce du début du solo, sur la gamme mixolydienne avec l'ajout de la tierce mineure (Sol). Notez les pull-off très rapides.
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Passage mélodique de la deuxième partie du solo, où Rory joue autour des accords avec encore beaucoup de hammers et de pull-off.
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19
"Bohemian Rhapsody"
Brian May
En 1975, Brian May, Freddie Mercury, John Deacon et Roger Taylor sont élus "groupe de l'année" au Royaume-Uni. Leur producteur
et ingénieur du son, le talentueux Roy Thomas Baker, commence à travailler avec eux sur un nouvel album, “A Night At The Opera”,
qui sera le successeur de “Sheer Heart Attack”. Six différents studios londoniens seront utilisés. Le premier produit de ces séances
en novembre 75 est un pastiche de musique classique long de sept minutes et intitulé "Bohemian Rhapsody". Freddie Mercury est
au piano et utilise une voix de chanteur d'opéra magnifiée par la production grandiose de Roy Thomas Baker, alors à son apogée de
producteur créatif. Brian May joue sur la guitare fabriquée par son père à partir du bois d'un manteau de cheminée ancienne et se branche
dans ses amplis Vox AC30. Pour augmenter encore le son sophistiqué de son solo, il attaque ses cordes avec une pièce de monnaie,
ce qui fait particulièrement ressortir les harmoniques de ses réponses au chant de Mercury. Initialement, la maison de disques
hésite à sortir un single de sept minutes, mais une copie est glissée au DJ Kenny Everett qui la joue en boucle sur Capital Radio et
à partir de décembre "Bohemian Rhapsody" est n°1 pendant neuf semaines consécutives, battant le record de "Diana" de Paul Anka
en 1957 ! Incidemment le film promotionnel que tourne à cette occasion le réalisateur Bruce Gowers lance l'utilisation des clips vidéo
qui va se généraliser.
- 4 5 4 5 5 6 3 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Brian May nous offre là un des solos les plus connus du rock. Nous sommes en Do mineur et ses phrases sont construites sur la gamme de Do mineur naturel. Travaillez
bien la justesse de vos bends pour pouvoir, mesure 2, sortir la bonne note sans qu'on en entende la montée. La descente de gamme, mesure 3, est assez délicate à pla-
cer rythmiquement. Reportez-vous au ralenti du cd et travaillez-la bien lentement.
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De même, la difficulté de la première mesure de ce deuxième passage est de passer des doubles-croches aux triolets de doubles, et de partir à chaque fois juste après le
temps fort. Soyez léger sur le niveau de gain pour garder un son assez clair et brillant. La guitare de Brian May est du "fait main", les siennes en l'occurrence ! Il vous sera
donc très difficile d'avoir le MEME son que lui. Toutefois, un micro simple-bobinage en position intermédiaire ou chevalet et un Vox AC30 feront l'affaire.
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"Cause We've
Ended As Lovers"
Jeff Beck
Lorsqu’en 1975 Jeff Beck sort “Blow By Blow”, son septième album, il est à un tournant de sa carrière, car c’est le premier opus qu’il
ose sortir sous son seul nom. A l’intérieur, se trouve “Cause We’ve Ended As Lovers”, qu’il dédie à un guitariste qui l’a inspiré, Roy
Buchanan. C’est l’un de ses plus beaux instrumentaux, qui va aussi devenir l’un des morceaux qu’il interprétera le plus sur scène, et
qui sera repris par de nombreux autres guitar-heroes (Lukather, Carlton, Ritenour…). Dans sa version originale, “Cause We’ve Ended
As Lovers” a été composé et produit par Stevie Wonder pour la chanteuse Syreeta, qui l’interprète sur le disque “Stevie Wonder
Presents Syreeta”, sorti en 1974. Indéniablement, le lyrisme naturel de Beck transcende cette composition jusqu’à la recréer. Sur ce
titre, il joue avec une guitare hybride créée pour lui par Seymour Duncan, la “TeleGib”, construite à partir d’une Telecaster équipée de
micros récupérés sur une Gibson Flying V. Ce suberbe instrumental est joué sans médiator, avec des effets “violon” obtenus
simplement à l’aide du bouton de volume de l’instrument.
8 - - 8 6 6 2 3 5
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Hommage à Roy Buchanan oblige, Jeff utilise ici sa fameuse Telecaster, avec ce son légèrement crunch (une légère touche de fuzz). Il actionne régulièrement son sélec-
teur de micro au cours de la chanson, et change aussi ses réglages de volume, obtenant ainsi toute une palette de sons. La grille du solo est proche de celle du couplet
sauf la quatrième mesure avec ce Sol Majeur 7, sur lequel Jeff n'hésite pas à jouer la septième mineure.
Pour ce premier passage, gamme mineure pentatonique de Do (mes. 1), puis mineure naturelle de Do (mes. 2 & 3) en se promenant sur le manche. Notez les tirés de Fa
à Fa# et de Si bémol à Si en mesure 4.
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Un bel exercice de tirés de note. Mesures 2 et 3, il faudra tirer le Fa d'un ton, puis le redescendre d'un demi-ton, pour le remonter d'un demi-ton et ainsi de suite…
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21
"Hotel California"
J. Walsh & D. Felder
Bien que trois des Eagles aient signé ce monument du folk rock américain (Don Felder, Don Henley, Glenn Frey),
bonus vidéo
c’est Don Felder qui est à l’origine de cette chanson. Il trouva la suite d’accords d’une traite, intro comprise, sur une
douze-cordes acoustique, alors qu’il flânait chez lui, en maillot de bain. Sentant qu’il tenait quelque chose de spécial, il enregistra le
tout sur une cassette TEAC à quatre pistes. Pour se caler, il s’aida juste d’une boîte à rythmes qui martelait un motif de cha-cha. A
l’origine, l’inspiration, quasi miraculeuse, lui vint dans la tonalité de Mi mineur. C’est Don Henley qui réussit à le convaincre de tout
rejouer en Si mineur, raison pour laquelle Felder utilisa sur scène sa spectaculaire SG Gibson double manche blanche, avec un capo
en septième case. Pour les fameux solos, Felder trouva aisément le sien, juste après avoir écrit les accords. Joe Walsh, emballé par
la maquette, en composa rapidement un autre, avec une Telecaster. Son style plus rock et plus nerveux, comme à son habitude, répondait
idéalement au chorus de Don Felder. Les deux Eagles passèrent ensuite un moment à mettre au point les fameuses parties
harmonisées à deux guitares, superbement complémentaires, qui allaient encore renforcer l’impact de ce succès gigantesque.
Après qu’“Hotel California” eut été finalisé en studio, Felder trouva que le morceau était… trop long pour être passé en radio ! Encore
aujourd’hui, il préfère la façon dont la chanson sonnait en Mi mineur.
- 6 4 6 5 5 4 4 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Ce magnifique solo est interprété par Joe Walsh et Don Felder qui s'échangent à tour de rôle de sublimes phrases mélodiques et très subtiles. La tonalité est Si mineur et
nos deux compères jouent dans ce solo les gammes mineure pentatonique et mineure naturelle, ainsi qu'à maintes reprises la gamme mineure harmonique faisant inter-
venir la note La# (septième Majeure de la gamme de Si mineur). A jouer de préférence avec une guitare type Les Paul, micro lead, et son overdrive.
Le premier passage que nous abordons correspond à la phrase d'intro du solo, jouée par Don Felder. Nous y retrouvons quelques subtilités, comme un bending d’un ton
et demi (mes. 1), ainsi que la septième Majeure de la tonalité faisant intervenir la gamme mineure harmonique de Si (mes. 2 et 3).
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Cette deuxième phrase est jouée par Joe Walsh et comporte aussi un bending d’un ton et demi (mesure 1), ainsi qu'un très beau passage en doubles-stops joué sur les
deux cordes de Si et Mi (mesure 2).
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"Europa"
Carlos Santana
Le titre complet de ce monument de Carlos Santana est “Europa (Earth's Cry Heaven's Smile)”. Avant de voir le jour, et de devenir l’un
des slows les plus connus dans le monde, la création de cet incontournable instrumental se fit en deux étapes. Une amorce de thème
vint à Santana en 1967, durant sa période psychédélique. Les premières notes lui furent inspirées par la mésaventure de l’un de ses
amis : une crise d’angoisse due à un abus de mescaline, un dangereux hallucinogène. La phrase d’introduction date de cette période.
Santana intitula cette ébauche “The Mushroom Lady's Coming To Town”. Plus tard, en 1975, alors qu’il s’échauffait avant un concert
avec Tom Coster, son organiste-arrangeur, Carlos eut la bonne idée de lui jouer ce thème sans suite. Avec l’aide de Coster, le morceau
trouva rapidement sa forme définitive. “Europa” était né ! A l’époque, Santana jouait sur une Yamaha SG 2000, dont le design s’inspirait
de la Gibson qu’il avait utilisée à Woodstock. Ce modèle, réalisé pour lui, était équipé de puissants humbuckers. L’association de
ses micros musclés et de ses amplis Boogie était parfaite pour que Santana obtienne en concert, notamment dans “Moonflower” (1976),
un sustain d’une durée exceptionnelle. Un ingrédient caractéristique de son jeu. Après avoir découvert qu’il pouvait rajouter à certaines
notes tenues un effet Larsen contrôlé, il érigea ce procédé en gimmick, qui devint très attendu par ses fans. Cela fit d’“Europa” le morceau
contenant la note la plus longue jamais jouée avec une guitare électrique, et transforma Santana en roi absolu du sustain.
- 8 5 6 7 4 - 5 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Positionnez le sélecteur de votre guitare sur le micro grave. Dans cette phrase, vous trouverez des notes qui sont chères à Carlos Santana : la tierce mineure et la neuvième.
Il développe une phrase construite en trilles sur ces notes. Pour plus de fluidité et de confort, j’ai décidé de les jouer avec le majeur et l’annulaire.
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Carlos, profondément influencé par la complexité rythmique des musiques mexicaine et cubaine, joue cette cellule de quatre notes en sextolets afin d’en briser la régula-
rité. La phrase est en Do mineur pentatonique. Vous pouvez jouer ce plan (bend et pull-off) avec trois doigts afin de le jouer au bon tempo.
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"Kid Charlemagne"
Larry Carlton
L’imagination de l’hydre à deux têtes Donald Fagen / Walter Becker, camouflée derrière l’étiquette Steely Dan, suit souvent des
chemins tortueux. “Kid Charlemagne”, sortie en 1976, est une chanson qui s’inspire de la vie hors normes d’Owsley Stanley, brièvement
sonorisateur du groupe Grateful Dead, mais surtout connu pour son activité illégale de fabricant de LSD. L’époustouflant solo de guitare
joué par Larry Carlton dans ce titre innove à plus d’un titre. C’est un exemple spectaculaire de ce que l’on commençait à peine à l’époque
à appeler du jazz fusion, mais aussi de la créativité apportée par un guitariste de studio, profession alors à son apogée. Techniquement
parlant, à la fin de son chorus, Larry utilise une technique encore rare dans les seventies : un tapping d’une seule note. Connus
pour leur maniaquerie, les deux compères du Dan découvrirent les sublimes capacités instrumentales de Carlton après avoir épuisé
tous les guitaristes de session disponibles à Los Angeles. Un bref essai suffit à le faire embaucher. Confiant dans son habileté
rythmique et harmonique, le duo lui laissa beaucoup de liberté pour improviser selon son envie. Le résultat est un mélange élaboré
d’énergie blues posée sur un groove funky, mixée avec des plans jazzy, et magnifiée par la sonorité hyper chantante d’une Gibson 335,
instrument fétiche de Carlton. Il obtient sa saturation avec un ampli Fender “tweed” Deluxe de 15 watts poussé à fond. A elle seule,
cette signature sonore incarne le son dit “californien”. Ce solo d’anthologie a obtenu la 80e place dans le palmarès des meilleures
chansons “à guitare” publié par le magazine Rolling Stone.
- 5 5 6 5 5 4 4 -
réglages d’ampli
Larry mérite bien le respect et l'engouement des guitaristes avec son jeu si subtil et si riche. Le solo commence en tonalité de La mineur, mais il comporte certaines mo-
dulations dues à la grille d'accords. Larry joue dans ce solo un bon nombre de triades et autres arpèges qui sont un peu sa marque de fabrique. A jouer avec une guitare
type hollowbody (Gibson 335) ou Les Paul, micro lead, et en son overdrive.
Nous avons en mesure 1 de ce premier passage un des aspects importants du jeu de Larry Carlton, à savoir les triades et les arpèges. Remarquez la modulation avec la
transition en tonalité de Mi mineur.
41
Quelle belle phrase nous offre Larry. En mesure 3, nous retrouvons sur l'accord de G6 une triade correspondant à cet accord.
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"Sultans Of Swing"
Mark Knopfler
Dans un registre tout à fait différent, Mark Knopfler a réalisé de ce côté de l’Atlantique le même exploit qu’Eddie
bonus vidéo
Van Halen aux Etats-Unis. Il a réconcilié le grand public avec le solo de guitare alors que, dans un style très
similaire, Eric Clapton n’arrivait même plus à se faire entendre. Et pourtant, même si l’efficacité du morceau et de ses deux solos
merveilleusement construits ne souffre plus la moindre contestation 34 ans plus tard, le succès effarant d’un tel titre en plein essor
du disco et du punk a pris tout le monde par surprise. Modeste groupe de pub rock à mi-chemin entre Bob Dylan (plus vraiment en
odeur de sainteté depuis sa conversion), JJ Cale (connu alors d’un petit cercle d’initiés, dont Clapton) et une bonne dose de Ry
Cooder (dans le même cas que Cale), Dire Straits nageait complètement à contre-courant. Si le groupe, avec un certain humour, s’était
baptisé “mouise totale”, ce n’était pas pour rien. Gagnant sa vie comme journaliste ou enseignant, Knopfler a été rejeté par les
maisons de disques avec tous les groupes ou projets auxquels il avait participé depuis la fin des années 60. La première sortie du
single au printemps 1978 n’a d’ailleurs pas eu le moindre impact, tout comme celle de l’album à la fin de l’année. Ce n’est que début
79 qu’il a enfin décollé un peu partout dans le monde, après avoir d’abord cartonné aux Pays-Bas. On ne boudera pas son plaisir en
évitant soigneusement la version honteusement tronquée proposée sur les compilations ou même les premières versions cd de
l’album. A l’origine, le label qui avait signé Dire Straits avait prié le groupe de retourner en studio pour enregistrer une nouvelle
version “plus accrocheuse”, laquelle est sortie en single dans la plupart des pays d’Europe, alors que c’est majoritairement la version
initiale, incluse sur l’album à l’époque, qui passait sur toutes les radios.
7 - - 6 4 7 2 4 6
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Voici un exemple de solo extrêmement bien construit. Mark Knopfler passe les arpèges des accords A puis Dm, tout en gardant un très bon sens de la mélodie. Sa tech-
nique aux doigts (main droite) est imitable avec le médiator en attaquant plus près du chevalet en jouant sur un micro simple-bobinage. Veillez à la bonne mise en place
des triolets de noires.
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Vous trouverez dans la première mesure un très bon moulinet en C pentatonique Majeur, puis une phrase construite sur la gamme pentatonique de D mineur dans la
deuxième mesure. Ces deux plans sont tout à fait représentatifs du jeu du guitariste.
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"Like A Hurricane"
Neil Young
& The Crazy Horse
Sorti en 1977, sur l’album “American Stars’n’Bars”, “Like A Hurricane” a été composé deux ans auparavant, après que Neil Young a
bonus vidéo
été littéralement subjugué par une jeune femme rencontrée par hasard dans un bar où il faisait la fête. Bien qu’il ne se soit jamais rien
passé entre eux, la fascination que cette inconnue a exercée sur Neil a été si forte qu’il a commencé à écrire une chanson sur cet
“ouragan” le soir même. A peine rentré chez lui, obsédé par l’image de cette femme, soufflé (“Blown Away”, comme il le chante
dans son texte), il a trouvé les premiers accords de “Like A Hurricane” sur un vieux synthé Stringman. Ensuite, Neil Young s’est
efforcé pendant dix jours de trouver la version définitive de ce morceau, en enregistrant intensément avec ses musiciens, enfermé
dans son ranch. Insatisfait du résultat, Neil avait l’impression d’être bloqué quand son guitariste, Poncho Sampedro, eut la bonne idée
de jouer les accords de la chanson d’une nouvelle façon sur le synthé du studio. Neil Young sentit immédiatement que c’était enfin
le bon feeling, et le superbe enregistrement de huit minutes figurant sur le disque fut bouclé d’une traite. Le Loner obtient sa superbe
sonorité de guitare, à la saturation brute et plaintive, en utilisant sa fidèle Les Paul “Old Black”, sur laquelle il a fait rajouter un
Bigsby, ingrédient important de son jeu, notamment pour créer du feedback. Il est amplifié par son Fender Tweed Deluxe de 1959,
d’une puissance de 15 watts, qu’il emmène toujours avec lui en tournée. Depuis sa sortie, “Like A Hurricane” est devenue l’une des
chansons fétiches de Neil, et il la joue dans presque tous ses concerts.
réglages d’ampli - 3 5 5 6 6 5 3 -
grille d’accords
Ce solo de Neil Young commence par un thème construit sur l'utilisation des octaves pour descendre ou monter la gamme de La mineur naturel. Notez qu'on alterne le
changement de note entre la corde grave et la corde aiguë.
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Ce deuxième passage est construit sur la gamme pentatonique de La mineur. Les bends des doubles notes à la 17e case doivent être joués avec un demi-barré de l'index.
46
26
"Fly By Night"
Lee Ritenour
“Fly By Night” est le morceau le plus connu du disque “Captain Fingers”, troisième album studio de guitariste de Los Angeles, publié
en 1977. Cet instrumental est considéré comme l’un des meilleurs jalons d’un genre qui a bouleversé le monde du jazz traditionnel :
le jazz funk, appelé aussi smooth jazz. Très accessible, “Fly By Night” contient tous les ingrédients caractéristiques de ce style de
jazz facile à écouter : une tournerie funky, servant de tremplin à un thème court et chantant, qui distille de bonnes vibrations, donne
envie de bouger et met d’excellente humeur. Bien que cette nouvelle tendance de jazz binaire ait parfois irrité les puristes intransigeants
du “vrai” jazz, qui reprochaient au jazz funk de produire des succès ressemblant à de la “musique d’ascenseur”, il faut rappeler que
ce jazz eighties a inondé toutes les radios FM pendant une quinzaine d’années, et qu’il a toujours été servi par la crème des musiciens
du moment. Reproduire le jeu de Ritenour n’est pas donné à tout le monde ! Dans “Fly By Night”, Lee joue avec une Gibson 335, la guitare-
étendard de tous les six-cordistes californiens représentant ce courant musical (Jay Graydon, Larry Carlton, Steve Kahn). “Fly By Night”
s’achève par un solo très véloce, joué dans un style à la réminiscence bensonnienne. Il est intéressant de noter que Ritenour et
Benson ont parfois utilisé les mêmes accompagnateurs (Harvey Mason à la batterie, Anthony Jackson à la basse), confirmant ainsi
leurs affinités musicales. “Fly By Night” reste l’un des souvenirs les plus agréables du smooth jazz.
5 - - 6 5 6 4 4 -
réglages d’ampli
Simples et mélodiques, ces phrases sont construites sur la gamme de Ré mineur, la difficulté est de bien se placer rythmiquement, n’hésitez pas à jouer d’abord tout le
rythme du solo sur une seule note afin de bien en comprendre “l’articulation rythmique”, pour ensuite rajouter les notes, cela devrait vous faciliter la tâche.
Erratum – Les deux versions audio du morceau ont été inversées par inadvertance.
La première correspond donc à l'exemple 2 et vice-versa.
47
Mesures 1 et 2 : le début de la phrase est similaire mais rejoué à l'octave supérieure. Mesures 3 et 4 : plan construit sur la gamme mineure pentatonique de Ré.
48
27
"Parisienne Walkways"
Gary Moore
Gary Moore jouait avec Phil Lynott dans le groupe Thin Lizzy depuis cinq ans, en alternant avec Skid Row ou Colosseum, lorsqu'il
enregistra son album solo de 1979 “Back On The Streets”. Son premier geste fut d'inviter son vieil ami Phil Lynott. Les deux Irlandais
décidèrent d'écrire un titre ensemble. Gary Moore avait travaillé depuis quelque temps une mélodie blues instrumentale dans laquelle
le jeu de BB King rencontrait celui de Carlos Santana. Il demanda à Phil Lynott d'écrire des paroles. Le bassiste écrivit un refrain et
un couplet en s'inspirant des écrivains américains qui avaient vécu à Paris. Ernest Hemingway, Anaïs Nin et Henri Miller dont il
avait lu “Jours Tranquilles À Clichy” et vu l'adaptation cinématographique de l'époque avec une bande originale du chanteur de San
Francisco Country Joe McDonald. En studio, le talent de guitariste de Gary Moore et les vocaux de Phil Lynott se trouvèrent
parfaitement reliés dans une chanson à l'architecture musicale impeccable accueillant un texte nostalgique sur l'année 1949, St-Germain-
des-Prés, les trottoirs de Paris et les terrasses de café. Un instantané nostalgique comme une ancienne carte postale. "Parisienne
Walkways" fut n°8 en mai 79, puis réenregistré live en 93 sur l'album “Blues Alive”. Phil Lynott nous a quittés en 1986 suite à une
overdose et Gary Moore a été retrouvé mort dans sa chambre d'hôtel en Espagne le 6 février 2011.
- 7 4 6 4 5 4 4 -
réglages d’ampli
La mélodie de ce morceau ainsi que le solo principal sont absolument de toute beauté et remplis de feeling, d'émotion et de subtilités. La tonalité est La mineur et Gary
joue dans ce morceau la gamme mineure naturelle de La avec par moments des passages bluesy en gamme mineure pentatonique de La. Guitare Les Paul, micro lead,
et son overdrive. Cette phrase que nous voyons ici pour commencer est tout à fait représentative du jeu de Gary Moore. Nous retrouvons des notes interprétées avec
beaucoup de feeling, notamment les notes jouées en bending, ainsi qu'en mesure 1 une accélération rythmique dont était adepte Gary Moore, apportant à la phrase solo
du relief et une certaine intensité.
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Cette autre phrase très difficile à interpréter démontre l’énergie et le dynamisme du jeu de Gary Moore, avec notamment la présence de moulinets dont Gary était un fer-
vent utilisateur.
50
28
"Palm Trees" (Love Guitar)
Steve Hillage
Ce n’est certainement pas un hasard si l’on retrouve un certain Nick Mason à la production de “Green” (enregistré au studio Britannia
Row appartenant à Pink Floyd), le remarquable album dont est extrait ce titre et qui contient plus d’un solo à faire baver d’envie David
Gilmour. C’est ce qu’a notamment dû se dire le batteur du Floyd en encourageant Hillage à rallonger la longue intro de “Palm Trees
(Love Guitar)”, que le musicien avait ébauché dans une version plus sommaire sous le titre “Maui”. Expert en guitare cosmique et en
sons irréels (dont la technique du glissando), l’ancien (et futur) membre de Gong n’en possédait pas moins un doigté acrobatique et
un sens de la mélodie qui pouvait également le rapprocher de Jeff Beck, avec lequel il partageait à l’époque un certain goût pour les
racks d’effets les plus sophistiqués. Le malheur a voulu que Steve Hillage se lance sous son nom en pleine furia punk. Malgré son
penchant pour les expérimentations sonores avant-gardistes, il aura beau changer de look pour une panoplie new wave avec l’album
suivant (“Open”), on le considèrera encore comme un hippie d’un autre âge. Il en délaissera alors la guitare pendant plus de vingt ans
pour poursuivre brillamment en tant que producteur des premiers pas de l’électro, de la techno (System 7, The Orb) ou du raï (Rachid
Taha, Faudel, Khaled), mais aussi de la pop (Valérie Lagrange, Cock Robin, Simple Minds, Murray Head…). Ses amis de Téléphone ont
même assuré sa première partie sur une tournée anglaise. En parallèle à la réunion récente de Gong, il a ressorti la guitare également
pour quelques concerts en solo. On trouve “Palm Trees” en bonne place sur le “Live At The Gong Family Unconvention”.
- 4 5 6 5 5 6 4 -
réglages d’ampli
grille d’accords
On commence le premier système de ce solo, pendant l'accord de Gm, par une petite phrase issue de la gamme pentatonique de Sol mineur. Pendant l'accord de
D, on monte l'arpège de l'accord par intervalles de tierce avant de faire un petit crochet par la penta de Ré mineur (deux premiers temps de la troisième mesure),
ce qui donne ce changement de couleur si particulier, avant de terminer par l'arpège de D7/11.
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Le deuxième système est construit sur la pentatonique de La mineur avec un gimmick classique de blues. Pour ce solo, Steve Hillage utilise une pédale de delay dont le
temps est assez court (quasiment la longueur d'une croche). Il joue sur une guitare Gibson, donc un micro double-bobinage est recommandé.
52
29
"Another Brick
In The Wall"
David Gilmour
Ceux qui ont suivi, à travers les bootlegs en circulation, l’évolution de “The Wall” savent que l’on doit beaucoup au génial producteur
Bob Ezrin, à commencer par ce titre qui n’était à l’origine qu’une vague virgule sans grand intérêt pour simplement appuyer le
concept parfois bancal de l’album. Il n’y avait alors pas le moindre solo à l’horizon. Allez savoir pourquoi, Ezrin y voyait un single potentiel,
voire un hit. Mais il fallait donner au morceau un habillage radicalement différent. Joyeux fêtard devant l’Eternel, après une nuit
passée dans une discothèque de la région niçoise (aux frais du groupe), il n’hésita pas à prier David Gilmour d’y effectuer un stage
pour s’initier au disco alors en pleine explosion. Quelque peu dubitatif, le guitariste releva néanmoins le défi et, bien qu’affligé par ce
qu’il avait entendu, il proposa dans un premier temps une rythmique funky à la guitare électrique, avant de s’essayer sur un solo dont
on soupçonne qu’il a été quelque peu influencé par Mark Knopfler, qui cartonnait alors avec les deux premiers albums de Dire Straits
(avant que le groupe ne devienne, à partir de son quatrième album, “Love Over Gold”, le Pink Floyd des années 80). Si le toucher de
ce dernier faisait l’admiration de nombre de guitaristes, que dire de la “punition” infligée par Gilmour sur ce titre qui deviendra dès
lors un hit encore plus énorme que ce qu’avait imaginé Ezrin. “Another Brick In The Wall Part 2” sera n°1 en Angleterre, aux Etats-Unis,
en France et dans neuf autres pays. Cela reste à ce jour le meilleur classement d’un single du groupe. Mais, comme l’avait lancé Roger
Waters à Ezrin, lorsque ce dernier lui avait gentiment demandé de rajouter un couplet à ce hit potentiel : “Va te faire voir, Pink Floyd
n’est pas un groupe à singles !”
4 - - 5 5 4 6 8 7
réglages d’ampli
Là encore, un solo d’anthologie à côté duquel il est simplement interdit de passer ! Nous sommes en pentatonique mineure de Ré, mais vous noterez l’adjonction de la
neuvième sur le bend liant les mesures 3 et 4. Toujours à propos de ce bend, comme vous pouvez le constater, nous devons ici tirer la note de deux tons, attention donc
à la justesse.
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Ce passage est toujours basé sur la pentatonique mineure de Ré mais cette fois-ci vers le bas du manche. Troisième mesure, encore une fois ce bend de deux tons,
soyez persévérant si vous jouez sur des cordes dures, mais ne forcez pas trop sous peine de vous faire vraiment mal et par conséquent de ne pas pouvoir jouer pendant
quelques jours.
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30
"Comfortably Numb"
David Gilmour
A l’autoportrait largement teinté de cynisme et de désenchantement de Roger Waters, David Gilmour répond curieusement avec
l’un des solos les plus radieux et enlevés. Le premier vit très mal le succès du groupe et la rancune qu’il provoque chez les punks.
C’est tout juste s’il ne donnerait pas raison à Johnny Rotten et à nombre de punks qui pensent que Pink Floyd est devenu une
caricature. Mais Gilmour, lui, s’en cogne comme de sa première corde de Mi. Imperturbable, tout en restant anti-star par nature, il ne
se sent guère concerné par les doutes existentiels de son torturé camarade (plus pour très longtemps). Les deux hommes ne sont
plus sur la même longueur d’onde, c’est clair, mais pour l’heure cela se traduit par un remarquable sursaut de créativité. On pourrait,
à première vue, croire à une improvisation, mais, comme souvent, le guitariste a en réalité soigneusement échafaudé son intervention
à partir de cinq ou six prises différentes, la reproduisant plus tard avec la plus grande fidélité. Le morceau, d’abord titré “The Doctor”,
a beau avoir changé plusieurs fois de forme entre les premiers enregistrements, fin 1978, dans le studio du groupe à Londres (le Britannia
Row Studio où “Animals”, l’album précédent, avait été enregistré), à peu de choses près, la structure de base reste la même. On
appréciera malgré tout la décision du groupe et de son producteur de supprimer la partie de chant de Waters remplaçant, dans
certaines versions, la longue coda qui, pour reprendre les mots du producteur Bob Ezrin, “vous file à chaque fois la chair de poule.”
- 4 6 7 5 7 - 6 -
réglages d’ampli
Pour jouer ces plans vous devrez sélectionner un micro simple-bobinage sur votre guitare et prendre un son solidement crunch pimenté de delay. David effectue dans la
troisième mesure un de ses fameux bends d’une tierce mineure (soit un ton et demi).
55
Cette deuxième phrase regroupe deux plans en sextolets du guitariste. Vous retrouvez une descente en 3 par 3 sur la gamme mineure pentatonique de Si, puis un plan
plus blues dans la dernière mesure.
56
31
"Highway To Hell"
Angus Young
Qui ne connaît pas “Highway To Hell” ? L’essence même du rock ! Ce morceau entré dans la légende de la musique populaire comme
un véritable hymne incarnant toutes les valeurs du rock’n’roll. C’est aussi, pour la petite histoire, le surnom de la route qu’empruntait
Bon Scott pour aller à son pub favori, réputée pour être dangereuse. L'album “Highway To Hell” (du même nom que notre tube
planétaire) est une pierre angulaire dans l'histoire du groupe. On y trouve des chansons simples et efficaces, démoniquement
imparables et pleines d’humour incarnant tout l’esprit rock en un disque. A sa sortie en juillet 1979, l'album connaît un véritable
succès international et place AC/DC comme un incontournable du hard rock en s'inscrivant dans les charts américains. Ce sera le
sixième et dernier disque avec le prodige Bon Scott puisque ce dernier décédera tragiquement le 19 février 1980 suite à une soirée
fort arrosée. Vous connaissez certainement la suite, digne d'un groupe parmi les plus connus au monde et ayant eu le plus d'influence
sur cette planète…
- 6,5 5 6 5 6 5 - 3
réglages d’ampli
grille d’accords
Niveau son, je vous recommande une guitare de type Gibson avec micro double, sélecteur en position chevalet, et branchée à un ampli de type Marshall réglé de façon à
obtenir un gros son crunch.
Merci à Chuck Berry pour cette première phrase à la couleur blues par excellence mélangeant pentatonique mineure et usage des bends.
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Cette seconde phrase mélange pentatoniques Majeure (mesures 1 et 2) et mineure (mesures 3 et 4), toutes deux jouées en tonalité de La.
58
32
"Mr. Crowley"
Randy Rhoads
Avec un peu plus de chance et surtout si dieu lui avait prêté vie, Randy Rhoads aurait pu prendre la place d’Eddie
bonus vidéo
Van Halen, ou, au moins, devenir son égal. Depuis le début des années 70, notamment avec son groupe Quiet Riot,
il avait développé un jeu assez similaire avec une légère avance. Mais aucune maison de disques ne se montrera intéressée, au-delà
d’un misérable contrat avec un label japonais. Enrôlé par Ozzy Osbourne quelques jours après son départ de Black Sabbath en
1979, il fit des étincelles dès le premier album du Madman, “Blizzard Of Ozz”, avec en tête ses solos sur “Mr. Crowley” dans une veine
néo-classique chère à Ritchie Blackmore. Tous les guitaristes qui s’attaqueront à ce morceau, après la disparition de Rhoads dans
un accident d’avion sous les yeux d’Ozzy le 19 mars 1982, n’oseront pas dénaturer les solos emblématiques de ce titre. De Jake E.
Lee à Gus G., en passant par Zakk Wylde ou Brad Gillis, tous respecteront scrupuleusement le jeu de Rhoads. En 1987, Ozzy jugera
utile de rendre hommage à ce guitariste qu’il aimait comme un fils avec un live, “Randy Rhoads Tribute”, où l’on trouve une version
de “Mr. Crowley” que beaucoup préfèrent à celle de l’album studio.
- 7 7 4 6 5 6 7 -
réglages d’ampli
grille d’accords
Impossible faire un dossier tel que celui que nous vous proposons aujourd’hui sans parler de ce magnifique chorus de Randy Rhoads. Nous commençons ici par une
sorte de moulinet bluesy basé sur la pentatonique mineure de Ré. Puis nous enchaînons sur une descente de cette même gamme en tierce brisée.
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La suite de ce solo, toujours le même principe de tierces brisées mais cette fois-ci de manière ascendante. Enfin nous terminerons par ces courtes séquences de trio-
lets de doubles-croches.
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"Fat Time"
Mike Stern
“Fat Time”, qui est devenu un “classique” de Mike Stern, apparaît pour la première fois en 1981, dans un album de
bonus vidéo
Miles Davis, “The Man With The Horn”. Si le Bostonien peut s’y exprimer aussi abondamment et en toute liberté,
c’est que Miles adorait la guitare ; en particulier Jimi Hendrix. L’étrange nom de ce morceau, “Gros Tempo”, vient d’un surnom que
Davis avait donné à Stern, parce qu’il était impressionné par son phénoménal sens du rythme. Miles avait vite compris que ce jeune
guitariste allait donner un nouveau souffle à son groupe, avec son énergie incroyable. Le trompettiste avait aussi remarqué que
Stern ne perdait jamais le tempo, malgré ses longues et furieuses improvisations. Comme Mike souffrait à l’époque d’un léger
surpoids, c’était aussi un jeu de mots trouvé par Miles pour se moquer de ses kilos en trop. “Fat Time” est né d’une improvisation
enregistrée en studio, peu de temps après que Stern eut rencontré Miles. Brièvement briefé par le trompettiste au sujet des accords
sur lesquels il devait jouer, Mike Stern lâcha un chorus particulièrement dense et habité pendant toute la séance, poussé par la
basse de Marcus Miller et la batterie d’Al Foster. Juste avant de commencer, le saxophoniste Bill Evans lui avait donné un conseil :
“Ne sois pas poli. C’est ce que Miles aime.” Stern suivit cette consigne à la lettre, en tirant de sa Strato blanche un parfait mélange
entre sauvagerie rock et chromatisme ardu du jazz bop. Cela plut tellement à Miles qu’il refusa au jeune guitariste d’enregistrer
une seconde prise. “Fat Time” était dans la boîte !
- 4 5 5 6 6 - 5 -
réglages d’ampli
Décidez de vous armer de votre plus belle Telecaster afin de jouer ce plan du grand Mike Stern. Vous pouvez ajouter du chorus et du delay au son de votre guitare. Ce plan,
qui commence chromatiquement, se raccroche rapidement à la gamme mélodique mineure de la tonalité (Cm).
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Mike est un grand fan de blues. Il détourne ici rythmiquement un plan de blues quasi classique. Toujours en Cm7.
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"Beat it"
Eddie Van Halen
"Beat it", ou comment le King Of Pop côtoie le hard rock par le biais du guitariste virtuose Eddie Van Halen ! Le
bonus vidéo
premier contact entre le producteur du disque “Thriller”, dont est issu le morceau, Quincy Jones, et Van Halen s'est
fait par téléphone, le producteur demandant au guitariste sa participation pour enregistrer le fameux solo. L'histoire raconte d'ailleurs
que Van Halen crut d'abord à un canular ! Finalement convaincu, il entra en studio et enregistra son solo assez vite (la légende
assure même que la prise finalement gardée est sa première… !), sans être rémunéré ! Eddie Van Halen explique qu'il l'a fait comme
un service, qu'on n'a pas profité de lui mais qu'il savait ce qu'il faisait. "D'après le reste du groupe (Van Halen – NdlR), le manager et
tous les autres, j'étais complètement stupide", ajoute-t-il tout de même. Autant mélodique qu'expérimental, ce solo irremplaçable apporte
exactement ce qu'il faut au morceau : de la vélocité, de l'énergie et de l’exaltation. Considéré comme l'un des solos les plus réussis,
si ce n'est des plus beaux, il n'en est pas moins un des plus délicats à reproduire, car il demande non seulement une maîtrise
technique de l'instrument, mais également la capacité à en tirer les sons (on peut presque parler de “cris”) qu'en sort Van Halen.
- 5 5 4 6 6 5 3 -
réglages d’ampli
Voyons ce premier passage de ce solo si connu de Van Halen, vous aurez besoin d'un vibrato qui tienne un peu la route. En effet, il va falloir, pour la première note, ap-
puyer sur la tige afin de détuner la note le plus possible. Reportez-vous au ralenti pour les harmoniques tapées qui suivent (onzième frette à taper pour la sixième case jouée
et treizième frette pour la huitième case).
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Ce deuxième système est une phrase en tapping qui se décale. Travaillez-la bien lentement à l'aide du ralenti avant de l'accélérer progressivement pour être sûr de ne
pas oublier de note. Eddie Van Halen avait pour habitude de fabriquer lui-même ses guitares et notamment la fameuse "5150" rouge aux bandes noires et blanches.
Cette dernière possède un humbucker en position chevalet, c'est celui-là qui nous intéresse ici. Côté ampli, un Peavey 5150 serait idéal.
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35
"Pride & Joy"
Stevie Ray Vaughan
Stevie Ray Vaughan & Double Trouble jouèrent à Montreux en 1982 et deux propositions importantes furent faites. David Bowie
l'invita à venir jouer sur l'album “Let's Dance” et Jackson Browne lui offrit l'usage de son studio californien pour enregistrer un
album. En vrai Texan courageux, Stevie Ray accepta les deux, mais commença par le studio de Jackson Browne à l'automne 82. En
trois jours, Tommy Shannon, Chris Layton et Stevie enregistrèrent dix chansons (six originaux et quatre reprises), dont la chanson-
titre de l’album "Texas Flood" en une seule prise avant que le studio ne ferme. L'un de ces originaux est "Pride & Joy", une chanson
dont Stevie avait eu l'idée en 75. Sa girlfriend de l'époque, Lindi Bethel, dit qu'elle le trouva une nuit assis sur le tapis du salon avec
son chapeau sur la tête et rien d'autre, écrivant les mots "she's my sweet little thang, she's my pride & joy". Il termina la chanson en
79 et l'enregistra avec la chanteuse Lou Ann Barton. Mais dans le Down Town Studio de Jackson Browne en 82, il décida de sauter
tous les obstacles et pour le solo de "Pride & Joy" il tira de sa Stratocaster "N°1" tous les sons qu'il avait appris d'Albert King, Ray Sharpe,
Ted Taylor, The Nightcaps et les autres bluesmen texans inconnus en dehors des frontières de l'État. Le résultat est un concentré de
"good feeling" avec un solo délié mais avec la dimension supersonique supplémentaire caractéristique de Stevie Ray. David Bowie
lui demanda ensuite de tourner avec lui, mais il refusa pour se concentrer sur son disque. Il avait raison, ce premier album fut le vrai
début de la carrière internationale de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble.
- 2 5 7 6 7 2 2 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Il s'agit là d'un shuffle en Mi caractéristique de SRV sur une grille de douze mesures sans “quick change”. Les phrases sont inspirées de la première grille de ce solo très
énergique. En power trio, Stevie fait entendre l'harmonie en mélangeant fragments d'accords et basses.
Ampli à lampe, son crunch avec effet Univibe, Stratocaster micro manche.
Pour ce premier passage, il s'agit de doubles-stops de tierce joués sur les cordes de Si et Sol, en laissant sonner la corde de Mi aiguë à vide. Très efficace, harmonique-
ment (on retrouve les notes de l'accord septième) et rythmiquement avec le débit en croche en 12/8. Soignez les glissés.
65
Passage sur le quatrième degré, avec beaucoup de tirés (1/4 de ton, 1/2 ton et ton) et encore des doubles-stops.
66
36
"Black Star"
Yngwie Malmsteen
Lors de sa sortie en 1984, l’album “Rising Force”, tout premier album solo et majoritairement instrumental du virtuose scandinave,
est une véritable révélation, hissant directement Malmsteen au rang des légendes vivantes de la guitare. En effet, Van Halen avait
été un pionnier quelques années auparavant, bouleversant le paysage guitaristique avec sa fameuse intro en tapping sur le morceau
“Eruption”, et là, rebelote mais avec une technique encore plus poussée et une sonorité néoclassique alors tout juste esquissée
par certains guitaristes comme Ritchie Blackmore de Deep Purple ou encore Steve Howe de Yes, mais jamais aussi raffinée. Il le dit
lui-même, ses influences vont de Jimi Hendrix à Ritchie Blackmore, en passant par Bach ou Vivaldi, autant d’ingrédients ayant
permis à Yngwie de développer son style unique et reconnaissable entre mille. Après avoir remplacé Steve Vai au sein d’Alcatrazz,
groupe de hard rock emmené par le charismatique et talentueux chanteur Graham Bonnet, ce premier album sort enfin, et dès la première
chanson (celle dont nous allons étudier quelques passages d’ici quelques lignes), le ton est donné avec cette magnifique introduction
à la guitare classique du morceau “Black Star”.
- 7 8 5 7 5 8 8 -
réglages d’ampli
Ce thème utilise la gamme mineure harmonique, dont la caractéristique est d’être une gamme mineure naturelle mais dont la septième est Majeure (ici un Do# puisque
nous sommes en Ré mineur). A jouer de préférence avec une Fender Stratocaster et un ampli Marshall.
67
Nous avons ici une figure appelée “ostinato” définie par une phrase s’articulant autour d’une note pivot, ici un Sib. Afin de donner un peu plus de vie à la phrase, vous pou-
vez légèrement vibrer cette note à chaque fois.
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37
"Purple Rain"
Prince
“Purple Rain” est le sixième album enregistré par Prince en studio. Sorti en 1984, il contient une chanson du même nom. Elle va devenir
à la fois l’emblème de ce disque et celle du film éponyme, dans lequel Prince tient le rôle principal, très autobiographique. Dans ce
long-métrage, on voit The Artist (surnom de Prince) jouer ce titre sur scène. Il y utilise une guitare de marque Cloud. Son design
caractéristique a été inspiré au luthier David Husain, son fabricant, par une ancienne basse de Prince. La chanson “Purple Rain”, éditée
en single, est tirée d’un concert donné dans un night-club de Minneapolis, en août 1983. Pour rendre ce live plus efficace,
l’enregistrement a été écourté de trois minutes. Stylistiquement, “Purple Rain” mélange à la fois le rock, la pop et le gospel (à cause
des chœurs). Le solo de guitare déchirant joué par Prince à la fin, très éclaté et psychédélique, fait ressortir l’influence considérable
qu’Hendrix a eue sur lui. D’ailleurs, le look de Prince dans le film — moustache fine, chemise à jabot — confirme que sa fascination
pour le Voodoo Child dépasse largement le cadre musical. Ce qui ne l’empêche pas d’être lui-même génial ! Le son très réverbéré et
enveloppant qu’on entend dans “Purple Rain” pourrait provenir des amplis qu’on aperçoit dans le film, des Mesa/Boogie (si d’autres
ne sont pas cachés !). On sait aussi que Prince aime les pédales Boss. Cependant, le son de guitare qu’on entend sur l’album est si
trafiqué (comme d’habitude) qu’on ne se risquera pas à identifier tous les effets utilisés. A sa sortie, “Purple Rain” a atteint la
deuxième place dans les charts US.
- 7 6 5 6 7 - 5 -
réglages d’ampli
grille d’accords Volume Canal II Drive
Positionnez-vous sur le micro aigu de votre guitare et rajoutez du flanger et du delay au son de votre ampli. Efforcez-vous de penser “double tempo” afin de placer cor-
rectement les phrases dans ce tempo lent (59 à la noire). Le guitariste utilise dans la première mesure la gamme pentatonique de Bb mineur alors que le morceau est so-
lidement ancré dans la tonalité de Bb Majeur.
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Dans cet exemple, c’est la dernière mesure qu’il joue en Bb blues alors que le reste du plan est en Bb Majeur.
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"Fade To black"
Kirk Hammett
“Fade To Black” est une chanson issue du second album de Metallica, “Ride The Lightning” (1984). Elle fut la
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première ballade musicale sortie par le groupe. Le solo a été classé 24e meilleur solo de guitare jamais réalisé par
les lecteurs du magazine Guitar World. La chanson a été écrite par James Hetfield lorsque le groupe s'était fait voler son matériel juste
après un concert à Boston, la veille de leur première tournée en Europe. James dit à propos de cette chanson : “Cette chanson a été
un grand pas en avant pour nous, c’était notre toute première ballade et on savait donc que ça allait sûrement faire flipper quelques
fans. C’est en enregistrant ce titre que je me suis rendu compte à quel point il était difficile d’enregistrer avec une acoustique, on entend
le moindre accroc, il a fallu que je sois super vigilant. J’ai écrit cette chanson dans la maison d’un pote dans le New Jersey, j’étais
vraiment au plus bas, on s’était juste fait voler tout notre matos, et notre manager venait de nous foutre dehors de chez lui. C’est une
chanson sur le suicide, et on a eu pas mal de soucis à cause de ça, comme si certains fans pouvaient se suicider à cause de ça… D’un
autre côté, on a aussi reçu des centaines de lettres de fans pour nous dire à quel point ils se retrouvaient dans ce titre et comme ça
avait pu les aider”. Pour enregistrer ce solo, Kirk a utilisé son micro manche, et une wah-wah enclenchée sur la position haute tout
du long.
- 8 7 6 5 6 6 4 -
réglages d’ampli
grille d’accords
Ce premier solo commence par un arpège de Si mineur. L’ensemble n’est pas difficile techniquement puisque plutôt mélodique, il faudra par conséquent bien veiller à
faire sonner et surveiller l’interprétation et tout particulièrement la bonne exécution des nombreuses appoggiatures.
Son saturé, micro (humbucker) aigu, ampli à lampes.
71
Le second solo commence lui aussi par une succession de triades, il sera plus naturel d’utiliser le sweeping pour les jouer. Prenez le temps de bien trouver les doigtés
qui conviennent le mieux, généralement un doigt par case reste une valeur sûre.
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"Still Loving You"
Rudolf Schenker
& Matthias Jabs
Cela ne lui arrive pas souvent, et même pour ainsi dire jamais, mais c’est bien dommage car Rudolf Schenker signe ici un solo de tout
premier ordre, ne laissant à Matthias Jabs, le soliste attitré et brillant de Scorpions, que quelques petites virgules avant certains couplets
ou en début de refrain. La mélodie de l’intervention lead du guitariste rythmique est si efficace qu’elle est devenue aussi addictive
que celle du chant de Klaus Meine. On se demande bien pourquoi Rudolf n’a pas eu plus souvent envie de rivaliser avec Jabs ou ses
prédécesseurs, dont son petit frère Michael. En réalité, c’est presque contraint et forcé que le musicien est sorti de ses prérogatives
habituelles. Les tensions dans le groupe avec la section rythmique d’un côté et le producteur habituel du groupe, Dieter Dierks, ont
multiplié des séances improductives, y compris avec des musiciens de substitution. Au final, le noyau dur de Scorpions a dû rattraper
un énorme retard au Polar Bear Studio d’Abba, en Suède fin 1983. S’ils avaient eu un peu plus de temps, allez savoir si Jabs n’aurait
pas proposé avec diplomatie de refaire un solo plus acrobatique… ce qui aurait certainement ruiné l’une des plus fantastiques
power-ballads de l’histoire.
- 6 5 5 4 6 5 3 -
réglages d’ampli
Le premier système de ce solo issu de cette chanson si connue de Scorpions est un thème récurrent dans le morceau. Nous sommes ici en Sol mineur et cette phrase
est construite sur la gamme mineure naturelle de Sol. Essayez de bien faire chanter votre guitare pour donner à cette phrase tout son sentiment. Ne mettez pas trop de
gain pour n'obtenir qu'un léger grain.
73
Pour le deuxième système en revanche, vous pouvez pousser davantage le gain. La partie difficile ici est de bien rester régulier sur les triolets afin de bien marquer le dé-
calage de la phrase tout en restant en place rythmiquement. Rudolf Schenker joue sur différentes Flying V, donc vous aurez besoin d'un micro double-bobinage.
74
40
"Sweet Child O’ Mine"
Slash
"Sweet Child O' Mine était une blague. C'était un coup de chance." Tels sont les propos de mister Slash recueillis lors d'une interview
accordée à Guitar For The Practicing Musician en 1992. En effet, lorsque l'on s'intéresse au jour J de la création du morceau, on s'aperçoit
que rien n'était gagné d'avance : pour la petite histoire, Slash interprétait un banal exercice d'échauffement en faisant "l'idiot" je
cite, illustrant comme il pouvait détester ce motif. Et il ne fallut que très peu de temps à son compère de l'époque Izzy Stradlin pour
poser quelques accords, avant d'être tous deux rejoints par Axl qui ressortit un vieux poème (dédié à une ex s'il vous plaît !) des tiroirs…
Cette ballade, qui sonne plus dans le style Lynyrd Skynyrd que dans un registre rock agité, est comme un passage quasi obligé
pour tout groupe de hard rock de l'époque souhaitant élargir son audience sur les ondes radio à des horaires de grande écoute. Mission
accomplie puisque "Sweet Child O' Mine" deviendra un véritable tube propulsant en quelque sorte les Guns vers le succès commercial.
Tout cela se passe en 1987, il y a 25 ans déjà. Je vous recommande de jeter une oreille attentive sur ce légendaire "Appetite For
Destruction" dont les influences majeures et le son nous rappellent Queen, AC/DC, Aerosmith, The Rolling Stones ou encore Rose Tattoo.
Ami(e)s guitaristes, bienvenue dans la jungle…
- 7,5 5 6 4,5 6 5 3 3
réglages d’ampli
Concernant le son, je vous invite à utiliser une guitare de type Gibson, sélecteur sur la position manche, branchée à un ampli de type Marshall avec un niveau de gain assez
élevé. Cette première phrase, en tonalité de Mi mineur, utilise les notes de Mi mineur harmonique avec la présence du D# (mesure 3), B7 étant ainsi le cinquième degré.
75
On reste sur les notes de Mi mineur harmonique autour des positions de penta habituelles avec cette montée pour laquelle je vous recommande de commencer lentement.
76
41
"Always With Me,
Always With You"
Joe Satriani
Joe Satriani n’avait jamais entendu parler du Surfeur d’Argent, célèbre super-héros pour ados de comics américains, avant que celui-ci
bonus vidéo
atterrisse, en 1987, sur la pochette de son deuxième disque, “Surfing With The Alien”. Si ce dessin se retrouve là, c’est uniquement parce
que son producteur était surnommé Silver Surfer, alors qu’il était encore DJ. Avec ce visuel très efficace, et ce cd bourré d’instrumentaux
dévastateurs, Satch rejoint enfin le panthéon tant convoité des shredders, ces torpilles humaines de la guitare, apparues à la fin des années
70. Parmi de nombreux morceaux de bravoure (“Surfing With The Alien”, “Satch Boogie”, “Midnight”), qui se signalent par leur débauche
technique remarquablement maîtrisée, on découvre “Always With Me, Always With You”, un instrumental plutôt calme, sentimental
même (d’où le titre), basé sur une jolie suite d’arpèges étouffés, propices à l’improvisation. Ce titre laisse transparaître la face mélodique
de Satriani. Il y dévoile une musicalité certaine, exigeante, souvent plus affirmée et subtile que chez certains de ses confrères.
Techniquement, Satch déploie sur son Ibanez Signature des armes savamment rodées : un jeu legato, toujours au bon endroit, additionné
d’une pointe de vibrato à main, sans excès, du tapping avec l’index, et un final exécuté en doubles-stops. Nettement moins démonstratif
que d’autres titres, “Always With Me, Always With You” amène une pause bienvenue dans cet album de tous les dangers. Cette ballade
inspirée reste en permanence harmonieuse, comme libérée de l’envie d’impressionner. Tant mieux !
réglages d’ampli - 8 5 5 4 6 6 4 3
grille d’accords
Je vous invite à utiliser un son lead avec éventuellement un peu de delay et à jouer sur le micro chevalet de votre guitare, si possible un humbucker. Pour ce premier pas-
sage, notons la signature en 3/4. La phrase fait appel à la technique de tapping et nous déclinons un motif de trois notes avec un débit à la double-croche.
77
Cette deuxième phrase fait appel à la technique de jeu en legato, à savoir le jeu avec usage de hammers et de pull-off.
78
42
"Talk To Your Daughter"
Robben Ford
Robben Ford est né dans une famille musicale. Avec ses frères, il nomma son groupe le Charles Ford Band en hommage à leur
père. Ils accompagnent les bluesmen, mais Robben Ford est aussi à l'aise dans le jazz et la fusion puisqu'il joue ensuite avec un groupe
qui deviendra les Yellow Jackets, puis avec Miles Davis en 1986 au Festival de Montreux. En 1988, il entre dans les studios Warner
de Burbank en Californie pour y enregistrer un nouvel album solo. Le groupe qui l'accompagne est composé du bassiste Roscoe Beck,
du batteur Vinnie Colaiuta et du claviériste Russell Ferrante. Le répertoire est composé de reprises de blues de Little Walter, BB
King, Albert King et Duke Ellington, mais c'est "Talk To Your Daughter" de JB Lenoir qui va donner son titre à l'album. Robben Ford
joue cette version sur une Telecaster branchée dans un ampli Howard Dumble avec des hp Celestion G12-65 et une pédale d'overdrive
Zendrive de chez Hermida Audio. Le classique de JB Lenoir trouve une nouvelle vie avec un solo délié et harmonique joué dans un
style coulé et jamais claquant. L'album sera un succès et Clint Eastwood utilisera la version de Robben Ford de "Born Under A Bad
Sign" d'Albert King dans son film “Pink Cadillac”.
- 7 4 6 4 4 5 4 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Ce solo blues s'avère très intéressant tant au niveau des phrases jouées que de l'esprit musical, ou encore du très beau phrasé de Robben Ford. Ce blues est joué en to-
nalité de Sol et Robben joue dans son solo un mélange, comme à son habitude, de gammes mineure et Majeure pentatoniques. Ampli à lampes, micro lead, et son over-
drive. Nous commençons cette phrase par un phrasé très rencontré en blues. Robben joue ensuite une très jolie phrase en gamme mineure pentatonique de Sol. Notez
bien le placement rythmique de ses notes qui apporte à son jeu une très grande richesse.
79
Voici une autre phrase fabuleuse de ce solo. Toujours en gamme mineure pentatonique de Sol et faisant intervenir des notes issues de la gamme Majeure pentatonique
de Sol, Robben joue cette phrase avec toute l'énergie et le très beau phrasé qu'on lui connaît.
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43
"Cliffs Of Dover"
Eric Johnson
Cet instrumental figure dans le troisième album du virtuose texan, “Ah Via Musicom”, sorti en 1990. Basé sur un
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solide rythme shuffle, “Cliffs Of Dover” a été composé par Eric Johnson en quelques minutes. Une poussée
d’inspiration si rapide que le guitariste se demanda longtemps s’il pouvait dire qu’il avait “composé” ce morceau. Il finit par considérer
la venue de ce thème comme un cadeau quasi divin. En revanche, connu pour son perfectionnisme pathologique, Johnson mit
longtemps à trouver les doigtés adéquats lui permettant d’interpréter cet instrumental comme il l’entendait. Il passa des heures à
expérimenter la meilleure façon de faire sonner toutes les notes, en s’inspirant de la technique des guitaristes classiques. Quand Eric
Johnson entra enfin en studio pour immortaliser ce morceau, il choisit de le jouer presque exclusivement avec une Gibson 335
branchée dans un Marshall 100 watts, boosté par un tube driver et enrichi d’un delay Echoplex. Pendant un passage de 25 secondes,
au milieu, il se sert aussi d’une Strat pour créer un contraste de sonorités.
- 6 5 7 6 7 2 2 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Attention, ça va très vite. Tempo de 190 à la noire pour ce morceau shuffle en Sol Majeur. Les accords sont déduits de l'harmonie générale et de la ligne de basse. Ici,
Eric Johnson joue sur une Gibson 355 (et non sa fidèle Stratocaster) avec LE son saturé mythique, et une touche de chorus et de delay (plusieurs amplis : Marshall,
Dumble et Fender).
Tout d’abord, voici une phrase mélodique où Eric joue autour des accords. Notez les appoggiatures et les glissés qui enrichissent la phrase mesure 3.
81
On retrouve le fameux plan avec note pivot de Sol et triades Majeures de Ré et de Do qu'Eric joue également dans l'intro. Hybrid picking (le Sol joué avec le majeur et les
notes des triades au médiator).
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44
"The Fly"
The Edge
Au début des 90's, U2 est au sommet de sa gloire. Le quatuor dublinois est très populaire et bénéficie tout à la
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fois du soutien d'une grande majorité de la presse très favorable à son égard. Enregistré à Berlin au Hansa
Studio, sous la protection tutélaire de Daniel Lanois et de Brian Eno, “Achtung Baby” est un album solide, tout articulé autour de la
guitare de The Edge ici en forme olympique. Epaulé par Flood qui officie ici en tant qu'ingénieur du son, Lanois bichonne le son des
Irlandais. Taillé pour les stades, “The Fly” est un tube mordant et capiteux, avec son groove enjôleur et ses guitares qui bombent
le torse. Omniprésent depuis l'enregistrement de l'album “The Joshua Tree” et ses 15 millions d'albums vendus, Lanois se mue dans
la peau du cinquième U2. Il est dans la place et ne compte pas la laisser au prétendant Brian Eno qui, dans l'ombre, veille au
moindre dérapage. Ambiancé par les guitares de The Edge, “The Fly” touche sa cible avec la précision d'un sniper. Méticuleux, le
guitariste de U2 n'emballera son solo qu'au bout de la septième prise. On retrouve ce son de guitare à la The Edge, dopé d'effets
et de phasing, qui a poussé au milieu des herbes folles de “The Joshua Tree”. A ce sujet, Flood déclarait sur l'intensité de “The Fly” :
“Quand j'ai entendu le solo de The Edge, c'était comme un bruit d'avion qui s'écrasait dans mon cerveau !” Attachez vos ceintures,
vous êtes prévenus !!
- 7 6 5 6 6 - 6 -
réglages d’ampli
Pour jouer correctement ces plans, il vous faudra rajouter du delay à votre son. Le temps de delay est réglé à la croche. The Edge aime les secondes mineures, il profite
donc de la répétition du delay (100 % Wet) pour jouer des notes ayant comme intervalle un demi-ton afin de provoquer la superposition des deux sons grâce au delay. Le
morceau est construit sur une pédale de Mi qui, additionnée aux phrases de solo, développe la tonalité de Em7.
83
Même principe que le passage précédent, mais dans une tonalité plus Majeure (E7). Notez le bend d’un demi-ton à faire avec l’index.
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45
"Smells
Like Teen Spirit"
Kurt Cobain
Planant nettement au-dessus de la vague grunge des 90's (Alice In Chains, Pearl Jam…), Nirvana impose son rock hardcore mâtiné
de punk. Influencé à la fois par Hüsker Dü et les Pixies, le power trio de Seattle n'a jamais eu la réputation d'être un spécialiste en solos
qui tronçonnent, contrairement à la concurrence seattelienne (Alice In Chains en tête), très portée sur le solo “qui déchire”. Quand
il rentre en studio avec Butch Vig pour l'enregistrement de “Nevermind”, Kurt Cobain ne pense pas qu'il va écrire un classique du rock.
D'entrée de jeu, la puissance de feu du torpilleur Nirvana est impressionnante : la rythmique Novoselic/Grohl est au meilleur de son
rendement. Kurt attaque le titre guitare saturée, sa Fender Jaguar sous le bras. Depuis quelques semaines, il semble nager sur
l'eau, préférant les inclinations puissantes et les courants forts aux coups de canon rock trop formatés. Butch Vig aime le son lourd
et les riffs qui vous cisaillent les tympans. Sur “Smells Like Teen Spirit”, le leader de Nirvana nous offre un solo de mutant coriace
et perturbant qui vous strie le cervelet. Le 24 septembre 91, l'album “Nevermind” est dans les bacs et fait l'effet d'une bombe avec
sa pochette légendaire signée Robert Fischer, illustrée par ce bébé nageur de trois mois et son billet vert. Avec “Nevermind”, Nirvana
va s'inscrire dans le panthéon du rock.
- 7 5 5 7 5 5 2 -
réglages d’ampli
Voici un petit solo assez simple qui fera plaisir à tout le monde. Kurt Cobain reprend ici la ligne mélodique de la voix. Nous sommes en Fa mineur. Ne montez pas les
bends trop vite pour leur laisser le temps d'atteindre la note. Ne vibrez pas trop les notes longues car ce n'est pas l'esprit de ce solo. Soyez un peu agressif sur l'attaque
de la main droite.
85
On continue avec ce deuxième passage, et avec les mêmes recommandations. Pour retrouver le son de Kurt, vous devrez pousser pas mal le gain de votre saturation
(type Marshall) et booster un peu les médiums en utilisant le micro chevalet (un double-bobinage autant que possible).
86
46
"Daddy, Brother,
Lover, Little Boy"
Paul Gilbert
Cette chanson, appelée aussi “The Drill Song”, ouvre le deuxième album studio de Mr. Big : “Lean Into It”. Cet album, grâce à la
ballade/single “To Be With You”, emmènera le groupe jusqu’à la quinzième place des charts US lors de sa sortie en 1991. De par
son line-up exceptionnel (Paul Gilbert bien sûr à la guitare, Billy Sheehan à la basse, Pat Torpey à la batterie et Eric Martin au
chant), le quatuor est alors considéré comme un super-groupe aux compositions efficaces, et ce “Daddy, Brother, Lover, Little
Boy” ne fait pas exception puisque, malgré son format court, la virtuosité a de quoi s’exprimer lors de ce fabuleux solo dont l’intro
est d‘ailleurs doublée par la basse. Alors pourquoi “The Drill Song” me direz-vous ? Eh bien tout simplement parce que le solo se
divise en deux parties, et, après le flot de doubles-croches intense de la première, Paul et Billy s’amusent à harmoniser un thème
à l’aide d’une perceuse, un médiator remplaçant l’habituel foret et permettant donc d’attaquer les cordes avec un débit ultra rapide
; petite anecdote, le groupe est d’ailleurs sponsorisé par la marque d’outillage japonaise Makita, allant même jusqu’à arborer
fièrement un magnifique backdrop publicitaire pour l’enseigne lors de certains concerts. Paul Gilbert joue sur des guitares Ibanez
branchées dans un ampli Marshall.
- 7 8 4 5 5 8 5 -
réglages d’ampli
(Avec une pédale d’overdrive de type TS9)
Ici aucun problème de mémorisation rythmique : quasiment tout est en doubles-croches ! Il faudra utiliser l’aller-retour strict et surtout bien surveiller la coordination des
deux mains. Je vous conseille de fragmenter le plan pour le mémoriser et ainsi isoler les difficultés.
87
Nous allons faire intervenir des hammer-on/pull-off pour cette deuxième partie du solo. Attention, cette phrase est bien plus compliquée qu’il n’y paraît. C’est votre main
gauche qui fait tout le travail, donc gérez bien vos pull-off afin de bien faire sortir chaque note (quitte à travailler le plan en son clair dans un premier temps).
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"Layla" (version Unplugged)
Eric Clapton
Cette chanson, originellement enregistrée à Miami le 9 septembre 1970 avec Duane Allman, était l'expression de frustration d'Eric
Clapton, qui était amoureux de Pattie Boyd, alors mariée à son ami George Harrison. Paula Boyd, la sœur de Pattie, qui vivait alors
avec Clapton, le quitta immédiatement en entendant "Layla". Mais cette première version ne fut pas un tube retentissant. Ressortie
en 72, elle attira une seconde et une troisième génération de fans, comme "Yesterday" ou "Satisfaction". Vers la fin de l'année 91, le
manager d'Eric lui confirma sa participation à l'émission de TV “Unplugged”. Depuis quelques années, "Layla" s'était transformée, l'intro
originale de Duane Allman (inspirée presque note pour note par "Viva Las Vegas" d'Elvis Presley) avait disparu et Eric Clapton en avait
ralenti le tempo. Lorsqu'il arriva à Bray TV Studios le 16 janvier 1992 devant un public réuni par le DJ de Radio 1, Johnnie Walker, il
avait travaillé sur sa Martin acoustique un répertoire comprenant son nouveau single "Tears In Heaven" dédié à la mort de son
jeune fils Connors, des blues comme "Nobody Knows You" et "San Francisco Bay Blues" et cette nouvelle version acoustique de "Layla".
Le disque qui s'ensuivit se vendit dans l'année à 6 millions d'exemplaires et il serait difficile de trouver quelqu'un de vivant à l'époque
qui n'ait pas vu le show ou le clip sur MTV.
Grille d’accords
La version acoustique de "Layla" est une des chansons qui ont le plus marqué les années 90. Le solo que joue Slow Hand dans cette version est absolument sublime
avec son toucher habituel et son phrasé si subtil. Nous sommes en tonalité de Ré mineur et Eric Clapton joue ici un mélange des gammes mineure pentatonique et mi-
neure naturelle de Ré. Album "Unplugged" de référence, donc à jouer de préférence à la guitare acoustique.
Voyons d’abord ici la première phrase du solo. Slow Hand joue une phrase en gamme mineure naturelle de toute beauté dans laquelle nous pouvons apprécier un phrasé
somptueux et riche en effets de jeu tels que les hammer-on, les pull-off et les slides.
89
Encore une magnifique phrase très mélodique dans laquelle l'interprétation rythmique et la présence des silences ont toute leur importance.
90
48
"Walk"
Dimebag Darrell
“Walk” est la troisième chanson figurant sur l’album “Vulgar Display Of Power” du power quartet texan Pantera, et
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c’est aussi le quatrième single issu de cet album (qui rappelons-le a été certifié deux fois Disque de Platine aux
Etats-Unis lors de sa sortie en 1993). Le morceau est né lors d’une balance de Pantera l’après-midi d’un concert durant la tournée
“Cowboys From Hell” : Dimebag joua le riff pour tester sa guitare et tout le reste du groupe craqua littéralement dessus, de là, ils
décidèrent donc de monter ce cultissime morceau autour de ce riff en 12/8. Le solo du morceau est indéniablement l’un des plus créatifs
de Dimebag et encore aujourd’hui l’un des plus repris par les fans du malheureusement défunt six-cordiste. Y figure notamment un
plan en tapping, où la note tappée par la main droite est ensuite glissée, puis la même note est immédiatement jouée par la main gauche
sur la corde supérieure et glissée à son tour ; le résultat étant assez inhabituel, ce plan aura grandement marqué les esprits. La chanson
est encore aujourd’hui la plus achetée du groupe sur iTunes. Notre confrère Guitar World US classa le solo de “Walk” 57e lors de son
listing des 100 meilleurs soli de tous les temps, tous styles confondus.
- 10 10 6 1 6 8 5 -
réglages d’ampli
Pour cette première partie du solo, il vous faudra vous appliquer à faire des bends et des vibrés assez expressifs, n’hésitez pas à exagérer le vibrato si vos doigts ne vous
font pas trop souffrir. Le plan de penta mesure 2 sera à faire en hammer/pull-off. Décortiquez bien le mouvement sur les changements de corde.
Ampli Randall Warheads, guitare Dean ML (Lightning Bolt).
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Deuxième partie de solo, nous avons un déplacement basé sur l’harmonisation de la gamme diminuée qui, je vous le rappelle, s’harmonise par intervalles de tierce
mineure, soit un ton et demi entre chaque note.
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49
"Another Day"
John Petrucci
L’album “Images & Words” est le deuxième du quintet progressif new-yorkais Dream Theater. Dès la sortie de ce disque en 1995, le
monde du metal prend un nouveau virage, la musique de Dream combinant pour la première fois le metal (Metallica, Pantera, etc.)
et le rock progressif (Yes, Rush, Kansas, etc.). Premier élément frappant, la virtuosité de tous les membres du groupe (ce n’est
d’ailleurs probablement pas un hasard si John Petrucci rencontre le batteur Mike Portnoy et le bassiste John Myung au sein de la
prestigieuse école de musique de Berklee aux Etats-Unis). Le style du groupe allie la puissance du riff et des signatures rythmiques
très recherchées, et même s’il est vrai que c’est donc une musique très écrite, il n’en ressort pas moins une musicalité absolument
phénoménale, où des chansons ultra complexes comme “Metropolis Pt II”, “Take The Time”, “Learning To Live” ou encore “Under A
Glass Moon” côtoient une approche beaucoup plus mélodique comme sur les titres “Surrounded”, “Wait For Sleep” et celui qui nous
intéresse ici : “Another Day”. John Petrucci compose cette chanson lorsqu’il apprend que son père a un cancer, il en écrira d’ailleurs
aussi les paroles. Alors que cette chanson avait été pensée comme étant LE hit potentiel de l’album, c’est finalement le single “Pull
Me Under” qui remportera le plus de succès commercial.
- 6 5 4 4 5 5 5 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Probablement un des soli les plus mélodiques de John Petrucci, il faudra donc prendre soin de respecter les slides et toute l’ornementation nécessaire à faire ressortir le
côté expressif du jeu. Attention par conséquent à la justesse de vos bends.
Micro double-bobinage aigu (à l'époque guitare Ibanez JPM), ampli Mesa/Boogie.
93
Cette partie du solo reste simple, mais il faudra toutefois être un peu plus vigilant sur l’aspect rythmique, l’ensemble doit être précis, et les triples-croches, même si elles
sont en legato et que le tempo est raisonnable, nécessiteront d’être bien articulées.
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50
"Rest In Peace"
Nuno Bettencourt
“Rest In Peace” est une chanson issue du troisième album du groupe de hard rock de Boston Extreme, “Three Sides To Every Story”.
Cet album est en fait un album concept, qui, comme son nom peut le suggérer, est divisé en trois parties. La chanson “Cupid’s
Dead” de ce même album les définit sous le nom de “Yours”, “Mine” et “The Truth”, chacune ayant son propre style musical et sa propre
imagerie quant aux textes. La première, “Mine”, sur laquelle figure la chanson qui nous intéresse aujourd’hui, est clairement orientée
vers un style hard rock teinté de funk, dans la grande lignée musicale des deux premiers albums du groupe. Les sujets évoqués sont
la guerre (“Warheads”), la politique (“Politycalamity”), le racisme (“Color Me Blind”) et enfin la paix avec “Rest In Peace”. La partie
“Mine” est diamétralement opposée, touchant à des sujets beaucoup plus personnels et introspectifs. Musicalement, cette partie laisse
à Nuno Bettencourt la possibilité d’expérimenter au niveau des arrangements, venant régulièrement compléter les parties de guitare
par du piano. Enfin, la dernière partie, “The Truth”, officie dans un registre beaucoup plus progressif, tant au niveau de la longueur
des morceaux que par la complexité des mises en place et des signatures rythmiques inhabituelles dans le rock plus conventionnel.
Au niveau guitare, le virtuose Nuno délivre une fois de plus un véritable travail d’orfèvre, agrémentant, comme à son habitude, ses
rythmiques de parties lead techniquement fulgurantes, mais toujours au service du groove et de la musicalité. Côté matos, Nuno est
un fidèle du son Washburn associé aux amplis Marshall.
- 7 9 6 5 5 7 - -
réglages d’ampli
Tout le solo tourne autour d’un superbe arpège de La9b5. Nous avons ici une sorte de question/réponse autour de cet arpège. Afin de faire ressortir un côté percussif,
vous pouvez étouffer légèrement avec la paume de votre main droite.
95
De nouveau cet arpège de La9b5, mais cette fois nous enchaînons avec une phrase en sextolets de doubles-croches sur laquelle vous noterez une syncope. Le plan n’est
pas facile, travaillez donc lentement.
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51
"Killing In The Name"
Tom Morello
“Killing In The Name” est une chanson tirée du premier album du groupe de rap/metal californien Rage Against The Machine. Lors
de sa sortie en single en novembre 1992, elle atteint la 25e place des charts au Royaume-Uni. Très engagé politiquement, ce titre est
une sorte d’hymne révolutionnaire dénonçant le racisme dans les agences de sécurité. De par son langage quelque peu virulent (le
mot “Fuck” revenant 17 fois dans la version non censurée), “Killing In The Name” devient immédiatement la chanson-phare du
groupe. La controverse qu’elle suscite crée le buzz, notamment en Angleterre où involontairement la BBC diffuse le morceau dans
son émission du Top 40, ce qui entraînera près de 138 plaintes dans les heures suivantes (le phénomène se reproduira à une
moindre échelle alors que le titre est diffusé dans une grande surface anglaise). La création trouve sa source lors d’un cours de guitare
que Tom Morello donne à un de ses élèves. En travaillant sur l’accordage en drop D (où la corde de Mi grave est baissée d’un ton),
Tom joue naturellement ce riff et, pensant tenir quelque chose de vraiment bien, l’enregistre immédiatement. Le lendemain, le
groupe part en répétition, et la magie opère, tout s’enchaîne naturellement, et Zach De La Rocha, chanteur du groupe, pose les
paroles instantanément. Le succès ne s’arrête pas là puisqu’en 2009, soit 17 ans plus tard, un couple lance une campagne Facebook
visant à éviter que, pour la cinquième année consécutive, le gagnant de l’émission télévisée X Factor ne soit numéro 1 des charts pour
Noël. Pour cela, ils encouragent les gens à acheter massivement le titre “Killing In The Name” sur iTunes afin que les bénéfices soient
alloués à une œuvre de charité. Avec plus de 750 000 membres, le but est atteint et le titre rapporte près de 110 000 dollars.
- 6 6 5 6 6 2 2 -
réglages d’ampli
Ce plan ne peut se jouer sans une Whammy pedal ou un multi-effet possédant une fonction pitch shifter modulable avec la pédale (foot control) de ce même multi-effet.
Réglez-les sur une octave vers le haut afin que le bout de la course de la pédale vous donne la même note à l’octave supérieure (+12). Synchronisez votre mouvement de
pied avec la découpe rythmique de la phrase (“ ” signifiant l’appui à fond sur la pédale).
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Dans ce deuxième exemple, le guitariste actionne la pédale de façon plus lente afin d’accentuer le côté blues du plan. Il termine à nouveau sa phrase par la quinte bémol,
qu’on appelle également “blue note” dans la gamme blues.
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"Paranoid Android"
Jonny Greenwood
A l'origine, Thom Yorke écrit cette chanson suite à un souvenir qu'il a mal vécu à Los Angeles où une meute de super fans de
Radiohead l'a alpagué par surprise dans un bar. “Paranoid Android” a été enregistré en septembre 96 sur plusieurs jours par Nigel
Godrich (qui par la suite allait devenir le maître du son de Radiohead) au cours des sessions de l'album “OK Computer”. Mélange
d'accords arpégés, d'ambiances fiévreuses et de guitares languides, le morceau fait le yoyo sous la direction de Jonny Greenwood
qui, sur sa Fender Telecaster, manie brutalité et caresse. Moins élancé que “Karma Police” mais tout aussi enivrant, “Paranoid
Android” contribue à étoffer le standing artistique du quintette d'Abington. “OK Computeur” est l'album le plus accessible de
Radiohead qui, depuis ses débuts, n'a jamais respecté aucune règle esthétique fondamentale. D'ailleurs, chez Greenwood, le
confortable est formellement proscrit. On le remarque effectivement sur le solo secoué et sanglé de “Paranoid Android”.
- 5 5 5 6 5 6 3 -
réglages d’ampli

Volume
Canal II Drive
Radiohead est un groupe où les solos sont rares. Pourtant, voici la preuve que le guitariste Jonny Greenwood peut créer des phrases certes pas très techniques mais
rythmiquement et mélodiquement très intéressantes. Nous sommes en La mineur pour ce premier système et nous avons un décalage double-croche/croche. Faites
bien attention aux bends, assez délicats vu l'emplacement sur le manche.
99
Pour la deuxième phrase (en 7/8 !), Jonny utilise des intervalles de septième Majeure qu'il décale d'une corde à l'autre. Faites attention à la justesse de la série de bends
de fin. Côté son, Jonny Greenwood utilise un ampli Vox AC30 et une Telecaster équipée d'un double-bobinage en position chevalet (à choisir pour ce solo).
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SOMMAIRE CD2
56. À la manière d'”Apache” 1à3 69. À la manière de “Pride And Joy” 31 & 32
57. À la manière de “Black Dog” 4&5 70. À la manière de “Proud Mary” 33 & 34
58. À la manière de “Ça (C'est Vraiment Toi)” 6&7 71. À la manière de “Purple Haze” 35 & 36
59. À la manière de “Drive My Car” 8&9 72. À la manière de “Rebel Rebel” 37 & 38
60. À la manière de “Hey Hey My My (Into The Black)” 10 & 11 73. À la manière de “Rosanna” 39 à 42
61. À la manière de “Hotel California” 12 à 15 74. À la manière de “Smoke On The Water” 43 & 44
62. À la manière de “Is This Love” 16 & 17 75. À la manière de “Sunshine Of Your Love” 45 & 46
63. À la manière de “Jumpin’ Jack Flash” 18 à 20 76. À la manière de “Sweet Home Alabama” 47 & 48
64. À la manière de “Message In A Bottle” 21 & 22 77. À la manière de “That's All Right Mama” 49 à 52
65. À la manière de “Mr. Tambourine Man” 23 & 24 78. À la manière de “The Dock Of The Bay” 53 & 54
66. À la manière de “New Year's Day” 25 & 26 79. À la manière de “Voodoo Chile” 55 à 57
67. À la manière de “Nothing Else Matters” 27 & 28 80. À la manière de “Walk This Way” 58 & 59
68. À la manière de “Pinball Wizard” 29 & 30 81. À la manière de “While My Guitar Gently Weeps” 60 à 63
55
"Apache"
The Shadows
Morceau très célèbre écrit par Jerry Lordan en 1954 dont l'enregistrement original est celui de Hank
Album :
Single
Année : 1960
Guitariste :
Hank Marvin
Guitare : Fender
Marvin et les Shadows. Certainement l'un des plus grands standards de la guitare, avec un son de guitare Stratocaster
très cristallin agrémenté d'une belle réverbe et d'un slap back delay, sans oublier le grand sourire de Hank Style : surf
Tonalité : Am
Marvin ! Par Arnaud Leprêtre - www.arnaudlepretre.com Tempo : 132
Grille d'accords
"Apache" est joué en tonalité de La mineur. La grille principale comporte cependant une modulation du fait de la présence de l'accord de Ré Majeur (D), et sous-entend
pour le passage Am > D le mode de La dorien, deuxième mode de la tonalité de Sol Majeur.
exemple 1
Ce premier exemple concerne la rythmique principale jouée dans ce morceau. Nous
4 - - 6 6 4 4 5 5
jouons pour cette rythmique un accompagnement basé autour de croches, agré- Clean
Volume
Canal II Drive
mentées pour le premier temps de doubles-croches jouées sur le contretemps,

ce qui apporte à la rythmique un rendu sonore très intéressant.
exemples 2 et 3
L'exemple 2 met en évidence le jeu au vibrato de Hank Marvin, notamment dans 4 - - 6 6 4 4 5 5
la deuxième mesure où il descend la note Sol d’un demi-ton avec la barre de vibrato. Clean
Volume
Canal II Drive
L'exemple 3 cherche plus à vous montrer l'importance du rythme et l'effet qu'il peut
l'utilisation du slap back delay (delay très court) dans le son de Hank Marvin.
avoir quant à la musicalité du rendu sonore. Ces deux exemples montrent aussi
2
3
56
"Black Dog"
Led Zeppelin
“Black Dog” est le premier single (et premier titre) de l'album "Led Zeppelin IV", sorti le 2 décembre 1971.
Album :
Led Zeppelin IV
Année : 1971
Guitariste :
Jimmy Page
Guitare :
La chanson tire son nom d'un labrador noir errant qui venait souvent rendre visite au groupe pendant les Gibson Les Paul
séances d'enregistrement de l'album. Le célèbre riff a été trouvé par John Paul Jones. C'est réellement le Style : hard rock
Tonalité : La Majeur
premier morceau du groupe où il participe autant à l'écriture que Jimmy Page. Pour ce qui est du chant et Tempo : blanche = 80
de la batterie, les génies sont au rendez-vous, comme toujours...
Par Stéphane Boget – www.stephaneboget.com
gRille d’accoRds
Voici la grille d'accords du solo de guitare. Cette suite d'accords est d'abord jouée vers 1'40 dans la version originale. La tonalité est La Majeur. Notons que la batterie
nous oblige à écrire avec une signature en 2/2, et de ce fait à adopter une pulse à la blanche.
le son
L'idéal est de jouer sur un humbucker (micro à double-bobinage) en position chevalet. On utilisera le son disto de l'ampli avec un gain compris entre 5 et 7 (selon les amplis).
Réglages d’ampli
pour les deux exemples
- 6 2 7 4.5 6 6 - 2
exemple 1
Ce premier exemple utilise les notes de Mi mineur pentatonique en y ajoutant le Ré# (septième Majeure). C'est une bonne illustration de décalage rythmique : le motif tourne
sur neuf croches et les mesures sont en 2/2. Cela signifie que le motif se décalera d'une croche à chaque changement de mesure. La quatrième mesure dont la signa-
ture est en 3/2 vient ajouter deux temps à la fin de la tournerie afin de boucler l'ensemble.
exemple 2
Toutes les mesures sont amenées par une syncope, cela signifie que l'accord A5 débute sur la croche qui précède ce premier temps, autrement dit sur la dernière croche
de chaque mesure. Le mélange des pentatoniques (Majeure et mineure) en tonalité de La vient accentuer le côté rock’n’roll de l'histoire.
57
"Ça (C'est Vraiment Toi)" Album :
Dure Limite
Téléphone
"Ça (C'est Vraiment Toi)" est une chanson de Téléphone qui figure sur l'album "Dure Limite". Enregistré en
Année : 1982
Guitaristes :
Jean-Louis Aubert /
Louis Bertignac
Guitares :
Gibson Les Paul /
1982 à Toronto et produit par Bob Ezrin (Alice Cooper, Lou Reed, Pink Floyd…), le disque sera le plus Gibson SG
grand succès de l'histoire du groupe et donnera à Téléphone une dimension internationale. A l'image de "Ça Style : rock
Tonalité : Mi Majeur
(C'est Vraiment Toi)", Téléphone ne cache pas son goût pour le rock’n’roll et incarne le rock français. Tempo : 144
gRille d'accoRds
Voici la grille d'accords du refrain. La tonalité est Mi Majeur.
le son
Je vous invite à utiliser le micro chevalet de votre guitare. L'ampli sera réglé sur le canal overdrive avec un gain avoisinant les 6/10.
Réglages d’ampli
pour les deux exemples - 6 3 5 5 7 6 - 2
exemple 1
Ce premier exemple est une variante du riff principal que l'on retrouve dans le break du morceau. Le riff joue tout simplement les notes des accords (F/3M/5). Notons
que certaines notes sont à jouer en palm mute, c'est-à-dire en laissant reposer la paume de la main droite sur les cordes au niveau du chevalet.
exemple 2
Pendant que la guitare 1 joue des power chords avec un débit à la croche, l'autre guitare marque l'after beat en jouant les deuxièmes et quatrièmes temps et en faisant
au passage appel aux triades sur les trois cordes aiguës. Bon exemple de complémentarité des deux parties de guitare.
58
"Drive My Car" Album :
The Beatles
“Drive My Car”… que dire d'autre que “légendaire” pour qualifier ce morceau avec lequel les Beatles
Rubber Soul
Année : 1965
Guitaristes :
George Harrison /
John Lennon
Guitare :
prouvent encore une fois leur capacité à innover tout en s'inspirant de tout ce qu'ils peuvent écouter. Ce Gibson Les Paul
titre fut principalement composé par McCartney (aidé de Lennon pour finir le texte), mais le riff caractéristique Style : rock
Tonalité : Ré Majeur
tournant autour des triades revient à Harrison (riff doublé par la basse de McCartney). Tempo : 122
Par Thibault Hennart - https://www.facebook.com/hopesoffreedom
Grille d’accords
Le plan de guitare servant d’introduction est quelque peu particulier quant à sa I modifié). On peut noter, pour l'accompagnement du couplet, l'utilisation des de-
construction. En effet, si nous devions lui attribuer une métrique pour le mettre grés du blues : I, IV et V. Autre inspiration blues du morceau : l'utilisation de la
en place, elle serait la suivante : 4/4 pour la première mesure et 9/8 (4/4 + 1/8) pour pentatonique de Ré mineur sur le solo. Notez que la grille de ce dernier est la même
la seconde. La grille reste tonale d'un bout à l'autre du morceau à l'exception du E que celle du couplet, on a donc une pentatonique mineure sur une suite d'accords
du refrain (deuxième degré rendu Majeur qui sert de dominante au A dans ce II-V- appartenant à la tonalité de Ré Majeur.
exemple 1 3 - - 5 5 4 4 1 5
Nous allons essayer ici de nous rapprocher du riff d’accompagnement des couplets
tournant autour des triades Majeures. Le principe est de partir de la fondamen- Volume Canal II Drive
tale de l'accord et de se servir de la seconde comme note de passage pour appro- Essayez, si vous êtes en son clair, de laisser sonner la tierce pendant que vous jouez
cher la tierce, puis de faire sonner conjointement la quinte et la fondamentale. les deux autres notes afin de faire résonner l’ensemble de l’accord.
exemple 2
Dans ce solo, Harrison utilise le principe de “question/réponse” en démarrant les
3 - - 5 5 6 4 3 6
trois premières phrases de la même façon. Voici donc ce départ (mesure 1) au-
quel j'ai ajouté la phrase de conclusion (mesures 2, 3 et 4). Prenez garde aux bends Volume Canal II Drive
qui sont joués sur des notes courtes et pour lesquels la justesse peut être difficile à gérer au tempo réel.
59
"Hey Hey My My (Into The Black) "
Neil Young
Cette chanson clôt l'album “Rust Never Sleeps”, tandis que la version acoustique “Hey Hey My My (Out Of
Album :
Rust Never Sleeps
Année : 1970
Guitariste :
Neil Young
Guitare : 1953 Gibson
The Blue) le démarre. Inspiré par les musiciens du groupe Devo et l'émergence du mouvement punk, ce Les Paul
morceau influencera de nombreux groupes grunge, pop et rock (Nirvana, REM, Oasis, etc.) et reste un Style : hard rock
Tonalité : La mineur
classique live de Neil Young. Par François Hubrecht - http://frh664.wix.com/francoishubrecht Tempo : 122
gRille d’accoRds
La grille (de seize mesures) est composée de deux séquences de quatre mesures. La première La min / Ré / La min (2 x) est jouée deux fois, puis répétée à la fin. Notez
que nous sommes en La mineur dorien (deuxième mode de Sol Majeur). La deuxième séquence est en Do Majeur (Do / Sol / La min / Fa Maj).
le son
Pour faire sonner ce morceau, il vous faudra un son de fuzz bien gras. Neil Young branche directement sa Gibson “Ol' Black” (une Goldtop repeinte en noir, équipée d'un
vibrato Bigsby, d'un P90 côté manche et d'un mini-humbucker Firebird côté chevalet) sur un vieux Fender Tweed Deluxe. J'ai pour ma part couplé une pédale FuzzHead
de Robert Keeley (avec le gain presque au max) avec la distorsion de l'ampli pour retrouver le sustain et le grain de Neil.
Réglages d’ampli - 6 5 7 7 6 4 2 -
exemple 1
Inspiré de la rythmique jouée sur la seconde séquence harmonique, cet exemple en Do Majeur mélange accord et petite phrase. Notez que la répétition du riff en mesure
4 sous-entend un Fa Majeur 7. A jouer énergiquement, comme très souvent avec Neil Young.
10
exemple 2
Cet exemple s'inspire de plusieurs phrases solo de Neil dans le morceau. On retrouve les harmoniques sifflantes et les bends à l'unisson à l'intérieur desquels le guita-
riste relâche la note tirée pour créer des dissonances.
11
60
"Hotel California" Album :
Eagles
“Hotel California” est sans aucun doute une des chansons les plus réussies dans l'histoire de la musique,
Hotel California
Année : 1976
Guitaristes :
Don Felder /
Joe Walsh
Guitare :
à voir qu'elle est encore programmée en radio régulièrement presque 40 ans après ! Sa sublime intro Gibson Les Paul
jouée en arpège et son fantastique solo de guitare dans lequel Don Felder et Joe Walsh s'échangent Style : ballade rock
Tonalité : Bm
d’exquises phrases en ont fait un succès interplanétaire ! Tempo : 74
Par Arnaud Leprêtre - www.arnaudlepretre.com
Grille d'accords
La grille d'accords de “Hotel California” s'avère très riche au niveau des accords. Nous sommes en tonalité de Si mineur et tous les accords rencontrés dans cette grille
sont diatoniques à cette tonalité, avec, précisons-le pour le F#7, un emprunt à la gamme de Si mineur harmonique. Précisons aussi que du fait de l'utilisation du capo-
dastre à la septième case, l'écriture du nom des accords sur la partition est transposée une quinte parfaite plus bas. Pour exemple, le Bm du début de la grille sera rem-
placé sur la partition par un Em, etc. De même, l'armure à la clé passera de la tonalité de Si mineur (deux dièses à la clé) à celle de Mi mineur (un dièse à la clé).
exemples 1 et 2 5 - - 5 4 5 5 4 4
La fabuleuse intro de cette chanson est jouée en arpège au médiator, et le capo- Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
dastre est situé en case 7. Je vous propose ici deux extraits de la partie arpégée
de l'intro, l'un (ex. 1) sur l'accord de Em (le son entendu du fait du capodastre est podastre est celui d'un Sol), qui a en plus la particularité à la fin de la mesure de
celui d'un Si mineur), l'autre (ex. 2) sur l'accord de C (le son entendu du fait du ca- comporter deux notes liées par un hammer-on.
12
13
exemples 3 et 4
Précisons que les parties solo sont jouées sans le capodastre en case 7, et de ce - 7 5 6 5 5 4 5 -
fait la tonalité repasse en Si mineur au niveau de l'écriture de la partition. La chose Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
très intéressante dans ce solo est que les deux guitaristes se partagent le solo en
s'échangeant les différentes interventions. La première phrase (ex. 3) est signée Les parties solo de Joe Walsh n'en sont pas moins intéressantes avec notam-
Don Felder, et est jouée en gamme de Si mineur pentatonique agrémentée de la ment l'exemple 4 dont la particularité est de jouer sur le deuxième temps une
note La# sur l'accord de F#7, note empruntée à la gamme de Si mineur harmonique. note en bending suivie d'une autre note en bending sur la corde de Si.
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61
"Is This Love" Album : Kaya
Bob Marley
Voici “Is This Love”, un des titres les plus connus de Robert Nesta Marley alias Bob Marley. Outre son
Année : 1978
Guitaristes :
Bob Marley /
Al Anderson /
Junior Marvin
Guitare :
génie pour le groove et l’écriture des mélodies, Bob Marley est connu pour avoir rendu populaires le reggae Gibson Les Paul
et la culture rastafari en leur donnant une audience planétaire. Style : reggae
Tonalité : Fa# mineur
Par Thibault Hennart - https://www.facebook.com/hopesoffreedom Tempo : 123
Grille d’accords
Bien que simpliste au premier coup d’œil, le travail de la guitare dans ce style est jouer le plus possible au fond du temps pour restituer le groove et ne pas hésiter
loin de l’être. En effet, l’instrument prend à sa charge deux éléments fondamentaux, à attaquer les cordes avec un mouvement souple et décontracté.
à savoir : - les cocottes (pour la guitare lead), pour lesquelles il faut jouer un court motif com-
- le “skank” (pour la guitare rythmique), qui consiste à jouer les accords sur les temps posé de notes étouffées (palm mute) souvent basé sur une figure rythmique rapide.
2 et 4 (after beat) de la façon la plus sèche possible (son coupé juste après l’at- Les cocottes pourront éventuellement être une doublure de la basse. L’attaque et
taque) en ajoutant de façon aléatoire des ghost notes entre ces attaques. Il faut le fond du temps doivent ici encore être l’élément recherché.
réGlaGes d’ampli 5 - - 5 5 6 4 1 5
exemple 1 pour réussir à bien faire sonner et groover cet exercice. Jouez les accords de la
Voici un exemple de guitare rythmique basé sur la grille du couplet utilisant le skank façon la plus sèche possible en coupant le son juste après l’attaque. Essayez, le
précédemment cité. Prenez garde à la pulsation dont l’approche est primordiale plus possible, de vous placer au fond du temps.
16
exemple 2
Voici un exemple de cocotte utilisable sur le couplet. Attention ici à bien utiliser le pose un quelconque problème, jetez un œil à la page du morceau “Boys Don’t
palm mute afin d’obtenir des notes courtes et de bien attaquer les cordes avec le Cry” où un exemple est consacré à cette figure rythmique qui peut être difficile à
médiator. Si le placement du triolet de noires (trois noires pour deux temps) vous appréhender.
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62
"Jumpin’ Jack Flash"
The Rolling Stones
Un des morceaux phares des Stones, dans lequel se trouvent un super riff d'intro et quelques parties
Album : single
Année : 1968
Guitariste :
Keith Richards
Guitare : Fender
rythmiques très intéressantes signées Keith Richards. Par Arnaud Leprêtre - www.arnaudlepretre.com Telecaster
Style : rock
Tonalité : Bm
Tempo : 137
Grille d'accords
Cette chanson des Stones est jouée en tonalité de Si mineur. Nous retrouvons pour chaque partie (intro, couplet, refrain) les mêmes accords, joués dans des ordres dif-
férents, et précisons que tous ces accords sont des accords Majeurs.
exemples 1 et 2 5 - - 6 6 5 4 4 5
Ce morceau est surtout constitué d'un riff et de différentes rythmiques. La première Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
que je vous propose (exemple 1) est un extrait faisant intervenir un accord de Si
Majeur dont la particularité est qu'il faut le jouer en entier au début de la mesure, 2 est une partie du riff et concerne la mélodie jouée en single notes, dont les
pour ensuite ne jouer que la basse de cet accord avec un rythme en croches. L'exemple notes sont issues de la gamme mineure pentatonique de Si.
18
19
exemple 3
Voyons maintenant ce petit riff qui fait office de deuxième guitare dans le refrain. - 3 5 5 5 4 4 4 -
La particularité de ce riff est qu'il est joué sur les trois cordes aiguës, et que les notes Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
jouées correspondent aux accords de la guitare principale (guitare rythmique).
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"Message In A Bottle" Album :
Reggatta De Blanc
The Police
Premier single extrait de leur deuxième album "Reggatta De Blanc", “Message In A Bottle” est le premier
Année : 1979
Guitariste :
Andy Summers
Guitare : 1963 Fender
Telecaster (avec un
humbucker en micro
morceau de The Police a avoir été n°1 au Royaume-Uni. Entré en studio sans aucune pression, le groupe manche)
enregistre ce deuxième album en seulement quatre semaines (étalées sur plusieurs mois) pour un budget Style : reggae/post-punk
Tonalité : C#m
inférieur à 10 000 $ ! Le batteur Stewart Copeland raconte d'ailleurs que le groupe n'avait même jamais répété Tempo : 150
les morceaux avant leur enregistrement. “Message In A Bottle”, écrit par Sting à l'arrière d'un bus à l'aide
d'un enregistreur incluant une boîte à rythmes, a marqué toute une génération par son riff original, ses paroles
fédératrices et ses cassures rythmiques, mélange habile de rock et de reggae.
Par Eric Lorcey – http://ericlorcey.wix.com/music
Grille d’accords
Ce morceau est construit autour de quatre grilles. La principale, celle du couplet, est un enchaînement d'accords sus2, une des marques de fabrique du guitariste Andy
Summers. Les autres sont construites avec les accords diatoniques de la tonalité.
exemple 1
Voici un arpège qui vous fera travailler les positions des accords sus2. Nous jouons
5 - - 5 5 6 5 3 5
la grille du couplet. Il faut donc considérer chaque groupe de trois notes succes- Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
sives comme une position (à l'exception du dernier accord qui s'étend sur les
cinq dernières notes) et utiliser votre premier doigt pour la basse, votre deuxième doigt pour la quinte et votre quatrième pour la troisième note.
21
exemple 2 5 - - 5 5 6 5 3 5
Voici plusieurs petites phrases mélodiques qui enrichissent les refrains. Elles Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
sont construites autour des triades des accords de C#m7 et A. Mesure 4, j'utilise
deux doigts pour le bend (le premier et le deuxième) et mon quatrième doigt pour jouer la neuvième case corde de Mi.
22
64
"Mr. Tambourine Man" Album :
Mr. Tambourine Man
Année : 1965
The Byrds
Ce titre est souvent attribué à tort aux Byrds qui ont eu la bonne idée d'en faire une reprise avant même la
Guitaristes :
Jim McGuinn, Gene
Clark, David Crosby
Guitares : Rickenbacker
électrique 12 cordes,
Martin acoustique,
sortie de l'original contenu dans le cinquième album de Bob Dylan “Bringing It All Back Home”. Cette Gibson 335
version des Byrds paraît sur leur premier album intitulé lui aussi “Mr. Tambourine Man”. Elle est plus Style : folk rock
Tonalité : D
courte que celle de Dylan et moins intimiste puisqu'elle est interprétée par trois voix, trois guitares et une Tempo : 123
section rythmique. Pour la petite histoire, le “Mister Tambourine Man” dont il s'agit dans cette chanson est
Bruce Langhorne, guitariste très présent de la scène folk du Greenwich Village des années 60 et qui a
joué sur la version de Dylan. Mister Langhorne a également accompagné Paul & Mary, Joan Baez et Tom
Rush… Par Olivier Pierrot - https://www.facebook.com/olivier.pierrot
Grille d’accords Son : guitare acoustique ou guitare électrique en son clair. Pour l'introduction,
Il y a deux grilles, une pour le couplet et une pour le refrain. Attention, ce titre dé- l'utilisation d'un octaver réglé à l'octave supérieure permet de se rapprocher du son
bute par le refrain, ce qui est plutôt rare. de la douze-cordes électrique utilisée par Jim McGuinn.
réGlaGes d’ampli 6 - - 5 5 5 - 2 5
exemple 1
Voici la rythmique à utiliser pour l'accompagnement, elle reste identique tout au long du morceau.
23
exemple 2
L'intro et l'outro de ce morceau sont constituées du même gimmick joué à la douze-cordes mais qui peut être interprété sur une six-cordes.
24
65
"New Year’s Day"
U2
C’est en écoutant l’album duquel ce titre est extrait que le légendaire Keith Richards a dit avoir été
Album : War
Année : 1983
Guitariste : David Evans
(The Edge)
Guitare : Fender
impressionné par le jeu de The Edge (qui, non content de gérer la guitare, s'occupe également du piano sur Stratocaster
ce morceau). Il utilise, pour l’accompagnement, des interventions de guitares saturées agrémentées d’un Style : rock / new wave
Tonalité : Sol# mineur
delay réglé à la noire pour ses accords plaqués (qui crée une répétition de ses attaques parfaitement Tempo : 133
calibrée au tempo) et des tapis de doubles-croches en ghost notes au milieu desquels s'intercale un Sol#
en note pédale. Le solo, quant à lui, privilégie les idées mélodiques, efficaces et entêtantes, au grand
nombre de notes. Par Thibault Hennart - https://www.facebook.com/hopesoffreedom
Grille d’accords
La grille prend une couleur modale (mode aeolien) à la fin du couplet en raison de rer le nombre de répétitions : plus il est élevé, plus le son d’origine sera répété. Le
l'absence d’accord de dominante. En effet, l'accord de fin de carrure est un D#m “time” sert à régler l’espacement entre l’attaque et la répétition ; cet élément est, se-
et non un D# employé dans une grille tonale. lon la pédale utilisée, réglable à l’aide de plusieurs pressions successives (tap tempo).
Voici quelques infos pour comprendre les réglages du delay. Le feedback sert à gé- Le level sert à régler le niveau d’effet.
exemple 1 - 7 4 5 6 5 3 1 5
Dans cet exemple, nous travaillerons sur un riff qui se rapproche de ceux utilisés Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
par The Edge au long du titre. Pour le son, utilisez un delay réglé à un niveau
moyen avec un feedback faible et calibrez-le à la vitesse choisie pour l’exercice à bien faire ressortir les ghost notes en attaquant toutes les cordes et en bloquant
l’aide de l’option “tap tempo”. Essayez d’obtenir un son propre mais énergique et de celles qui ne doivent pas sonner à l’aide de la main gauche.
25
exemple 2
Voici un court extrait inspiré du solo. Il faut essayer pour se rapprocher du son - 7 6 5 6 5 4 1 6
original de programmer un delay court avec peu de feedback (une ou deux répéti- Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
tions au plus) et, encore une fois, utilisez le tap tempo pour le régler à la bonne vi-
tesse. N’omettez pas de bien faire sonner les slides qui ajouteront beaucoup à l’expressivité de la mélodie.
26
66
"Nothing Else Matters" Album : Metallica
Metallica
“Nothing Else Matters” est le morceau qui a fait le succès commercial de Metallica en lui ouvrant les
(alias Black Album)
Année : 1991
Guitaristes :
James Hetfield /
Kirk Hammett
Guitare :
portes du grand public. Cette ballade rock, composée par James Hetfield alors qu'il était en tournée, loin ESP Black Explorer
de sa petite amie, est présente sur leur cinquième album, éponyme (surnommé le "Black Album"), le Style : ballade rock
Tonalité : Em
premier produit par Bob Rock. Cet album marque un tournant musical : Metallica abandonne progressivement Tempo : 145
le "thrash" metal de ses débuts pour un style plus lourd. Bob Rock a suggéré aux membres du groupe
d'incorporer un orchestre dans la chanson et ils font alors appel au compositeur Michael Kamen, qui
conduira huit ans plus tard l'orchestre philharmonique de San Francisco lors de l'enregistrement du double
album live “S&M”. Par Eric Lorcey – http://ericlorcey.wix.com/music
Grille d’accords
La grille de ce morceau est construite sur les accords diatoniques de Mi mineur, à l'exception du B7 qui est un emprunt à la gamme de Mi mineur harmonique. Nous sommes
en 3/4.
exemple 1
Ce premier exemple présente un accompagnement rythmique sur la grille du cou- 5 - - 5 5 6 6 3 5
plet. Le principe ainsi est d'accentuer les noires pointées. Cet exemple ainsi que Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
le suivant sont inspirés des parties de James Hetfield.
27
exemple 2 - 4 5 3 5 6 5 2 -
Cet extrait du solo de fin (inspiré des variantes du live “S&M”) est principalement Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
construit sur la gamme de Mi dorien, c'est-à-dire Mi mineur avec une sixte Majeure
(Do#). A partir de la mesure 5, nous jouons sur la pentatonique de Mi mineur. Attention Je vous conseille d'utiliser le troisième doigt sur la corde de Si et de faire le bend
au bend mesure 5 : il faut tirer la corde de Sol tout en conservant celle de Si en place. avec le premier et le deuxième doigt.
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67
"Pinball Wizard"
The Who
"Pinball Wizard" ("magicien du flipper") est une chanson des Who écrite par Pete Townshend qui apparaît
Album : Tommy
Année : 1969
Guitariste :
Pete Townshend
sur l'album opéra-rock "Tommy". Pour la petite histoire, cette chanson est chantée par un champion de flipper, Guitare : Gibson SG
choqué par le talent inné de Tommy pour ce jeu. On y retrouve un mélange de guitares acoustiques et Style : rock
Tonalité : Si Majeur
électriques avec des refrains plus agressifs (power chords et distorsion). Tempo : 130
Grille d’accords
La partie A reprend le couplet et la partie B le refrain, ou du moins le riff qui suit le couplet. La tona-
lité est Si Majeur.
le son tare, une position intermédiaire pour le premier exemple sera la bienvenue. L'ampli
Bien que vous puissiez jouer les deux exemples avec le micro chevalet de votre gui- sera réglé en son clean pour débuter, puis en son crunch pour le second exemple.
exemple 1 2 - - 5 4 5 6 2 2
Le débit est à la double-croche et nous accentuerons certaines notes pour don-
ner du relief à l'ensemble : pour cela, il peut vous être utile de penser les seize Volume Canal II Drive
doubles-croches en plusieurs groupes de notes (3+3+3+3+2+2) en accentuant la Majeurs. L'accord sus4 signifie que l'on "suspend" la tierce, la remplaçant ainsi
première de chaque groupe. Les accords rencontrés sont des accords sus4 et par la quarte.
29
exemple 2
Ce riff fait appel aux power chords joués en haut du manche. Notons que seul le
- 5 2 6 4 5 6 2 2
premier temps est marqué, le reste étant joué sur les contretemps (le "et" de chaque Clean
Volume
Canal II Drive
temps appelé partie faible).
30
68
"Pride And Joy"
Stevie Ray Vaughan
"Texas Flood" est le premier album de Stevie Ray Vaughan et son groupe Double Trouble, sorti le 13 juin
Album : Texas Flood
Année : 1983
Guitariste :
Stevie Ray Vaughan
Guitare : Fender
1983 et enregistré en seulement trois jours. Tous les morceaux de l'album sont des chefs-d'œuvre et Stratocaster
incarnent le Texas blues à la manière de maître Stevie. Voici une illustration du boogie blues shuffle façon Style : blues rock
"Pride And Joy". Par Stéphane Boget – www.stephaneboget.com Tempo : 126
gRille d’accoRds
Il s'agit de la grille basique de blues en douze mesures utilisant les degrés I, IV et V en tonalité de Mi.
le son
Une guitare de type Stratocaster sera l'idéal, avec le sélecteur de position réglé - soit en restant en son clair mais en utilisant une pédale d'overdrive type Tube
sur le micro grave. Pour l'ampli, vous avez le choix de jouer en son clair ou avec Screamer branchée entre la guitare et l'ampli.
un léger crunch. Ce léger crunch peut être obtenu de différentes manières : - une troisième possibilité est de mettre le volume de votre ampli au maxi et de
- soit en utilisant très peu de gain sur le canal saturé de l'ampli. gérer le niveau sonore avec le potard de gain : son claquant assuré !
Réglages d’ampli 3 - - 7.5 4 5 5 - 3

pour les deux exemples Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
exemple 1
Ce boogie blues en Mi est joué en shuffle tout du long, cela signifiant que les croches gulier tandis que la main gauche se charge d'étouffer les notes indésirables. Cela
sont à jouer telles les première et troisième croches d'un triolet (interprétation permet de libérer la main droite et ainsi de pouvoir jouer de manière incisive. Notons
ternaire). La technique de muting nous sera indispensable pour faire sonner ce wal- aussi les ghost notes jouées vers le haut (coup de médiator) que l'on accentuera
king : la main droite attaque pratiquement toutes les cordes avec un balayage ré- légèrement.
31
exemple 2 blues et qui fait appel aux cordes à vide. Les slides, hammers et pull-off mar-
Voici une phrase à la manière du maître qui utilise les notes de la gamme de Mi quent la couleur blues à tout jamais.
32
69
"Proud Mary"
Creedence Album :
Bayou Country
Année : 1969
Guitaristes :
John et Tom Fogerty
Clearwater Revival
Guitare :
Gibson Les Paul
Style : swamp rock
Tempo : 120
“Proud Mary”, aussi connu sous le titre “Rolling On The River”, est issu du deuxième album de Creedence
Clearwater Revival et est un des morceaux les plus connus du groupe. Il fut repris en 1971 par les célèbres
Ike and Tina Turner qui classèrent à nouveau le titre dans les charts britanniques.
Par Thibault Hennart - https://www.facebook.com/hopesoffreedom
Grille d’accords
Ce titre présente une particularité harmonique sur le riff d’introduction (qui ser- plus, ce riff est joué sur un rythme très syncopé. Le reste de la grille est quant à
vira également de pré-solo) car celui-ci emploie une succession d’accords Majeurs lui tout à fait tonal. On notera l’utilisation des degrés I, V et VIm.
(C, A, G, F) ne faisant pas partie de la tonalité principale. Cette particularité tiendrait Pour vous rapprocher du son, utilisez un son clair avec une réverbe et peu de
au fait que l’auteur et compositeur de la chanson, John Fogerty, voulait faire un clin compression afin de conserver toute l’expressivité du jeu tout en rehaussant lé-
d’œil à la cinquième symphonie de Beethoven qu’il aime tout particulièrement. De gèrement le son des notes en palm mute pour la guitare lead.
réGlaGes d’ampli 5 - - 5 5 6 3 3 6
exemple 1 chant (“Rolling On The River”). Utilisez pour le jouer la technique de l’“hydrid picking”,
Voici un exemple de rythmique présente dans le refrain que j’ai pris soin de conclure c'est-à-dire le médiator, pour la note grave, et le majeur de la main droite pour la
par un petit riff utilisant des notes harmonisées à la sixte et rappelant la mélodie du note aiguë. Essayez d’obtenir le même niveau sonore pour les deux notes.
33
exemple 2
Cette phrase est inspirée de celles utilisées dans le solo. Elle emploie à nouveau se révéler délicat, surtout au tempo original en raison de l’utilisation de la technique
le principe des sixtes (très typées country rock) autour des notes des triades de A de l'hybrid picking. Si vous décidez de n’utiliser que le médiator, attention aux sauts
(La, Do# et Mi) et Bm (Si Ré et Fa#). Attention au placement rythmique qui peut de cordes.
34
70
"Purple Haze" Album :
Jimi Hendrix
“Purple Haze” est une chanson écrite par Jimi Hendrix le 17 décembre 1966 dans une boîte de nuit
Are You Experienced
Année : 1967
Guitariste :
Jimi Hendrix
Guitare : Fender
Stratocaster
londonienne. Elle sera enregistrée avec son groupe The Jimi Hendrix Experience en 1967 et figurera sur Style :
l'édition américaine de leur premier album "Are You Experienced". Bien que certains peuvent penser que rock psychédélique
les paroles font allusion à la marijuana, Jimi affirmait lui que l'idée était venue d'un rêve barré. Cette Tempo : 110
chanson, endiablée et très bluesy, est considérée par beaucoup comme l'un des précurseurs du hard rock.
"Are You Experienced" va vite se placer parmi les albums emblématiques du rock psychédélique, et devenir
l'un des meilleurs albums de l'histoire du rock. Par Stéphane Boget – www.stephaneboget.com
gRille d’accoRds
Les parties A et B sont respectivement les couplet et pont du morceau. La tonalité est Mi Majeur.
le son
Une guitare type Fender Stratocaster sera la bienvenue. La position micro chevalet combinée à un gros son crunch fera office de cerise sur le gâteau…
Réglages d’ampli - 6 3 7 4 5 6 - 2
exemple 1
Cet exemple reprend la dernière phrase solo de l'intro. Elle utilise les notes de Mi mineur pentatonique et les slides, hammers, pull-off et bends rappellent la couleur blues.
35
exemple 2
On renfonce le clou avec l'accord E7 9# qui vient prendre le relais pour teinter à nouveau de blues cette rythmique hendrixienne. Les trois accords E, G et A sont respecti-
vement les degrés I, IIIb et IV en tonalité de Mi Majeur.
36
71
"Rebel Rebel"
David Bowie
“Rebel Rebel” est un morceau issu du huitième album de David Bowie, "Diamond Dogs", sorti en 1974.
Album :
Diamond Dogs
Année : 1974
Guitariste :
David Bowie
Guitare :
Cet album marque l'apothéose et la fin de la période glam rock du chanteur. C'est un album-concept qui Hagstrom Kent
raconte un futur proche dominé par un dictateur (David Bowie souhaitait au départ adapter “1984” de Style : glam rock
Tonalité : A
George Orwell mais les droits lui furent refusés). Sur cet album, David Bowie décide de tenir lui-même le Tempo : 120
rôle de guitariste, ajoutant “un son abrasif, rauque, semi-amateur, qui donne à l'album beaucoup de sa
couleur caractéristique”, comme l'ont décrit certains critiques.
Par Eric Lorcey – http://ericlorcey.wix.com/music
Grille d’accords
Ce morceau est construit à 99 % sur ces deux accords : D et E. L'intérêt réside ici justement dans cette répétition que martèle le riff.
exemple 1
Voici donc le riff qui constitue tout le morceau ! Il n'est pas compliqué. Laissez bien - 4 5 4 5 6 5 2 -
sonner les notes afin de créer une sorte de nappe. Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
37
exemple 2
- 3 5 4 5 6 5 2 -
En live, David Bowie a apporté quelques variations. En voici une, juste avant le re-
frain. Nous jouons ici quatre accords. Attention à la petite pêche en l'air mesure 4. Volume Canal II Drive
38
72
"Rosanna"
Toto
"Rosanna", tube interplanétaire des années 80 du groupe Toto, dont le guitariste Steve Lukather est une
Album : IV
Année : 1988
Guitariste :
Steve Lukather
Guitare : Valley Arts
référence pour nombre de guitaristes. Ce titre, au groove très chaloupé dû au batteur Jeff Porcaro, contient style "Super Strat"
deux merveilleux solos. Par Arnaud Leprêtre - www.arnaudlepretre.com Style : pop rock
Tonalité : G
Tempo :
Grille d'accords
La grande particularité de cette chanson est qu'elle est jouée avec un groove chaloupé en doubles-croches ternaires. La tonalité de départ due au fait que l'accord de Sol
Majeur est joué durant trois mesures est celle de Sol Majeur mais de nombreuses modulations interviennent à partir du Fadd9. La partie B fait plus penser à la tonalité
de Sol mineur.
exemples 1 et 2
Pour commencer (exemple 1) je vous propose de voir la cocotte jouée par Steve 2) que je vous propose est un phrasé typique du jeu de Steve Lukather, avec la
Lukather. Nous jouons des notes en gamme de Sol mineur pentatonique agrémen- particularité de jouer une note en bending (case 8), puis, tout en gardant la corde
tées de quelques ghost notes. Le premier solo de ce morceau est en Fa Majeur, tirée en bend en case 8, de jouer la note se situant une case après (case 9) avec
ce qui apporte donc une modulation à ce moment-là. La première phrase (exemple le petit doigt.
5 - - 5 5 4 5 4 5 - 7 5 5 5 5 4 4 -
Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
Volume Canal II Drive Volume Canal II Drive
39
40
exemples 3 et 4
Voici deux autres phrases solo. La première (exemple 3) est une très belle mon- - 7 5 5 5 5 4 4 -
tée de gamme utilisant un mélange de notes issues de la gamme Majeure penta- Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
tonique de Fa et de chromatismes. La seconde (exemple 4) illustre encore une
fois un des points forts de Steve Lukather, car il s’agira de jouer pour cet exemple des bendings de deux tons.
41
42
73
"Smoke On The Water"
Deep Purple
Le riff de “Smoke On The Water” est probablement le plus joué par tous les guitaristes du monde entier !
Album :
Machine Head
Année : 1972
Guitariste :
Ritchie Blackmore
Guitare : 1968 Fender
Figurant sur l'album "Machine Head" de Deep Purple, paru en 1972, cette chanson raconte l'incendie, en Stratocaster
décembre 1971, du Casino de Montreux pendant un concert de Frank Zappa, dont le groupe a été témoin Style : hard rock
Tonalité : Gm
: venu pour enregistrer son nouvel album grâce au studio mobile des Rolling Stones, un incendie est Tempo : 105
déclenché par un spectateur qui tire sur le plafond avec un pistolet de détresse ("Smoke on the water
and fire in the sky") ! Pour autant, ce n'est pas ce morceau qui sort comme premier single, le groupe
pensant que le titre “Never Before” serait un hit. Celui-ci passé inaperçu aux Etats-Unis, la maison de
disques décide, un an après la sortie de l'album, de sortir “Smoke On The Water”, qui devient rapidement
le plus gros succès du groupe. Par Eric Lorcey – http://ericlorcey.wix.com/music
Grille d’accords
La grille du morceau est construite sur des power chords issus des accords de sence de l'accord Ab5, absent de la tonalité de Sol mineur) avant de revenir sur
la tonalité. Le couplet s'articulant autour de l'accord statique G5, uniquement bou- l'accord tonique de la tonalité principale, G5. Le refrain s'ouvre sur Do mineur
leversé par le F5 dans la deuxième moitié de la mesure 3. Au refrain, nous passons une seconde fois puis enchaîne directement sur le couplet en supprimant les deux
subtilement en Do mineur pendant les deux premières mesures (d'où la pré- mesures de G5.
exemple 1
Le riff principal du morceau est construit sur des doubles-stops de quarte. Afin - 4 5 5 5 5 6 2 -
de vous habituer au doigté, je vous propose une position de la pentatonique de Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
Sol mineur jouée en quartes.
43
exemple 2
Le solo est principalement construit sur la pentatonique de Sol mineur, comme c'est - 4 5 5 5 5 6 3 -
le cas mesure 1, mais passe également par moments sur la pentatonique de Do mi- Clean
Volume
Canal II Drive
neur, comme en mesure 2, avec même sa blue note, Sol bémol.
44
74
"Sunshine Of Your Love"
Cream
"Sunshine Of Your Love" est une chanson du groupe britannique Cream, qui figure sur l'album "Disraeli Gears",
Album :
Disraeli Gears
Année : 1967
Guitariste :
Eric Clapton
Guitare : Fender
sorti en 1967. Cette chanson, au débit binaire, tourne autour d'un riff construit sur les notes de la gamme Stratocaster
blues. Les power chords viennent accentuer le côté rock de l'histoire. On retrouve une multitude de reprises Style : rock
par les musiciens les plus confirmés : Ella Fitzgerald, Jimi Hendrix, Frank Zappa, Carlos Santana, Ozzy Tempo : 120
Osbourne, Toto… Par Stéphane Boget – www.stephaneboget.com
gRille d’accoRds
Même principe que la grille basique de blues sauf que l'ensemble tourne sur 24 mesures et non 12. La tonalité est Ré Majeur et c'est à partir de la mesure 7 que l'on ren-
contre une variante par rapport à la grille "standard" de blues.
le son
La position micro manche de la Stratocaster fera très bien l'affaire. L'ampli sera réglé sur le canal crunch (ou lead avec peu de gain).
Réglages d’ampli - 5 4 6 4 5 6 - 2
exemple 1
Ce riff est construit sur les notes de la gamme blues de Ré. Les mesures 3 et 4 reprennent la même chose en faisant appel à la technique du jeu en doubles-stops.
45
exemple 2
Il s'agit de la variante évoquée un peu plus haut concernant la fin de la grille. Les power chords renforcent l'esprit rock du morceau.
46
75
"Sweet Home Alabama" Album :
Second Helping
Lynyrd Skynyrd
"Sweet Home Alabama" est la plus célèbre chanson de Lynyrd Skynyrd et est issue de leur second album
Année : 1974
Guitaristes :
Gary Rossington, Allen
Collins, Ed King
Guitares : Gibson Les
Paul, Gibson Firebird,
"Second Helping", sorti en 1974. Le style mélange rock et musique country et on y retrouve trois guitares, Fender Stratocaster
un piano, une section rythmique et un chant soutenu par des chœurs. La chanson est composée en Style : rock sudiste
réaction à deux chansons de Neil Young, dénonçant le racisme et le conservatisme des habitants des Tempo : 100
Etats du sud des Etats-Unis. Neil Young reprendra "Sweet Home Alabama" plusieurs fois en concert qu’il
dédiera à "deux amis qui sont au ciel". Le 20 octobre 1977, un accident tragique d'avion causera la mort
de trois membres du groupe et laissera de graves blessures à tous les survivants. Dix ans plus tard, le groupe
se reformera avec les anciens membres et Johnny Van Zant remplacera son frère Ronnie. Seul Gary
Rossington fait aujourd'hui partie des membres fondateurs du groupe.
gRille d’accoRds
Tout le morceau tourne autour de trois accords (D, C et G), respectivement les degrés I, VIIb et IV en tonalité de Ré Majeur.
le son ou 4 si vous possédez une guitare de type Stratocaster, position centrale si vous
Je vous invite à jouer sur les positions intermédiaires de votre guitare : position 2 êtes sur une guitare de type Les Paul. L'ampli est réglé sur le canal clean.
Réglages d’ampli 3 - - 6 4 5 6 - 2
exemple 1 avec les cordes à vide. Notons que pour l'accord G, nous empruntons des notes
Ce premier exemple à la couleur country utilise les liaisons (hammer et pull-off) de Mi mineur pentatonique, relatif mineur de Sol Majeur.
47
exemple 2
Cette partie vient se juxtaposer sur le premier exemple puisque nous gardons la deux par un chromatisme ascendant. La seconde mesure reste sur le principe d'uti-
même suite d'accords. La première mesure fait appel aux triades amenées toutes liser des notes de Mi mineur penta (même Mi blues ici) sur l'accord G.
48
76
"That's All Right Mama" Album :
Elvis Presley That's All Right

Année : 1954
Guitariste :
Scotty Moore
Guitares :
Cette chanson est signée Arthur Crudup, et la version la plus célèbre est celle d'Elvis Presley. A la guitare, Gibson L-5 & Super 400
monsieur Scotty Moore, guitariste légendaire faisant partie du panthéon du rock'n'roll. Style : rockabilly
Tonalité : A
Par Arnaud Leprêtre – www.arnaudlepretre.com Tempo :
104 à la blanche
Grille d'accords
Ce morceau est joué autour d'une grille de 18 mesures en tonalité de La. Première (A7), IV (D7) et V (E7) que nous aurions dans un blues en La, la différence ici
précision, l'indication de mesure est notée en 2/2 du fait du tempo rapide. Ensuite, d'avec le blues venant de l'esprit musical, qui est plus rockabilly, et de la pulsation
les accords joués dans cette chanson sont tout simplement les trois degrés I binaire.
exemple 1 4 - - 6 5 5 4 5 5
Commençons par voir deux exemples d'accompagnement rythmique propre à cette Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
chanson. Nous avons dans l'exemple 1 un riff joué autour de l'accord de La, riff très
intéressant faisant intervenir diverses triades de La. L'exemple 2 est typique du (médiator + doigts). Pour ce deuxième exemple, pensez à bien laisser sonner les
jeu en picking dans le style rockabilly et cette partie doit être jouée en hybrid picking cordes tout du long.
49
50
exemples 2 et 3
Voyons deux extraits inspirés du solo de ce morceau. Le premier (exemple 3) est 4 - - 6 5 5 4 5 5
constitué de doubles-stops, très courants dans ce style de musique, puis d'une ligne Clean
Volume
Canal II Drive
mélodique sur la corde de Mi grave pour relancer la même phrase. Le second (exem-
ple 4) est une phrase mélodique jouée avec un mélange de notes issues des gammes Majeure pentatonique et mineure pentatonique de La.
51
52
77
"The Dock Of The Bay" Album :
Otis Redding
"The Dock Of The Bay" est une chanson d'Otis Redding, composée en collaboration avec Steve Cropper,
The Dock Of The Bay
Année : 1968
Guitariste :
Steve Cropper
Guitare :
Fender Telecaster
guitariste-producteur installé dans les studios du label Stax à Memphis. Elle sera publiée le 8 janvier 1968, Style : rhythm’n’blues
un mois après la disparition tragique d'Otis, mort à l'âge de 26 ans dans un accident d’avion. "The Dock Of Tonalité :
Sol Majeur
The Bay" sera le titre posthume n°1 des charts américains et va devenir très vite un succès planétaire. Tempo : 104
gRille d’accoRds
Voici la grille du couplet qui compte seize mesures. La tonalité est Sol Majeur.
le son
Vous pouvez jouer sur le micro grave ou sur la position centrale de la guitare. L'ampli est réglé sur le canal clean.
Réglages d’ampli 3 - - 5 5 5 6 - 2
exemple 1 On retrouve le même principe à la toute fin de la mesure 3 pour l'accord A, ce der-
Cette rythmique utilise les accords Majeurs de type barrés (transposables). Tout nier étant amené par un chromatisme descendant allant de l'accord C à l'accord
d'abord, notons la syncope à la fin de la première mesure qui amène l'accord B. A, en passant par tous les demi-tons (B et Bb). Attention aux notes piquées.
53
exemple 2
Cette phrase se joue à partir de la mesure 9 de la grille évoquée ci-dessus. Le jeu sur la corde de Si uniquement. Je vous invite à bien décomposer la phrase afin de
en doubles-stops concerne les deux premières cordes. Les hammers sont joués bien agencer les doigts de la main gauche.
54
78
"Voodoo Chile"
Jimi Hendrix
“Voodoo Chile” est un des titres les plus sauvages de Jimi Hendrix. L'intro commence par un passage
Album :
Electric Ladyland
Année : 1968
Guitariste :
Jimi Hendrix
Guitare : Fender
joué à la wah-wah en ghost notes, puis s'enchaînent diverses interventions de rythmiques et solos dans Stratocaster
lesquels Jimi Hendrix s'exprime avec tout le génie qu'on lui connaît. Style : rock
Tonalité : E
Par Arnaud Leprêtre – www.arnaudlepretre.com Tempo : 88
Grille d'accords
Jimi Hendrix tourne pendant de nombreuses mesures juste sur un seul accord, pas joués en entier mais juste en doubles-stops dont les notes correspondent
celui de Mi, en alternant riffs, phrases solos et chant. Précisons que pour les on- plus ou moins à ces accords, Ré-Si pour le E7/D et C#-A pour le A/C#. Le refrain
zième et douzième mesures du couplet, les accords notés "E7/D" et "A/C#" ne sont contient quant à lui trois accords, C, D et E.
exemples 1 et 2
Un des points intéressants de cette chanson est l'intro jouée à la wah-wah. Je vous - 6 4 5 4 5 4 4 -
propose dans l'exemple 1 de voir le pattern autour duquel Jimi Hendrix tourne Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
tout au long de cette partie. Ensuite, dans l'exemple 2, nous voyons un riff qui re-
vient très souvent au cours du morceau. Nous jouons ici en position ouverte de la gamme mineure pentatonique de Mi.
55
56
exemple 3
Les phrases solo que joue Jimi Hendrix dans tout ce morceau sont très intéres- - 6 4 5 4 5 4 4 -
santes et sont jouées comme le morceau en lui-même avec une certaine férocité. Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
En gamme de Mi mineur pentatonique, je vous propose cette longue phrase consti-
tuée de divers bendings, changements rythmiques et autres liaisons (hammer- on, pull-off).
57
79
"Walk This Way" Album :
Aerosmith
"Walk This Way" est une chanson écrite par Steven Tyler et Joe Perry, figurant sur l'album "Toys In The Attic"
Toys In The Attic
Année : 1975
Guitariste :
Joe Perry
Guitare :
Gibson Les Paul
sorti en 1975. Le morceau sonne hard rock avec un gros son des guitares et un chanteur criard aux tenues Style : hard rock
de scène extravagantes. Une autre version de la chanson sera enregistrée en 1986 avec le groupe de rap Tonalité :
Do Majeur / riff en Mi
Run-DMC afin de regagner le manque de popularité. Par Stéphane Boget – www.stephaneboget.com Tempo : 110
gRille d’accoRds
Voici le refrain du morceau : C7 et F7, respectivement les degrés I et IV d'un blues en Do. Le couplet (exemple 2) tourne autour d'un C7 et le riff (exemple 1) emprunte les
notes de Mi blues.
le son
Un micro humbucker (double-bobinage) en position chevalet sera l'idéal. On utilisera le canal saturé de l'ampli avec un gain avoisinant les 6/8.
Réglages d’ampli
pour les deux exemples - 6 3 6 4 6 6 - 2
exemple 1
Il s'agit d'une version du riff principal du morceau. Les notes appartiennent à la gamme blues de Mi.
58
exemple 2
Il s'agit de la rythmique du couplet jouée à deux endroits différents sur le manche.
59
80
"While My Guitar Gently Album :
White Album
Weeps" Année : 1968

Guitaristes :
George Harrison /
Eric Clapton
Guitares :
The Beatles
Fender Stratocaster
et Gibson Les Paul
Style : pop
Tonalité : Am
Tempo : 114
Voici une très belle chanson des Beatles, avec à la guitare bien évidemment George Harrison, mais aussi
Eric Clapton sur quelques interventions solo. Par Arnaud Leprêtre - www.arnaudlepretre.com
Grille d'accords durant les quatre premières mesures, avec donc les accords Am, Am/G, D9/F# (très
Cette merveilleuse chanson est jouée en tonalité de La mineur, notamment pour proche d'un Am/F#), puis F. Le refrain s'avère aussi très intéressant car il est joué
l'intro et le couplet. La chose très intéressante dans cette grille réside dans le fait quant à lui en tonalité de La Majeur, et apporte donc une modulation, avec des ac-
d'avoir un mouvement de basse mélodique en descente à travers la suite d'accords cords uniquement diatoniques à cette tonalité de La Majeur.
exemples 1 et 2 4 - - 6 4 4 5 4 5
Comme premier exemple, voyons le pattern rythmique joué par la guitare acous-
Volume
tique, pattern qui est le même durant tout le morceau à travers les différents Canal II Drive
changements d'accords. La basse du Am/G doit être jouée par l'auriculaire de la cente en doubles-stops de sixte qui est jouée à la fin du refrain (attention, le re-
main gauche. Pour l'exemple 2, j'ai trouvé intéressant de vous noter la petite des- frain est en tonalité de La Majeur).
60
61
exemples 3 et 4
Précisons qu'une grande partie des solos de cette chanson est jouée par Eric Clapton, - 5 5 6 5 4 4 4 -
invité par George Harrison pour venir poser quelques guitares sur ce morceau. Clean Gain Lead Master Lead Bass Mid Treble Presence Reverb Master
L'exemple 3 est une phrase dont les notes proviennent de la gamme mineure
pentatonique de La (notamment sur l'accord de Ré), puis de la gamme Majeure gamme mineure pentatonique de La jouée encore une fois tout en subtilité et
de Mi (pour l'accord de Mi). Dans l'exemple 4, nous avons une petite montée de agrémentée de divers hammer-on, slides et bendings.
62
63
81

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Weeps" Année : 1968

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