Вы находитесь на странице: 1из 58

1

Igor Chi1i

«Жизнь в стиле
Drumming»

2011
3

Оглавление

Введение. ..................................................................................................................................................... 5

Глава 1. .................................................................................................................................................... 7

Что такое стиль?................................................................................................................................... 7

Глава 2. .................................................................................................................................................... 9

Будьте искренними по отношению к себе. ....................................................................................... 9

Глава 3 ...................................................................................................................................................13

Основные ошибки барабанщика. ....................................................................................................13

Глава 4. ..................................................................................................................................................15

Система занятий. ...............................................................................................................................15

Руки. ............................................................................................................................................................16

Ноги.............................................................................................................................................................16

Координация..............................................................................................................................................16

Разбор произведений. ..............................................................................................................................17

Сочинение партий. ....................................................................................................................................17

Глава 5. ..................................................................................................................................................18

Создание и стилизация партии. .......................................................................................................18

Глава 6. ..................................................................................................................................................23

Артистизм ...........................................................................................................................................23

Глава 7. ..................................................................................................................................................26

Аранжировка......................................................................................................................................26

Аранжировка и оркестровка партии ударных. ...............................................................................28

Глава 8. ..................................................................................................................................................31

Стильные партии. ..............................................................................................................................31

ТОП самых узнаваемых барабанных партий. .........................................................................................31

Глава 9. ..................................................................................................................................................52
4

Великие. .....................................................................................................................................................52

Глава 10. ...............................................................................................................................................54

Барабанная установка. ......................................................................................................................54

Глава 11. ...............................................................................................................................................57

Эра возможностей и информации. ..................................................................................................57


5

Введение.

В любой отрасли жизнедеятельности есть


свой король. Именно король, а не короли. Тот
человек, с которым ассоциируется вся эта
отрасль. Возьмите рестлинг, и 90 человек из
100 сразу назовут имя Халка Хогана. Ну, вот
ассоциируется Халк с рестлингом практически
у всех. Возьмите футбол, и большинство
назовёт имя Марадоны. Возьмите
популярную музыку, и сразу же всплывёт имя
Майкла Джексона. Бокс – Майк Тайсон. Всё
дело не только в превосходном исполнении
своих прямых профессиональных
обязанностей этих людей, но и во многих
околопрофессиональных вопросах.
Например, в имидже, манере разговаривать,
поведении и т.п. Об этом можно говорить часами, это можно разбирать на мельчайшие
составляющие, но самое важное, что это делает человека отличительным от остальных. Будь у
Хогана только талант и умение драться, этого было бы мало. У него есть стиль! Стиль во всём: во
внешнем виде, в голосе, в манере
поведения на ринге, в манере
поведения за его пределами. Это
важные составляющие,
подчёркивающие личность человека,
его личные качества, или
поддерживающие созданный им же
имидж. И людям это нравится. Люди
любят шоу, любят зрелище, любят, чтоб
всё подавалось красиво и помпезно.
Если человека может запомнить
обыватель, ничего не смыслящий в
представляемом этим человеком
бизнесе, что говорить о людях
сведущих?! Обычного парня в серой
рубашечке, хорошо играющего на
барабанах, не запомнят. Они запомнят
эффектно молотящего быстрые брейки парня с эффектной причёской, в нестандартной одежде и с
вызывающим поведением. Что бы вы не говорили, но у Бадди Рича были не только быстрые руки,
но и потрясающие шоу во время публичных выступлений. Он скетчил, летал, кривлялся и
баловался, пока исполнял свои техничные соло. Он был шоуменом!
6

Если бы Фред Дёрст выглядел, как ваш сосед Богдан, мы б и не вспомнили о нём. Ну, кто не знает
его знаменитой кепки, его шортиков и манеры двигаться?! Он тоже потрясающий шоумен своей
отрасли.

Давайте вернёмся в 80-е и посмотрим на рок сцену этого времени. В Америке это был пик глэма,
оппозицией которого был треш. Возьмём для примера королей обоих жанров.

«Motley Crue» было свойственно наносить массу грима на лица,


делать огромные начёсы, гонять на байках и петь о своей жизни,
которая, скорее, напоминала нескончаемый праздник. Не только
музыка и тексты сделали эту группу столь значимой и популярной
(причём настолько, что все глэмеры им подражали) - их внешний вид
был целым вызовом, ведь выглядели они, как дамочки. И это было
более вызывающе, чем у “New York Dolls” или “Twisted Sister”. Этот
имидж полностью отражал ту безбашность, которая воспевалась в их
песнях. И если смотреть на них в общем, то все составляющие
артиста у них были в порядке. Но тут и кроется важный момент. Они
были настоящими, они были теми, кто они есть на самом деле –
гуляками, дебоширами, любителями девочек, выпивки и
наркотиков. Они просто показали это людям, не особо
заморачиваясь, а эксперементируя.

С другой стороны была «Metallica». Они играли быстрее, злее, агрессивнее и выглядели беднее. И,
если вы скажете, что в их имидже не было ничего особенного, то спешу с вами не согласиться, т.к.
именно вот эти подряпанные джинсы и разбитые кроссовки и были основой этого стиля. Они
были парнями с соседнего гаража! Они были доступны для фанатов, и они делали на этом акцент.
Почему? Они были противоположностью глэма, что тоже стиль. При этом они тоже «всего лишь»
оставались собой.

И потом появились «Guns N’Roses», которые выглядели, как представители треша, а играли глэм.
Третий стиль. В любом случае у всех вышеперечисленных был
такой музыкальный материал, саунд и внешний вид, что они
сразу оставались в памяти зрителей-слушателей.

Можно сказать несколько слов об отдельных участниках. К


примеру, Slash. Ведь все помнят парня в цилиндре, с
волосами, закрывающими почти всё лицо, и с сигаретой в
зубах. Все помнят эти его затяжные соло и рваные риффы.
Ульрих: все помнят того парня за барабанами, который
постоянно вставал, что-то выкрикивал в зал и тряс шевелюрой
(кстати, каким бы музыкантом он ни был, а по влиянию и
мотивации на детишек он на первом месте). Ну, назовите мне
ещё одного такого драммера, после взгляда на которого,
пацану лет 10-11 захочется сесть за барабаны! Ангус Янг: о
Боже, да слова здесь просто излишни. Его манеру игры, его
7

стиль, подачу, его внешний вид просто невозможно не запомнить с первого раза. В конце концов,
продолжая приводить примеры, можно перегнуть планку и вспомнить любого из представителей
шок-рока.

Эта книга о стиле. О стиле во всём. Об умении всё стилизовать. О стилизации игры, стилизации
партий, своего внешнего вида, внешнего вида своего инструмента. Я приведу много различных
примеров, которые, надеюсь, послужат хорошей демонстрацией того, что я имею в виду. И,
надеюсь, она будет полезна всем без исключения.

Это книга о том, что всегда стоит оставаться собой. Где бы вы ни были, что бы вы ни делали, чем
бы вы ни занимались, всегда и везде оставайтесь собой, следуйте рвению вашего сердца и
поддавайтесь любым прихотям вашей мечты. Вашей!

Как барабанщик в этой книге я буду говорить в основном о барабанщиках и о барабанах, но это не
значит, что всё нижесказанное не будет уместно, например, для гитаристов или бас-гитаристов.

Глава 1.

Что такое стиль?

Вы когда-нибудь задумывались над тем, что делает барабанщика действительно


запоминающимся, узнаваемым? Харизма? Ну, это слишком неконкретно звучит. Мне кажется, это
целый комплекс разных составляющих. Майк Портной - яркий представитель действительно
запоминающихся музыкантов. Подтверждением этого является его популярность как среди
профессиональных музыкантов, так и среди обычных любителей рока. Я понимаю, что все эти
рейтинги весьма субъективны, но всё-таки стоит обратить внимание на то, что Майк, пожалуй,
самый частый гость абсолютно любого рейтинга, посвящённого игре на барабанах. Если вы
спросите кого-нибудь о прогрессивном металле, то первых, кого вам назовут, будут именно
“Dream Theater”.

Итак, что же делает Майка столь популярным?

1. В первую очередь это его игра. Его


партии эффектны, продуманны,
изобилуют истинно роковой
интенсивностью звучания,
драйвом, запоминающимися
заполнениями, интересными
грувами, разными шумовыми
эффектами, сложными размерами,
и всё это и делает его игру
уникальной. У него есть свой
8

собственный стиль, своя манера игры, свой шарм в игре, каждая его партия, как отдельное
произведение, и это вдохновляет молодых ребят сесть за установку и начать заниматься
игре на барабанах. Партии Майка это что-то вроде текстов песен – они подлежат лишь
мельчайшим изменениям на концертах, а в большинстве случаев играются абсолютно без
изменений, поэтому они запоминаются ещё больше. Стоит ещё обратить внимание на
такой аспект его игры, как понятность. Майк играет понятно, внятно. Бывает, вы слушаете
того или иного исполнителя, и его заполнения вам совершенно непонятны, т.к. сложно
разобраться в том количестве сыгранных за один такт рудиментов и их комбинациях. Майк
использует то, что приемлемо лучше всего ему. Преимущественно он использует
одиночные удары, которые он чередует руками и ногами. В быстром темпе это звучит
просто невероятно, но на самом деле в этом нет ничего сверхсложного, и в этом вся
прелесть. Это понятно как профессионалу, так и начинающему. Для молодых ребят это, как
бальзам на душу, т.к., пробуя играть некоторые его фишки, у них это получается. И это даёт
им надежду на то, что когда-нибудь они смогут так же, как он. Это даёт понимание того,
что всё возможно, всё достигаемо. Это приближает их к нему, к их кумиру. Своего рода это
новая трактовка поговорки «Всё гениальное – просто». Хотя в данном случае всё-таки
хочется замкнуть слово «просто» в кавычки.

2. Внешний вид Майка. Он может быть одет, как угодно, но это всегда стильно и обращает на
себя внимание. Его борода может быть выкрашена в любой цвет, волосы могут быть
собраны под банданой или кепкой, а могут быть распущены – это всегда стильно, это
всегда обращает на себя внимание. И это ещё больше добавляет эффекта к его общему
виду на сцене.

3. Внешний вид и КПД его барабанной установки. Его барабанная установка всегда
смотрелась просто потрясающе. Наличие большого количества барабанов уже
подразумевает незаурядность и желание выйти за рамки (если, конечно, это не слепое
подражание кумиру, но это не о Майке). Его установка завораживает своим
величественным, могущественным, колоритным и
габаритным видом. С другой стороны лично для
Майка в ней нет ничего лишнего. Всё, что его
окружает в момент исполнения песен, используемо
им и лишний раз подтверждает, что для реализации
желаемого требуется многое. Как я уже говорил,
каждая его партия, как отдельное произведение.
Хорошее произведение не имеет границ. Ведь
существует масса прекраснейших пьес, исполняемых лишь на одном фортепиано, а есть
масса произведений, которые исполняются целыми оркестрами по 100 человек. Если
воспринимать партии Майка, как отдельные музыкальные произведения, то эти
произведения исполняет огромный оркестр. Стоит обратить ещё внимание на то, что
установка Портного всегда была какого-нибудь необычного цвета, что тоже привлекало
внимание.

4. Финты. Он отлично владеет некоторыми финтами, а


разного рода трюки всегда приветствовались.
Концертное выступление рассчитано на зрячих
слушателей, они приходят на зрелище, а Майк
отличный шоумен. Это крайне немаловажно.
9

5. Пожалуй, самым важным пунктом будет этот. Посвящён он непосредственно группе.


Именно благодаря группе тот или иной музыкант становится успешным. Я не говорю,
знаменитым, я говорю, именно успешным. Ибо именно музыка группы оказывает влияние
на людей, а не игра барабанщика. Но игра барабанщика является составной частью этой
музыки.

6. Майк является не только хорошим музыкантом, но и прекрасным композитором, автором


текстов песен, продюсером,
аранжировщиком. Он также занимается
околомузыкальными аспектами
музыкальной жизни.

7. Он имеет свой стиль. Этот стиль


проявляется во всём. В манере игры, в
манере поведения, в манере поведения
на сцене, в манере одеваться, общаться.
Стиль делает человека
индивидуальностью.

8. Майк искренен, а, как известно, искренность и честность притягивают.

9. У него есть цели, которые он старается реализовать, и он получает удовольствие от всего,


чем бы он ни занимался. Он хорошо знает себя, и он честен по отношению к себе.

10. Он всегда и везде остаётся собой.

Иными словами, всё это делает Майка стильным барабанщиком во всех отношениях, и именно
это притягивает к себе всеобщее внимание. Конечно, это может касаться не только Майка
Портного. Подобное можно сказать о более экстремальных барабанщиках, вроде Томаса Лэнга
или Марко Миннермана, но, как я уже говорил, музыка группы, в которой играет барабанщик,
влияет на людей. К моему величайшему сожалению, на момент написания данной главы ни один
из них не был движущей силой группы, продавшей миллионы копий альбомов. А успех, как
известно, исчисляется количеством нулей после цифры на банковском счету. Майк же провёл
добрую половину своей жизни именно в такой группе.

Глава 2.

Будьте искренними по отношению к себе.


10

Получайте удовольствие от того, что делаете. А ещё лучше, делайте то, что приносит
удовольствие. Джоджо Майер не стал бы тем, кем он сейчас является, если б не получал
удовольствие от самого процесса занятий. Он не играл бы так хорошо всё то, что он играет, не
получай он удовольствия от игры и прослушивания этих стилей. Да, вы в состоянии достигнуть
результатов в том, что вам не по душе, но стоит ли оно того?! Я играл джаз на протяжении
длительного периода времени. Мне нравилось его слушать, но не играть. Возможно, из-за того,
что я не видел в джазе коммерческого успеха. Тем не менее, я играл его. Почему, спросите вы. Вот
и я однажды задался этим вопросом. И ответ, который пришёл мне в голову, решил массу моих
вопросов. Вопросов, которые касались не только музыки, но многих других аспектов моей жизни.
Я играл джаз лишь потому, что это считалось солидным, взрослым, профессиональным и модным
среди тех, кто действительно был выдающимся музыкантом моего города. Но ведь этой музыкой
даже не прокормишься. Обратите внимание, насколько я противоречил себе. Я играл то, что мне
не нравилось играть, я не получал удовольствия от всех этих затяжных импровизаций, и ладно бы
я делал это ради денег, но эта музыка и денег мне не приносила. Я не понимал элементарной
вещи. Те, кто играл эту музыку, получали от неё положительные эмоции и удовольствие. Они
делали то, чего они хотели. Я же делал то, что считалось единственно правильным. Но кем
считалось? Мной же и считалось. Всё дело в том, что я таким образом как бы приближался к
своим друзьям-джазовикам. Мне казалось, что это делает меня одним из них. Мне казалось, что
меня это делает таким же профессионалом, как они. Ведь они умели и знали то, что не знал никто,
например, из рок тусовки. И мне казалось, что именно это возвышает их, делает лучше джазовых
музыкантов над другими. Это типичный пример подражания. Знаете, мальчишки в США
подражали Клинту Иствуду тем, что начинали курить. Просто это было единственное, что они
могли делать, как он. На самом деле они пытались подражать его крутости, его харизме, но не
понимали, как это сделать, поэтому делали самое простое – то,
что не вызывает умственных усилий, не требует годов тренировок,
не требует понимания. То, что сразу делает тебя крутым.
Пытаются подражать черте характера, породившей в нём эту
привычку, но в итоге просто копируют, как обезьяны. И это
является желанием возвыситься над другими. Быть лучше,
сильнее, мощнее, быть таким, как он. «Что вижу, то и делаю». Так
было и со мной. Я выпал из тусовки рокеров и стал джазовым
музыкантом. Не спорю, как упражнения мне всё это было очень
интересно, но играть в клубе одну композицию 15 минут было для
меня чересчур. Да, Латина мне нравилась, я на ней рос. Я с
преогромным удовольствием разбирался в стилях, играл их,
усложняя всё это собственными рисунками. Я обожал слушать эту
музыку, я обожал её играть, я обожал ею заниматься. Именно
поэтому всё получалось быстрее. Мне не требовалось много времени для того, чтоб заставить
одновременно играть правую руку Каскара, левую ногу клавей, правую ногу Сонго, а левой рукой
при этом импровизировать, и всё это в размере семь восьмых! Мне было это интересно, я получал
от этого удовольствие, я хотел в этом прогрессировать, поэтому я не воспринимал поражения как
поражения, я воспринимал их как намёк на то, что я упустил момент, определив который, мне
дадутся ещё бОльшие победы. И всё получалось. В этот момент я был собой. Но я не был собой,
играя джаз вальс или бибоп. Просто считалось круто, если ты свободно валил бибоп в темпе 300.
11

И я, как обезьяна, пытался сказать «Я тоже так могу», не понимая, зачем я это делаю. Будьте
искренними. В первую очередь с самими собой. Это ключ абсолютно ко всему.

Будьте честными по отношению к себе, и вы поймѐте, что всѐ не так сложно. Не бойтесь смотреть
своим страхам в глаза.

Порой случается такое, что у нас что-то не получается. Вроде всё правильно, но не получается так,
как это показано в видеошколе или преподавателем. В таких случаях нужно правильно поставить
вопрос и ответить на него очень честно. Вопрос вы будете задавать самому себе, отвечать будете
тоже вы, так что не стесняйтесь, что кто-то узнает о каком-то слабом аспекте вашей игры.

Намного лучше я смогу объяснить это на примере. На своём примере. В своё время я прямо-таки
гордился тем, что при игре кистями совершенно не использовал пальцы. Игра кистями давала
больше громкости и плотности звучания. Но я не использовал пальцы вообще!!! Я играл техникой
Мёллера, играл кистями, использовал отскок (хотя больше играл так, как тренировался на
подушках). Но пальцы не были задействованы даже просто при фиксации палочки после удара.
Зачастую палочка была зажата. Нет, руки были расслаблены, но движение палочки в самой
ладони было ограничено. В какой-то момент я начал ощущать дискомфорт, особенно это касалось
тех фрагментов песни, где мне приходилось неистово лупить. Иногда появлялось напряжение, но
я списывал это на то, что работал на крупных площадках, а я всегда играл крайне громко на
подобных сценах. Но спустя время я всё-таки решил найти какой-то выход. Я задался этим
вопросом, и ответ себя не заставил ждать. Мне нужно было более активно использовать пальцы
при фиксации, не зажимать палку, а дать ей больше движения в ладони, не боясь потерять её, т.к.
пальцы будут её контролировать. Так я начал дружить с техникой пальцев.

Был ещё такой момент. Я испытывал лёгкий дискомфорт при игре фанковых грувов в стиле Девида
Гарибальди. Хай-хет я никогда не ставил высоко, поэтому при скрещивании рук я иногда цеплял
левой палочкой правую. Но хуже было, когда возникало напряжение в руках. Это происходило
подсознательно. Руки зажимали палочку, чтоб ограничить ей амплитуду удара. Повторюсь, я даже
не всегда это замечал, т.к. происходило это подсознательно. При этом, стоило мне только начать
играть в райд, как всё сразу становилось легко и воздушно (руки были свободны от скрещивания).
Я понимал, что дискомфорт возникает из-за того, что скрещены руки, но продолжал мучить себя.
И я бежал от выхода из положения, который был более чем очевиден - на это требовалось много
времени, ведь нужно было полностью переучиваться. И всё-таки в какой-то момент я не
выдержал и решил использовать при игре открытую постановку, open-hand. И знаете, результат не
заставил себя ждать. Всё игралось намного легче, а на то, чтоб переучиться, потребовалось не так
уж и много времени. Теперь амплитуда удара могла быть абсолютно любой, возможности
динамики возросли, а сам я перестал чувствовать любой дискомфорт при игре. Тем не менее, я
отказался от идеи ставить райд с левой стороны, а оставил его на прежнем месте. Я решил, что
пусть правая половина установки принадлежит правой руке, а левая - левой, а я при этом буду
свободен в том, какой рукой вести. Так я стал тем, кого можно назвать свободноруким
барабанщиком.

Ещё один пример заключался в том, что я потерялся в обилии техник рук и ног. Я занимался ими
всеми, уделяя каждой определённое время. И в какой-то момент я понял, что мне это просто
надоело и не приносит никакого удовольствия. Я задал себе простой вопрос «А зачем они мне
все, если некоторые из них отличаются лишь техникой исполнения, но никак не влияют на
12

звучание?» Т.е. некоторые фишки звучали абсолютно одинаково, но исполнялись по-разному. И я


выбрал то, что было мне реально необходимо, то, что было лично мне удобно, то, что давало
максимальный результат лично для меня. Например, двойные удары ногами я играл как
слайдингом, так и приёмом hill-toe. Но, как я уже говорил, работал я бОльшую часть времени на
крупных площадках. На таких, где игра hill-toe будет просто тихой. Этот приём не давал
необходимого мне плотняка, а при не особо хорошем звуке я вообще не слышал, что играю.
Поэтому я начал практиковать преимущественно игру слайдингом, и педаль теперь была
настроена специально под этот приём. Тем не менее, если мне нужно было открывать-закрывать
хет ногой, приём hill-toe был единственным, который я использовал для этого. Так что, если
расценивать его с точки зрения КПД, то он оказался абсолютно ненужным мне в правой ноге, но
был незаменимым в левой. Так что практиковать его левой я стал ещё более интенсивнее.

Есть такой момент, о котором многие говорят, но мало кто в нём копается. Многие барабанщики
проводят за инструментом много времени, но при этом развиваются в разы медленнее других.
Всё дело в том, что одни занимаются, а другие «занимаются», просто проводят время за
инструментом. В чём же дело? А в том, что первые чётко знают, что они сегодня будут
совершенствовать, что практиковать, над чем работать. У вторых же всё обстоит иначе. Есть
несколько причин заторможенного роста мастерства. Вот некоторые из них:

1) барабанщик не знает, чем конкретно заниматься, что практиковать;


2) рассеянное внимание: барабанщик думает о чём угодно, кроме того, что сейчас
практикует;
3) нет концентрации на определённом аспекте игры (техника, динамика и т.п.), он просто
играет;
4) желание получить всё и сразу - барабанщик хватается за всё и сразу, но не достигает
ничего ни в чём;
5) спешка;
6) пренебрежение азами;
7) барабанщик берётся сразу за сложное, пренебрегая простым, а потом злится от того, что
ничего не получается;
8) непонимание, зачем занимается тем или иным аспектом;
9) не видит в своей игре применения тому, что практикует;
10) практикует не то, что действительно желает усовершенствовать, а то, что считается
сложным и правильным;
11) нет чётко сформированной цели;
12) нет чёткого расписания и дисциплины.
И ещё многое вы в состоянии добавить сами. Возможно у вас или вашего товарища такая
причина, о которой я и не догадался бы. Поработайте над этим.

Итак, я привёл 4 примера. Это были ситуации, из которых мне приходилось искать выход
самому. Не всё сказано в пособиях, не всегда всё может объяснить педагог, да и не всегда он
может быть рядом. Но, если вы правильно поставите себе вопрос, сделав акцент именно на
той проблеме, которая действительно вас тревожит, то без труда справитесь с любой
неурядицей.

В каждом описанном выше случае была проблема, был вопрос, ответ на него и решение
проблемы. Как я уже говорил в примере с open-hand, мне просто пришлось правильно
поставить вопрос. «Почему я ощущаю легкое напряжения в руках при игре фанковых рисунков
13

16-ми нотами?» Ответ я описал выше. Я задал честный вопрос, и я честно сам себе ответил.
Иногда мы можем оказаться для себя лучшими педагогами в жизни.

Глава 3

Основные ошибки барабанщика.

Давайте начнём с ошибок. Поняв и осмыслив их, нам легче будет от них избавиться.

1. Многие музыканты не знают себя и боятся стороннего мнения. Они не знают, что им на самом
деле нравится, поэтому слушают и играют то, что навязано им педагогами, родителями,
однокурсниками и т.п. Причём делают это механически. Например, студент играет свинг, потому
что это популярно в его колледже, и его могут посчитать неумёхой, если он его не будет играть.
Иногда это перерастает в целую фобию. Такую, что, даже осознав свои вкусы, с музыкантом
может произойти следующее. Я был знаком с парнем, которому нравился регги, но он стеснялся
об этом говорить в виду того, что это достаточно простой стиль в плане исполнения. Если в
соседнем классе занимался ещё один барабанщик, то этот паренёк всегда тренировал что-то
высокотехничное. Он боялся показаться неумёхой в чём-то, поэтому любимым регги, разбором
новых стилей и произведений занимался, когда никого из барабанщиков поблизости не было.

Многие барабанщики следуют моде толпы, а не своим личным вкусам и увлечениям.


Остановитесь и задайте простейший вопрос «А зачем я вообще начал играть на барабанах?»
Задайте вопросы: «Какую цель я преследую сейчас?», «Почему я играю это?», «Чем мне нравится
этот стиль?», « А чем не нравится этот?» Дай Бог, чтоб ваши ответы подтвердили, что вы на
правильном пути.

2. Пренебрежение базовыми знаниями и спешка погубили многих. Ограниченность возможностей


техники способствует тому, что руки могут быть, например, зажаты, что обязательно отразится в
звучании. Оно сразу станет очень тяжёлым и запаздывающим, что, в свою очередь, понесёт ущерб
темпу и времени песни. В свою очередь спешка при тренировке не способствует тому, чтоб
мышечная память запомнила корректные движения. Скорее, спешкой мышцы можно не более,
чем раздразнить.

3. Неуверенность в себе. Если неуверен в себе барабанщик, то коллектив вряд ли будет хорошо
звучать. Помните старую поговорку, которая гласит: «Посадите хорошего барабанщика в слабую
группу, и она преобразится». Это утверждение будет правильным и в обратном смысле.

4. Неумение играть правильный аккомпанемент в песне. Далеко не каждый барабанщик в


состоянии выстраивать партию в оркестровой манере. Многие мыслят с помощью бита, хотя
лучше думать фразами, диктуемыми аранжировками. И, кстати, именно по этой причине
некоторых мы называем барабанщиками, а некоторых музыкантами. Развитию такого мышления
способствует игра на разных инструментах. Общеизвестно, что Стиви Уандер прекрасно играл на
14

барабанах. Его партии были действительно чем-то особенным. И происходило это потому, что он
мыслил не битом, а музыкой. А к партии подходил не как к аккомпанементу песни, а как к
отдельной мелодической линии. А это способствовало тому, что барабанные партии не просто
звучали, а пели.

5. Восприятие музыки с точки зрения своего инструмента. Не так часто встретишь барабанщика,
фанатеющего от музыки без барабанов. Так вот зачастую мы думаем о том, как мы будем играть, а
не о том, как партия ударных лучше всего передаст музыку. Не стоит забывать о том, что барабаны
– часть музыки.

6. Нагромождѐнные партии. Очевидная ошибка, которую продолжают


делать очень многие. Наверное, это связано с огромным количеством
часов, проведённых за занятиями и отсутствием при этом внимания по
отношению к музыкальной составляющей. Хотя это может быть и простым
желанием выделиться. Помню одного паренька, который производил
впечатление на всех барабанщиков, когда играл. Но при этом никто с ним
не хотел работать. Я недоумевал. Однако когда я услышал его в составе группы, я понял, почему
никто не мог с ним работать. Он загромождал свои партии совершенно несовместимыми с
композицией синкопами, жужжащими брейками и смещениями. Казалось, что он играет не джаз-
балладу, а продолжает заниматься по школе Терри Боззио. Следите за тем, чтоб ваша игра
соответствовала стилю.

7. Слишком простая партия. Бывает, что человек неуверен в себе или боится, поэтому начинает
играть просто ровно, без шагов влево или вправо. А вот фьюжн не тот стиль, где это будет
уместным. При таком положении дел слушатель может просто закунять. Опять же, не забывайте
следить за тем, чтоб ваша игра соответствовала стилю исполняемой музыки.

8. Неправильный темп. У каждой песни есть свой темп, так же, как и у каждого человека есть свой
ритм дыхания. Не заставляйте песню задыхаться или умирать от недостатка кислорода.

9. Замедление грува для большего кача. Порой барабанщики слишком переусердствуют, не просто
оттягивая, а реально замедляя, что приводит к дискомфорту для остальных участников группы.

10. Чрезмерное наслоение бита. Когда я вижу, как это делает Джон Блэквелл, я получаю от этого
удовольствие. Далеко не каждый из нас является Джоном, и игра рисунков, далёких от основной
партии зачастую не даёт ничего, кроме хаоса в композиции.

11. Нежелание играть просто. Опять же, возвращаемся к вопросу стиля. Я не имею ничего против
полиритмии, сложных размеров и т.п. Но лишь в том случае, если это уместно. Хотя, думаю,
многие из нас встречали тех, кто считал себя выше всех этих простых танцевальных битов. Они
пренебрегали заниматься этим в виду простоты звучания этих рисунков, а выходя на сцену, просто
показывали свою некомпетентность.

12. Нежелание барабанщика заучивать песню или придумывать партию. Распространённое


явление, когда барабанщик больше занят оттачиванием техники, а не какими-то там мелочами,
вроде запоминания формы или придумывания удачной партии для простой песни. Он готов
импровизировать. Хотя на деле часто выходит так, что темп дан не тот, партия не ложится, по
15

форме катастрофа, куплет играется интенсивнее припева, хотя припев по задумке громче, но ведь
всё ОК?!)))

13. Непонимание того, что барабаны ради музыки, а не музыка ради барабанов. Слушайте
побольше хорошей музыки, а не только хороших барабанщиков.

14. Пренебрежение внешним видом на сцене. Не мыслите фразой «Моя музыка всё скажет за
меня» или «Музыка важнее», или «Я выше этого». Автомобильные компании тратят миллионы
долларов на разработку нового дизайна для нового автомобильного ряда, потому что понимают,
что «БМВ» в кузове от «Оки» вряд ли кому-то
придётся по душе.

15. Пренебрежение внешним видом инструмента. Ну,


попробуйте иначе посмотреть на инструменты, в
дизайне которых присутствуют мультяшки, игральные
карты, кости и т.п. Это не так глупо, как кажется.

16. Пренебрежение концепцией и стилем коллектива.

Итак, обратив своё внимание на основные ошибки


барабанщика, мы можем понять, что же называется хорошим барабанщиком. А ещё лучше
сказать, музыкантом.

Как по мне, хороший музыкант это не только тот, кто хорошо владеет своим инструментом, хотя
это главная составляющая. Помимо этого барабанщик должен обладать артистизмом и стилем.

Посмотрите снова на перечисленные ошибки и, думаю, вы сможете понять, что следует, а что
точно не следует делать.

Глава 4.

Система занятий.

Давайте поговорим немножко о занятиях. Всё-таки на первом месте в нашем деле – качественное
исполнение, которого, как известно, не достичь без систематических занятий.

Не забывайте о такой немаловажной вещи, как дисциплина. Я рекомендую вам расписывать свои
занятия, ограничивая себя во времени, что заставит вас относиться к занятиям с большей
концентрацией и позволит беречь каждую минуту. Знаете, есть те, кто сидит за инструментом по 4
часа в день, а добивается меньшего, чем тот, кто занимается 15 минут. Просто один проводит
время за инструментом, а другой занимается.
16

Для начала определитесь, чем вы будете конкретно заниматься. Я приведу пример своих занятий,
когда я начинал играть на барабанах. Это не значит, что вам нужно заниматься именно по этой
схеме. Вы можете придумать свою схему, в которую вы включите всё то, чем необходимо
заниматься именно вам. Я привожу свою схему лишь для наглядного примера.

Итак, я занимался отдельно руками на протяжении 30 минут, затем столько же тренировал ноги.
В течение второго часа я занимался координацией, играя упражнения и разбирая стили. Третий
час я посвящал на разбор произведений и на игру этих произведений с записями или
минусовками. Четвёртый час я занимался придумыванием и оркестровкой партий для песен
групп, в которых я играл. Это общее расписание. А теперь детально.

Руки.

1. Упражнения для кистей (по 16 ударов каждой рукой 10 раз, по 12 ударов каждой рукой 10
раз, по 8 10 раз, по 4 10 раз, по 2 10 раз, по 1 и потом в обратную сторону, т.е. 1, 2, 4, 8, 12,
16 ).
2. Упражнения для пальцев ( по 12 каждой рукой, по 8, по 4, по 2, по 1 и т.д. ).
3. Техника Мёллера ( триоли по 1 на руку 10 раз, по 2 10 раз, по 3, по 4; квартоли по 1 на руку
10 раз, по 2, 3 и 4 ).
Темп был тоже конкретным. Например, в понедельник это был темп 80 ударов в минуту, во
вторник 81, в среду – 82, и так я продолжал поднимать темп на 1 единицу каждый день.
Иногда делал скачки на 5 единиц, порой на 10, но мне удобнее было на 1, т.к. таким образом
я совершенно не замечал разницы в темпе, а за неделю вырастал на 7 единиц.

Ноги.

1. Упражнение «лесенка» для правой а потом левой ног, т.е. я играл 4 такта четверти, 4 такта
восьмые, 4 такта триоли, 4 такта шестнадцатые, а потом в обратную сторону.
2. Аналогично проделывал с левой ногой.
3. Упражнял приём слайдинга и хил-тое, играя остинатный бит руками, и добавляя сперва 1 и
2 шестнадцатую каждой доли в басовом барабане, потом 2 и 3, потом 3 и 4, а потом 4 и 1.
Потом по 3 удара и по 4.

Координация.

Я не буду приводить полный список упражнений, которыми я занимался, т.к. вся концепция
описана в моей первой книге «Открой свои руки, освободи возможности», эта же концепция
указывается и в книге «Техника, фразировка, координация, импровизация». Я опишу лишь
смысл. Я играл остинато в руках, а ногой делал полный круг всех возможных группировок
четвертных, восьмых и шестнадцатых нот. При этом в хет вёл левой рукой. Аналогично делал,
но вёл правой. Потом играл остинато в ведущей руке и ноге, а рукой на рабочем барабане
делал круг из группировок, продолжая при этом играть 2 и 4 доли. Так же поступал и с хетом
17

или райдом, играя остинато ногой и рукой на малом. Потом аналогично поступал с нечётными
группировками нот. Потом всё это оркестровывал и обыгрывал. Помимо этого я разбирал
различные фанковые и латиноамериканские рисунки, которые были уже готовым
музыкальным примером использования всех возможностей координации.

Разбор произведений.

Я снимал много разных песен, которые мне нужны были для развития или для работы в кавер-
бэнде. Сперва я слушал и запоминал произведение, стараясь избегать записей на бумаге (не
брезгуйте, это приходит с годами, на первых порах я советую пользоваться шпаргалками в
виде нотных записей). Далее проигрывал некоторые моменты, а следом играл с записью.
Долгое время я снимал песни, просто слушая их, а потом нашёл весьма интересным
придумывать некие интерпритации, что заставляло не только слушать, но и проигрывать, и
придумывать.

Сочинение партий.

До определённого момента я вообще не парился на этот счёт, а потом начал относиться к


сочинению партий очень ответственно. Так, чтоб уже ничего не переделывать. Я играю
форматную музыку, и на многие ньюансы я всегда обращаю внимание. Например, темп песни,
сам рисунок, свингованные шестнадцатые или нет, время и т.д. В конечном счёте, партия
ударных это как отдельное произведение, которое тоже оркестровывается и
аранжировывается, при этом должно быть частью музыки, но не торчать среди всех
инструментов. Этому я учился и занимался.

Самое важное в занятиях это чётко знать, чем вы сегодня будете заниматься. Не дай Бог вам
сесть за барабаны, чесать репу и думать, а чем бы мне попрактиковаться, что там у меня плохо
получается. Завтра ситуация будет такой же. Чем бы вы не занимались, вы должны чётко
знать, что вы сегодня практикуете.

Мой совет. Составляйте расписание занятий с вечера. Составляя список задач с вечера, вы
начинаете свой день плавно. Точно знаете, что собираетесь делать и в каком порядке, и уже
собрали все необходимые материалы. Записывайте себя, слушайте. Запоминайте или
записывайте свои ошибки, над которыми незамедлительно начинайте работать. Научитесь
слышать себя прямо в момент тренировок, а не только на записи. Это и есть концентрация.

Записывайте, что вы уже сделали. Составьте ежедневник, в который будете вносить перечень
задач для занятий, а потом плюсами отмечайте, что вы сделали. Старайтесь всё
запланированное выполнить в запланированный срок.

И ещё одно. С вечера, когда составляете список задач для занятий, визуализируйте. Потратьте
на это несколько минут, и это усилит ваши результаты. Представьте, как вы играете
18

упражнения, и что они у вас получаются прям с первого раза, вам играется легко и без усилий.
Представьте, что вы уже умеете играть то, что собираетесь практиковать. Что вы почувствуете,
если уже умеете? Запомните это чувство и держите его, пока будете визуализировать.
Визуализация – сильное оружие. Успехов вам!

Глава 5.

Создание и стилизация партии.

Помните песню Рианны “Umbrella”? Это отличный пример вкусной и уместной партии. Партия
должна быть уместной, подходящей по стилю, не должна преобладать над другими
инструментами (это не произведение для барабанов с оркестром), не должна изобиловать массой
дырчащих брейков, если это поп песня. И в данном случае это ещё и очень стильная партия,
украшенная такой штукой, как узнаваемость.

Итак, создание и стилизация состоит из следующих пунктов:

1) стиль;
2) рисунок;
3) темп;
4) время;
5) динамика;
6) заполнения.
Ну, и добавим-ка вкусной приправы хорошо приготовленному блюду.
Что в конечном итоге позволит нам создать то, что называется гордым словом «грув».

Всё нижесказанное максимально касается популярной музыки. Проще говоря, попсы.

Стиль.

Партия должна соответствовать стилю музыки, в котором написана песня. Нет-нет, я


согласен, что нужно экспериментировать, освобождаясь от рамок и канонов, но,
простите, если это металлическая баллада, а вы начинаете сальсу колбасить, то это
просто бред. Хотя умелый ди-джей найдёт хороший способ совмещения этих стилей,
ха-ха. Итак, определитесь со стилем песни. Если сочиняете, то подумайте, в каком
лучше всего стиле передать то настроение или эмоцию, которую хотите.

«Короче, играли какой-то бешеный фанк, а барабанщик как завёл своё «AC/DC», так и
проиграл это всю песню!» Именно это я однажды услышал после одного фестиваля об
одном весьма интересном коллективе. Возвращаемся к вопросу стилизации. Играйте
19

то, что уместно. То, что подобает играть в этом стиле. Если это какой-то сумасшедший
фьюжн, то играйте по-сумасшедшему. А, если это мелодичная босса, то играйте боссу.
Но не наоборот.

Рисунок.

Не следует сильно нагромождать партию попсовой песни смещением долей,


брейками, наслоениями и т.п. Песня это песня, это не платформа для демонстрации
всех ваших технических возможностей. Я знал массу барабанщиков, которые пытались
в 3 минуты песни засунуть все свои технические и мыслительные возможности. Какого
чёрта? Это что, рекламный ролик барабанщика? Поставьте себя на место слушателя!
Да вы его за эти 3 минуты утомите больше, чем он сам в своём офисе за неделю.
Людям откровенно пофиг, сколько парадиддлов в секунду вы играете. Они даже не
понимают, чем отличается парадиддл от одиночного удара. Они не имеют вообще
никакого представления о каких-то там техниках и их различиях. Они пришли
расслабиться, отдохнуть, потанцевать и отвлечься. Иными словами, развлечься. А тут
вы со своими «Тр-р-р-р, та-та-та, бр-р-р-р-р, быщ-быщ-быщ, форшлаг-форшлаг-
форшлаг». Большую часть внимания люди концентрируют на вокалисте, помните об
этом. Вокал понятен. Текст понятен. Помните и об этом. Итак, рисунок. Если это песня с
наличием каких-то характерных черт стиля (например, самба, мозамбик и т.д.), то всё
упрощается (эти стили имеют определённые каноны), и вы можете поработать больше
над экспериментами. Определитесь с тем, будут ли восьмые и шестнадцатые ноты
свингованными или ровными. Что больше сможет прокачать эту песню? Думая над
паттерном басового барабана, представляйте, что будет играть ритм секция в целом.
Как барабаны будут взаимодействовать с басом. Хай-хет составляет основное
движение песни. Подумайте над тем, что больше подойдёт подобного рода песне.
Восьмые? А, может, просто четверти? А как на счёт играть на «и»? А, может, лучше
сыграть, а-ля на шейкере, играя 1, 3 и 4 шестнадцатые ноты каждой доли? Моим
главным советом будет – слушайте больше музыки тех стилей, в которых вы работаете
и играете. Это наилучший способ научиться понимать музыку и слышать её. Научитесь
слышать, как общую картинку, так и каждый инструмент отдельно. Аккомпанемент к
песне? Не следует выходить за рамки, если от вас требуется не более, чем
аккомпанемент. И ещё совет. Постарайтесь воспринимать барабаны, как
мелодический инструмент. Поработайте над этим. Ключевую фразу я уже сказал.

Темп.

Эх, больная тема для многих барабанщиков. Сейчас не так часто


встретишь барабанщика, который с вопросом темпа на «ты».
Зачастую все просто переходят на работу с драммашиной или под
20

метрономом. Всякое случается на сцене, поэтому барабанщики часто страхуются таким


образом. Это не плохо. Но всё-таки не забывайте играть и без клика. Всё-таки группа
должна быть живой. Помните всегда о темпе. Ведь у каждой песни он свой, и об этом
не стоит забывать. Пусть песня дышит свободно, как вы. Не заставляйте её задыхаться.

Ощущение времени.

Мы подошли к самой интересной части, т.к. ощущение времени барабанщиком –


важнейший компонент игры на барабанах. Чувство и настроение песни зависят в
первую очередь от барабанщика. От того, насколько хорошо он создаёт ощущение
времени в песне. Стабильное и уверенное ощущение
времени барабанщика создаёт опору и основу для других
музыкантов. Важно заниматься под метроном или
драммашину. Это делает барабанщика готовым к любой
сессии. Просто включите клик и играйте. Сначала, возможно,
будет непривычно, но со временем вы научитесь с ним
сливаться и играть, даже не замечая этого клацания. Клик
поможет вам избавиться от плавания в темпе, поспособствует развитию точности и
стабильности игры во времени. Но не переусердстувуйте. Я встречал немало
барабанщиков, которые умели хорошо играть только под клик. Видел и тех, кто играл
выше всяких похвал, но, как только ему включали драммашину, парень терялся и не
мог сыграть более 2-х тактов. Здесь нужна золотая середина – уметь играть как с ним,
так и без него. В любом случае, заниматься я советую с ним. А живые выступления…ну,
это уже на ваше усмотрение.

Деннис Чемберс однажды сказал, что он терпеть не может заниматься под клик. Он
занимается исключительно под драммашину, в которой программирует разные грувы,
а потом джемует под них, играя ритмы, соло, смещения и т.д. Это делает его
максимально музыкальным даже во время занятий.

Заменить клик можно также и музыкой. Играйте под записи. Это позволит вам
мыслить музыкально. Я одно время даже упражнения играл под музыку, чтоб сразу
уметь обыграть мелодическую линию или просто понять, как это звучит с музыкой.

Если на живых выступлениях вы играете без клика, то будьте сосредоточены на


времени и темпе. Часто мы начинаем играть припев чуть быстрее, т.к. на припевах
зачастую приходится играть несколько интенсивнее. Иногда такое можно
практиковать, но, если вы ускорились на одном припеве, потом на другом, то это уже
просто бред. Следите также за временем других музыкантов. Бывает такое, что трубач
играет соло, сплошь состоящее из мелких длительностей, что заставляет его
ускоряться. Сдерживайте его, не позволяйте улететь вперёд музыки, продолжая играть
в прежнем темпе.
21

Опять же, многое зависит ещё и от стиля музыки. Если это “Sad But True” Металлики ,
то её стоит играть с оттягом, а, если это “Birdland” Завинула, то наоборот добавить
стремления и движения. В видеопособии Марка Шульмана “A Day At The Recording
Studio” показаны три примера времени: играть чуть впереди метронома, чуть позади и
ровно в метр, как драммашина. Джон «Бонзо»
Бонем играл преимущественно с оттягом, Стюарт
Коупленд наоборот с лёгким опережением, а Джефф
Поркаро ровно в метр. Не всегда, конечно, т.к. это
ещё зависит и от характера песни, а не только от
барабанщика, но преимущественно так действовали
указанные барабанщики. Но есть ещё один вариант
– гибкое время, т.е. изменяющееся. Это присуще
всем классическим произведениям и таким
шедеврам джаза, как “West Side Story”. Здесь время живое, оно изменяется и
движется в музыке.

Занимаясь под метроном, обратите внимание и позанимайтесь ещё вот чем. Играя
грув, например, на 4 такта, а потом заполнение тоже на 4 такта, и возвращаясь обратно
к груву, следите за тем, чтоб ваши соло и заполнения оставались в том же времени, что
и грув. Часто можно услышать грув, например, с оттягом, а заполнение наоборот, с
опережением. Старайтесь делать так, чтоб, если уж начали играть ровно в метр, то и
заполнение пусть будет ровно в метр, а не с оттягом или опережением.

Работайте над своим собственным внутренним временем. Имея возможность,


записывайтесь, а потом прослушивайте запись, учитывая все недостатки и
преимущества. Исправляйте недостатки. Запись – лучший доктор!

Есть ещё один удивительный приём, который я заметил у Стентона Мура. Он это
называет чувством времени нью-орлеанского джаза. Вся суть заключается в том, что 8-
е и 16-е ноты он не играет ровно, но и не свингует, он играет где-то между. Это очень
тонко! Очень. Учиться подобному
методу он советует следующим
способом. Играйте ведущей рукой
ровные 16-е ноты, а второй рукой
играйте сперва ровные 16-е и 8-е, а
потом свингованные, затем снова
ровные и т.д. После этого смешивайте
свингованные и ровные. Но помните,
ведущая рука играет ровно. Затем
можно наоборот, посвинговать ведущей рукой, а второй продолжать играть по
прежнему методу. Не существует чёткой привязанности к клику у руки, играющей
заполнения, но ведущая рука играет чётко с кликом!

Но знайте, ключ ко всему – разнообразие. Будьте разнообразными, не зацикливайтесь


на чём-то одном. Экспериментируйте с временем, что позволит вам достигнуть
22

большей свободы. Когда думаете над своим треком, не забывайте обо всём
вышесказанном.

Динамика.

Восприятие музыки с точки зрения своего инструмента. Это не верно. Зачастую


барабанщик думает о том, что он будет играть, а не то, как партия лучше передаст
музыку. Динамика - достаточно серьёзный вопрос. И не так просто взять и начать это
делать. Постарайтесь посмотреть на песню с точки зрения аранжировки. Обращайте
своё внимание на каждый инструмент по отдельности, потом на общее звучание всех
инструментов. Возможно, что-то где-то стоит сыграть тише, а где-то добавить в
громкости, а где-то устроить американские горки, возрастая и убывая в каждом
квадрате. Я не говорю только о барабанах. Подумайте о динамике в контексте
времени. Что это за песня? Её лучше играть с оттягом и плотно или наоборот,
стремительнее и легче? Может, здесь лучше пропустить третью долю вообще? Если
песня тяжёлая и грузная, то куда это вы полетели, чуть дотрагиваясь к райду? Или чего
это вы так громко тянете кота за яйца, если песня задорная, как весенний день?!

Заполнения.

Да, это самое последнее, о чём стоит думать в песне. Заполнения не должны
выбиваться из контекста стиля. Они не должны мешать остальным музыкантам. Они
должны быть в том же времени, что и основной рисунок. И помните, в поп песне
заполнение не более, чем украшение или аксессуар, без которого можно и обойтись.
Зачастую они символизируют переход от 1-й части песни к другой. Не
переусердствуйте.

А теперь добавим вишенку на поверхность получившегося тортика. Или изюминку,


если вам угодно. Изюминкой я называю то, что делает бит особенным и уникальным.
То, что делает его запоминающимся и узнаваемым даже для обычного, далёкого от
производства музыки, слушателя.

В упомянутом треке Рианны этой самой изюминкой является открывающийся хет. По


сути-то бит достаточно обычен для R’N’B. Но именно эта фишка с хетом делает его по-
настоящему сильным. Во всяком случае, попробуйте включить трек любому обычному
слушателю, и он сразу напоёт «Э-ла-э-ла». Это я называю добавить стилю стиля. Теперь
бит по-настоящему вкусен.
23

Что касается непосредственно действительно сильных и мегавкусных битов, то я здесь


приведу целый перечень из песен, частью которых являются такие грувы.

Бонус совет.

Силён тот, кто знает песню, как свои пять пельцев и может её сыграть в любом состоянии. Это
внушает уверенность не только в вас самих, но и в тех, кто с вами играет. Я говорю о форме
песни, о знании и понимании партий всех инструментов и свободном музыкальном общении.

Возможно, я повторюсь, но главным моим советом будет – слушайте больше музыки тех
стилей и направлений, в которых вы хотите или уже работаете. Это поможет вам лучше
понимать время и стиль музыки. Обращайте внимание на все инструменты, на все ньюансы,
играйте вместе с записями, с минусовками этих песен. Эксперементируйте и развивайтесь. Не
забывайте слушать! Я же даю советы, касающиеся форматной музыки. Советы, которые
помогут вам найти общий язык даже с самым привередливым продюсером.

Глава 6.

Артистизм

«Настоящий концертный слушатель часто закрывает глаза, чтобы ему не мешала


ущербная картина человека, «занятого производством звуков», чтобы
наслаждение от прекрасного не пачкалось.»

Не помню, кто сказал, но в самую точку.

Музыкант это не просто человек, который выходит на сцену, чтобы исполнить музыкальное
произведение. Он то, что называется гордым словом «артист».

Помните, люди приходят на концерт, чтоб увидеть зрелище. Если б они хотели вас просто
послушать, то скачали бы вашу песню или купили бы диск. Они хотят видеть! Они зрячие
слушатели!!!

Итак, что для этого необходимо? Давайте сперва научимся смотреть и слушать себя со стороны.
Помните, как вы, записав свой голос впервые, послушали его и не поверили, что это вы. Он
другой. Так же будет и с тем, что вы наиграете перед микрофоном. И не нужно этого чураться, т.к.
это прекрасный источник информации. Когда занимаетесь на репетиционной базе, записывайте
24

свои занятия, а потом прослушивайте и анализируйте. Вам нужно научиться без страха слушать
свои записи, распознавать и признавать свои ошибки, чтоб исправлять их, устраняя недочёты. Так
же поступайте, просматривая видео с ваших концертов. Если позволяет камера телефона, или у
вас имеется видеокамера, то можно записывать себя, когда занимаетесь. Вам нужно научиться
без страха смотреть на себя. Помните, страх не поможет вам научиться подавать себя. А, пытаясь
скрыть неумение показать себя, вы будете не более, чем кривляться. Так что теперь запись будет
вашим основным источником информации.

Очень часто от музыкантов можно услышать нечто вроде «Я хочу просто играть». Я не помню, кто
это сказал, но это очень показательно: «Музыкант – это пластика, введенная в звук! Это
многоцветие эмоционального переживания, настроения.»
Посмотрите на Ээрона Спирса! Вы хотите сказать, что он
просто играет?! Или на Джереми Колсона.

Что касается трюкачества. Вы спросите: «Чем изображать,


если все конечности заняты игрой?» Посмотрите на Бобби
Ярзомбека, Томаса Ленга, Бадди Рича, Джо Морелло или
даже на Томми Ли.

Есть ещё один момент. Это комплекс или даже комплексы неполноценности. В данном случае
разрешение проблемы следующее:

а) раскрываем свою проблему и смело смотрим ей в глаза;

б) вооружаемся методиками и приёмами.

Итак, скрываете ли вы что-то? Например, какой-то физический недостаток. Если да, то для начала
нужно перестать париться по этому поводу. Нужно не мучиться, а одолевать. Как? Об этом ниже.
Давайте посмотрим на себя со стороны. Сперва нужно признать свой недостаток. Это может быть
тяжело, но, поверьте, глядя страху прямо в глаза, вы поймёте, что не так-то и страшен «ваш
монстр». Признавая недостаток, вы уже начинаете работу по его устранению. Обращали ли вы
внимание на то, что обсуждать недостатки других людей всегда проще? Причём зачастую мы
даже знаем массу способов устранения этих недостатков. Почему? Потому что нас этот недостаток
не касается, и мы смело смотрим на него. А человек, обладающий им, бежит от него, прячется,
скрывается, подпитывая и увеличивая его своим страхом. Ну, например, вы видите полного
человека и думаете «Боже, та сходи ж ты в тренажёрный зал и перестань жрать, как бегемот!» В
таком случае, вы уже назвали 2 способа устранения проблемы. Но почему, в таком случае, вы не
можете так же смело посмотреть на себя и так же смело назвать способы устранения своих
недостатков? Потому что, как и этот человек, боитесь признать, что у вас что-то не так, что вы не
такой, каким вы себе себя представляете. Но, согласитесь, совершенствование это работа,
состоящая из действий, проб, ошибок, устранении этих ошибок. Заметьте, насколько быстро мы
реагируем, когда недостаток не наш. Так, может, всё-таки стоит научиться смело смотреть и своим
недостаткам в глаза?!
25

Комики советуют: не нужно прятать –


всегда найдётся тот, кто увидит.
Причём недостаток, скорее всего,
человеком преувеличен. В попытке
спрятать его, человек наоборот
обращает на него больше внимания.
Нужно научиться просто забивать на
него, относиться наплевательски.

Неправильно считать, что физический недостаток это помеха на пути к успеху.


Порой как раз именно он и становится тем самым зелёным светом на дороге
карьеры. Денни Де Вито, например, считает свою внешность уникальной, и
что именно она способствовала его успеху. А ведь именно так и есть!
Посмотрите на Роуэна Аткинсона, Игги Попа, Роналдиньо, Стивена Тайлера,
Кортни Лав, Мика Джаггера, Вупи Голдберг, Джека Николсона, Хилари Суонк
и многих других. А ведь почти каждый из вышеперечисленных побывал в
статусе секс-символа! В конце концов, посмотрите на группу “AC/DC”!!!

Очень немаловажный момент. Научитесь открываться. Пусть вы откроетесь самому близкому


человеку и только ему, но это будет огромный шаг вперёд. Открываться сложно, на это способны
только очень сильные люди, но это помогает в принятии себя. А принятие себя, как известно, –
основа любой духовной работы, в том числе и формирования себя как артиста.

Когда вам удастся достучаться до себя, сохраните это. Пусть ваше истинное «я» и будет вашей
основой во всём. Не забывайте о нём.

А теперь 13 «друзей» Оушена. Небольшой список того, что не нравится публике видеть на сцене
(опрос из Интернета).

1. Страх перед публикой.

2. Манерность

3. Кривляние.

4. Неестественность, фальшь, натянутая улыбка.

5. Неискренность.

6. Неумение двигаться.

7. Неуверенность в себе.

8. Банальные высказывания и дилетантские шутки.

9. Вычурность.
26

10. Притопывание ногой и проявление скуки.

11. Нервозность.

12. Неуместность слов и действий.

13. Нарцисизм.

Короче говоря, будьте собой и будьте уверены в себе.

Глава 7.

Аранжировка.

Слово «arrangement» переводится с английского как: устройство, приведение в порядок,


расположение, классификация, композиция, систематизация, порядок и форма изложения.
Слово «аранжировка» имеет весьма объемный смысл и включает в себя много аспектов. Итак,
зачем она нужна?
Например, человек хочет стать общепризнанной звездой. Для этого ему нужен трек, который
станет хитом. Зачастую авторы действуют таким образом, что пишут мелодию голоса, текст,
гармонию, которую наигрывают либо на фортепиано, либо на гитаре, потом поют под этот
аккомпанемент и записывают. Собственно, это и есть первозданный вид песни. Но в таком виде
даже самый гениальный хит не будет отвечать требованиям музыкального формата теле и радио
эфиров. Это пока ещё даже не демо, которое можно представить исполнителям, продюсерам или
лейблу. Для того, чтоб максимально услышать потенциал песни необходимо исполнение данного
произведения группой, оркестром или пачкой электронных звуков или цифровых инструментов.
Здесь и приходит на помощь аранжировщик.

Аранжировщик музыки (англ. arranger) — музыкант, обладающий композиторскими навыками,


который обрамляет мелодию в музыкальную форму. Сочиняет партии для музыкальных
инструментов, и вокального сопровождения (вокальной группы, бэк вокала) в соответствии с
поставленной музыкальной задачей.
Первостепенная задача аранжировщика – создание продукта, отвечающего требованиям
стандарта евроформата.

Конечно, зачастую композиторы самостоятельно аранжируют свои произведения с целью как


можно точнее реализовать задуманную идею.
В данный момент аранжировщик должен обладать следующими профессиональными навыками:
- музыкальная грамота;
- композиция;
- владение несколькими музыкальными инструментами;
27

- фундаментальные знания в области программного обеспечения;


- умение работать с музыкальной техникой;
- глубокое изучение потребностей существующего музыкального рынка.

В принципе со времён Элвиса ничего не изменилось, кроме того, что добавился 4 пункт.
Работа аранжировщика не менее творческая, чем работа автора. Аранжировщик должен быть в
первую очередь композитором с очень тонким ощущением приоритетов и симпатий автора. К
тому же, аранжировщику необходимо знать потребности современного музыкального рынка, и в
совершенстве владеть программным обеспечением.

Аранжировка включает в себя ряд основополагающих моментов. Во-первых, это всё, что связано с
доработкой мелодии, т.е. подбор темпа, стиля, размера и тембра. Не редко аранжировка
предполагает изменение основной музыкальной идеи, задуманной автором. Зачастую готовый
вариант аранжировки мало совпадает по звучанию с тем исходником, что был до него, но все же
это не новая мелодия, поскольку сохранен стиль, музыкальный образ и мысль автора.
Во-вторых, это работа по оформлению какого-либо изначального мотива, данного в виде партии
фортепиано или гитары, к примеру, в полноценное музыкальное произведение. В этом смысле
аранжировка имеет много общего с композиторством, поскольку человеку, который ею
занимается, приходится писать самому партии различных музыкальных инструментов и
дорабатывать мелодию. Именно поэтому я всегда настаивал на том, чтоб аранжировщиков
включали в список соавторов песен. О различных вариантах одной и той же песни говорят, как о
разных ее аранжировках, и это по сути правильно – во всех вариантах сохранена основная мысль
и меняется лишь ее оформление. Но помните, от аранжировки будет зависеть, насколько ярко и
выразительно прозвучит та мелодия, которую автор хотел бы донести до слушателя.
В-третьих, это правильная расстановка акцентов в музыкальной фразе.

Аранжировка необходима для музыки в любом стиле, потому что качественное музыкальное
оформление песни – это большой шаг к ее успешности. Не стоит забывать о том, что у каждой
группы, у каждого исполнителя есть свое особое звучание, которое является как бы его «визитной
карточкой». Исполнитель или группа работают с определенными инструментами, их творчество
обладает определенным тембром и только им присущим ритмом. Всё это и дает в совокупности
узнаваемость, свой стиль. И одну из важнейших ролей в его создании играет именно
аранжировка.

Об аранжировке написано немало книг и статей, которые вы найдёте в Интернете. Как я уже
говорил, аранжировка является очень объёмным понятием. Аранжировщик должен разбираться в
стилях и направлениях музыки, т.к. каждый из них имеет отличия от других, свои частотные и
технические ограничения. Я же хочу поговорить об аранжировке партий барабанной установки.

В данной книге я приведу целый список тех барабанных партий, которые лично я считаю
гениальными по композиции, оркестровке и аранжировке.

Основой ко всему является басовый барабан. Это та основа, которая вместе с бас-гитарой создаёт
фундамент для песни. В большинстве случаев басовый барабан либо полностью дублирует
партию бас-гитары, либо играет акценты партии баса, чтоб не создавать нагромождённости (в
28

роке, например, басист часто играет поток из 8-х нот, при этом барабанщик играет только
четвертные ноты). Также часто можно услышать пачку, состоящую из гитары, баса и басового
барабана, играющую одинаковый рифф. Итак, бас барабан – основа.

В популярной и рок музыке малый барабан играет бек-бит, т.е. 2-ю и 4-ю долю каждого такта в
размере 4 четверти. Это основная черта этих стилей. Бек-бит создаёт то самое движение вперёд,
заставляющее людей на танцполе двигаться.

Хай-хет создаёт пульсацию и движение. И вместе с басовым и малым барабаном создаёт


основной бит.

Термин «райд» применяют для обозначения как роли тарелки в партии ударных (то есть для
указания на тарелку, с помощью которой ведут ритм), так и типа самой тарелки. Многие
производители тарелок изготавливают не только тарелки типа ride, но и типа ride/crash или
crash/ride. В то же время ride-партию, то есть ритмическую канву, часто играют на тарелках других
типов — china, crash, trash и т.д. С другой стороны, ничто не мешает использовать тарелку типа
ride как crash, то есть сыграть на ней акцент.

Креш служит для подчёркивания акцентов громким, мощным, но относительно коротким звуком
для акцентировки отдельных частей, начала фразы или куплета. Также на крэшах
исполняют тремоло, часто в качестве "финального аккорда" композиции.

Чайна издает громкий, резкий, несколько грязный звук, который используется для создания
особенно мощных акцентов, стаккато. Тарелка часто используется и для райд-партии.

Сплеш используется исключительно для расстановки акцентов и синкоп. И это объяснимо тем, что
на первых долях forte сплэш явно неуместен, так как не обладает достаточной мощью звучания.

Томы в большинстве случаев используются для брейков, т.е. фигур-заполнений, которые создают
переходы в песне. Также используются для игры заполнений в ритме, а-ля перкуссия. В
латиноамериканских стилях являются неотъемлемой частью ритмического рисунка и его основой.

Аранжировка и оркестровка партии ударных.

Наиболее важные аспекты удачной аранжировки – это особенности звучания различных


компонентов ударной установки, правильный подбор ритма и темпа всей композиции, верное
решения для выбора тембра инструмента. А теперь по порядку.

Например, шипящая сустейном тарелка райд совершенно не клеится к джазу, т.к. в быстрых
бибопах она просто издаст непрекращающийся шум, а не чёткие восьмые. Но зато она хорошо
подойдёт рок музыке, где гораздо меньше нот и чаще используется цоколь, а не широкая
плоскость тарелки. Для того же бибопа лучше использовать маленький басовый барабан, не
сильно заглушённый изнутри. Во-первых, таким образом, он будет звучать, как это свойственно
для классики жанра, а, во-вторых, он будет просто прослушиваться сквозь низкие частоты
контрабаса. Малый барабан в джазе преимущественно сухой, с хорошо натянутыми пружинами,
29

что позволяет ноте звучать коротко, без сустейна. Опять же, как и в случае с тарелкой райд, на
малом играется много нот в виде заполнений, а темпы зачастую высокие, поэтому нужно, чтоб всё
это чётко прослушивалось и звучало. Сустейн больше свойственен музыке, в которой функция
малого барабана больше заключается в игре бек-бита, что свойственно поп и рок музыке. Томы в
джазе обычно звучат выше, чем в других стилях, но тут, мне кажется, вопрос техники, т.к.
джазовым барабанщикам свойственно играть на томах вещи, требующие отскока.

Проделайте следующий эксперимент. Попробуйте расценивать каждый компонент установки, как


отдельный инструмент. Например, хай-хет будет гитарой, басовый барабан – басом, малый пусть
играет бек бит, тарелки давайте расценивать как духовые инструменты, которые либо
акцентируют, либо расстягивают ноты. А томам присвоим роль небольшого рисунка фортепиано.
Я предлагаю это лишь в качестве эксперимента. Теперь попробуйте что-нибудь сыграть, имея в
виду вышеописанный метод. Можно взять какое-нибудь несложное произведение, в основу
которого входят перечисленные группы инструментов, и сыграть его. Если сложно, распишите
сперва это произведение. Я прошу сделать это, чтоб вы научились воспринимать барабаны, как
целый ансамбль.

Всегда помните о том, что вы исполняете песню, а не просто играете на барабанах. Важнейшим
моментом является донесение музыки до слушателей и сохранение единства участников
ансамбля, а не демонстрация ваших личных умений.

Для того, чтобы ваша партия звучала музыкально, нужно иметь представление, из каких частей
состоит песня. Зачастую используется 2 незначительно отличающихся друг от друга рисунка. В
куплете один, в припеве другой. Порой в самом рисунке нет изменений, и они отличаются
исключительно динамически. Например, на куплете хай-хет закрыт, а на припеве приоткрыт, или
же партия хета переносится на тарелку райд или чайну.

Шаффлованность восьмых и шестнадцатых. Это тоже может не хило помочь раскачать песню.
Попробуйте исполнить пьесу и ровными восьмыми, и шаффлованными. И выберете, кажущийся
оптимальным, вариант.

В основу всего всегда ложится трио «хет-малый-бочка». Именно они создают основное движение
в песне и её пульсацию. Особенно, учитывая широчайшие возможности хай-хета и малого
барабана, в этом даже не стоит сомневаться, что этого более, чем достаточно. Однако давайте
посмотрим в сторону мелодии.

Давайте поэкспериментируем. Попробуйте продублировать мелодию песни барабанами. Сперва


на бравой тройке «хет-рабочий-бочка», а затем на всей установке. Не думайте пока о бите. Просто
играйте по тем компонентам, которые, как вам кажется, тембрально лучше всего передают
мелодию. А теперь добавьте бит, и все эти заполнения играйте поверх бита. Партия получится
весьма загромождённая, хотя барабанщики, играющие погрессивный рок, часто используют нечто
подобное в песнях. Теперь, во избежание нагромождённости, продолжайте играть бит, но из
вашего обыгрывания оставьте определённые удары, подчёркивающие важные акценты в партиях
других иструментов. Например, открывающийся хет вместе с акцентом на гитаре. Или парочку
30

восьмых на томах, играющих в унисон с басом. Поэкспериментируйте над этим. Послушайте такие
треки, как «Take Five». Джо Морелло дублирует мелодическую линию, но не загромождает
партию, давая музыке дышать. Или «Хамелеон» Херби Хенкока. Харви Мейсон играет четвёртую
шестнадцатую ноту первой доли на малом, подчёркивая ноту баса в этом же месте, и звучит это
просто потрясающе.

Вариант игры вместе с мелодией хорошо прослушивается в треке группы “U2”


под названием “Desire”.

Другая сторона медали - музыка строится вокруг партии ударных, или ударные
имеют лидирующую роль в песне. Пример – «6.00» группы “Dream Theater”, где уже музыканты
обыгрывают столь блестящую мелодическую фигуру, играемую на барабанах.

И третий вариант, это когда вся песня основана на партии ударных. В таком случае барабаны
служат основным мелодическим инструментом. Пример - “They Don’t Care About Us” Майкла
Джексона.

Если же возможности вашей установки велики, то послушайте таких барабанщиков, как Акилес
Пристер, Майк Манджини или Майк Портной – они мастера оркестровки роковых партий.

Оркестровывая партию, подумайте, а лучше практическим путём попробуйте, что лучше будет
звучать по отношению к данной песне. Например, может, в данной песне лучше вести не в хет, а в
райд, подчёркивая только вторую восьмую каждой доли, играя ногой на хете на «и»? Может,
гораздо лучше будет звучать форшлаг на томах на «и» четвёртой доли, а не просто удар басового
барабана?

Ещё хороший пример оркестровки это заполнения. Заполнение, например, того пространства,
которое не занято басовым барабаном вместе с басом. Заполнить можно тихими нотами на
малом или хете, или томах. Можно играть, а-ля перкуссионист, т.е. достаточно насыщенно играть
заполнения на томах. Но в таком случае лучше хорошо ознакомиться с тем, что обычно играют
перкуссионисты, чтоб понимать, как это делается. Послушайте Дейва Векла. Он мастер любых
заполнений.

Как придумать узнаваемую партию?

Нет никакого универсального рецепта для этого. Мне кажется, важно экспериментировать и
слушать много хорошей музыки. Мне кажется, что именно мелодичность делает партию
узнаваемой и запоминающейся. Понятность, простота, что важно для восприятия, она не должна
быть шумом. Хорошо, если её легко напеть, воспроизвести. Вот здесь и важно, чтоб она не была
сложной и нагромождённой. Она должна быть тембрально приятной, без режущих ухо высоких
частот или слабопрослушиваемых низких.

В данном случае я лучше приведу примеры таких партий, которые, надеюсь, помогут вам лучше
понять термин «узнаваемая партия».
31

Глава 8.

Стильные партии.

Мы поговорили о стиле партий, об аранжировках партий, оркестровках и о том, как придумать


нечто такое, что сможет зацепить и запасть в память даже обычному слушателю, а не музыканту.
Обо всём этом бессмысленно говорить, не имея перед глазами наглядного пособия или примера.
Что ж, специально для этого я составил список из 100 самых известных и запоминающихся
барабанных партий всех времён. Критерий отбора вёлся с учётом всего одного пункта – узнают ли
люди произведение, если звучать будут лишь барабаны. А это уже свидетельствует о некоей
уникальности произведения, а, значит, я негласно учитывал оркестровку, звучание инструмента,
характерность исполнения и звучания для данного стиля музыки, узнаваемость и такой
немаловажный момент, как влияние данного произведения на других музыкантов, и что
представляет из себя произведение как наследие на века. Само собой, что я оставил некие
комментарии, почему то или иное произведение оказалось в данном списке. В начале списка я в
разнобой расставил треки, а в конце я составил свой Топ 30 самых настоящих произведений
искусства.

Первым в списке указано название трека, вторым название исполнителя песни (группы), далее
год релиза трека, а в скобочках исполнитель партии барабанов. Если исполнитель не указан, то
старалась драммашина.

ТОП самых узнаваемых барабанных партий.

“Detonator” – Mike Terrana, 2007 (


Mike Terrana )

Шедевр! Который, правда, ещё


нужно и смотреть – Майк не был
бы собой, если б играл без своих
трюков с палочками! А ещё мне
всегда нравилось то, что у Майка
внешний вид соответствует его
манере игры – напористо,
технично, нагло и без напускной
скромности.

“Ain't Nobody” - Rufus And Chaka Khan, 1983 ( John 'JR' Robinson )
32

Изящная, острая, но очень качающая фигура. Ничего лишнего, всё на своих местах, заполнения в
стиле своего времени, и в них тоже ни единой лишней ноты.

“God Save The Queen”, The Sex Pistols, 1977 ( Paul Cook )

Громко, грязно, сыро, агрессивно и энергично! Именно так, как должен звучать настоящий панк,
заставляющий вас двигаться, независимо от того, нравится он вам или нет.

“No Good (Attack The Radical)” – Pantera, 1992 ( Vinnie Paul )

Этот бит звучит так же, как Винни Пол выглядит – огромно, зверски и брутально. Рисунок
вступления – выше всяких похвал.

“You Really Got Me” - The Kinks, 1965 ( Bobby Graham/Clem Cattini )

Этот трюк со вступлением я назвал бы трюком на 100 тыс. долларов, а вместе с последующим
после этого битом – на 1 млн. долларов.

“Englishman in New York” – Sting, 1987 ( Manu Katche )

Музыкально, легко, элегантно, как сам Стинг.

“Stratus” - Billy Cobham, 1973 ( B. Cobham )

Восторг! Как такое можно было придумать в 1973 году?!


Идеальная басовая линия, звук синтезатора и, конечно же, это сочетание перкуссии и барабанов!

“Lapdance” – NERD, 2002 ( Eric Fawcett )

Просто круто! Идеально! Прекрасное сочетание звука, партии и ощущения времени.

“Highway Star” - Deep Purple, 1972 ( Ian Paice )

Пожалуй, лучший пример шагающего маршевого рисунка на малом барабане в рок музыке. Очень
динамично и раскачивающе.
33

“Suck My Kiss” - Red Hot Chili Peppers, 1991 ( Chad Smith )

Ну, конечно! Куда же без Чеда?! Фанково, роково, драйвово,


эмоционально! И всё это на пределе!

“Seven Days” – Sting, 1993 ( Vinnie Colaiuta )

Когда я впервые услышал этот трек, то подумал «Боже, что он


делает?! Как это?!» Я никогда не слышал более удивительной оркестровки и интеллигентно
звучащего нечётного размера. Это однозначно одна из величайших работ Винни Колоюты.
Гениально!

“Memphis Soul Stew”, King Curtis, 1971 ( Bernard 'Pretty' Purdie )

Шикарный присвингованный рисунок от одного из представителей классического фанка.

“Sunday Bloody Sunday” - U2, 1983 ( Larry Mullen Jr )

Просто представьте, как бы это звучало без этой партии!

“Sad But True” – Metallica, 1991 ( Lars Ulrich )

Агрессивно, мощно и огромно, как, собственно, и всё, что делал


Ларс в 90-х. Но этот трек, который для меня лично нечто вроде
«Кашмира» 90-х, заслуживает особого внимания – мега обширно и
агрессивно, теперь добавим к блюду специю в виде этого
заполнения из одной 8-й и четырёх 16-х нот, благодаря которому
трек ещё более узнаваем, и получаем шедевр.

“Walking On The Moon” - The Police, 1979 ( Stephen Copeland )

Неоднократно признана шедевром, и, думаю, партия ударных сыграла в этом не последнюю роль.
Коупленд, как всегда, потрясает своим подходом к драммингу.

“Chuck E's In Love” - Rickie Lee Jones, 1979 ( Steve Gadd )

Волшебно и воздушно. Я б сказал, что эта партия по-настоящему обаятельна. И парадиддловое


заполнение, чисто геддовский штрих, звучит так, что сразу же хочется его «потрогать».
34

“Immigrant Song” – Led Zeppelin, 1971 ( John Bonham )

Один из самых знаменитых битов «Бонзо». Очень ярко, мощно,


агрессивно и почему-то хочется сказать слово «быстро».

“Like I Love You” - Justin Timberlake, 2002 ( Pharell )

Очередной показатель того, что очень часто человек, не играющий на барабанах 24 часа в сутки,
но играющий на всех инструментах, умеет сделать из барабанной партии нечто вроде отличного
гитарного риффа. Отличный рисунок от Фарелла Уиллиамса служит этому подтверждением.

“War Ensemble” – Slayer, 1990 ( Dave Lombardo )

Я был ещё совсем ребёнком, когда впервые услышал этот трек, но я не мог остановиться и слушал
его снова и снова. Барабанная партия мне казалась просто идеальной трешевой партией.

“Tom Sawyer” – Rush, 1981 ( Neil Peart )

Бесспорно, классика жанра. Гениально и красиво. Блистательный мастер своего стиля Нил Перт
сотворил, как по мне, прорыв этим треком, который позже только совершенствовался.

“Love Rears Its Ugly Head” - Living Colour, 1990 ( Will Colhoun )

Этот парень всегда умел играть солидно и мелодично. А главное, что у


него это получалось всегда делать очень вкусно. Лично у меня этот трек
всегда вызывает улыбку и качание плечами.

“Paint It Black” – The Rolling Stones, 1963 ( Charlie Watts )

Эта песня окутана какой-то особой магией, и не в последнюю очередь благодаря рисунку,
исполняемому Чарли Уоттсом.

“Dr Feelgood” - Motley Crue, 1989 ( Tommy Lee )

Рисунок, который не может не запомниться своим


вступлением в 4-ю 16-ю 4 доли и постоянно
35

открывающимся хетом, что делает его ещё более жирным и тяжёлым роковым битом. Одна из
любимых песен.

“Rock Around The Clock” - Bill Haley & His Comets, 1956 (Billy Gussak )

Было время, когда я играл эту песню в клубах, и она мне чертовски не нравилась из-за этой
партии. Но что не говори, а она новаторская и гениальная.

“Rock’N’Roll” – Led Zeppelin, 1971 ( John Bonham )

Ну, как же без этой песни. Завсегдатай любого барабанного чарта!

“Longview” - Green Day, 1994 ( Tre Cool )

Не выйдут из моды никогда эти племенные рисунки на томах.


Никогда! Уж слишком они хороши! Особенно в шаффле.

“Fire” - The Jimi Hendrix Experience, 1967 ( Mitch Mitchell )

Только такой барабанщик мог играть у Хендрикса. Одна из лучших работ Митчелла! И один из
лучших битов всех времён.

“Pick Up The Pieces” - The Average White Band, 1974 ( Robbie McIntosh )

По-фанковому глубоко и по-роковому мощно. Прекрасная мелодическая линия в басовом


барабане, дублирующая и партию баса, и партию духовых.

“War Pigs” - Black Sabbath, 1970 ( Bill Ward )

Весь куплет основан на игре 8-х нот на хай-хете, что не так часто встретишь. Не стоит забывать, в
каком состоянии эти парни играли на концертах! И как бы там ни было, а со временем у Билла в
любом состоянии был порядок. Не стоит забывать и о партии в припеве и этих сумасшедших
брейках. Грязно, громко, но не сыро – так и должен звучать рок тех времён!

“Watching The Detectives” - Elvis Costello, 1977 ( Pete Thomas )

Уникальный подход и видение регги Пита Томаса. Комментарии излишни.


36

“Tripping Billies” – Dave Matthews, 1996 ( Carter Beaford )

Мне равноценно нравится всё, что делает Картер. Меня поражает его манера исполнения,
мышления и сочинения. Один из тех барабанщиков, которые интересны всегда.

“Manic Depression” - Jimi Hendrix Experience, 1967 ( Mitch Mitchell )

Мне всегда интересно слушать рок команды тех времён. Тогда ещё не было разделения на
джазовых, роковых и т.п. музыкантов. Тогда были просто музыканты. В основном с джазовым
видением музыки ( слово «образование» точно не катит, а слово «корни» в точку ), так что рок
игрался по-джазовому. Не было тогда этой чисто роковой манеры исполнения. Этот трек – яркий
тому пример.

“Roxanne” - The Police, 1978 ( Stephen Copeland )

Он скрестил панк и регги! А на выходе получил нечто поистине


шедевральное.

“Won't Get Fooled Again” - The Who, 1971 ( Keith Moon )

Кейт сделал из понятия «грохот» понятие «шедевр». Все его партии были громкими, даже
грохочущими, и экспрессивными. Но при этом громкость его гениальности была не меньшей.
Спасибо тебе, Кейт. А именно данная песня опередила настолько своё время, что мне кажется, что
её только собираются написать.

“Soul Man” - Sam And Dave, 1967 ( Al Jackson, Jr. )

Абсолютное новаторство для своего времени! Совмещение музыки


соул и фанка, причём ещё и с такой потрясающей барбанной
линией.

“Davidian” - Machine Head, 1994 ( Chris Contos )

Одно из самых запомниающихся вступлении в металлических песнях. Но чего стоят эти


заполнения! Особенно тот, что на первой минуте! Это ж просто нечто!
37

“Lust For Life” - Iggy Pop, 1977 ( Hunt Sales )

Это невероятно круто! Всегда узнаваемо, всегда по-панковому драйвово и всегда звучит как-то по-
шальному, что ли.

“Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine” - James Brown, 1970 ( John
Starks )

Один из самых популярных рисунков среди самых настоящих мэтров


фанка, вроде Стива Смита, Стентона Мура и других. И это
заслуженно. Гипнотизирующий паттерн сыгран настолько идеально,
что не заставляет усомниться в том, что у Брауна всегда были лучшие
фанковые барабанщики.

“Back In Black” - AC/DC, 1980 ( Phil Rudd )

Мастер бек-бита Радд, пожалуй, самый экономый барабанщик, но его партии всегда вызывали
восторг своей музыкальностью и тяжестью.

“Rock Steady” - Aretha Franklin, 1972 ( Bernard Purdie )

Когда я открыл для себя Бернарда, то не мог насытиться его игрой. Мне хотелось слушать его
всего и сразу.

“Space Boogie” - Jeff Beck, 1980 ( Simon Phillips )

«О Боже, что это?! Как это?!» - воскликнул я, услышав это нечто. Мало того, что это 80-й год, мало
того, что 2 басовых барабана в то время и такая машина, мало того, что это шаффл, так ещё и в 7
восьмых! Абсолютное новаторство, абсолютный
прорыв!

“Billion Dollar Babies” – Alice Cooper, 1973 ( Neal Smith )


38

Я так и не услышал ничего подобного никогда. Единственный бит в своём роде! Ни на что не
похож, что делает его уникальнейшим.

“Fool In The Rain” – Led Zeppelin, 1979 ( John Bonham )

Самый знаменитый шаффл в половинном размере в размере 12/8. Потрясающее чувство,


потрясающий грув! Потрясающий «Бонзо»!

“Dance With the Devil” - Cozy Powell, 1973 ( C. Powell )

Одно из самых известных вступлений в истории музыки. Хотя в нашей


стране его больше знали по песне Bonney M, которые использовали
этот рисунок в своём «Распутине».

“Otay” – Dennis Chambers, 2002 ( D. Chambers )

Я услышал этот трек задолго до выхода этого альбома. По-моему, на каком-то видео с Деннисом.
И это было нечто. Ничего круче я до этого не слышал. Мне казалось, что это просто невозможно.
Возможно, такие мысли закрадывались ещё и потому, что Деннис всегда играет подобные вещи с
таким видом, будто читает газету на диване.

“Long Distance Runaround” – Yes, 1968 ( Bill Bruford )

Я слушал «Йес», будучи совсем ещё ребёнком, и в детстве мне казалось, что эту песню исполнял
либо, как я тогда выражался, компьютер, либо киборг. А песня меня эта неимоверна притягивала.

“Black Hole Sun” – Soundgarden, 1994 ( Matt Cameron )

Медленно, увесисто, тяжело и с потрясающим чувством времени.


Именно так сыгран этот бит с массой свободного пространства,
которое так необходимо этому треку.
39

“Quadrant 4” - Billy Cobham, 1973 ( B. Cobham )

Сейчас, конечно, никого ничем не удивить, но это же 73 год!!!

“Lose My Breath” – Destiny’s Child, 2004

Очень эффектное вступление, которое переростает в активный и очень подвижный бит, который
просто не может не заставить двигаться.

“Walking On Sunshine” – Katrina And The Waves, 1985 ( Alex Cooper )

Веселая, задорная и с улыбкой. Именно такая партия ударных может быть у такой песни. А она
такая и есть!!!

“I Love It Loud” – Kiss, 1982 ( Eric Carr )

Характерная для того времени песня-кричалка с хорошо


узнаваемым шагающим рисунком Эрика Карра, который
звучит тяжело и громко.

“Chop Suey!” - System Of A Down, 2001 ( John Dolmayan )

Я никогда не был фанатом этой группы, но всегда говорил, что их гениальность уникальна. Ничего
подобного я больше никогда не слышал.

“La Grange” – ZZ Top, 1973 ( Frank Beard )

«Стандартный классический шаффл!» - воскликните вы. Но как же живо Френк играет его! И как
же уместны и узнаваемы эти вставки по ободу тома!

“Epic” – Faith No More, 1989 ( Mike Bordin )

Я сходил с ума и по этой песне, и по этому барабанному бою,


а назвать это я могу именно так. Мне всегда нравилось, как
Майк дублирует партию бочки томами.
40

“Oakland Stroke” - Tower Of Power, 1974 ( David Garibaldi )

Как и Бадди Рич, Девид тот барабанщик, у которого каждая партия – отдельный шедевр. И на
месте этой песни можно поставить все альбомы “Tower Of Power”.

“Detroit Rock City” – Kiss, 1976 ( Peter Criss )

Один из самых ярких и известных роковых шаффлов всех времён. Огромный подарок Питера
Крисса на века.

“You Could Be Mine” – Guns N’Roses, 1991 ( Matt Sorum )

Ну, кто не знает это известнейшее вступление и этот бит на


томах, следующий за ним?!

“Kashmir” – Led Zeppelin, 1975 ( John Bonham )

Тяжёлый, увесистый, с запозданием (с оттягом) грув в


лучших традициях «Бонзо».

“Beautiful People” – Marilyn Manson, 1996 ( Ginger Fish )

Очередной пример того, как благодаря блестящему вступлению на томах узнаётся песня.

“Taboo” – Dave Weckl, 1992 ( Dave Weckl )

Этот бит всегда вызывал во мне чувства. Никогда не оставлял равнодушным. С первого
прослушивания я влюбился в этот трек, влюбился и в этот магический и магнетический бит.

“Humpty Dumpty” – Chick Corea, 1978 ( Steve Gadd )

Невозможно оторвать глаз от Стива, когда смотришь, как он это играет. Это нечто! Я уже промолчу
о том, как он посредством рук и ног передаёт свои эмоции
41

“Heart Shaped Box” – Nirvana, 1993 ( Dave Grohl )

Я долгое время не мог понять, в чём заключается


гениальность Грола, кроме как в его популярности. А об этой
гениальности твердили достаточно громкие имена. Спустя
годы до меня дошло, что Дейв просто прекрасный
аранжировщик барабанных партий. Его партии музыкальны,
динамичны и напоминают отдельное музыкальное
произведение.

“When The Levee Breaks” - Led Zeppelin, 1971 ( John Bonham )

Иногда мне кажется, что после того, как «Бонзо» заканчивал играть, барабаны говорили ему
«спасибо за игру».

“Becoming” – Pantera, 1994 ( Vinnie Paul )

Складывается такое ощущение, что вас бьёт током, вы не успеваете понять, что происходит, а
новый удар вас настигает и так на протяжении песни. Можно это сравнить с тем, будто вас в такт
жалит змея. На мой взгляд одна из лучших работ Винни в его карьере.

“The Rotten Kid” - Buddy Rich Big Band, 1967 ( Buddy Rich )

Мегадинамичный и переполненный энергией шаффл от такого же гения. Мне кажется, что из


дискографии Бадди Рича не нужно ничего выбирать, а слушать всё, что возможно найти. С одной
стороны это просто снесёт крышу и перевернёт мир вокруг вас, а с другой стороны, если вы
настоящий ценитель традиционного джаза, вы получите массу удовольствия, а промахов у Бадди
не было. Посмотрите его живые выступления. Оно стоит того. И даже больше! Он был настоящим
шоуменом, который играл со своим оркестром на разных шоу, скетчил и просто дурачился. Он
летал, кривлялся, кого-то пародировал во время своих барабанных соло. Это было
Представление, и я надеюсь, что вы будете иметь представление о его Представлениях.
Посмотрите его на «Away We Go Show» 1967-го года. Это нечто!

Ну, а теперь обещанный мною Топ 30 самых узнаваемых барабанных партий всех времён.
42

30.“Overkill” – Motorhead, 1979 (Phil Taylor)

Старт для любого металлического барабанщика. Что б там не


играл Луи Беллсон в сороковые на 2-х басовых барабанах, но
по признанию многих металлических барабанщиков именно
эта партия оказала на них такое влияние, что они сразу же
побежали ставить вторую «бочку» под левую ногу. Лично для
меня, когда я это впервые услышал, это было сродни раскату
грома в момент землетрясения. Итак, Фил Тейлор и «Overkill»
на 30-м месте.

29. “Honky Tonk Women” группы The Rolling Stones,


1969 (Charlie Watts)

Прекрасный, запоминающийся рисунок, по которому


легко узнать песню. Исполненная продюсером группы
Джимми Миллером, партия коубелла в начале песни
хромает так, что создаёт своего рода фишку –
демонстрирует дух рок-н-ролла того времени. Причём
так, что начинаешь чувствовать состояние, в котором
записывалась песня, да и в принципе состояние любого
рок музыканта того времени. Чарли Уоттс особо не
заморачивался с партией, но в созвучии с партией
коубелла, звучит просто потрясающе. Почётное 29-е место.

28. “Paradise City” - Guns N' Roses, 1987 (Stephen Adler)

Одна из моих любимых песен вообще. Потрясающее и всегда


узнаваемое вступление, паттерн, дублирующий гитарный рифф, в
куплете, и сумасбродная кода. Идеальная рок песня 80-х с
идеальной партией барабанов! И пусть Стивен был на вершине не
так долго, но придуманное им вступление ещё долго будут
помнить. 28-е место
43

27. “Ballroom Blitz” – The Sweet, 1973 (Mick Tucker)

Эта песня опередила своё время на годы. Партия ударных


настолько же игривая и флиртующая, как и весь глэм рок.
Когда я впервые услышал этот трек, то следом прослушал
ещё раз 100. И, наверное, если б тогда были мобильные
телефоны, то это барабанное вступление точно стояло б у
меня на звонке. Мик Такер и его crazy beat на малом
барабане на 27-м месте.

26.“Rockit” – Herbie Hancock, 1983

Весь альбом «Future Shok» был настоящей революцией,


прорывом своего времени. В частности это касается и песни
“Rockit”. Узнаваемые абсолютно всеми брейки на томах и
мелодичный рисунок барабанов с перкуссией. Так что 26-е
место!

25. “Hot For Teacher” - Van Halen, 1984 (Alex Van Halen)

Хотя оба брата Ван Халена и пианисты по образованию,


начинали они как гитарист и барабанщик, причём Алекс был
гитаристом, а Эдди барабанщиком. Что ж, похоже, парни
вовремя решили поменяться инструментами, иначе не узнать
бы нам очередных муз. революционеров своего времени.
Данный же трек очень походит и на “Space Boogie” Филлипса, и
на “Quadrant 4” Кобема, но звучит ещё более рязвязно. Одна из
лучших работ Алекса и, пожалуй, самый узнаваемый и
популярный шаффл на 2-х басовых барабанах. 25-е место.

24. “Superstition” - Stevie Wonder, 1972 (S. Wonder!!!)

Этот трек узнаваем благодаря своему вводному барабанному биту,


который исполнил сам маэстро Уандер! Ему тогда было только 22
года, а он уже писал такие шедевры! Мало того, что писал, так ещё
и сыграть мог на любом инструменте. Помню, смотрел мастер-
класс Омара Хакима, на котором он говорил, что в его Топ 5
44

любимых барабанщиков входит Стиви Уандер. Тогда я ещё не знал, что Уандер не только
гениальный певец, клавишник, композитор и аранжировщик, но и вообще
мультиинструменталист, а он оказался именно таким. Кстати, если хорошенько прислушаться, то
можно услышать скрип педали басового барабана. Хотя, если б я об этом не прочитал на каком-то
форуме, то вряд ли сам обратил бы внимание. 24-е место за Стиви.

23. “Fireball” группы Deep Purple, 1971 (Ian Paice).

Мне кажется, что все барабанщики, услышав это вступление


впервые, кивали головой в такт и в этот момент
представляли, как будут это играть. Этот трек примечателен
следующим:

1) в нём нет гитарного соло, что при Блекморе как-то


нелогично;
2) в нём есть басовое соло, которое, правда,
переростает в клавишное;
3) это один из немногих треков, исполненных Йаном
Пейсом на 2-х басовых барабанах; при записи он
использовал второй бас барабан Кейта Муна из «The Who», т.к. они писались в соседней
комнате, а на концертах специально ради этой одной песни и только на эту песню техник
вытаскивал на сцену второй бас барабан.
Итак, 23-е место за Йаном Пейсом.

22. “Birdland” – Weather Report, 1977 (Peter Erskine)

Сыгранная Питером Эрскиным живьём на live альбоме «8:30»


она полностью превзошла оригинал с “Heavy Weather”. Самый
мелодичный и динамичный шаффл, который я когда-либо
слышал. Очень крутой рисунок. Очень. Трек так назван, кстати,
в честь джаз клуба «Бёдленд», который в свою очередь так
назван в честь Чарли Паркера по прозвищу «бёрдленд». 22-е
место.

21. “One” – Metallica, 1988 (Lars Ulrich)

Это был 1-й клип МА, их первая номинация на Гремми, это


их единственная песня с использованием размера три
четверти. Гитарное соло этой песни заняло 7 место в 100
лучших соло по выбору читателей журнала “Guitar World” в
98-м году. Но помимо всех этих достоинств у этой песни есть
ещё один весомый плюс – барабанная партия Ларса. Это
просто апогей его фантазии. Шикарный бит на три четверти в
45

начале и на куплетах, все эти мелодические вставки на томах в момент гитарных проигрышей,
забойная быстрая часть в момент соло Кирка с брейком, дублирующим гитарные перебивки, и,
конечно же, изюминка этого трека – знаменитейший переход на басовых барабанах перед
гитарным соло. Да, мне кажется, это первое, что пытается сыграть любой барабанщик, сев за
кардан или 2 бас бочки. Как по мне, самая мелодичная и красивая партия Ларса. Но главное то,
что, даже если играть будут одни барабаны (особенно этот переход с секстолями на б.б.), вы
будете знать, что это “One”.

20. “They Don’t Care About Us” – Michael Jackson, 1996

Вы всегда в курсе, что за песня играет, когда звучит этот луп.


В принципе, вся песня – и есть этот луп и голос. Лишь в
конце вступает синт и гитара. Поэтому этот луп и занимает
почётное 20-е место.

19. “Good Times, Bad Times” - Led Zeppelin, 1969 (John


Bonham)

«Когда Бонэм это сыграл, все по-настоящему начали


осознавать, что он собой представляет», - сказал однажды
Джимми Пейдж. Это была первая песня с первого альбома
цеппелинов, и по признанию всё того же Пейджа, самым
потрясающим в ней является игра «Бонзо». Лично мне
порой кажется, что после того, как «Бонзо» заканчивал
играть, барабаны его благодарили за потрясающую игру.
Одна из самых мелодичных и музыкальных партий из когда-
либо существующих. 19-е место.

18. “Cissy Strut” - The Meters, 1969 (Zigaboo Modeliste)

Ещё до того, как я услышал этот трек, я уже захотел его


сыграть. Всё дело в том, что его обсасывали и о нём
говорили просто все интересовавшие меня фанковые
барабанщики. Все говорили о влиянии этого трека на них,
о том, какой перелом в музыкальном мышлении
происходил у каждого, кто его слышал. И, чёрт возьми, я
купился. Интернет для меня тогда был ещё чем-то
заоблачным, так что пришлось поковыряться, чтоб найти
46

этот трек. И, о Боги, всё, что я слышал об этом треке, всё, что я о нём читал, не шло ни в какое
сравнение с тем, что он представлял из себя на самом деле. Да он просто перевернул моё
мышление! Теперь уже мне хотелось всем бегать и рассказывать, какой Зигабу Моделист лучший
барабанщик на планете, потому что он придумал самую лучшую в мире фанк партию. Такое со
мной происходило не часто, и в тот момент мне казалось, что удивить меня уже нечем, но… я ещё
удивлюсь и не раз. А пока «Cissy Strut” – революция в мире фанка и 18 место.

17. “Come Together” - The Beatles, 1969 (Ringo Starr)

Одна из самых перепеваемых песен в истории. Одна из


самых обсасываемых партий барабанов, о которой сказано
столько и которая сыграна столько раз, сколько, наверное,
барабанщик не наносит ударов в своей жизни, так что
скажу максимально кратко, т.к., чтоб я там не сказал, всё
равно повторюсь. Так что: хорошая оркестровка, очень
музыкально звучит.

16. “Sexy MF” – Prince, 1992 (Michael Bland)

Нет, ну это однозначно шедевр! В стиле Джеймса Брауна такой


шедевр. Вся песня, как и в прежние времена, построена вокруг
баса и барабанов. Бит просто умиляет классичностью звучания,
да и в принципе я всегда восторженно реагирую на треки
олдскульного звучания и характера, которые врываются в
современные хит-парады. Ещё более восторженно я реагирую
на треки, которые этот самый олдскул ещё и в мейнстрим
превращают, и все вокруг начинают клепать что-то в таком же
духе. Это именно такой трек, и не в последнюю очередь
благодаря столь эффектному биту. Принс -16 место.

15. “Painkiller” – Judas Priest, 1990 (Scott Travis)

Когда я впервые это услышал, мне снесло башню


так, что я её долго ещё не мог поставить на место.
Это была просто идеальная металлическая песня
своего времени. Всё: гитары, бас, вокал, тембр
голоса, гитарные соло!!! А партия
барабанов…наверное, самое узнаваемое
металлическое вступление всех времён. Когда его
слышишь, понимаешь, почему эта музыка
47

называется металлом. По сей день мурашки по коже бегут, когда слышу его. Первая работа Скотта
Тревиса с пристами, и, как по мне, лучшая!

14. “Cold Sweat” - James Brown, 1967 (Clyde Stubblefield)

99 из 100 фанковых барабанщиков скажут, что эта песня


вскипятила им мозг и оказала неимоверное влияние на их
музыкальность. И, чёрт возьми, этот трек действительно
кипятит мозг. А популярность барабанного рисунка и
сегодня не меньшая, чем в те времена – ведь его
ускоренную версию можно услышать в сотнях драм-н-
басовых треков, а все остальные – вариации на тему этого.
Ну, ладно, может, капочку и преувеличил, но от правды
недалеко ушёл. В любом случае, один из самых
популярных фанковых рисунков всех времён. 14-е место.

13. “6.00” – Dream Theater, 1994 (Mike Portnoy)

«Это ещё что за чёрт?!» - подумал я, впервые услышав


этот трек и Майка в частности. Такое ощущение было,
бутдо я услышал, как играет оркестр, имитирующий
звуки торнадо. Это было, как из другой галактики, из
другого мира. Но этот мир был невероятно
притягательным. Так современный по меркам
тогдашнего времени прогрессив рок вошёл в мою
жизнь, открыв завесу совершенно нового понимания и
восприятия тяжёлой музыки. Но это открытие всегда
будет ассоциироваться с этим вступлением, которое я
считаю лучшим в прогрессиве всех времён. Эффектно и
узнаваемо. Без этого вступления и песни-то не было бы, но главное, что, сколько б раз вы не
послушали трек, а всё равно захочется послушать ещё разочек. 13-е место.

12. “Rosanna” – Toto, 1982 (Jeff Porcaro)

Bernard Purdie придумал то, что мы сейчас называем


“Half-time shuffle”. Ещё этот стиль называли Purdie
shuffle, Half-Time Purdie Shuffle или Bernard Purdie half-
time feel shuffle. Он сыграл его в «Home At Last» и
“Babylon Sisters” Стили Дена. Оба трека стали классикой.
Наряду с “Babylon Sisters” Бернарда и “Fool In The Rain”
Бонэма, “Rosanna” является самый знаменитый half-time
shuffle. Позже его ещё назовут «шаффлом Розанны».
48

Может, Джефф Поркаро и ушёл, но наследие он оставил значимое, частью которого является
«Розанна». 12-е место.

11. “Smells like Teen Spirit” – Nirvana, 1991 (Dave Grohl)

Там, где я рос, это была та партия ударных, которую


пытался сыграть каждый начинающий барабанщик
первым делом, как садился впервые за инструмент.
Поэтому среди таких начинающих это была любимая
песня, а среди профессионалов она была именно по
этой причине презренной. Тем не менее, это самая
уникальная партия ударных за всю историю.
Уникальна она именно своей простотой и
понятностью. Именно тем, что даже далёкие от
барабанов люди понимали, как её играть, садясь за
барабаны. Хотя на самом деле она не настолько
проста, как им кажется. И всё-таки, как же никто не
додумался сыграть нечто подобное ранее?! 11-е место.

10. “Chameleon” – Herbie Hancock, 1973 ( Harvey Mason )

В своё время альбом Head hunters стал самым настоящим


джаз-фанковым прорывом, приучив любителей фанка к
джазу, а любителей джаза к фанку. Сам же «Хамелеон»
среди многих фьюжн барабанщиков называется чуть ли
не центром вселенной фанка. Трек по праву стал
джазовым стандартом, впоследствии переигрываемых
джазовыми музыкантами не меньше, чем “Paranoid”
роковыми. Как по мне, так это лучшая джаз фанковая
работа всех времён. А этот ход баса с барабанами –
лучшее, что когда-либо было сыграно ритм-секцией. 10-е
место.

9. “Give It Away” - Red Hot Chili Peppers, 1991 ( Chad


Smith )

Именно так должен звучать фанк-рок!!! Фанково,


роково, драйвово, эмоционально! И всё это на пределе
эмоций! Один из любимейших барабанщиков, наблюдая
за которым всегда кажется, будто мультяшный
49

тасманский дьявол Таз дорвался до барабанов. Этот топ не мог пройти без очередного появления
Чеда. 9-е место.

8. “The Funky Drummer Parts 1 & 2” - James Brown,


1970 ( Clyde Stubblefield )

Это икона фанка, это образец для подражания на века, это


энциклопедия, это непревзойдённая вершина
фантазии…это его величество фанк в деле!

Наряду с «Cissy Strut» и «Cold Sweat» является чем-то


вроде иконы в мире фанкового драмминга, но, если
составить этакий топ между этими треками, то «Funky
Drummer» займёт всё-таки первое место – его
популярности нет предела. Просто этот бит не выйдет из
моды никогда, он вечен и не имеет никакого отношения к понятию «музыка своего времени». Вот
уж что всегда будет оставаться классикой.

7. “50 Ways To Leave Your Lover” - Paul Simon,


1975 ( Steve Gadd )

Пожалуй, один из самых узнаваемых рисунков всех


времён. Рисунок, который лишний раз подтверждает
гениальность этого величайшего музыканта и
демонстрирует его подход к музыке. В принципе и
песня становится особенной именно благодаря этому
рисунку, ставшему фишкой песни. Один из самых
записываемых барабанщиков всех времён Стив Гедд
на 7 позиции.

6. “Take Five” - Dave Brubeck, 1959 ( Joe Morello )

Один из величайших джазовых стандартов всех времён.


Один из самых узнаваемых джазовых стандартов, одна
из самых узнаваемых мелодий, один из самых
продаваемых джазовых альбомов всех времён, одна из
50

самых узнаваемых барабанных партий, одно из самых мелодичных и динамичных барабанных


соло. И всё это при том, что альбом планировался сугубо, как эксперимент, а после выхода был
сразу же покусан критиками. Что ж, один из самых наследивших треков и один из самых
наследивших драммеров всех времён на 6 строчке.

5. “In The Air Tonight” - Phil Collins, 1981 ( P. Collins )

Ну, кто? Кто не знает этот брейк?! Пожалуй, самый


известный брейк всех времён и народов! И самое главное,
что последующая машина не хуже этого потрясающего
брейка! Самая настоящая кульминация песни. Наверное,
лучшая. Очередной пример шикарной оркестровки и
видения музыки господина Коллинза, хотя слова тут
излишни. 5 место.

4. “Sing, Sing, Sing” - The Benny Goodman Orchestra,


1936 ( Gene Krupa )

Да-да, я знаю, что написал и первым записал её Луис


Прима ещё в 36-м , но наиболее популярной стала версия
именно Бенни Гудмана с Джином Крупой на барабанах.
Это одно из знаменитейших музыкальных произведений
эры биг бендов. Думаю, даже не стоит говорить о том,
сколькие исполнители и сколько раз его перепевали, о том,
в каком несчётном колличестве фильмов, ТВ передач и т.п.
это произведение использовалось. Что касается барабанов,
то, конечно же, шедевр от Джина на все времена. Слова
здесь излишни. Кстати, если вы интересуетесь историей джазового драмминга, то советую
потрясающий DVD, снятый Луи Беллсоном “The Legends Of Jazz Drumming”. Признаюсь, оторваться
невозможно. Ещё один потрясающий
информационный DVD – “The History OF US Beat”
Стива Смита. Очень рекомендую всем, кто любит
историю. А наш хит достиг 4-го места. Итак, Джин
Крупа и его шедевр на 4-м месте.

3. “Rasputin” – Boney M, 1978


Похоже, это будет самый неоднозначный трек
нашего топа, а также самый непонятый. И как
выразятся многие, этот трек вообще не достоин
оказаться в таком топе, тем более на 3-м месте. Но
51

я сразу предупреждал о том, что это топ самых узнаваемых барабанных партий! Т.е. тех, которые
вы узнаете вне зависимости от того, играет ли вместе с ней аккомпанемент или нет. А эта партия,
точнее, вступление, именно такое. Конечно же, это тот самый вступительный рисунок, что играл
Кози Пауэлл в своём треке “Dance With The Devil” в 73-м, но всё-таки бОльшая часть людей,
услышав это вступление, скажет, что это именно Boney M, причём в наших краях эта песня
пользовалась намного большим успехом, чем многие из представленных, так что 3-е место.

2. “Walk This Way” – Aerosmith, 1975 ( Joey Kramer ), хотя


я больше обращаю внимание на римейк 1986-го года,
который они сделали вместе с “Run DMC”.

Акцентирую внимание на римейке 86-го, потому что в нём


рисунок вступления остаётся на протяжении всей песни. В
любом случае, радует тот факт, что Перри и Тайлер имеют
отношение и к перепевке своей песни. Думаю, даже не
стоит в очередной раз говорить о значимости этого римейка

для музыкальной культуры в целом, о влянии этого трека

на муз. культуру, о значимости для


возвращения «Аэросмит» в мейнстрим, для
DMC и самого маэстро Рика Рубина, в
очередной раз подтвердившего своё тонкое
гениальное чутьё.

Как только вступают барабаны в любой из этих


версий, слушатель уже знает, что это за песня,
уже начинает напевать основной рифф и
двигаться в такт музыке. Один из самых
известных барабанных битов всех времён. И, я
думаю, этот трек по заслугам получил 4 место в
списке 100 лучших хип-хоп треков всех времён
по версии канала “VH1”. У нас же трек занимает
2-ю строчку.

1. “We Will Rock You” – Queen, 1977 ( Roger Taylor )

Сингл был выпущен лишь в 4 странах, но получил неимоверную популярность по всему миру.
52

Самое узнаваемое вступление, самая узнаваемая песня, самая понятная всем песня-кричалка –
гениально! ГЕНИАЛЬНО!!! 2 удара ногой и 1 хлопок – что может быть проще и понятнее?! Всё, что
эффектно, всегда, всегда копируемо! А эта фишка очень эффектна, но главное, что скопировать её
может даже ребёнок. Потому, наверное, она стала гимном многих футбольных и бейсбольных
клубов, стала неотъемлимой частью спортивных шоу – потому что ничего, кроме голоса и топания
с хлопанием не нужно. Да и ритмическая фигура понятна и проста, что не нужно её репетировать
и заниматься ею. Мне кажется, не существует более известного и популярной ритмической
фигуры, чем эта – мне сложно это назвать битом. Её знают все, и сыграть её могут все. Гениально!
1-е место!!!

Глава 9.

Великие.

Ниже я приведу список барабанщиков, на которых


стоит обратить внимание каждому драммеру. Всё
дело в том, что каждый из них является настоящим
уникумом. Каждый из них, так или иначе,
поспособствовал развитию представляемого им
стиля и драмминга в целом. Я специально не
составлял никакого топа, т.к. каждый из них мне
нравится по-своему. И не спрашивайте, почему,
53

например, Ларс Ульрих в одном списке с Томасом Лэнгом. Каждым из них можно восхищаться по-
своему. Что не говори, а именно Ларс поспособствовал тому, что миллионы детишек в 80-х и 90-х
сели за барабанную установку. Именно он играл на эмоциях, кривляясь, прыгая и вставая так, что
это производило впечатление на всех, посетивших концерты с его участием. Аналогично и с
Питером Криссом. Такими уникальными барабанщиками, как Лэнг и Миннерманн, стоит
восхищаться хотя бы потому, что они могут сделать то, что не могут другие. Психи, вроде Родди и
Коллиаса убивают своими техническими возможностями. Но начали бы они играть подобное, не
произведи на них в своё время впечатление Саймон Филлипс и Алекс Ван Хален?! Узнали бы мы о
том, что иногда песня это и есть барабаны, без Роджера Тейлора и Фила Коллинза? А что говорить
о психах, вроде Митчелла, Бейкера, Муна? И, конечно же, «Бонзо». А вы задумывались над тем,
как бы звучала музыка, и барабанщики в частности, без него?

С джазовыми музыкантами дело обстоит так же. Ведь не было б Джина и Бадди, и мы не узнали
бы целых эпох. Что делал бы Эрскин, если б не было Фили Джо Джонса и Арта Блейки? А Фредди
Губер?! Благодаря этому человеку Колоюта, Стив Смит, а позже и Векл познакомились со всеми
тайнами игры руками. А эти чудеса координации «Эль Негро» и Санчеза? Без Мейсона и
Стаблфилда мы не узнали бы величайших фанковых рисунков всех времён. Величайшие
экспериментаторы: Греб, Уорд, Вертико. Что уже говорить о феномене по имени Джоджо?! Или о
новой школе в лице Спирса, Мура?!

Иными словами, каждый из них заслуживает внимания.

Изначально я разделил их всех на множество


категорий, вроде «прогрессивного рока»,
«фьюжн» и т.п. Но потом обратил внимание, что
многие из этих барабанщиков могут свободно
оказаться в четырёх-пяти списках, так что для
удобства я решил разделить их всего на 2
категории, которые я условно назвал «рок» и
«джаз», но добавил ещё несколько уточнений
по стилю, а то, например, Эрик Мур, например,
не особо лепится в «джаз»))

Rock, hard & heavy, pop rock,


progressive, funk rock.

Джон «Бонзо» Бонем, Алекс Ван Хален, Майк


Портной, Терри Боззио, Томас Ленг, Майк
Манджини, Вирджил Донати, Майк Террана,
Марко Миннерманн, Джордж Коллиас, Дерек
Родди, Саймон Филлипс, Бобби Ярзомбек, Майк
Бордин, Джинжер Бейкер, Картер Бифорд, Ларс
Ульрих, Йан Пейс, Томми Ли, Митч Митчелл, Нил
54

Перт, Никко Мак Брайн, Ренди Кастилло, Дейв Ломбардо, Тревис Баркер, Чед Смит, Кози Пауэлл,
Томи Олдрилж, Питер Крисс, Дейв Грол, Кейт Мун, Стив Коупленд, Винни Пол, Роджер Тейлор,
Фил Коллинс, Билл Брафорд, Алан Уайт, Уилл Колхаун.

Jazz, Latin, fusion, funk, R’N’B.

Тони Уиллиамс, Элвин


Джонс, Фили Джо Джонс,
Питер Эрскин, Бадди Рич,
Джин Крупа, Стив Смит,
Стентон Мур, Билли Уорд,
Джим Чепин, Фредди Губер,
Ленни Уайт, Джо Морелло,
Винни Колоюта, Деннис
Чемберс, Дейв Векл, Стив
Гедд, Джеф Поркаро, Грегг Биссонетт, Робби Амин, Алекс
Акунья, Джоджо Мейер, Бенни Греб, Билли Кобем, Зоро, Джон Старкс, Девид Гарибальди, Зигабу
Моделист, Харви Мейсон, Клайд Стаблфилд, Ээрон Спирс, Эрик Мур, Кейт Харрис, Ману Катчи, Арт
Блейки, Джек ДиДжонетт, Макс Роач, Луи Беллсон, Билл Стюарт, Пол Вертико, Чад Уэйкерман,
Антонио Санчез, Орасио «Эль Негро» Эрнандес, Аирто Морейра.

Глава 10.

Барабанная установка.

В особенности классические рок-музыканты


уделяли огромное внимание внешнему виду
своих инструментов. Они укращали их
наклейками, надписями, красили в особые
цвета, делали из них нечто подряпанное и
старое или наоборот. Барабанщики
заставлялись тарелками и томами, украшая это
всё огнём, флагами и дивными расцветками.
Вспомните хотя бы то, что многие не отказались
55

от 2-х басовых барабанов даже после появления двойной педали. Просто не в ущерб имиджу.
Сейчас, конечно, уже то время, когда все эти нагромождения грамотно используются, и каждая
деталь важна. Вспомните Томаса Лэнга, Марко Миннерманна, Терри Боззио или Акилеса
Пристера. Ничего лишнего в их сетах нет, каждая точка используется и необходима. Просто
каждому из них нужно несколько больше, чем другим, для реализации задуманного. Это делает
их особенными и настоящими. Они что-то придумывают, а потом просто желают это воплотить в
жизнь (посмотрите на Пристера, это же нечто!). С другой стороны это эффектно смотрится. Я же
хочу поговорить о внешнем виде абсолютно любой установки.

Поработайте над своим внешним видом за барабанной установкой и за видом самих барабанов.
Само собой, что в первую очередь мы думаем о том, чтоб нам было комфортно за инструментом,
и чтоб ничего не мешало нам играть и быть расслабленным. Всё-таки мы демонстрируем музыку,
а не подыгрываем внешнему виду, т.е. шоу ради музыки, а не аккомпанемент для шоу. Высоко вы
сидите или низко, ровно или под углом вы ставите тарелки и томы, главное, чтоб вам было
удобно, и ничто не мешало исполнять музыку. Я в свою очередь хочу лишь обратить ваше
внимание на такие вещи, как:

- цвет барабанной установки;

- передний пластик басового барабана;

- хардваир;

- мелкие украшения.

Я не говорю вам вдаваться в крайности, но выйти за привычные рамки стоит.

В виду того, что в данном случае всё-таки наиболее важен комфорт, мы затронем лишь некоторые
элементы установки.

Цвет.

Куда ни глянь, барабаны у всех красные, чёрные


или белые. Помню, в одном музыкальном салоне
я увидел барабаны, которые точно нужно брать в
туры. Одна установка была с изображением
Джокера из «Бэтмена» К. Нолана, на другой были
изображены игральные карты, третья была
разрисована в стиле обложек «Пинк Флойд»,
четвёртая была ядовито фиолетовой с яркими
синими молниями, пятая с бильярдными шарами.
А далее я увидел работы местных умельцев. Там
была потрясающе звучащая винтажная установка,
которую украсили разными графитти, не оставив
на ней живого места. Был вариант с изображением голых порноактрис. Была одна с кучей
надписей на разных языках мира. Одна была оформлена во французском стиле, и на ней
56

красовались изображения достопримечательностей Парижа. А как вам установка с массой


изображений её владельца, м? И ещё был прекрасный вариант с надписями, не характерными
для барабанщика, вроде «Тишина – лучшая музыка.» Подумайте над этим. Возможно, у вас уже
есть несколько хороших идей.

В конце концов, пусть это будет какой-то нестандартный цвет. Обратите внимание на цвет
барабанов Пристера. А ещё не обязательно подходить к этому вопросу со всей серьёзностью,
умейте смотреть на всё с иронией.

Пластик.

Боже, да это же непаханое поле для фантазии!


Вместо банальных «Тама», «Ямаха» и т.п. можно
влепить логотип группы, вашего имени, адрес веб-
сайта группы или вашего. Можно придумать
логотип ваших инициалов и разместить. Можно
изображение набить. Ваше или Дафны и
Джозефины из «В джазе только девушки». А
можно просто лепить всякие прикольные надписи,
вроде тех, что вы носите на футболках. Лепите всё,
что хотите, если вы, конечно, не скованы
спонсорским контрактом с «Мапекс» или «Пёрл».

Хардваир.

Я, например, всегда стойки типа журавель переворачиваю. Получается, что


тарелки как бы висят. Можно использовать раму. Это и удобнее, и эффектнее.

Некоторые барабанщики наоборот ставят стойки строго ровно.

Аксессуары.

Также можно использовать разные безделушки, флаг страны, которую вы представляете, игрушки
и т.д. Я одно время вешал на стойки трусики и лифчики своих девиц, которые оставляли или
забывали это у меня на репетиционной точке.

Короче говоря, даже из внешнего вида установки можно создать нечто особенное и
запоминающееся. Это, конечно, не самое важное, но всё-таки поработать над этим можно. И,
думаю, что-то очень стоящее может получиться. Успехов вам в экспериментах.
57

Глава 11.

Эра возможностей и информации.

Сейчас время ежедневного прогресса. Мы живём в эру широчайшего выбора. В эру, когда можно
достать просто всё. Я помню эти истории своих возрастных коллег, когда они говорили о том, что в
своё время они не могли позволить себе, например, установку «Премьер», потому что она стоила,
как 3 «Жигуля». А «Жигули» тогда был ого-го каким автомобилем! Привозилось всё тайком из-за
границы и стоило несусветных денег. С информацией было не менее тяжело. Музыканты учились
друг у друга, перенимая различные техники и приёмы игры. Основным источником информации
были записи, с которыми тоже было проблемно, потому что среднестатистический житель нашей
страны не мог себе позволить просто взять и купить пластинку. Была альтернатива в виде бобин.
Можно было переписать даже. Зачастую люди переписывали себе запись какой-нибудь группы
уже с 10-го переписанного носителя. Т.е. кроме шума слышно не было ничего. И даже имея такую
альтернативу, проблемы оставались. Например, в том, что просто нечего было слушать.
Официальный ввоз музыки из-за границы был запрещён, а у нас была либо патриотическая чушь,
либо просто чушь, сквозь которую пытались прорваться толковые коллективы, которых сразу же
обвиняли в каком-то капиталистическом дерьме и запрещали. Западную музыку завозили
контрабандой, рискуя собственной свободой и жизнью. Само собой, что всё привезённое стоило
целого состояния. Вот в таком случае и появлялись бобины, на которых при десятой переписке не
было ничего слышно. И вот по этим «ничего не слышно» люди учились играть! Просто представьте
себе человека, который случайно услышал где-то «Uriah Heep» и захотел услышать это вновь, а
потом и вовсе начать играть такую музыку. Инструмент или не купить вовсе, или купить, но за
баснословные деньги, или играть на том дерьме, что валялось в подвале ДК. Получить
информацию для обучения невозможно. Короче, не было ни черта. А, если ты хочешь сбежать из
страны, то и это не удастся.

И теперь оглянитесь по сторонам. Доступ к любого рода информации – только выбирай, чему
хочешь научиться и у кого. Несусветное обилие видеошкол, аудиошкол, нотных пособий и книжек.
Всё это можно купить на специальных сайтах, в магазинах, бесплатно скачать с торрентов или
переписать без потери качества. Ответ сможешь найти на любой из своих вопросов. Точно такая
же ситуация и с инструментами. Сколько ж этих магазинов развелось! Нет в наличии? Закажем
ещё и скидку организуем! Нет представителя этой фирмы? «Ebay» и тому подобные! Короче
говоря, мы живём в эру, когда можно купить, заказать и скачать всё, что угодно. Доступ есть ко
всему. И этим грех не пользоваться.

В конце концов, есть Интернет, который решает любую проблему просто тем, что он есть! «Ю-Туб»
вас свяжет с любым необходимым учителем, «Майспейс» с ним познакомит, «Твиттер» поможет с
ним начать общение.
58

Чем бы вы ни решили заниматься, до вас уже был кто-то, кто этим занимался, достиг успеха и
даже выпустил пособие. На чём бы вы ни решили играть, уже кто-то играл на этом до вас, и он уже
оставил массу комментариев на форумах по поводу той или иной фирмы-производителя. А то и
видео оставил с демонстрацией.

Даже снимать с записи ничего не надо – есть масса сайтов, на которых уже есть ноты песен, табы
и аудио только с дорожкой необходимого инструмента, а также минусовка, чтоб вам было удобно
заниматься.

Даже единомышленников для создания коллектива вы можете найти через Интернет, а потом
таким же образом распиарить свой продукт.

У меня не было учителей, я занимался по видеошколам и нотным пособиям, музыку я достаю


абсолютно любую, а часть инструмента вообще купил в телефонном режиме.

Радуйтесь, что мы живём в такое чудесное время!