Acueducto de Segovia 28, 5 m. de altura y 818 m. de largo.

Se construyo con casi 3000 bloques de piedra

unidos sin argamaza (un tipo de mortero empleado como material de construcción en albañilería,
compuesto por una mezcla de cal , arena y agua).
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El origen del retrato en Roma está vinculado con una práctica funeraria: los patricios hacían mascarillas
de cera de sus difuntos y las conservaban en los atrios de sus hogares. Los modelos imponen primero el
cabello a mechones liso (Augusto), luego la barba, después un cabello rizado y voluminoso (Marco Aurelio y
Caracalla). Las mujeres presentan un peinado bajo con raya en el centro y ondulado (Agripina). Julia la hija
de Tito transforma el peinado impone un cabello rizado en la parte superior del rostro. Luego baja y se
recoge en la nuca.
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Un manuscrito ilustrado o manuscrito iluminado es un manuscrito en el que el texto es complementado
con la adición de decoración, tal como letras capitales decoradas, bordes y miniaturas. En la definición más
estricta del término, un manuscrito ilustrado es únicamente aquél que ha sido decorado con oro o plata. Sin
embargo, el concepto abarca ahora a cualquier manuscrito con ilustraciones o decoración de las tradiciones
occidentales e islámicas.
En la elaboración de un manuscrito ilustrado, el texto solía ser escrito primero. Las hojas de pergamino o
papel vitela eran cortadas en el tamaño que el autor consideraba apropiado. Después de que la
configuración general de la página fuera planeada (por ejemplo: letra capital, bordes, etcétera), la página
era tenuamente marcada con una varilla puntiaguda, y el amanuense comenzaba a trabajar con tinta y una
pluma o plumín. La caligrafía dependió siempre de los gustos y costumbres locales.
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Arte gótico es la denominación historiográfica del estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental
durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del
Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI.
El arte gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz e independiza a las otras artes plásticas (pintura y
escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico. Este arte se ha definido por la utilización de uno de
sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival, del que se deriva la bóveda de crucería. Eso
permitió la construcción de edificios mucho más amplios y elevados.
Como las nuevas técnicas constructivas hicieron virtualmente innecesarios los muros en beneficio de los
vanos, el interior de las iglesias se llenó de luz, y la luz conformará el nuevo espacio gótico. Será una luz
física, no figurada en pinturas y mosaicos; luz general y difusa, no concentrada en puntos y dirigida como si
de focos se tratase; a la vez que es una luz transfigurada y coloreada mediante el juego de las vidrieras y los
rosetones, que trasforma el espacio en irreal y simbólico. El color alcanzará una importancia crucial.
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se
practicaba en cuatro técnicas principales:
- Frescos. usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias.
- Vidrieras.
- Pintura sobre tabla.
- Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la
pintura gótica, documentando la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han
sobrevivido otras obras monumentales.
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Cimabue aseguró la renovación de la pintura bizantina rompiendo con su formalismo e introduciendo los
elementos del arte gótico, como el realismo de las expresiones de los personajes. Cimabue fue pionero en
una tendencia al naturalismo, pues sus figuras estaban representadas con sombras y proporciones más
parecidas a las reales.
La Maestà di Santa Trinità (Virgen en majestad), que se encuentra hoy en la Galería de los Uffizi de
Florencia está datada del período 1290-1300. La principal novedad de este retablo es el mayor sentido
tridimensionales del trono de María, que crea un verdadero y auténtico escenario debajo del cual se abre
una pequeña galería que por un efecto ilusionístico aparece en el centro como una exedra:
aquí se encuentran los bustos de Jeremías, Abraham, David e Isaías que parecen haber aparecido en un
espacio definido realista. Más tendentes a la disposición en profundidad son las figuras de los ángeles a los
lados del trono.
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El arte de Giotto fue extremadamente innovador y es considerado precursor de la evolución que poco
después llevó al Renacimiento.
 Giotto adoptó el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso.
Al igual que los demás artistas de su tiempo, Giotto carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y
teoría de la perspectiva que los pintores posteriores se acostumbraron a aprender. Independientemente de
ello, los que sí poseía eran infinitamente superiores a los de los que lo precedieron e imitaron.
Con sus composiciones de profunda emotividad, Giotto es el gran iniciador del espacio tridimensional en
la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos que dominaron el arte medieval. Su
estilo se caracteriza por una frescura y una vida inesperadas, por lo que los críticos hablan de la emoción
humana y una carga de todo lo que es importante para el ser humano como las más claras peculiaridades de
sus trabajos.
Al concentrarse en estos conceptos esenciales, Giotto fue capaz de crear impresionantes imágenes de
gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando
gravísimas decisiones espirituales.
Se le encargó a Giotto la decoración de la basílica Inferior de Asís, lugar de enterramiento de San
Francisco. La escena de la Crucifixión presenta valores muy alejados de las innovaciones espaciales y
caracterización individual de los personajes, arquetípicas del arte de Giotto.
La Crucifixión de la basílica Inferior de Asís presenta un carácter más atenuado en su conjunto, tanto en
la emotividad de los personajes y en su configuración espacial, como en la estilización de formas y modelado
suave de las figuras. El núcleo central lo compone la figura del Crucificado, que determina la distribución del
resto de personajes, todo un friso corrido en el que prima la gesticulación teatral y la presencia poco
habitual de tres hermanos franciscanos que se arrodillan ante Cristo. Las figuras no tienen la corporeidad
característica del arte de Giotto, sino que aquí está mucho más atemperada. Pero, además, el espacio se
diluye en un solo plano, no habiendo elementos claros ni líneas que configuren una profundidad verosímil.
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Una de las obras más famosas de Mantegna es el retablo de San Zenón, encargado por el abad del
monasterio benedictino de San Zenón de Verona, Gregorio Correr. La imagen principal es una Sagrada
Conversación mientras que en la predela del retablo se insertaron tres momentos de la vida de Cristo
situándose en el centro la Crucifixión que aquí contemplamos, hoy separada del conjunto. En estas tres
tablas encontramos una marcada influencia de la pintura flamenca en el paisaje, en la expresividad excesiva
de algunas de las figuras y en la minuciosidad "fotográfica" de los ropajes. Las tres cruces son el elemento
principal de la composición, partiendo de la cruz ocupada por Cristo un camino que asciende hacia la ciudad
de Jerusalén que observamos al fondo, junto a una montaña de gigantescas proporciones. Las Santas
Mujeres expresan su dolor de forma dramática mientras que, a la izquierda de Cristo, los soldados se
entretienen jugando a los dados. Un oficial a caballo eleva su mirada para contemplar el sufrimiento de uno
de los ladrones mientras en la zona de primer plano un soldado hace guardia. Las figuras están dotadas de
un aspecto escultórico sensacional, acentuando la anatomía desnuda de Cristo y sus compañeros de martirio
gracias a la iluminación empleada. Ese aspecto escultórico también se extiende a las rocas y al paisaje,
denominado por algunos autores el "estilo pétreo". La perspectiva es otra de las preocupaciones del
maestro, creando unos efectos de profundidad soberbios, con un punto de vista bajo que otorga mayor
grandiosidad a los personajes. Respecto al color, podemos apreciar cierta influencia de su cuñado Giovanni
Bellini y de la Escuela veneciana del Quattrocento, especialmente por la intensidad de los tonos.
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El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere), es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510).
Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278.5 centímetros de ancho por 172.5 cm de alto. Se conserva
en la Galería de los Uffizi, Florencia. Muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las
islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de
los dioses alados, entre una lluvia de flores.
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La Primavera es una obra que se ha interpretado en términos musicales: el episodio de la derecha con
Céfiro persiguiendo a Flora, a la que sigue una Hora de la Primavera, se ha parangonado con un allegro;
después con un andante melancólico, la figura central de la Venus vestida; en el siguiente episodio, la
melodía parece variar, moviéndose como en un ritmo perpetuo, en las Tres Gracias, para llegar a un trillo
muy acusado en las dos manos levantadas de este mismo grupo, y extinguirse, finalmente, como en un
morendo, en el Mercurio que, en actitud relajada, señala el cielo.
 También se puede considerar esta pintura como una alegoría del reino de Venus, interpretada según la
filosofía neoplatónica: Venus = Humanitas, es decir, unidad, armonía, entre naturaleza y civilización. Hay
quien ha vista una alegoría del amor entre Juliano de Médicis y Simonetta Cattaneo Vespucci, o de la muerte
de ésta el 1476 (Simonetta cogida por la muerte -el Céfiro- y su renacer en el Elíseo). Incluso se puede ver la
representación de los meses, desde el febrero (Céfiro) a septiembre (Mercurio).
Se trata de una pintura muy sugestiva en la que elementos incluso eróticos (Céfiro persiguiendo a
Flora) se elevan hacia una espiritualidad refinada, melancólica, como en las Gracias desnudas bajo sus velos
y donde, en la penumbra del bosque florido, las gráciles figures en su linealismo melódico, leve, adquieren
verdaderamente una cualidad mítica, como de ensueño.
Botticelli posee los conocimientos de todos sus predecesores: perspectiva, anatomía, construcción de la
imagen humana, movimiento.
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PINTURA DE CABALLETE
Un caballete es un mueble que constituye una ayuda vertical para exhibir o fijar algo que se apoya sobre
él.
Se realizan a través de él, intervenciones sobre diversos tipos de soportes textiles, rígidos, tablas, cartón,
placas, mixtos, etc. y diferentes técnicas pictóricas tales como óleo, acrílico, témpera, temple, técnicas
mixtas.
Se trabaja con materiales específicos, químicamente testeados, acorde a criterios de reversibilidad
principio fundamental de la restauración.
Se ejecutan procedimientos tales como limpieza mecánica y química, desbarnizado, parches, injertos de
soporte faltante, reentelados, fijados y consolidación, cambios de bastidor, corrección de deformaciones,
tratamientos antimicóticos, reintegración cromática.
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La Capilla Sixtina es la capilla más famosa del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano, la residencia
oficial del Papa. Se encuentra a la derecha de la Basílica de San Pedro y originalmente servía como capilla de
la fortaleza vaticana. Es famosa por su arquitectura y su decoración al fresco, obra de los más grandes
artistas del Renacimiento, incluyendo a Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Botticelli. La bóveda y El Juicio Final
son considerados como los mayores logros de Miguel Ángel en la pintura. En la parte baja del techo pintó a
los antepasados de Cristo. Sobre ellos, pintó alternados a los profetas y a las sibilas, con Jonás sobre el altar
yZacarías en el otro extremo. En la parte central, Miguel Ángel pintó nueve escenas del Génesis.
Originalmente sólo se le encargó pintar doce figuras, los doce apóstoles. Rechazó el trabajo porque él se
consideraba escultor, no pintor. El Papa le dio permiso para pintar las escenas y figuras bíblicas que él
eligiera como compensación. Cuando el trabajo estuvo terminado, había pintado más de 300 figuras, que
mostraban la Creación, Adán y Eva en el Jardín del Edén y el Diluvio Universal.
El Juicio Final fue pintado por Miguel Ángel entre 1536 y 1541, tras el Saqueo de Roma de 1527 por las
fuerzas mercenarias del Sacro Imperio Romano Germánico, que terminaron con el Renacimiento romano,
poco antes del Concilio de Trento. El trabajo fue hecho en una gran escala, y ocupa toda la pared tras el altar
de la Capilla Sixtina. El Juicio Final es una representación de la segunda venida de Cristo y el Apocalipsis. Las
almas de la humanidad se elevan o descienden, juzgadas por Cristo. La pared en la que El Juicio Final está
pintado se inclina ligeramente sobre el espectador en su parte alta, y está pensado así para que el fresco e
infunda temor y respeto al poder de Dios. A diferencia de los otros frescos de la Capilla, las figuras son muy
musculosas y parecen algo torturadas, incluso la Virgen María, en el centro, parece estar encogida.
El Juicio Final fue objeto de disputa entre el Cardenal Carafa y Miguel Ángel. Como representó figuras
desnudas, el artista fue acusado de inmoralidad y obscenidad. Los genitales del fresco fueron cubiertos más
tarde por el artista Daniele da Volterra, al que este trabajo le hizo ganarse el sobrenombre de "Il
Braghettone" ("El Pintacalzones").

La creación de Adán ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer
hombre (según la tradición bíblica). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios
del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más
apreciadas y reconocidas en el mundo.
Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica color
púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina,
normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los
cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir
la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de
Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. Las posiciones
idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que Dios creó al hombre a su imagen y
semejanza. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada.
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El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5,572 kilogramos de masa,
realizada por Miguel Ángel Buonarroti.
El David contrasta con las representaciones previas de Donatello y Verrocchio en las que David aparece
con el cuerpo de Goliat asesinado. En la versión de Miguel Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta
que aún no ha sido vencido. El cuerpo de David es el de un hombre musculoso, no el del muchacho de las
obras de Donatello y Verrocchio. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes
mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un
ligero contrapposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta
que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el
muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su
objetivo, con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida, además, con una mueca de odio y
las aletas de la nariz bastante abiertas. El movimiento es contenido, centrípeto con líneas de fuerza que
vuelven al bloque. La mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en
el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate.
El gran hueco que tenía el bloque en su flanco izquierdo origina que la escultura se apoye
completamente en el pie derecho, generando un contrapposto en la figura y haciendo que la parte izquierda
de la figura se balancee hacia la parte derecha del cuerpo. La cabeza de David se gira hacia su izquierda,
mientras que sus hombros se escoran hacia la derecha, en sentido opuesto a sus caderas. En el Alto
Renacimiento, el contrapposto era considerado un símbolo de la escultura antigua, muy apreciada en la
época. El David llegó a convertirse en el paradigma de la escultura renacentista gracias a su inteligente uso
del contrapposto.
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El Moisés es una escultura de mármol blanco y fue realizada en 1509, obra de Miguel Ángel (1475-1564),
centrada en la figura bíblica de Moisés.
La estatua se representa con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error
en la traducción por parte de San Jerónimo del capítulo del Éxodo, 34:29-35. En este texto, Moisés se
caracteriza por tener karan ohr panav ("un rostro del que emanaban rayos de luz"), lo que San Jerónimo en
la Vulgata tradujo por cornuta esset facies sua ("su rostro era cornudo"). El error en la traducción es posible
debido a que la raíz trilítera hebrea krn (en hebreo las vocales no se escriben) puede ser interpretada
"keren", luminosidad, resplandor, o "karan", cuerno. Cuando Miguel Ángel esculpió el Moisés el error de
traducción había sido advertido, y los artistas de la época había sustituido, en la representación de Moisés,
los cuernos por dos rayos de luz. No obstante Miguel Ángel prefirió mantener la iconografía anterior.
La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus
seres superhumanos y trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista cuando
el papa, sin ofrecer explicación alguna, interrumpió las donaciones, posiblemente desviando dichos fondos a
la reconstrucción de San Pedro por parte de Donato Bramante. El proyecto original estaba formado por una
estructura independiente, sin apoyo, de tres niveles, con aproximadamente 40 estatuas.

Diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar, el
Moisés actual, en su contexto irrisorio comparado con el proyecto original, difícilmente puede tener el
impacto deseado por el artista. El líder de Israel se presenta sentado, con las Tablas de la Ley debajo del
brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta
representación de Moisés en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el Monte Sinaí, mientras
que, en el valle al pie del monte, el pueblo de Israel se entrega una vez más a la idolatría. De nuevo, Miguel
Ángel utiliza una cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja también en la
poderosa constitución de la estatua y a sus ojos.
La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión
psíquica, se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura: la protuberancia de los músculos, la
hinchazón de las venas, las grandes piernas, pesadas al empezar a moverse. Tal y como afirma un escritor, si
este titán se levantara, el mundo se rompería en pedazos. Miguel Ángel lleva la cólera sagrada de Moisés
hasta su punto más álgido. Sin embargo, la contiene, puesto que los pasionales seres del artista tienen
prohibida la liberación de sus energías. Es una representación neoplatónica, la parte derecha está estable, es
la parte divina, por donde le viene la inspiración, en contraposición la parte izquierda es la parte por donde
le viene el peligro y el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Tiene cuatro
elementos neoplatónicos, la tierra, representada en la pierna con los pliegues de la ropa a modo de cueva. El
aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden. El agua representada en sus
barbas a modo de cascada. El fuego representados con esos "cuernos" (en pintura era fácil de representar,
con una luz detrás del personaje, pero en escultura tuvo que emplear este artificio). La sangre fluye de
manera contenida, parece que está a apunto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique se
puede captar a través de su gesto y su mirada, podemos ver su pensamiento, es un trabajo psicológico muy
estudiado.
Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que, al acabarlo, el
artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo "¿porque no me hablas?", sintiendo que la única cosa
que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar la marca de Miguel
Ángel al golpear a su Moisés.
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En El hombre de Vitruvio, Leonardo da Vinci realiza una visión del hombre como centro del Universo al
quedar inscrito en un círculo y un cuadrado. El cuadrado es la base de lo clásico: el módulo del cuadrado se
emplea en toda la arquitectura clásica, el uso del ángulo de 90º y la simetría son bases grecolatinas de la
arquitectura. En él se realiza un estudio anatómico buscando la proporcionalidad del cuerpo humano, el
canon clásico o ideal de belleza.
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El claroscuro es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes,
unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada
inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el
barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.
El término italiano chiaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más
específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas complementarias da
colores a las imágenes, como si fuesen pintadas a la acuarela.
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La escuela de Atenas: Su base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m. Representa la Filosofía, a través de una
escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las
leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros
laterales sobresalientes.
En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. Platón y Aristóteles, que durante
toda la Edad Media estuvieron considerados como los principales representantes de la filosofía antigua, se
encuentran en el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Platón está sosteniendo el Timeo.
Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y
hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo,
simbolizando el idealismo dualista racionalista que es su pensamiento mientras que Aristóteles la tierra,
haciendo referencia a su realismo sustancial racional teleológico.
A la izquierda puede reconocerse la figura de perfil de Sócrates.
A la izquierda, se encuentra un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la
Primera epístola de Pedro; simboliza a Cristo, la "piedra angular". El hombre ubicado sobre el bloque es
Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. El autorretrato de Rafael está ubicado a la derecha del cuadro, el
joven de cabello marrón que observa al espectador, tocando con un sombrero redondo de color azul; a su
lado, Perugino con idéntico sombrero pero en blanco. A la izquierda de la pintura se encuentra Hipatia de
Alejandría, vestida en blanco, y observando al espectador.
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