ANTONIO DIAS – pequena introdução à obra
(Campina Grande/PB, Brasil, 1944 – Rio de Janeiro/RJ, Brasil, 2018)
Paulo Sergio Duarte
A obra de Antonio Dias, desde muito cedo, marca o cenário da arte contemporânea. Deve-
se lembrar que, na primeira apresentação de suas obras fora do Brasil, na IV Bienal de Paris,
em 1965, o artista, aos 21 anos de idade, ganha um prêmio de pintura. Para compreender
melhor sua trajetória, é preciso demarcar três períodos, de 1963 até a sua morte em 2018.
O primeiro período foi aquele que protagonizou a maior transformação da Nova Figuração
no Brasil. Já em 1964, uma exposição individual, na Galeria Relevo, no Rio de Janeiro, vinha
acompanhada de texto crítico de Pierre Restany, então o principal teórico do Nouveau
Réalisme na França. As pinturas dessa época apresentam uma verdadeira revolução. Estão
muito longe da pop art americana, como alguns críticos se apressaram em identificá-las.
Apresentam-se em diversas direções, como retângulos, quadrados ou losangos; quase
sempre se projetam, com grande violência simbólica, no espaço, assumindo um aspecto
escultórico. A memória das histórias em quadrinhos, quando existe, nunca é um ready-
-made ou um objet trouvé; sempre é pura invenção do artista em que imagens de um
cogumelo atômico dividem a mesma superfície com vísceras, genitálias masculinas e
femininas, cercadas por correntes de sangue que percorrem todo o quadro e por vezes se
derramam no espaço em informes almofadas vermelhas, explorando uma economia libidinal
que se associa a eventos políticos mundiais como o perigo de uma guerra nuclear. Suas
obras tiveram especial destaque na antológica exposição Opinão 65, no Museu de Arte
Moderna do Rio de Janeiro, de 12 de agosto a 12 de setembro de 1965, com a curadoria dos
marchands Ceres Franco e Jean Boghici.
Desta época, 1965, por exemplo, é uma obra sobre a qual Hélio Oiticica (1938-1980)
escreveu: “Considero, então, o ‘turning point’ decisivo desse processo no campo pictórico-
plástico-estrutural, a obra de Antonio Dias, Nota sobre a morte imprevista, na qual afirma
ele, de supetão, problemas muito profundos de ordem ético-social e de ordem pictórico-
estrutural, indicando uma nova abordagem do problema do objeto […].” Apesar do sucesso
de crítica e tendo suas obras adquiridas por colecionadores no Brasil e fora do país, Dias
vai viver em Paris em 1966, onde permanecerá até 1968, momento da primeira grande
transformação no seu trabalho, uma verdadeira ruptura com sua linguagem anterior,
tributária da Nova Figuração.
Muda-se para Milão e inicia uma investigação entre a imagem e a palavra: os títulos são
incorporados no corpo da tela. Os títulos das obras, em toda a história da arte, sempre
foram condutores de percepção para aqueles que a estão recebendo; Dias acelera e
ironiza esse processo, como na conhecida Anywhere Is My Land (1968). Lembremos que
nesse momento Joseph Kosuth, nos EUA, e o grupo Art & Language, na Inglaterra, estão
preocupados com o mesmo problema. A diferença de Antonio Dias é não renunciar à
forte manifestação plástica por meio de uma prática milenar: a pintura. A partir desse
momento, o artista adota a língua inglesa para quase todos os títulos de seus trabalhos,
o que persistirá até 1978. Objetos radicais são igualmente produzidos no período, como
Black Mirror (1968) ou Opressor / Oprimido (1968). Em 1971, tem início a série de trabalhos
The Illustration of Art, que se estenderá até 1978. Além das pinturas que, com frequência,
incorporam a parede com textos que fazem parte da obra, realiza performances, como
Some Artists Do, Some Not, que será adotado como título de um livro de artista, um
LP, instalações e pelo menos oito filmes mudos em Super-8. Obras irônicas de caráter
explicitamente político são igualmente desenvolvidas como parte de The Illustration of Art,
como os conjuntos de trabalhos em papel japonês e tela ou serigrafias sobre tela intitulados
Tazibao, que acompanham durante uma semana a reeleição de Nixon com o escândalo
do Watergate nas primeiras páginas do New York Times e do Corriere della Sera. Derivam
desses trabalhos as máscaras a partir de uma capa da revista Newsweek, que geram uma
performance, na qual diversos artistas e críticos amigos de Antonio Dias se fazem fotografar
com as máscaras que retratam o rosto do senador Sam, e as telas Uncovering the Cover-
up, nas quais as telas trazem a serigrafia da capa ampliada, muitas vezes acompanhadas de
uma área lateral com uma intervenção pictórica.
Uma das formas reiteradas durante The Illustration of Art é a do retângulo incompleto, em
que falta uma de suas partes: um quadrado. Ela se estende desde a instalação de pinturas
The Illustration of Art / Art / Model – The Illustration of Art / Society / Model, apresentada
na VIII Bienal de Paris, em 1973, até, por exemplo, O País Inventado / Dias-de-Deus-Dará,
1976, hoje no acervo do MoMA, em Nova York. Se examinarmos com cuidado todo o período
em que se estende a série The Illustration of Art, de 1972 a 1978, podemos observar uma
reflexão crítica que atravessa a maior parte dos trabalhos: a questão da autonomia da
arte. Desde o Romantismo, no início do século XIX, até o Expressionismo Abstrato, o Color
Field e o Hard Edge, toda a grande teoria da arte moderna se desenvolve em torno da
conquista da autonomia da arte, que se constituirá cada vez mais a partir e exclusivamente
de seus próprios meios. Nos Estados Unidos, o maior expoente na defesa dessa tese foi o
crítico Clement Greenberg. Apesar de formulada a partir de rigorosos modelos conceituais
abstratos, The Illustration of Art não cessa de insistir no caráter relativo dessa autonomia
e tenta demonstrar, plasticamente e por meio das palavras ali incorporadas, que a arte
está sempre contida numa sociedade e numa história maior da qual é apenas uma parte –
história e sociedade às quais pertence e nas quais habita.
Em 1976, até o início de 1977, o artista vai viver vários meses no Nepal, numa pequena
aldeia, na qual com artesãos vai produzir artesanalmente uma enorme quantidade de
papel, muitos já transformados em obras de arte no próprio processo de produção, quando
mistura pigmentos na massa e realiza interferências como aquelas em que a mão aberta do
artesão atravessa a pasta antes de sua secagem completa, como em The Illustration of
Art / Tool & Work, 1977. O estoque de papel produzido no Nepal é enorme e permitirá a
realização de centenas de obras durante as décadas seguintes. Encerra-se também, logo a
seguir, o período que teve início em 1968.

A aridez e ascetismo de The Illustration of Art são abandonados. A pintura ressurge

generosa em toda sua pujança, bem como nos trabalhos em papel; ressurgem figuras fálicas
ambivalentes, que também podem significar um osso fraturado, e imagens ambíguas de
instrumentos de trabalho, como o machado, que tanto é instrumento do lenhador como do
carrasco. Sobretudo, o material pictórico toma a frente da cena, como as densas camadas
de cinza, o cobre, o ouro, a malaquita, as superfícies vermelhas, participa ativamente da
construção do trabalho. O papel nunca poderá ser tomado como simples suporte. As obras
participam de um ensinamento filosófico e demonstram como estão errados aqueles que
ainda pensam que a técnica é apenas um meio neutro para atingir determinado fim; é mais
que isso. A técnica nunca é neutra, como podem pensar certos economistas e engenheiros.
A técnica participa ativamente da estrutura e protagoniza seus resultados.

Deixa em Milão uma residência ateliê e muda-se para a Alemanha, onde residirá em Colônia,
e lecionará pintura, por um tempo, em Munique. Durante todo esse tempo, mantém
uma residência no Rio de Janeiro. Logo vêm as pinturas compostas de diferentes telas
de variados tamanhos que não podem ser vistas como simples polípticos. São montadas
no sentido da era de ouro do grande cinema, bem antes do advento das ilhas digitais de
edição.

São esses trabalhos que se estendem até às vésperas de sua morte em 1º de agosto de
2018. Deixam uma formidável contribuição à arte contemporânea, desde seu início em 1962.
Certamente, Antonio Dias merecerá um capítulo da história da arte desse tempo.

Rio de Janeiro / São Paulo, 19 de setembro de 2018.

ANTONIO DIAS – A Brief Introduction to his Work
(Campina Grande/PB, Brazil, 1944 – Rio de Janeiro/RJ, Brazil, 2018)
Paulo Sergio Duarte
From very early in his career onward, Antonio Dias’s work figured prominently in the
contemporary art scene. Very notably, at the first presentation of his work outside Brazil, at
the IV Biennale de Paris, in 1965, the artist won the painting prize at the age of 21. To better
understand his artistic path, it is necessary to define three periods spanning from 1963 until
his death in 2018.
The first period is defined as when he was a leading representative of the great
transformation of New Figuration in Brazil. As early as 1964, a solo show of his work held at
Galeria Relevo, in Rio de Janeiro, was accompanied by a critical text by Pierre Restany, then
the main theorist of Nouveau Réalisme in France. The paintings from that time present a
true revolution. They are far from the American pop art that some critics rushed to identify
them as. Aesthetically, they present themselves in different directions, as rectangles,
squares or diamonds; they nearly always project into the surrounding space, with great
symbolic violence, assuming a sculptural aspect. The memory of comic book stories, where
they exist, is never a ready-made or objet trouvé; they are always pure inventions by the
artist, where images of an atomic mushroom cloud share the same surface with viscera,
male and female genitalia, surrounded by flows of blood that run over the canvas and
sometimes spill into space in the form of shapeless red cushions, exploring a libidinal
economy associated to global political events such as the danger of nuclear war. His
artworks were highlighted in the anthological exhibition Opinão 65, at the Museu de Arte
Moderna do Rio de Janeiro, from August 12 to September 12, 1965, curated by art dealers
Ceres Franco and Jean Boghici.
From that period, Nota sobre a morte imprevista [Note on the Unforeseen Death], 1965,
was considered by Hélio Oiticica (1938–1980) as follows: “For me, the turning point in this
process within the pictorial-visual-structural field was Antonio Dias’ Note on the Unforeseen
Death, which brought to bear, in one go, deep-rooted problems of an ethical-social and
pictorial-structural order, indicating a whole new approach to the problem of the object
[…].” Despite garnering critical success and having his artworks acquired by collectors
in Brazil and abroad, Dias went to live in Paris in 1966, where he remained until 1968, a
moment of the first great transformation in his work, a true rupture from his previous
language that had contributed so much to the New Figuration movement.
He moved to Milan and began to investigate relationships between image and text: the
titles are incorporated into the body of the canvas. Throughout art history, artwork titles
were always conductors of perception for those who were receiving them; Dias accelerated
and shed an ironic light on this process, in works such as his well-known Anywhere Is My
Land (1968). At that moment, Joseph Kosuth, in the US, and the Art & Language group,
in England, were engaging with the same problem. The difference in Antonio Dias’s case
was that he did not let go of the strong plastic manifestation arising through an age-old
practice: painting. From that moment onward, the artist adopted the English language for
almost all the titles of his artworks, up until 1978. He also produced radical objects in that
period, such as Black Mirror (1968) or Opressor / Oprimido (Opressor / Opressed, 1968).
In 1971 he began the series The Illustration of Art, which would extend up to 1978. Besides
the paintings, which often incorporated the wall with texts that were part of the artwork,
he produced performances such as Some Artists Do, Some Not, which would be adopted
as the title of an artist’s book, an LP, installations, and at least eight silent films in Super 8
format. In the series The Illustration of Art, he also developed ironic works with an explicitly
political character, such as the works on Japanese paper and canvas, or the silkscreen
prints on canvas entitled Tazibao, based on the first pages of The New York Times and the
Corriere della Sera for one week during Nixon’s reelection amidst the Watergate scandal.
These works gave rise to the masks based on a Newsweek magazine cover with the face of
Senator Sam, which in turn gave rise to a performance in which various artists and critics,
all friends of Antonio Dias, had their photographs taken with the masks. They furthermore
led to the canvases entitled Uncovering the Cover-up, which bear the silkscreen print of the
enlarged cover, often accompanied by a lateral area with a pictorial intervention.
One of the shapes reiterated during The Illustration of Art is that of the rectangle,
incomplete for lacking one of its parts: a square. This shape extends from the installation
of paintings The Illustration of Art / Art / Model – The Illustration of Art / Society / Model,
presented at the VIII Biennale de Paris, in 1973, up to, for example, O País Inventado / Dias-
de-Deus-Dará [The Invented Country / God-Will-Give-Days], 1976, today at the collection of
the MoMA, in New York. If we carefully examine the entire period through which the series
The Illustration of Art spans, from 1972 to 1978, we can observe a critical reflection common
to most of the works: the question of the autonomy of art. Since Romanticism, in the early
19th century, until abstract expressionism and color-field and hard-edge painting, all of the
great theories of modern art were developed around the conquest of art’s autonomy, which
was to be increasingly constituted based exclusively on the medium’s unique ‘nature.’ In
the United States, the greatest exponent in the defense of this thesis was critic Clement
Greenberg. Despite being formulated based on rigorous abstract conceptual models, The
Illustration of Art never stopped insisting on the relative character of this autonomy and
sought to demonstrate, plastically and through the words incorporated there, that art is
always contained in a society and in a larger history of which it is only a part – the history
and society to which it belongs and in which it lives.
In 1976, up to early 1977, the artist lived for various months in a small village in Nepal where
he worked together with craftsmen to artisanally produce a great many sheets of paper –
many already transformed into artworks in the process of production itself, when he
mixed pigments into the pulp and made interferences such as those in which the artisan’s
open hand was pressed through the paste before it was completely dry, as seen in The
Illustration of Art / Tool & Work, 1977. The stock of paper produced in Nepal was enormous
and allowed for the production of hundreds of artworks during the following decades. It
also marked the end, soon thereafter, of the period which had begun in 1968.

The aridity and asceticism of The Illustration of Art were abandoned. Painting resurged
fertilely in all its might as did also the works on paper. Ambivalent phallic figures reappear,
which can also signify a fractured bone. There were also ambiguous images of work tools
that arose, such as the axe, an instrument used by both the lumberer and the executioner.
Above all, the pictorial material comes to the forefront, as the dense layers of gray,
the copper, the gold, the malachite, and the red surfaces all participate actively in the
construction of the work. The paper can never be taken as a simple support. The artworks
participate in a philosophical teaching process that demonstrates the mistake of those who
still think that technique is only a neutral means to reach a determined end – it is more
than this. The technique is never neutral as certain economists and engineers may think.
The technique actively participates in the structure and is an important factor in the results.

He left his studio/residence in Milan and moved to Germany, where he resided in Cologne,
and for a while taught painting in Munich. During all this time he maintained a residence in
Rio de Janeiro. It was soon thereafter that the paintings composed of different canvases of
various sizes arose, which cannot be seen as simple polyptychs. They are mounted as in the
golden age of cinema, well before the advent of the digital islands of editing.

These are the works that extend up to the eve of his death on August 1, 2018. They
constitute a formidable contribution to contemporary art, since the beginning in 1962.
Certainly, Antonio Dias merits a chapter in the history of art of his time.

Rio de Janeiro / São Paulo, September 19, 2018

Querida, você está bem? / Darling, Are You Alright?, 1964
acrílica, tinta industrial sobre madeira e aglomerado
acrylic, industrial paint on wood, and masonite
122 x 95 x 7,5 cm/48 x 37.4 x 2.9 in.
coleção/colection Museo de Arte Latinoamericano, MALBA / Fundación Costantini, Buenos Aires
foto cortesia/photo courtesy MALBA
 Programação para um assassinato / Plan for a Murder, 1964
tecido acolchoado, madeira, pigmentos metálicos, vinil sobre tela e aglomerado
cushioned fabric, wood, metallic pigment, vinyl on canvas and plywood
125 x 122 x 15 cm/49.2 x 48 x 5.9 in.
coleção particular, destruída em incêndio em 2012
private collection, destroyed in a fire in 2012
foto/photo ©Vicente de Mello
 Vencedor? / Winner?, 1964
tinta industrial, óleo sobre madeira, metal e capacete militar
industrial paint, oil on wood, metal, and military helmet
187 x 70 x 45 cm/73.6 x 27.5 17.7 in.
coleção particular/private collection
Biografia para Solange / Biography for Solange, 1965
acrílica, esmalte e vinil sobre aglomerado e tecido acolchoado
acrylic, enamel, and vinyl on plywood, and cushioned fabric
87 x 199 cm/34.2 x 78.3 in.
foto/photo ©Jaime Acioli
Nota sobre a morte imprevista / Note on the Unforeseen Death, 1965
acrílica, óleo, vinil, acrílico sobre tecido e madeira
acrylic, oil, vinyl, plexiglass on fabric and wood
195 x 176 x 63 cm/76.7 x 69.2 x 24.8 in.
foto/photo ©Vicente de Mello
Coração para amassar / Heart to Crush, 1966
acrílica sobre tecido acolchoado e lâmpadas coloridas
acrylic on cushioned fabric and color light bulbs
113 x 103 x 15 cm/44.4 x 40.5 x 5.9 in.
foto / photo ©Jaime Acioli
 O meu retrato / My Portrait, 1967
acrílica sobre tela, madeira pintada, arame e tecido
acrylic on canvas, painted wood, wire, and fabric
170 x 122 x 52 cm/66.9 x 48 x 20.4 in.
coleção particular/private collection
foto/photo ©Vicente de Mello
Memorias del Subdesarrollo: el arte y el giro descolonial en América Latina, 1960-1985, 2018 International Pop, 2015
Museo Jumex, Cidade do México, México/Mexico City, Mexico Walker Art Center, Minneapolis/MN, EUA/USA
vista da exposição/exhibition view vista da exposição/exhibition view
Black Mirror, 1968
madeira e formica/wood and formica
30 x 22,2 x 5,5 cm/11.8 x 8.7 x 2.2 in.
foto/photo ©Everton Ballardin
Sun Photo as Self-portrait, 1968
acrílica sobre tela/acrylic on canvas
150 x 150 cm/59 x 59 in.
foto/photo ©Maura Parodi
Cabeças / Heads, 1968
madeira pintada (10 elementos)/painted wood (10 pieces)
30 x 30 x 30 cm (cada)/11.8 x 11.8 x 11.8 in. (each)
foto/photo

[próxima página/next page]

Anywhere Is My Land, 1968
acrílica sobre tela/acrylic on canvas
130 x 195 cm/51.1 x 76.7 in.
foto/photo ©Roberto Cecato
Alphaomega biografia / Alphaomega Biography, 1968
acrílica sobre tela/acrylic on canvas
190 x 380 cm/74.8 x 149.6 in.
foto/photo ©Roberto Cecato
 Incomplete Biography, 1968
acrílica sobre tela/acrylic on canvas
162 x 130 cm/63.7 x 51.1 in.
foto/photo ©Maura Parodi

O movimento do vento / The Wind’s Movement, 1968
bronze/bronze
2 x 25,5 x 25,5 cm/0.8 x 10 x 10 in.
foto/photo ©Vicente de Mello
Eu e você / You and Me, 1968
bronze/bronze
2 elementos, 25,5 x 25,5 x 2 cm (cada)
2 pieces, 10 x 10 x 0.8 in. (each)
foto/photo ©Vicente de Mello
 Opressor / Oprimido / Opressor / Opressed, 1968
plástico laminado, grama artificial e linóleo sobre madeira
laminated plastic, artificial grass, and linoleum on wood
8 x 32 x 32 cm (fechado)/XX x XX x XX in. (closed)
foto/photo ©Roberto Cecato
Environment for the Prisoner, 1968 Environment for the Prisoner, 1969
acrílica sobre tela/acrylic on canvas acrílica sobre tela/acrylic on canvas
100 x 100 cm/39.3 x 39.3 in. 95 x 95 cm/37.4 x 37.4 in.
foto/photo ©Maura Parodi foto/photo ©Maura Parodi
[esq./left]
Arid, 1968
acrílica sobre tela/acrylic on canvas
50 x 50 cm/19.6 x 19.6 in.
coleção particular/private collection
foto/photo Everton Ballardin

[dir./right]
Do It Yourself / Stone, 1968
acrílica sobre tela/acrylic on canvas
100 x 100 cm/39.3 x 39.3 in.
coleção particular/private collection
foto cortesia/photo courtesy Fondazione Marconi, Milão, Itália/Milan, Italy
Faça você mesmo: território liberdade / Do It Yourself: Freedom Territory, 1968
titânio sobre pavimento/titanium on pavement
400 x 600 cm/157.5 x 236.2 in. (each)
coleção/collection Daros Latinamerica, Zurique, Suíça/Zürich, Switzerland
foto/photo ©Udo Grabow
 To the Police, 1968
bronze (3 elementos)/bronze (3 pieces)
cerca de 14 cm Ø (cada)/approx. 5.5 in. Ø (each)
foto/photo ©Roberto Cecato
Faça você mesmo: território liberdade / Do It Yourself: Freedom Territory, 1968
Made in Brazil, 2015
Casa Daros, Rio de Janeiro, Brasil/Brazil
coletiva/group exhibition, vista da instalação/installation view
foto/photo ©Mario Grisolli
 The Space Between, 1969/1999
mármore branco e granito negro
white marble and black granite
100 x 100 x 100 cm (cada)/39.3 x 39.3 in. (each)
foto/photo ©Vicente de Mello
Projeto para “O Corpo” / Project for “The Body”, 1970
acrílica sobre tela/acrylic on canvas
200 x 600 cm/78.7 x 236.2 in.
foto/photo ©Udo Grabow
Studio Marconi, Milão, Itália/Milan, Italy, 1970
individual/solo exhibition, vista da exposição/exhibition view
foto/photo ©Giorgio Colombo
The Place, 1970 The Tripper, 1971
acrílica sobre tela/acrylic on canvas acrílica sobre tela/acrylic on canvas
100 x 100 cm/39.3 x 39.3 in. 95 x 95 cm/37.4 x 37.4 in.
foto/photo ©Maura Parodi foto/photo ©Maura Parodi
Chinese Monument, 1970
acrílica sobre tela/acrylic on canvas
150 x 150 cm/59 x 59 in.
foto/photo ©Vicente de Mello
The Illustration of Art / One & Three / Stretchers / Model, 1971
madeira laqueada/varnished wood
aprox. 110 x 700 cm/approx. 43.3 x 275.5 in.
foto/photo ©Dominique Uldry
The Illustration of Art I (stills), 1971
super-8 transferido para DVD
super-8 transferred to DVD
8’, mudo, cor / 8’, silent, color
The Illustration of Art II (stills) 1971
super-8 transferido para DVD
super-8 transferred to DVD
4’30”, mudo, cor/4’30”, silent, color
The Illustration of Art III (stills), 1971
super-8 transferido para DVD
super-8 transferred to DVD
7’, mudo, cor/7’, silent, color
 [esq./left]
The Illustration of Art / The New York Information System (stills), 1971
super-8 transferido para mídia digital
super-8 transferred to digital media
2’30”, mudo, cor/2’30”, silent, color

[dir./right]
Galeria Toselli, Milão, Itália/Milan, Italy, 1972
vista da exibição/exhibition view
foto/photo ©Giorgio Colombo
The Illustration of Art / 0. video (Music Piece) (stills), 1971
videoteipe/videotape
Studio Giaccari, Varese, Itália/Italy
Record: The Space Between, 1971
LP 33 rpm vinil / LP 33 rpm vinyl
35,5 x 35,5 cm (LP), 24’’, mono
14 x 14 in. (LP), 24’’, mono
[esq./left]
Record: The Space Between (partitura/score), 1971
nanquim sobre papel vegetal/India ink on tracing paper
50 x 70 cm/19.6 x 27.5 in.
foto/photo ©Maura Parodi

[dir./right]
Galerie Stampa, Basileia, Suíça/Basel, Switzerland, 1971
vista da instalação/installation view
The Illustration of Art / Working Class Hero / Eating / Washing (stills), 1972
super-8 transferido para mídia digital
super-8 transferred to digital media
02’23”, mudo, cor/02’23”, silent, color
The Illustration of Art / Gimmick (stills), 1972
super-8 transferido para DVD
super-8 transferred to DVD
6’15”, mudo, cor / 6’15”, silent, color
[esq./left]
The Art of Transference / I Love You, 1972
espelho, vidro e papelão sobre parede
mirror, glass and cardboard on wall
180 x 180 cm/70.8 x 70.8 in.
foto/photo ©Udo Grabow

[dir./right]
ateliê do artista, Nova York, EUA/artist’ studio, New York, USA, 1972
foto/photo Antonio Dias
 The Illustration of Art, 1973
The Art of Transference, 1972 acrílica sobre tela e vidro
tela e vidro/canvas and glass acrylic on canvas and glass
200 x 200 cm/78.7 x 78.7 in. 150 x 200 cm/59 x 78.7 in.
foto/photo ©Everton Ballardin foto/photo ©Jaime Acioli
The Illustration of Art / Dazibao / The Shape of Power, 1972
serigrafia, acrílica sobre tela/silk screen, acrylic on canvas
121 x 317 cm/47.6 x 124.8 in.
foto/photo ©Paulo Scheuenstuhl
[esq./left]
The Illustration of Art / Uncovering the Cover-up, 1973
serigrafia, acrílica e pigmento metálico sobre tela
silk screen, acrylic, metallic pigment on canvas
91 x 136 cm/35.8 x 53.5 in.
foto/photo ©Vicente de Mello

[dir./right]
Antonio Dias em Milão, Itália/Antonio Dias in Milan, Italy, 1973
foto arquivo Antonio Dias/photo Antonio Dias archive
Poeta/Pornógrafo, 1973
neon azul e rosa/blue and pink neon light
30 x 120 cm (cada), dimensões variáveis (total)
11.8 x 47.2 in. (each), variable dimensions (total)
Notação para intérpretes perigosos / Score for Dangerous Performers, 1973
rede metálica, espelhos, seda, ventiladores e microfones
metallic mesh, mirrors, silk, fans, and microphones
dimensões variáveis/variable dimensions
foto/photo ©Vicente de Mello
Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Rio de Janeiro, Brasil/Brazil, 1974
vista da exposição/exhibition view
foto/photo ©Vicente de Mello
Conversation Piece, 1973
super-8 transferido para DVD, telas de projeção/super-8 transferred to DVD, screens
Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Rio de Janeiro, Brasil/Brazil, 1974
vista da instalação/installation view
foto arquivo Antonio Dias/photo Antonio Dias archive
O arquipélago e as ilhas / The Archipelago and the Islands, 1973
projeção, dimensões variáveis/projection, variable dimensions
Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Rio de Janeiro, Brasil / Brazil, 1974
vista da exposição/exhibition view
foto/photo ©Bina Fonyat
Uma mosca no meu filme / A Fly in my Movie, 1976
super-8 transferido para DVD, telas de projeção, construção em madeira
super-8 transferred to DVD, screens, building in wood
dimensões variáveis/variable dimensions
foto/photo ©Nego Miranda
The Illustration of Art / Art / Model, 1973 The Illustration of Art / Society / Model, 1973
acrílica sobre tela/canvas and glass acrílica sobre tela/canvas and glass
60 x 690 cm/23.6 x 271.6 in. 60 x 810 cm/23.6 x 318.8 in.
foto/photo ©Udo Grabow foto/photo ©Udo Grabow
The Illustration of Art / One & Three / Generator, 1974
nanquim, tinta dourada e grafite sobre tela
India ink, golden paint, and graphite on canvas
55 x 195 cm/21.6 x 76.77 in.
foto/photo ©Paolo Vandrasch
The Illustration of Art / Economy / Model, 1975
cetim sobre parede/satin on wall
dimensões variáveis/variable dimensions
foto/photo Antonio Dias
The Illustration of Art / Economy / Model, 1975
Made in Brazil, 2015
Casa Daros, Rio de Janeiro, Brasil/Brazil
vista da exposição/exhibition view
foto/photo ©Mario Grisolli
The Illustration of Art / Art & Society / Model, 1975
óxido de ferro e vinil sobre madeira/iron oxide and vinyl on wood
dimensões variáveis/variable dimensions
foto/photo ©Everton Ballardin
 O país inventado / Dias-de-Deus-Dará, 1976
cetim e bronze patinado/satin, patinated bronze
500 cm (comprimento da haste)/196.85 in. (rod length)
foto/photo ©Paulo Scheuenstuhl
Transmissions: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960-1980, 2015
The Museum of Modern Art (MoMA), Nova York, EUA/New York, USA
vista da instalação/installation view

[próxima página/next page]

XXIX Bienal Internacional de Arte de São Paulo, 2010
Pavilhão da Bienal, São Paulo, Brasil/Brazil
vista da instalação/installation view
 Poeta/Pornógrafo, 1979
bronze patinado/patinated bronze
360 cm (altura)/141.7 in. (height)
foto/photo ©Roberto Cecato
[esq./left]
campo de trabalho do artista em Barabishe, Nepal
artist’s work field in Barabishe, Nepal

[dir./right]
Niranjanirakhar, 1977
papel nepalês com folhas de chá/Nepalese paper with tea leaves
4 elementos, Ø 140 cm (cada)/4 pieces, Ø 55.1 in. (each)
foto/photo ©Gabriele Basilico
Chapati para sete dias / Chapati for Seven Days, 1977
pigmentos naturais sobre papel nepalês
natural pigment on Nepalese paper
7 elementos, Ø 35 cm (cada)/7 pieces, Ø 13.7 in. (each)
foto/photo ©Gabriele Basilico
Antonio Dias - Trabalhos/Arbeiten/Works 1967-1994, 1994
Institut Mathildenhöhe, Darmstadt, Alemanha/Germany
vista da exposição/exhibition view
The Illustration of Art / Tool & Work, 1977
barro vermelho sobre papel nepalês/red clay on Nepalese paper
60 x 280 cm/23.6 x 110.2 in.
foto/photo ©Pat Kilgore
Trama, 1968/1977
álbum com 10 xilogravuras sobre papel nepalês
album with com 10 woodcuts on Nepalese paper
56 x 82 cm (cada)/22 x 32.2 in. (each)
foto/photo ©Mario Grisolli
 The Illustration of Art, 1977
óxido de ferro, barro, fuligem, curry e ervas sobre papel nepalês
iron oxide, clay, soot, curry, and herbs on Nepalese paper
115 x 240 cm / 45.2 x 94.4 in.
foto / photo ©Paolo Vandrasch

The Illustration of Art / The Place & the Thing, 1977

óxido de ferro sobre papel nepalês
iron oxide on Nepalese paper
115 x 240 cm / 45.2 x 94.4 in.
foto / photo ©Paolo Vandrasch
Dança / Dance, 1979
celulose com óxido de ferro sobre papel nepalês
cellulose with iron oxide on Nepalese paper
3 elementos, 115 x 115 cm (cada)/3 pieces, 45.2 x 45.2 in. (each)
foto/photo ©Paolo Vandrasch
Demarcando territórios / Delimiting Territories, 1982
grafite, óxido de ferro, pigmento metálico sobre papel nepalês
graphite, iron oxide, and metallic pigment on Nepalese paper
56,5 x 80 cm/22.2 x 31.4 in.
foto/photo ©Maura Parodi
Demarcando territórios / Delimiting Territories, 1982
grafite, óxido de ferro, pigmento metálico sobre papel nepalês
graphite, iron oxide, and metallic pigment on Nepalese paper
56,5 x 80 cm/22.2 x 31.4 in.
foto/photo ©Maura Parodi
Câmera de Vênus / Venus’ Chamber, 1983
grafite e óxido de ferro sobre papel nepalês
graphite, and iron oxide on Nepalese paper
165 x 240 cm/64.9 x 94.4 in.
foto/photo ©Gunter Lepkowski
Antonio Dias - Papéis do Nepal, 2016
Galeria Nara Roesler | São Paulo, Brasil/Brazil
vista da exposição/exhibition view
foto/photo ©Everton Ballardin
sem título / untitled, 1983 sem título / untitled, 1985
técnica mista sobre tela/mixed media on paper técnica mista sobre tela / mixed media on paper
47 x 62 cm/37.4 x 37.4 in. 48 x 63 cm / 18.8 x 24.8 in.
Labor Berlin, 1989 sem título / untitled, c. 1980
técnica mista sobre tela/mixed media on paper técnica mista sobre tela/mixed media on paper
75,5 x 100 cm/29.7 x 39.3 in. 60 x 85 cm/23.6 x 33.4 in.
 Ausländer, 1993
malaquita, óxido de ferro, ouro composto e folha de cobre sobre papelão
malachite, iron oxide, gold compound, and copper leaf on cardboard
26 x 28 cm/10.2 x 11 in.
foto/photo ©Bernhard Schaub
O eletricista / The Electrician, 1986
grafite, madeira, borracha e fio de arame sobre tela
graphite, wood, rubber, and wire on canvas
203 x 320 cm/79.9 x 125.9 in.
foto/photo ©Dominique Uldry
O homem que anda / The Man that Walks, 1987
acrílica, grafite, madeira e metal sobre tela
acrylic, graphite, wood and metal on canvas
165 x 195 cm/64.9 x 76.7 in.
foto/photo ©Everton Ballardin
Boundaries, 1988
acrílica e grafite sobre tela, madeira com esmalte
acrylic and graphite on canvas, enamel on wood
139 x 248 cm/54.7 x 97.6 in.
foto/photo ©Everton Ballardin
Revolution, 1988
acrílica e grafite sobre tela
acrylic and graphite on canvas
130 x 370 cm/51.2 x 145.6 in.
foto/photo ©Jaime Acioli
Caramuru, 1992
acrílica, grafite, malaquita, folha de ouro e cobre sobre tela
acrylic, graphite, malachite, gold leaf, and copper on canvas
195 x 325 cm/76.7 x 127.95 in.
foto/photo ©Bernhard Schaub
Todas as cores do homem, 1994
acrílica, malaquita, óxido de ferro e folha de cobre sobre tela
acrylic, malachite, iron oxide, copper leaf on canvas
100 x 240 cm/39.3 x 94.4 in.
foto/photo ©Bernhard Schaub
Chico Mendes, 1995
acrílica, malaquita, folha de ouro e cobre sobre tela
acrylic, malachite, gold leaf, and copper on canvas
195 x 250 cm/76.7 x 98.4 in.
foto/photo ©Vicente de Mello
[esq./left]
KasaKosovoKasa, 1996
foto digital sobre colunas de PVC/digital photo on PVC columns
10 elementos, 180 x Ø 35 cm (cada), 400 x 600 cm (área total)
10 pieces, 180 x Ø 35 cm (each), 400 x 600 cm (total area)

[dir./right]
KasaKosovoKasa (projeto/project), 1996
Todas as cores do homem / All the Colors of Man, 1996
vidro soprado, ouro, cobre, vinho, malaquita, grafite, água mineral, gesso, fios e lâmpadas elétricas
blown glass, gold, copper, wine, malachite, graphite, mineral water, plaster, strings, and light bulbs
dimensões variáveis/variable dimensions
Made in Brazil, 2015
Casa Daros, Rio de Janeiro, Brasil/Brazil
coletiva/group exhibition, vista da instalação/installation view
foto/photo ©Mario Grisolli
 [esq./left]
100 =, 1996
vidro soprado/blow glass
28 x 8 cm/11 x 3.1 in.
Antonio Dias - Sem Pudor, 2010
Casa de Cultura Laura Alvim, Rio de Janeiro, Brasil/Brazil
vista da instalação/installation view
foto/photo ©Nego Miranda

[dir./right]
Padeborn, 1996
fotografia, impressão UV digital sobre tela
photograph, digital UV print on canvas
50 x 100 cm / 19.7 x 39.4 in.
 Seu marido / Your Husband, 2002
colaboração com a Coopa-Roca, Rio de Janeiro/Rj, Brasil
collaboration with Coopa-Roca, Rio de Janeiro/RJ, Brazil
latas vazias de bebidas, arame, Lycra e motor elétrico
empty soda cans, wire, Lycra, and electric engine
dimensões variáveis/variable dimensions
foto/photo ©Vicente de Mello
A ilustração da arte / cidade / modelo, 2003
vista da exposição/exhibition view
foto/photo ©Francisco Baccaro
 [esq./left]
Gigante dormindo e cachorro latindo
Sleeping Giant and Barking Dog, 2002/2004
Triângulo amoroso I / Love Triangle I, 2002/2004

[dir./rght]
Triângulo amoroso II / Love Triangle II, 2002/2004
A cozinha do fantasma
The Phantonm’s Kitchen, 2002/2004
bronze pintado/painted bronze
15 x 29 x 43 cm (cada)
5.9 x 11.5 x 17 in.
foto/photo ©Vicente de Mello
Satélites / Satellites, 2002/2004
bronze/bronze
11 elementos, dimensões variáveis
11 pieces, variable dimensions
foto/photo ©Vicente de Mello
 Desert, 2004
fotografia, impressão UV digital sobre tela
photograph, digital UV print on canvas
50 x 100 cm / 19.7 x 39.4 in.

Andando em outra direção / Walking to the Other Direction, 2004

fotografia, impressão UV digital sobre tela
photograph, digital UV print on canvas
50 x 100 cm / 19.7 x 39.4 in.

Supreme, 2004
fotografia, impressão UV digital sobre tela
photograph, digital UV print on canvas
50 x 100 cm / 19.7 x 39.4 in.
Derrotas e vitórias (para Bento) / Defeats and Victories (for Bento), 2006
videoinstalação/video installation
3 DVDs, 5 min., loop
Antonio Dias - Sem Pudor, 2010
Casa de Cultura Laura Alvim, Rio de Janeiro, Brasil/Brazil
vista da instalação/installation view
foto/photo ©Vicente de Mello
Manivelas / Cranks, 1999
acrílica, grafite, folha de ouro e cobre sobre tela, metal, vidro soprado,borracha e gesso
acrylic, graphite, gold leaf, and copper on canvas, metal, blown glass, rubber, and plaster
200 x 300 cm/78.8 x 118.2 in.
foto/photo ©Everton Ballardin
Refém: John Wayne encontra Harun al-Hashid
Hostage: John Wayne Meets Harun al-Hashid, 1999
acrílica, óxido de ferro, folha de ouro e cobre sobre tela
acrylic, iron oxide, gold leaf, and copper on canvas
180 x 450 cm/70.9 x 177.7 in.
foto/photo ©Andrew Kemp
sobre Antonio Dias
Antonio Dias (1944–2018) é um dos nomes mais importantes da arte brasileira no século
XX, tendo conquistado reconhecimento internacional logo no começo da carreira, em
meados dos anos 1960. Iniciou sua produção artística produzindo obras marcadas pelo
conteúdo de crítica política na forma de desenhos, pinturas e assemblages permeados
por elementos do Neofigurativismo e da Pop Art brasileiros, o que lhe rendeu o rótulo de
representante da Nova Figuração brasileira e o conduziu à IV Bienal de Paris (1965), na qual
recebeu o prêmo de pintura. Sua prática, no entanto, estabelece um diálogo com o legado
dos movimentos concreto e neoconcreto e o impluso revolucionário da Tropicália.
A premiação da Bienal de Paris possibilitou ao artista seguir para a Europa, onde, depois
de um período em Paris, acabou se estabelecendo em Milão. Ali, adotou uma abordagem
conceitual, criando pinturas, filmes, vídeos, registros e livros de artista, utilizando cada
uma dessas mídias para questionar o sentido da arte. Ao abordar o erotismo, o sexo e
a opressão política de forma lúdica e subversiva, construiu uma obra ímpar e conceitual,
repleta de elegância formal, entremeada por questões políticas e críticas contundentes ao
sistema da arte. Na década de 1980, voltou novamente sua atenção à pintura, realizando
experimentos com pigmentos metálicos e minerais como ouro, cobre, óxido de ferro e
grafite, misturados a aglutinantes diversos. A maioria de suas obras desse período possuem
um brilho metálico e contêm uma grande variedade de símbolos – ossos, cruzes, retângulos,
falos – que remetem às suas primeiras produções.
Antonio Dias apresentou suas obras em mais de uma centena de exposições individuais
e coletivas nas mais importantes instituições do mundo. Suas principais individuais mais
recentes incluem: Anywhere Is My Land, Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo
(2010), e Daros Latinamerica, Zurique, Suíça (2009-2010); e Antonio Dias – O país inventado,
que itinerou por diversas instituições brasileiras entre 2000 e 2003, como o Museu de
Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM-RJ) e o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-
SP). Entre as coletivas, pode-se destacar: Memories of Underdevelopment: Art and the
Decolonial Turn in Latin America, 1960-1985, apresentada no Museum of Contemporary
Art San Diego (MCASD), San Diego, EUA, como parte do II Pacific Standard Time: LA/LA
(2017); International Pop, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, e Walker Art Center,
Minneapolis, EUA (2015-2016); The World Goes Pop, Tate Modern, London, RU (2015-2016);
Transmissions: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960- 1980, The Museum of Modern
Art (MoMA), Nova York, EUA (2015), e Made in Brasil, Casa Daros, Rio de Janeiro (2015).
Participou de diversas edições de bienais, como a Bienal de São Paulo (1981, 1994, 1998
e 2010), a Bienal do Mercosul (1997, 2005) e a Bienal de Paris (1965 e 1973). Suas obras
estão presentes em importantes coleções institucionais ao redor do mundo, como: Coleção
Sattamini – MAC-Niterói, Rio de Janeiro, Brasil; Daros Latinamerica Collection, Zurique, Suíça;
Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brasil; Museum Ludwig, Colônia, Alemanha; Museo de
Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Buenos Aires, Argentina; Museu de Arte
Moderna de São Paulo (MAM-SP), São Paulo, Brasil; The Museum of Modern Art (MoMA),
Nova York, EUA; e Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brasil.
about Antonio Dias
Antonio Dias (1944–2018) is one of the leading figures in 20th century Brazilian art,
having achieved international recognition early on in his career, during the mid-1960s. His
early offerings were politically-infused drawings, paintings and assemblages permeated
by elements from Brazilian Neo-Figurativism and Pop Art, which earned him the status
of representative of New Brazilian Figuration and got him into the IV La Biennale de Paris
(1965), whose painting prize he won. His practice, however, converses with the legacy of
the concrete and neo-concrete movements, as well as the revolutionary drive of Tropicália.
The Biennale de Paris prize enabled him to travel across Europe, and following a stint in
Paris he settled in Milan. There, he embraced a conceptual approach, creating paintings,
films, videos, documentation and artist’s books, and tapping into each of those mediums
to question the meaning of art. In approaching eroticism, sex and political oppression in
a playful, subversive way, he built an unparalled, conceptual oeuvre brimming with formal
elegance, interspersed with political issues and scathing critiques of the art system. In the
1980s, he turned to painting anew, experimenting with metallic and mineral pigments like
gold, copper, iron oxide and graphite, mixed with various binders. Most of his works from
this period boast a metallic sheen and contain a wide variety of symbols – bones, crosses,
rectangles, phalluses – reminiscent of his earliest works.
Antonio Dias’ work has been featured in over a hundred solo and group shows in major
venues around the world. Recent solo shows include: Anywhere Is My Land, São Paulo State
Art Gallery (Pinacoteca), São Paulo (2010), and Daros Latinamerica, Zurich, Switzerland
(2009-2010); and Antonio Dias – O país inventado, featured in several Brazilian venues
from 2000 to 2003, including the Rio de Janeiro Museum of Modern Art (MAM-RJ) and
the São Paulo Museum of Modern Art (MAM-SP). Group shows include: Memories of
Underdevelopment: Art and the Decolonial Turn in Latin America, 1960-1985, at the Museum
of Contemporary Art San Diego (MCASD) in San Diego, USA, as part of II Pacific Standard
Time: LA/LA (2017); International Pop, Philadelphia Museum of Art in Philadelphia, and the
Walker Art Center in Minneapolis, USA (2015-2016); The World Goes Pop, Tate Modern,
London, UK (2015-2016); Transmissions: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960-1980,
The Museum of Modern Art (MoMA), New York, USA (2015), and Made in Brasil, Casa Daros,
Rio de Janeiro (2015). His work was also featured in several biennial shows, including the
Bienal de São Paulo (1981, 1994, 1998 and 2010), the Bienal do Mercosul (1997, 2005) and
La Biennale de Paris (1965, 1973). Dias’ art is in major institutional collections around the
world, including: Coleção Sattamini – MAC-Niterói, Rio de Janeiro, Brazil; Daros Latinamerica
Collection, Zurich, Switzerland; Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brazil; Museum Ludwig,
Cologne, Germany; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Buenos Aires,
Argentina; São Paulo Museum of Modern Art (MAM-SP), São Paulo, Brazil; The Museum
of Modern Art (MoMA), New York, USA; and São Paulo State Art Gallery (Pinacoteca), São
Paulo, Brazil.
O espólio de Antonio Dias é representado pela Galeria Nara Roesler.
Para mais informações, clique aqui.

The estate of Antonio Dias is represented by Galeria Nara Roesler.

For more information, click here.

www.nararoesler.art