31

Festival Extension/
Scène 11/
Prise 1/
Moteur/
Action/

L’image animée et le son font-ils bon ménage ? Comment se noue ce lien subtil entre l’ouïe et la
vue ? Sommes-nous capables de percevoir chacun d’eux sans que le champ de l’un ne réduise le
“chant“ de l’autre ?
Dans un moment où la circulation numérique des objets culturels rend de plus en plus foisonnante
la place de l’image et du son, où le visuel et le musical fusionnent et investissent de nouveaux
territoires d’expérimentations avec passion, le nouvel opus du Festival Extension vous convie à
découvrir des créations musicales ayant toutes une relation avec l’image et la narration.

D’un opéra inspiré par Cassavetes en passant par trois films soviétiques revisités par la musique,
ces propositions seront autant d’occasions de découvrir des compositeurs et des langages
d’aujourd’hui (Verrières/Kassap/Dailleau/Kourliandski…).
La création vidéo sera au rendez-vous pour le radio-drame imaginé par Javier Torres Maldonado &
la dramaturge Ana Candida de Carvalho Carneiro, lors de l’expérimentation menée par Sébastien
Roux et Kurt d’Haeseleer, au cours du concert franco-portugais avec l’ensemble Aleph et le studio
Miso Music de Lisbonne, ainsi que dans le spectacle chorégraphique de Karine Saporta avec Ars
Nova ensemble instrumental.
Bien entendu, le cinéma pour l’oreille (Hörspiel) ne sera pas oublié, qu’il s’agisse du 9e Concours
Luc Ferrari à la Maison de la poésie ou du « live radiophonique » qui sera créé à la Gaité Lyrique…
Mais comme toute règle se doit d’être transgressée, nous vous proposons aussi des concerts sans
image, (Thierry Blondeau/John Cage/ Luis Naón & la poétesse-perfomeuse Gwenaëlle Stubbe…), et
un spectacle imaginé par Kasper T. Toeplitz et Myriam Gourfink autour du mariage de la musique
et de la danse.

Avec le Cdmc, nous provoquerons aussi un moment de rencontre autour de notre thématique,
parce qu’il est toujours indispensable d’encourager les échanges et de s’ouvrir au débat.
Certains reprochent aux artistes de ne pas assez contribuer à la démocratisation culturelle et à la
transmission. Les actions qui accompagnent les concerts sont la preuve du contraire ainsi que de
l’implication profonde des artistes soutenus par la Muse en Circuit. L’association fertile avec les
théâtres de villes partenaires, et plus globalement tous les lieux qu’ils soient parisiens,
départementaux ou régionaux qui nous accompagnent démontrent aussi l’engagement de tous sur
ce désir de partage…

Coupez/
David Jisse

1
 Extension >> Festival de création musicale
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CONCERT – MUSIQUE MIXTE ET INSTRUMENTALE 24 avril >> Ivry-sur-Seine > Auditorium Antonin Artaud CREATION
T. BLONDEAU_C. TESTU_QUATUOR P ARISII_LE CONCERT IMPROMPTU
Monographie
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
OPERA 26 avril au 13 mai >> Paris > Bouffes du Nord CREATION
F. VERRIERES, G. VINCENT, B. GALLET – ENSEMBLE COURT-CIRCUIT
The second woman – Opening Night-Opera (librement inspiré d’Opening Night – J. Cassavetes)
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
RENCONTRE-DEBAT 28 avril >> Paris > Centre de documentation de la musique contemporaine
P. JANSEN, P. LANGLOIS, S. LEROUGE, P. MESTRAL, F. VERRIERES
Création musicale / Cinéma : quels degrés de liberté ?
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CONCERT-MUSIQUE MIXTE ET VIDEO 29 avril >> Vitry-sur-Seine > Plateau des Ecoles Municipales Artistiques CREATION
M. AZGUIME, E. BULTINGAIRE, D. CLEMENT, P. FERREIRA-LOPES,
J. PEDRO OLIVEIRA, P. M. ROCHA, ENSEMBLE ALEPH & SOND’AR-TE ELECTRIC ENSEMBLE
Concert franco-portugais
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CINE-CONCERT 29 avril >> Champigny-sur-Marne > Théâtre Gérard Philipe
D. KOURLIANDSKI - ENSEMBLE 2E2M
Aelita – Queen of Mars (réal. Yakov Protazanov)
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
SPECTACLE CHOREGRAPHIQUE ET MUSICAL 6 mai >> Alfortville > Pôle Culturel
S. REICH, K. SAPORTA - ARS NOVA ENSEMBLE INSTRUMENTAL
Notes
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CONCERT-PERFORMANCE 7 mai >> Le Kremlin-Bicêtre > Espace Culturel André Malraux CREATION
T. BALASSE - CIE INOUÏE
Zoom – John Cage au creux de l’oreille
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CINE-CONCERT 10 mai >> Vincennes > Auditorium Jean-Pierre Miquel CREATION
S. KASSAP - ENSEMBLE LABORINTUS
La Jeune Fille au carton à chapeau (réal. Boris Barnet)
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CINE-CONCERT 11 mai >> Cachan > Théâtre Jacques Carat
J. DEPAULE, L. DAILLEAU, N. RATSIMANDRESY
Le Voyage Cosmique (réal. Vassili Jouravlev)
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CINE-CONCERT 13 mai >> Gentilly > Le Générateur CREATION
K. D’HAESELEER, S. ROUX
Fiction
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
SPECTACLE CHOREGRAPHIQUE ET MUSICAL 14 mai >> Créteil > Maison des Arts CREATION
K. T. TOEPLITZ, M. GOURFINK, D. LARY_TRIO JOURNAL INTIME
Inoculate ?
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CONCERT - LIVE RADIOPHONIQUE 15 mai >> Paris > Gaité Lyrique CREATION
D. JISSE_V. PHILIPPIN_W. WENDLING_
Gate & Lyric(s)
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CONCERT-MUSIQUE MIXTE ET VIDEO 20 mai >> Villejuif > Théâtre Romain Rolland CREATION
J. TORRES MALDONADO - ENSEMBLE 2E2M
Un posible día
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CONCERT-EXPOSITION 22 mai >> Cachan > L’Orangerie CREATION
J. MONORY, L. FERRARI, B. CAVANNA, H. BRESCHAND
A la recherche du rythme perdu
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
CONCERT-PERFORMANCE 24 mai >> Paris > Maison de la Poésie CREATION
D.BIRD & C. BOUISSOU, S. BOOTHROYD, F. KROUCHI Composer le réel – 9e Concours Luc Ferrari (1)
L. NAON, G. STUBBE Méandres / Choses bêlantes dans le grand large (2)
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
INSTALLATIONS 31 mai >> Paris > Ecoles des Arts Déco CREATION
Le festival Extension recréé par les élèves de l’Ecole nationale supérieure des Arts Décoratifs

2
Concert – musique mixte et instrumentale 24 avril à 18h30 > Création
Ivry-sur-Seine > Auditorium Antonin Artaud
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
En par te nariat avec le s Ren con tres dépar teme n tale s de musique de ch ambre d’ Ivr y- sur-
Sein e

THIERRY BLONDEAU
CHARLOTTE TESTU
QUATUOR PARISII
LE CONCERT IMPROMPTU
Monographie
Thierry Blondeau © Isabelle de Rouville

M u si que de c hamb r e et sons fi xés

Pour ouvrir cette onzième édition, Extension s’est associé à la résidence de Thierry Blondeau et aux
Rencontres Départementales de Musique de Chambre d’Ivry-sur-Seine.
Accueilli aux Rencontres depuis 2010, le compositeur a mené actions de sensibilisations et
accompagnement pédagogique auprès des amateurs et élèves des conservatoires du Val-de-Marne.
Ce travail pour lequel La Muse en Circuit a pu apporter son soutien technologique, a été l’occasion de
développer une écriture pour musique de chambre et électroacoustique.
Avec le Quatuor Parisii et le concert impromptu, ce concert donnera à entendre une monographie de
Thierry Blondeau, de ses pièces accessibles dès l’apprentissage à ses créations composées lors de
cette dernière résidence.

Rebonds , pour 8 violoncelles et 4 contrebasses, (1999, 4’) – interprété par les étudiants du
conservatoire d’Ivry-sur-Seine
in/out , pour quatuor à cordes et sons fixés – Quatuor Parisii, Création (2011)
Quintette à vents n°2 - Le concert impromptu, Création (2011)
Etude au doppler , pour clarinette, contrebasse et sons fixés (2002, 10’)
Thierry Blondeau, composition
Charlotte Testu, contrebasse
LE QUATUOR PARISII
Arnaud Vallin, violon / Jean-Michel Berrette, violon
Dominique Lobet, alto / Jean Philippe Martignoni, violoncelle

LE CONCERT IMPROMPTU
Yves Charpentier flûte / Michaela Hrabankova hautbois
Jean-christophe Murer clarinette / Vincent Legoupil basson
Eric Villevière cor
+ d’infos : présentation des pièces, les Rencontres Départementales de Musique de Chambres, les ensembles et biographies
=> p. 21 - 22
Coproduction Ville d’Ivry-sur-Seine, Rencontres Départementales de Musique de Chambre d’Ivry-sur-Seine, Adiam 94,
Ariam Ile-de-France, La Muse en Circuit, Centre national de création musicale. Avec la soutien de la SACEM.

=> Concert enregistré par France Musique et diffusé dans les Lundis de la Contemporaine – Arnaud Merlin
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
AUDITORIU M DE L A MEDI AT HE QU E ANTONIN ART AU D152 AVENUE DANIELLE CASANOVA 94200 IVRY-SUR-SEINE
ME TRO LIGNE 7 MAIRIE D’IVRY OU RER C STATION IVRY-SUR-SEINE
ENTRE E LI BRE SUR RES ERVA TION 01 49 60 26 95
Opéra 26 avril - 13 mai à 21h > Création
3
 Paris > Théâtre des Bouffes du Nord
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

FREDERIC VERRIERES
GUILLAUME VINCENT
BASTIEN GALLET
ENSEMBLE COURT-CIRCUIT
The second woman
Opening nig ht - Opéra

Déto u r nement c inématog rap hiq ue et opér a

Se jouant dans les échos sensibles d’un film (culte ?) de John Cassavetes… La tragi-comique hypothèse
de mettre en scène une cantatrice qui, parce qu‘elle vieillit, perd ses certitudes et se questionne sur le
meilleur endroit où placer sa voix, constitue l’intriguant argument d’Opening night-Opera.
Perturbé par la folie d’une diva dont les caprices frisent le stade de la plus incontrôlable divagation, le
planning des répétitions se transforme en un canevas pirandellien nous baladant au gré des
hallucinations de la dame à travers une revue de détails des grands rôles du répertoire lyrique.
C’est alors par des visions fantasmagoriques de la musique de Verdi, Puccini et Berg… entièrement re-
composée par Frédéric Verrières, que tout se dénoue sur un livret de Bastien Gallet. Le plaisir
instantané d’un parcours buissonnier qui à force de refuser l’obstacle, de ce qu’il y aurait à chanter,
devient l’œuvre en soi. Ce regard amusé et transgressif porté sur un work in progress qui se nourrit
d’une catastrophe pour en faire son avantage, réunit, sous la direction musicale de Jean Deroyer
l’ensemble Court-circuit et Guillaume Vincent à la mise en scène.

“La musique de cet opéra en devenir, se construit peu à peu dans un effort de synthèse qui la renforce, qui l’édifie de manière
paradoxale. C’est par une métamorphose constante du texte et de la voix que musique et dramaturgie correspondent.
Ici théâtre et musique progressent ensemble pour explorer l’espace mental du personnage de Gena Rowlands dans «Opening
Night» : Un espace mental devenu musical, puisque transposé dans le domaine opératique, et hanté par les grands rôles qui
ont envahi le psychisme de notre héroïne“. F. Verrières

Librement inspiré du film de John Cassavetes

Guillaume Vincent, mise en scène
Frédéric Verrières, musique
Bastien Gallet, texte
Christophe Capacci, conseiller artistique
AVEC
Jean-Yves Aizic / Jean-Sébastien Bou / Elizabeth Calleo / Jeanne Cherhal
Marie-Eve Munger/ Philippe Smith
ENSEMBLE COURT-CIRCUIT
Jean Deroyer, direction musicale
+ d’infos : présentations de l’ensemble et biographies => p. 23
Production : CICT / Théâtre des Bouffes du Nord., Paris. Coproduction : Les théâtres de la ville de Luxembourg, Ensemble Court-
Circuit, Opéra de Reims, Comédie de Reims, La Muse en Circuit, Centre national de création musicale.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
26, 27, 2 9, 30 avril , 3,4 ,6, 7,10 ,12 & 13 ma i
THE ATR E DES BO UFFES DU NORD 37 BIS, BD DE LA CHAPELLE 75010 PARIS
ME TRO LIGNE 2 LA CHAPELLE >> RESER VATIONS 01 46 07 34 50 >> TARIFS 14 < 28€

4
Rencontre-débat 28 avril de 14h30 à 17h30
Paris > Centre de documentation de la musique contemporaine
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

PIERRE JANSEN
PHILIPPE LANGLOIS
STEPHANE LEROUGE
PATRICE MESTRAL
FREDERIC VERRIERES

Création musicale / Cinéma :

quels degrés de liberté ?
Modération D avid Jisse

Quelles marges de manœuvres pour un compositeur au cinéma ?

Depuis l’invention du septième art, la création musicale a entretenu avec lui des rapports ambigus mais
fertiles : le pianiste improvisant sur les films, les œuvres symphoniques de grands compositeurs
emblématiques, des compositions électroacoustiques ou bien d’autres manières de faire.
Ainsi l’histoire de la musique associée à l’image est ancienne et multiple.
Aujourd’hui, à l’heure des blockbusters ou des vidéos expérimentales, le positionnement du
compositeur est-il rendu plus difficile ? Entre « l’efficacité utilitaire » et la création originale, de quelles
marges de manœuvres dispose-t-il ? Comment s’inscrit son geste de musicien face à cette nouvelle
complexité induite par la multiplicité des formes et des écritures filmiques ?
Se poser ces questions à l’heure du développement « débridé » des supports audiovisuels d’internet à
l’Ipad et quelques autres est plus que d’actualité. C’est pourquoi le Cdmc et La Muse en Circuit, dont le
festival Extension 11 a pour thématique le cinéma, s’associent pour proposer cette rencontre.

+ d’infos : biographies => p. 23 - 24

Rencontre organisée par La Muse en Circuit, Centre national de création musicale et le Centre de documentation de la musique
contemporaine.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>C
ENTRE D E DOCU M ENTA TION DE LA MUSIQ UE CONT E MPORAIN E 16, PLACE DE LA FONTAINE-AUX-LIONS 75019 PARIS
ME TRO PORTE DE PANTIN >> B US 151 / 75 / PC 2 / PC 3 >> ENTRE E LIBR E SUR RES ERVA TION 01 47 15 49 86

5
Concert, musique mixte et vidéo 29 avril à 19h30> Création
Vitry-sur-Seine > Plateau des EMA
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
En assoc iation avec le L I EU - L abor atoire I nstr umen tal Euro pé en

MIGUEL AZGUIME
ETIENNE BULTINGAIRE
DOMINIQUE CLEMENT
PAULO FERREIRA-LOPES
JOÃO PEDRO OLIVEIRA
PEDRO M. ROCHA
ENSEMBLE ALEPH & SOND’AR-TE
Nuno Pinto ©WarsawAutumn Karol Piechocki ELECTRIC ENSEMBLE
Concert franco-portugais
Créations croisées France / Portugal
Elaboré avec Miso Music, studio électro-acoustique de Lisbonne, et l'ensemble Aleph, dans le cadre du
Laboratoire Instrumental Européen, ce concert présentera des échantillons de la création électronique
en France et au Portugal. Pour cette occasion, l'ensemble Aleph et La Muse en Circuit ont demandé à
Etienne Bultingaire de s'associer à Dominique Clément pour concevoir un quatuor instrumental enrichi
par une installation d'objets sonores interactifs. Dans un second temps, Miso Music présentera un
programme de pièces électroniques associées à la vidéo et à la clarinette.

Pedro M. Rocha (musique) / André Sier (video) - (2006 - 8')

To a World Free From Countries

Etienne Bultingaire / Dominique Clément - E NSEMBLE A LEPH –Création (2011 - 15')

L’estran pour violon, violoncelle, clarinette, piano et objets sonores
João Pedro Oliveira / S ON D ’A R - TE – N UN O P INTO (2006 - 9')
Time Spell pour clarinette et bande électroacoustique
Paulo Ferreira-Lopes (musique) / Cláu dia Robles (vidéo) - (2007 – 10’)
Wintermusik aus dem Buch der Dunkelheit
Miguel Azguime / S OND ’A R - TE – N U NO P IN TO (2009 - 14')
No Oculto Profuso pour clarinette et bande électroacoustique
ENSEMBLE ALEPH
Dominique Clément, clarinette / Noëmi Schindler, violon / Christophe Roy, violoncelle
Sylvie Drouin, piano / Etienne Bultingaire, live-electronics
Jean Grison, création lumière
SOND’ AR-TE ELECTRIC ENSEMBLE
Nuno Pinto, clarinette / Miguel Azguime, live-electronics / Paula Azguime, diffusion
Miso Studio, technique
+ d’infos : présentations des pièces, les ensembles et biographies => p. 24 - 27

Coproduction Ensemble Aleph, La Muse en Circuit, Sond’Ar-te Electric Ensemble. Coréalisation Plateau des Ecoles Municipales Artistiques de
Vitry-sur-Seine. Ce projet a été financé avec le soutien du Programme Culture de l'Union Européenne
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
PLAT EA U DES E MA 71, RUE CAMILLE GROULT 94407 VITRY-SUR-SEINE RER C > VITRY-SUR-SEINE
RESERVA TIONS 01 55 53 14 90 ENTRE E LIBR E SUR RES ERVATION

6
 Ciné-concert 29 avril à 20h30
Champigny-sur-Marne > Théâtre Gérard Philipe
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

DMITRI KOURLIANDSKI
ENSEMBLE 2E2M
Aelita
Queen of Mars
(réal. Yakov Protazanov)

Extrait de Aelita de Yakov Protazanov

Fi lm so vié ti que e t mu s iq ue d’ auj our d’h ui

A trois temps. « Anta… Odeli… Uta… ». Octobre 1921. L’ingénieur Los capte un message laconique venu
de la planète Mars. Aelita en est la reine, sans pouvoir. Son royaume là-haut fait contraste avec la
Russie d’en bas.
C'est un chef-d' œuvre de science-fiction, constructiviste et futuriste par ses décors, ses costumes qui
évoquent Flash Gordon, documentaire sur la réalité des années 1920, critique ironique et sans pitié,
doublé d'une comédie mélodramatique « hollywoodienne ».
Trois mondes interagissent dans cette réalisation de Yakov Protazanov (1881 - 1945) : celui d’hier, le
monde de l’ “ici et maintenant“, l’utopie. Dmitri Kourliandski (1976), en résidence à l'Ensemble 2e2m en
2010, a imaginé parachever l'esprit constructiviste du film avec sa musique totalement mécanique.

Yakov Protazanov, spécialiste des adaptations de chefs-d’œuvre littéraires russes, est l’un des réalisateurs les plus importants
de la période tzariste. Le premier film russe connu est de 1908. On peut dater les débuts du cinéma soviétique au 27 août
1919, date à laquelle Lénine a signé le décret de nationalisation du cinéma. Les débuts du cinéma soviétique furent difficiles
par manque de moyens.
Tourné en 1924, Aelita - Queen of Mars est singulier par son propos, puisque 4 ans avant Metropolis de Fritz Lang il crée un
univers de science-fiction, une vision novatrice d’une civilisation martienne en utilisant des costumes et des décors inspirés
du cubisme. Aelita propose un message subtil et complexe, à travers lequel on peut lire aussi bien un pamphlet anti-
communiste dans la façon où il montre une Russie pleine de miséreux, qu’une propagande communiste dans cette dualité :
Mars capitaliste face à la Terre communiste. Aelita connut un gros succès en Union Soviétique.

Film muet de Yakov Protazanov

URSS, 1924, 85 minutes, cartons en français
Musique de Dmitri Kourliandski
flûte, clarinette, basson, trombone, violon, violoncelle, contrebasse
ENSEMBLE 2E2M
Pierre Roullier, direction / Jean-Philippe Grometto, flûte / Véronique Fèvre, clarinette
Mehdi El Hammami, basson / Patrice Hic, trombone / Pascal Robault, violon
Frédéric Baldassare, violoncelle / Tanguy Menez, contrebasse
+ d’infos : présentations de l’ensemble et biographies => p. 27 - 28
Commande de l’ensemble 2e2m. Coproduction Ensemble 2e2m, La Muse en Circuit, Centre national de création musicale, Ville de Champigny-
sur-Marne.
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
THE ATR E GER ARD PHI LIP E 54 BOULEVARD DU CHATEAU, 94500 CHAMPIGNY-SUR-MARNE
RER E VILLIERS-SUR-MARNE PLESSIS-TREVISE, PUIS BUS 308, ARRET COLOMBE-HARDELET / RER A CHAMPIGNY, PUIS B US
208A ARRET ROND-POINT DU CHATEAU
RESERVA TIONS 01 47 06 17 76 / TARIF 4,70€

7
Spectacle chorégraphique et musical 6 mai à 20h30
Alfortville > Pôle Culturel
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

STEVE REICH
KARINE SAPORTA
ARS NOVA
ENSEMBLE INSTRUMENTAL
Notes

© Arthur Péquin

Ecriture du mouvement et vidéo autour de Steve Reich

“Notes” propose la rencontre de la chorégraphe Karine Saporta et d’un quatuor à cordes composé de
solistes d’Ars Nova ensemble instrumental et de la vidéaste Angie Eng. “Violin Phase”, partition
harmonieuse, remarquablement dépourvue de toute tension dramatique ou dialectique : le choix visuel
consiste en une subtile manipulation des codes du concert et de l’opéra. Fleurs, robe noire et velours
rouge…
L’écriture du mouvement agit comme un élixir accompagnant la douce et progressive ivresse induite
par la partition.
“Different trains”, partition âpre, chaotique et désespérée, induit un travail gestuel plus brut, parfois
proche des états quotidiens…parfois obsessionnel et compulsif.
Dans les deux cas, l’écriture de Steve Reich se fonde sur un système répétitif que la chorégraphe Karine
Saporta s’est attachée à rendre sensible de la manière la plus dépouillée et rigoureuse possible.
Depuis presque vingt ans, l’œuvre de Karine Saporta est l’une des plus impressionnantes dans l’histoire
récente de la création chorégraphique contemporaine occidentale.

Steve Reich, composition

Violin Phase, pour violon et bande magnétique (1967)
Different Trains, pour quatuor à cordes et bande magnétique (1988)

ARS NOVA ENSEMBLE INSTRUMENTAL

Catherine Jacquet & Benedicte Trotereau violons
Alain Tresallet alto / Isabelle Veyrier violoncelle

COMPAGNIE KARINE SAPORTA

Karine Saporta chorégraphie / 3 danseurs de la Cie Karine Saporta

Angie Eng vidéaste

+ d’infos : présentations de l’ensemble et biographies => p. 28
Coproduction Cie Karine Saporta, Ars Nova ensemble instrumental. Avec le soutien de La Muse en Circuit, Centre national de création
musicale.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
POLE CUL TUR EL PARVIS DES ARTS / 94140 ALFORTVILLE
RER D > MAISONS ALFORT / ALFORTVILLE OU M ETRO ECOLE VETERINAIRE DE MAISONS ALFORT PUIS BUS 103/217 MAIRIE
RESERVA TIONS 01 58 73 29 18 TARIFS 14 < 16€

8
Concert-performance 7 mai à 20h30 > Création
Le Kremlin-Bicêtre > ECAM
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

THIERRY BALASSE
CIE INOUÏE
Zoom
John Cag e au creux de
l’oreille

© Elodie Mandray

« J'éc ri s po ur en ten dre la m u si que q ue je n'a i pa s enc ore en te nd ue » J. Cage

Compositeur plein d'humour, grand innovateur, John Cage porte une attention particulière aux sons qui
nous entourent… Grâce à différents systèmes d’amplifications (écouteurs et enceintes), cette soirée
proposera une plongée au cœur de sons inouïs : celui du piano préparé (vis, boulons, gommes qui
viennent transformer l'instrument en orchestre de percussions), de la beauté du son de l’eau
simplement piégée dans des coquillages, ou l’incroyable sonorité du cactus caressé par une plume...
Chant, piano, percussions et voix parlée pour remonter aux sources d'une musique fascinante, inventive
et ludique.

“Je chois is les sons à l’aide d’o pérations du hasard . Je n’ai jama is écouté aucun son sans l’a imer : le seul
problème avec les sons, c’est la musique …
Lequel est le plus musical d’un camion qui passe devant une usine et d’un camion qui passe devant une école de musique ?
Les gens sont-ils musiciens à l’intérieur de l’école, non-musiciens au-dehors ? Et si ceux qui sont à l’intérieur n’entendent pas
très bien, est-ce que ça change ma question ?
Savez-vous ce que je veux dire quand je dis à l’intérieur de l’école ?
Les gens ne sont-ils que des sons ou sont-ils Bethoven ?
Les gens ne sont pas des sons n’est-ce pas ?“ J. Cage, Je n’ai jamais écouté aucun son sans l’aimer : le seul problème avec les
sons, c’est la musique, ed. La Main courante, Paris, 1998

ENSEMBLE SILENCE

Céci le M ai s onh au te, piano / V alé rie Phi li p pi n, chant / Eric Gr olea u, percussions
Thi err y Ba la sse, électroacoustique / Da vi d Ji ss e, voix

+ d’infos : présentations de la compagnie et biographies => p. 28 - 29

Production Cie Inouïe. Avec le soutien de La Muse en Circuit, Centre national de création musicale. Réalisation Espace Culturel André Malraux.
Avec l’aide à la diffusion du Conseil général du Val-de-Marne

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
ESPA CE CUL TUR EL ANDRE MALR AUX 2 PLACE VICTOR HUGO M ETRO LE KREMLIN-BICETRE OU BUS 41/131/185
RESERVA TIONS 01 49 60 69 42 TARIFS 5 < 20€

9
Ciné-concert 10 mai à 20h30 > Création
Vincennes > Auditorium Jean-Pierre Miquel
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

SYLVAIN KASSAP
ENSEMBLE LABORINTUS
La Jeune Fille au carton à
chapeau
(réal. Boris Barnet, URSS, 1927)

Extrait de La Jeune Fille au carton à chapeau – Boris Barnet, 1927

Ciné m a bu rles qu e, i m pr ovi sa tion s et cré a ti on m us ic a le

Ce ciné-concert est l’occasion pour l’ensemble instrumental Laborintus de confronter l’inventivité de la
création musicale contemporaine à la douce folie d’une comédie tournée en 1927.
Natacha fabrique des chapeaux à domicile qu’elle livre chaque jour à Moscou. Dans le train, elle fait la
connaissance de Ilja, un jeune homme maladroit arrivé de province avec ses paquets de livres, qui bien
vite se retrouve sans domicile et se perd dans les rues bruyantes de la ville. La jeune femme décide de
l’aider, s’engage une suite de péripéties rocambolesques sur fond de réminiscences du cinéma
burlesque alors que la Russie subit de plein fouet la crise du logement.
« La Jeune Fille au Carton à Chapeau, premier chef-d’œuvre de Boris Barnet, pétillante histoire de billet
de loterie et d’amour, enchaînement de situations désopilantes, charge aussi contre les nouveaux
riches de la Nouvelle Economie politique. » Edouard Waintrop – Libération – 23 juillet 1995.
Sur scène, en tête-à-tête avec l’écran, l’ensemble Laborintus mêle l’improvisation à la chaleur
instrumentale de son jeu, et forme la partition de ce ciné-concert inattendu.

Dans leur petite maison, non loin de Moscou, Natasza et son grand-père mènent une existence paisible et heureuse. La bonne
humeur et la joie de vivre de Natasza sont pour beaucoup dans cette tranquillité, mais le grand-père redoute cet instant où un
beau jeune homme lui enlèvera sa charmante petite-fille.
Elle fabrique des chapeaux à domicile qu'elle vend, à Moscou, à une modiste, Mme Irène. Sur le chemin menant à la gare, elle
est à la fois indifférente et amusée aux avances du contrôleur de billets qui est fou d'elle. Dans le train qui la conduit vers la
capitale, Natasza fait la connaissance d'Ilia Snegiryov, un jeune ouvrier, un peu rustre, venu de sa province. Dans la grande
ville, leurs routes se séparent... pour se rejoindre bien vite; dans les rues bruyantes de Moscou, Ilia erre sans succès à la
recherche d'une chambre. Devant son désarroi, Natasa se prend de pitié pour lui et décide de l'aider.

Sylvain K a ss a p, composition

ENSEMBLE LABORINTUS
Hé lène Br es ch an d, harpes / S ylvai n K a ss a p, clarinettes / Fra nc k M as qu elier, flûtes
Ana ï s Mor ea u, violoncelle / Phi lip pe Cor nu s, percussions

+ d’infos : présentations de l’ensemble et biographies => p. 30

Production La Muse en Circuit, Centre national de création musicale.. Coproduction ensemble Laborintus et la Ville de Vincennes en
partenariat avec Les Toiles du Mardi.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
AUDITORIU M J EAN- PIERR E MI QU EL 98, RUE DE FONTENAY 94300 VINCENNES
ME TRO CHATEAU DE VINCENNES RER A VINCENNES
RESERVA TIONS 01 43 98 68 87 TARIFS 10 < 15€

10
Ciné-concert 11 mai à 20h30
Cachan > Théâtre Jacques Carat
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

JUDITH DEPAULE
LAURENT DAILLEAU
NADIA RATSIMANDRESY
Le Voyag e Cosmique
(réal. Vassili Jouravlev)
Extrait du Voyage Cosmique – Vassili Jouravlev, 1935

Sp ace- op ér a so vié tiq ue & mu si q ue é lec tr o ni que

Premier space-opéra soviétique, Le Voyage cosmique relate les aventures de Sedykh, académicien à
l’Institut des transports interplanétaires qui s’apprête à voler sur la lune dans un grand vaisseau spatial.
« La musique que j’ai composée est un hommage à la partition conçue par Louis et Bebe Barron en
1956 pour le film Forbidden Planet. Il s’agissait de la première musique entièrement électronique
composée pour un film grand public. La musique respecte scrupuleusement le montage et le tempo du
film. Réalisée avec un synthétiseur analogique Serge, elle est jouée en direct avec un ordinateur, un
Theremin et des Ondes Martenot. Par ailleurs, les dialogues et autres didascalies en russe seront dits en
direct. La voix fera aussi l’objet de traitements électroniques et de caractérisations. » L. Dailleau

Malgré son succès en janvier 1936, Le Voyage Cosmique qui avait bénéficié de moyens colossaux et qui avait été conseillé
par le visionnaire astronome Konstantin Tsiolkovski fût reléguéaux archives pendant près de 50 ans pour son manque de
contenu propagandiste. Il est apprécié aujourd'hui comme un des plus remarquables films de science-fiction.
Été 1946 à Moscou : l'Institut des voyages interplanétaires se prépare à envoyer un vaisseau spatial géant sur la Lune.
Inquiété par l'échec des essais précédents le directeur de l'Institut décide d'annuler la mission. Le scientifique Sedykh,
créateur du vaisseau, accompagné d'une assistante et d'un jeune homme passager clandestin s'envole malgré l'interdiction.

Laur en t Dai llea u, musique

ordinateur, theremin, traitements de la voix

Na di a Ra tsi m an dr es y, ondes Martenot

Ju di th Dep au le
texte russe interprété en direct, sous-titrage français

+ d’infos : biographies => p. 30

Coproduction Mabel Octobre, La Muse en Circuit, Centre national de création musicale

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
THE ATR E JA CQ UES CARAT 21, AVENUE LOUIS GEORGEON 94230 CACHAN
RER B ARCUEIL / CACHAN OU BUS 187 – 162 – 184 MAIRIE R ESERVA TIONS 01 45 47 72 41 TARIFS 6 < 12€

11
 Ciné-concert 13 mai à 20h30 > Création
Gentilly > Le Générateur
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

KURT D'HAESELEER
SEBASTIEN ROUX
Fiction

© Kurt d'Haeseleer

Ex pér i men ta ti on vid éo e t mu si que é lec tr o ni que

Kurt D'Haeseleer (artiste vidéo) et Sébastien Roux (compositeur) se sont rencontrés en 2004 en
collaborant à l'opéra de Georges Aperghis, Avis de Tempête. Avec Fiction le duo intègre une trame
narrative et sensuelle à une esthétique résolument expérimentale et électronique.
Kurt D'Haeseleer propose, à travers une succession de flashes distordus et de longs travellings, un
film cauchemardesque aux confins de l'art visuel (la peinture) et de la fiction.
La partie sonore du projet se définit par rapport au film et "adhère" plus ou moins avec les images.
Ainsi la bande son propose des moments de bruitage, de design sonore tels que l'on peut les
entendre chez Jacques Tati en illustrant concrètement les séquences visuelles. A d'autres moments,
la musique souligne et amplifie la dramaturgie à l'image. Enfin, elle "se décolle" de la vidéo pour
devenir une entité propre, parallèle.
Ces différentes approches du rapport image/son font référence au film lui-même qui oscille entre
essai abstrait et rêve éveillé...

Kur t d' H ae se leer, vidéo

Séb a stie n R ou x, électroacoustique

+ d’infos : biographies => p. 30 - 31

Coproduction La Muse en Circuit, Centre national de création musicale. Réalisation Le Générateur.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
LE G ENERA TE UR 16 RUE CHARLES FREROT 94250 GENTILLY
RER B ARCUEIL / CACHAN OU BUS 187 – 162 – 184 MAIRIE R ESERVA TIONS 01 49 86 99 14 TARIFS 8 < 10€

12
Spectacle chorégraphique et musical 14 mai à 20h30 > Création
Créteil > Maison des Arts
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

KASPER T. TOEPLITZ
MYRIAM GOURFINK
DEBORAH LARY
TRIO JOURNAL INTIME
Inoculat e ?

Kasper T. Toeplitz © Rémy Muller

Tr io in s tru me n ta l, li ve- ele c tro nic s & d an s e

Une histoire d'instabilité et de passages, entre son et silences, entre danse et instruments ou encore
fantômes digitaux, rémanences de ce qui n'a pas eu lieu - et l'électronique "live" qui sculpte cette
matière. Instruments démultipliés à l'excès ou au contraire réduits au souffle le plus ténu, distordus et
parasités par la grouillante immobilité de la danseuse, corps à entendre autant que la musique se
donne à voir. Une lenteur toujours en déséquilibre aux brusques accélérations, un statisme rempli
d'électricité.

“La musique d' Inoculate? joue sur les renversements, tant dans la forme que dans les éléments du projet, interaction entre les
trois musiciens et l'électronique live, entre danse et musique, masses sonores et quasi-silences, l'ordre et le bruit.
Les instrumentistes du trio manipulent eux-mêmes les sons qu'ils jouent, avec un dispositif essentiellement analogique
(pédales d'effets), et le résultat est encore transformé par l'ordinateur, changeant le timbre, les hauteurs ou créant des
nouvelles interférences entre les instruments (par re-synthèse en temps réel), provoquant une autre réalité d'écoute.
En plus des processus précisément calculés par l'ordinateur, l'utilisation de contrôles plus chaotiques, instables (des manettes
Wii ou des iPhones fixés sur les interprètes et sur la danseuse), produisant ce que l'on pourrait appeller du « data-noise »,
permet de "pervertir" l'action potentiellement trop "parfaite" de l'ordinateur (où chaque réglage précis peut-être ramené à
l'identique à tout moment), par une imprécision humaine. Ordinateur également joué par le compositeur, "musicien-
électronique", qui s'ajoute au trio de base, apportant d'autres sons, synthétisés dans le moment du jeu en réponse aux souffles
des trois instruments.
La danse est partie intégrante de la partition musicale, ne serait-ce que par son placement : la danseuse est parmi les
musiciens, occupant à peu près la même superficie au sol que chacun des musiciens, et sa gestuelle est essentiellement
pensée dans une notion de verticalité. La fonction de la danse est également en rapport intime avec le sonore - ses
mouvements sont captés, dans leur globalité, et servent à influer sur le son produit par les quatre musiciens. Une fonction de
bruit, au sens de traitement d'informations, de parasitage“. Kasper T. Toeplitz

Ka sp er T. Toep litz
conception, composition et programmation informatique, live-électronics
M yr ia m Go urfi nk , chorégraphie
De bo rah La r y, danseuse
T RIO "J O URNAL I NTI M E "
Sylvain B ar di au, trompette & traitements électroniques
M athi as Ma hle r, trombone & traitements électroniques
Fré dér ic G as tar d, saxophone (basse et soprano) & traitements électroniques

+ d’infos : biographies => p. 31

Production Sleaze Art. Coproduction La Muse en Circuit Centre national de création musicale. Réalisation Maison des Arts de Créteil

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
MAISON DES ARTS PLACE SALVADOR ALLENDE 94000 CRETEIL ME TRO CRETEIL PREFECTURE
RESERVA TIONS 01 45 13 19 19 TARIFS 8 < 20€

13
Concert – live radiophonique 15 mai à 15h & à 16h > Création
Paris > Gaité Lyrique
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
=> AMBIENT SUNDAY

DAVID JISSE
VALERIE PHILIPPIN
WILFRIED WENDLING
Gate & Lyr ic(s)

La Gaité lyrique

me ur t des vi lles / L’ ar t h u meur des vi lles /La r u meur des vi lles /L a rue meu …

« L a ru meu r de s vi lle s, c’est la sueur sonore monde.

La percevoir est une chose, la subir en est une autre ; la haïr reste toujours possible !
Les portes, même déguisées en fenêtres, dressent un écran fragile mais en vain.
Alors !
L’apprivoiser peut-être, comme on dompte un cheval rétif, à l’aide de filets sonores et de longes
acoustiques.
La laisser entrer pour s’en saisir et en faire cette pâte de son, soudain devenue souple, plastique et
malléable, électrique et sauvage.
Chanter avec elle dans le souffle comme le cri.
Et dire aussi les mots de ceux qui la désirent, la vomissent ou la peignent.
Mais la rumeur des villes, nous le savons hélas, après ce voyage du dehors au dedans intime de l’écoute,
retournera à ses démons des origines.
Souhaiter alors que nous ne l’écoutions plus jamais comme avant ? » D. J is se

Da vi d Ji ss e, récit & extraits de Hörspiele

Va lér ie Ph ili pp in, voix
Wi lfr ie d Wen d li ng, électronique

Tec hni q ue de ca p tatio n e t diff u sio n, La Muse en Circuit, Centre national de création musicale

+ d’infos : biographies => p. 32

Production La Muse en Circuit, Centre national de création musicale. Coproduction La Gaité Lyrique.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
GAIT E LYRIQ UE 3 BIS RUE PAPIN 75003 PARIS
ME TRO REAUMUR SEBASTOPOL / ARTS ET METIERS

14
Concert – musique mixte et vidéo 20 mai à 20h30 > Création
Villejuif > Théâtre Romain Rolland
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

JAVIER TORRES MALDONADO

ENSEMBLE 2E2M
Un po sibl e día

L’Ensemble 2e2m © Elie Kongs

Thé â tre i m agi na ire en m us i que

Une voix… des voix d’une métropole, vortex, sons qui nous entourent et qui nous enroulent
vertigineusement, images d’une journée dans une vie, d’un jour comme les autres, plein d’inexorables
répétitions. Une solitude au milieu d’agglomérations massives, une femme en suspension dans
l’atmosphère d’un théâtre imaginaire qui est dilué dans la musique…
Pour l’Année du Mexique en France le compositeur Javier Torres Maldonado et l’Ensemble 2e2m
imaginent un « radio drama », concert autour du poète José Manuel Recillas et de la dramaturge Ana
Candida de Carvalho.

(1) Inter mi te nci a s (Création française)

Pour accordéon solo, flûte, clarinette, violon, alto, violoncelle
L’accordéon, instrument populaire et chaleureux rencontre l’ensemble instrumental avec qui il noue un
dialogue fertile.
(2) U n po si b le dí a – Une journée possible (40’ – Création 2011)
Pour voix, récitant, flûte, clarinette, accordéon, piano, percussion, 2 violons, alto, violoncelle,
contrebasse, vidéo et électroacoustique 5.1

" C'était l'heure exacte. L'animal étrangle sa proie. Une gigantesque pieuvre blanche aux yeux aussi profonds que l'abîme.
Au-dessus d'elle, le tourbillon. Balayant tout sur son passage, faisant valser dans sa traîne des fragments du monde. C'était
l'heure. C'était l'heure, pensa-t-elle. Elle ouvrit les yeux." A. C andid a de Carvalho C arneiro
Ja vier Torre s M a ld on ad o, musique
Ana C an di d a de Car va lho C arne iro & J os é M anu el Re ci lla s, textes
M aga li L ara , vidéo

ENSEMBLE 2E2M
Pi erre R ou llier, direction / Maj a Pa vlo vsk a, soprano / M élan ie Brég an t, accordéon
Da vi d Ji ss e, récitant

La Muse en Circuit
Réalisation informatique musicale et diffusion sonore

+ d’infos : extraits de textes, présentations de l’ensemble et biographies => p. 32 - 33

Production déléguée Ensemble 2e2m. Coproduction La Muse en Circuit, Centre national de création musicale.
Coréalisation Théâtre Romain Rolland de Villejuif. Manifestation organisée dans le cadre de l’Année du Mexique en France.
=> Concert enregistré par France Musique et diffusé dans les Lundis de la Contemporaine – Arnaud Merlin

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
THE ATR E ROMAIN ROL LAND 18 RUE EUGENE VARLIN 94800 VILLEJUIF
ME TRO VILLEJUIF – PAUL VAILLANT COUTURIER RES ERVA T IONS 01 49 58 17 00 TARIFS 11 < 18€

15
Exposition - Concert 22 mai à 11h> Création
Cachan > L’orangerie
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

JACQUES MONORY
LUC FERRARI
HELENE BRESCHAND
A la recherche du rythme
perdu

Extension s’associe à l’exposition consacrée par la ville de Cachan au peintre Jacques Monory où cet
artiste vit et travaille depuis un grand nombre d’années. Ami de longue date du regretté Luc Ferrari,
fondateur de la Muse en Circuit, ce peintre compte parmi les pionniers de la figuration narrative et
suggère, à travers ses tableaux baignant souvent dans un monochrome bleu, des atmosphères lourdes
et menaçantes.
Pour cette occasion, Hélène Breschand créera à la harpe « A la recherche du rythme perdu » pièce
initialement composée pour piano, percussions et bande magnétique.
Ce programme sera l’occasion en plus de la création, l’occasion de juxtaposer les œuvres de deux
grands artistes qui tout en travaillant sur des supports différents explorent chacun à leur manière
quelque chose de la sensuelle et cruelle réalité du monde.

A la reche rche du r yth me per du , création pour harpe et bande magnétique, Luc Ferrari

Gou tte d’ or blue s , création pour harpe et bande magnétique, Bernard Cavanna
Minotaure, pour harpe, Hélène Breschand (2008)

Hé lène Br es ch an d, harpe

biographies => p. 33

Coproduction Ville de Cachan, La Muse en Circuit, Centre national de création musicale.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
L’ORANG ERIE
15 RUE GALLIENI
RER ARCUEIL / CACHAN
ENTRE E LI BRE SUR RES ERVA TION : 01 49 69 17 90 (SERVICE CULTUREL)

16
 Concert – performance 24 mai à 20h > Création
Paris > Maison de la Poésie
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
EN ASSOCIATION AVEC LE FESTIVAL DE POESIE SONORE DE LA MAISON DE LA POESIE
EN ASSOCIATION AVEC LA BIENNALE INTERNATIONALE DES POETES EN VAL-DE-MARNE

DINAHBIRD & CAROLINE BOUISSOU

FLOY KROUCHI, SARAH BOOTHROYD
Composer le réel
Concours International d’Art
Radiophonique Luc Ferrari (1)
LUIS NAON, GWENAËLLE STUBBE
Méandres / Choses
bêlantes dans le grand large (2)
© Romain Bonissol

Hör s pie l (Ci né m a po ur l’o rei lle) et p erfor m anc e poé tiq ue
Cette soirée composée comme un diptyque se propose d’explorer l’art radiophonique et la performance
poétique musicalisée.
1) Tout d’abord, les trois œuvres des lauréates du Concours international d’art radiophonique Luc Ferrari
dont la 9e édition suggère le thème Composer le réel :
• DinahBird (UK) s’est associée à la performance de Caroline Bouissou (Fr) à partir de laquelle un
groupe de promeneur s’égare la nuit dans la montagne avec pour seul repère les flashs
hasardeux d’appareils photos jetables. Plus que le témoignage d’une performance,
« Topographies nocturnes » tend à privilégier l’auditeur dans son expérience d’écoute, et
l’amène à se perdre dans l’épaisseur de la nuit, sentir, imaginer, se retrouver.
• Floy Krouchi (Fr) travaille autour de sons capturés sur le théâtre des opérations au Moyen Orient
en mêlant textes, témoignages et documents d’archives.
• Sarah Boothroyd (Ca), s’inspire du roman d’ H. G. Wells « La Machine à explorer le temps », et
invite l’auditeur à s’égarer dans un voyage qui oscille entre science et science-fiction.
2) Le compositeur Luis Naón propose une création, Méandres, autour du texte que la poétesse et
performeuse Gwenaëlle Stubbe a conçu pour cette occasion, Choses bêlantes dans le grand large.
Cette proposition imaginée avec la Biennale Internationale des Poètes du Val-de-Marne sera l’occasion
de convier sur le plateau flûtes, texte et électronique autour du Mythe et du Voyage.
La durée et la forme de l'œuvre musicale se plient et se tissent autour du texte, dont la langue
apparemment simple ne cesse d’étonner. Des courtes séquences pour la flûte piccolo, incisives et
brillantes, laissent la place à des plages étendues dans lesquelles la flûte basse se prélasse…

Di n ahB ird & C ar oline B oui s so u,Topographies Nocturnes

Sar ah Bo o thro yd, All in Time
Flo y K rou chi, Couvre-feux

Lui s N aó n, Méandres / G wen aë lle S tub be, Choses bêlantes dans le grand large - Création
pour flûtes, texte et électronique
M atte o C es ar i (Ensemble Diagonal) : flûtes

+ d’infos : extraits du texte de Gwenaëlle Stubbe, biographies => p. 34 - 35

Production La Muse en Circuit, Centre national de création musicale. Projet soutenu par la SACEM et en partenariat avec Archipel, France
Culture, Radio Suisse Romande – Espace 2, DeutschlandradioKultur, Rtbf Musiq 3. Commande musicale (Luis Naon), La Muse en Circuit, Centre
nationale de création musicale avec le soutien de l’Etat. Commande (Gwenaëlle Stubbe) Biennale Internationale des Poètes en Val-de-Marne
dans le cadre d'une résidence Ile-de-France. Réalisation Maison de la Poésie à Paris.
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
MAISON DE LA POESI E PASSAGE MOLIERE – 157 RUE SAINT-MARTIN 75003 PARIS
ME TRO LES HALLES / CHATELET / RAMBUTEAU RESER VAT IONS 01 44 54 53 00
TARIFS10€

17
 Installations 31 mai > Création
Paris > EnsAD
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Acouphènes
Le Festival Extension vu par les élèves de l’Ecole des
Arts Déco

Le festiva l Ex tens ion re c r é é par les é lèves de 1 è r e année…

Pour clôturer cette 11e édition, Extension et l’Ecole nationale supérieure des Arts Décoratifs proposent
une création atypique réalisée avec les élèves de 1ère année.
Comment, à travers leurs propres médias (cinéma d’animation, design, arts graphiques…), restituer un
festival pluridisciplinaire de création musicale ?
Une dizaine d’installations plastiques, visuelles et sonores offriront donc des regards croisés sur cette
programmation mettant à l’honneur la relation Musique / Image.

À propos de l’ É c o le nationa le supé rie u r e des Arts Dé c o r atifs

Créée en 1766, l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs est un établissement public
d’enseignement supérieur relevant du ministère de la Culture et de la Communication. Lieu de
foisonnement intellectuel, créatif et artistique ses maîtres-mots sont : pluridisciplinarité, partenariat,
innovation.
À l’instar des grandes écoles anglo-saxonnes, l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs accueille
plus de 700 élèves, français et étrangers, et propose dix secteurs de formation : Architecture intérieure,
Art Espace, Cinéma d’animation, Design graphique/multimédia, Design objet, Design textile et matière,
Design vêtement, Image imprimée, Photo / vidéo, Scénographie.
Le cursus se déroule sur cinq années avec une spécialisation dans l’un des dix secteurs offerts et
débouche sur un diplôme habilité au grade de master (Bac+5).
Par ailleurs, le laboratoire de recherche de l’École, EnsadLab, offre une dizaine de programmes de
recherche couvrant les champs du design et de l’art. Il accueille une cinquantaine d’étudiants
chercheurs (titulaires d’un master ou d’un haut niveau professionnel).

Réalisation, Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, La Muse en Circuit, Centre national de création musicale.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
ECOL E NATION ALE D ES ARTS DE CORATIFS31 RUE D’ULM 75005 PARIS
ME TRO CENSIER DAUBENTON / PLACE MONGE
ENTREE LIBRE SUR RESERVATION

18
 Actions de senbilisations
ateliers, parcours d ‘écoutes, rencontres-débats…
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

TOUT PUBLIC

CONFERENCE-PRESENTATION
Monographie – T. Blondeau
Conservatoire d’Ivry-sur-Seine >> 28 bis rue Saint Just 94200 Ivry-sur-Seine > 21 avril à 14h
=> 01 43 78 80 80

En amont du concert monographique, le compositeur proposera un temps de rencontre pour

présenter les contours de son approche musicale en abordant aussi bien l’écriture strictement
instrumentale que le rapport induit dans la musique mixte entre les outils technologiques et
l‘écriture.
RENCONTRE-DEBAT
Oui ! La musique contemporaine est écoutable !
Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur la création musicale contemporaine sans jamais oser le demander

A l’occasion du 11e festival de création musicale Extension, trois conférences, trois lieux (théâtre de
Cachan du Kremlin-Bicêtre et de Villejuif), trois approches. Une proposition de David Jisse, directeur
de La Muse en Circuit, Centre national de création musicale, producteur à France Musique.

Est-ce vraiment de la musique ?

L’Orangerie >> 15 rue Galliéni 94230 Cachan > 3 mai 2011 à 20h
=> 01 45 47 72 41

S’agit-il vraiment d’instruments ?

Espace Culturel André Malraux >> 2 Place Victor Hugo 94270 > 4 mai à 19h30
=> 01 49 60 69 42

Est-ce vraiment nouveau?

Théâtre Romain Rolland >> 18 rue Eugène Varlin 94800 Villejuif > 20 mai à 19h
=> 01 49 58 17 00

Avec ces trois questions, nous voulons rendre le plus facile possible l’accès à la découverte des
langages musicaux depuis le début du XXe siècle. Le principe de ces rencontres /conférence est de
donner des clefs et de répondre à toutes les questions même les plus simples.
Illustrés d’exemples, ces moments provoquent plus l’intuition de l’écoute que la science du langage
musical même si celui-ci est abordé.
Un dialogue doit naître autour de ces panoramas forcément non exhaustifs mais grands ouverts sur
la richesse des sonorités d’aujourd’hui.

RENCONTRE-DEBAT >> E COUTES EN PRESENCE DE L’INTERPRETE

Autour de La Jeune fille au Carton à chapeau (Ciné-concert d’après l’œuvre de B. Barnet – 1927)
Médiathèque Hélène Berr - 75012 > 4 mai 2011
=> 01 43 45 87 12

Pour son Ciné-concert présenté le 10 mai 2011 à l’Auditorium Jean-Pierre Miquel (Vincennes), Sylvain
Kassap développe avec l’une écriture où la création musicale contemporaine oscille entre
électroacoustique et improvisations.
C’est l’occasion pour le compositeur et interprète de proposer une présentation de son travail en
abordant démarche compositionnelle et jeu instrumental.
A partir d’extraits du films, Sylvain Kassap évoque la question de l’écriture dans son rapport à
l’image. Le compositeur cède le pas au clarinettiste alors que s’alternent écoutes et échanges avec
le public.

19
 ATELIER – RESTITUTION
Autour du Voyage cosmique
Théâtre de Cachan 21, avenue Louis Georgeon 94230 Cachan > restitutions le 11 mai à partir de
19h30 => 01 45 47 72 41

L’opération pédagogique autour de la création musicale Les 24h du son aura lieu à l’occasion du festival
autour du Voyage cosmique. Les élèves de 6e du Collège Victor Hugo de Cachan travailleront sur les images
du film pour imaginer et composer les bandes sons des séquences proposées.
Ces travaux donneront lieu à des restitutions précédant la représentation, le 11 mai au Théâtre de Cachan.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

SCOLAIRES

ATELIERS-CREATION
Autour de Aelita – Queen of Mars >> La Jeune fille au Carton à Chapeau >> Voyage Cosmique
À l’occasion de la thématique Musique & Cinéma développée pour cette 11e édition, des ateliers de
création de musiques de film seront menés avec les classes de première option musique du Lycée
Guillaume Apollinaire à Thiais.

ATELIERS-CREATION
Autour du Voyage Cosmique
La représentation du ciné-concert au théâtre de Cachan sera l’occasion de proposer une captation
réalisée par les élèves de 1ère option audiovisuel du lycée technique Gustave Eiffel de Cachan.
Des rencontres seront organisées auparavant à La Muse en Circuit pour leur présenter le
fonctionnement d’un studio et les processus de création de la musique électronique, de l’outil
analogique jusqu’aux applications numériques modernes.

ATELIERS-CREATION
Autour de Un Posible Día
Les 24h du son, opération pédagogique menée autour de la création musicale, de l’environnement
sonore et des métiers du son, accueillera un atelier-découverte autour du rapport musique, texte
et voix. Ce travail mené auprès d’une classe de 3e du Collège Jean Vilar à Grigny, proposera une
première approche d’Un Posible Día.

20
Informations complémentaires
Biographies / présentations ensembles…
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Monographies
Thierry Blondeau – Compositeur
Né à Vincennes en 1961, Thierry Blondeau étudie la musique et la littérature à Paris et Berlin (1er prix de composition au
Conservatoire national supérieur de musique et à Hochschule der Künste). Il est pensionnaire à la Villa Médicis à Rome de 1994 à
1996 et lauréat de la Villa Médicis Hors les Murs en 1998 à Bâle.
Compositeur en résidence à l'E.N.M.D. de Brest de 1998 à 2000 puis à "l'Akademie Schloss Solitude" en 2000.
Il est également compositeur en résidence à Annecy de 2000 à 2002 où il participe à la mise en place d'un nouveau lieu de recherche
et de diffusion en Haute-Savoie, le M.I.A. (Musiques Inventives d’Annecy). En 2002 et 2003, il est compositeur invité à Berlin par le
D.A.A.D. (Office Allemand d'Échanges Académiques). Il fonde Biotop(e) en 2004 avec Jean-Luc Hervé et Oliver Schneller,
Depuis 2003, il enseigne à l'Université Marc Bloch de Strasbourg (composition acoustique et électroacoustique).
En 2006, il est invité par le Land de Basse-Saxe au Künstlerhof Schreyahn.
Sa musique peut se caractériser par une construction audible de données acoustiques, spatiales et instrumentales. L’écoute du son
vivant l'a amené à élargir le territoire de l’instrument qu’il fait entendre à l'espace dans lequel il sonne.
Thierry Blondeau crée également des pièces à destination des musiciens de tous niveaux, afin de rendre les créations musicalement
exigeantes accessibles dès l’apprentissage.
Son œuvre Pêle-mêle jouit d’un retentissement croissant parmi les jeunes générations de compositeurs.
Présentation des pièces
• “Reb onds, pour contrebasses et violoncelles est une commande de Philippe Arii Blachette et de Jean-Michel Depret,
professeur de contrebasse à l’’école de musique de Brest. La pièce a été réalisée en 1999.Soit 4 cordes de contrebasse. Soit
4 cordes de violoncelle. Chacun est affairé à sa corde. Chacun fait rebondir son archet sur la corde qui lui est affecté, puis
glisse.Les glissandos, selon un principe mis en évidence par John Chowning et Jean-Claude Risset semblent monter à l’infini.
Ils montent, mais ils sont relayés par un glissando partant de plus bas. Par un effet de masque, on créé un sentiment de
glisser vers le haut sans jamais arriver.Petit à petit, les musiciens appuient moins sur la corde en jouant leur glissando. Ceci
a pour effet de moins définir la note jouée, mais de brouiller sa justesse. On passe du glissando de note, à celui
d’harmoniques, puis on termine dans la colophane, vers le bruit.Cette musique n’est guidé par aucun autre système que celui
dicté par l’instrument même. C’est un principe que j’applique volontiers aux pièces pour élèves, flirtant souvent avec la
tradition de la tablature plus que de la partition de note.
• Dans sa version d’installation concert, l’étude a u Dopp ler a été créée a Berlin en 2004 à la Parochialkirche. Elle est une
commande du studio de Berlin dirigé par Volkmar Heyn et du DAAD.2 hauts parleurs jouent un son de cloche étiré sur 10
minutes. La cloche a été enregistrée lors d’une visite à la fonderie Paccard d’Annecy avec mon complice Philippe Moenne-
Loccoz. La version avec instruments a été créée à Strasbourg par Jean-François Charles et Jean Daniel Hégé au Musée d’Art
Moderne et Contemporain de Strasbourg.
La note est une obsession de la tradition européenne. Pourtant elle n’est que la partie émergée et fragile du son.
Le Titanic arrive. L’extension de son domaine s’entend quand la voix de l’ambulance passe sur les voies en face. La voix
monte quand la voie se rapproche, et inversement. C’est l’effet Doppler. Ici, les hauts parleurs sont pris en main par les
musiciens, et diffusés de telle sorte que le son de la cloche monte et descend comme si elle était pendue à son clocher.
Une cloche laïque quoi.
• Le quat uor n’a pas e nc ore d e titre. Au départ, je voulais écrire un quatuor à cordes qui ait un rapport avec ce qui se
passait dehors. Puis, je ne voulais pas renoncer à la confrontation avec « dehors ». Parce que la question posée par Cage est
primordiale. Quel est le rapport entre la vie et la musique ? Je ne sais pas.
Alors je confronte.
Je confronte les bruits de la place, surtout des voitures, et peu des humains, c’est ainsi.
Et quoi d’autre ?
Un quatuor en mouvements cycliques. Les mouvements ne sont pas joués une fois pour toutes, mais entendus
sous plusieurs formes.
Le cycle « VV » :
Normalement, on alterne les mouvements d’allers-retours de l’archet pour produire du son sur un instrument du quatuor. Que
se passe-t-il si l’on reporte le mouvement de retour le plus loin possible et que l’on joue aller aller aller etc...? Attend-on le
retour ? C’est l’objet, le projet du cycle intitulé « VV ».
Le signe en forme de « V » symbolise pour les musiciens jouant d’un archet le mouvement montant de l’archet.
Le cycle est présenté 3 fois. On entend la fin (1), le milieu et la fin (2), puis le tout, sauf la fin qui est mimée.
À vous de reconstituer le morceau.
TrGliss est un brouillage permanent de la note par le trille et le glisssando. Voilà.
Vitement est un tissu rythmique ou à chaque cellule manque une valeur, que la pulsation complète, un peu comme la fin de
« VV ».
Nocturne, c’est de l’écriture automatique de figures réécrites plus précisément par la suite pour le quatuor. Pas de système,
que des morphologies qui poussent comme une végétation réinventée. Oui, n’est pas une demande en mariage. C’est un mot
qui fait moduler la voix de deux voyelles sombres vers une voyelle ouverte.
Selon le principe du chant diphonique des tibétains, si cher à Karlheinz Stockhausen, les musiciens du quatuor modulent leur
son avec la voix en prononçant ces voyelles. Parmi les multiples essais durant la résidence, Juliette Sondermeijer
et moi avons testé les interférences entre la voix et le son du violoncelle dans nos séances d’enregistrement à la « Muse ».
Voilà le travail....

21
 • Le qui ntett e à ve nt, n’est pas encore fini à l’heure où je rends ce texte.
Qu’en dire, sinon, qu’après un quatuor, cela fait du bien d’écrire pour les vents !
La figure de départ basée sur les sons graves des instruments du quintette résonne vers l’aigu et trouve une désinence dans
un son strié de flûte, dit de flatterzunge, c’est-à-dire qui prononce « ffrrrrr ». Le « frrrr » est la porte ouverte aux sons
itératifs et aux sons répétés comme dans une chambre d’écho.
Pour l’instant (3 février), on en est là !“ T. Bl ondea u

Quatuor Parisii
Le Quatuor Parisii a été créé en 1981 par quatre étudiants du Conservatoire National Supérieur de Paris, tous 1er prix d’instrument et
de musique de chambre.
L’étroite complicité entre les quatre instrumentistes leur a permis d’aborder et de constituer un vaste répertoire avec un style et une
sonorité qui leur est propre. Leur curiosité, leur enthousiasme les a menés de Boccherini à la Musique de Notre Temps, avec
notamment les intégrales de Beethoven, Brahms ou Webern, ainsi qu’à la création de nombreuses pièces contemporaines, tant en
France qu’à l’étranger, parmi lesquelles on compte des œuvres de Gilbert Amy, Pierre Boulez, Gérard Pesson, Philippe Boivin, Ivan
Fedele, François Paris,Marc Monet, Richard Rodney Bennett... De nombreux enregistrements témoignent du rayonnement et de
l’éclectisme de cet ensemble: Debussy, Ravel, Fauré, Franck, Webern...etc.
L’enregistrement de la musique de chambre de Reynaldo Hahn avec les deux quatuors à cordes et le quintette avec piano en première
mondiale a été unanimement accueilli par la critique.
Leurs récents enregistrements du livre pour quatuor de Pierre Boulez et celui des 18 quatuors à cordes de Darius Milhaud donnent une
preuve de l’audace avec laquelle le quatuor Parisii s’engage pour les compositeurs de notre siècle.

Le concert impromptu
Le concert impromptu est un ensemble à part, le fruit d'un désir exprimé par cinq virtuoses : se consacrer corps et âme à la musique
de chambre. Depuis 1989, ce désir sonne au rythme des répétitions quotidiennes, au rythme d'une centaine de concerts et d'ateliers
par saison, au rythme de l'émotion partagée.
Il mêle l'amour passionné des classiques et l'invention d'un répertoire original et contemporain. Le plus souvent affranchis des
partitions, libres de leurs gestes, les musiciens du concert impromptu font de chacun de leurs concerts et de leurs spectacles une
fête ; touchant leur auditoire par leur souffle vibrant et chaleureux.

Charlotte Testu
Charlotte Testu, née en 1983, commence la musique dès son plus jeune âge en pratiquant le piano et le violoncelle.
Elle poursuit ses études de piano dans la classe d’Hélène Berger à l’Ecole Nationale de Musique d’Issy les Moulineaux où elle obtient un
Diplôme d’Etudes Musicales.
En 2000, découvrant la contrebasse auprès de Jean Christophe Deleforge elle se passionne pour cet instrument et obtient son DEM au
CNR d’Aubervilliers La Courneuve puis entre au CNSMD de Paris dans la classe de Jean Paul Celea. Elle s’initie alors au baroque, au
contemporain, à l’improvisation et au théâtre musical
Elle obtient en 2007 son DFS (1er prix mention très bien) de contrebasse ainsi qu’un 1er prix d’improvisation générative avec les
félicitations du jury.
Elle se perfectionne actuellement au CNSM de Lyon auprès de Bernard Cazauran.
Charlotte Testu s’investit dans le répertoire contemporain tant en solo qu’en musique de chambre : elle a joué au sein de l’Académie
de Lucerne dirigée par Pierre Boulez et a créé de nombreuses pièces de jeunes compositeurs notamment une pièce pour contrebasse
solo et ensemble de flûtes (l’OFF) de Mirtru Esclona Mijares.
Elle obtient le premier prix du Concours international « Bass 2008 » dans la catégorie musique contemporaine, organisé par
l’Association des Bassistes et Contrebassistes de France et avec le soutien de la SPEDIDAM.
Elle est invitée régulièrement en tant que supplémentaire à jouer au sein de l’Ensemble Intercontemporain.
En parallèle, Charlotte Testu joue en orchestre en tant que suppléante au sein de l’Ensemble Orchestral de Paris, de l’Orchestre de
Paris et avec d’autres orchestres sous la direction de chefs prestigieux tels que Peter Etvoës, Kurt Masur, Christoph Eschenbach,
François-Xavier Roth, Sylvain Cambreling….

Les Rencontres Départementales de Musique de Chambre

Initiées en 2003 par le Conservatoire municipal de musique d’Ivry-sur-Seine autour des présences dans cette ville du Quatuor à cordes
Parisii et du quintette à vent le concert impromptu, les Rencontres de musique de chambre se sont progressivement élargies à
l’échelle départementale et constituent actuellement un axe de partenariat majeur entre la Ville d’Ivry-sur-Seine et l’ADIAM 94.
Inscrites dans le projet de résidence artistique de la Ville d’Ivry, les Rencontres départementales de musique de chambre confortent la
volonté des ensembles en résidence d’imaginer une action pédagogique en direction des élèves des conservatoires du Val-de-Marne
et de la Région Ile-de-France, un accompagnement auprès des amateurs, ainsi qu’une approche spécifique pour des ensembles en
formation pré-professionnelle.
La très large proposition de ces Rencontres offre aux stagiaires l’accès à de multiples facettes de la musique de chambre : répertoire
classique, contemporain, ateliers d’improvisation, master class. Comme les précédentes années, ces 9èmes Rencontres de musique
de chambre réunissent découverte et plaisir musical dans une ambiance de parfaite convivialité.

22
 The second Woman
(Opening night - Opera)
Frédéric Verrières – compositeur
Cf Création musicale / cinéma : quels degrés de liberté ?

Guillaume Vincent – metteur en scène

Jeune metteur en scène contemporain, Guillaume Vincent monte sa première pièce, La Double Inconstance de Marivaux, au cours de
ses études au Conservatoire National de Marseille. A cette époque, il se lance également sur les planches sous la direction d'Hubert
Colas, avant de suivre des stages avec Stéphane Braunschweig, Romeo Castellucci ou encore Kristian Lupa. Une fois achevée sa
formation provençale, Vincent fait le grand saut vers le Nord pour rejoindre le Théâtre National de Strasbourg, où il monte, toujours
dans le cadre de sa scolarité, Les Vagues de Virginia Woolf en 2002 puis La Fausse Suivante de Marivaux. Diplômé en 2004, il se met à
explorer les textes de Jean-Luc Lagarce, qu'il adapte, retravaille, radicalise et met à nu sur scène ( Nous les héros, Histoire d'amour).
Fasciné par ailleurs par la modernité des écrits de Frank Wedekind - auteur allemand anticonformiste de la fin du XIXe siècle -, il
revisite en 2009 L'Eveil du printemps. C'est aux côtés de ses comédiens fétiches (Emilie Incerti-Formentini, Florence Janas, Nicolas
Maury...) qu'il fait revivre cette grande tragédie de la découverte sexuelle, profondément critique du puritanisme, dans laquelle
l'éclosion érotique de jeunes adolescents est dramatiquement amputée par une société prussienne hostile et réactionnaire.

Bastien Gallet - librettiste

Bastien Gallet est né à Paris en 1971 mais il n’y a pas vécu avant sa quinzième année. Il a étudié la philosophie (Université Paris IV-
Sorbonne) et il l’a enseignée à l’Université de Metz pendant deux ans. Il a travaillé au Festival d’art lyrique d’Aix-en-Provence
(conception et rédaction des programmes), à l’Ircam (animation de concerts-ateliers) et à la Cité de la musique à Paris (commissaire
de l’exposition « Espace-Odyssée » du 15 janvier au 5 septembre 2004). Il a fondé en 1997 avec Omer Corlaix les éditions Musica
Falsa (devenues MF) qui éditent la revue du même nom. Il a été de 1999 à 2004 producteur à France Culture (émissions Voix
carrossable, Elektrophonie, Festivités, Le chantier). Il a été d’avril à octobre 2004 pensionnaire à l’Académie de France à Rome (villa
Médicis). Il a été pendant trois ans directeur du Festival Archipel, à Genève. Il a publié en 2002 aux éditions MF Le boucher du prince
Wen-houei : enquêtes sur les musiques électroniques et en septembre 2005 aux éditions de l’Ecole des Beaux-Arts de Genève,
Composer des étendues : l’art de l’installation sonore. Son projet romain a donné lieu à un livre à quatre (écrit et composé avec Arno
Bertina, Ludovic Michaux et Yoan DeRoeck) qui est paru en novembre 2006 aux éditions Gilles Fage sous le titre Anastylose. Son
premier roman paraîtra en janvier 2007 aux éditions Léo Scheer (coll. Laureli), Une longue forme complètement rouge.

L’ensemble Court-Circuit
C’est à l’occasion d’une rencontre avec Barbara et Luigi Polla, fondateurs de la galerie Analix de Genève, que Philippe Hurel et Pierre-
André Valade créent en 1991 l’ensemble Court-circuit dont Jean Deroyer est l’actuel directeur musical.
Court-circuit est invité par de grands festivals européens et d’importantes institutions musicales telles que l’Ircam, Radio-France,
l’Opéra de Paris, la Cité de la Musique (Paris), Musica (Strasbourg), Festival d’Aix-en-Provence, 38e Rugissants (Grenoble), GMEM
(Marseille), Festival Manca (Nice), Warsaw Autumn (Varsovie), Ultrashall et Maerzmuzik (Berlin), Ultima (Oslo), Gaida (Vilnius), Nyyd
(Tallinn), Wien Modern (Vienne), Witten, Darmstadt...
Désireux de s’impliquer dans des projets interdisciplinaires, l’ensemble a collaboré avec l’Opéra de Paris pour des créations de ballets
(Le Songe de Médée d’A. Preljocaj sur une musique de M. Lanza – Le Souffle du temps d’A. Lagraa sur Vortex temporum de G. Grisey).
Dans cette idée de transversalité, on peut également citer le projet de ciné-concert Paris qui dort (film de R. Clair/musique de Y.
Maresz) créé à l’auditorium du Louvre en 2006 (et repris à Lyon, Riga, Vilnius, Budapest et Berlin) ou Vous avez la parole vous avez ma
parole !, concert-conversation créé au festival Novelum de Toulouse en novembre 2009 et repris à Perpignan, Grenoble et
Luxembourg, ou encore l’opéra de chambre The Second Woman (musique de F. Verrières, livret de B. Gallet, mise en scène de G.
Vincent, librement inspiré du film Opening Night de J. Cassavetes) créé au Théâtre des Bouffes du Nord, avec lequel Court-circuit
entame une collaboration de trois ans.
Enfin, l’ensemble affirme sa vocation pédagogique en collaborant régulièrement avec le Conservatoire national supérieur de musique
et de danse de Paris (CNSMDP) – notamment dans le cadre des ateliers de la classe de direction – ainsi qu’avec le CRR de Boulogne (au
sein de la classe de composition) et, pour la première fois cette année, des conservatoires de la petite et grande couronne (Cergy,
Rueil, Ville d'Avray).
Court-circuit est membre de deux programmes européens : « Integra », qui est dédié aux musiques mixtes et « Re:new music
project », dont l’objectif est l’échange de répertoires entre ensembles européens. Court-circuit a enregistré les œuvres de T. Murail, P.
Leroux, T. Blondeau, G. Grisey, D. D’Adamo, P. Hurel, J. Fineberg, R. Reynolds, M. Matalon, J.-L. Hervé, M. Monnet…

Création musicale / cinéma : quels degrés de liberté ?

Rencontre-débat au Cdmc
Pierre Jansen – compositeur
Pierre Jansen, né Pierre Georges Cornil Jansen le 28 février 1930 à Roubaix[1] est un compositeur de musique de film, surtout connu
pour sa collaboration avec Claude Chabrol.
Comme certaines partitions de Georges Delerue ou d'Ennio Morricone, ses musiques sont souvent proches de la musique
contemporaine, avec une orchestration originale inspirée de Béla Bartók (Marie-Chantal contre docteur Kha) ou Maurice Ohana (Le
Boucher). Elles visent souvent à instiller l'angoisse, dans une optique proche des films de Hitchcock mis en musique par Bernard
Herrmann.
Musiques
1960 : Les Bonnes Femmes / 1961 : Les Godelureaux / 1962 : Les Sept Péchés capitaux (sketch) / 1962 : L'Œil du Malin
1963 : Ophélia / 1963 : Landru / 1963 : La 317e Section / 1964 : L'Homme qui vendit la Tour Eiffel (sketch dans Les plus belles
escroqueries du monde) / 1964 : Le Tigre aime la chair fraîche / 1965 : Marie-Chantal contre docteur Kha / 1965 : Le Tigre se parfume
à la dynamite / 1966 : La Ligne de démarcation / 1967 : Le Scandale / 1967 : La Route de Corinthe / 1968 : Les Biches / 1969 : La
Femme infidèle / 1969 : Que la bête meure / 1970 : Le Boucher / 1970 : La Rupture / 1971 : Juste avant la nuit / 1971 : Le Sauveur /

23
1971 : La Décade prodigieuse / 1972 : Docteur Popaul / 1973 : Les Noces rouges / 1974 : Nada / 1974 : Le Pain noir de Serge Moati
(feuilleton télévisé) / 1975 : Une partie de plaisir / 1975 : Les Innocents aux mains sales / 1977 : Alice ou la Dernière Fugue / 1977 : La
Dentellière / 1978 : Les Liens de sang / 1978 : Violette Nozière / 1980 : Le Cheval d'orgueil / 1982 : Le Grand Frère / 1991 : Boulevard
des hirondelles

Philippe Langlois – compositeur

Philippe Langlois, né en 1970, est titulaire d’un doctorat en musicologie. Depuis 2002, il coordonne, avec Frank Smith, l’Atelier de
création radiophonique de France Culture et codirige la collection ZagZig aux éditions Dis Voir. Compositeur et designer sonore pour
des films, des installations plastiques, des lectures, il enseigne également l’histoire et la théorie du sonore à l’École des Beaux-Arts du
Mans.

Stéphane Lerouge - compositeur

Stéphane Lerouge travaille pour Universal Music - département Universal jazz. Au sein de cette structure, il dirige la collection
patrimoniale de bandes originales de films Ecoutez le cinéma ! Comme un archéologue, il recherche dans les profondeurs des archives
des maisons de production, chez les metteurs en scène, compositeurs et autres, des bandes et masters des films français des années
60/70/80 qui ont bercé nos années TV.
Ainsi depuis 17 ans, Stéphane Lerouge réédite des BO épuisées ou jamais publiées. A ce jour des films aussi mythiques que :
Fantômas, Les Tontons Flingueurs, Ne nous Fâchons pas, Le Cercle Rouge, Pierrot Le Fou, Trafic, Dernier Domicile Connu, La Folie des
Grandeurs, La Piscine, Beau-père, Plein Soleil, Les Félins, A Bout de Souffle, Le Mépris, Jules et Jim, Le Samouraï, Papillon, Tout le
monde il est beau… soit plus de 90 films ont été édités. Sans oublier des compilations thématiques tel que Le cinéma de… et enfin
Suprême Lounge et Du Rififi au ciné (sorti sur Play Time).
Comme support journalistique, pour les CD's, Stéphane Lerouge rencontre :
- des metteurs en scène : Bertrand Tavernier, Claude Sautet, Costa-Gavras, Claude Chabrol, Agnès Varda, José Giovanni, Robert Enrico,
George Lautner, Gérard Oury, Henri Verneuil, Pierre Granier-Deferre, Bertrand Blier
- des compositeurs : Maurice Jarre, Lalo Schifrin, Antoine Duhamel, Philippe Sarde, Michel Legrand, Vladimir Cosma
- des acteurs : Pierre Richard, Mylène Demongeot, pour réaliser des interviews très pointues.
A force d’avoir rencontré toutes ces «stars» et «personnalités» de l’ombre, Stéphane Lerouge est devenu un érudit hors norme, qui en
connaît parfois plus que les personnes qui ont travaillé à l'époque sur les films. Au fil des années, il est devenu la mémoire des BO de
films français, le spécialiste auquel on fait appel pour animer les débats et tables rondes sur le sujet. Pas mal pour un trentenaire !
Cette passion pour la musique de films, lui a pris très jeune, quand il regardait l’énième rediffusion de L’Homme Orchestre ou de La
Horse. Il s’est mis à rechercher ces musiques dans des conventions car on n’en trouvait plus dans le commerce. A travers ses relations
il s’est rendu compte qu’il y avait une forte demande pour ces BO souvent épuisées ou introuvables. Il s'est ainsi mis à copier sur K7 les
BO. Et voici que le virus de faire découvrir ces musiques souvent cultes mais indisponibles, le hante et l’amène à ce travail de
"défricheur de bandes magnétiques".

Patrice Mestral - compositeur

Compositeur, chef d'orchestre, pianiste, improvisateur, accompagnateur de chanson, enseignant. Musique contemporaine, jazz,
musique de film, de théâtre, de radio.
Musicien pluriel, Patrice Mestral aime voyager à travers des genres musicaux multiples. Né à Paris en 1945, formation au CNSMDP et à
l'Ecole normale de musique, ses œuvres sont créées par l'Ensemble Intercontemporain, Ars Nova ensemble instrumental, Domaine
musical, les orchestres de Radio France, les orchestres nationaux... Il compose pour le cinéma et la télévision, improvise avec des
"noms" du jazz en France, dirige des ensembles de musique contemporaine, ainsi que le répertoire des différentes phalanges
orchestrales.

Frédéric Verrières – compositeur

Frédéric Verrières étudie le piano au Conservatoire Royal de Bruxelles, puis la composition au Conservatoire de Paris, il suit le Cursus
d’informatique de l’Ircam, et séjourne à Rome, Villa Medicis. Il est l’élève de Michael Levinas, François Theberge, Marc-André Dalbavie
et Gérard Grisey. Récompensé par la Sacem et la SACD, son travail se développe dans le domaine du Concert, du Cinéma, du Théâtre,
de l’Exposition. Ses projets sont le plus souvent associés à des œuvres et des styles préexistants avec lesquels il tisse des liens
paradoxaux. Il tente conjointement de donner une forme alternative aux modes de représentations traditionnelles de la musique,
grâce notamment aux collaborations avec des artistes de différents domaines. Il a été joué par les solistes N. Angelich, M. Coppey , D.
Grimal, M. Portal, A. Taraud B. Trotignon, l’Ensemble Itinéraire, Court-circuit, TM+, l’Orchestre Lamoureux. Il vient d’écrire la bande
originale du film : « Staten Island » avec Ethan Hawke dans le rôle-titre, présenté au festival de Cannes.

Concert franco-portugais
Miguel Azguime – compositeur
Compositeur, poète, percussionniste, Miguel Azguime est né à Lisbonne en 1960.
En 1985 il fonde avec Paula Azguime, le Miso Ensemble, duo de flûte et percussion considéré par le public et la critique comme un des
plus importants ensembles portugais de musique contemporaine avec plus de 500 concerts donnés partout dans le monde.
Miguel Azguime a obtenu plusieurs prix de composition et d’interprétation et a reçu des commandes de nombreuses institutions
nationales et internationales, publiques et privées (Festival de Heidelberg, Festival Ars Musica, EMS Stockolm, Japan Society for
Contemporary Music, Commande d’État du Ministère de la Culture…). Sa musique comprend des œuvres pour diverses formations (des
larges formations à la musique électroacoustique) dont la plupart utilisent des moyens électroniques en temps réel. Sa musique a été
jouée par des solistes et ensembles de grande renommé et présentée lors d’importants festivals internationaux (Alain Neveux, Jean-
Marie Cottet, Alain Damiens, Robert Glassburner, Paula Azguime, Yoshiko Shibuya…).
Miguel Azguime a été compositeur en résidence dans de nombreux studios de création notamment au Heinrich Stroebel Experimental
Studio de la Sudwestfunk – Freiburg, Electronic Music Studio EMS in Stockholm, Centre de Recherche et Formations Musicales de
Wallonie – Liège, TU Studio de la Technische Universität Berlin, International Centre for Composers - Visby, Sonology Department de
l’Université Kunitachi – Tokyo.
Les rapports entre écriture musicale et écriture poétique, ont donné lieu à une approche unique entre texte et musique qu’il désigne
comme théâtre électroacoustique.

24
Au-delà de son travail de compositeur, poète et percussionniste, il se dédie à la diffusion et à la promotion de la musique
contemporaine, en tant que directeur artistique du label Miso Records, comme directeur artistique du Festival Musica Viva, en
dirigeant Miso Studio, studio pour le développement de la musique électronique en temps réel, qui a pour réalisations principales le
développement de logiciels de traitement de son et de spatialisation et la création du premier « orchestre de haut-parleurs »
portugais.
En 2003 il a fondé avec Paula Azguime le Centre de Recherche et d’Information de la Musique Portugaise.
En 2003 Miguel Azguime a reçu le EMS prize et en 2006 il est compositeur en résidence du DAAD à Berlin. Depuis il vit et travaille à
Lisbonne et à Berlin. En 2008 il reçoit le prix « Music Theatre NOW » du International Theatre Institut/UNESCO.
www.mic.pt / www.misoe nse mble.c om /mig ue lazg uime .htm

Etienne Bultingaire – compositeur

Etienne Bultingaire, ingénieur du son et musicien, côtoie et collabore avec tous les compositeurs qui gravitent autour de Pierre
Boulez, mais aussi K. Stockhausen et L. Berio., Claude Barthélemy, Michel Portal et Pierre Henry. Il travaille avec Carolyn Carlson,
Lucinda Child, Maurice Béjart, François Verret et au Staatsoper de Berlin avec Peter Mussbach et Kent Nagano. Dans le Jazz et la
musique improvisée il rencontre B. Delbecq, Phil Minton, T. Hymas, Fred Frith, D. Colin, D. Petit, Louis Sclavis .
Au fils des années, il a joué comme musicien dans diverses formules d’improvisation.
À l’occasion de ces performances, il propose un univers scénique d’objets divers, lame de bois, feuille de métal, ventilateur…, souvent
en mouvement, qui produisent une matière sonore en direct, amplifiée ou traitée. Ce paysage, sonore, visuel et surtout sensoriel,
raconte une histoire et peut se confronter à celui d’autres musiciens ou danseurs.

Dominique Clément – compositeur

Né le 24 décembre 1959, Dominique Clément commence ses études musicales au conservatoire de Chalon-sur-Saône dont le
directeur, Camille Roy lui insuffle la passion de l'analyse musicale et de la composition.
Il élabore son langage musical grâce à la lecture de poètes et romanciers tels que Claude Simon, Georges Perec, Jean-Jacques Viton
ou Jacques Roubaud.
Son répertoire se porte actuellement à une quarantaine de pièces dans des genres très différenciés allants de la chanson (Tatane,
Rose est rousse), à Temps bleu, pièce pour 50 saxophonistes et vidéo en passant par des pièces de musique de chambre dont
plusieurs imprégnées d'humour (le rire du coq, l'almanach du père Ubu, Dépêches, le Yin et le Yang dans les relations franco-
allemandes... ).
Il élabore avec la chorégraphe Sophie Mathey plusieurs spectacles (Feuilleton, Trois histoires naturelles, Variétés de printemps, Une
danse, une structure, La veuve de Robespierre s'ennuie...).
Ses oeuvres ont été jouées dans des scènes françaises (Théâtre Dunois, La Peniche Opéra, le Trianon à Paris, Musica à Strasbourg,
Présences à Radio France, Musique en Scène à Lyon, 38° Rugissants à Grenoble, d'Aujourd'hui à demain à Cluny, Musicavoix à Evreux,
Musique-action à Vandœuvre lès Nancy, Sons d'hiver à Ivry, Octobre en Normandie à Rouen, Les Musicades de Lyon...) mais aussi en
Finlande, en Italie, en Espagne, en Grande-Bretagne, en Allemagne, au Brésil, au Venezuela, aux USA.
Parallèlement à ses activités de compositeur, il est depuis 1983 clarinettiste co-fondateur de l'Ensemble Aleph au sein duquel il joue
des oeuvres importantes du répertoire et crée de nombreuses pièces en France, en Europe et aux Etats-Unis.
Dominique Clément est également enseignant au CEFEDEM de Lyon depuis 1991 et au CNSM de Lyon depuis 2000, après avoir
enseigné de 1979 à 2000 au conservatoire de Chalon-sur-Saône.

Paulo Ferreira Lopes – compositeur

Entre 1988 et 1991, il étudie la composition à Lisbonne avec Constance Capdeville. En 1994, Paulo Ferreira-Lopes arrive à Paris. Entre
1995 et 1997, il étudie la composition à Paris avec Emmanuel Nunes, Antoine Bonnet et l’informatique musicale avec Curtis Roads.
En 1996, il obtient un Master de Composition (Université Paris VIII) sous la direction de Horacio Vaggione. En 1996, il suit des études
de composition avec Karlheinz Stockhausen au Département d'Esthétique et Technologies des Arts (Université Paris VIII). En 1997, il
obtient le prix de composition pour l’exposition Documenta X à Kassel, Allemagne. Il est fondateur et directeur (entre 1992 et 1995)
du studio de Musique Electronique C.C.I.M. Il est également fondateur et directeur (2000) des Workshops d’été – olhAres de Outono à
l’Université Catholique de Porto.
Depuis 1998, il est artiste en residence et chercheur au ZKM – Centre de promotion des Arts et des Médias - Karlsruhe / Allemagne. Il
est membre du Parlement Européen de la Culture depuis 2002. En 2004, il obtient son doctorat à l’Université Paris VIII.
Depuis juin 2004, il est Directeur au Centre de Recherche pour la Science et les Technologies à l’Université Catholique Portugaise. En
2004, son travail est sélectionné par la Société Internationale pour la Musique Contemporaine pour représenter le Portugal lors des
Music Days 2004.
L’oeuvre de Paulo Ferreira-Lopez a été jouée partout dans le monde (Musica Strasbourg, Estoril Summer Festival, documenta X - Essen,
Biennal S. Paulo, ZKM-Karlsruhe, World Music Day's Zürich, Stiftung Gulbenkian, Expo 98 Portugal), par les plus ensembles les plus
importants de la scène artistique: AccrocheNote, OrchestrUtopica , Ensemble Modern Frankfurt, etc. www.mic.pt /
http://ima.zk m.de/~p fl /ind ex.html

Claudia Robles – vidéaste

Claudia Robles est née à Bogotá (Colombie) et vit à Cologne (Allemagne). Elle termine ses études d’Art à l’Université J.T. Lozano de
Bogotá en 1990 et poursuit ses études dans le domaine du Film d’Animation (1992 – 1993) à la CFP (Milan – Italie), des Arts Visuels
(1993 – 1995) à l’Ecole Supérieure d’Art Visuel (Genève – Suisse), de Sond Design et de Composition Electronique à la Folkwang
University Essen (Allemagne) avec le professeur Dirk Reith (2001 – 2004).
En 2004, elle gagne le second prix lors du concours Hoeren une Sehen, organize par le ZKM (Centre de promotion des Arts et des
Médias). Son travail est connu dans le monde entier. Elle participe à diverses expositions solo ou en groupe: Bauhaus archiv Museum
für Gestaltung à Berlin, Germany (2003); the European Capitals of Culture: Sibiu and Luxemburg (2007); Enter3 à Prague, République
Tchèque (2007), the International Computer Music Conference ICMC à Copenhague, Danemark (2007) et Montréal, Canada (2009); au
SIGGRAPH Asia 2009 à Yokohama, Japon et dernièrement au DRHA 2010 - Brunel University in London, Angleterre.
www.claud earobl es.de

25
João Pedro Oliveira – compositeur
João Pedro Oliveira (1959) est l’un des compositeurs les plus prometteurs de sa génération. Il commence ses études de musique à
l’Institut Grégorien de Lisbonne où il étudie l’orgue. De 1985 à 1990, il étudie aux Etats-Unis, avec le soutien de la Fondation
Gulbekian. Il y complète ses études de Musique à l’Université de New York.
Principaux Prix :
Magisterium Prize in Bourges Electroacoustic Music Competition (France) – 2008
Giga Hertz Award. 2008.
1er Prix Concours de Musique Electroacoustique de Bourges (France) – 2007
1er Prix Concours de Musique de Rome (Italy) - 2007
1er Prix Yamaha-Visiones Sonoras Competition (Mexico) - 2007
1er Prix Musica Nova competition (Czech Republic) - 2007
1er Prix Concours Metamorphoses (Belgium) - 2006
Mention honorable au Concours de Musique Electroacoustique de Bourges (France) – 2005
Primé à la Tribune Internationale de Musique Electroacoustique (Italy) - 2005
1er Prix Musica Nova competition (République Tcheque)- 2005
2nd Prix Concours de Musique Electroacoustique de S. Paulo (Brasil) - 2005
1er Prix Earplay competition (USA) - 2003
1er Prix Concours de Musique Electroacoustique de Bourges (France) – 2002
1er Prix Alea III Competition (USA) – 1996
Ses récents travaux consistent à explorer les possibilités de l’interaction entre l’instrument et les sons électroacoustiques.
Il est professeur Senior à l’Université Aveiro (Portugal) et enseigne la composition électroacoustique et l’analyse. Il a contribué au
développement d’une génération nouvelle de compositeurs portugais. De nombreux étudiants à lui ont déjà reçu des prix nationaux et
internationaux. Il a publié de nombreux articles et à écrit un ouvrage d’analyse et de théorie sur la musique du XXe siècle.
www.jpoliveira.com / www.mic.pt

Pedro M. Rocha – compositeur

1981 à 1986 : Conservatoire National de Lisbonne : Piano avec Gilberta Paiva et Olga Prats; Composition avec Jorge Peixinho, Álvaro
Salazar et plus spécifiquement avec Christopher Bochmann
1986 à 1990 : Ecole Supérieure de Musique de Lisbonne. Composition avec Christopher Bochmann.
1982 à 1990 : Fondation Calouste Gulbenkian: Séminaires de composition avec Emmanuel Nunes.
1990 à 1994 : Paris/France; FCG microtonalisme avec Alain Bancquart.
1992 à 1993 : IRCAM/ Paris: Cursus Composition Informatique Musicale.
Workshops et séminaires : Piano, Musique électroacoustique, Chœur et conduite d’orchestre, Chant et technique vocale.
Son œuvre compte des pièces pour orchestre : avec et sans chœur, chœur a capella, musique de chambre et sons fixés, travaux
purement acousmatiques dont projets avec vidéo.
Son œuvre compte une réflexion sur l’improvisation: "Dual", "To a free world" "To a world free from beliefs“.
www.pedromr ocha.c om / www.mic.pt

André Sier - vidéaste

André Sier et né à Londres en 1977. Il y vit en tant qu’artiste-programmeur. Il cherche à intégrer l’utilisation des machines dans une
approche interdisciplinaire, tout en s’adonnant à la peinture, la sculpture et la musique. Son œuvre compte des programmations 3D,
des vidéos, musique électroniques et desseins à partir de moyens spécifiques. Les pièces dépendent de structures algorithmiques qui
permettent de connecter divers médias. Primé à la XVe Biennale Vila Nova de Cerveira avec interstellar (2009), il débute en 2007 à la
net.art gallery – Direction Générale des Arts. Son travail a pu être présenté lors de ses expositions : 747 à la gallerie Quadrum
(Lisbonne, 2002), Maps and Devices (Glade) à la Vera Cortes Art Agency (Lisbon, 2006), 747.3, Plataforma Revólver (Lisbon, 2007),
motion=snd in the gallery Kapelica (Ljubljana , sl, 2009) et Ape-x à la Gallerie nt (Lodz, Pologne, 2010). Il a participé a de multiples
expositions collectives : 000 000000 000 au festival Scem Author (teatro da trindade, Lisbonne, 2000), struct_0 à Apertura 1.0 (Caja
San Juan, Seville, Espagne, 2001), struct_2 à Pavilhão 21-C of Hopital Júlio Matos (Lisbonne, 2002), ankh - festival Musica Viva - Open
Theatre (Lisbonne, 2004), struct_1 - Meta.morfosis at MEIAC (Badajoz, Espagne, 2006), struct_7 - Stream - White Box Gallery (New
York, us, 2007), struct_4 - XIII BJCEM (Bari, Italie, 2008), Space Race # 2 -Viewpoint - Gallerie S&G (Berlin, 2008), festival Glimpses of
Autumn (Porto, 2009). http://s373.net/sier/

L’ensemble Aleph
L’Ensemble ALEPH a été créé en 1983 sur la base d’un collectif de cinq solistes - Dominique Clément, Sylvie Drouin, Monica Jordan,
Françoise Matringe et Christophe Roy - auxquels se sont joints Jean-Charles François puis Noëmi Schindler. Ils partagent une même
conception de la pratique artistique dans la société et du rôle de l’interprète dans la création. L’Ensemble Aleph est reconnu comme
l’une des plus importantes structure de création, de réflexion et de diffusion de l’art contemporain. Être en prise directe avec la
musique la plus récente pour provoquer des confrontations entre des esthétiques différentes voire opposées de l’évolution de
l’écriture à l’échelle mondiale représente un axe fort de sa recherche. En 2007, l’Ensemble Aleph s’est associé au Théâtre Dunois, qui
l’accueille en résidence depuis 1993, pour créer le LIEU, Laboratoire Instrumental Européen, réseau européen réunissant des
musiciens, ensembles et compositeurs internationaux autour d’un but commun : la défense de la création et sa mise en valeur par des
actions de qualité. En 26 ans d’existence, à l’occasion de près de 700 concerts, l’Ensemble Aleph a créé plus de 200 pièces musicales
de compositeurs français et étrangers. e nsembl eal eph.c om / www.lieu- netw ork.com

Sond’Art-te Electric Ensemble

S’appuyant sur une formation permanente de 5 instruments acoustiques avec électronique, cette structure apparaît comme un projet
singulier et innovant sur la scène de la musique contemporaine européenne.
Elle s’appuie principalement sur le développement du répertoire pour cette instrumentation, avec une attention spéciale pour les
compositeurs portugais.

26
Sond’Ar-te Electric Ensemble organise également un concours international de composition « Sond’Ar-te Electric Ensemble – musique
de chambre avec électronique ». Jonathan Harvey, Plilippe Leroux, Miguel Azguime et Pedro Amaral furent les membres de l’édition
précédente. Depuis sa création en septembre 1977, Sond’Ar-te Electric Ensemble est devenu une référence dans le domaine de la
musique contemporaine au Portugal et à l’étranger, avec des concerts à Paris, au Festival d’Automne de Varsovie, au Musée
Guggenheim de Bilbao, au City of London Festival.

Nuno Pinto - clarinettiste

Né à Vila Real, Portugal en 1976.
Il commence ses études de clarinette avec Saul Silva et António Saiote. Il approfondit sa formation avec Michel Arrignon et Alain
Damiens et suit les masterclass au Portugal en France et en Autriche sous la direction des clarinettistes Guy Dangain, Walter
Boeykens, Howard Clug, António Saiote, Michel Arrignon, Robert Fontaine and Alois Brandhofer.
La majorité de son travail a été consacrée à la musique de chambre. Il est fondateur des groupes Camerata Senza Misura, Trivm de
Palhetas et Clarinetes Ad Libitum et a joué avec le Moscow Piano Quartet, l’Ensemble Contrapuctus, le Quarteto de Cordas de Lisboa, l’
Ensemble Português de Clarinetes and the Quarteto de Cordas de Aveiro. Il est aussi membre du OrquestrUtópica and Grupo Música
Nova. Il est accoutumé à un vaste répertoire. Il a joué en tant que soliste avec Orquestra Clássica do Porto, Orquestra do Norte,
Solistas do Porto, Orquestra de Câmara Musicare, Orquestra Artave and European Medical Students Orchestra. And also worked with
Orquestra Gulbenkian and Orquestra Sinfónica Portuguesa.
En tant que clarinettiste, il a participé à de nombreux festivals au Portugal et à l’étranger. Il a créé les œuvres de Cândido Lima,
Christopher Bochmann, António Vitorino d'Almeida, Carlos Guedes, Virgílio Melo, Carlos Azevedo, Fernando C. Lapa, José Júlio Lopes,
Nuno Côrte-Real, Ivan Moody, Carlos Caires, Miguel Azguime and António Sousa Dias. Il est dédicataire du travail de Cândido Lima Luís
Tinoco and Virgílio Melo. Il est professeur de clarinette et de musique de chambre à la Escola Superior de Música e Artes do
Espectáculo, in Portoet à la Fundação Conservatório Regional de Gaia. www.nunopint o.pt / www.mic.pt

Miso Studio
Studio de creation, de recherche, diffusion, enregistrement, édition et livre électronique.
Miso Studio, fondé en 1995, est un studio indépendant pour la création musicale, la production et la diffusion, la recherche et le
développement de la musique électronique, ainsi que d’autres créations multi-disciplinaires assistées par ordinateur.
Son objectif principal est la promotion de différents domaines de la création musicale vouée aux technologies. Il vise également à
développer des projets de recherche incluant la mise en œuvre de software et hardware.
Miso Music Portugal a plusieurs autres projets directement connectés au Miso Studio : le Música Viva Festival (La première et plus
importante contribution du Miso Studio au Festiva Música Viva a été la recherche en développement de software pour la mise en
place du premier « Orchestre de hauts-parleurs » dès 1995), Miso Records (pour les publication de projets Miso Records, Miso Studio
assure l’enregistrement, l’édition, le mastering et le mixage d’un nombre important de CD incluant notamment Constança Capdeville,
Enrique X. Macías, Miguel Azguime, Christopher Bochmann…), un Fond d’archive sonore et Centre d’information sur la musique
portugaise, des programmes éducatifs autour de musiques liées à l’outil informatique, ou des master class de composition
électroacoustique en collaboration avec des solistes nationaux et internationaux (Mark Foster, Tsun Yeh, Renato Rivolta, Stefan
Asbury, Joahnnes Kalitzke, Dominique My, Rolf Gupta, Peter Rundel, Olivier Cuendet, Jorge Mata, Pedro Amaral, Pedro Pinto Figueiredo,
Pierre Strauch, Alain Damiens, Xing Rufeng, Gao Yonping…) et des ensembles afin de préparer des concerts incluant des live
electronic. www.misomusic.com

Aelita
Queen of Mars (réal. Yakov Protazanov)
Dmitri Kourliandski
Né en 1976 à Moscou, Dmitri Kourliandski fait ses études au Conservatoire de sa ville et s'y perfectionne auprès de Leonid Bobylev. Il
assiste à de nombreuses classes de maîtres données par des compositeurs russes autant qu'étrangers. Ses compositions ont été
distinguées par des récompenses en Russie, en France et en Grande-Bretagne. En 2003, il remporte le Grand Prix du concours
international Gaudeamus (Pays-Bas). Invité du Berliner Künstlerprogramm en 2008 (artiste résident du DAAD), il est compositeur en
résidence auprès de l'Ensemble français 2e2m en 2010.
Sa musique est régulièrement jouée dans des concerts et des festivals en Russie, en CIS, Allemagne (Donaueschingen, MaerzMusik,
Dresden Festival, Schleswig-Holstein, etc), Italie (Biennale de Venise), Pays-Bas (Gaudeamus), Belgique (Music@venture), Suisse
(Archipel), Grande-Bretagne, Autriche (Aspekte Festival), France, Finlande (Musica Nova, Time of Music), Pologne (Warsaw Autumn),
Grèce (Hellenic Festival), Serbie, Canada, Argentine, Japon. Dmitri Kourliandski a travaillé avec des chefs d'orchestre tels que Vladimir
Fedoseev, Teodor Currentzis, Reinbert de Leeuw, Roland Kluttig, Zsolt Nagy, Jurjen Hemel, Giorgio Bernasconi entre autres. Ses
compositions ont été jouées par de nombreux orchestres en Russie et par de nombreux ensembles européens (Klangforum Wien,
ASKO et Schönberg Ensembles, Intercontemporain, Contrechamps, KNM, Aleph, Slagwerkgroep den Haag, Champ d'action, Intégrales,
Kairos quartet).
Le compositeur est fondateur et rédacteur en chef de la Tribuna Sovremennoi Muzyki (Tribune de Musique Contemporaine) et co-
fondateur du groupe de compositeurs Résistance Structurelle (StRes). Il est membre de l'Union des compositeurs de Russie.
Depuis 2004, Dmitri Kourliandski décrit l'objet de sa quête créatrice comme une « musique objective ». « La conception de la musique
comme objet, comme phénomène visuel, s'oppose à une conception romantique caractérisée par l'évolution de la musique dans le
temps (conception tout aussi largement illustrée par la musique contemporaine). Dans ma musique, il n'y a pas d'évolution, pas
d'action. Certaines compositions peuvent donner à l'auditeur l'illusion d'une action ou d'une dramaturgie. Mais c'est une simple
conséquence de la perception humaine : lorsque quelque chose existe dans le temps, une réponse intérieure à cette existence naît
immanquablement en nous. Un être humain peut sentir, faire l'expérience, penser en son fort intérieur sans que cette action n'ait de
cause extérieure : il y a une action intérieure propre. »
« J'aime les sculptures cinétiques. J'apprécie ce qui semble statique et qui pourtant dans le même temps entraîne une multitude de
pensées. Sur le plan formel, mes compositions peuvent s'appréhender comme des mécanismes déclenchés par un bouton d'où la
musique fait irruption. Les auditeurs sont invités à apprécier le fonctionnement de la mécanique. » (interview avec Makis Solomos, in
Journal de l'Ensemble Alpeh pour le Troisième Forum international des jeunes compositeurs, France, 2004).
Le style de Dmitri Kourliandski exclut totalement les sonorités instrumentales traditionnelles. « L'art ne peut être restreint par rien.
Les sons « anormaux » ne contreviennent pas à l'état actuel du langage musical. Bien au contraire, de tels sons bâtissent des champs

27
actifs nouveaux où l'élément déterminant réside non pas dans la dépendance d'une expérience disponible, mais dans la possibilité
d'en conquérir une nouvelle. » (« Objective Music from general to the particular », in Tribune of Contemporary Music, N°1/4, 2006).

Ensemble 2e2m
L’Ensemble 2e2m, fondé en 1972 par le compositeur Paul Méfano, est l’un des plus anciens et des plus prestigieux ensembles français
consacrés à la création musicale d’aujourd’hui. Le sigle qui le désigne et qui signifie « études et expressions des modes musicaux »
est devenu un acronyme - mieux, une devise garante de pluralisme et d’ouverture. Manière de dire que l’Ensemble n’a rien ignoré de ce
qui s’est pratiqué depuis plus de quatre décennies.
L’Ensemble a créé plus de six cents partitions. Plus important semble le fait que, bien avant d’autres, 2e2m révèle au public nombre de
compositeurs considérés comme essentiels et crée un répertoire d’oeuvres qui deviennent des jalons.
L’Ensemble est un interprète incontournable des scènes nationales et internationales. Sans omettre l’éventail de tous les styles -
classique, moderne et récent - 2e2m se veut dorénavant aussi acteur des nouvelles mixités artistiques. www.ensemble2e2m.fr

Notes
Karine Saporta
Depuis presque vingt ans, l’œuvre de Karine Saporta est l’une des plus impressionnantes dans l’histoire récente de la création
chorégraphique contemporaine occidentale.
Auteur de spectacles devenus « mythiques » (« La fiancée aux yeux de bois », « Les Taureaux de Chimène », « La Princesse de Milan »,
« Le bal du siècle », « Belle au bois dormant (de larmes… écarlates) » etc…), Karine Saporta est aussi plasticienne, photographe et
réalisatrice.
Sa compagnie s’est produite sur toutes les scènes les plus prestigieuses dans le monde. Karine Saporta a signé à ce jour deux mises
en scène, l’une pour la Comédie Française (« Feu le Music-Hall » d’après Colette) et l’autre pour l’Opéra de Lyon (« Phaëton », Opéra de
Lully).
Directrice du Centre Chorégraphique National de Caen Basse - Normandie de septembre 1988 à juin 2004, Karine Saporta est
aujourd’hui directrice de la Compagnie Karine Saporta. Elle est également artiste associée à la Bibliothèque Nationale de France, à
travers l’installation du Dansoir dont elle est en charge de la programmation.
La compagnie implantée en Ile de France (à Paris et à St Denis) sera prochainement dotée d’un second espace de travail
correspondant à cette politique audacieuse, en matière de recherche et d’expérimentation qui la caractérise.
Particulièrement préoccupée des croisements entre les danses anciennes du monde, les expressions physiques de «l’extrême » et la
création contemporaine. A St Denis, « L’auteur – studio – Compagnie Karine Saporta », (aujourd’hui en travaux de réhabilitation) sera
véritablement la « fabrique » de la compagnie.

Steve Reich
Steve Reich, né Stephen Michael Reich le 3 octobre 1936 à New York, est un musicien et compositeur américain. Il est considéré
comme l’un des pionniers de la musique minimaliste, un courant de la musique contemporaine jouant un rôle central dans la musique
classique des États-Unis. Pour caractériser son oeuvre, et spécialement ses compositions de la période 1965-1976, il préfère utiliser
l’expression « musique de phases » (traduite de l’américain Phasing), qui fait référence à son invention de la technique musicale du
déphasage. À partir de 1976, il développe une écriture musicale basée sur le rythme et la pulsation avec l’une de ses œuvres les plus
importantes, Music for 18 Musicians, qui marque le début de son large succès international. Dès lors reconnu comme un compositeur
contemporain essentiel, il oriente son travail de composition autour de la mise en musique du discours, notamment dans des oeuvres
multimédia associant la vidéo créées en collaboration avec son épouse Beryl Korot. Bien qu’ayant joué un rôle central dans l’évolution
de la musique contemporaine, et, par ses oeuvres, influencé des artistes au-delà de son champ de création, comme en musique
électronique et en danse contemporaine, Steve Reich reste toutefois un compositeur peu prolifique qui n’a écrit, durant l’ensemble de
sa carrière, qu’une cinquantaine de pièces distinctes. Celles-ci lui ont cependant valu de nombreux prix et distinctions internationaux
et font l’objet d’une très importante discographie.

Ars Nova ensemble instrumental

Placé sous la direction musicale de Philippe Nahon, l’ensemble Ars Nova est aujourd’hui considéré comme un des plus ardents
défenseurs du pluralisme esthétique dans la création musicale contemporaine. Composé de 26 musiciens de talent, il s’attache à
favoriser la rencontre et l’échange tant entre artistes qu’entre artistes et publics, et poursuit sans relâche un double objectif : créer et
transmettre. Au travers d’une politique de commandes audacieuse, l’ensemble Ars Nova privilégie les collaborations étroites et de
long terme avec des compositeurs d’esthétiques très diverses (G. Aperghis, L. Berio, B. Cavanna, P. Dusapin, L. Ferrari, S. Kassap, Z.
Moultaka, A. Markeas, …).
Avec près de 40 concerts par an, des productions d’opéra et des spectacles pluridisciplinaires, il se produit en France et à l’étranger,
sur les grandes scènes nationales et dans les principaux festivals dédiés au répertoire contemporain et à la création. Il met en place
autour de ces spectacles des activités de sensibilisation et des ateliers pédagogiques afin de faciliter la rencontre entre le public et
les œuvres d’aujourd’hui.
Ars Nova ensemble instrumental est en résidence dans la Région Poitou-Charentes et à Poitiers, artiste associé au TAP - Scène
Nationale (Poitiers). Il est également en résidence à L’Hippodrome, Scène nationale de Douai. Cette résidence est soutenue par
l’ONDA. Ses activités sont subventionnées par le Ministère de la culture et de la communication (DRAC de Poitiers), la Région Poitou-
Charentes, la Ville de Poitiers et reçoivent le soutien de la Sacem et de la Spedidam.
Zoom
John Cage au creux de l’oreille
Thierry Balasse, conception, électroacoustique
Vingt années d’expérience au service de la création sonore et musicale pour le théâtre et le disque, et quelques rencontres
marquantes ont conduit Thierry Balasse à développer un travail d’écriture et d’improvisation sur le sonore et le traitement
électroacoustique, aimant marier les bruits, les percussions, les synthétiseurs, les platines, les voix, le traitement de la voix et des
instruments, dans un espace de diffusion adapté à chaque lieu de représentation.
Son parcours est jalloné de rencontres essentielles, avec notamment les compositeurs Christian Zanési et Pierre Henry, une résidence
et un soutien à la production de La Muse en Circuit (Centre national de création musicale) dirigé par David Jisse pendant 7 ans, un duo
fondateur de sa présence sur scène avec Sylvain Kassap, puis la création du duo Touch avec Eric Groleau.

28
Son parcours d’ingénieur du son, de musicien et de créateur de spectacles l’a amené à explorer diverses facettes du son en
compagnie d’artistes divers :
Pour la création sonore et musicale pour le théâtre ou la danse, il développe quelques partenariats fidèles avec différents artistes
comédiens, musiciens, chorégraphe et metteur en scène: Bruno Abraham Kremer (comédien - metteur en scène) et particulièrement
Vincent Dupont (comédien – chorégraphe) depuis sa première création (spectacle « Jachères », puis « Dikromatic », « Hauts Cris
(miniature) », « Incantus », le film « Plongée »).
Pour la création musicale électroacoustique, une première rencontre aura lieu en 1998 avec Pierre Henry. Thierry Balasse en est
parfois l’interprète (« Hypermix » à Mexico, « Phrases de quatuor » à l’Opéra Bastille de Paris,... ), et également le conseiller pour les
technologies numériques.
En 2001, la création du duo « Un autre voyage » avec le clarinettiste Sylvain Kassap (objet d’une commande d’écriture de Radio France
et co-produit par La Muse en Circuit) marquera le début de diverses collaborations en duo, utilisant le traitement électroacoustique
sur scène, en improvisation. Diverses expériences ponctuelles suivront, et particulièrement une collaboration toujours en cours de
développement avec le batteur Eric Groleau (duo Touch).
Depuis 2003, au sein de la Compagnie Inouïe qu’il a créé, Thierry Balasse écrit et créé ses propres spectacles, comme « Le mur du
son » (objet d'une commande d'écriture de La Muse en Circuit, Centre National de Création Musicale et du ministère de la culture),
spectacle proposant une mise en scène des musiques électroacoustiques sous différentes formes (diffusion sur acousmonium, jeu en
direct, traitement en direct et improvisations), qui aura joué 66 fois en France, « La machine à explorer les sons » présenté en 2010 à
la Cité de la Musique de Paris, « Impressions » créé à la Maison de la poésie de Paris dans le cadre du Festival Extensions de La Muse
en Circuit, sur un texte de Henri Michaux.
Thierry Balasse est directeur artistique de la compagnie Inouïe, directeur artistique de la collection « Chut ! » de CD audio de l'école
des loisirs. Il intervient en 2010 sur les techniques de traitements électroacoustiques dans différents conservatoires et intervient au
CFMI d'Orsay pour la création de spectacles avec les étudiants.

Cie Inouïe
INOUÏE a été créée en 1999, dans le but d’explorer tous les sentiers possibles offerts par le monde du sonore, à travers la production
scénique et phonographique.
Aujourd’hui, Inouïe intervient sur le champ du sonore et de la musique contemporaine à travers un large panel de propositions et de
modes d’intervention, avec notamment pour fil conducteur depuis 2005 une réflexion sur les liens entre le texte et la musique.
Productions de spectacles mêlant théâtre, poésie et musique, productions de concerts sur la base d’une rencontre entre un
instrumentiste et des traitements sonores en direct, productions de disques atypiques, comme les portraits phonographiques, et
actions pédagogiques allant de propositions pour les écoles primaires jusqu’à la formation de formateurs.
Point commun à toutes ces créations : une musique tournée vers les oreilles du public et une expérimentation sonore soignée portant
sur tous les paramètres du son (le signal sonore, son traitement, sa diffusion dans l’espace)
Inouïe est soutenue par la DRAC Ile-de-France et par la Région Ile-de-France

John Cage, compositeur

Élève de Schœnberg, John Cage s'est illustré comme compositeur de musique contemporaine expérimentale et comme philosophe. Il
est également reconnu comme l'inspirateur du mouvement Fluxus, du groupe espagnol jazz et des expérimentations musicales
radicales qui accompagnaient les chorégraphies de la Merce Cunningham Dance Company. Il y a d'ailleurs occupé la fonction de
directeur musical puis de conseiller musical jusqu'à sa mort en 1992.
En 1935, faute de place pour pouvoir utiliser des instruments de percussions pour les besoins d'une œuvre destinée à accompagner
une chorégraphie de Syvilla Fort, Cage crée sa première pièce pour piano préparé. Cette idée lui a en fait été suggérée par Henry
Cowell, dont il fut l'élève en 1934, et qui faisait déjà de nombreuses expériences dans ce sens depuis les années 1910 (The Banshee,
1917). Cage fut très influencé par le livre New Musical Resources écrit par Cowell avec l'aide d'un professeur de Stanford à partir des
leçons du professeur Charles Seeger.
Cage composa de nombreuses pièces pour piano préparé dont les Sonates et Interludes, où le pianiste doit insérer de manière précise
entre certaines cordes du piano des objets divers comme des boulons ou des gommes servant à en transformer le son.
L'étrangeté de ses compositions laisse transparaître l'influence du compositeur Erik Satie, auteur en son temps incompris de
compositions très originales, comme les ésotériques Gnossiennes ou les très sobres et célèbres Gymnopédies. Cherchant à épurer sa
musique, il eut la particularité d'écrire ses œuvres sans ponctuation musicale, laissant au pianiste comme seules indications des
descriptions d'atmosphère au lieu des traditionnelles nuances.
L'une des œuvres les plus célèbres de John Cage est probablement 4!33", un morceau où un(e) interprète ne joue pas pendant quatre
minutes et trente-trois secondes. Composée en trois mouvements devant cependant être indiqués en cours de jeu, l'œuvre a été
créée par le pianiste David Tudor. L'objectif de cette pièce est de permettre l'écoute des bruits environnants dans une situation de
concert. Cette expérimentation découle de l'importance qu'accordait John Cage à la pensée de Henry David Thoreau. Ce dernier relate
dans son « Journal » qu'il est plus intéressant d'écouter les sons de la nature, le son des animaux et le glissement furtif des objets
animés par les éléments naturels par le vent que la musique préméditée par l'intention d'un compositeur. 4!33" découle aussi de
l'expérience que Cage réalise dans une chambre anéchoïque dans laquelle il s'aperçut que "le silence n'existait pas car deux sons
persistent" : les battements de son cœur et le son aigu de son système nerveux“. À partir de cette période, toutes les compositions de
Cage seront conçues comme des musiques destinés à accueillir n'importe quel son qui arrive de manière imprévue dans la
composition. Cage prétendait que l'une des composantes les plus intéressantes en art était en fait ce facteur d'imprévisibilité où des
éléments extérieurs s'intégraient à l'œuvre de manière accidentelle. Il considérait la plupart des musiques de ses contemporains
«trop bonnes car elles n'acceptent pas le chaos». À partir de cette époque, il compose des musiques uniquement fondées sur le
principe d'indétermination en utilisant la différentes méthodes de tirage aléatoire dont le Yi-king. Le mot « aléatoire » doit s'entendre
chez John Cage, en anglais, comme chance et non pas random.
Le travail de John Cage s'appuie sur la recherche et l'expérimentation. Il fut lauréat du Prix de Kyoto en 1989. Après son divorce en
1948, John Cage a partagé sa vie durant 50 ans avec le chorégraphe Merce Cunningham.

29
 La Jeune fille au carton à chapeau
(réal. Boris Barnet)
Sylvain Kassap, compositeur, clarinettiste
Sylvain Kassap est un des acteurs majeurs du jazz et des musiques improvisées depuis la fin des années 70.
L'envie d'explorer les différents répertoires de son instrument le pousse tout naturellement à se confronter à l'écriture de
compositeurs actuels et à être en 1993 un des fondateurs de l'Ensemble Laborintus.
Compositeur tout d'abord pour le cinéma, le théâtre et la danse, il développe, par envie et pour répondre aux demandes de solistes ou
d'ensembles tels qu'Ars Nova ou Alternance, une écriture résolument contemporaine, dans un premier temps influencée par Luciano
Bério et Franco Donatoni, puis plus personnelle.

Ensemble Laborintus
De musiciens aux personnalités véritablement différentes de par leur histoire... Ces individus ; ces personnages, définis et particuliers,
forment une unité toujours en mouvement, chacun apportant sa richesse, tissée de multiples expériences aux horizons entrecroisés :
musiques classiques, traditionnelles, contemporaines, jazz, improvisées, théâtre musical, danse... C'est au croisement de ces chemins
individuels qu'existe Laborintus.
Le Voyage Cosmique
(réal. Vassili Jouravlev)
Judith Depaule, conception – voix
Après avoir collaboré avec les collectifs Sentimental Bourreau, Aglaée Solex et les Alternateurs Volants, elle crée la compagnie Mabel
Octobre (Desesperanto, spectacle interactif ; Qui ne travaille pas ne mange pas, revue de théâtre au Goulag ; Ce que j’ai vu et appris
au Goulag, exercice de mémoire ; La folie de Janus de Sylvie Dyclo-Pomos, hommage aux disparus du Beach de Brazzaville, Qui a tué
Ibrahim Akef ?, rêve de danse orientale ; Vous en rêvez (Youri l’a fait), chronique épique du premier homme cosmique ; Corps de
Femme 1 - le Marteau, d’après le portrait de Kamila Skolimowska, première championne olympique du lancer du marteau ; Même pas
morte, histoire d’une enfant de la guerre, Oxygène d’Ivan Viripaev, Corps de Femme 2 – le ballon ovale, d’après des portraits de
rugbywomen. Elle traduit du russe, écrit une thèse en Arts du spectacle sur « Le théâtre dans les camps staliniens » (Paris III),
participe à des publications en français et en russe. Lauréate de la Villa Médicis Hors les Murs.

Laurent Dailleau, compositeur

Après une formation en orgue classique, il se tourne vers le theremin en 1996. Il utilise un theremin hybridé avec un ordinateur, et
travaille avec des compositeurs intéressés par l’instrument (Christophe Havel, Atau Tanaka, Todor Todoroff, Stevie Wishart, Kasper T.
Toeplitz, Francis Faber, Riccardo Nova, Phil Von, Giuliano d’Angiolini…). Il compose des musiques de scène pour le théâtre (récemment :
« Vous en rêvez, Youri l’a fait » (commande d’Etat), et « Corps de femme », de Judith Depaule), et a travaillé avec le chorégraphe
Michel Schweizer de 1989 à 1994. Trois de ses pièces ont fait l’objet de commandes d’Etat. Il a joué avec le groupe Art Zoyd de 2001 à
2009 et est régulièrement invité par l’ensemble Proxima Centauri. Il joue en solo, et a cofondé en 2003, avec Cécile Babiole (vidéo,
capteurs) et Atau Tanaka (BioMuse), le trio S.S.S/Sensors_Sonics_Sights, qui se produit dans de nombreux festivals et colloques en
Europe, Amérique du Nord et du Sud. Il a enregistré une dizaine de CD, dont son premier disque solo, « supersternal notch », en 2001. Il
collabore par ailleurs avec Jean Michel Bruyère au sein de LFKS.

Nadia Ratsimandresy, ondes martenots

Admise au CNSMDP dans la classe d’onde en 1998, elle y obtient en 2002 un Premier Prix (Diplôme de Formation Supérieure, mention
« très bien »). Elle pratique principalement de la musique de chambre, notamment en duo avec la pianiste Géraldine Dutroncy (New
York, session de travail avec Tristan Murail, 2005), avec l’ensemble Ondes de Choc (Londres, London Sinfonietta, Tom Yorke et Jonny
Greenwood du groupe de rock Radiohead, 2005) et avec l’ensemble Vecteur Ondes (Opéra de Paris, 2008). Elle travaille depuis 2008
avec le pianiste italien Matteo Ramon Arevalos (Angelica Festival, Ravenna Festival) avec qui elle enregistre le disque « Messiaen et
autour de Messiaen » paru chez ReR Megacorp (mai 2009), ainsi qu’avec l’ensemble VOLTA (2 ondéas, guitare électrique et
percussions).
Elle se produit aussi avec la compagnie de théâtre Mabel Octobre de Judith Depaule, notamment sur le spectacle Vous en rêvez -
Youri l’a fait (2007-2008) et sur le spectacle multimédia Même pas Morte (2009-2010) pour lequel elle compose la musique.
En 2009, elle co-compose avec Laurent Dailleau dans le cadre de leur duo DECOY la musique du spectacle de danse Sweet Dreams are
made des chorégraphes Simone Aughterlony et Isabelle Schad. Elle fait aujourd’hui partie du groupe Art Zoyd.

Mabel Octobre
Mabel Octobre réunit des artistes multidisciplinaires pour la création de spectacles de théâtre et de danse, de concerts, de films et
d’installations. Ses créations interrogent des zones de non-existence. Elles mettent en oeuvre un travail de mémoire et de
réhabilitation (enquêtes historiques ou sociétales, recherches documentaires), mélangent différentes disciplines et accordent une
place privilégiée au développement numérique, à l’innovation technologique et aux écritures nouvelles.

Fiction
Kurt d'Haeseleer, vidéaste
Kurt d'Haeseleer est né en 1974, il étudie les Arts Audiovisuels à l'Institut des Arts Sint-Lukas à Bruxelles. Avant cela il avait étudié
l'histoire moderne à l'Université de Bruxelles et à Vienne.
En 1999 il commence à travailler au Filmfabriek, un collectif d'artistes situé à Bierbeek en Belgique. Le Filmfabriek se concentre sur
des projets artistiques dans les domaines du graphic design, de la vidéo et du théâtre. Les travaux de Kurt d'Haeseleer existent souis
forme de vidéos expérimentales et de vidéos installations comme File (2000), Lubally (2003), Another Dresscode (2003), S*CKMYP
(2004), Fossilization (2005) and Pop Steroids (2005).
Il a également créé les vidéos pour plusieurs productions de théâtre, danse et opéra de Guy Cassiers, Georges Aperghis, Ictus, de
Parade, Isabella Soupart, Johanne Saunier,...
Depuis 2010 il est le directeur artistique du Werktank (strcture pour la promotion des nouveaux et des anciens médias) et il est
responsable du videodesign pour le 'Ring' de Wagner par Guy Cassiers et Daniel Bairenbaum au Scala de Milan et le Staatsoper de

30
Berlin.

Sébastien Roux, compositeur

Né en 1977, Sébastien Roux vient à la musique comme guitariste dans divers groupes de rock avant d’entamer une carrière de
compositeur de musique électronique qu’il déploie tous azimuts : disques (en solo ou en collaboration avec Greg Davis, Vincent
Epplay, Eddie Ladoire), concerts de musique acousmatique, improvisation (avec Kim Myhr, David Fenech), performances
audiovisuelles, musique pour la danse (Lionel Hoche, Françoise de Tartainville, Sylvain Prunenec), art radiophonique (en 2005, il est
lauréat du concours d’art radiophonique de La Muse en Circuit), ciné-concerts (pour Nanouk l’Esquimau avec Vincent Epplay et avec le
vidéaste Kurt d’Haeseleer), installations sonores (la série intitulée Wallpaper Music, collection de l’IAC de Villeurbanne ainsi que
Précisions sur les Vagues #2, installation en collaboration avec Célia Houdart et Olivier Vadrot, présentée lors du festival d’Avignon
2008), parcours sonores (avec l’auteur Célia Houdart pour Evento à Bordeaux en 2009 et le festival d’Avignon en 2010).
Assistant musical, à l’Ircam jusqu’en 2010, il travaille avec les compositeurs Gérard Pesson et Georges Aperghis et pour Morton
Subotnick dans le cadre de la reprise du spectacle d’Anna Halprin Parades and Changes.

Inoculate ?

Kasper T. Toeplitz, conception, composition et programmation informatique, live-électronique

Il est compositeur et musicien œuvrant par-delà les distinctions trop communément admises, entre musique contemporaine et celle
dite non académique - en l'espèce la musique électronique, ou noise music. Il travaille autant avec les grandes institutions (GMEM,
GRM, IRCAM, Radio-France, EMS…) qu'avec des musiciens expérimentaux ou inclassables tels Eliane Radigue, Zbigniew Karkowski, Dror
Feiler, Tetsuo Furudate, Phill Niblock ou Art Zoyd.
Il a d'abord beaucoup écrit pour les instruments traditionnels (1er prix de composition d'orchestre au festival de Besançon, 1er prix au
concours "Opéra Autrement/Acanthes", Villa Médicis Hors les Murs, Villa Kujoyama à Kyoto, DAAD de Berlin), ainsi que pour son
orchestre de guitares électriques Sleaze Art, avant d'intégrer pleinement l'ordinateur à son travail, autant en termes de pensée
compositionnelle qu'en tant qu'instrument « live » à part entière.
En 2007, il fonde KERNEL, un ensemble d'ordinateurs dont la visée est l'interprétation live de grandes architectures musicales, des
pièces composées, avec les axes de réflexion induits par l'énoncé : Comment écrire pour l'électronique? Qu'est-ce que jouer (et jouer
ensemble) de l'ordinateur ?
Il développe des pièces basées sur des structures de matières sonores à évolutions lentes, habitées d'un scintillement interne,
foncièrement organiques et sensuelles, aussi subtiles que puissantes, requérant de l'auditeur bien d’avantages qu'une oreille, fût-ce
complaisante - aussi est-ce une musique d'abord à vivre, live.

Myriam Gourfink, chorégraphie

« La démarche de Myriam Gourfink est centrée sur une exigence radicale du corps dansant/mouvant contraint qui se plie avec rigueur
à d’autres temps étirés (la lenteur comme résistance), d’autres espaces interagissant (capteurs sensibles et micro mouvements) et
d’autres écritures inventées (post Laban à l’ère numérique). C’est cette notion de (re)composition mais aussi de notation du
mouvement contemporain qui est au centre de la démarche unique menée par une chorégraphe étroitement associée au
compositeur/sculpteur sonore Kasper T. Toeplitz qui lui aussi amène le spectateur-auditeur à repousser ses limites perceptives. Un
travail en recherche permanente qui redéfinit notre intimité la plus sensible. » (Philippe Franck)
Figure de proue de la recherche chorégraphique en France, elle reçoit la Bourse Beaumarchais 2000 pour son projet Too Generate. La
même année, elle est lauréate de la Villa Médicis hors les murs (New-York 2000) et, en 2002, elle reçoit une bourse d'écriture du
Ministère de la culture et de la communication pour un travail visant à développer une écriture pour la composition chorégraphique et
son intégration dans des dispositifs informatisés. Son œuvre s’inscrit largement dans cette relation à l’informatique (Glossolalie, Too
Generate, L'écarlate, Marine, Rare, Contraindre, L’Innommée, This is my house…) ; elle a été diffusée en France, en Belgique, en Suisse,
en Turquie, au Japon, au Canada, aux Etats-Unis...Artiste en résidence à l'IRCAM en 2004-2005, et au Fresnoy-studio national des arts
contemporains en 2005-2006, elle est, depuis janvier 2008, directrice du Centre de recherche et de composition chorégraphiques
(CRCC) à la Fondation Royaumont.

Déborah Lary, danseuse

Née en 1977, Déborah Lary se forme à la danse classique au Conservatoire de Paris de onze à quatorze ans. Deux ans plus tard, elle
intègre la compagnie de danse contemporaine de Catherine Escarret qui associe dans son travail des enfants et des adultes. En 1999,
elle obtient le Diplôme d’Etat en danse contemporaine aux Rencontres internationales de danse contemporaine (RIDC).
Elle rejoint ensuite diverses compagnies ; celles de Serge Keuten, de Faizal Zehgoudi, Arte Los (Sicile), Esther Aumatell (Nantes) et le
CCN de Karine Saporta.
En 2003, elle rencontre Olivier Bodin avec qui elle travaille sur la performance jusqu’en 2006. En 2005, elle découvre le travail de
Myriam Gourfink et participe à la création de This is my house. En 2006, elle développe les « X event 2 » Les gens d'Uterpan,
comprenant notamment quatre mois de performances à la Biennale d'art contemporain de Lyon en 2007. En 2008, elle travaille avec
Francoise Tartinville et Les gens d'Uterpan.

Trio « Journal intime »

Sylvain Bardiau, trompettiste
Sylvain BARDIAU étudie la trompette classique puis le jazz et les musiques improvisées avec Guy Touvron, Gilles Relisieux et Didier
Levallet. Compositeur, improvisateur, au bugle et au tuba comme à la trompette, il enregistre et joue sur scène avec différents
projets : la Little Big Campagnie des Musiques à Ouïr de Denis Charolles, le big band Ping Machine de Fred Maurin, la chanteuse
caraïbéenne Calypso Rose, le chanteur jamaïcain Winston Mc Anuff, la fanfare Les Faux Frères (avec notamment Fabien Kisoka,
Laurent Di Carlo, Fabrice Lerigab), le duo electro [gdZit] (avec Tangi Miossec), l'ensemble de soundpainting Amalgammes dirigé par
Christophe Mangou, les groupes Shuba-K, Java, 26 Pinel, Les Dentelles à Mamie, [Mino]taure.

31
Frédéric Gastard, saxophoniste
Saxophoniste de formation classique, puis de musique improvisée au CNSM de Paris, Frédéric Gastard participe depuis quelques
années à de nombreux projets mêlant musiques écrites et musique improvisées, notamment avec La Campagnie des Musiques A Ouir
(avec Denis Charolles et Christophe Monniot, puis Remi Sciuto, puis Alexandre Authelin), Mélosolex (avec Denis Charolles et Vincent
Peirani), Le Sacre Du Tympan de Fred Pallem, accompagne de nombreux chanteurs, comme André Minvielle, Eric Lareine, Brigitte
Fontaine, Loic Lantoine, croise la route de Django Bates, Michel Portal, Marc Duvret, Sanseverino, Arthur H... Participe au trio Montâgne
depuis avril 2006, compagnie de théatre/danse/musicHall contemporain plutôt réjouissante pour laquelle il compose, arrange et met
en scène. Il compose également la musique du spectacle L'Amourencaj, des Dentelles à Mamie, et la musique (avec Nicolas Gastard)
de la pièce de théâtre "On est pas seul dans sa peau" de Julie Beres / Compagnie les Cambrioleurs.

Matthias Mahler, tromboniste

Tombé dans la fanfare tout petit, Matthias Mahler débute un parcours cuivré aux côtés de son père trompettiste. La trompette et le
tuba d'abord, son dernier mot sera le trombone. Il étudie l'instrument auprès de ses premiers maîtres, Charles Hassler et Patrick Hanss
puis au CNR de Stasbourg et au CNSM de Paris. Après diverses expériences en musique de chambre et en orchestre symphonique il
prend des chemins de traverses et privilégie les espaces de liberté et l'improvisation. Les rencontres avec François Corneloup, Marc
Ducret, Eric Echampart et François Raulin le confortent dans cette direction.
Il est aujourd'hui actif dans les formations suivantes : la Little Big Campagnie des Musiques à Ouïr dirigée par Denis Charolles, X'tet et
Ciné X 'tet dirigés par Bruno Regnier, La Vie d'Issiba avec André Minvielle, Ozma,Taranta Babu, les Faux Frères....

Gate & Lyric(s)

David Jisse, récitant, samples
Commencer par la chanson, rencontrer Luc Ferrari et la liberté dans la musique, découvrir le travail de studio et l'art
radiophonique, composer pour le théâtre et le cinéma, glisser vers les antennes de Radio-France, transmettre et sensibiliser,
faire œuvre autour de la pédagogie…
Nos biographies s’écrivent souvent à notre insu, mais voilà qui est fait.
Diriger La Muse en Circuit, co-animer « Electromania » sur France-Musique, fonder le réseau « Futurs-composé », continuer à
écrire des chansons et à inventer des formes musicales inclassables…
Voilà ce qui reste à faire
L’histoire continue, un peu trop vite sans doute, mais toujours avec ce besoin de transmettre et d’émouvoir…

Valérie Philippin, voix

D’abord formée au théâtre et à la danse, elle étudie le chant lyrique en France puis en Italie, avant de se consacrer au répertoire du
XXe siècle et à la création contemporaine. Créatrice de nombreuses pièces solistes, on a pu l’entendre récemment dans divers
festivals français, à l’Ircam, à Radio France, ainsi qu’à l’étranger au Festival de musique électronique de Madrid, au Forum Neues
Musiktheater de l’Opéra de Stuttgart, au Summer Festival de Tokyo, à Oslo...
Dans sa discographie figurent des oeuvres de Georges Aperghis, Luciano Berio, Jean-Luc Hervé, André Hodeir, Sylvain
Kassap, François Sarhan, ... En 2005 elle a fondé l’ensemble instrumental « Kiosk » et monté en 2006 un spectacle autour de pièces de
musique de chambre et de théâtre musical de Georges Aperghis.

Wilfried Wendling, sample électroniques

Wilfried Wendling étudie l'écriture (harmonie, orchestration, analyse, contrepoint) au CNR de Reuil-Malmaison puis au conservatoire supérieur
de Paris pour ensuite se consacrer à la composition grâce à Georges Aperghis puis Philippe Leroux.
Grâce à Thierry Coduis, au sein de La-Kitchen, il collabore à différents projets technologiques pour des compositeurs comme Ivan Fedele, Jean
Batiste Barrière, Pascal Dussapin...
Ces compositions uniquement musicales ont été jouées par différents ensembles : Musique Nouvelle, Alchemy, Laborinthus, Diffraction ; dans
de nombreux lieux : Odéon théâtre de l'Europe, diverses scènes nationales et CDN, Maison de la musique de Nanterre, Instants chavirés, GRM,
La Muse en Circuit (...) et divers festivals : Musique Action, Présence, Monce musique, Extension…
Depuis 2000, il travaille avec l'ensemble Diffraction avec lequel il créé de nombreuses "performances de théâtre sonore" présentées lors des
Nuits blanches à Paris, à l'Opéra comique, Théâtre de la Cité Internationale, la Gaité lyrique, dans plusieurs festivals en France et à l'étranger
ainsi que dans de nombreuses salles alternatives.
Il joue et/ou écrit pour des personnalités comme Hélène Breschand, Donatienne Michel-Dansac, Denis Lavant, Jac Berrocal, Pablo Cuecco,
David Jisse, Natacha Musléra, Philippe Cornus, Hélène Labarière, Sylvain Kassap, Jacques Tholot...
Il collabore (musique électronique et vidéo) avec Roland Auzet depuis 2008 sur différents projets pluridisciplinaires. Le spectacle « 2 hommes
jonglaient dans leur tête » (Roland Auzet, Jérôme Thomas, Mathurin Bolze) est en tournée jusqu'en 2011.
Il est membre, avec Eryck Abecassis, de l'ensemble KERNEL, créé par Kasper T. Toeplitz.
Wilfried Wendling compose et met en scène dès 1995 des spectacles pluridisciplinaires notamment présentés au Théâtre des Amandiers,
l'Odéon théâtre de l'Europe (avec François Sarhan) et à la Maison de la Poésie de Paris. Il a collaboré avec des auteurs comme Jacques Jouet,
Luc Boltanski, Olivier Cohen.... Il est artiste associé à la Maison de la Poésie de Paris de 2010 à 2012 avec le soutien de la DGCA et de la
SACEM.

Un posible día
Javier Torres Maldonado, compositeur
Né au Mexique en 1968, Javier Torres Maldonado a étudié au Conservatoire National de Musique du Mexique, au Conservatoire “
G. Verdi ” de Milan, et à l’IRCAM (Paris). Il s’est perfectionné en composition entre autres auprès de Franco Donatoni, Azio Corghi et
Ivan Fedele. Il a remporté de nombreux prix de composition internationaux (en Belgique, en Suisse, en Italie, en Autriche et au
Canada), et a reçu le «Prix des musiciens» au Forum 1998 (Montréal) organisé par le Nouvel Ensemble moderne, qui l’avait sélectionné
pour représenter l’Amérique Latine. Sa musique est régulièrement jouée et commandée par des ensembles très variés, dans des
festivals prestigieux d’Europe et d’Amérique du Nord. En octobre 2006, il présentait en première mondiale une nouvelle œuvre pour 6
groupes orchestraux et dispositif électronique commandée par La Biennale de Venise. Il enseigne actuellement la composition
musicale électronique et la composition assistée par ordinateur au Conservatoire d’Alessandria (Italie), en plus d’être Directeur

32
artistique du Dynamis Ensemble.

L’Ensemble 2e2m
Cf Aelita Queen of Mars

A la recherche du rythme perdu

Jacques Monory, peintre
Né le 25 juin 1934 à Paris, Jacques Monory suit une formation de graphiste, de peintre, de fresquiste et de décorateur dans une école
d'arts appliqués, puis travaille durant dix ans chez l'éditeur d'art Delpire. Il se trouve alors confronté au monde de de la direction
artistique et des documents photographiques qui influencent particulièrement sa pratique plastique. Membre actif du courant de la
figuration narrative dès 1962, Monory est par conséquent très attaché à la représentation de l'actualité. Depuis sa première
exposition en 1955 à la galerie Kléber à Paris, Monory est mis à l'honneur en France et dans toute l'Europe, comme à la galerie Sonia
Zannettacci à Genève en 1999 ou à la galerie Ernst Hilger de Vienne en 2005. La peinture de Monory correspond à un besoin
d'expression cathartique de la réalité, interrogeant de manière obsessionnelle la violence du quotidien ainsi que la mort, comme en
témoigne la série des 'Meurtres' de 1968-1969. Ses figures peintes en bleu, en rose ou en jaune évoquent des ambiances pesantes,
menaçantes. Baignant souvent sur un fond monochrome d'un bleu algide, elles sont des allégories du monde contemporain, que le
peintre développe par des séries de toiles constituées de plusieurs tableaux, la plus courte - l''Hommage à Caspar David Friedrich'- en
comptant cinq. La série 'New York' de 1971 évoque quant à elle la solitude et l'attente, tandis que celle des 'Ciels' de 1979-1980
explore la notion de cosmos. La constance dans la monochromie, l'influence de la photographie et du cinéma, ainsi que la froideur
d'une composition nettement identifiable caractérisent le style figuratif marginal de Monory, aujourd'hui considéré comme un
représentant majeur de la figuration narrative.

Luc Ferrari, compositeur

Après des études au conservatoire de Paris, en particulier auprès d’Olivier Messiaen, et un passage par le sérialisme, Luc Ferrari entre
en 1957 au Groupe de Recherches Musicales de la RTF dirigé par Pierre Schaeffer où il devient une des figures pionnières de la
musique concrète. Sans jamais cesser pour autant d’écrire des pièces instrumentales, c’est d’une façon extrêmement originale qu’il va
se consacrer à faire entrer, sous la forme de « paysages sonores », la réalité du quotidien dans la musique électroacoustique avec des
œuvres telles que Hétérozygote (1963) et Presque Rien N°1 (1967). Réalisateur de nombreux « Hörspiele » radiophoniques et
s’ouvrant parfois au théâtre musical, il fonde en 1981 le studio de recherche La Muse en Circuit. Réfractaire à tout dogme et muni du
magnétophone-stylo d’un « journaliste musicien », Luc Ferrari n’a cessé de conjuguer avec bonheur l’émotion, la sensualité et l’humour
dans des œuvres dont la portée dépasse de beaucoup la simple notion de « musique anecdotique » qu’il leur attribuait. Très
récemment, il s’était lancé dans des improvisations en public avec de jeunes musiciens « électro » tels que ErikM, DJ Olive et Scanner.
Créateur passionné par l’observation du réel, les désordres du corps seront la source de ses deux dernières œuvres. Créées le 17 juin
dernier à la Chauds-de-Fonds, en Suisse, Les Arythmiques prennent en compte ses récents troubles cardiaques tandis que Morbido
Symphony, en cours d’écriture, explore la gamme des sensations liées à la maladie. Son dernier commentaire sur cette pièce est
qu’elle allait être très drôle.

Bernard Cavanna, compositeur

C'est fortement encouragé par Henri Dutilleux, Georges Aperghis, Paul Méfano ou Aurèle Stroë que Bernard Cavanna (né en 1951) se
consacre à la composition.
Pensionnaire à la Villa Médicis (85/86), Bourse annuelle de la création, Prix SACEM pour la meilleure création contemporaine (1998),
lauréat de la Tribune Internationale de l'Unesco (1999), Victoire de la musique, ses oeuvres ont produit une forte impression sur le
public et la critique ; on citera particulièrement Io pour voix et onze instruments (1979/80), la confession impudique (1987/92) opéra
d'après le roman de Tanizaki, Messe un jour ordinaire (1993/94), oeuvre inspirée du documentaire filmé de Jean Michel Carré (Galères
de femmes), les trois chants cruels (2000) pour soprano et orchestre ou le Concerto pour violon (1998/99), oeuvre commandée par
Radio France pour la violoniste Noëmi Schindler et l'orchestre Philharmonique.
Bernard Cavanna a également travaillé au théâtre pour Antoine Vitez, Stuart Seide ou Daniel Martin, Xing Xiang Gao, pour les
chorégraphes Caroline Marcadé et Angelin Preljocaj, Odile Duboc, les cinéastes Pierre-Henry Salfaty et Alain Fleischer (avec qui il
collabore régulièrement depuis 12 ans).
Parallèlement à ses activités de compositeur, il dirige l'école nationale de musique de Gennevilliers depuis 1987 et anime également
l'ensemble 2e 2m.
Il a par ailleurs produit et réalisé avec Laurence Pietrzak un film documentaire sur le compositeur Aurèle Stroë, qui a obtenu
récemment une mention spéciale du jury lors du festival "Classique en images " organisé par le Musée du Louvre.

Hélène Breschand, harpiste

Toutes les harpistes sont sauvages et fières, car aucun son ne se laisse apprivoiser. Abandonnée puis ayant grandie sur la scène,
Hélène Breschand ne s'est assagie qu'en apparence. Ne venez voir aucun spectacle où elle ne figure sans lumière, car c'est dans
l'obscurité que les cordes vibrantes ne lui suffisent plus. Des coups sourds, murmures impatients aux griffures subites, les caresses
râpeuses succèdent aux claques sonores, donnent envie d'être une harpe. Qui aime les vives mélodies et les arpèges coulants ?
Hélène BRESCHAND fait partie de ces musiciens capables d'évoluer à la limite de plusieurs domaines qui vont de la musique
contemporaine au Jazz. Elle mène une carrière de soliste et de chambriste, tant à travers le répertoire contemporain et les créations,
que l'improvisation, le théâtre musical et les arts plastiques.
Parallèlement à son travail de création en musique de chambre et en orchestre , où elle a pu rencontrer et travailler avec Luciano
Berio, Bernard Cavanna, Pascal Dusapin, Luc Ferrari, Emmanuel Nùnes … collaborer avec les ensembles Le Banquet, Ars Nova, 2e2m,
Erwartung, Transeuropéennes …, Hélène Breschand est dédicataire de plusieurs œuvres pour harpe solo, telles que :
Prologue et miniatures de Gilles Carré, Grains d’espace de Damien Charron, Lune Rousse de Marie-Hélène Fournier
Claire, et Another landscape de Sylvain Kassap, Instantanés de Hans-Ulrich Lehmann...
On peut l'entendre régulièrement dans le repertoire contemporain, à travers des compositeurs tels que : Georges Aperghis, Luciano
Berio, John Cage, Mauricio Kagel, Toru Takemitsu, Yoshihisa Taïra, Tôn-Thât Tîet et dans un domaine plus jazz, jouant des
compositions de Pablo Cueco, Didier Petit, Patricio Villaroel.

33
 Composer le réel & Méandres
Les lauréates du concours

Caroline Bouissou, performeuse

Artiste pluridisciplinaire, Caroline Bouissou a surtout une pratique de performance et utilise ce médium pour jouer de l'espace public,
elle implique souvent la communauté dans ses performances et met en place des actions auxquelles elle invite à réagir et prendre
part. La dimension sonore dans le travail de Caroline Bouissou prend la forme d'une attention spécifique dans ses performances
("Mme Madi", "Détermination aveugle", "Détonnance"...) et de collaborations (avec Yannick Dauby et Christophe Havard, DinahBird,
Jérôme Joy...). Elle participe de l'extension du post-diplôme Locus Sonus (recherche sonore) depuis 2005 et fait partie de l'opéra
radiophonique "Sobralasolas !" Elle a participé à de nombreuses expositions et résidences au Japon, à Taiwan, en France, en Italie, en
Espagne. http://caroline.bouissou.free.fr/ http://bloukblouk.blogspot.com/

DinahBird, compositrice
DinahBird réalise des programmes radiophoniques, des créations sonores, des bandes sons de films et des installations sonores. Ses
récents travaux incluent : « When Silence Sings », un paysage sonore composé pour la BBC Radio3, « Luas Carol » , une collaboration
son/vidéo qui observe les mutations urbaines de la banlieue de Dublin depuis son nouveau tramway, « Songs of the Brewery », une
installation sonore et création radiophonique pour la ville de Cork, capitale européenne de la Culture en 2005. Ses œuvres ont été
diffusées sur BBC Radio 4, BBC Radio 3, à l’Atelier de Création Radiophonique (France Culture), Résonance FM, le réseau Radia et sur
Kunst Radio. Elle s'est également produite en concert au Centre Pompidou et au Palais de Tokyo à Paris et travaille actuellement au
musée d’Art moderne de la Ville de Paris pour lequel elle réalise des créations sonores et conçoit des ateliers de création sonore en
correspondance avec les expositions. http://www.radio1001.org/Members/dinah

Sarah Boothroyd, compositrice

La Canadienne Sarah Boothroyd a étudié l’art visuel et le design de costume pendant ses études universitaires de philosophie et son
master de journalisme de radiotélévision.
C’est cette formation éclectique qui influence son approche variée de l’art sonore qui combine une multitude de sources s’appuyant
sur les appareils et les techniques du film, de la musique, des arts littéraires et du théâtre. Depuis ses débuts dans la production d’art
radiophonique en 2005, ses œuvres ont été radiodiffusées et présentées dans les festivals et galeries dans plus d’une douzaine pays.
Elle a aussi reçus des prix et des offres de résidences dont New aventures in Sound Art, Third Coast International Audio Festival, the
European Broadcasting Union, et les New York Festivals.

Floy Krouchi, musicienne, compositrice électroacoustique, performeuse.

Elle réalise des pièces et performances sonores pour la radio, la danse, le spectacle vivant, des vidéos expérimentales et des
installations multimédias. Elle a conçu une performance en Inde sur les frontières de l’Identité et du Genre et a enregistré plusieurs
albums.
Ses créations, solos ou en collaboration, sont jouées depuis 1995 en France (Palais de Tokyo, Nuit Blanche, GRM, Maison des Métallos,
Nuit Bleue), en Europe (Espagne, Allemagne, Italie, Belgique, Angleterre, Pologne, Tchéquie), et au-delà (Etats Unis, Chine, Oman, Inde,
Liban).
Elle co-fonde le collectif de musiciennes "Mafucage" avec lequel elle joue de 1994 à 2003 et fait actuellement partie du collectif de
compositeurs acousmatiques OTO.
En 2009, elle est lauréate de la Villa Médicis Hors-les-Murs pour un séjour de recherche et création en Inde, finalisé par l’album “A
Stream of Love” (Toolbox Records).En 2010 elle produit "Hijras Diaries" pour l’ Atelier de Création Radiophonique de France Culture.

Méandres / Choses bêlantes dans le grand large

Luis Naón, compositeur
Né à La Plata en Argentine en 1961, le compositeur fait ses études musicales à Buenos Aires puis au Conservatoire National
Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP) avec Guy Reibel, Laurent Cuniot, Daniel Teruggi, le Conservatoire de Pantin avec Sergio
Ortega, et l’Université Paris 8 avec Horacio Vaggione.
Animé par le rapport entre composition et technologies, Luis Naón est professeur au CNSMDP ; à l’ESMUC (Escola Superior de Musica
de Catalunya), et à la Haute Ecole de Musique de Genève.
Ses œuvres ont reçu des prix et distinctions à la Tribune Internationale de Compositeurs (UNESCO 90 et 96), Fondo Nacional de las
Artes (Argentine), Prix TRINAC, Olympia Composition Prize, Prix Municipal de la ville de Buenos Aires. Nomination pour les “3e Victoires
de la Musique Classique”, Prix "Enesco" de la SACEM, Prix "Luis de Narvaez" de la Caja de Granada.
Les croisements artistiques autour de la musique constituent un pan important de son travail. En témoigne sa collaboration avec Ars
Nova ensemble instrumental, pour lequel il écrit, à l’occasion de sa résidence à La Muse en Circuit, la musique du spectacle
chorégraphique musical « Les Princesses» (inauguration du Théâtre Auditorium de Poitiers). Il réalise actuellement les deux derniers
maillons de son cycle de 24 +1 œuvres pour diverses formations : URBANA.

34
Gwenaëlle Stubbe, poètesse & performeuse
Gwenaëlle Stubbe, née 1972, vit et travaille en France, poète, prosateur, dramaturge, dernière publication, Ma tante Sidonie aux
éditions P.O.L. 2010, lectures/performances en France et à l’étranger (les dernières : Mexique, Maroc, Algérie, Suède, Norvège, etc.),
prix Amic de l’Académie française.
Livres traduits : Oorlogepisode, en néerlandais, traducteur: Piet Joostens, Gand, 2008. Min tante Sidonie, en norvégien, traducteur:
Thomas Lundbo, ATTAT 14, Oslo, 2008. Tja (Bof), traducteur: Piet Joostens, Hollande, éd.Slibreeks, 2010. Master en cours à l’Ehess :
Genre, politique et sexualité. Fictions radiophoniques : Ma tante Sidonie, France culture, Atelier de création radiophonique, réalisatrice
Marie-Laure Ciboulet, juin 2009. Episode guerrier, France culture, fiction radiophonique, octobre 2009. En ligne, Arte radio.com 2008
(Zoo:www.arteradio.com/son.html?264008).
« Gwenaëlle Stubbe est, avec Charles Pennequin, l'un(e) des meilleur(e)s lecteur/performer d'aujourd'hui. A mi-chemin entre la
tenancière d'un music-hall flamand des années 20 et une jeune Vénusienne fraîchement débarquée, elle aligne d'une voix de gorge
des propositions encore plus stupéfiantes que sa présence scénique ». (Nathalie Quintane)

Extrait de Choses bêlantes bêlantes dans le grand large

“Une épopée contemporaine, avec 100 bustes proéminents sur un établi de mer, qqchose sur l’eau, et tout ce beau monde en partance
pour une épopée imminente. Les bustes tirés vers la performance. L’aventure sur une embarcation incalculable et cette marmaille
fière de son destin. Contemporain, portail ouvert sur la mer. A bord donc d’un yacht, d’un radeau, toutes sortes de personnes à bord qui
démarrent au départ d’un bête plan d’eau.“ Gwenaëlle Stübbe
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Centre national de création musicale, La Muse en Circuit est un espace dédié aux musiques contemporaines, qu’elles soient
électroacoustiques, mixtes ou instrumentales.
Ses studios accueillent compositeurs et instrumentistes, mais également des artistes dont les préoccupations croisent celles de la
musique liée aux technologies (spectacle vivant, installations, performances…).
La Muse en Circuit, à travers ces « résidences », donne les moyens de l’expérimentation et propose un accompagnement artistique et
technologique qui peut trouver, dans le cadre de sa saison de diffusion, une programmation notamment lors de son festival Extension
.Elle organise tous les deux ans le concours international Luc Ferrari dédié à l’art radiophonique.
La transmission et la formation est une part importante de ses activités. Ces « pédagogies » s’inscrivent aussi bien dans le champ de
l’enseignement généraliste, de l’enseignement spécialisé, qu’ en direction du grand public.
La Muse en Circuit développe un travail de recherche et de « veille » technologique, indispensable pour faire vivre l’art musical de
demain. Enfin le label discographique Alamuse est une autre manière de valoriser tous ce travail et les œuvres qui en sont issues et
de les transmettre au public.
La Muse en Circuit est soutenue par le ministère de la Culture et de la Communication/DRAC Ile-de-France, le Conseil régional d'Ile-de-France, le Conseil général du
Val-de-Marne, la Ville d'Alfortville.Elle est aidée par la Ville de Paris, la SACEM, l’ONDA, la SPEDIDAM, l’ADAMI, le FCM, la DAAC de Créteil. La Muse en Circuit fait
partie de Futurs Composés, réseau national de la création musicale.

35
Les Circuits de la Muse
La Muse en Circuit est soutenue par le Ministère de la culture et de la communication/DRAC Ile-de-
France, le Conseil régional d'Ile-de-France, le Conseil général du Val-de-Marne, la Ville d'Alfortville.
Elle est aidée par la Ville de Paris, la SACEM, l’ONDA, la SPEDIDAM, l’ADAMI, le FCM, la DAAC de
Créteil. La Muse en Circuit fait partie de Futurs Composés, réseau national de la création musicale.

• Les partenaires institutionnels

• Les sociétés civiles

• Les structures partenaires

36
Les partenaires Médias

Le concert monographique Thierry Blondeau (24 avril) et Un Posible Día (20

mai) seront enregistrés par France Musique.

37
 La Muse en Circuit remercie les partenaires et les structures d’accueil sans
lesquels cette programmation n’aurait pas eu lieu

• L’auditorium Jean-Pierre Miquel de Vincennes et le service culturel de la Ville de

Vincennes, direction Françoise Pannetier
• Biennale internationale des poètes en Val-de-Marne, direction Jean-Pierre Balpe
• Le Centre de documentation de la musique contemporaine, direction Laure Marcel-
Berlioz
• Le Conservatoire d’Ivry-sur-Seine, direction Jean-Michel Berrette
• Le Conservatoire de Vitry-sur-Seine, direction Javier Gonzales
• L’ École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, direction Geneviève Gallot
• L’Espace Culturel André Malraux du Kremlin-Bicêtre, direction Christine Godart
• La Gaîté Lyrique, direction Jérôme Delormas
• Le Générateur de Gentilly, direction Anne Dreyfus
• L’Orangerie de Cachan et le service culturel de la Ville de Cachan, direction Jean-
Jacques Jaffredo
• La Maison des Arts de Créteil, direction Didier Fusillier
• La Maison de la Poésie à Paris, direction Claude Guerre
• Le Pôle Culturel d’Alfortville, direction Nora Gontharet
• Le Théâtre des Bouffes du Nord, Olivier Mantei et Olivier Poubelle
• Le Théâtre de Cachan Jacques Carat, direction Jean-Pierre Prevost
• Le Théâtre Gérard Philipe de Champigny-sur-Marne et le service culturel de la ville
de Champigny-sur-Marne, direction Danielle Bellini
• Le Théâtre Romain Rolland de Villejuif, direction Alexandre Krief
• La Maison de la Poésie à Paris, direction Claude Guerre

Geneviève Gallot, présidente
Pierre Costes, Henry Fourès, vice-présidents
David Jisse, directeur
Françoise Paimblanc, administratrice
Sébastien Béranger, conseiller auprès du
directeur, responsable de la pédagogie et de
la recherche
L’équipe de La Muse
Vincent Estève, assistant de direction
Arthur Lassaigne, chargé de communication,
relations aux publics
Laurent Codoul, directeur technique
Camille Lezer, technicien son
Yves Guinchat, professeur relais de la DAAC
de Créteil

La Muse en Circuit
18, rue Marcelin Berthelot
94140 Alfortville
tel : 01 43 78 80 80 / fax 01 43 68 25 52
www.alamuse.com

38