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Tema
Fauvismo
Movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que
revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. Los fauvistas rechazaron la paleta
de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos,
introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un mayor
énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de
trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.
El término fauves, literalmente ‘fieras’, fue una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica con
motivo de la primera exposición, en el Salón de Otoño de 1905, aunque los miembros del grupo
ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta fecha. Sus integrantes fueron André Derain,
Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy,
Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal exponente. El término fauves nunca fue
aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe de ningún modo su intención subjetiva
ni el lirismo de sus imágenes.
Puente de Londres
Técnicamente, el uso fauvista del color derivó de los experimentos realizados por Matisse en
Saint-Tropez durante el verano de 1904, donde contactó con los pintores que aplicaban
pequeñas manchas de color puro para conseguir una imagen óptica más científica que la de los
impresionistas. Los cuadros neoimpresionistas de Matisse, mientras siguió estrictamente estas
reglas, ya mostraban un pronunciado interés por el lirismo del color.
En el verano de 1905, Matisse y Derain pintaron juntos en Collioure con “una luz dorada que
elimina sombras”. Empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas
vigorosas y uniformes, obteniendo así campos lumínicos más que representaciones objetivas de
la luz. Con su colorido estridente, estos cuadros evocan en el espectador el espíritu del
Mediterráneo. Cuando ambos conocieron las pinturas de los mares del Sur de Gauguin, se
confirmaron en sus teorías sobre la subjetividad del color y se consolidó el movimiento fauvista.
Matisse rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color: la nariz de
una mujer puede representarse con una mancha verde si con ello se añade expresividad a la
composición. “Yo no pinto mujeres, pinto cuadros”, dijo textualmente este artista.
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Arte naïf
El primer arte naïf, el del mundo rural, se inspiraba a menudo en la imaginación creadora de
los artesanos que vivían en un entorno relativamente autárquico. Este arte desapareció con el
inicio de la producción en serie durante la Revolución Industrial y, aunque durante mucho tiempo
fue despreciado, posteriormente se vio revalorizado por el romanticismo y las reivindicaciones
nacionalistas del siglo XIX antes de pasar a convertirse en objeto etnográfico. El arte naïf de
finales del siglo XIX y de principios del siglo XX, muy diferente al anterior, estuvo íntimamente
ligado al desarraigo urbano: añoraba la naturaleza perdida concebida como idílica desde una
visión nostálgica del pasado y buscaba sus orígenes bíblicos, mitológicos, exóticos, legendarios,
oníricos y a veces surrealistas. Este arte no deseaba representar la vida cotidiana ni tuvo
ambiciones revolucionarias, sino que buscaba una representación sencilla y, en ocasiones,
idealizada del mundo.
Entre los más destacados representantes de este arte se encuentra el pintor francés Henri
Rousseau, conocido como el Aduanero. Movimientos vanguardistas como Der Blaue Reiter
subrayaron, además, la importancia del naïf en la evolución del arte moderno. La exposición
universal de París de 1937 dio a conocer a muchos de estos artistas. Después de la II Guerra
Mundial se multiplicaron las exposiciones: Baden-Baden en 1961, París y Rotterdam en 1964, la
exposición itinerante de artistas naïf americanos en 1967-1968, Zurich en 1975 y la retrospectiva
de Rousseau en 1984-1985 en el Grand Palais de París.
Actualmente son numerosos los pintores naïfs reconocidos en Europa: Aristide Caillaud en
Francia, Orneore Meteli en Italia, Miguel Vivancos en España y Théophilos Hadzimichael en
Grecia. En los países socialistas, con un arte ligado al folclore nacional, se han desarrollado
verdaderas escuelas de pintura naïf, con el georgiano Niko Pirosmanachvili en Rusia e Ivan
Generalic en Yugoslavia. En Estados Unidos, el movimiento naïf tuvo su máxima expresión en la
tradición artística de los pioneros y de los retratistas ambulantes, siendo Edward Hicks uno de
sus representantes más destacados. En América Latina, el arte naïf, siempre relacionado con las
tradiciones ancestrales, está a menudo ligado a diversos cultos animistas. Existen diferentes
museos dedicados a este estilo artístico, como el de Laval, ciudad natal de Rousseau.2
Art Nouveau
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INTRODUCCION
Art Nouveau
Modernismo (arte), denominación que literalmente significa ‘arte nuevo’ y se utiliza para
designar un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y diseño europeos
durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX. En España se denominó
modernismo, en Alemania Judendstil y en Austria Sezessionstil. En Italia se conoció como Stile
Liberty, en referencia a la tienda de Arthur Liberty, que había sido decisiva en la difusión del
estilo por el continente europeo.
Vasijas de Tiffany
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Isolda
El Art Nouveau se caracteriza por utilizar líneas curvas muy largas basadas en sinuosas
formas vegetales y con frecuentes elementos fantásticos. Fue, sobre todo, un estilo decorativo y
como tal se utilizó con gran éxito en metalistería, joyería, cristalerías e ilustración de libros, en los
que queda patente la influencia de los grabados japoneses.
El beso
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Por lo general, se considera que los más antiguos ejemplos de Art Nouveau son las obras del
arquitecto inglés Arthur Mackmurdo, en especial su silla diseñada en 1882 y el grabado para la
cubierta de un libro (Las primeras iglesias de Wren) de 1883. Ambos ejemplos muestran las
líneas ondulantes que habrían de convertirse en sello distintivo del movimiento. Los diseños
textiles que Arthur Liberty vendía en su famosa tienda londinense, fundada en 1875, y las
ilustraciones de Aubrey Beardsley —en particular las que hizo para el Yellow Book (El libro
amarillo) en 1894 y para Salomé (1894) del escritor inglés Oscar Wilde— llevaron al Art Nouveau
inglés a sus más altas cimas. Las exposiciones anuales de la Sociedad de Exposiciones Arts &
Crafts, que comenzaron en 1888, ayudaron a la difusión de este estilo, y una revista nueva, The
Studio (fundada en 1893), contribuyó a su divulgación por Europa.
Casa Batlló
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CONCLUSION
Hacia 1910 este estilo estaba en decadencia y tras la I Guerra Mundial fue reemplazado
por la impecable elegancia del Art Déco. Nunca fue un estilo generalizado, ya que las mejores
obras resultaban costosas y no podían producirse en serie, pero volvió a estar en boga a
mediados del siglo XX gracias a la exposiciones de Zurich de 1952, de Londres (1952 1953) y de
Nueva York (1960).
BIBLIOGRAFIA
SITIOS
www.Google.com
www.bcn.com
www.cultural7pintura.com
www.gvsu.edu
www.galartes.com
www.artenhistoria.com