Вы находитесь на странице: 1из 9

Английская школа живописи XVIII века

В то время как многие национальные школы живописи переживали расцвет, английская


находилась в зависимом от чужеземных мастеров положении. Только в 18 веке в
английской живописи появляются крупные художники. В период с 1730- х годов и до
1830 года английская национальная школа живописи и особенно графики вносит
заметный вклад в художественную культуру Европы в трех областях - портрете,
карикатуре и пейзаже. В отличие от Франции, английское портретное искусство не
знало резкого конфликта «парика и лысины». В английской живопси совершенно не
привился приподнято-риторический язык барочного искусства. Голландские
буржуазные вкусы, утвердившиеся в Англии вместе с королем Вильгельмом II- м,
пережитки собственных пуританских традиций сообщали даже придворным портретам
начала века суровость и сдержанность. Родоначальником нового английского искусства
был Уильям Хогарт, первый худохник – профессионал, сделавший свое искусство
актуальным.

Уильям Хогарт (1697-1764) создал множество гравюр. Идея Просвещения о разумно


устройстве общества и о необходимости борьбы с препятствиями на пути общественного
прогресса не обошла внимание и работы мастера на нравоучительные темы. В 1732
году вышла в свет «Карьера проститутки», сразу получившая известность, затем цикл
из 8 листов «Карьера мота». Через 10 лет Хогарт создает самый известный цикл
«Модный брак», состоящий из 6 картин. Один из последних циклов – «Парламентские
выборы», составленные из 4 – х картин, отличающих сатирической остротой и смелой
живописью.

Хогарта пользовались таким спросом, что попадали в самые отдаленные уголки не


только Англии, но и континентальной Европы.

В 1757 году Хогарт стал придворным живописцем. Хогарт строит композицию


соответственно общей драматургической концепции. Каждая из его картин трактуется
художником как сцена, открытая для зрителя. Основные герои располагаются на
переднем плане, глубина пространства ограничена, действие развернуто параллельно
плоскости картины. Хогарт сдвигает композиционный центр относительно центральной
оси, что соответствовало открытого им принципу «линии красоты», выдвинутом в
трактате «Анализ красоты» 1753 года. В своих картинах Хогарт стремится к обличению
социальных ему порядков в Англии. Таков его «Марш в Финчли»: художник показывает,
как через окраину Лондона проходят полки, направляясь к месту сбора, чтобы
выступить против высадившихся в Англии сторонников свергнутых Стюартов. При этом
художник подчеркивает сумятицу и неразбериху среди солдат, общую
дезорганизованность. Портреты Хогарта составляют важную часть его творческого
наследства. Он пишет так называемые «разговорные картины», в которых персонажи
связаны общим сюжетом.

Портреты Хогарта составляют важную часть его творческого наследия, среди лучших -
«Продавщица креветок», созданная в начале 60- х годов.

Джошуа Рейнольдс (1723-1792) сын пастора, прошедший солидную выучку в Англии и


проходивший стажировку в Италии, был одним из самых образованных людей своего
времени. Он принимал активное участие в политической жизни, стал первым
президентом Британской академии художеств, видным политическим деятелем,
хозяином модного аристократического салона, внес в традиционный жанр портрета
психологическую характеристику личности. Используя аллегорическую форму,
художник создает вполне реалистические портреты, подчеркивая личностные качества,
богатство духовного мира. Рейнолдс стремился реформировать аристократическую
традицию барочного портрета на основе буржуазных идей, сочетая экспрессию с
декоративностью. Рейнолдс любил изображать свои модели с применением аллегорий.

Полной противоложностью образованному и склонному к публичности


Рейнолдсу был Томас Гейнсборо (1727-1788). Сын текстильного фабриканта,
не склонный к интеллектуальным занятиям, не любивший городскую жизнь,
консервативно настроенный, он работал главным образом в атмосфере
провинции. Искусство Гейнсборо эмоционально, лирично. Гейнсборо особо
удавались женские портреты. У него встречается своеобычный вид портрета,
ограничивающий изображение туманным образом в зеркале. Очень часты у
художника парные портреты, где изображенные подчинены общему
настроению. Природа у Гейнсборо всегда погружена в мерцающий розовато –
лиловыми и фиолетовыми тонами туман, она наделена чуствами самого
художника, меланхоличного и печального. Гейнсборо передает не облик
природы, а настроения от ее лицезрения, создавая лирический пейзаж. Самая
знаменитая картина Гейнсборо «Голубой мальчик»

Ампир

В начале века в архитектуре господствует ампир - художественный стиль, созданный во


Франции в эпоху установления империи Наполеона Бонапарта. Хронологические рамки
стиля Империи небольшие – от конца правления Директории 1799 года до реставрации
во Франции власти Бурбонов в 1815 году. Наполеон стремился к тому, чтобы время его
правления сравнивали с правлением римских императоров. Основными источниками
творческого вдохновения для ампира стало искусство императорского Рима, а после
похода в Египет 1798 – 1799 годов также элементы культуры Древнего Египта.

Ампир строил композицию зданий на контрасте поля поверхности стены, мебели и узких
орнаментальных поясов в местах, подчеркивающих конструкцию.Если для классицизма
были характерны мягкие, априглушенные цвета, то для ампира красные, синие, белый с
золотым.

В античности ампир черпал, одной стороны, монументальность, лаконизм, а с другой –


идею утверждения имперского величия через посредство многочисленных атрибутов и
символов. Широкое распространение в архитектуре получили массивные портики
дорического и тосканского ордера, контрастирующие с гладью стен и геометризмом
объемов, а декор зданий был нередко перегружен военной атрибутикой главным
образом римского происхождения (ликторские связки, пучки стрел, легионерские знаки
с орлами, доспехи, венки, геральдические орлы и т.п.). Пластические особенности
древнеегипетского искусства подсказали мастерам ампира активное использование
больших нерасчлененных поверхностей стен, геометрическую правильность цельных
объемов зданий, массивность пилонов и колонн. Мастера ампира прибегали к мотивам
древнеегипетских орнаментов и символов, среди которых ведущее место отводилось
изображениям сфинксов. Для ампира характерны такие новшества, как усиление
градообразующей роли фасадов зданий. В императорский период во Франции широкое
распространение получили заимствования архитектурных типов и форм древности
(триумфальные арки, обелиски, колонны) и мотивов декора интерьера (рельефы по
мотивам древнеегипетских, помпеянских росписей). Декоративные вазы,
напоминающие греческие или этрусские образцы. Мебель Франсуа Жакоба с
использованием сочетания дерева и золоченного бронзового декора и т.д. Ампир
служит репрезентации власти такими компонентами интерьера, как затянутые
драпирквками стены, балдахины, монументальные кровати, затканная золотом обивка
мебели, украшенные бронзой массивные зеркала. Монолитные кубической формы
шкафы, появаляется короткая кушетка с высоким, плавно изогнутым изголовьем – т.н.
«рекамье», маленькие круглые столы на одной ножке. Излюбленным материалом
остается красное дерево, но оно трудно поддается резьбе, поэтому и используют
бронозовые накладки.

Живопись представлена во Франции Жан Огюстом Домиником Энгром (1780 – 1867 гг.).
Ученик Давида, Энгр в юности был музыкантом. Даже выступал как солись. В 1806 –
1824 годах жил и работал в Италии. В 1834 году был назначен директором Французской
Академии. Создавал картины на литературные и мифологические сюжеты, среди
которых «Юпитер и Антиопа», Апофеоз Гомера». Портреты Энгра отличает точность
наблюдений, глубина психологической характеристики («Мадам Девосс»). Особую роль
в творчестве Энгра играл гибкий, линейный рисунок.

Присущая армпиру регламенированность исключила возникновение национальных


школ, враждебен народным традициям. Ни одни из стран, которую присоединил к своей
империи Наполерн, не переняла у Франции новый стиль, кроме России –
победительницы.

Романтизм в европейском искусстве

Романтическое искусство характеризуется резким разрывом идеала и действительности. Романтики


отчетливо сознавали свое враждебное отношение в стяжательской, мещанской жизни. Находясь в оппозиции
к буржуазному обществу, романтики не принимали и служащее ему искусство.

Впервые термин «романтизм» относительно живописи был применен в некрологе рано умершего художника
Теодора Жерико (1791-1824 гг.), создателя таких картин, как «Офицер конных стрелков перед атакой»,
«Раненный кирасир, уходящий с линии огня» 1812-1814 гг. Тема его картины «Плот Медузы» - гибель
пассажирского корабля по вине морского пароходства, отправившего в плавание негодный корабль. Она
привлекла широкое внимание общественности, обвинивший в катастрофе политический режим Реставрации.
Эжен Делакруа (1798-1863), сюжеты картин которого типичны для романтизма, отвергающего жизненный
материал «низкой» действительности. «Резня на Хиосе» - один из эпизодов освободительной борьбы Греции
от турецкого ига, «Сарданапал» - темой которого послужила трагедия Байрона об ассирийском царе.
«Свобода, ведущая народ» - повстанцы на развалинах баррикад, среди мертвых тел погибших товарищей. В
картине сочетаются достоверность факта и символичность образов, реализм, доходящий до натурализма, и
идеальная красота. Полотно Делакруа осталось уникальным по своему художественному содержанию. Это
единственное произведение, в котором романтизм с его вечной тягой к величественному и героическому,
обратился к этой действительности и был ею вдохновлен. Делакруа по-новому ставит вопрос о границах
искусства, он отстаивает принцип «многообразия прекрасного».

Особое место в искусстве романтизма и всего XIX века занимает творчество Франсиско Гойя. На искусство
Гойи оказали влияние с одной стороны творчество Веласкеса, несколько картин которого он гравировал, а
также работа над образцами для гобеленов. Темы, назначенные для гобеленов, носили народный характер и
были взяты из современной жизни и Гойя получил возможность дать выход своей фантазии.
Живопись 18 века: Англия

Экономический подъем, последовавший за буржуазной революцией, способствовал


развитию английского искусства. После долгих лет иностранных заимствований в 18
веке начинает формироваться английская национальная школа живописи. В 1768 году в
Лондоне основана Королевская академия художеств. Ее идейным вдохновителем и
первым президентом стал Джошуа Рейнольдс. Среди жанров на первый план в живописи
18 века выходит портрет.

Одним из основоположников английской школы является Уильям Хогарт, тяготевший к


стилю рококо. Его работы, не лишенные юмора и морали, отражали жизнь разных слоев
общества. Сатира и трагикомедия, с которыми художник показывал нравы своей эпохи,
легли в основу новой формы живописного повествования.

Крупнейшими мастерами английской живописи 18 века считаются Джошуа Рейнольдс


(1723-1792) и Томас Гейнсборо (1727-1788). Рейнольдс создал целую серию
великолепных портретов своих современников: военных и творческих деятелей,
прекрасных дам, маленьких детей. Английская живопись 18 века в его работах заиграла
новыми красками, портрет приобрел выразительность, нежное очарование и глубину.

Томас Гейнсборо одним из первых начал писать мелкими разноцветными мазками,


создав тем самым новую живописную технику. Он работал как в жанре портрета, так и
пейзажа. Причем природный фон нередко присутствует в портретных работах художника.
Картинам Гейнсборо присуща особая цветовая гамма, текстура, подвижность и
изменчивость.

Продолжателями традиций двух великих художников в английской живописи 18


века стали Джон Хопнер, Джозеф Райт, Томас Лоренс.

Английский портрет XVIII века

Уже в начале 18 века в Англии начали появляться


первые портреты «разговорного жанра», которые и
прославили английское искусства того периода на
весь мир. «Разговорный жанр» или conversation pieces, отличались от духовных и других
светских произведений, прежде всего буржуазным, бытовым характером изображения.
Английские живописцы предпочитали изображать людей не в образах пасторальных
пастушек, как того требовал жанр рококо, и не греческими богами или монументальными
личностями (Человечищами), как того требовало барокко. Они не так страстно ратовали за
строгость и гармонию линий, за сдержанность и просветительский характер, как того
требовал классицизм в самом узком его понимании. Наоборот - они пытались изобразить
человека в привычной обстановке, занятым привычными ему делами. Это вызывало
огромный интерес у публики! Впервые за долгое время можно было увидеть портрет не
просто чинно сидящего семейства в самых лучших украшениях, а радостных людей,
занятых игрой в карты или шарады. Люди на картинах занимались повседневными
делами, ругались и радовались, переживали неприятные и волнующие события.

«В большинстве стран Европы XVIII век был беднее художественными ценностями, чем
XVII век, а в некоторых, как в Голландии, Фландрии, Испании, изобразительное искусство
«галантного» столетия опустилось до уровня посредственности. Англия являлась
исключением: в этой передовой европейской стране, на полтора столетия раньше
Франции осуществившей буржуазную революцию, национальный гений рано и
блистательно проявился в литературе, но поздно - в пластических искусствах. Только в
XVIII веке Англия выдвинула живописцев всеевропейского масштаба. К этому времени
после ренессансное искусство в других странах уже прошло большой исторический путь,
и значительно прогрессировала теория, эстетическая мысль. И в самой Англии
философия искусства опережала его практику, что сообщило особый отпечаток
английскому искусству. Оно появилось на свет уже весьма «умным», рассуждающим,
опирающимся на фундамент эстетики, на опыт литературы и театра. «Литературная»
страна, Англия ценила в искусстве программность, ценила рассказ, построенный на
материале современности (мифология здесь никогда не была в почете) и содержащий
моральные выводы. Знаменитый английский юмор уберегал от слишком пресного
морализаторства, от мелочного дидактизма. Не меньше ценились в искусстве психология
и характер. Впоследствии все это синтезировалось у Диккенса, гениального даже в своей
сентиментальности, возвышенной пафосом любви к людям и несравненным юмором.
«Диккенсовское» начало задолго до Диккенса формировалось в английской литературе;
можно заметить его и в первых успехах изобразительного искусства англичан. Именно на
английской почве появился уже в первой половине XVIII века предтеча будущего
критического и сатирического реализма в живописи - Уильям Хогарт.»[5. 257]

«Однако в целом изобразительное искусство Англии XVIII века не пошло по пути


повествовательности. Рассказ был предоставлен литературе, а живопись, наверстывая
упущенное, совершенствовала свои собственные возможности главным образом в жанре
портрета. Напомню, что портрет и ранее культивировался в Англии, беря начало от
Гольбейна и Ван Дейка. Укрепленный литературой интерес к психологии поддержал эту
традицию. Плеяда портретистов второй половины XVIII века является гордостью
английского искусства. Достаточно назвать двух крупнейших, которые были в известном
смысле антиподами, — Рейнолдса и Гейнсборо.»[5. 260 с.]

А сейчас я хочу перейти ко второй главе и рассказать о двоих из самых знаменитых


портретистах 18 столетия, об их творчестве и биографии.

Джошуа Рейнолдс (1723-1792)

Родился 16 июля 1723 года в Плимгггоне в графстве Девоншир. Отец предназначал его к
карьере медика, но рано обнаружившаяся любовь юноши исключительно к искусству и
чтение трактатов портретиста Дж. Ричардсона (1665 —1745) о живописи определили его
настоящее призвание. Поступив в 1741 году в ученики к портретисту Т. Гудсону, в
Лондоне, Рейнольдс занимался под его руководством три года, а затем провел еще три
года в Девонпорте и явился снова в Лондон в 1746 году В 1749 году он отправился в
Италию, где изучал произведения великих мастеров, преимущественно Тициана,
Корреджо, Рафаэля и Микеланджело. По возвращении в Лондон, в 1752 году, он вскоре
составил себе громкую известность, как необычайно искусный портретист, и занял
высокое положение среди английских художников.

По инициативе Рейнольдса в Лондоне впервые появились публичные художественные


выставки. В 1763 году он, вместе сДжонсоном, Голдсмитом и др., основал литературное
общество, а в 1768 году был избран в президенты новоучрежденной королевской
академии художеств и по этому случаю возведен в дворянское достоинство. В 1784 году
пожаловано ему звание первого королевского ординарного живописца.

За год до своей смерти он лишился зрения.

"Сэр Д.Рейнольдс первый президент британской академии художеств, основанной в 1768


году, был образцом английского джентельмена. Он играл видную роль в политике ,
принадлежа к партии Вигов ; был так же остроумен , как и образован , сливки лондонского
общества - ученые, писатели , философы, политические деятели - запросто собирались у
него в гостях. Деятель незаурядного масштаба и серьезной эрудированный теоретик
искусства , Рейнольдс общался со своим крупным талантом , как опытный мастер со
своим инструментом, направляя его сознательно , может быть, слишком сознательно. Он
заранее расчитывал художественный эффект и достигал его обдуманно. Физиономист и
живописец он был превосходный,все его лица, особенно мужские, написаны в густых
теплых тонах, энергично моделированные , поразительно жизнены, но Рейнольдсу этого
не достаточно , его не удовлетворял просто портрет , ему всегда хотелось сделать из
портрета подобие исторической картины или аллегорию . Полковника Тарлитона он пишет
в пламени битвы , знаменитую актрису Сару Сиддонс в виде музы трагедии, лорда
Хитфелда, засчитника Гибралтара, краснолициго старого воина , - на фоне крепости , с
огромным ключем в руках . Рейнольдс в своей практике строго следовал своим же
теориям. Рейнолльдс пишет полководца ,ученого или актрису, окружая их ориолом их
деятельности и ее атрибутами. Как умный режисер он изобретает соответсвующую
декорацию , повороты и жесты, как бы говоря зрителю: вот героический полководец, вот
углубленный в свои знания ученый, вот великая артистка. Рейнольдса всегда от
портретов влекло к исторической картине."[5. 260-263с.]

Томас Гейнсборо родился в маленьком, типичном для Восточной Англии городке,


который некогда знал времена расцвета, но потом притих на берегу реки в окружении
лугов и дубрав. Семейство Гейнсборо было типичным семейством почтенных купцов.
Отец торговал сукном, дела его понемногу приходили в упадок, как у многих других в
канун великой Промышленной революции. И только Томас, младший, девятый ребенок в
семье оказался нетипичным. Вместо того чтобы приглядываться к работе отца, он,
прогуливая школу, рисовал все, что видел вокруг, - деревья, зеленые изгороди, овраги,
скалы, пастухов, крестьян, лошадей, собак, поросят и кошек. Много позже, став
знаменитым художником, он назовет эти детские забавы «школой верховой езды». Когда
мальчику исполнилось 13 лет, родственник увез его в Лондон и пристроил к серебряных
дел мастеру. Ни в какой другой стране Запада, по словам современного историка
Арнольда Тойнби, один-единственный город так не затмевал все остальные, как Лондон.
Население страны было меньше, чем во Франции, Германии или даже Италии, а Лондон
уже в конце XVII века стал крупнейшим городом в Европе. В нем кипела культурная жизнь,
работали 17 театров, научные общества, существовала мощная художественная школа -
целый мир, независимый и влиятельный, не последнее место в котором занимали
меценаты, покровители талантов. Один из них и приметил способного мальчика,
обеспечив Томасу возможность учиться в Академии св. Мартина (Королевская Академия
художеств будет создана только через тридцать с лишним лет).

В 18 веке вклад в английское искусство диктуется прежде всего творчеством таких


художников как Хогард, Гейнсборо, Рейнольдс.

"В декабре 1788 года первый президент лондонской королевской академии знаменитый
портретист Д. Рейнольдс воздал должное своему собрату и сопернику Т.Гейнсборо
незадолго до этого скончавшемуся , посветив ему очередную президентскую речь к
ученикам академии. Рейнольдс сказал: "Если бы наша нация произвела достаточно
талантов , что бы мы удостоились чести именоваться английской школой живописи, имея
Гейнсборо перешло бы к потомству среди первейших носителей ее зачинающейся славы
Действительно, этот замечательный мастер в итоге своих поисков и достижений создал
яркий образ своей противоречивый эпохи.

В творчестве Гейнсборо пейзаж и сельские жанры играют не меньшую роль , чем портрет,
и довольно распространённые представления о Гейнсборо только как о блестящим
преуспевающем портретисте не справедливо . В нашей стране Гейнсборо оказался
известен главным образом как мастер портрета от части и потому что в
искуствоведческой литературе ему в отличие от Хогарда "не повезло" - о нем нет не
специальных исследований , не популярных книг. Сам Гейнсборо считал себя в первую
очередь пейзажистом .Обязанности портретиста всю жизнь тяготили его. Но пейзажи не
имели тогда сбыта в Англии. Они вошли в моду и их стали покупать только к концу 18
столетия . И , может быть, это обстоятельство даже стимулировало появление некоторых
особенностей портретов Гейнсборо , в которых он пытался слить человека и природы ,
разнообразно решая эту задачу наперекор установившемся канонам .

На склоне лет в художественных замыслах мастера все больше ей место стал занимать
жанр как отражение реальной повседневной жизни. Нов какой бы области не творил бы
Гейнсборо - в рисунках ,картинах, будь то портреты или пейзажи - во всем проявлялся его
пленительный дар. Картины Гейнсборо принципиально отличаются от творчества его
английских собратьев. Гейнсборо ищет своего рода эмоциональную правду - правду
чувств . В ранних пейзажах Гейнсборо сочетаются непосредственность свежих
наблюдений природы , криволинейные ритмы рококо с присущими голландским
реалистом композиционной четкостью и тщательной проработкой деталей . Художник не
признавал обязательности так называемых "исторических" картин, почитавшихся
Рейнольдсом вершиной живописи. Вся жизнь Гейнсборо сопровождалась стремлением
выразить в искусстве любовь к природе." [14. 5-6 с.]

Уильям Хогарт (1697 — 1764)

Для своих современников Хогарт был прежде всего автором сатирических гравюр,
представлявших собой своеобразную социальную анатомию эпохи и имевших широкое
хождение не только на Британских островах, но и повсеместно в Европе. Мало кому тогда
было известно, что популярные серии созданы мастером на основе собственных
живописных циклов. Более того, его картины подвергались нападкам со стороны знатоков,
так как яркостью и свежестью колорита, необычностью тем и композиций слишком
отличались от темных полотен старых мастеров, столь ценимых ими. Теперь же, с высоты
времени, Хогарт предстает первым крупным колористом в истории английской живописи,
новатором и реформатором изобразительного искусства, открывателем новых жанров в
живописи и графике.

Бракосочетание Стивена Бекингема и Мери Кокс. 1729

Ранние живописные произведения мастера, которые он называл «разговорными


картинами», представляют собой групповые портреты, в которых на смену чинному
позированию пришел занимательный сюжет, объединяющий персонажей вокруг какого-
либо действия: брачная церемония в "Бракосочетании Стивена Бекингема и Мери Кокс"
(1729, Нью-Йорк, Музей Метрополитен); прелестное представление, разыгранное детьми
перед взрослыми в "Сцене из «Индейского императора, или Завоевания Мексики»"
(1732—1735, собрание Галуэй); многочисленное общество в салоне, разбившееся на две
группы вокруг чайного и карточного столов в "Семействе Вулстон" (1730, Лестер,
Художественная галерея); наконец, групповой портрет известных английских актеров в
ролях из знаменитого в то время спектакля «Опера нищего» (1728—1729, Лондон,
Галерея Тейт).

Продолжив поиски голландских и французских живописцев (в частности Ватто) в жанре


«собеседований», Хогарт превратил групповой портрет в разновидность бытовой сценки,
сопровождаемой массой подробностей и предметов повседневной жизни, точно
характеризующих персонажей. В одних картинах больше уюта, в других — чопорности,
некоторые окрашены мягким юмором, но в каждой царит особая индивидуальная
атмосфера, точно характеризующая изображаемое общество. Уже здесь Хогарт проявил
себя подлинным мастером мизансцены, свободно владеющим позой, мимикой и жестом.

Карьера распутника. Он пирует. Ок. 1735

Словно многоактный спектакль разворачивает Хогарт историю отдельно взятой жизни в своих сатирических
циклах. В них критический заряд сочетается с назидательностью, юмор и насмешка перерастают в трагедию.
"Карьера распутника" (ок. 1735, восемь сцен, Лондон, Музей Соуна), промотавшего наследство, оканчивается
в сумасшедшем доме, печально знаменитом «Бедламе»; легкомыслие и беспутство доводит до гибели
сочетавшихся браком отпрыска аристократической фамилии и купеческую дочь в серии «Модный брак» (ок.
1743—1744, шесть сцен, Лондон, Национальная галерея). Изящество чувств и манер, изысканность любовной
игры героев в картинах Ватто и французских мастеров рококо уступает место грубости нравов, вульгарности
поведения, откровенной развращенности завсегдатаев аристократических салонов. Вместе с тем ясная
выразительность и четкость мысли, яркость образов, заостренность формы в изображении основных
персонажей сочетаются у Хогарта с изысканной красотой и свежестью палитры.

Модный брак. Вскоре после свадьбы Ок. 1743—1744

Сатиры Хогарта тесно связаны с идеями эпохи Просвещения, с ее стремлением к торжеству Разума, в том
числе через исправление общественной и частной морали. Хогарт считал, что искусство, развлекая, должно
развивать ум и душу. В этом его творчество тесно связано с литературой XVIII века, в частности, с наследием
Дж. Свифта, Т.Дж. Смолетта, Г. Филдинга и С. Ричардсона.

Автопортрет с собакой. 1745

Силой характера и цельностью натуры отличаются герои станковых портретов Хогарта.


Мастер практически не писал заказных вещей в этом жанре. Большинство моделей —
близкие ему люди, связанные с ним родственными или дружескими узами. Их
изображения полны искреннего чувства, окрашены особой симпатией и уважением
художника к модели. Даже женские и детские характеры у Хогарта — "Миссис Солтер"
(1741 или 1744, Лондон, Галерея Тейт), "Дети семьи Грэм" (1742, там же), "Мери Эдвардс"
(ок. 1740, Нью-Йорк, Коллекция Фрик) — лишены изнеженности рококо, отличаясь
удивительной цельностью натуры, какой-то земной полнокровностью. Как и в других
жанрах искусства, Хогарт и здесь выступил подлинным новатором. Он смело
экспериментировал с композицией, с колористическим решением, пробовал разные
манеры наложения мазка. Знаменитый «Автопортрет с собакой» (1745, Лондон, Галерея
Тейт) построен им как натюрморт, центральную часть которого занимает овальное
изображение художника, расположенное на стопке книг. На переднем плане, как бы в
реальном пространстве композиции, помещены любимый пес Хогарта — Трамп и палитра
с нанесенной на нее волнистой линией, названной мастером линией красоты. Позже в
трактате "Анализ красоты" (1753) он отвел ей основополагающее место. Свое
изображение в этом портрете Хогарт вылепил крупно, не смягчая некоторой
тяжеловесности черт лица, подчеркивая открытость взгляда и волевое начало в
характере по контрасту с простотой обыденного домашнего одеяния. Именно в портретах
палитра Хогарта обладает особой чистотой и светоносной силой, его кисть достигает
необычайной виртуозности, мазок варьируется от плотно наложенных слоев пигмента, как
бы гранящих объемы, до легких ударов жидкой прозрачной краской, передающих живую
нежность лиц, мягкость пушистых волос, легкие ткани и кружева. Особой
непосредственности и свежести восприятия модели полны его наброски и незаконченные
вещи, такие как «Бал» из цикла «Счастливый брак» (ок. 1745, Лондон, Галерея Тейт) и
две знаменитые работы начала 1760-х годов — Портрет слуг и Девушка с креветками (обе
— Лондон, Национальная галерея). Девушка, с легкостью, как роскошный головной убор,
несущая корзину с креветками, написанная беглым мазком, полна неподдельной радости
бытия. Ее улыбающееся лицо словно излучает внутренний свет. Колорит картины,
сочетающий коричневатые, золотистые тона с рефлексами розового, что придает
изображению живость и ощущение мимолетности впечатления, достигает необычайной
красоты.