Armonía 1

Armonía
Para otros usos del término, vea Armonía (desambiguación).
El término armonía (arcaicamente, y también aceptado
harmonía) tiene muchos significados, musicales y
extramusicales, relacionados de alguna manera entre sí.
En general, armonía es el equilibrio de las proporciones
entre las distintas partes de un todo, y su resultado
siempre connota belleza. En música, la armonía es la
disciplina que estudia la percepción del sonido en
forma «vertical» o «simultánea» en forma de acordes y
la relación que se establece con los de su entorno
próximo.

Como otras disciplinas humanas, el estudio de la

armonía presenta dos versiones: el estudio descriptivo
(es decir: las observaciones de la práctica musical) y el
estudio prescriptivo (es decir: la transformación de esta
práctica musical en un conjunto de normas de supuesta La «consonante» tríada mayor está compuesta de tres tonos, en una
relación de números enteros: 6 a 5 a 4.
validez universal).
El estudio de la armonía sólo se justifica en relación
con la música occidental, ya que la Occidental es la
única cultura que posee una música «polifónica», es
decir, una música en la que se suele ejecutar distintas
notas musicales en forma simultánea y coordinada. De
modo que, a pesar de que el estudio de la armonía
pueda tener alguna base científica, las normas o las
descripciones de la armonía tienen un alcance relativo,
condicionado culturalmente.también ocurre en los
aspectos de el ritmo y la musica.

En la música occidental, la armonía es la subdisciplina

que estudia el encadenamiento de diversas notas
superpuestas; es decir: la organización de los acordes.
Se llama «acorde» a la combinación de tres o más notas
diferentes que suenan simultáneamente (o que son
percibidas como simultáneas, aunque sean sucesivas,
como en un arpegio). Cuando la combinación es solo
de dos notas, se llama «bicordio». Esto también puede
ser considerado un acorde. Traité de l’harmonie (Tratado de la armonía), de
Jean-Philippe Rameau.
El estudio de la armonía se refiere generalmente al
estudio de las progresiones armónicas y de los
principios estructurales que las gobiernan.[1]
La armonía se refiere al aspecto «vertical» (simultáneo en el tiempo) de la música, que se distingue del aspecto
horizontal (la melodía, que es la sucesión de notas en el tiempo).[2] La idea de vertical y horizontal es una metáfora
explicativa, relacionada a la disposición de las notas musicales en una partitura: verticalmente se escriben las notas
que se interpretan a la vez, y horizontalmente las que se interpretan en forma sucesiva.
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En la escolástica musical, el contrapunto es una disciplina complementaria a la armonía (y que se confunde con ella),
pero que se centra más en la elaboración de melodías que sean combinables simultáneamente que en los acordes
resultantes de tal combinación. Es decir: se centra más en la percepción de las partes que en la del todo. Como
disciplina creativa (y no como disciplina académica), el contrapunto tuvo su auge durante el Barroco,
particularmente con la figura de Johann Sebastian Bach.

Definiciones
Las definiciones habituales de la armonía suelen describirla como la «ciencia que enseña a constituir los acordes y
que sugiere la manera de combinarlos en la manera más equilibrada, consiguiendo así sensaciones de relajación,
sosiego (armonía consopalanante), y de tensa e hiriente (armonía disonante o dispuesta)».
Esta definición se basa en la idea de que ciertas combinaciones de sonidos (intervalos o acordes) producen al oyente
una sensación de tensión (combinaciones que se llaman «disonantes») y otras producen una sensación de reposo o
calma (combinaciones «consonantes»).
Esta diferencia entre sonidos «consonantes» y «disonantes» tiene una base acústica: cada sonido incluye dentro de sí
a varios sonidos que suenan con menor volumen (llamados «armónicos»); cuando la combinación de sonidos
ejecutados incluye a varias notas con sonidos «armónicos» en común, tales combinaciones serán percibidas como
«consonantes».
Ahora bien, en la percepción humana no sólo intervienen factores físicos, sino también (y sobre todo) factores
culturales. Lo que un hombre del siglo XV percibía como consonante, puede llamar la atención a uno del siglo XXI,
y una combinación de sonidos que sugiere una sensación de «reposo» a un japonés puede no sugerírselo a un
mexicano.
Si el estudio occidental de la armonía ha querido presentarla como una «ciencia», pues, es sólo un intento de
legitimar como válida universalmente a una práctica musical concreta.

Origen del término e historia del uso

El término «armonía» deriva del griego ἁρμονία (harmonía), que significa ‘acuerdo, concordancia’[3] y éste del
verbo ἁρμόζω (harmozo): ‘ajustarse, conectarse’.[4]
Sin embargo, el término no se utilizaba en su acepción actual de armonía polifónica (es decir, de la relación ordenada
entre varias melodías superpuestas, formando un todo que mantiene cierta autonomía respecto de cada una de las
partes), ya que la ejecución simultánea de notas distintas (exceptuando las notas distantes entre sí en una o más
octavas, que el oído humano percibe como idénticas) no formó parte de la práctica musical de Occidente hasta
entrada la Edad Media.
En la música de la antigua Grecia, el término se usaba más bien como un sistema de clasificación de la relación entre
un tono grave y otro agudo.[1] En la Edad Media, el término se usaba para describir dos tonos que sonaban en
combinación, y en el Renacimiento el concepto se expandió para denotar tres tonos sonando juntos.[5]
El Traité de l’harmonie (1722), de Rameau, fue el primer texto acerca de la práctica musical que incluía el término
«armonía» en el título. Sin embargo, no significa que esa fuera la primera discusión teórica acerca de este tema.
Como todo texto teórico (particularmente de esta época), se basa en la observación de la práctica; Rameau observa la
práctica musical de su época y elabora algunas reglas, otorgándole una supuesta validez universal. Especial
importancia tiene en su desarrollo el fenómeno de la resonancia armónica para la justificación de los distintos
elementos. Este y otros textos similares tienden a relevar y codificar las relaciones musicales que estaban
íntimamente vinculadas con la evolución de la tonalidad desde el Renacimiento hasta fines del periodo romántico.
El principio que subyace a estos textos es la noción de que la armonía sanciona la armoniosidad (los sonidos que
complacen) si se adapta a ciertos principios compositivos preestablecidos.[6]
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Desarrollo
Melodía, contrapunto y armonía están totalmente interrelacionadas. Tradicionalmente, la armonía funciona como
acompañamiento, armazón y base de una o más melodías. La melodía (dimensión horizontal de la música) es una
sucesión (en el tiempo) de sonidos pertenecientes a acordes, que son enriquecidos con otros sonidos que adornan y
suavizan, y que producen efectos expresivos, complementando a los anteriores gracias a las sutiles relaciones que
entablan con los acordes en que se basa esa melodía (integrándose perfectamente con la armonía).

Armonía tonal o funcional

Aunque resulta incómodo intentar una definición de tonalidad, podemos decir que es un sistema de organizar las
alturas de los sonidos, que imperó durante unos tres siglos como sistema único, siendo usado por barrocos, clásicos y
románticos.
Pero esto no nos dice lo que es la tonalidad. Lo que caracteriza fundamentalmente la tonalidad es que en este sistema
las alturas de los sonidos están sometidas a una jerarquía en las que hay un sonido principal del que dependen todos
los demás que, a su vez, no tienen especial significación salvo por su relación con el principal.
Pero hay algo importante además, y es que el sonido principal puede ser en principio cualquiera. Esto es, una altura
dada puede corresponder a un sonido principal en una obra y esa misma altura ser un sonido subordinado a otro
principal en otra obra. Es decir, el sonido principal no es tanto un sonido sino una función que recae sobre un sonido.
Por ello el nombre de armonía funcional (de la función que cumple cada sonido) es más idóneo que el de armonía
tonal («armonía de los sonidos»).
Un acorde son tres o más sonidos simultáneos superponiéndose a distancia de tercera, según la teoría de Rameau.
Para saber si es mayor o menor hay que analizar su tercera. Si la nota generadora del acorde está en la parte más
grave, el acorde está en estado fundamental, sino, está invertido.
La tonalidad tiene 7 grados, cuyos nombres son : I (Tónica), II (Supertónica), III (Mediante), IV (Subdominante), V
(Dominante), VI (Superdominante), VII (Sensible).
Los acordes pueden clasificarse en perfectos mayores cuando presentan un intervalo de tercera mayor (2 tonos), y
quinta justa (3 tonos y 1 semitono).
Los acordes perfectos menores tienen una tercera menor (1 tono y 1 semitono) y una quinta justa.
Los acordes disminuidos tienen una tercera menor y una quinta disminuida (2 tonos, 2 semitonos). Los acordes
aumentados tienen una tercera mayor y una quinta aumentada (3 tonos y 2 semitonos)
En una escala de modo mayor, el I, IV y V grado son acordes perfectos mayores, el II, III y Vi acordes perfectos
menores, y el VII un acorde disminuido.
En una escala de modo menor, el I y IV grado son acordes perfectos menores, el II y VII son acordes disminuidos, el
III es aumentado.
Los mejores grados o grados tonales son el I, IV y V. Los grados menos importantes o débiles son el II y el VI. Los
grados muy débiles son el III y el VII.
Lo básico para enlazar acordes es hacerlo en estado fundamental, sin preocuparse de la musicalidad.
Una forma de enlace entre acordes es guardando notas comunes, es decir, mantenerlas mediante una ligadura. El
resto de notas que forme el acorde deberá de moverse por un intervalo lo más próximo posible.
Otra forma de enlazar acordes es no guardar notas comunes, con lo cual, el movimiento que lleve la nota principal
será opuesto al que realice el resto de notas que tenga el acorde. Se consigue más musicalidad al haber un dinamismo
en el movimiento de las notas del acorde.
La nota principal del acorde corresponde a la voz del bajo, y el resto no tiene una voz fija. Al tratarse de 4 voces, al
poner acordes se pueden enlazar de distinta manera dependiendo del uso que se quiera hacer de ellos.
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Un movimiento paralelo son dos voces de varios acordes que siguen una distancia, moviéndose a un mismo sentido.
Un movimiento oblicuo es una voz representada con una nota de larga duración y otra voz que puede moverse
libremente.
Un movimiento directo son dos voces moviéndose en el mismo sentido, pero no de forma paralela.
Un movimiento contrario son dos voces que se mueven a distinto sentido.
En movimientos como el paralelo o el contrario pueden surgir problemas armónicos, como formar un intervalo de
octava o quinta justa sobre las mismas voces, aunque existe una excepción en el tema de las quintas, siempre y
cuando no se produzca sobre voces extremas (Bajo y Soprano). La segunda quinta que se produzca sobre esa misma
voz deberá ser aumentada o disminuida.
El movimiento directo también presenta problemas armónicos. En voces extremas (mencionadas anteriormente), si la
voz de la Soprano (más aguda) no se mueve por grado conjunto, se presenta ese problema.
En partes intermedias (voces centrales o una voz central y otra extrema), si una de esas dos voces no se mueve por
grados conjuntos, ese enlace estaría erróneo. En el tema de las quintas hay una excepción, si dentro de las voces
involucradas apareciese una nota común al acorde anterior. En voces seguidas, habría que evitar la octava directa.

Tensión y reposo
Desde hace varios siglos se descubrió que algunas combinaciones de acordes producen una sensación de tensión
mientras que otros producente reposo. Algunos acordes, en un determinado contexto, tienen un sentido conclusivo y
otros un sentido transitorio (aunque en realidad esto es relativo y depende de su relación con el conjunto de la
composición ). En la música académica europea, desde el final del siglo XVII hasta comienzos del siglo XX, hasta el
oído menos cultivado puede distinguir cuándo está próximo o distante el final de una frase musical.
La armonía tradicional de parte del estilo prebarroco, barroco, clásico y romántico se conoce como armonía tonal, ya
que está basada en el sistema tonal, teniendo una fuerte función estructural, siendo determinante en la forma musical
de una determinada composición.
A partir del romanticismo musical (siglo XIX), empieza a utilizarse con más fuerza el valor colorista de la armonía,
debilitando paulatinamente la función estructural de la armonía tonal e introduciendo cada vez más modalismos
(proceso que culmina con la aparición de compositores impresionistas, nacionalistas y contemporáneos neoclásicos
que utilizarán una armonía más libre y modal).

En la música popular
La música popular urbana más difundida en la actualidad tiene, en su mayoría, una construcción tonal. Esta puede
variar en complejidad, y en muchos casos presenta tintes modales. Por ejemplo, es el caso de la chacarera, que a
veces usa el modo dórico, o del flamenco, que utiliza el modo frigio.[7]

Referencias
Notas
[1] Carl Dahlhaus: «Harmony», en Grove Music Online, editado por L. Macy, GroveMusic.com (http:/ / www. grovemusic. com/ ) (acceso por
suscripción; consultado el 24 de febrero de 2007).
[2] Deborah Jamini: Harmony and Composition: Basics to Intermediate (pág. 147), 2005. ISBN 1-4120-3333-0.
[3] «Harmony», definición en The Concise Oxford Dictionary of English Etymology in English Language Reference, consultado en
OxfordReference.com (http:/ / www. oxfordreference. com/ ) el 24 de febrero de 2007).
[4] Perseus.Tufts.edu (http:/ / www. perseus. tufts. edu/ cgi-bin/ ptext?doc=Perseus:text:1999. 04. 0057:entry=#15282) («Harmonia», en A
Greek-English Lexicon, de Henry George Liddell y Robert Scott).
[5] Según el Grove.
[6] Arnold Whittall, «Harmony», en is gayubview=Main&entry=t114.e3144 The Oxford Companion to Music, ed. [[Alison Latham (http:/ /
www. oxfordreference. com/ views/ ENTRY. html?this)]: Oxford University Press, 2002; consultado el 16 de noviembre de 2007.
[7] Véase "Cadencia andaluza".
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Bibliografía
• Dahlhaus, Carl: Studies in the Origin of Harmonic Tonality. tr. Robert O. Gjerdingen. Princeton, N.J.: Princeton
University Press, 1990. ISBN 0-691-09135-8.
• Nettles, Barrie & Graf, Richard: The Chord Scale Theory and Jazz Harmony. Rottenburg, N.: Advance Music,
1997. ISBN 3-89221-056-X
• Persichetti, Vicent: Armonía del siglo XX. Madrid: Real Musical, 1985.
• Piston, Walter: Armonía. Barcelona: Labor, 1991. ISBN 84-335-7865-0
• Sanz, Josep: Armonía I. Barcelona: Altri Canti di Marte, 2012. ISBN 978-84-615-5722-6
• Schoenberg, Arnold: Theory of Harmony. Berkeley: University of California Press, 1978. ISBN 0-520-04945-4.
Traducción al español como: Tratado de armonía. Madrid: Real Musical, 1974. ( Edición original digitalizada
(http://archive.org/details/harmonielehre00schgoog) en Internet Archive).
• Schoenberg, Arnold: Funciones estructurales de la armonía. Barcelona: Labor, 1990.
• Van der Merwe, Peter: Origins of the Popular Style: The Antecedents of Twentieth-Century Popular Music.
Oxford: Clarendon Press, 1989. ISBN 0-19-316121-4.
• Zamacois, Joaquín: Tratado de Armonia. Libro I. Barcelona: Labor, 1978. ISBN 84-335-7848-0

Enlaces externos
• Wikcionario tiene definiciones para armonía.Wikcionario
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Armonía. Wikiquote
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