Вы находитесь на странице: 1из 42

Словарь специальных терминов

Авангардный джаз / Avantgarde jazz (от франц. avant-garde передовой отряд) - Условное название групп
стилей и направлений современного джаза, ориентирующихся на модернизацию музыкального языка, на освоение
новых, нетрадиционных выразительных средств и технических приемов (в области атональности, модальной
импровизации и композиции, сонористики, электронного синтеза звука и т.д.). К авангардному джазу принято
относить фри-джаз, "третье течение", электронный джаз, некоторые экспериментальные формы хард-бопа, кул-
джаза, джаз-рока и др.
Аранжировка / Arrangement (англ. arrange располагать, устраивать, приводить в порядок) - Музыкальное
изложение, рассчитанное на определенный состав исполнителей и зафиксированное в нотной записи. В джазе
аранжировка является способом закрепления общего замысла ансамблевой или оркестровой интерпретации и
главным носителем стилевых качеств, вследствие чего она приобретает не менее важное значение, чем композиция в
академической музыке.
Архаический (ранний) блюз/ Archaic (еаrly) blues - Hаиболее старый, традиционний тип блюза,
сложившийся, как предполагается, в первой половине прошлого века на Юге США и обнаруживаюший тесную связь
с африканскими истоками, а также с другими традиционными жанрами народной музыки американских негров
(например, уорк-сонгом, холлером, балладой и спиричуэлом).
Архаический (ранний) джаз / Archaic (еаrly) jazz - Обозначение наиболее старых, традиционных типов джаза,
бытовавших с середины прошлого столетия в ряде южных штатов США. Архаический джаз был представлен, в
частности, музыкой негритянских и креольских марширующих оркестров ХIХ в. Период архаического джаза
предшествовал возникновению новоорлеанского (классического) стиля.
Атака звука / Attack - Одна из важных динамических характеристик звукоизвлечения в джазе, связанная с
начальным моментом взятия звука в игре на каком-либо музыкальном инструменте или пении. Может быть резко
акцентированной, агрессивной или смягченной. Качеством атаки звука в значительной мере определяется джазовый
саунд.
Африканское "ручное фортепиано" / African hand piano - Широко распространенный в Африке (на западном
побережье и в южной части континента) щипково-язычковый музыкальный инструмент родственный ксилофону, с
длиной резонансного корпуса от 10 см до метра и с одним или несколькими рядами расположенных на нем язычков
разной величины из дерева или металла, соответствующих звукам различной высоты. Имеет множество местных
названий - санза, мбира, мбила, калимба, ндимба, нданди, ижари, мганга, ликембе, селимба и др. Во времена
европейской колонизации Америки санза была завезена неграми-рабами на Кубу, где бытует до сих пор.

База/ Base (англ. нижняя часть, основание, опора) - Ансамбль или часть ансамбля, выполняющие функцию
сопровождения солистов.
Баллада/ Ballad (от лат. ballo танцую) - Встречающийся у многих народов песенный жанр, ведущий
происхождение от старинных хороводных песен-танцев. Типичные черты баллады - сочетание эпической
повествовательности и лиризма, строфическая форма, медленный или умеренный темп, сквозное развертывание
сюжета и музыкачьного материала. В народной музыке американских негров сложился самобытний тип баллады,
имеющий некоторую общность с блюзом и сохранивший связь с африканскими традициями. В джазе получил
распространение лирический балладный стиль инструментальной игры и пения.
Банджо / Banjo (Bonjo) - Струнный щипковый музыкальный инструмент африканского происхождения,
родственный мандолине и гитаре. Чрезвычайно широко распространен в практике народного муэицирования
американских негров и как сольный, и как аккомпанирующий инструмент. Самобытные жанры негритянской
народной музыки для банджо способствовали возникновению регтайма и ранних форм джаза.
Барбершоп-гармония ("парикмахерская гармония")/ Вarbershop harmonу (англ. Barbershop парикмахерская) -
Тип гармонического сопровождения мелодии, основанный на параллельном хроматическом движении голосов при
соединении аккордов (главным образом септаккордов). Данная техника голосоведения соответствует апплиикатуре
банджо, в практике игры на котором, по-видимому, и сформировался этот своеобразный гармонический стиль.
Предполагается также, что его происхождение связано с сушествованием в старой Америке традиции
полуфольклорного самодеятельного музицирования небольших ансамблей, игравших в парикмахерских, которые в
те времена являлись излюбленными местами отдыха и развлечения горожан ( при таких парикмахерских обычно
имелся бар, а также помещение для пения и танцев). Барбершоп-ансамбли оказали влияние на развитие
американского менестрельного театра (см. минстрел-шоу) и регтайма.
Баррел-хаус-стиль/ Ваrrel house style, Ваrrel house рiano (англ. barrel house трактир, пивная) - Возникший во
второй половине прошлого столетия и получивший распространение к началчу ХХ в. архаический стиль
негритянского фортепианного джаза. Музыка в стиле баррел-хаус исполнялась на фортепиано в остро
синкопированной, ударной манере, без педали, с четким разделением функций правой и левой рук пианиста (в
партии правой руки - свободная синкопированная мелодия, в партии левой руки - аккомпанемент типа "бас - аккорд"
со строго выдержанной метрической пульсацией). Баррел-хаус-стиль практиковался и в небольших ансамблях, в
состав которых кроме фортепиано могли входить банджо, гитара, мандолина, губная гармоника, бас и ударные, а
также примитивные фольклорные инструменты ( казу, джаг, "поющая пила", уошбоэрд, гребешок с папиросной
бумагой и т. п.).
Баунс/ Воunсе (англ. прыжок, скачок) - 1. Разновидность свинга, упругое ритмическое движение в умеренном
темпе с акцентами на основных долях такта. Противоположность джампу с его упрощенным, мало освингованным
битом и очень быстрым темпом. 2. Модный североамериканский танец в умеренном темпе на 4/4, имеюший
сходство с медленным фокстротом.
Бегин/ Веguine - Танец латиноамериканского происхождения (предположительно с острова Мартиника), в
четырехдольном размере, в умеренном темпе. Обладает некоторыми чертами сходства с танго и румбой. Получил
международное распространение в 30-е гг. ХХ в. Мелодия "Begine the Beguine" из мюзикла К.Портера "Jubilee"
(1935) является одной из популярных джазовых тем.
Бибоп - см. Боп.
Биг-бэнд (большой оркестр) / Big band - Характерная разновидность джазового оркестра, отличающаяся
определенным составом инструментов (при ведушей роли духовых), специфическим разделением
инструментальных групп (секций), своеобразной техникой ансамблевой игры (сочетание аранжированных разделов
с импровизациями солистов, применение особых типов оркестрового сопровождении - бэкграунда, а также особых
типов метроритмической пульсации, смешения тембров и др.). Численность музыкантов в биг-бэнде - 10 - 20
человек. Типичный состав: 4 трубы, 4 тромбона, 5 саксофонов и ритм-группа (фортепиано, гитара, бас, ударные);
воэможны некоторые другие его варианты. Предполагается наличие секции саксофонов (ридс), секции медных
духовых (брасс) и ритм-секции; к ним может добавляться секция деревянных духовых (вудс), а также струнная
группа. Развитие биг-бэнда началось в 20-е гг., а в начале 30-х гг. на его основе сложился свинг - один из
основополагаюших стилей оркестрового джаза.
Бит/ Веаt (англ. удар) - В широком смысле - метроритмическая пульсация в музыке. В джазе тип бита (граунд-
бит, офф-бит, он-бит, ту-бит, фоур-бит и др.) определяется трактовкой метрической структуры такта, соотношением
долевых и ритмических акцентов, степенью их совпадения или несовпадения. Как правило, регулярному, строго
организованному биту противопоставляется более свободная и гибкая ритмика. Постоянно возникаюшие
микросмешения ритмических акцентов относительно долей такта усиливают впечатление импульсивности,
внутренней конфликтности и напряженности музыкального движения.
Блок-аккорды/ Вlock chords - Джазовая техника фортепианной игры, основанная на параллельном
моноритмическом аккордовом движении в партиях обеих рук пианиста. Другое известное ее название - техника
связанных рук. Впервые разработана в начале 40-х гг. Впоследствии данный тип аккордовой фактуры нашел
применение в исполнитсльской практике малых ансамблей (комбо) и биг-бэндов.
Блюз/ Вlues (предпол. от амер. идиомы to feel blue быть печальным или от англ. blue devils меланхолия,
хандра; blue означает также голубой) Традиционный жанр афроамериканской музыки, являюшийсм одним из
высших достижений негритянской музыкальной культуры. Тесно связан с африканскими истоками, представлен
множеством жанровых разновидностей в народной музыке негров Южной, Центральной и Северной Америки. По
мнению исследователей, блюз развился из целого ряда негритянских фольклорных вокальных жанров, среди
которых важнейшими яыяются уорк-сонг, холлер, негритянская баллада и спиричуэлз. Яркий и неповторимый облик
блюза проявляется в характерных особенностях его интонационного строя, лада, мелодики, гармонии, формы.
Блюзовая традиция представлена практически во всех основных джаэовых стилях; к ней обрашались в своем
творчестве ведушие академические композиторы ХХ в. (в том числе Равель, Мийо, Гершвин, Копленд, Онеггер,
Мартину и др.); под ее влиянием возникли многие формы и жанры современной популярной и танцевальной
музыки.
Блюзоаая форма/ Blues form - Характерный тип строения блюзовой строфы. Чаше всего под блюзовой
формой подразумевается классическая двенадцатитактовая вопросо-ответная стрчктура ААВ с повторенным
"вопросом" А и однократнмм "ответом" В, основанная на принципе "перемены в третий раз". Данной структуре
соответствует определенная функционально-гармоническая модель (квадрат) с типичной для блюза каденцией D-S-
Т, не имеюшей аналогов в европейской музыке. Устойчивость многократно повторяемого "блюзового квадрата"
служит организующим фактором мелодической импровизации. Специфика блюзовой формы может проявляться и в
рамках тематических структур иного масштаба (8, 10, 16, 20, 24, 32 такта).
"Блюзовые тоны"/ Blue notes - Зоны лабильного ( неустойчивого) интонироеания отдельных ступеней лада,
не совпадаюшие с принятым в европейской практике делением октавы на тоны и полутоны. Типичны как для джаза,
так и для всей негритянской музыки в целом. В семиступенном звукоряле (гептатонике) чаще всего располагаются
на III и VII ступенях ( "блюзоваи терция" и "блюзовая септима"), условно нотируемых как пониженные III и VII
ступени мажора. Hеадекватность восприятия "блюзовых тонов" европейцами привела к появлению ошибочного
представления о негритянском блюзе как о музыке печальной, грустной (с точки зрения европейских норм
понижение III и VII ступеней мажорного лада создает своего рода "оминоренный" мажор).
"Блюзовый звукоряд"/ Blue scale - Условное понятие, в котором отразилось европейское представление о
звукорядной основе негритянской музыки (в первую очередь блюза), ограниченное рамками
равномернотемперированного строя и связанной с ним системы нотации. В соответствии с этим представлением
"блюзовый звукоряд" рассматривается как семиступенный натуральный мажор с дополнительными "6люзовыми
тонами" - пониженными III и VII ступенями. В действительности эти "ступени" входят в состав особых зон
интернирования, имеюших иной звуковысотный объем, чем аналогичные степени европейской гаммы.
Большой оркестр - См. Биг-бэнд.
Бонги/ Воngos - Латиноамериканская разновидность малых барабанов (прелположительно индейского
происхождения). Обычно используется блок из двух бонгов разной величины, соединенных друг с другом
деревянной колодкой. В эстрадно-танцевальной музыке бонги получили широкое распространение после второй
мировой войны. В джазе применяютси эпизодически.
Боп/ Вор - Джазовый стиль, сложившийся к началу 40-х гг. Известен также пол названиями "бибоп", "бибап",
"рибап", "минтонс-стиль". Почти все эти названия (кроме последнего) имеют звукоподражательное происхождение
и связаны с практикой скэт-вокала. Термин "минтонс-стиль" происходит от названия гарлемского клуба "Мinton's
Рlayhouse", где выступали первые музыканты бопа, его основоположники. Боп пришел на смену свингу, возникнув
как новое, экспериментальное направление негритянского джаза малых ансамблей (комбо). Важнейшие тенденции,
характеризующие боп,- модернизация старого хот-джаза, культ свободной сольной импровизации, новаторство в
области мелодики, ритмики, гармонии, формы и других выразительных средств. Боп считается первым
значительным стилем современного джаза.
Бопер/ Вореr - Музыкант, играюший в стиле боп.
Брасс-бэнд/ Вrass band (англ. brass - медь,латунь;band - оркестр) Одно из названий негритянского духового
оркестра, относящееся к периоду архаического джаза. Изредка встречается в классическом джазе и в наименованиях
современных ансамблей диксиленд-джаза. См. также Марширующий оркестр.
Брейк/ Вreak (англ. прорыв, перерыв, перемена) - Короткая сольная импровизационная вставка, прерывающая
звучание ансамбля. Может выполнять роль каденционного "ответа" (см. вопросо-ответный принцип), завершающего
какой-либо раздел джазовой пьесы, или вступления к аккомпанированному импровизационному хорусу солиста.
Брекдаун (брейкдаун)/ Breakdown (англ.break-down развал, неразбериха, ералаш) - Быстрый темпераментный
негритянский народный танец. В середине ХIХ в. получил широкую известность благодаря менестрельному театру
(см. минстрел-шоу). Использовался здесь в завершаюших представление массовых танцевальных сценах,
построенных на своболной коллективной импровизации всех участников. Этим термином обозначался также
родственный буги-вуги фортепианный стиль, популярный в Чикаго в первые два десятилетия нашего века.
Бридж/ Bridge (англ. мост, переход) - Промежуточный раздел в структуре джазовой темы, предшествуюший
заключительному репризному разделу (например, третий восьмитакт В в стандартной тридцатидвухтактовой строфе
ААВА). Содержит элементы тематического развития или контраста, которые служат дополнительными стимулами
для импровизации. Другие названия бриджа - рилис (англ. releas - освобождение) и ченнел (англ. сhannel - путь,
источник).
Буги-вуги/ Вооgie wооgie (звукоподраж.) - Фортепианный блюзовый стиль, одна из наиболее ранних
разновидностей негритянского инструментального блюза ( наряду с архаичеслим гитарным блюзом, 6аррел-хаус-
блюзом и др.). Предположительно является результатом перенесения в практику фортепианного музицирования
североамериканских негров техники игры на банджо и гитаре, использовавшейся при сопровождении блюзового
пения. Стиль буги-вуги возник в США во второй половине ХIХ в. Широкое распространение получил в первые
десятилетия нашего столетия благодаря т. н. хаус-рент-пати. Классические его образыы относятся к 20-м гг. В
период свинга буги-вуги вошел в репертуар 6иг-бэндов. Характерные черты фортепианного буги-вуги - опора на
блюзовую традицию, преобладание метроритмики и фразировки типа офф-бит, насыщенность брейками и риффами,
импровизационность, техническая виртуоэность, специфический тип аккомпанемента (walkin bass - "блуждающий
бас") и ритмики в партии левой руки пианиста (шаффл-ритм). Hекоторые особенности джазового буги-вуги
(двенадцатитактовый блюзовый квадрат, моторная ритмика, быстрый темп, остинатная повторность басовых
фигураций) стали атрибутами созданного в 30-е гг. коммерческой индустрией развлечений модного эксцентричного
танца с тем же названием, популярного в Европе с 1945 г.
Бэкграунд/ Васkground (англ. фон, задний план) - Термин, обозначающий сопровождение ведушего
мелодического голоса или партии солиста. Различаются следуюшие типы бэкграунда: 1) аккордовый (фоном служит
последовательность аккордов, соответствующая гармоническому квадрату темы); 2) мелодический ( ведушему
голосу противопоставляются контрапунктируюшие мелодические голоса сопровождения); 3) риффовый
(основанный на технике риффов - остинатно повторяемых мелодических моделей); 4) басовый (роль сопровождения
выполняет линия баса, являющаяся функционально-гармонической опорой мелодии); 5) ритмический (в виде четко
организованной ритмической пульсации с акцентами на основных долях такта); 6) смешанные (сочетаюшие
признаки вышеназванных типов).

"Век джаза" - См. "Джазовая эра".


Вест-коуст-джаз (джаз Западного побережья) /West Coast Jazz - Стилевое направление в современном джазе,
сформировавшееся в ряде городов Калифорнии в 50-е гг. (первые образцы относятся к 1949 г.). Вест-коуст-джаз
возник прежде всего под влиянием стилей прогрессив и боп, но в нем обнаруживаются также и другите стилевые
связи - с симфоджазом, свингом, кул-джазом и с европейской академической музыкой. Для него характерны
эмоциональная сдержанность, строгость формы и голосоведения, склонность к использованию линеарно-
контрапунктической техники, пристрастие к умеренным темпам и закругленной кантиленной мелодике (в духе
баллад и эвергринов), мягкость звукоизвлечения (в этом смысле вест-коуст-джаз ближе кул-, а не хот-дказу),
изысканность гармонических и тембровых средств, сочетание диатонической ладотональной основы с
"расцвечивающими" ее хроматизмами и разнообразными модуляционными приемами, "расслабленный" характер
свинцовой пульсации и наряду со спокойной, ровной ритмикой, тенденция к законченной, симметричной
фразировке. Hа связь вест-коуст-джаза с традиционным джазом указывает применение музыкантами этого стиля
одновременной групповой импровизации. В сфере камерно-ансамблевого музицирования для вест-коуст-джаза
типично заимствование приемов исполнительской техники больших оркестров (вплоть до преврашення всего
ансамбля в единую инструментальную группу, подобную секции биг-бэнда). В оркестровой же практике вест-коуст-
джаза наблюдается противоположная тенденция - к камерной манере игры, индивидуализации тембров, усилению
роли сольной импровизации. Примечательно также включение в инструментарий таких редко употреблявшихся
прежде в джазовых ансамблях инструментов, как гобой, английский рожок, фагот, бас-кларнет, бас-труба, бас-
тромбон, валторна, арфа, смычковые струнные; обычным является сочетание низких деревянныхдуховых с
саксофонами. Стиль вест-коуст-джаза в значительной мереспособствовал развитию европеизированного
концертного джаза.
Водевиль/Vaudeville - В современном cмысле - род бытовой комедии с музыкальными номерами, куплетами,
танцами, пантомимами и трюковыми сценами. В США получил широкое распространение т. н. американский
волевиль (и как его разновидность - негритянский водевиль), специфика которого связана с национально-
характерными чертами фабулы и музыки, с обращением к местному фольклорному и бытовому материалу, а также с
влияниями менестрельного театра (см. минстрел-шоу).
"Возрождение диксиленда и новоорлеанского джаза" - См.Ривайвл.
Вопросо-ответный (респонсорный) принцип/Responsorial principle (responsory, responsorium) (от
лат.respondeo отвечать) - Один из универсальных, основополагающих принципов музыкального
формообразования, предусматривающий такой тип связи элементов формы (построений, разделов, частей; мотивов,
фраз, предложений и др. ), при котором эти элементы образуют взаимодополняющие пары. Hаличие музыкального
построения, выполняющего функцию "вопроса" ( и поэтому обладающего такими свойствами, как неустойчивость,
незавершенность, разомкнутость), является фактором, обусловливаюшим возникновение "ответного" построения
(более устойчивого и законченного, восстанавливающего нарушенное ранее динамичеслое равновесие). Вопросо-
ответный принцип находит применение во многих европейских музыкальных формах ( имитационных, репризных,
рефренных; основанных на концентрической планировке, зеркальной симметрии, периодическом повторе и т. п.).
Простейшим способом реализации данного принципа в исполнительской практике является т. н. антифон (лат.
antiphonos - противозвучание) - чередование двух групп ансамбля, перекличка между солистами, между солистом и
ансамблем. Респонсорная техника в афроамериканской музыке (уорк-сонг, холлер, спиричуэл, блюз) и джазе
представлена необычайным многообразием средств и приемов - от самых простых (перекличка) до самых сложных
(в области логики импровизации и композиции, гармонии и мелодии, в распределении функции между отдельными
исполнителями и инструментальными группами).
Восточного побережья, джаз - См. Ист-коуст-джаз.

Гарлемский джаз/ Harlem jazz - Общее наименование ряда стилевых направлений негритянслого джаза 20-х и
30-х гг., возникновение которых связано с музыкальной жизнью нью-йоркского Гарлема. Здесь получила развитие
самобытная манера исполнения блюза (гарлемский блюз), сформировалась своя школа фортепианного джаза
(гарлемский страйд-стиль), а также сложилась особая разновидность камерного и оркестрового свинга (гарлемский
джамп). В 20-е гг. в Гарлеме достиг своего расцвета негритянский водевиль. К этому же времени относится начало
плодотворной концертной и композиторской деятельности Дюка Эллингтона, выступавшего со своим оркестром во
многих гарлемских клубах и создавшего здесь целый ряд оригинальных стилевых концепций (джангл-стиль,
концертный стиль, лирический "стиль настроения"). Под влиянием традиций гарлемского джаза в 40-е гг. развился
стиль бибоп (см. боп).
Гемиола/ Hеmiola (hemiole) (лат. полуторный) - Тип ритмической группировки, при которой образуются
группы длительностей, не совпадающие по своей общей протяженности с долевими циклами основного метра
(например, 3 двухдольные группы в 2-х трехдольных тактах и т. п.). Возникающее при этом несоответствие
метрических и ритмических акцентов создает впечатление временной перемены метра, нарушает его устойчивость и
тем самым динамизирует музыкальное изложение. Данный принцип весьма характерен для африканской ритмики,
из которой он был перенесен в афроамериканскую музыку и джаз (см. также паттери, стомп).
"Говорящие барабаны"/ Тalkint drums - Особый вид африканских барабанов, предназначенных для передачи
сообщений на значительние расстояния (до 10 - 15 км). Устройство "говорящих барабанов" позволяет извлекать на
них звуки с широким диапазоном звуковысотных и тембровых оттенков. Благодаря этому ислолнитель может,
пользуясь системой специальных звуковых сигналов, кодировать и передавать самую разнообразную информацию.
Варьирование высоты и тембра звучания барабана достигается, как правило, за счет разной силы натяжения
мембраны по всей ее плошади между центром и краями. Hекоторые приемы игры на "говорящих барабанах" нашли
применение в джазовой практике исполнения на ударных инструментах.
Госпел-сонг/Gospel song (англ.Gospel - евангелие; song - песня) - Жанр негритянской религиозной песни на
евангелическую тематику, получивший распространение в США в 1930-е гг. В отличие от других духовных
негритянских жанров фольклорного происхождения (таких, как спиричуэл,джюбили и др.) текст и музыка гоепел-
сонгов создавались преимущественно профессиональными авторами. От хорового спиричуэла госпел-сонг
отличается также тем, что он чаще всего предназначен для сольного исполнения и гораздо теснее связан с блюзовой
традицией, в большей степени насыщен импровизационностью, может иметь развитое инструментальное
сопровождение (тогда как спиричуэл обычно исполняется а сареllа).
Граул/Growl (англ. рычание) - Хриплое, "рычащее" звучание. Инструментально-тембровый эффект,
перенесенный в джаз из фольклорной практики негритянского пения (см. шаут, дёрти-тон). Чаще всего используется
в игре на медных духовых инструментах в нижнем регистре с применением сурдин (особенно на тромбоне), но
может достигаться и в исполнении на других инструментах ( кларнете, саксофоне и т. д.). Разнообразные граул-
эффекты характерны для т. н. джангл-стиля.
Граунд-бит/Ground beat (англ. основной удар, пульс) - Устойчивая регулярная пульсация в джазе, совпадающая
с метрической структурой такта. Как правило, поручается ритм-группе джазового ансамбля; является организующим
началом в ансамблевом исполнении. Вместе с тем граунд-бит служит основой для создания разнообразных
метроритмических конфликтов в джазовой музыке путем сочетания его с более индивидуализированными и
ритмически свободными контрголосами или посредством вводимых в него едва эаметних смещений ритмических
акцентов относительно метрических долей (см. офф-бит).

Даун-бит/ Down Beat (англ. down внизу; Bеаt удар, пульс) - Тип джазовой фразировки, при которой внутри
свободно артикулируемых ритмических групп сохраняются опорные акценты на основних долях тактов. Данный
метод позволяет осуществлять одновременное сочетание граунд-бита (в скрытом виде) и офф-бита в партии одного
инструмента.
Дерти-тон/Dirty tone (англ. dirty нечистый) - Специфический тип интонации в афроамериканской музыке и
джазе, отличаюшийся крайней звуковысотной неустойчивостью (лабильностью), широкой и частой вибрацией,
предельной динамичностью и напряженностью, ярко выраженным экстатическим характером. По своему
происхождению связан с негритянскими религиозными культами. Является неотъемлемым компонентом шаут-
пения. Особенно часто применяется в хот-джазе (как в вокальном, так и в инструментальном) - нередко в сочетании
с другими родственными ему выразительными средствами (офф-питч, "блюзовые тоны", граул-эффекты, скэт и т.
п.).
Джаг/ Jug (англ. кувшин, сосуд) - Архаический негритлнский музыкальный инструмент западноафриканского
происхождения. Представляет собой сосуд с узким горлышком, используемый в фольклорных ансамблях в
ритмической функции или как резонатор для усиления звучания голоса. Чаще всего применяется в роли басового
инструмента. Hаиболее широкое распространение получил в Южной и Центральной Америке, особенно в Вест-
Индии. У североамериканских негров нередко употребляется для сопровождения блюзового пения и танцев.
"Джаз в филармоннии"/Jazz at the Philharmonic (сокр. JАТР)- Джазовая концертная органиэация, созданная в
1942 г. в Лос-Анджелесе импресарио Hорманом Гранцем. Одна мз главных задач ее деятельности - предоставлять
ведущим музыкантам джаза возможность регулярных выступлений в филармонических концертных залах, а также
устраивать гастроли джазовых коллективое и солистов в США и за рубежом. В настоящее время понятие "джаз в
филармонии", или "филармонический джаз" применяется и в более широком смысле - по отношению ко всей
современной концертной джазовой музыке.
"Джазовая эра" ("Век джаза")/Jazz Age - Условное название периода в истории джаза, датируемого
приблизительно 1917 - 1929 гг. (с конца первой мировой войны по экономического кризиса в США). "Веком джаза"
назвал данный период американский писатель Фрэнсис Скотт Фитцджеральд в кн."Tales of the Jazz Age" (1922). С
этим временем связано сенсационное "открытие" джаза, приведшее к его бурному расцвету и повсеместному
распространению. Хронологически указанный период совпадает с периодом классического джаза и началом
перехода от него к "свинговой эре".
Джаз-рок/Jazz rock - Стилевое направление, возникшее на основе синтеза джаза и рок-музыки. Вершины
своего развития джаз-рок достиг к концу 60-х гг. (первые эксперименты, предпринятые по инициативе музыкантов
фри-джаза, относятся к концу 50-х гг.).
Джайв/ Jive (амер. сленг. болтовня, жаргон) - Термин имеет ряд значений: 1) то же, что и джаз; 2)
символический язык блюза, позволяющий обыгрывать в тексте разного рода "запретные" темы - например,
связанные с сексом, алкоголизмом, наркоманией. преступностью и т. п.; 3) в период свинга название музыки,
исполняемой биг-бэндом в манере гарлемского джампа, а также наименование связанных с этим стилем популярных
танцев; 4) жаргон джазовых музыкантов и любителей джаза.
Джамп/ Jump (англ. скачок, прыжок) - Разновидность негритянского свинга, созданная в 20 - 30-е гг.
музыкантами гарлемской школы джаза (см. гарлемский джаз). Отличается повышенной экзальтированностью
исполнительской манеры, сильной и резкой атакой звука, обилием изломов и скачков в мелодике, большим
динамическим напором и устремленностью (см. драйв), жесткой, равномерной ритмикой с тяжелыми акцентами на
основных метрических долях (см. бит, граунд-бит). Джамп тесно связан с традициями блюза и негритянского хот-
джаза.
Джангл-стиль ("стиль джунглей") / Jungl style - Стилевое направление в джазе, возникшее во второй половине
20-х гг. Одним из основоположников и ведуших представителей этого стиля является Дюк Эллингтон. Характерные
черты джангл-стиля: экзотические комбинации тембров, обилие остро диссонирующих звучаний и кластеров,
разнообразные сурдинные эффекты, граул-манера в игре на духовых инструментах, дертитоны, глиссандо, шаут-
приемы, подражание голосам диких животных и человека. Стилизация экзотики и варваризмы нередко сочетаются
здесь с утонченным оркестровым колоритом, традиции блюза и хот-джаза - с экспериментами в области гармонии,
тональности, формы и инструментовки. Многие выразительные средства джангл-стиля нашли применение в
современном джазе.
Джем-сешн/ Jam session (англ. случайная встреча) - Традиционные творческие встречи джазовых музыкантов,
собирающихся в свободное время (чаще всего ночью) для свободного совместного музицирования, обмена идеями
или соревнования друг с другом в исполнительском мастерстве и в искусстве импровизации. Состав ансамблей,
выступавших на джем-сешн, как правило, не определен заранее и может изменяться непосрелственно в процессе
исполнения. Случайный характер носит и программа таких "концертов", что исключает возможность
предварительной подготовки музыкантов, репетиций. использования аранжировок. Традиция джем-сешн
сушествовала еше в начале ХХ в. у музыкантов новоорлеанского джаза и сохраняется до нашего времени. Джем-
сешн сыграли важную роль в разработке и развитии многих джазовых стилей.
Джюбили/ Jubilee (англ. празднество, ликование) - Архаическая негритянская религиозная песня-славление.
Основой джюбили является каноническая хоральная мелолия, многократно повторяемая с незначительными
изменениями и новыми импровизаиионными подголосками (принцип строфического варьирования). В процессе
исполнения джюбили обычно происходит постепенный переход от строгого и спокойного изложения мелолии
европейского церковного гимна к более свободному и динамичному - с использованием африканизированной
респонсорной техники, импровизации, "блюзовых тонов", танцевальных ритмов - вплоть до экстатического шаут-
пения.
Диксиленд/ Dixiland (англ. страна Дикси) - Одна из основных стилевых разновидностей традициониого джаза
( наряду с новоорлеанским стилем). Термин имеет фольклорное происхождение ("страна Дикси" - символическое
название южных штатов США); введен в обиход белыми музыкантами - создателями диксиленда, чтобы
подчеркнуть его отличие от негритянского джаза и избежать употребления самого слова "джаз", отношение к
которому в течение довольно длительного времени было весьма пренебрежительным. Hаиболее ранние образцы
диксиленда относятся к концу ХIХ в., окончательно этот стиль сложился в 1910-е гг. Вначале деятельность белых
музыкантов ограничивалась слепым подражанием новоорлеанскому стилю и была малоплодотворной. Т.н. второе
поколение музыкантов диксиленда (начало 20-х гг.) освоило основные выразительные средстеа негритянского джаза
(импровизацию, офф-бит, "блюзовый звукоряд", хот-тон и др.), вступив на путь постепенного преодоления расовых
барьеров. В результате различия между диксиленд-джазом и новоорлеанским стилем стали сглаживаться, что в
значительной мере способствовало возникновению и развитию новых, смешанных стилевых форм джазовой музыки.
Hа раннем этапе диксиленд развивался главным образом под влиянием менестрельных традиций, музыки
архаических марширующих духовых капелл (см. марширующий оркестр) и особенно регтайма. Окончательная
переориентация его на классический негритянский джаз произошла ок. 1916 г. Многие характерные признаки
диксиленда сохранились в пришедшем ему на смену в 20-е гг. чикагском стиле.
Драйв/ Drive (англ. движение, преследование, гонка, спешка) - Энергичная манера исполнения в джазе, при
которой достигается эффект нарастающего ускорения темпа, активной устремленности движения. Драйв
предполагает использование целого комплекса выразительных средств и приемов, например, таких, как постоянное
опережение долей метрической пульсации (см. офф-бит), переход от рассредоточенного размещения долевых
акцентов (на 1-ю и 3-ю доли или на 2-ю и 4-ю) к акцентировке каждой доли, от более крупных ритмических
длительностей к более мелким, динамичная атака звука, свинг, стомп, риффы и т. д.

Западного побережья, джаз - См. Вест-коуст-джаз.


"Звуковой идеал"/ Ideal sound - Термин, применяемый в эападном музыкознании для выражения
эстетического представления о качестве и красоте музыкального звука, то есть о тех необходимых его свойствах,
которие обусловлены нормами художественного восприятия и мышления, присущими той или иной исторической
эпохе, национальной культуре стилю. "Звуковой идеал" имеет громкостные, временные, тембровые и звуковысотные
характеристики; он тесно связан с критериями правильного, художественно полноценного звукоизвлечения и
звуковедения, с выразительными возможностями музыкальных инструментов и голоса, с традициями
исполнительского искусства. В музыке разных эпох и народов он обнаруживает черты индивидуального своеобразия
и самобытности. Различны "звуковые идеалы" музыкальных культур средневековья и классицизма, академической
музыки и фольклора. "Звуковой идеал" джаза (т. н. джазовый саунд) обладает своими специфическими
особенностями и является одной из важнейших категорий джазовой стилистики.

Импровизация/Improvisation (от лат.improvisus непредвиденный, неожиданный, внезапный) - Метод


творчества (в музыке и некоторых других видах искусства), предполагающий создание произведения в процессе
свободного фантазирования, экспромтом. В музыкальной импровизации нет разделения функций композитора (
сочинение музыки) и исполнителя (интерпретация); они обраэуют органическое единство и осушестыяются
музыкантом-импровизатором одновременно. В джазе (в отличие от академического музыкального искусства)
импровизация имеет основополагающее значение, хотя использование ее в отдельных случаях не считается
обязательным. Типы и средства импровизационной техники в джазе чрезвычайно многообразны, что обусловлено
особенностями различных джазовых стилей, индивидуальной исполнительской манерой музыкантов, спецификой
характерных для джаза музыкальных форм и жанров. Широкое применение здесь находят такие разновидности
импровизации, как воквльная и инструментальная, сольная и ансамблевая, тональная и атональная, свободная и
ограниченная (основывающаяся на заданных схемах, моделях, стандартах, частично или полностью
расгпланированная, сочетающаяся с элементами компоэиции и аранжировки, даже целиком эафиксированнвя в
нотной записи). Это может быть короткий брейк или развернутый мелодический хорус, импровизация на
определенную тему, на гармонический квадрат или даже на законченную пьесу с развитой формой, импровизация на
импровизацию, модальная или алеагорическая импровизация, коллективная игра в линеарно-контрапунктической,
гетерофонной, орнаментально-вариационной или респонсорной манере, имитация музыкантом импровизационного
стиля других джазовых исполнителей и т. д. Возможны также сочетания различных типов импровизации.
Ист-коуст-джаз (джаз Восточного побережья) /East Coast Jazz - Общее название группы стилей и
направлений современного джаза, сложившихся в первой половнне 50-х п. на Восточном побережье США (главный
центр - Hью-Йорк). Представители ист-коуст-джаза - преимущественно цветные музыканты. Важнейшие его
стилевые формы - хард-боп и соул. Для этих стилей, возникших как реакция на эксперименты вест-коуст-джаза в
области европеизированных концертных форм, характерна тенденция к возрождению традиций блюза и
негритянского хот-джаза на современной основе.

Канзасский стиль (Канзас-Сити-джаз) / Kansas-City-jazz - Стилевая разновидность раннего негритянского


свинга, возникшая в конце 20-х гг. в г. Канзас-Сити. Отличается характерным типом свинговой пульсации (баунс),
выдержанным фоур-битом, разнообразным использованием техники риффов и офф-бит-фразировки. Обнаруживает
следы влияний традиционного джаза, регтайма и музыкального фольклора Среднего Запала. В некоторых
отношениях канзасский стиль предвосхищает более поздние стили современного джаза, в частности, боп и кул.
Кантри / Country (Соuntry music) (анг. country - сельский, деревенский) - Выросшая из фольклорных истоков и
представленная в США множеством местных школ, стилей и направлений традиционная песенно-инструментальная
музыкальная культура белого населения сельских районов юго-восточных и западных штатов. Сложилась к началу
ХХ а. в результате длительного процесса смешении архаических форм музыкального фольклора различных
европейских народов. Первоначально бытовала в сельских районах как музыка фермеров, сельскохозяйственных
рабочих, лесорубов и др. под названием фолк-мьюзик, или сокр. фолк (folk music). После первой мировой войны
получила широкое распространение благодаря развитию грамзаписи и радио. В 20-е гг. стала называться хилбилли
(hillbilly) - по имени одного из наиболее популярных ее исполнителей, скрипача и певца Билли Хилла (1899 - 1940).
К 40-м гг. коммерциализировалась, превратившись в т.н. "вторичный фольклор" (создаваемый профессиональными
авторами). Вместе с ковбойскими песнями Запада - вестернами - приобрела популярность в городской среде под
названием кантри-знд-вестерн (country and western, C&W). В некоторых своих разновидностях музыка кантри
обнаруживает негритянские влияния. В настоящее время почти целиком относится к сфере коммерческой
развлекательной музыки; нередко популяризируется в форме театрализованных эстрадных программ - кантри-шоу.
Кантри-блюз / Country blues - Одно из названий архаического блюза, подчеркивающее его принадлежность к
сельскому музыкальному фольклору, в отличие от классическогп блюза, имевшего преимущественно городское
бытование и поэтому называвшегося также биг-сити-блюзом (букв. блюз большого города). См. также кантри.
Квадрат/Square - В джазовой музыке этим термином обозначается законченная функционально-
гармоническая структура определенного масштаба (восьмитакт, двеналдатитакт, шестнадиатитакт и т. д.), лежащая в
основе темы, на которую исполняется импровизация, и многократно повторяемая без существенных изменений на
протяжении всей пьесы. С данным понятием связано существование особого типа музыкальной формы в джазе,
предстаюяющей собой серию гармонических квадратов, на фоне которых развертывается мелодическая
импровизация. Это предполагает возможность использования одновременно нескольких различных принципов
фармообразования: строфического варьирования (структурная схема гармонического квадрата остается неизменной,
в то время как его аккордика, фактура и ритмика варьируются), сквозного импровизационного развертывания
мелодики, респонсорной техники (диалогическая перекличка солистов в рамках одного квадрата или вопросно-
ответное чередование мелодических соло с протяженностью каждого в несколько квадратов), а также репризности
(обрамление пьесы зкспозиционным и репризным изложением темы).
Классический блюз/ Сlassic blues - Тип блюза, сложившийся к концу ХIХ в. на основе развившихся из
архаического, или сельского, блюза новых, урбанизированных разновидностей этого жанра (urban blues, big city
blues). Период расцвета классического блюза относится к 1925 - 1935 гг., после чего произошел переход к его
современным формам (см. современный блюз). К этому времени окончательно определились важнейшие
характерные особенности блюза как самостоятельного художественного явления: классическая двенадцатитактовая
блюзовая форма, самобнтный тип мелодики, развитая респонсорная техника, система жанровых разновидностей
(вокальный, вокально-инструментальный и инструментальнмй блюз; комбо- и биг-бэнд-блюз; лирический и
драматический; мелодический и шаут-блюз; хот- и свиг-блюз). Большое влияние классический блюз оказал на
формирование ведущих стилей и направлений традиционного джаза, например таких, как новоорлеанский стиль,
баррел-хаус, буги-вуги и др.
Классический джаз/ Сlassic jazz - Общее название джазовых стилей, развившихся нв основе архаического
джаза. Классический период датируется приблизительно 1890 - 1929 гг. Завершился с началом свинговой эры.
Моменты наивысшего расцвета классического джаза - ок. 1917 г. (Hовый Орлеан) и вторично в середине 20-х гг.
(Чикаго). Принято относить к классическому джазу следующие его стилевые формы: новоорлеанский стиль
(представленный негритянским и креольским направлениями), новоорлеанско-чикагский стиль (возникший в Чикаго
после 1917 г. в связи с переездом сюда большей части ведущих негритянских джазменов Hового Орлеана),
диксиленд (в его новоорлеанской и чикагской разновидностях), ряд разновидностей фортепианного джаза
(баррелхаус, буги-вуги и лр.), а также относящиеся к этому же периоду направления джаза, возникшие в некоторых
других городах Юга и Среднего Запада США. Классический джаз вместе с отдельными архаическими стилевыми
формами иногда обозначается как традиционный джаз.
Классический свинг/Classic swing - Зрелый свинговый стиль периода 1930 - 1944 гг. Является новой, более
высокой ступенью развития раннего свннга (см. чикагскии стиль). Достиг расцвета в 1938 - 1942 гг., после чего
начал постепенно утрачивать свое доминирующее значение в связи с его коммерциализацией и выдвижением на
первый план современного джаза. В 50-е гг. произошло некоторое возрождение классического свинга в его
традиционной и модернизированной формах.
Комбо/ Соmbo (от англ. combination комбинация, сочетание) - Характерный тип камерного джазового
ансамбля, утверлившийся в современном джазе. В отличие от биг-бэнда, в котором коллективное исполнение и
секционное деление инструментов преобладает над солированием, комбо, как правило, представляет собой ансамбль
солистов, импровизируюших в сопровождении ритм-группы (иногда ритмичесная функция поручается здесь лишь
одному инструменту или даже вообще может быть не обособленной от сольных партий). Численность
исполнителыкого состава комбо может варьироваться в довольно широких пределах - от 2 до 10 - 11 человел - и,
следовательно, не является определяющим признаком этого типа ансамблей. Специфика их связана прежде всего с
распределением функций между музыкантами, что дает основание считать комбо-джаз относительно
самостоятельной стилевой разновидностью джазовой музыки.
Конга/ Соnga (испано-амер. круг) - 1. Ударный инструмент африканского происхождения. Тип
цилиндрического барабана с сужающимся книзу корпусом. Высота инструмента - 70 - 80 см. Звук извлекается
пальцами и ладонями обеих рук. Конга широко распространенв в Латинской Америке; используется в современных
танцевальных и развлекательных оркестрах, иногда включается в джазовые ансамбли. 2. Афроамериканский танец,
родственный румбе. Имеет двухдольный размер, исполняется в быстром темпе, иногда в сопровождении
одноименного ударного инструмента. Является традиционным танцем кубинских карнавалов.
Концертный джаз/ Соncert jazz - Данное понятие применяется по отношению к джазовой музыке, специально
предназначенной для публичного исполнения в больших концертных залах или обладающей качествами,
присущими концертным жанрам (по аналогии с концертными жанрами академической музыки). Для концертного
джаза характерны повышенная серьезность и углубленность содержания, рафинированность выразительных средств,
тщательно продуманная и разработанная форма (и как следствие этого - возрастание роли композиции и
аранжировки), высокий уровень профессионального мастерства и технической виртуозности исполнения, отказ от
развлекательно-прикладних функций и от танцевальной ритмики, обрашенность к подготовленному,
интеллектуальному слушателю с развитым музыкальным вкусом и соответствующей культурой восприятия.
Известны примеры концертных жанров, созданных на основе негритянского фольклора (концертный спиричуэл,
концертный блюз, архаических форм евроамериканской музыки (концертный регтайм), традиционного джаза
(концертный диксиленд) . В 20-е гг. большой популярностью пользовались концертные обработки песенных,
танцевальных и джазовых мелодий, исполнявшиеся оркестрами т.н. симфоджаза. В этот же период возник
самобытный концертный джазовый стиль, разработанний Дюком Эллингтоном и музыкантами его оркестра.
Тенденция к концертности с очевидностью обнаруживается почти во всех стилях и направлениях современного
джаза. В наибольшей мере это понятие применимо к таким его разновидностям, как филармонимеский джаз (см.
"Джаз в филармонии"), прогрессив, вест-коуст, кул, фри-джаз, "третье течение", современный симфоджаз.
Креольский джаз/Creole jazz (также frenchmen jazz) - Разновидность традиционного показа, относящаяся к
новоорлеанскому стилю. Развивалась параллельно и в тесной взаимосвязи с его негритянским направлением.
Возникла в среде цветных креолов Hового Орлеана - потомков французских и испанских переселенцев, имеющих
примесь негритянской крови. Этим объясняется своеобразное промежуточное положение креольского джаза между
негритянским джазом и диксилендом, что нашло непосредственное выражение в его стилистике. Креольские
музыканты привнесли в джаз элементы своего родного фольклора и латиноамериканской музыки, способствовали
расширению джазового инструментария и развитию ансамблевых форм джаза, а также приобщению негров к
европейской культуре.
Кул-джаз ("прохладный"/ "холодный" джаз)/ Сооl jazz (англ. сооl холодный, прохладный) - Стиль
современного джаза, возникшего в конце 40-х гг. Создан некоторыми негритянскими джазменами-боперами на
основе достиженнй бопа, однако во многом противоположен ему. Прежде всего это проявилось в отходе от
традиций хот-джаза, которым следовал боп, в отказе от присущей ему чрезмерной ритмической экспрессивности и
подчеркнутой негритянской специфики. Происхождение стиля кул принято связывать также с именем
негритянского свингового саксофониста Лестера Янга, который еще в 30-е гг. разработал противоположную
звуковому идеалу хот-джаза "холодную" манеру звукоизвлечения (т.н. Lester sound). Характерные черты кула -
эмоциональная сдержанность, усиление интеллектуального начала, снижение роли офф-бита и драйва, возросшее
значение композиции, аранжировки и гармонии, изысканность тембров, применение разнообразной модуляционной
техники, полифонизация фактуры, использование элементов политональности, атональности и додекафонии,
тенденция к сближению с европейской академической музыкой. Большинство представителей кул-джаза - белые
музыканты. В основном кул исполняется ансамблями типа комбо, реже - большими оркестрами. Его влияния
сказались на развитии других современных джазовых стилей, особенно вест-коуст-джаза и "третьего течения".
Кун-сонг/ Сооn song (англ. сооn падший, пропащий) - Популярные песни в квазинегритянском духе,
бытовавшие в США начиная с 20-х гг, прошлого столетия. "Кун" - презрительная кличка негров. Кун-сонги
создавались преимущественно белыми авторами в подражание негритянским плантационным песням. Получили
широкое распространение благодаря менестрельному театру (см. минстрел-шоу). Впоследствии некоторые из них
вошли в репертуар джаза.
Кэйкуок/ Cakewalk (англ. шествие на кухню) - Популярный с середины ХIХ в. быстрый синкопированный
танец-марш афроамериканского происхождения. Входил в состав менестрельных представлений (минсгрел-шоу).
Является предшественником регтайма. В Европе получил распространение как модный бытовой танец в 1900-е гг.
Hазвание кэйкуока, по одной из версий, связано с танцами негров-рабов, исполнявшимися для увеселения белых
хозяев. Шествие на кухню, вероятно, было наградой отличившимся танцорам.

Лид/ Lead (Lead party) (англ. lead вести) - Ведущий мелодический голос в джазовом ансамбле. В классическом
джазе ведущую партию обычно исполнял корнетист или трубач, который назывался лидером или бэнд-лидером. В
период свинга так стали называть руководителя оркестра.

Маримба/ Marimba (афр.) - Африканский ударный инструмент, разновидность ксилофона; был распространен
также в Центральной и Южной Америке у негров-рабов. Представляет собой набор деревянных пластинок
различной величины (соответствующих звукам определенной высоты), прикрепленных к тыквенным резонаторам
(калебасам); в Центральной Америке в качестве резонаторов используются деревянные ящики разной емкости. Звук
извлекается палочками с каучуковыми наконечниками. В 1921 г. в США на основе маримбы создан вибрафон,
впоследствии вошедший в джазовый инструментарий.
Марширующий оркестр/ Маrching band - Тип негритянского духового оркестра, получивший
распространение в период архаического джаза в Hовом Орлеане. Возник по образцу военных марширующих
оркестров, существовавших во французской армии еще со времен наполеоновских войн. Репертуар марширующих
капелл Hового Орлеана состоял в основном из маршей и популярных танцев, исполняемых в характерной для негров
синкопированной манере. Такие оркестры участвовали в карнавалах н праздниках, торжественных шествиях и
парадах. Они сыграли важную роль в формировании новоорлеанского стиля и классического джаза в целом.
Минстрел-шоу / Minstrel show (англ. менестрельное представление) - Самобытная форма американского
музыкального театра, возникшая в первой половине ХIХ в. под влиянием негритянского фольклора. Первоначально
это были короткие комедийно-эксцентрические импровизированные сценки-скетчи, исполнявшиеся бродячими
белыми музыкантами-менестрелями, которые, загримировавшись под негров, пародировали их манеры, повадки,
речь, песни и танцы. Такие сценки нередко вставляли в качестве интермедий между действиями в театральных
постановках, для развлечения публики во время антрактов. Впоследствии на их основе развился особый тип
законченного многоактного шоу-представления с участием профессиональных актерских трупп и музыкальных
ансамблей (банджо, кастаньеты, тамбурин, к которым иногда могли добавляться и другие инструменты). Период
наивысшего расцвета минстрел-шоу 1840-1870 г.г. После окончания гражданской войны в США (1865 г.) появились
негритянские труппы, продолжавшие традиции белых менестрелей. К началу ХХ в, менестрельный театр подвергся
коммерциализации и утратил свое значение. Тем не менее он сыграл важную роль в истории американской музыки -
способствовал возникновению и развитию регтайма и раннего джаза, формированию национальных жанров
музыкального театра и эстрадно-зрелищного искусства (водевиля, мюзикла, мюзик-холла, шоу, ревю и др.).
Модальный джаз / Modal jazz - Экспериментальное направление в современном джазе, связанное с переходом
от традиционного типа тональной организации (европейский мажоро-минор с его функционально-гармонической
системой) и формообразования (строфическая форма в виде серии повторяющихся гармонических квадратов) к
новому, модальному ("ладовому") принципу. Согласно этому принципу, главной организующей основой
музыкального изложения становятся т. н. "модусы" - особые (ненормативные) ладо-звукорядные структуры,
сохраняющие на протяжении пьесы или ее раздела постоянство ступеневого состава, но при этом допускающие
свободное комбинирование тонов в рамках определенного звукоряда. Такого рода модальность позволяет связывать
множество мелодических и гармонических элементов в единое целое и одновременно расчленять целое на части и
разделы, органично связанные между со6ой. Материал для построения модусов может быть весьма разнообразен:
диатонические лады европейской народной музыки, средневековые церковные лады, звукоряды неевропейского
происхождения, искусственно сконструированные звукорядные структуры. Особым предпочтением в модальном
джазе пользуется разработанная в 1953 г. пианистом Джорджем Расселлом система из 9 хроматических вариантов
лидийского лада, предназначенная главным образом для использования в практике блюзовой импровизации (т. н.
"лидийская концепция тональной организации"). Модальная техника в джазе не является чисто линеарной: в ее
арсенале есть и такие приемы, как мелодическое развертывание заданной аккордовой структуры или, напротив,
"свертывание" исходного мелодического звукоряда в аккорды. Это дает музыкантам возможность применения в
ансамблевой игре самых разных типов фактуры: полифонической, гомофонной, хоральной, респонсорной (вопросо-
ответной) и др. К модальной технике обращались представители многих современных джазовых стилей. В
наибольшей степени это относится к музыкантам фри-джаза.
Модель / Pattern - См. Паттерн.
Мэйнстрим/ Mainstream (англ. главное, центральное течение) - Условное понятие, утвердившееся в джазовом
лексиконе в 50-е гг. в связи с возрождением свинга - стиля, занимающего промежуточное, центральное положение
между традиционным хот-джазом и современным кулом. В дальнейшем стало применяться для обозначения
существующего в рамках любого стиля умеренно-прогрессивного направления, не порывающего с традицией, в
отличие от консервативных, канонизированных форм данного стиля и его экспериментальных разновидностей
(например, новоорлеанско-чикагский стиль как мэйнстрим в рамках классического джаза, кул с элементами хот-
джаза и свинга, блюзовое направление фри-джаза и т. п.).
Необоп/ Neobop (англ. новый боп) - То же, что и хард-боп.
Новоорлеанский стиль/ New Orleans Style - Основополагающий стиль классического периода истории джаза.
Представлен негритянским и креольским джазом Нового Орлеана. Сформировался в конце Х!Х в. на основе
афроамериканского фольклора (уорк-сонг, негритянская баллада, спиричуэл, блюз и др.), народной и бытовой
музыки цветных креолов, а также архаического (раннего) джаза. Новоорлеанский стиль связывается прежде всего с
возникновением развитых инструментальмо-ансамблевых форм негритянского музицирования, пришедших на
смену вокальным фольклорным жанрам с примитивным инструментальным сопровождением, бытовым танцам,
фортепианному регтайму и музыке духовых капелл, организованных по образцу европейских военных оркестров. В
классический период сложился самостоятельный тип новоорлеанского джаз-бэнда с характерным разделением
инструментальных групп (секций) - ритмической (банджо, духовой или струнный бас, ударные и фортепиано) и
мелодической (ведущий голос - корнет или труба, контрапунктирующие голоса - кларнет и тромбон, участвующий
также в гармоническом сопровождении мелодии), с определенным соотношением сольной и коллективной игры,
импровизации и аранжировки. В отличие от гетерофонно-вариационного стиля исполнения в архаическом джазе,
здесь утвердился более сложный и совершенный респонсорный (вопросо-ответный) принцип ансамблевой игры
наряду с многоголосием типа импровизационной контрастной полифонии с ведущим голосом (лид). Более яркое и
последовательное воплощение получила блюзовая традиция, определился круг специфических выразительных
средсв и технических приемов - офф-бит, драйв, дерти-тоны,шаут-эффекты, стомпинг, брейки, стоп-тайм-техника,
хот-манера и др. После 1917 г. в связи с закрытием увеселительных заведений Нового Орлеана многие джазмены
переехали в Чикаго, где благодаря этому развился т.н. новоорлеанско-чикагский стиль, способствовавший
зарождению раннего свинга (см. также чикагский стиль) . В среде белых музыкантов Нового Орлеана и Чикаго,
подражавших негритянскому джазу, получил развитие стиль диксиленд. К концу 20-х гг. новоорлеанский стиль
утратил свое значение и был вытеснен коммерческой развлекательной музыкой, однако во второй половине ЗО-х гг.
произошло его возрождение в традиционных и новых формах (см. ривайвл). Идеи и принципы новоорлеанского
стиля нашли продолжение в современном диксиленде.

Он-бит / On beat (On the beat) (англ. к биту) - Джазовый бит, приближающийся к строгой метрической
пульсации.
Офф-бит/ Off beat (англ. от бита) - Джазовый бит, отклоняющийся от строгой метрической пульсации. Одно
из важнейших средств создания метроритмических конфликтов в джазе.
Офф-питч/ Off pitch (англ. от /определенной/ высоты) - Отклонение от абсолютной высоты тона. Термин,
обозначающий характерный для афроамериканской музыки и джаза тип лабильной (подвижной, неустойчивой)
интонации, не укладывающейся в европейскую равномерно-темперированную знуковысотную шкалу. К
специфическим формам интонации типа офф-питч относятся "блюзовые тоны" и дерти-тоны.

"Парикмахерская гармония" - См. Бабершоп гармония.


Паттерн (модель)/ Pattern (pattern formation) (англ. модель) - Термин, отнсящийся к области модальной
техники в джазе ( в более широком смысле, чем ладовая модальность; см. модальный джаз). Паттерн представляет
собой устойчивое структурное образование - модель (ритмическую фигуру. мелодический оборот, акцентный цикл,
аккордовую последовательность, фактурную формулу и т. п. ), которая при повторениях - не утрачивая своей
устойчивости - допускает многообразное ее видоизменение и варьирование за счет смещения во времени,
переакцентировки, транспозиции. секвенцирования и т. п. Это своеобразный строительный материал музыкального
развертывания в джазе, важное средство динамизации изложения и формообразования. Часто масштаб
(протяженность) такой модели не совпадает с внутритактовыми долевыми циклами ( например, группа из трех
восьмых длительностей при тактовом размере 2/4). Повторение данной модели создает последовательность
акцентов, противоречащих основной тактовой группировке. При этом возникает эффект расшатывания исходного
метра, усиливающий внутреннюю конфликтность и динамичность музыкального развития. Прием многократного
остинатного повторения паттерна как средство нагнетания динамики называется в джазе стомпом, или стомпингом.
Частная разновидность стомпинга, весьма характерная для оркестрового свинга,- т. н. техника риффов.
Перекрестная ритмика/ Cross rhythms - Африканский тип импровизационной ритмической полифонии,
основанный на свободном сочетании разных метров. В отличие от европейской полиметрии, в перекрестной
ритмике ударные доли сочетаемых метров не совпадают друг с другом. В африканской музыке перекрестные ритмы
обычно применяются в комплексе с модальной ритмической техникой (см. паттерн) и стомпингом, которые вошли и
в арсенал выразительных средств джаза. От перекрестной ритмики ведет свое происхождение и джазовый офф-бит,
возникший в результате перенесения приемов африканской полиметрии на европейскую монометрическую основу.
Прогрессив/ Progressive (англ. прогрессивный) - Стилевое направление в джазе, возникшее в начале 40-х гг. на
основе традиций классического свинга и бопа. Преимущественно связано с практикой биг-бэндов и больших
оркестров симфонизированного типа. Прогрессив является одним из стилей концертного джаза, оказавшим
существенное влияние на дальнейшую эволюцию джазового искусства.
"Прохладный джаз" - См. Кул-джаз.

Райд-бит/ Ride beat (англ. ride ехать верхом, beat удар, пульс) - Тип джазового бита, напоминающий "ритм
скачки" (разновидность пунктирного ритма).
Ранний джаз - См. Архаический джаз.
Рег/ Rag (сокр. от ragtime) - См. Регтайм.
Реггинг/ Ragging (произв. от rag) - Синкопированная манера игры в духе регтайма.
Регтайм/ Ragtime (англ. букв. "разорванное время", т.е. синкопированный ритм) - Самобытный американский
фортепианный жанр, сложившийся в последней четверти ХIХ в. в сфере фольклорного музицирования под влиянием
некоторых архаических разновидностей негритянской инструментальной музыки, а также менестрельных песен
(кунсонг) и танцев (кэйкуок). В распространении и развитии регтайма ведущая роль принадлежала белым
музыкантам (в особенности это относится к т. н. эстрадному концертному регтайму). Характерные черты регтайма -
сопоставление постоянно синкопирующей мелодии с метрически четким маршеобразным аккомпанементом типа
"бас - аккорд", (см. страйд-стиль), использование остинатно повторяемых мелодических и ритмических моделей, не
совпадающих с тактовой группировкой (паттерн), особый тип композиционной структуры и др. В конце 80-х -
начале 90-х п. сформировался классический регтайм, заметно отличающийся от своих фольклорных разновидностей.
Развиваясь по пути совершенствования стиля, структуры и пианистической техники, он утратил свою
импровизационность, превратившись в вид композиторского творчества, а затем коммерциализировался и стал
одним из жанров профессионального эстрадно-развлекательного искусства. В практике негритянского
музицирования он сохранил свою индивидуальность, оказав существенное влияние на эволюцию ранних стилей
фортепианного джаза, а также новоорлеанского стиля и диксиленда. На роликах для механического фортепиано
сохранились записи регтаймовых пианистов конца ХIХ - начала ХХ вв., имевшие большую историческую ценность
и впоследствии воспроизведенные на грампластинках.
Рент-парти - См. Хаус-рент-парти.
Респонсорный принцип - См. Вопросо-ответный принцип.
Ривайвл/ Revival (англ. возрождение) - В истории джаза с этим понятием прежде всего связано движение,
возникшее в конце 30-х гг. и известное под названиями "новоорлеанский ренессанс" (New Orleans renaissance) и
"возрождение диксиленда" (dixiland revival). Его инициаторы - белые любители джаза, коллекционеры
грампластинок, джазовые критики и музыканты - стремились возродить аутентичные формы классического джаза,
традиции которого оказались уже почти полностью забыты из-за всеобщего увлечения коммерческой танцевальной
музыкой. Изучение и популяризация классического джаза способствовали возникновению новых, современных
стилевых форм диксиленда. Термин "ривайвл" иногда употребляется также к периоду возрождения свинга 50-е гг.).
Ринг-шаут/ Ring shout (англ. ring круг, shout крик, зов) - Негритянский религиозный круговой танец
экстатического характера, сопровождавший исполнение спиричуэла.
Ритм-группа (ритм-секция)/ Rhythm section - См. Секция ритмических инструментов.
Ритм-энд-блюз/ Rhythm and Blues (сокр. R & В) - Блюзовый вокально-инструментальный стиль негритянской
музыки 30-х гг., возникший под влиянием свинга. Сочетает в себе элементы классического блюза, госпел-сонга,
гарлемского джампа, танцевально-бытовой музыки негров. Впоследствии коммерциализовался, став объектом
подражания и искаженной имитации в сфере развлекательной музыки. Ритм-энд-блюз считается одной из ранних
форм негритянской рок-музыки. К коммерческим его модификациям, созданным белыми музыкантами, относятся
рок-н-ролл и твист.
Рифф/ Riff - Прием мелодической техники джаза, особенно характерный для свинга, но также встречавшийся
в различных формах в афроамериканском фольклоре, классическом и современном джазе. Представляет собой
многократно повторяемую группой инструментов, или тутти, короткую мелодическую фразу, остинатное
проведение которой используется либо как средство нагнетания динамики (см. стомп), либо как устойчивая форма
сопровождения импровизирующего солиста (бэкграунд). В биг-бзнде могут исполняться одновременно несколько
разных риффов, иногда серия риффов проводится в последовательном чередовании или в виде респонсорной
переклички между группами инструментов оркестра.
Рок-музыка/ Rock music (англ. rock качаться, трястись) - Тип современной поп-музыки, ведущий свое
происхождение от песенно-танцевальных жанров негритянского городского фольклора 20 - 30-х гг.. ритм-энд-блюза,
музыки кантри-энд-вестерн (см. кантри) и рок-н-ролла. Важными характеристиками рок-музыки (порой не менее
существенными, чем ее музыкальные особенности) являются ее социальные функции, формы бытования,
техническое оснащение. С музыкальной стороны наиболее характерными ее признаками можно считать наличие в
ней трансформированных элементов блюза в сочетании со специфической ритмикой. При всем многообразии
разновидностей рок-музыки в ней можно выделить три основных стилевых направления: поп-рок (тесно связанный с
традициями музыки кантри и представленный популярными песенными и танцевальными жанрами, мэйнстрим-рок
(по аналогии с понятием мэйнстрима в джазе), ориентирующая на традиции блюза и ритм-энд-блюза) и авангардный
рок (экспериментальные его формы). Взаимовлияния джаза и рок-муэыки привели к возникновению ряда новых
синтетических музыкальных стилей, в частности - джаз-рока и фьюжн.
Рок-н-ролл/ Rock'n'roll (произв. от rock and roll раскачиваться и вращаться) - Модный американский танец
50-х гг. Коммерциализированная модификация негритянского ритм-энд-блюза. Название появилось впервые в 1934
г. на пластинке негритянской певицы Басуэл с записью блюзов, выдержанных в танцевальных ритмах. В
дальнейшем (с 1951 г.) его использовал в музыкальных радиопрограммах американский диск-жокей Алан Фрид,
популяризатор рок-н-ролла, которому часто ошибочно приписывают изобретение этого термина. На основе рок-н-
ролла возник целый ряд новых танцевальных жанров (твист, хали-галли, мэдисон и др.), кроме того, он является
одним из основных истоков современной рок-музыки.
Саунд/ Sound (англ. звук, звучание) - Одна из важных стилевых категорий джаза, характеризующая
индивидуальное качество звучания инструмента или голоса. Определяется способом звукоизвлечения, типом атаки,
звука, манерой интонирования и трактовкой тембра. Является индивидуализированной формой проявления
звукового идеала в джазе. Понятие саунда применимо также к звуковому стилю ансамблевого или оркестрового
исполнения.
Свинг/ Swing (англ. качание, взмах) - 1. Выразительное средство в джазе. Характерный тип метроритмической
пульсации, основанной на постоянных отклонениях ритма (опережающих или запаздывающих) от опорных долей
граунд-бита. Благодаря этому создается впечатление большой внутренней энергии, находящейся в состоянии
неустойчивого равновесия, эффект "раскачивания" звуковой массы, расшатывания метрической основы. При свинге
возникают метроритмические конфликты, сконцентрированные главным образом вокруг основных тактовых долей,
которые - для усиления импульсивности ритма - подчеркиваются сильными акцентами. В этом состоит его отличие
от других типов джазового бита и, в частности, от офф-бита, связанного с динамизацией не только долевого ритма,
но и всей ритмики в целом. 2. Стиль оркестрового джаза, сложившийся на рубеже 20 - 30-х гг. в результате синтеза
негритянских и европеизированных стилевых форм джазовой музыки. Первоначально был представлен
преимущественно биг-бзндами, а к концу 30-х гг, стал исполняться также камерными ансамблями (комбо). К
отличительным признакам стиля свинг относятся; характерная свинговая пульсация ("раскачивание"),
специфическое сочетание секционной техники игры с сольной импровизацией, особый тембровый колорит,
возросшее значение аранжировки и композиции. Свинговый биг-бэнд является результатом укрупнения и развития
оркестров чикагского стиля. Исторически свинг занимает промежуточное положение между традиционным и
современным джазом, а по своим стилевым качествам - между хот- и свит-джазом. Классический свинговый стиль
сформировался в первой половине 30-х и. В связи с коммерциализацией и зарождением новых современных
стилевых концепций к концу того же десятилетия отошел на второй план, превратившись в разновидность
танцевально-развлекательной музыки. Возрожден в 50-х гг.
Свингование/ Swinging - Игра в свинговой манере, со свингом.
"Свинговая эра" - См. Эра свинга
Свит/ Sweet (англ. сладкий, приятный) - Термин, применяемый для обозначения ряда разновидностей
коммерческой развлекательной и танцевальной музыки сентиментального, напевно-лирического характера, а также
родственных ей форм коммерциализированного джаза (свит-джаз) и "оджазированной" популярной музыки. К свит-
музыке принято относить, например, ранний симфоджаз, танцевальную свинговую музыку (свит-свинг). Элементы
свит-стиля можно обнаружить во многих направлениях джаза (таких, как кул, фанки, соул, боссанова-джаз, джаз-
рок), в современной поп-музыке. 30-х гг.
"Свободный джаз" - См. Фри-джаз.
Секция/ Section - Инструментальная группа в джазовом ансамбле или оркестре, выполняющая определенную
выразительную функцию (мелодическую, ритмическую, бэкграунда и т. д. ).
Секция деревянных духовых инструментов/ Woods - В джазе используется редко. Иногда добавляется к
обычным инструментальным группам биг-бзнда. Встречается в больших джазовых оркестрах симфонизированного
типа (симфоджаз, свит-свинг, прогрессив, "третье течение"). Может включать в себя флейту, гобой, английский
рожок, кларнет и фагот с их басовыми разновидностями.
Секция медных духовых инструментов/ Brass - В джазовых оркестрах обычно их состав ограничивается
трубами и тромбонами; в отдельных случаях к ним могут добавляться валторна, туба и другие менее характерные
для джаза инструменты. Брасс-секция является основой свингового биг-бэнда. Имеет самостоятельное значение в
больших оркестрах кул- и фри-джаза, в ансамблях джаз-рока.
Секция мелодических инструментов/ Melody section - Группа инструментов в джазовом оркестре, которой
поручается ведение мелодических голосов (может быть однородной или смешанной в тембровом отношении).
Секция ритмических инструментов (ритм-группа, ритм-секция)/ Rhythm section - Имеется в большинстве
типов джазовых ансамблей и оркестров ( от комбо до биг-бэнда и симфоджазового оркестра). Основной ритм-
секцией, как правило, является ударная установка, к которой могут добавляться другие (например, экзотические)
ударные инструменты. Функция басового голоса чаше всего поручается контрабасу или низким духовым, в
современном джазе и джаз-роке в этой роли нередко используется электро-бас или адаптеризованная бас-гитара. В
состав ритм-группы обычно вводятся также инструменты, способные одновременно выполнять и функции
гармонического сопровождения (фортепиано, электроорган, гитара. банджо и др.)
Секция саксофонов/ Reeds - Особенно характерна для свингового биг-бэнда, в котором саксофоны нередко
используются почти в полном наборе (от сопрано до баритона и баса). В ансамблях вест-коуст-джаза встречается
сочетание секции саксофонов с ритм-групппй ( нечто среднее между комбо и биг-бэндом). В больших оркестрах
типичной является также комбинация саксофонов и кларнетов.
Секция язычковых инструментов/ Reeds - См. Секция саксофонов.
Сельский блюз/ Country blues - См. Кантри-блюз; Архаический блюз.
Симфоджаз/ Symphojazz - В ранней форме получил распространение начиная с середины 1920-х гг.
Исполнялся болчьшими оркестрами симфонизированного типа и представлял собой концертный стиль популярно-
развлекательной и танцевальной музыки, обнаруживающий заметные влияния джаза. Иногда эту музыку
определяют также термином свит. Наряду с чикагским джазом симфоджаз в известной мере подготовил
возникновение свингового биг-бэнда. Его идеи нашли продолжение в стилях прогрессив и особенно "третье
течение". Понятие "современный симфоджаз" охватывает обширную область творческих экспериментов, связанных
с синтезом джаза и академической музыки.
Скэт/ Scat - Заимствованная джазовыми музыкантами из афроамериканского фольклора техника т.н. слогового
(бестекстового) пения, основанная на артикуляции не связанных по смыслу слогов или звукосочетаний. В джазе этот
прием трансформировался в тип виртуозной импровизации, в которой голос приравнивается к инструменту. Иногда
такая вокальная манера обозначается также термином "инструментальное пение". Особенно характерна она для
стиля боп.
Слайд-уистл/ Slide whistle (англ. slide скользить, whistle - свист) - Специфический музыкальный инструмент.
Свисток, снабженный поршнем, при передвижении которого происходит изменение высоты тона.
Слер-энд-смир/ Slur and smear (англ. slur слитно, smear смазывать) - Характерный для джаза тип короткого
восходящего глиссандо, создающего эффект "смазывания" звука.
Современннй блюз / Modern blues - Блюз "свинговой эры". См. также ритм-энд-блюз.
Современный джаз/ Modern jazz - Общее обозначение стилей возникших после окончания периода
классического стиля и "Эры свинга" (с конца 30-х гг. до настоящего времени). Первым стилем современного джаза
считается боп.
Соул/ Soul (англ. душа) - Соул-музыкой в широком смысле иногда называют всю негритянскую музыку,
связанную с блюзовой традицией. Под этим понятием подразумевают также стиль вокальной негритянской музыки,
возникший после второй мировой войны на базе ритм-энд-блюза и традиций госпел-сонга. Соул-джаз представляет
собой разновидность хард-бопа, развившуюся на основе исполнительского стиля фанки. Для него тоже характерна
ориентация на традиции блюза и афроамериканского фольклора.
Спиричуэл/ Spiritual (англ. духовный) - Архаический духовный жанр хорового пения североамериканских
негров. Предположительно происходит от одноголосых фольклорныхных негритянских песен-гимнов,
исполнявшихся в респонсорной манере еще на заре колониальной эпохи, а в ХIХ в. развившихся в самобытную
законченную форму многоголосия под влиянием христианской псалмодии белых переселенцев. Изучение
спиричуэла и блюза фольклористами, начавшееся приблизительно в середине XIX в., способствовало пробуждению
общественного интереса к негритянской музыке и возникновению многочисленных профессиональных хоров и
вокальных ансамблей, исполнявших спиричуэлы. На этой основе сложилась концертная разновидность спиричуэла -
задолго до концертных форм блюза и инструментального джаза. В негритянском фольклорном спиричуэле
обнаруживаются многие характерные выразительные средства американской музыки: импровизация, респонсорная
техника, офф-бит, лабильное интонирование ("блюзовые тоны", шаут-эффекты, офф-питч, дерти-тоны) и др.
сочетающиеся с европейской гармонической основой и заимствованной из христианского гимна мелодией. Как и
блюз, спиричуэл считается одним из главных истоков джаза.
Стомп/ Stomp (англ. топтать) - 1. Архаический фольклорный танец североамериканских негров, содержащий
характерные остинатные ритмические фигуры, исполняемыев быстром темпе. 2. Широко используемый в джазе
прием, основанный на эпизодическом проведении остинатно повторяемых моделей (мелодических, гармонических,
акцентно-ритмических, фактурных), которые, ввиду их несоответствия основной фразировке, временно нарушают ее
естественную логику, динамизируя музыкальное изложение, насыщая его внутренней конфликтностью. Модель,
применяемая в этих целях, носит название "стомп-паттерн", а техника ее применения - стомпинг. Типичная для
стиля свинг разновидность мелодического стомпа - рифф.
Стоп-тайм/ Stop time (англ. остановка, перерыв) - Внезапное прекращение равномерной метрической
пульсации (граунд-бита) и ансамблевого звучания с их возобновлением через определенное время. Во время
образующихся пауз солист, как правило, исполняет короткие импровизационные вставки (брейки). Характерный
прием респонсорной техники джаза.
Страйд-стиль/ Stride style (Stride piano style) (от англ. stride большой шаг) - Техника фортепиаиного
сопровождения мелодии, связанная с партией левой руки пианиска, в которой постоянно чередуются басовые звуки
(на первой и третьей долях четырехдольного размера) и аккорды (на второй и четвертой долях). При этом левая рука
музыканта перебрасывает ("шагает") через одну-две октавы. Страйд-манера была разработана пинистами регтайма, а
затем получила дальнейшее развитие в различных стилях фортепианного джаза.
Стрит-край/ Sreet cry (англ. уличный выкрик) - Архаический фольклорный жанр. Тип городской сольной
трудовой песни уличных разносчиков. В афроамериканской народной музыке представлен множеством
разновидностей - от коротких декламационных выкриков и небольших мелодических попевок до развернутой
песенной строфической формы из нескольких куплетов с вполне законченной и развитой мелодией.
Стэйдж-бэнд/ Stage band (англ. сценический оркестр) - Тип студенческого оркестра, организованного для
концертных выступлений.

Тин-Пэн-Элли/ Tin Pan Alley (англ.-амер. букв. улица луженых кастрюль) - Уничижительное прозвище
комплекса коммерческих издательских фирм США, выпускающих развлекательную музыкальную продукцию.
Том-том/ Tom tom - Ударный инструмент китайского происхождения. Разновидность малого барабана, часто
применяемого в джазовых ансамблях. Имеет одну или две мембраны и специальные винты для изменения высоты
звучания. Несколько том-томов разной величины могут устанавливаться с помощью особых креплений на большом
барабане ударной установки.
Традиционный джаз/ Traditional jazz (сокр. trad.) - См. Классический джаз.
"Третье течение"/ Third stream - Термин введен в 1959 г. применительно к стилевому направлению в
современной музыке. связанному с экспериментами в области синтеза джаза и академического музыкального
искусства (подразумеваемых под "первым" и "вторым" течениями). Эти эксперименты можно подразделить на три
группы: 1) попытки освоения джазовыми музыкантами идей и принципов современной академической музыки; 2)
создание академическими композиторами произведений, специально предназначенных для исполнения джазовыми
музыкантами: 3) совместное творчество джазменов и академических музыкантов. В узком смысле понятие "третье
течение" следует отнести к периоду 50-х гг. в более широком - его можно распространить на целый ряд джазовых и
"околоджазовых" стилей, таких, как ранний симфоджаз, прогрессив, вест-коуст, кул, джаз-рок, авангардный рок и
фьюжн.
Ту-бит/ Two beat (англ. два удара, акцента) - Тип джазового бита с акцентами на первой и третьей долях
четырехдольного метра. Характерен, в частности, для стиля диксиленд.

Уорк-сонг/ Work song (англ. трудовая песня) - Тип трудовой песни, один из наиболее ранних архаических
жанров афроамериканского фольклора. Связан с африканскими истоками в большей степени, чем все другие
негритянские фольклорные жанры. Отличительной чертой уорк-сонга является присущая ему социальная функция -
сопровождение и ритмическая организация трудового процесса. Эта особенность находит непосредственное
выражение в ритмике песни - в ее подчинении ритму работы. Существует множество разновидностей уорк-сонга:
исполняемые сольно и в ансамбле, с сопровождением и без него, связанные с различными формами трудовой
деятельности, примитивные и более совершенные в музыкальном отношении. В них нашли выражение самые
характерные черты негритянской музыки: респонсорная (вопросо-ответная) перекличка запевалы и группы, шаут-
стиль, дерти-тоны, хот-интонация, блюзовый лад, офф-бит и др. Впоследствии эти выразительные средства стали
типичными для джаза, на развитие которого уорк-сонг оказал огромное влияние (наряду с блюзом, негритянской
балладой и спиричуэлом).
Уошбоард/ Washboard (англ. стиральная доска) - Фольклорный музыкальный инструмент североамериканских
негров. Представляет собой обычную стиральную доску или заменяющий ее предмет с ребристой поверхностью.
Используется в функции ударно-ритмического сопровождения. Нередко включался в состав ансамблей
традиционного джаза.
Фанки/ Funky (англ. уклончивый) - Стиль игры в современном джазе, отличающийся максимально
интенсивным блюзовым интонированием, тенденцией к существенному отклонению от равномерно-
темперированного строя, экспрессивной хот-манерой звукоизвлечения, сквозным офф-битом, экстатичностью,
указывающей на родство этого исполнительского стиля с архаической культовой музыкой негров. Фанки-стиль
разработан музыкантами хард-бопа в конце 50-х - начале 60-х гг.
Филд-край/ Field cry (англ. полевой выкрик) - Жанр архаического сельского негритянского фольклора.
Разновидность трудовой песни-переклички, исполнявшейся неграми-рабами на плантациях. То же, что и филд-
холлер. См. также холлер.
Филд-холлер/ Field Holler - См. Филд-край.
Филл/ Fill (англ. дополнять, возмещать) - Инструментальный отыгрыш-ответ в блюзе. См. также вопросо-
ответный принцип.
Фоур-бит/ Four beat (англ. четыре удара, акцента) - Тип джазового бита с акцентами на каждой доле
четырехдольного метра. Характерен для негритянского джаза и свинга.
Фри-джаз/ Free jazz (англ. свободный джаз) - Стиль современного джаза 60-х гг., связанный с радикальными
экспериментами в области гармонии, формы, ритмики, мелодики и техники импровизации. Характерные черты фри-
джаза: культ свободной индивидуальной или групповой импровизации, применение полиметрии и полиритмии,
политональности и атональности, сериальной и додекафонной техники, свободных форм, модальной техники (см.
модальный джаз) и др.
Фьюжн/ Fusion (англ. сплав, слияние) - Современное стилевое направление, возникшее в 70-е гг. на основе
джаз-рока, синтеза элементов европейской академической музыки и неевропейского фольклора.

Хай-хэт/ High hat (англ. букв. высокая шляпа) - Применяемый в джазе ударный инструмент, представляющий
собой усовершенствованную разновидность педальных тарелок - чарльстона. Название инструмент получил из-за
своей высоты - около метра.
Хард-боп/ Hard bop (англ. твердый, жесткий боп) - Стилевая разновидность ист-коуст-джаза, возникшая в
начале 50-х гг. из бопа. Отличается экспрессивной, жесткой ритмикой, ориентацией на блюзовую традицию.
Относится к группе стилей современного джаза.
Хаус-рент-парти/ House rent party - Традиционные вечеринки с участием музыкантов, попасть на которые
можно было за небольшую плату. Были весьма популярны в негритянской среде во второй половине ХIХ - начале
ХХ вв. Ранняя форма джем-сешн, имевшая важное значение для развития фортепианного джаза.
Холлер/ Holler (от Holloa! [тип оклика]) - Архаический афроамериканский жанр трудовой песни-переклички.
Холлеры, исполнявшиеся во время полевых работ, носят название филд-холлер, или филд-край.
"Холодный джаз" - См. Кул-джаз.
Хонки-тонк-стиль/ Honky tonk(y) (piano) styule (англо-амер. Honky tonk - сленг название небольшого кабачка)
- Один из ранних стилей негритянского фортепианного джаза, возникший во второй половине ХIХ в. в Новом
Орлеане и других городах Юга США. То же, что и баррел-хаус-стиль.
Хорус/ Horus - Раздел импровизационно-строфической формы, характерной для джаза. Масштабы и строение
хоруса определяются структурой исходной темы, которая после экспонирования уступает место импровизации, а
затем возобновляется в репризном разделе. Тема, отдельные звенья импровизации и реприза, в которых сохраняется
исходная структура, соответствуют понятию хоруса; из серии хорусов сваливается общая форма джазовой пьесы.
Понятие хорус тесно связано с понятием гармонического квадрата.
Хот/ Hot (англ. горячий, темпераментный) - Термин, обычно применяемый по отношению к архаическому и
классическому негритянскому джазу, тесно связанному с африканскими истоками и традициями афроамериканского
фольклора, отличающемуся высокой экспрессивностью, эмоциональной возбужденностью, главенством
ритмической и интонационно-мелодической выразительности над композиционной и гармонической логикой,
стремлением к максимальной импровизационной свободе. Данное понятие используется также для обозначения
специфического комплекса выразительных средств афроамериканской музыки и негритянского джаза (в сфере
ритмики, мелодики, интонирования. тембра, гармонии. формы). Отсюда происходят такие широко употребляемые в
джазе термины, как хот-тон, хот-интонация, хот-соло, хот-импровизация, хот-инструменты, хот-стиль и т. п. В этом
плане хот-джазу противопоставляются европеизированные стилевые формы джазовой музыки, а также некоторые
типы коммерческой популярно-развлекательной музыки псевдонегритянского характера.

Чикагский стиль/ Chicago style - Занимает промежуточное, переходное положение между классическим
новоорлеанским джазом и свингом. Сложился в 20-е гг. в Чикаго главным образом в практике музицирования белых
музыкантов на основе традиций новоорлеанского стиля и диксиленда. Основные особенности: европеизированная
манера исполнения, замена коллективной импровизации серией соло в обрамлении аранжированными эпизодами,
индивидуализация ведущего мелодического голоса, частичный отказ от традиционной для негритянского джаза
респонсорной (вопросо-ответной) техники, преобладание фигурационного варьирования мелодии над сквозной
импровизацией, опора на остинатно повторяемую гармоническую модель (квадрат), акцентирование второй и
четвертой доли четырехдольного метра, расширение состава ансамблей. Чикагский стиль способствовал
возникновению и развитию биг-бэнда, создал предпосылки для формирования свингового стиля и современного
джаза. Не следует смешивать с чикагским новоорлеанско-чикагский стиль (классический джаз, исполнявшийся в
Чикаго новоорлеанскими музыкантами и их последователями).

Шаут/ Shout (англ. кричать) - Специфический "криковой" стиль пения. характерный для архаической
негритянской народной музыки и тесно связанный с африканскими истоками, прежде всего с религиозными
культами и обрядами. Встречается почти во всех разновидностях афроамериканского фольклора (шаут-уорксонг,
шаут-баллада, шаут-блюз, шаут-спиричуэл, ринг-шаут и др.). Широкое применение шаутинг (исполнение в шаут-
стиле) нашел в джазе - как вокальном, так и инструментальном.
Шаффл/ Shaffle (англ. шаркающая походка) - 1. Характерный тип движений в архаических негритянских
народных танцах, при котором ноги танцора не отрываются от земли. 2. Тип джазовой ритмики в манере шаффл
(shaffle beat).
Шоубот/ Show boat (англ. show представление, boat лодка, судно) - Популярный в США на рубеже ХIХ - ХХ
вв. вид "плавучего театра"; представления, развлекательные программы и концерты, устраивавшиеся на речных
прогулочных пароходах для увеселения пассажиров. В таких представлениях нередко принимали участие
негритянские джазовые оркестры (riverboat jazz).
Эвергрин/ Evergreen (англ. вечнозеленый, нестареющий) - Мелодии, не утрачивающие своей популярности в
течение многих лет, независимо от капризов моды. Многие эвергрины (мелодии из мюзиклов, оперетт, песен и т.д.)
используются в джазовой музыке в качестве тем для импровизаций.
Электронннй джаз/ Electronic jazz - Экспериментальное направление в современном джазе, связанное с
применением электронного синтеза звука.
Энтертейнер/ Entertainer (англ. эстрадный артист) - В конце ХIХ - начале ХХ вв. так нередко называли
эстрадных джазовых пианистов, в основном - исполнителей регтаймов.
"Эра джаза" - См. "Джазовая эра"
"Эра свинга" - См. Свинговая эра
1

DIXIELAND (Traditional Jazz)

Слово "диксиленд" чаще всего ассоциируется с особой манерой исполнения, а главное - со специфическим
набором инструментов, а значит - и со способом аранжировки. Классический набор - это труба, кларнет,
тромбон, а также ритм-секция, которая может состоять в зависимости от времени и места из рояля, контрабаса
и ударных, или банджо, тубы и ударных. Возможны и другие сочетания с добавлением саксофона, гитары и
чего угодно. Главное, что характерно для звучания диксиленд-бэнда, это то, что труба обычно играет основную
тему, тромбон неторопливо берет с "подъездами" (глиссандо) низкие гармонические ноты, а кларнет играет
быстрые пассажи "облигато" вокруг темы трубы, как бы обыгрывая проходящие аккорды. Ну, а ритм держат
контрабас или туба, а также рояль или банджо, не говоря уже о барабанах.
Это определение не универсально, поскольку можно найти много примеров, относящихся к эпохе
диксилендов, где и составы, и даже манера исполнения несколько иные. На данном диске собраны довольно
редкие записи ранних джазовых ансамблей, которые начинали играть главным образом в Новом Орлеане и
Чикаго, а также в Луизиане, Нью Йорке или Канзас Сити. Историки и теоретики джаза по-разному разделяют
эти ансабли. Иногда можно встретить разделение на Новоорлеанский и Чикагский стили. Но тогда все, что
происходило в Чикаго в 20-е годы, нельзя по формальным признаком отнести к понятию "диксиленд". Почему?
Дело в том, что само слово "dixieland" - это термин не музыкальный, а историко-географический. Дословно он
означает "страна Дикси". Еще во времена противостояния Севера и Юга, некоторые южные штаты находились
под властью франкоязычного населения. Там говорили на французском языке. И доллары, которые были там в
обращении, печатались тоже по-французски. Десятидолларовая банкнота помимо цифры содержала
французское DIX. Северяни, к которым попадали такие доллары стали называть эту часть Соединенных
Штатов не иначе, как "диксиленд". Позже, когда страна объединилась, а доллары стали универсальными,
название осталось и было перенесено на музыку, зародившуюся на Юге США. Таким образом, если говорить
строго, то ансамбли, не относящиеся географически к городам Юга, но играющие в стиле "диксиленд",
диксилендом как бы не являются. Проще было бы отнести всех черных музыкантов того периода к
Новоорлеанскому стилю, а белых - к Чикагскому. Но так не получается, поскольку типичные черные
представители диксиленда, такие как Кинг Оливер, Луис Армстронг, братья Джонни и Бэйби Доддс, Эрл Хайнс
и Джимми Нун - играли в Чикаго, а целый ряд белых музыкантов, и в первую очередь "Original Dixieland Jazz
Band", - в Новом Орлеане. Я счел необходимым изложить здесь свое понимание этого вопроса, поскольку на
данном диске я разделяю ранние джазовые ансамбли по принципу расовой принадлежности, что немаловажно.
На примере такого разделения интересно проследить, как белые исполнители, потрясенные музыкой черных
первооткрывателей джаза из Нового Орлеана, быстро освоили ее и начали вносить свой особый вклад в
развитие этого вида искусства.
При неоценимой помощи известного коллекционера и знатока джаза Виктора Дубильера мне удалось достать
редкие, ранние образцы этой музыки. На некоторых записях малоизвестных, а иногда и совсем неизвестных
мне до сего времени ансамблей указаны лиши имена музыкантов или названия коллективов. Но понять, какой
цвет кожи у исполнителей, невозможно. В энциклопедиях не принято делать акцент на расовой
принадлежности. Цветное население в США довольно болезненно относится к этому. Их оскорбляет даже сам
факт выделения их из массы других граждан. Последнее время в США вообще не принято хоть как-то называть
чернокожего человека. Самым оскорбительным раньше было, когда негра называли "ниггером", затем, после
конца 60-х, недопустимым стало называть чернокожего просто "негром", но можно было употреблять слово
"блэк" ("черный"). Но в последние 10-15 лет лучше не называть чернокожих никак, иначе тебя примут за
расиста.
К тому же, а США существует множество граждан, у которых смешана кровь разных людей - белых, черных,
испанцев, индейцев…, причем в разных пропорциях. Это метисы, квартероны, креолы. Существует два
определения понятия "креол". Согласно одному, креолы - это вае люди французского или испанского
происхождения, родившиеся на территории колоний, в данном случае - в США. Но на практике в самих
Соединенных Штатах "креолами" называли тех, в чьих жилах текла смешанная кровь негров с французами или
испанцами. То есть, для белых американцев креол считался чернокожим. Здесь я не берусь давать точные
определения, поскольку это вопрос сложный даже в самих Штатах, а для нас - и вовсе непривычный. Я
разделил здесь ансамбли на "Черные" и "Белые", руководствуясь тем, что к чернокожим гражданам в Штатах
издавна принято относить всех, у кого есть хоть капля негритянской крови. Кроме того, я добавил еще и третью
категорию "Неизвестные". В ней находятся исполнители и коллективы, чью расовую принадлежность мне
установить не удалось. Я могу только предполагать по именам и фамилиям, кто эти люди, но точно ручаться не
могу. В Новом Орлеане было немало чернокожих людей с явно французскими фамилиями. Поэтому Louis
Dumaine или Slim Lamar могут быть отнесены к чернокожим. Но вот Lou Weimer скорее всего либо немец, либо
еврей. Но, в принципе, для настоящих ценителей это имеет лишь второстепенное значение, поскольку главной
остается музыка, радостная, энергичная музыка первооткрывателей истинного джаза.
В разделе "Revival" ("Возрождение"") подобраны записи диксиленд-бэндов второй волны, начиная с 1934
года, хотя само "возрождение" широко развернулось к концу 30-х. Этот термин был предложен американскими
джазовыми критиками, чтобы зафиксировать подъем активности этого вида музыки, связанный, очевидно, с
возвращением ее популярности у любителей джаза. Ведь а начале 30-х внимание публики в значительной
степени переключилось на новое течение "свинг". Здесь присутствую как уже знакомые, так и новые имена
2

музыкантов, исповедывающих принципы музыки стиля "диксиленд". В это время уже нередко негры и белые
играют вместе. А до второй половины тридцатых годов смешанных оркестров почти не было. И дело было не в
самих джазменах, а в общественном мнении. Расистски настроенная часть публики не приветствовала те
ансамбли, где с белыми играл черный музыкант. Иногда можно еще было встретить случай, когда в
негритянском бэнде оказывались белые музыканты. Чаще всего это были евреи, причем кларнетисты, имевшие
большой клезмерский опыт, а заодно и знавших ноты. (Клезмер - музыкант в еврейских народных ансамблях,
обслуживающих все народные обряды и праздники). Яркий пример тому - выдающийся кларнетист Мезз
Меззров, которого белые презрительно называли тогда "пархатый черный". Но ближе к сороковым эта
печальная традиция стала постепенно нарушаться. Не смотря на остатки расизма в США, музыканты все чаще
начали ломать расовые барьеры. Трубач Рой Элдридж стал постоянным солистом в белых биг-бэндах. Чем это
для него оборачивалось, он рассказывает на страницах книги "Послушай, что я тебе расскажу". Одним из
первых, кто отважился привлекать черных исполнителей в свой состав, был Бенни Гудмэн. Это были и Тэдди
Уилсон, и Чарли Крисчиан, и Лайонелл Хэмптон. Но это уже другая тема, связанная с историей свинга в эпоху
биг-бэндов.
Одним из ярких примеров белого чикагского стиля является запись пьесы "Nobody's Sweetheart" в исполнении
ансамбля "McKehzie And Condon's Chicagoans" 1927 года. Здесь собрались вместе такие "классики"
традиционного джаза как Фрэнк Тэшемахер (кларнет), Эдди Кондон (банджо, вернее - особый вид лютни с
четырьмя струнами), Джин Крупа (ударные), Джимми Макпартлэнд (корнет), Бад Фриман (тенор-сакс), Джим
Лэнниган (контрабас), Джо Салливан (ф-но).
В пьесе "I Found A New Baby", записанной в 1928 году ансамблем "Chicago Rhythm Kings", играют Фрэнк
Тэшемахер (кларнет), Эдди Кондон (банджо), Джин Крупа (ударные), Маггси Спэниер (корнет), Джим
Лэнниган (контрабас), Джо Салливан (ф-но). На саксофоне - тот самый "пархатый черный" - Мезз Меззров.
В пьесе "Sister Kate" Оркестра Чарлза Пирса (1928) играют те же Тэшемахер и Спэниер, но на альт-саксофоне
играет Чарлз Пирс, на тромбоне Джек Рэей, на ударных Пол Кеттлер.
В оркестре Дэнни Альтера (пьеса "My Gal Sal" - 1928) можно кроме Мэггси Спэниера слышать музыкантов
явно еврейской национальности, например Маури Берков (кларнет), Фил Робинсон (тенор-сакс), не говоря о
самом Дэнни. Анализ имен и фамилий музыкантов раннего традиционного джаза объясняет, почему Адольф
Гитлер и его антисемитские сподвижники так ненавидели джаз. Процент евреев среди первых белых джазменов
был достаточно высок. Кстати, то же самое наблюдалось и в советском джазе, это известно мне уже из личного
опыта.
Еще один пример наполовину еврейского состава - "Elmer Schoebel And His Friars Society Orchestra". В пьесе
"Prince Of Wails" (1929) записаны Дик Фейге (корнет), Фрэнк Тешемахер (кларнет), Элмер Шобель (ф-но),
Чарли Бергер (гитара), Джон Кюн (туба), Джордж Веттлинг (ударные). Элмер Шобель - один из пионеров
белого чикагского стиля - пианист и композитор, автор ряда хитов того периода ( Nobody's Sweetheart, Prince Of
Weils, Farewell Blues, Bugle Call Rag, House Of David Blues). Начав у себя на родине в Сент Лиусе как
аккомпаниатор немого кино, он в начале 20-х перебрался в Чикаго, где стал одним из первых известных
композиторов-аранжировщиков новой музыки. Он помогал издавать музыку Кинга Оливера, Луиса Армстронга
и Джелли Ролл Мортона. Позднее, на своей фабрике он изобрел первый электропроигрыватель на 33 об\мин для
радиостанций.
В пьесе "Feelin' No Pain" (1927) можно услышать замечательного тромбониста Миф Моула и корнетиста Рэда
Николса, а также еще одного "классика" традиционного кларнета - Пи Ви Расселла. Кроме того, здесь басовые
функции выполняет бас-саксофон, на котором играет в характерной для этого стиля манере Адриан Роллини. А
в "Shim-me-Sha-Wabble" (1928) с Миф Моулом и Рэд Николсом играют Тешемахер, Кондон, Крупа, Салливан.
В "That Da Da Strain" (1929) в составе "Louisiana Rhythm Kings" (1929) - Джек Тигарден (тромбон), Рэд Николс
(корнет), Пи Ви Расселл (кларнет), Бад Фримен (сакс), Джо Салливан (ф-но), Дэйв Тафф (ударные). Так что, как
мы видим, круг этих музыкантов был в начале довольно узким.
В записи "Smiling Skies" 1928 года оркестра Бэнни Мерова, типичного чикагского танцевального бэнда можно
слышать замечательного трубача по имени "Уайлд" Билл Дэйвисон.
На этом диске есть записи таких двух выдающихся представителей белого чикагского джаза как Бикс
Байдербек и Фрэнки Трамбауэр. Это и их первый состав "The Wolverine", и "Frenkie Trumbauer Orchestra", и
"Trum, Biks & Lang", где играет гитарист Эдди Лэнг.
Когда начинаешь исследовать раннюю историю джаза, то поражаешься, сколько молодых, талантливых
музыкантов ушло из жизни, не успев до конца реализовать свои возможности. Взять хотя бы судьбу двух
наиболее ярких представителей чикагского направления - Бикса Байдербека и Фрэнка Тэшемахера. Бикс умер в
1931 году, в возрасте 28 лет, в результате алкоголизма. А Фрэнк, его полная противоположность, собранный и
деловой человек, погиб в автомобильной катастрофе по пути на репетицию с трубачем "Уайлд" Билл
Дэйвисоном в 1932 году, в возрасте 26 лет. Интересно представить, чего могли бы достичь эти музыканты,
доживи они до времен свинга, бопа или авангарда. Точно также задаешься этим вопросом, когда думаешь о
судьбе таких преждевременно ушедших из жизни талантов, как Чарли Крисчиан, Клиффорд Браун, Скотт
Лафаро, Эрик Долфи…
Среди первых джазовых исполнителей на гитаре выделялся Эдди Кондон, который был и замечательным
бэнд-лидером. На записях его оркестра здесь можно слышать трубача Макса Каминского, кларнетиста Пи Ви
Расселла, саксофониста Бада Фримана.
3

В оркестре трубача Пола Мареса в пьесе "Nagasaki" на рояле играет Джесс Стейси, на тромбоне - Санто
Пекора, на кларнете - Омер Симеон.
Здесь можно услышать записи легендарного трубача, певца и бэнд-лидера по имени Уинги Манон. В возрасте
10 лет в уличной катастрофе он потерял правую руку. Всю жизнь он играл одной рукой на специально
сконструированной трубе. По манере петь и вести себя на сцене он напоминал Луи Армстронга. Он играет в
пьесе "Wailing Blues" в ансамбле "The Cellar Boys" вместе с Фрэнком Тэшемахером и Бадом Фриманом, а также
в пьесе "Mama's Gone, Goodbye" со своим оркестром.
В отрывке из книги "Послушай, что я тебе расскажу", приведенном здесь, можно прочитать трогательную
историю одного из старейших музыкантов джаза - трубача по имени Банк Джонсон, о его втором рождении на
сцене после долгого вынужденного перерыва. Здесь приведен пример - одна из первых его записей после
возвращения в музыку, сделанная в 1942 году, - пьеса "Panama".
Музыка великого Дюка Эллингтона, относящаяся к его до-свинговому периоду, к 20-м годам, когда он играл
с небольшими оркестрами, представлена одной пьесой, записанной самым первым составом "The
Washingtonians", а также рядом композиций 1927-28, когда он перебазировался со своими коллегами из родного
Вашингтона в Нью Йорк. Такую музыку формально нельзя назвать "диксилендом". Это - традиционный джаз
до наступления эры свинга, эры танцевальных биг-бэндов. А в случае с Дюком - это просто музыка раннего
Эллингтона, не похожая ни на кого и ни на что. Здесь сразу видна рука мастера - композитора и
аранжировщика.
На данном диске мы приводим фрагменты из некоторых глав книги "Становление джаза" ("The Making Of
Jazz") по истории джаза, написанной американским музыковедом Джеймсом Коллиером и выпущенной в СССР
издательством "Радуга" под редакцией А.Медведева в 1984 году. Там есть много важной информации как о
музыкантах и оркестрах раннего периода в джазе, так и о самой ситуации, в которой зарождался этот вид
искусства.
Кроме этого, здесь размещены работы Леонида Борисовича Переверзева, замечательного русского мыслителя,
человека энциклопедических знаний, специалиста во многих областях, а главное - в области джаза, его истории
и теории. Меня связывает с ним давняя дружба, начавшаяся еще в далекие 50-е годы. В самом начале
Хрущевской оттепели Л.Б.Переверзеву удалось опубликовать первую в СССР книжку о запрещаемой при
И.Сталине кибернетике. Уже тогда, безо всякой надежды на какое либо обнародование, Леонид начал свои
глубокие исследования в области джаза, считавшегося вражеским искусством для советских идеологов. Сейчас
широкому кругу людей, заинтересованных в расширении познаний в области джаза, предоставлена
возможность прочесть методологическую работу Леонида Переверзева "Импровизация versus композиция", а
также две его статьи по истории раннего джаза - "Детище Нью-Орлеана" и "Джаз идет на Север".
ДЕТИЩЕ НЬЮ-ОРЛЕАНА

Никто толком не знает, откуда слово "джаз" взялось и что оно первоначально значило. Одни считали его
звукоподражанием жужжащему тембру кабира, или санца – африканского щипкового инструмента. Другие -
отглагольным существительным от "jazze!" - "поддай жару!", на диалекте французских креолов таким
возгласом подбадривают танцоров и музыкантов. Третьи уверяли, будто оно обязано своим
происхождением мифическому трубачу из Мемфиса, штат Теннеси, по имени Джазбо Браун (в репертуаре
"императрицы блюзов" Бесси Смит был номер "Jazbo Brown from Memphis Town). Выдвигались и прочие,
столь же недоказуемые версии.
Достоверно одно: у англичан издавна имелось жаргонное, в приличной беседе неупотребительное слово
jas или jass, означавшее весьма фривольное поведение или лицо, таким поведением отличающееся. Оно-то и
появилось, к радости шутников и смущению людей благопристойных, сначала на афишах, а потом на дисках
белого квинтета в составе трубы, кларнета, тромбона, фортепиано и ударных, приехавшего зимой 1917 года
в Нью-Йорк из Нью-Орлеана – самого развеселого города в Соединенных Штатах. Ансамбль играл
рэгтаймы и блюзы в шокирующе дерзкой и зажигательно "горячей" манере и называл себя Original Dixieland
Jass Band (сокращенно ODJB) - Оригинальный диксиленд джасс бэнд).
Дебют в Нью-Йорке пятерых нью-орлеанцев, возглавляемых корнетистом Ником Ла Рокка, пришелся как
нельзя более кстати. К тому времени для среднего потребителя популярной музыки фортепианный рэгтайм с
его тщательно выписанной четырехчастной структурой стал уже слишком сухим и механичным, а блюз (в
том виде, в каком его подавала коммерческая эстрада) - чересчур унылым и плаксивым. Музыка ODJB
выгодно отличалась тем, что сочетала ритмику рэгтайма и мелодическую пластинку блюза с броской
палитрой инструментальных красок и звучностью марширующего духового оркестра. Первая же его
пластинка - "горячая" импровизация на тему старинной французской кадрили, переименованной в "Tiger
Rag", произвела фурор и разошлась миллионным (в те дни абсолютно сверхрекордным) тиражом. Только
что перед тем знаменитая эстрадная пара, Вернон и Айрин Касл, обучила публику удивительно свободным,
скользяще-упругим, индивидуально варьируемым фигурам нового танца - фокстрота, требующего как раз
такого - предельно раскованного гибкого и энергичного аккомпанемента. "Игра этого ансамбля, - писал
журнал "Вэрайти", - заставляет танцоров отбрасывать сдержанность и доходить в своих движениях до
предела".
Сногшибательный успех ODJB породил массу подражаний и всеамериканскую моду на аналогичный
стиль танцевальной музыки: несколько двусмысленную ее фирменную марку спокойствия ради чуть
переделали, заменив двойное ss на двойное zz: получился jazz.
Год спустя ODJB (теперь уже не jass, а jazz) посетил Великобританию, заразив джазовым вирусом также и
Старый Свет. Инфекция распространилась стремительно. Только что закончилась империалистическая
война; Соединенные Штаты, пережившие ее почти без потерь, выступали в роли богатого и процветающего
покровителя изрядно потрепанной Западной Европы. Жизнь возвращалась в мирную колею, все жаждали
обновления, победители намеревались попышнее отметить свой триумф, а побежденные - поскорее забыть
позор поражения. "Горячую" новинку из Америки приветствовали и те и другие.
Разумеется, у джаза сразу же нашлись не только поклонники, но и убежденные противники. Вот несколько
выдержек из прессы тех лет. "Джазовая музыка низводит нынешних мужчин, женщин и детей на стадию
варварства". "джаз можно рассматривать как комбинацию невроза, беззакония, примитивно-дикарского
анимализма и вседозволенности". "Наша эмоциональная нестабильность есть продукт иммиграции
чужеземцев, автомобилей, джаза и кинематографа".
Уже в 1921 году богобоязненные жители городка Зайон-Сити, штат Иллинойс, решили сжечь все
найденные там джазовые пластинки "как первый и главный пункт в только что принятой нами программе
нашего общего спасения". И целых тринадцать лет спустя католический архиепископ монсеньор Конфри все
еще пытался убедить Соединенные Штаты в том, что "джаз был завезен к нам из Центральной Африки
бандой богатых международных заговорщиков-большевиков с целью нанести удар по христианской
цивилизации во всем мире".
Но даже столь страшные "разоблачения", предостережения и обвинения в адрес джаза не могли ни
пересилить тягу молодой аудитории к свежему, в основе своей демократическому и здоровому началу новой
популярной музыки, ни остановить тех, кто вознамерился извлечь из этой тяги максимальную выгоду.
Последняя, как водится, доставалась не самым талантливым, но наиболее оборотистым и умеющим
мгновенно подлаживаться к рыночной конъюнктуре. По обе стороны океана все большее число салонных и
танцевальных оркестров срочно переименовывалось в "джазы". Музыкальная индустрия спешно
перестраивалась на выпуск перспективной продукции (чаще всего чуть освеженные старые образцы
попросту снабжались новой этикеткой), одна из песенок тех лет называлась "Мир сходит с ума по джазу,
боже, а с ним и я".
В мюзик-холлах давали джаз-обозрения; композитор Джорж Гершвин, автор музыкальных комедий,
царивших на Бродвее и задававших тон всей американской эстраде, был провозглашен "Королем джаза";
появление звукового кино ознаменовалось выходом боевика "Певец джаза" с Олом Джолсоном в главной
роли; бурные двадцатые годы, совпавшие с периодом "сухого закона", ростом организованного
гангстеризма и экономического бума, с легкой руки писателя Скотта Ф.Фицджеральда стали называть
"джазовым веком".
Век этот оказался, впрочем, совсем недолгим: он завершился всеобщим биржевым крахом 1929 года,
который в считанные часы и дни разорил множество мелких, средних и крупных предпринимателей и
держателей акций, заставил резко свернуть промышленное производство, лишил работы миллионы людей и
положил конец "эпохе процветания".
Поветрие джаза исчезло так же мгновенно, как и пришло. В начале тридцатых годов о нем если и
вспоминали, то с чувством неловкости, стыда и раскаяния. Перечисляя с запоздалым негодованием
финансовые аферы, политические скандалы, бандитские налеты, сверх-расточительные великосветские
приемы, контрабанду спиртным, безумные кутежи и прочие эксцессы минувшего десятилетия, неизменно
добавляли: "...и весь этот джаз!". Понятие, еще вчера бывшее знаком "самого современного", блестящего и
шикарно-престижного, опять съежилось до малопочтенного и сомнительного. Популярная музыка,
очистившись от джазовой скверны, вернулась на добродетельную стезю приглаженно-усмиренных мелодий
и ритмов в благопристойном и несколько жеманном стиле "суит" (сладкий). Похоже было, что джаз, как до
него рэгтайм, навсегда отошел в прошлое.
И все же находились отдельные чудаки-фанатики (главным образом европейцы), уверявшие, что джазу
суждено великое будущее. Не изменив предмету своей страсти, они по-прежнему готовы были просиживать
вечера напролет рядом с известными и безвестными джазменами, изредка нанимаемыми для обслуживания
третьеразрядных кафе, ресторанов и дансингов. Без устали разыскивали у старьевщиков и старательно
коллекционировали пластинки. Бросив все дела, приникали к радиоприемнику при первых же тактах
джазовой пьесы, случайно переданной в эфир. Встречались для обсуждения волновавших из проблем,
объединялись в клубы, общества и федерации, издавали крошечным тиражом журнальчики, изредка
печатали книжки о любимой музыке.
Первая из таких книг - "У границ джаза", опубликованная в 1932 году и принадлежавшая перу бельгийца
Роберта Гоффэна, - была посвящена "Луи Армстронгу - настоящему королю джаза". Уже сама форма
посвящения говорила о том, что настоящий - "горячий", или "классический", - джаз, созданный такими
негритянскими мастерами, как Кинг Оливер, Луи Армстронг или Сидней Беше, фактически неизвестен
широкой белой аудитории. То, что индустрия развлечений в рекламных целях именует джазом, таковым
отнюдь не является, утверждал автор. Это коммерческая эстрадно-танцевальная музыка, механически
заимствующая у джазовой ряд внешних признаков, но абсолютно лишенная ее страстного порыва,
духовного благородства, эмоциональной искренности и, самое главное, импровизационного начала. Слава
"изобретателей", громкие титулы и "царственные регалии" истинных корифеев и властелинов джаза либо
узурпированы у них самозванцами-имитаторами, либо по неведению приписаны музыкантам, имеющим к
джазу лишь косвенное (как Гершвин) и довольно поверхностное отношение.
Сформулировав эту концепцию, Гоффэн положил начало джазовой эссеистике и критике, а также
появившейся чуть позже историографии джаза, сумевшей после кропотливейших и неустанных
многолетних исследований пролить свет на многие факты и обстоятельства его происхождения и развития.
Так началась, поддержанная во Франции Хюгом Панасье и Шарлем Дэлоне (составителем первой джазовой
дискографии), а в Америке - Фрдериком Рэмзи и Чарлзом Э. Смитом, длительная и упорная кампания за
реабилитацию подлинного джаза. Она привела к тому, что в конце тридцатых годов вновь зазвучала
"горячая" музыка, привлекавшая к себе сравнительно не многочисленный, но быстро увеличивающийся
контингент вдумчивых слушателей и преданных ценителей. При их активной поддержке "классический"
джаз возрождали не только заслуженные ветераны - Матт Кэри, Банк Джонсон, Кид Ори, но и также их
молодые белые приверженцы - Лю Уотерс и Тёрк Мэрфи в США, Хамфри Литтлтон в Англии и Клод Лютер
во Франции, поставившие своей целью тщательнейшее изучение и реконструкцию ранних, наиболее
"аутентичных" форм джазового исполнительства. Усилиями всех этих энтузиастов удалось восстановить
традицию "горячего" джаза, сложившуюся к середине десятых годов в Нью-Орлеане при обстоятельствах,
заслуживающих специального внимания.
На рубеже XIX и ХХ столетий Нью-Орлеан был городом, чье географическое положение, экономика,
история, расово-этнический состав, культурные ресурсы и социальные институты как нельзя более
способствовал контакту и взаимодействию самых разных ветвей и оттенков черной и белой музыки.
Крупнейший порт (а совсем недавно - и рынок рабов) в устье Миссисипи, узел коммерческих связей
Старого Света, включая Африку, и Нового Света - Центральной, Северной и Юной Америки, основанной
французами, от данный на время испанцам и, наконец, купленный в 1803 году Соединенными Штатами
вместе провинцией Луизианой, он отличался космополитической пестротой и вместе с тем яркой
самобытностью своего духа и облика.
Высший его слой - земельная аристократия из бывших плантаторов-рабовладельцев, державших некогда
у себя в поместьях собственных чернокожих невольников-менестрелей, - кичился происхождением от
знатных семейств Испании и Франции. Он субсидировал и поощрял гастроли европейских оперных трупп,
концерты знаменитостей из Парижа и Рим, любительское салонное музицирование и бальные танцы под
аккомпанемент прямых потомков тех самых менестрелей - скрипачей, кларнетистов и пианистов смешанной
крови и культуры, так называемых цветных креолов, занимавших в тамошней расово-общественной
иерархии неустойчивую промежуточную позицию.
Некогда цветные креолы составляли привилегированную прослойку доверенных слуг-
вольноотпущенников, имевших шанс сделать карьеру мажордома, управляющего, маклера, но скорее всего
того же музыканта, принимаемого пусть всего лишь в качестве тапера, но зато в самых лучших домах.
Однако потом быстрый рост расизма - спутника капиталистического освоения Юга - неожиданно превратил
их в жертв жесточайшей и унизительной дискриминации. Столь крутой поворот судьбы застал этих людей
врасплох, вызвал растерянность, принес чувство разочарования и позора. Привыкнув считать себя "почти
белыми" и постоянно подчеркивая свое превосходство над "африканцами", цветные креолы воспринимали
случившееся с ними куда нервознее и болезненней чернокожих.
Те же, кто пребывал в таком состоянии веками, сумели выработать достаточно эффективные механизмы
социально-психологической защиты и способы сохранения личного и группового достоинства в условиях
внешнего бесправия и лишений. Образцовый пример тому давали негритянская община Нью-Орлеана.
Ничуть не стыдясь и открыто гордясь своим африканским прошлым, она широко практиковала внутри своих
границ, многие племенные обычаи (разумеется, видоизменяя их применительно к обстановке). Сюда прежде
всего относились союзы взаимопомощи, "тайные общества", "братства", и "ложи", оказывавшие своим
членам хозяйственно-бытовую, экономическую, организационную и духовную поддержку в самых
разнообразных случаях: при постройке дома, выплате срочных долгов, улаживания семейных и соседских
конфликтов, устройстве и проведении свадеб, крестин и похорон, общественных торжеств и увеселений. Не
затронутые мрачным вероучением кальвинизма, чернокожие Крайнего Юга бережно сохраняли также
многие традиции африканской музыки и хореографии, так или иначе вплетаемые во все события
коммунальной жизни.
В деятельности "союзов" и "лож" музыкальные моменты были важнейшей частью обрядов, создающих
чувство эмоциональной близости и укрепляющих моральное самосознание их участников, служа вместе с
тем для них любимейшим развлечением. Первое не противоречило второму, поскольку в развлекательный
элемент оказывался в данном случае частью некоего мифологического единства. Так, похороны, связанные с
древним принципом почитания родителей-предков, обставлялись особенно торжественно и на взгляд
европейцев, несколько парадоксально. Погребальное шествие было траурным танцем прощания под
аккомпанемент буквально рыдающего духового оркестра (исполнители старались воспроизводить на
инструментах положенные по чину скорбные возгласы, плача и причитания), а возвращение с кладбища -
радостным прославлением жизни, продолжающейся благодаря трудам и заботам живших раньше.
Были и другие обрядовые церемонии , которые включали ритуальные танцы под колдовские ритмы
африканских барабанов и охотно приурочивались (нередко против желания властей) к праздникам,
признаваемым католической церковью. Крупнейшим из них был знаменитый нью-орлеанский Mardi Gras,
"Жирный вторник", он завершал масленицу и ознаменовался всеобщим гулянием-карнавалом с танцами,
ряжеными, фейерверком и торжественным проездом колесницы с "Царем зулусов" - Первым негром города.
несмотря на свою этническую обособленность, черная община отнюдь не была культурно изолирована от
окружающего; индивидуально и коллективно черные заимствовали у белых все, что они хотели и
практически могли воспринять, в свою очередь, делясь с ними плодами собственного творчества.
Музыкальный обмен на первых порах совершался, однако, не прямо, а как раз через цветных креолов.
Именно они, имея доступ к образованию, раньше негров профессионально освоили инструменты духового
оркестра и его нотную литературу: европейские марши, польки и кадрили, переложения популярных
оперных арий и американских мелодий минстрел-шоу вплоть до рэгтайма. Социальное честолюбие
побуждало их играть эти произведения "не хуже, чем белые", - так же чисто, нота в ноту, точно по
написанному и по взмаху дирижерской палочки, отсчитывающей такт. Черным же негде было всему этому
научиться. Раздобыв где-нибудь подержанные, часто выброшенные на свалку трубы, кларнеты, тромбоны и
геликоны, они просто пытались изо всех дуть в них, чтобы получить хоть какой-нибудь звук. А добившись
этого – сделать его похожим на голос негра, поющего, говорящего, плачущего и хохочущего свой блюз
сорванным от тоски, изнемогающим от ярости тембром, с ударной, как выстрел, артикуляцией и мучительно
стонущими глиссандо.
Ни о какой "чистоте", "верности" и "правильности" тут не могло быть и речи: блюзовое звучание было
исходно "грязным" и "фальшивым", если оценивать его по школьным европейским правилам. Никакому
композитору, сочиняющему за письменным столом, никакому дирижеру, стоящему во фраке за пультом, не
удалось бы упорядочить и ввести в русло расписанной партитуры этот ураган добела раскаленных зовов и
откликов, вопросов и ответов, сомнений, горестных воплей, язвительных насмешек, умоляющих просьб,
жалоб и торжествующих утверждений. Категории профессионализма мало приложимы к оценке агонии и
рождения для новой жизни. Подавляющее большинство нью-орлеанских исполнителей-негров в десятых
годах даже не считало себя музыкантами, оставаясь грузчиками и продавцами газет, официантами и
поварами, разносчиками зелени и подметальщиками улиц. Играть музыку они могли только во внерабочие
часы. Но тогда они неузнаваемо преображались: не забитые и приниженные рабы, не угодливые слуги, не
жалкие имитаторы, пытающиеся выдать себя за тех, кем они хотели бы казаться, но освобождающиеся люди
обретали наконец чудесное средство неизмеримо усилить свои голоса и, соединив их вместе, возвестить,
рассказать, засвидетельствовать, прокричать во всеуслышание то, что раньше они были вынуждены
сообщать лишь украдкой.
Их весть, рассказ и свидетельство не вмещалось целиком в звучание инструментов, и они добавляли к
нему красочное зрелище, пантомиму и танец, куда вовлекались и все присутствовавшие. Театрализованное
музыкальное действо воспроизводило древний фольклорный сценарий с тремя главными персонажами:
агрессивно-мужественной трубой, женственно-мягким кларнетом и то добродушным, то саркастическим, то
грозным старцем-тромбоном. Двое первых вели нескончаемый дуэт-состязание с нападениями, увертками,
обманными выпадами, кроткими уговорами, ожесточенными ссорами и враждебными схватками, а третий
насмешливо комментировал происходящее, подливал масла в огонь, поочередно взывал к обоим, когда они
заходили слишком далеко в своей распре, негодовал, пытался примирить и привести их к согласию.
По этой канве разыгрывалось и варьировалось в коллективной импровизации множество тем,
почерпнутых из "почвенных" сельских блюзов - носителей наиболее "черного " и "горячего" афро-
американского начала, и из городских рэгтаймов, с которыми южные негры знакомились опять-таки через
посредство более урбанизированных цветных креолов. Последние, как уже говорилось, нередко имели
профессиональное образование и получали работу в кафе, клубах и других злачных местах, куда
чернокожим исполнителям путь был заказан и где требовалось более европеизированная и деликатная
музыка. Поэтому если самыми "блюзовыми" и "горячими" трубачами Нью-Орлеана были негры вроде
Фредди Кипарда, Банка Джонсона и Кинга Оливера, то лучшим пианистом в городе был цветной креол
Фердинанд Жозеф Ла Менте, более известный впоследствии как Джелли-Ролл Мортон. Уступая блестящим
северным виртуозам в технике, он, однако, неизмеримо глубже чувствовал блюз и, самое главное, первым из
всех стал сочинять композиции для фортепиано, вбирающие в себя интонации, фактуру и общий характер
голосоведения черных духовых оркестров, играющих на похоронах, парадах и пикниках. Пьесы Мортона,
позднее им самим инструментированные, сыгранные и записанные на пластинки под его руководством
ансамблем самых "горячих” виртуозов, входят ныне в сокровищницу джазовой классики.
Так складывался особый тип музыкального мироощущения и переживания, вырабатывался характерный
язык взаимного общения и конкретные формы художественной речи, значимые, казалось бы, лишь для
узкого круга лиц на таком же узком участке пространства и времени, замкнутого в жестких этнических и
культурных границах.
Но получилось иначе. Белые музыканты и белые слушатели, сперва сравнительно редкие, затем все
более многочисленные, повторили на очередном витке исторической спирали то, что ранее они проделали с
минстрел-шоу, рэгтаймом и блюзом. Они с восторгом взяли из новой музыкальной практики негров и
креолов то, что отвечало их собственным вкусам, потребностям и запросам, отбросив, карикатурно исказив
или лишив всякой жизненности остальное. Разумеется, далеко не все поступали так, движимые грубо
корыстными целями или из пренебрежения к "черномазым". Иззвестны даже уникальные в те годы случаи
глубокого понимания и сотрудничества исполнителей разных рас, но, принимая во внимание реальные
обстоятельства, надо признать, что то был единственно возможный по тем временам путь дальнейшего
развития новорожденной музыки.
Более того, подобно тому, как "Виргинские менестрели", изображавшие "негритосов с плантаций", дали
пример для создания сначала подражательных, а затем все более самобытных черных менестрельных трупп,
Оригинальный диксиленд из Луизианы, заигравший в Нью-Йорке и Лондоне в горячем нью-орлеанском
стиле, окрестивший его таким же горячим словечком "джаз" и доставивший ему международную
известность, пробудил у негритянских музыкантов сознательное намерение продолжить и повернуть в свою
пользу столь драматически начатое состязание-диалог.
Прослеживая его корни, истоки и ранние этапы, мы приходим к твердому заключению: джаз никогда не
был однородным и "чистым" ни в расовом, ни в жанровом, ни в тематическом отношении. Нельзя
трактовать его и как простую смесь рэгтайма, блюза и марша; даже пресловутое понятие "синтеза" мало что
объяснило бы в этом кипяще-взрывоопасном сочетании полярных противоположностей. Глубинная суть и
специфика джаза открывается нам в столкновении, конкуренции и борьбе не столько различных стилевых
черт, сколько практически-жизненных интересов и устремлений людей, принадлежащих к разным классам,
этносам и культурам. Нельзя забывать и о том, что условия этого диалогического соревнования были
существенно неравными: дискриминация его участников проводилась и в зависимости от цвета их кожи, и
от эстетической предвзятости арбитров, и, самое главное, от того, каким был подход того или иного
композитора - исполнителя или ансамбля - коммерческим или творческим. После Нью-Орлеана основной
ареной встречи и противоборства всех этих моментов стали Мемфис, Канзас-Сити, Нью-Йорк и другие
крупные города с высоким процентом негритянского населения, но прежде всего - Чикаго, где на
протяжении двадцатых годов было создано и записано на пластинки наибольшее количество произведений,
составивших, как теперь принято говорить, "золотую эру" классического джаза.
1

Отрывок из книги: “Становление джаза”


Джеймса Линкольна Коллиера
в переводе с английского Ю. А. Задорнова.

ЗА ПРЕДЕЛЫ НОВОГО ОРЛЕАНА

26 февраля 1917 года в нью-йоркской студии фирмы “Victor” пятеро белых музыкантов из Нового Орлеана
записали первую джазовую грампластинку. Значение этого события в истории джаза переоценить невозможно. До
выхода в свет этой пластинки джаз был скромным ответвлением музыкального фольклора, круг его исполнителей
ограничивался несколькими сотнями негров и горсткой белых новоорлеанцев, за пределами этого города его
слышали крайне редко. После выхода пластинки (7 марта) “джаз” в течение нескольких недель ошеломил всю
Америку, а пятеро белых музыкантов стали знаменитостями. Они назвали свой оркестр “Original Dixieland Jass
Band” (сейчас принято употреблять современное написание — jazz). На первой пластинке были записаны пьесы:
“Livery Stable Blues”, в которой корнет имитировал тихое ржание лошади, а тромбон — мычание коровы, и
“Dixieland Jazz Band One-Step”, ныне известный как “Original Dixieland One-Step”.
Многие десятилетия исследователи джаза не могут скрыть недовольства и раздражения по поводу того, что запись
первой джазовой пластинки принадлежит группе белых музыкантов, а не негритянскому оркестру. Но здесь, как и на
других этапах истории джаза, правил случай. Говорят, что ранее Фредди Кеппард имел возможность записаться на
пластинку, однако не воспользовался ею, поскольку не хотел, чтобы кто-то “стянул его музыку”; правда, в одном из
источников указано, что он записывался в 1916 году, но пластинка не была выпущена в свет.
“Original Dixieland Jazz Band” считался ансамблем без руководителя, но на самом деле центральной фигурой в нем
был корнетист Ник Ла Рокка, который не только задавал тон как исполнитель, но и руководил всеми делами группы.
Ла Рокка родился 11 апреля 1889 года в семье итальянского иммигранта. Его отец немного играл на корнете.
Ник Ла Рокка выступал в Новом Орлеане и окрестностях еще в составе так называемых “мальчишеских” ансамблей,
которых в городе было великое множество. С юных лет он принадлежал к стихийно возникшему содружеству белых
музыкантов, исполнявших, как и негры, “горячую” музыку. Среди его друзей были Ларри Шилдс, впоследствии
кларнетист ансамбля “Original Dixieland Jazz Band”, Леон Рапполо, известный кларнетист, который записывался на
пластинки с оркестром “New Orleans Rhythm Kings”, и братья Брунис, тоже имевшие грамзаписи в ранний период
развития джаза. Со временем Ла Рокка стал работать у знаменитого новоорлеанского музыканта Джека Лэйна. Ла
Рокка был самоучкой и не умел читать ноты с листа, но, обладая большим исполнительским талантом и
организаторскими способностями, он часто по поручению Лэйна руководил оркестром.
Как пишет Бранн [9], в декабре 1915 года некто Харри Джеймс, хозяин чикагского ночного клуба, приехавший в
Новый Орлеан посмотреть боксерский турнир, случайно услышал “горячий” ансамбль барабанщика Джонни Стайна,
в котором играл и Ла Рокка. (Сам Стайн утверждает, что это произошло в 1916 году и что “открыл” их актер Гес
Чендлер.) В начале 1916 года группу Стайна пригласили работать в один из ночных клубов Чикаго. Но это была не
первая поездка новоорлеанских музыкантов на Север. Двумя годами ранее в Чикаго гастролировал оркестр белых
музыкантов “Ragtime Band” под руководством Тома Брауна, а негритянские ансамбли выезжали на Север из Нового
Орлеана регулярно начиная с 1912 года. Но группе Стайна повезло больше других, в частности потому, что клуб, где
она выступала, был постоянным местом встреч дельцов индустрии развлечений, которые и разнесли весть о новой,
необычной музыке по всему Северу. Группа провела в Чикаго несколько месяцев. Сам Стайн вынужден был уйти из
группы из-за денежных споров, а название ансамбля изменилось на “Original Dixieland Jazz Band”. В начале 1917
года последовало приглашение на работу в известный нью-йоркский ресторан и танцзал “Рейзенуэберс”,
расположенный на пересечении 58-й улицы и 8-й авеню.
За две или три недели ансамбль новоорлеанских музыкантов покорил весь Нью-Йорк. Ангажементы следовали один
за другим. Популярность ансамбля и привела к появлению первых джазовых грампластинок. В тот период в
ансамбле играли Ла Рокка, тромбонист Эдди „Дэдди" Эдварде, кларнетист Ларри Шилдс, пианист Генри Рагас и
барабанщик Тони Сбарбаро. Тираж их первой пластинки, о которой мы упоминали в начале главы, превысил
миллион экземпляров — цифра по тем временам неслыханная. Такой успех отчасти можно объяснить тем, что в
записи “Livery Stable Blues” музыкантам удалась точная имитация звуков скотного двора. В последующие годы
ансамбль записал около дюжины пластинок и совершил гастрольную поездку по Англии. Со временем он
приобретал все более коммерческий характер и в середине 20-х годов распался. В 1936 году ансамбль вновь
попытались возродить, но, поскольку он не имел успеха у публики, из этой затеи ничего не вышло.
В наши дни ансамбль “Original Dixieland Jazz Band” представляет интерес главным образом для историков джаза.
Большинство современных слушателей находит их музыку скучной и даже нелепой. Однако в свое время их
авторитет у публики был очень высоким. В течение двух-трех лет, пока не было записей других джаз-бэндов, этот
ансамбль был единственным в своем роде. Каждый американец, хоть сколько-нибудь интересовавшийся популярной
музыкой, знал их пластинки. Молодые музыканты, большей частью белые, изучали эту музыку по грамзаписям такт
за тактом, пока не заучивали партии всех инструментов наизусть. Оркестры с устоявшейся репутацией, поддавшись
модному поветрию, пытались имитировать джаз и воспроизвести характерный рег-ритм.
2
Один вопрос не перестает волновать исследователей — была ли игра “Original dixieland Jazz Band” типичной для
музыки негров Нового Орлеана, а также для новоорлеанских групп белых музыкантов. Записи этого ансамбля
заметно отличаются от записей 1923 года других новоорлеанских коллективов, и в частности такого негритянского
ансамбля, как “Creole Jazz Band” Оливера, или же группы белых музыкантов “New Orleans Rhythm Kings”. К
исполняемой музыке лучше всего подошло бы название регтайма. Ла Рокка и его биограф Бранн утверждали, что
музыка его группы никак не связана с негритянской традицией и создавалась самими музыкантами. Играя регтаймы
или же их производные, эти музыканты не хотели признавать заслуг негров в создании и становлении этого жанра.
И все же, несмотря на заверения Ла Рокка, негритянская традиция в музыке ансамбля безусловно присутствовала. И
дело тут не в копировании негритянского стиля, а в самой приобщенности к специфической музыкальной атмосфере
Нового Орлеана. В игре ансамбля подчеркнуто выделены особенности европейской музыки. Мелодическая линия
сильно синкопированная, как в регтайме, твердо соотнесена с ритмической основой; собственно джазовая свободная
ритмика лишь иногда проскальзывает в игре самого Ла Рокка. Игра Сбарбаро на ударных тяжеловесна. В целом для
игры ансамбля характерно полное отсутствие блюзовых тонов.
В то же время нельзя отрицать джазовый характер ансамбля. Состав его был классическим для оркестров Нового
Орлеана — корнет, кларнет, тромбон и ритм-группа. Несмотря на то что члены ансамбля, особенно Ла Рокка,
претендовали на авторство исполняемых пьес, в действительности они играли музыкальную “смесь” из маршей,
регтаймов и популярных мелодий новоорлеанского репертуара, значительная часть которого родилась в
негритянской среде. И хотя оркестр еще не свинговал в истинно джазовой манере, временами он был весьма близок
к этому. Попс Фостер говорил о группе Ла Рокка: “Их ансамбль был одним из самых „горячих" коллективов белых
музыкантов в Новом Орлеане”. Словом, музыка группы “Original Dixieland Jazz Band” находится где-то посредине
между джазом и его предшественниками и, по-видимому, более типична для “горячей” музыки 10-х годов, чем для
джаза Оливера, Мортона и Беше 20-х годов.
Художественные достоинства этой музыки спорны, но ее влияние на современников несомненно. Джаз быстро
обрел популярность, стал выгодным коммерческим товаром. За пять лет после выпуска пластинки “Livery Stable
Blues” тысячи молодых честолюбивых исполнителей, захваченных новой музыкой, создали сотни ансамблей — в
большинстве своем слабых, не имевших никакого отношения к джазу. Все они играли в дансингах, ночных клубах и
т. п. Иногда некоторые из них приглашались для записи на пластинки. Но джазовый бум десятилетия, которому
предстояло войти в историю под именем “века джаза”, был обусловлен не только коммерческими причинами.
Увлечению джазом способствовали и различные социальные факторы. Одним из них является распространение
жизненной философии, которую связывают с художественным творчеством так называемого “потерянного
поколения”. Разуверившись в своем движении за окончание всех войн, молодые люди восстали против того, что им
казалось предрассудками старшего поколения. В реальной жизни это выразилось в “свободе удовольствий”, которая
обычно сводилась к разгулу секса и пьяным оргиям. В искусстве наступил период экспериментирования и отказа от
старых форм — достаточно вспомнить прозу Джойса, поэзию Паунда, драматургию О'Нила, живопись Пикассо.
Джаз точно соответствовал поискам как в сфере жизни, так и в сфере искусства: во-первых, он был веселым и
достаточно фривольным, а во-вторых, совершенно новаторским по форме.
Итак, поколение 20-х годов признало джаз (имея о нем, как правило, искаженное представление) и более того —
сделало его своим. В 20-х и даже 30-х годах художники и интеллектуалы Лондона и Парижа, Нью-Йорка и Чикаго
преклонялись перед Дюком Эллингтоном и Бесси Смит — они покупали пластинки, а иной раз даже ходили на
концерты этих исполнителей в Гарлем. Нью-йоркский писатель Карл ван Вехтен, к мнению которого
прислушивались во всех слоях общества, а также в мире искусства, особенно активно пропагандировал джаз. К 1930
году европейские интеллектуалы уже всерьез писали о рождении новой музыки.
Вторым социальным явлением, способствовавшим возникновению джазового бума, была танцевальная лихорадка,
охватившая Америку после 1910 года.
Дэвид Юин пишет в книге “Жизнь и смерть Тин-Пэн-Элл”:
“За вспыхнувшей во всех уголках Америки страстью к регтайму последовало всеобщее увлечение танцами. И это не
случайно: оба явления взаимосвязаны. Популярные до 1910 года бальные танцы — полька, вальс, котильон и т. п.—
требовали выносливости и ловкости даже от молодых. Между танцами был необходим перерыв для отдыха на
десять-пятнадцать минут... Регтайм все круто изменил. Размер 2/4 и 4/4 вызвал к жизни более простые танцы. Как
бы они ни назывались —„индюшачьей походкой", „медвежонком-гризли", „кроличьим объятьем", „верблюжьим
шагом" или „хромой уточкой", какие бы движения они ни включали — тряску, раскачивание или скольжение, новые
танцы, пришедшие с регтаймом, требовали, как правило, только вышагивания по паркету в обнимку с партнершей”.
Танцы стали национальным развлечением, дансинги один за другим открывались по всей стране. Владельцы
ресторанов были вынуждены нанимать оркестры и разрешать танцы во время застолья, что прежде считалось
неслыханной вольностью. Танцевальная лихорадка вызвала небывалый спрос на музыкантов, который какое-то
время даже превышал предложение. Бойд Беннетт, активно выступавший в оркестрах до 1920 года, рассказывает:
“Грамотных музыкантов не хватало, поэтому в оркестры часто вынуждены были приглашать музыкантов, игравших
по слуху”. Такая ситуация способствовала развитию импровизации среди джазменов; важно также отметить, что
даже не очень умелые исполнители джаза в 20-х годах всегда имели постоянную работу.
Третье социальное явление, сыгравшее важную роль во внедрении джаза в сознание американцев,— борьба негров
за свое освобождение. Она в значительной степени усилилась в связи с возросшим спросом на рабочие руки в
3
период первой мировой войны. Огромная масса негритянского населения, бросив свои жалкие хижины на
Юге, устремилась в промышленные города Севера: в Детройт, Чикаго, Филадельфию, Нью-Йорк. В одном только
чикагском районе Саут-Сайд оказалось свыше пятидесяти тысяч негров. Для этих людей приезд на Север означал не
только смену местожительства, но и вживание в новую культурную среду, резко отличную от той, которую они
знали прежде.
Негры ехали на Север, надеясь найти там новую жизнь, новые возможности, новые впечатления. Однако многих из
них, соблазненных сказками о хорошем заработке и роскошной жизни, ожидало разочарование, одиночество, тоска
по оставленному дому. Поэтому они тянулись ко всему, что хоть немного напоминало о прошлом: к родным или
просто знакомым, к религии, музыке. Любовь негров к своей музыке еще более увеличила спрос в северных городах
на негритянских музыкантов с Юга США — исполнителей регтаймов, блюзов и зарождающегося джаза. И
музыканты-южане также покидали родные места и отправлялись на Север, где их слушали не только негры, но и
белые, рискнувшие посетить Гарлем или Саут-Сайд. Белая публика состояла в основном из молодых музыкантов,
желающих понять новое для них искусство. Но широкая публика тогда почти ничего не знала о подлинной
негритянской музыке; знакомство с ней шло через музыку танцевальную, которую исполнители в той или иной
степени насыщали элементами джаза.
Выходу джаза из негритянских кварталов Нового Орлеана способствовало и еще одно обстоятельство. Это
механизация развлечений, прежде всего распространение фонографической звукозаписи. Но звукозапись была не
первым изобретением, оказавшим влияние на развитие джаза. Важную роль в популяризации регтайма сыграло
механическое фортепиано, позволившее тем, кто плохо владел инструментом, услышать у себя дома пьесы
Джоплина, Мэттьюза, Терпина, Лэмба и других. Оно служило также важным средством обучения молодых
исполнителей. Немало начинающих пианистов регтайма, а позднее и стиля страйд вырабатывали свою технику,
следя за клавишами, приводимыми в движение вмонтированным в механическое фортепиано специальным
устройством. Одним из таких пианистов был Дюк Эллингтон.
Однако фонограф был более универсален, нежели механическое фортепиано, и поэтому он быстро завоевал
почетное место в культуре XX века. Неоценима его роль и в истории джаза. Поскольку в основе джаза лежит
импровизация, то такая музыка едва ли могла быть сохранена для потомства без звукозаписи. Каждое новое
поколение джазменов знакомилось с джазом и осваивало его прежде всего благодаря записям. Все молодые
энтузиасты джаза, начиная с Бейдербека, который в 1919 году по пластинкам “Original Dixieland Jazz Band”
старательно копировал партии корнета Ника Ла Рокки, и кончая современным молодым музыкантом, изучающим
игру Колтрейна по его пластинке “A Love Supreme”, своей школой во многом обязаны грамзаписи. И не будь
грампластинок, знаменитые Бейдербек, Бесси Смит, Билли Холидей, Луи Армстронг, наверное, остались бы только
романтическими легендами в памяти старшего поколения. Новые исполнители, да и мы с вами так никогда бы и не
узнали, как играли старые мастера.
Первый фонограф, как известно, был изобретен Эдисоном в 1877 году. Примерно в то же время аналогичную идею
высказал и француз Шарль Кро. Первые аппараты были слишком дороги, и не всякий мог приобрести их для дома,
но уже к 1890 году тысячи фонографов, а затем и граммофонов были установлены в салунах и кафе, где за
пятицентовую монету полдюжины людей могли прослушать грампластинку через наушники. Популярный
репертуар тех лет состоял в основном из маршей, исполняемых духовым оркестром, регтаймов, комических
интермедий и т. п. К концу века появились первые грамзаписи оперных арий и концертных пьес. В 1902 году
граммофон был существенно усовершенствован, качество звучания повысилось. Две компании —“Victor” и
“Columbia”— запатентовали большинство изобретений в этой области и заняли в ней ведущее положение. Вскоре, с
увеличением выпуска аппаратов, резко уменьшились и цены на них.
Танцевальный бум начала 10-х годов был на руку не только музыкантам, но и фирмам грамзаписи. Потребность в
записях танцевальной музыки, а также растущий интерес к джазу стимулировали деловую активность в сфере
производства грампластинок. В 1914 году было продано около 27 миллионов пластинок; в 1921 году эта цифра уже
достигла 100 миллионов. К тому времени истек срок действия нескольких основных патентов на звукозапись, что
вызвало появление большого числа новых фирм. Бурное развитие индустрии грамзаписи, естественно, повышало
спрос на музыкантов и способствовало выходу грампластинок многих исполнителей раннего джаза.
Все эти явления и вызвали повальное увлечение музыкой, которую широкая публика называла джазом. В
действительности большая часть того, что она слушала, была или обычной танцевальной музыкой, или обработками
популярных мелодий с минимальными элементами джаза. Такую коммерческую музыку играли как негры, так и
белые музыканты. Ей была свойственна неровная метрическая пульсация; с помощью сурдин музыканты извлекали
из инструментов необычные “рычащие” звуки (growls), якобы присущие джазу; плавный глиссандирующий спад с
одного звука на другой, видимо, должен был передавать блюзовые тоны.
Некоторые исполнители такой музыки прославились и даже разбогатели...
...Первые джазмены стали уезжать из Нового Орлеана еще в начале 10-х годов, но массовый их отъезд начался в
1917 году, после закрытия Сторивилля. Занятость музыкантов в связи с закрытием Сторивилля вопреки
утверждениям некоторых исследователей отнюдь не уменьшилась, ведь большинство оркестров, как мы уже
говорили, работали вне Сторивилля. Таким образом, этот факт имел чисто символическое значение. Музыкантов
влекли на Север прежде всего экономические соображения, связанные с ростом негритянских гетто в крупных
городах северных штатов. Так или иначе, большинство ведущих новоорлеанских джазменов покинуло свой родной
4
город. Двое из них позднее оставили заметный след в истории джаза. Речь идет о Джозефе „Кинге" Оливере и
Сиднее Беше.
Сидней Беше был для джаза фигурой нетипичной. Как правило, настоящий джазовый музыкант — это
“коллективист”, такова специфика джазового искусства. А Беше был одиноким странником. Он с легкостью
переезжал из Нового Орлеана в Чикаго, из Чикаго в Нью-Йорк, из Нью-Йорка в Лондон, из Лондона в Париж, а
потом вновь возвращался в Новый Орлеан. Ему было все равно, где играть.
Читая автобиографию Беше “Отнеситесь к этому серьезно” — книгу, полную самолюбования, а потому не
внушающую доверия,— поражаешься отсутствию длительных привязанностей в его жизни. Одна из причин
заключалась, несомненно, в его вечном стремлении быть первым; в любой музыкальной ситуации Беше хотел быть в
центре внимания, и, как правило, ему это удавалось. Едва ли это могло расположить к нему его коллег-музыкантов.
Придирчивый и требовательный, неистовый и в жизни, и в искусстве, он был одним из самых ярких исполнителей в
истории джаза. Дюк Эллингтон, горячо любивший Беше, считал его “самым уникальным человеком в джазе”. В
своей оценке Эллингтон не одинок: влияние Беше на музыкантов раннего джаза было огромным.
Сидней Беше родился в 1897 году в обычной креольской семье. В четырнадцать лет он ушел из дома и стал
бродяжничать. В 1918 году в Чикаго его услышал Уилл Мэрион Кук, известный негритянский композитор и
дирижер, написавший в 1898 году музыку к негритянскому шоу “Clorindy”. Кук концертировал со сравнительно
большой группой, которая была не джаз-бэндом, а скорее эстрадным оркестром, исполнявшим увертюры, регтаймы
и популярные мелодии. Кук пригласил Беше в Нью-Йорк, а затем в 1919 году и в Европу. Прекрасный
импровизатор, Беше стал звездой оркестра. Выдающийся швейцарский дирижер того времени Эрнест Ансерме
писал (это высказывание часто цитируется): “В „Southern Syncopated Orchestra" есть выдающийся виртуоз —
кларнетист, который, как мне кажется, первым среди негров сумел сыграть на кларнете превосходные блюзы... Я
хочу, чтобы все запомнили имя этого гениального исполнителя, сам же я не забуду его никогда — его зовут Сидней
Беше”.
Если Беше к этому времени еще не усвоил капризный тон звезды, то такие высказывания подталкивали его к этому.
Он играл не только у Кука, но и в других группах, гастролирующих в Лондоне и Париже. Однажды в Лондоне он
случайно увидел инструмент, на котором ему еще не приходилось играть,— сопрано-саксофон. В 20-х годах
саксофон все еще был новинкой и джазмены только начинали его осваивать. Существует несколько разновидностей
саксофона, имеющих различные регистры — от баса до сопрано. Сопрано-саксофон бывает двух типов: изогнутый,
похожий на уменьшенный альт-саксофон, и прямой, напоминающий по виду утолщенный металлический кларнет.
Инструмент, попавший в руки Беше, был прямой. Быстро освоив его, Беше стал первым известным саксофонистом
джаза. Он играл на саксофоне все чаще и чаще (периодически возвращаясь к игре на кларнете), а затем полностью
перешел на этот полюбившийся ему инструмент.
Беше вернулся в США в начале 20-х годов, и два последующих десятилетия он работал в основном здесь. В 1929
году он, правда, гастролировал в Париже с оркестром Нобла Сиссла, а в 30-х годах вместе с трубачом Томми
Лэдниером — в Германии и России, но это были непродолжительные поездки. В 1949 году он окончательно
поселился в Париже. Французы, хорошо знавшие музыканта, приняли его с распростертыми объятиями — ведь в
жилах Беше текла французская кровь. Умер Беше во Франции в 1959 году, окруженный почетом и славой.
Свою первую пластинку Беше записал в 1923 году после возвращения из поездки по Европе с группой “Clarence
Williams Blue Five”. Возглавлявший группу Кларенс Уильяме был типичным для того времени представителем
негритянских бизнесменов-музыкантов, которые руководили оркестрами, организовывали записи на пластинки,
сочиняли, обрабатывали народные мелодии, издавали ноты. Среди людей, выдвинувшихся в то время на авансцену
музыкального бизнеса, были: У. К. Хэнди, бывший участник менестрельных представлений, который
европеизировал блюзы, сделав их более доступными для белой публики (впоследствии он стал издателем); его
партнер Харри Пэйс, основатель первой негритянской фирмы грамзаписи “Black Swan”, и Перри Брэдфорд,
организовавший множество ранних грамзаписей известнейших исполнителей блюзов и джаза. Ни один из них не
был настоящим джазменом, но они знали вкусы негров, были знакомы с лучшими негритянскими музыкантами и
поэтому служили хорошими посредниками между ними и белыми антрепренерами, которые в целом
контролировали музыкальный бизнес. Кларенс Уильяме был пианистом, он начал свою карьеру в клубах и веселых
домах Сторивилля, потом разъезжал с менестрельной труппой по стране и наконец поселился в Нью-Йорке, желая
быть в центре музыкальной жизни. В 20-е годы он организовал довольно много грамзаписей и при этом сам часто
выступал как пианист оркестра или аккомпаниатор. Среди исполнителей блюзов, которым Уильяме
аккомпанировал, была и Бесси Смит. Он также часто приглашал записываться на пластинки Беше, которого знал по
Новому Орлеану.
Одной из первых таких пластинок была “Shreveport Blues”, где Беше играл в составе “Clarence Williams Blue Five”. В
этой записи игра Беше резко выделяется среди исполнения его коллег. Его плавная мелодическая линия течет сквозь
громоздкие аккорды медной группы, словно чистая родниковая вода меж скал. Изобретательность Беше
неистощима: он едва успевал брать дыхание, чтобы поспеть за пальцами, за бесконечной причудливой вязью
музыкального рисунка. Эти качества Беше раскрываются уже в “Shreveport Blues”. Однако в этой записи он еще не
предстает зрелым джазовым музыкантом. Временами в его игре заметна чистая метрическая регулярность регтайма:
то он акцентирует сильную долю, то делит ее на две ровные восьмые. В записях 1923 года заметна попытка Беше
избавиться от влияния регтайма. И вскоре он сумел это сделать...
5
... Конец 30-х годов был нелегким для малых джазовых ансамблей. Беше оказался вне джаза и зарабатывал себе
на жизнь в портняжной мастерской. Но он хотел играть и в 1938 году предложил крупным фирмам грампластинок
записать в его исполнении классическое произведение Гершвина “Summertime”. Все отказались, и только Альфред
Лайон, владелец небольшой фирмы “Blue Note”, специализировавшийся в записях джаза, согласился на
предложение Беше. Пластинка имела сенсационный успех. Вскоре началось возрождение интереса к вышедшему
было из моды новоорлеанскому стилю джаза. В 40-х годах Беше вновь стал знаменит, регулярно выступал на
концертной эстраде, на радио, был частым гостем в студиях звукозаписи”...
... Примерно в то же время, что и Беше, покинул Новый Орлеан другой музыкант, который по силе влияния на джаз
мог сравниться только с Беше. Это был один из плеяды новоорлеанских королей корнета, звали его Джозеф Оливер.
Прирожденный лидер, по характеру полная противоположность Беше, Оливер верил, что целое больше суммы двух
слагаемых.
В любом искусстве характер художника имеет столь же большое значение, как и его одаренность. Джазовый
музыкант, как правило, вынужден работать в тесном контакте с людьми, чей темперамент не всегда гармонирует с
его собственным. Необходимо также иметь в виду, что искусство джаза существовало в рамках индустрии
развлечений, которая ставила перед собой совсем иные цели. Если писателю или художнику лишь изредка
приходится проявлять умение ладить с большим числом людей, то для джазмена это повседневная забота. Его
репутация зависит не только от таланта, но и от способности находить общий язык с коллегами.
Оливер был из тех, кто быстро входил в контакт со своим профессиональным окружением. Он хорошо знал, что и
как должен играть оркестр, умел найти подход к каждому музыканту и заставить его выполнить намеченное.
Согласно сведениям, приводимым биографом Оливера Уолтером К. Алленом, прекрасным знатоком
новоорлеанского джаза, Оливер родился в Новом Орлеане в 1885 году на улице Дриад. Мать Оливера умерла, когда
ему было пятнадцать лет, и его воспитывала тетка. Примерно в то же время Оливер начал играть в одном из местных
духовых оркестров. В период формирования раннего джаза Оливер копировал стиль Банка Джонсона, выступал в
известных негритянских и креольских ансамблях Нового Орлеана — в частности, в “Henry Alien Brazz Band” и в
“Original Superior Orchestra”. В начале 10-х годов он работал в Сторивилле и в разное время играл практически со
всеми новоорлеанскими пионерами джаза. К 1915 году его уже считали одним из ведущих джазменов города.
В начале 1918 года, вскоре после появления первых пластинок группы “Original Dixieland Jazz Band”,
новоорлеанского контрабасиста Билла Джонсона попросили собрать джаз-оркестр для чикагского кабаре “Ройал
Гарденс”. Джонсон пригласил корнетиста Бадда Пти, но Пти не захотел уезжать из родного города, и тогда выбор
пал на Оливера. Следующие два года Оливер играл в Чикаго в составе разнообразных, часто меняющихся
ансамблей. В 1922 году в кабаре “Линкольн Гарденс” стала выступать группа под названием “King Oliver's Creole
Jazz Band”. Кроме Оливера, в состав группы входили кларнетист Джонни Доддс, его брат, барабанщик Уоррен
„Беби" Доддс, тромбонист Оноре Дютре, пианистка Лил Хардин и контрабасист Билл Джонсон. По неясным
причинам Оливер решил ввести в оркестр второй корнет. То ли ему не хотелось играть самому, то ли он уставал к
концу вечера, а может быть, ему просто нравилось сочетание двух корнетов — как бы то ни было, но он пригласил в
свою группу двадцатидвухлетнего Луи Армстронга.
И в 1923 году оркестр приступил к записи серии грампластинок, которым суждено было оставить значительный след
в истории джаза.
В процессе записи Джонсон сменил контрабас на банджо: тяжелые звуки контрабаса сбивали иглу записывающего
устройства. В отдельных пьесах Оливер добавлял саксофон — скорее всего, ради эффекта новизны, ибо в
музыкальном отношении игра саксофониста выглядит просто беспомощной. Когда записывали пластинки группы
“Creole Jazz Band”, еще не было электрической звукозаписи. Музыканты располагались в студии в соответствии с
силой звучания своих инструментов. Хорошего баланса достичь так и не удалось, поэтому на пластинке то один, то
другой инструмент постоянно заглушается. Сольная партия Оливера время от времени тонет в неразборчивом шуме,
тембр звучания инструментов подчас искажен до неузнаваемости. И все же, если внимательно вслушаться, то наше
ухо скоро привыкнет к металлическому, слегка приглушенному звуку, и мы сможем понимать эту музыку.
Вслушиваясь в игру “Creole Jazz Band”, мы прежде всего сознаем, что коллективная музыка этого оркестра —
полифонична. В каждую пьесу обычно включаются одно-два соло и несколько брейков, но большей частью все семь
музыкантов играют вместе. Благодаря гению Оливера (или достоинствам новоорлеанского стиля) игра оркестра
выглядит на редкость слаженной. Музыкантам даны роли, и Оливер, как опытный режиссер, заставляет всех
придерживаться его замысла. Сам Оливер ведет тему, Армстронг, играющий ниже основной мелодии, расцвечивает
ее или, реже, коротко подчеркивает гармонию. Доддс “плетет” на кларнете тончайшие узоры, Дютре умело
объединяет отдельные мелодические фразы, играет в басу последовательности целых длительностей, составляющих
гармоническую основу пьесы. Ритм-группа обеспечивает четкий граунд-бит...
“Creole Jazz Band” Кинга Оливера нельзя считать идеальным ансамблем. Тромбонист Дютре нередко искажает
мелодию, брейки Доддса подчас размыты. Хотя Оливеру удалось придать музыке четкую структуру, четыре или
пять полифонических партий — это слишком много для небольшой джазовой пьесы. И все же у оркестра было свое
лицо и свои принципы, благодаря чему пьесы, исполняемые им, и по сей день волнуют любителей джаза. В 1924
году ушел из ансамбля Армстронг, были и другие изменения состава. Некоторое время Оливер почти не выступал, а
в 1926 году вновь возобновил записи на пластинки, но уже с оркестром “Dixie Syncopators”. Как правило, в “Dixie
Syncopators” использовалась полная трехголосная группа саксофонов. Естественно, это требовало игры по нотам.
6
Слушателю, имеющему смутное представление о раннем джазе, знакомство с ним хорошо начать с пластинок
“Dixie Syncopators”. Во-первых, качество звукозаписи намного выше, поэтому можно разобрать все, что играет
оркестр. Во-вторых, за музыкой легко следить, поскольку полифонических голосов в ансамбле стало меньше. Но не
стоит думать, что это простая музыка. Чтобы убедиться, достаточно послушать пьесу “Sugar Foot Stomp”. Это новая
версия “Dippermouth Blues”, известного по записи оркестра “Creole Jazz Band”, в которой звучит знаменитое, часто
копируемое соло Оливера на корнете. В этом соло отражены самые существенные особенности джаза. Исполняется
всего несколько звуков, но вся прелесть заключена в окраске, которую им придает Оливер. Все три хоруса
построены вокруг блюзовой терции, высоту которой Оливер постоянно варьирует. Дополнительное своеобразие
звучания достигается тем, что Оливер постоянно вставляет и снимает сурдину. И наконец, эти звуки исполняются
так, что даже при многократном прослушивании трудно определить, как они связаны с основным ритмом. Записать
это соло с помощью современной нотации даже приблизительно — задача абсолютно невыполнимая.
Неудивительно, что среди джазменов 20 — 30-х годов соло Оливера считалось образцовым — ведь в нем
сконцентрировано многое из того, что определяет джаз как самостоятельный музыкальный жанр.
Джазовые музыканты многим обязаны Оливеру, но его слава была недолгой. В 1928 году у него разладились
отношения с музыкантами оркестра, а в 1930 году он потерял работу и остался без средств к существованию.
Джозеф „Кинг" Оливер умер в нищете 8 апреля 1938 года.
Но в конце концов жизнь воздала должное Оливеру. Сегодня его пластинки известны во всем мире, особенно в
Европе, где его помнят лучше, чем в США. Новоорлеанский стиль, виднейшим представителем которого был
Оливер, лег в основу так называемого традиционного (traditional) джаза, одного из самых популярных в мире
джазовых течений. “Creole Jazz Band” Кинга Оливера была первой джазовой группой, музыка которой
систематически записывалась на пластинки. Когда прошла мода на “Original Dixieland Jazz Band”, те, кто всерьез
интересовались новой музыкой, поняли, что подлинное искусство связано именно с оркестром Оливера.
Прослеживая творческий путь Беше и Оливера, понимаешь, что подлинный джаз начинается примерно в 1923 году.
В это время в игре Беше изредка все же ощущалась регтаймовая жесткость, а Армстронг, уже умелый и
изобретательный музыкант, был еще далек от той свободы и динамичности, которые прославят его в будущем.
Кроме Беше, Мортона и нескольких исполнителей из оркестра Оливера, трудно назвать музыкантов, чья игра не
носила бы заметного отпечатка регтайма, то есть той манеры, которая получит впоследствии название
“старомодной”. Игра Фредди Кеппарда, одного из ведущих новоорлеанских джазменов, зачастую излишне скованна.
Даже те, кто прокладывал новые пути, например Армстронг и Беше, время от времени возвращались к старому. 1923
год отмечен также тем, что джаз наконец стали широко записывать на пластинки. Владельцы фирм грамзаписи
плохо представляли себе, что такое джаз, но они знали, что в негритянской среде существует большой спрос на
такую музыку. Поэтому фирмы совершенно бессистемно записывали все, что попадалось под руку и хотя бы
немного напоминало джаз. В руки музыкантов попал таким образом разнообразный богатый материал, и они сразу
жe принялись за изучение новой музыки...
1

Отрывок из книги: “Становление джаза”


Джеймса Линкольна Коллиера
в переводе с английского Ю. А. Задорнова.

ПЕРВЫЕ ЗВУКИ ДЖАЗА

Широкоизвестная легенда гласит, что джаз родился в Новом Орлеане, откуда на старых колесных пароходах
добрался по Миссисипи до Мемфиса, Сент-Луиса и наконец до Чикаго. Обоснованность этой легенды в последнее
время ставилась под сомнение рядом историков джаза, в частности Россом Расселлом, который в своей тщательно
документированной книге “Джазовый стиль Канзас-Сити и Юго-Запада” [76] прослеживает развитие раннего джаза
в штатах Канзас, Арканзас и Техас. В наши дни бытует мнение, что джаз возник в негритянской субкультуре
одновременно в разных местах Америки, в первую очередь в Нью-Йорке, Канзас-Сити, Чикаго и Сент-Луисе.
И все-таки старая легенда, по-видимому, недалека от истины. Джаз действительно возник в Новом Орлеане, в его
бедных кварталах и пригородах, и потом распространился (хотя и не обязательно по Миссисипи) по всей стране.
Есть основания принять именно эту версию. Во-первых, в ее пользу говорят свидетельства старых музыкантов,
которые жили в период выхода джаза за пределы негритянских гетто. Все они подтверждают, что новоорлеанские
музыканты играли совершенно особую музыку, которую с готовностью копировали другие исполнители.
Кларнетист Бастер Бэйли из Мемфиса вспоминает, что в его городе музыканты стали импровизировать только после
появления грампластинок с записями исполнителей из Нового Орлеана и что само слово “джаз” до этого времени у
них не употреблялось. Другой кларнетист, Гарвин Бушелл, в статье, опубликованной в сборнике “Панорама джаза”
под редакцией Мартина Уильямса, также утверждает, что негры североамериканских штатов учились джазу у
новоорлеанцев. Контрабасист Джордж „Попе" Фостер, написавший интереснейшую книгу о своей жизни в
содружестве с Томом Стоддардом, говорит: “Познакомившись с игрой парней из Нового Орлеана, им стали
подражать ребята на востоке и западе Америки”.
То, что Новый Орлеан — колыбель джаза, подтверждают и грамзаписи. Все без исключения джазовые пластинки,
записанные и неграми и белыми до 1924, а может быть, даже и до 1925 года, сделаны музыкантами из Нового
Орлеана или откровенными имитаторами стиля их игры. Показательны в этом смысле ранние записи Бенни
Моутена, возглавлявшего ведущий негритянский ансамбль на Юго-Западе США в 20-х и 30-х годах. В этих записях,
сделанных в 1923 году, например в “Elephant Wobble”, хорошо слышен оркестр, играющий по преимуществу
регтайм с едва заметными блюзовыми интонациями в партии корнета. Кларнетист Вуди Уолдер подражал белому
новоорлеанскому исполнителю Ларри Шилдсу, чья игра в оркестре “Original Dixieland Jazz Band” производила на
всех большое впечатление. К 1925 году, начиная с пьесы “18th Street Strut”, группа Моутена подхватывает
новоорлеанский стиль, разработанный оркестром “Creole Jazz Band”, возглавляемым Оливером. Теперь уже Уолдер
играет в манере кларнетиста Джонни Доддса из оркестра Оливера, а корнетист Ламмар Райт осваивает быстрые
вибрато в концовках фраз, весьма характерные для новоорлеанского исполнения.
Если вам мало доказательств приоритета Нового Орлеана, можно привести еще одно — записи оркестров белых
музыкантов из этого города. В начале 20-х годов некоторые новоорлеанские оркестры белых музыкантов играли
джаз лучше, чем кто-либо в США, уступая разве что ведущим негритянским группам самого Нового Орлеана.
Оркестр “New Orleans Rhythm Kings” (о котором речь еще впереди) в своих первых записях, сделанных в 1922 году,
играл лучше негритянских оркестров Дюка Эллингтона и Флетчера Хендерсона из Нью-Йорка и оркестра Бенни
Моутена из Канзас-Сити, а ведь этим оркестрам в будущем предстояло оставить заметный след в джазе. Весьма
неплохой считалась группа, которая в 1924 году записывала свои пластинки, называя себя либо “Original Crescent
City Jazzers”, либо “Arcadian Serenaders”. В составе группы, которая сейчас знакома только историкам джаза, играли
прекрасные музыканты: кларнетист Клифф Холман и корнетисты — Уинджи Манон и Стерлинг Боус, которые
позднее — в 30— 40-е годы — стали весьма известными. Тот факт, что белые музыканты Нового Орлеана осваивали
джазовый стиль быстрее негров из других городов США, не оставляет сомнений относительно места рождения
джаза.
Но, возможно, самое убедительное свидетельство в пользу того, что родина джаза — Новый Орлеан, заключается в
характере самого города. Новый Орлеан не похож ни на один город США. Основанный в 1718 году Жаном-Батистом
Ле Муаном, с первых своих дней он стал крупным городом американского Юга, неся в себе в значительно большей
степени черты франко-испанской, чем англосаксонской культуры. Его духовной родиной была Франция. Для города
был характерен дух свободы, выражавшейся, помимо прочего, в любви к развлечениям и увеселениям. Новый
Орлеан часто называли Парижем-на-Миссисипи, и он всем стилем своей жизни подтверждал это название.
Генри А. Кмен в исследовании “Музыка в Новом Орлеане” [49] пишет, что этот город в течение почти двух столетий
был буквально пронизан музыкой и танцами. Один северянин, попавший в Новый Орлеан, говорил, что его жители
были неутомимыми танцорами. Ни холод, ни жара не могли заставить их изменить свой образ жизни. Однако в
Новом Орлеане музыка звучала не только на танцах. Иногда здесь одновременно показывали спектакли три оперные
труппы — факт поразительный для города с населением менее пятидесяти тысяч человек. Кроме того, в Новом
Орлеане всегда было несколько симфонических оркестров, в том числе (в 30-х годах XIX века) и оркестр
Негритянского филармонического общества.
2
И вот что удивительно: бурная музыкальная жизнь нередко объединяла негров и белых. Полтора десятка
городских танцевальных оркестров в основном состояли из чернокожих музыкантов. Они играли на танцах и для
белых, и для негров. (Нередко бывали и смешанные оркестры; когда Негритянскому филармоническому обществу
не хватало музыкантов, оно приглашало в свой оркестр белых исполнителей.)
Это вовсе не означает, что между неграми и белыми существовало хотя бы относительное равенство; большинство
негритянского населения города было вынуждено заниматься изнурительным физическим трудом. Новый Орлеан во
всех смыслах оставался городом Юга. Но почти полтора века, со времени его основания и до Гражданской войны,
музыка и танцы были единственной сферой общественной жизни, где между неграми и белыми не было
непреодолимого барьера.
Итак, Новый Орлеан был весьма своеобразным американским городом. Веселый, шумный, пестрый, он выделялся
среди других городов своей музыкальностью и поэтому давал негру больше возможностей для самовыражения, чем
любой другой город на Юге США. С точки зрения джаза особенно важен тот факт, что в Новом Орлеане
существовала уникальная субкультура темнокожих креолов.
Креольская культура — предмет малоизученный. В Новом Орлеане и сейчас найдутся люди, которые будут
настаивать на том, что темнокожих креолов нет и не бывает, в то же время ряд историков джаза, по-видимому,
вообще не подозревают, что не все креолы имеют темный цвет кожи. Сами креолы до последнего времени
энергично протестовали против того, чтобы их считали неграми. В 1952 году новоорлеанец М. X. Геррин писал в
своей книге “Креольская аристократия”, что слово “креол” не относится к людям смешанной крови. Креолы — это
люди французского и испанского происхождения, но родившиеся в отличие от иммигрантов в Америке. В Новом
Орлеане и на побережье Карибского моря креолами называли потомков первых поселенцев, и они гордились этим.
Но после присоединения к США Луизианы в 1803 году в Новом Орлеане и его окрестностях стали появляться так
называемые “американцы”, которые со временем приобрели власть и влияние. Креолы чувствовали себя все более
ущемленными. Объединяясь, они всеми силами пытались сохранить свою европейскую культуру. Креолы
продолжали говорить на местном диалекте французского языка, слепо подражали французской культуре, а наиболее
состоятельные из них посылали своих детей учиться в Париж.
Позже появились креолы-мулаты с различным цветом кожи. Они говорили по-французски, гордились своей
культурой и образованностью (зачастую весьма скромной) и, самое главное, настойчиво подчеркивали, что они не
негры. Последнее неудивительно: ведь они жили в обществе, где негр не просто находился на низшей ступени
социальной иерархии, а был рабом. Креолы-мулаты с более светлым цветом кожи мечтали влиться в белое
креольское общество, и многим это удавалось.
В течение первой и даже в начале второй половины XIX века темнокожие креолы образовывали неустойчивую
самостоятельную социальную группу, отделенную от негритянской массы. Однако после Гражданской войны, когда
белые южане ввели бесчеловечный “закон Джима Кроу”, который фактически вновь превращал негров в рабов,
социальное положение цветных креолов резко ухудшилось.
Согласно закону, в штате Луизиана человек с любой примесью африканской крови считался негром. Темнокожие
креолы, которые прежде считали себя скорее белыми, чем неграми, неожиданно были преданы анафеме. Их
вытеснили со сколько-нибудь влиятельных постов, лишили средств к существованию, а позднее и постоянной
работы.
В этих условиях им удалось сохранить лишь осколки старой креольской культуры. Желали они того или нет, их
отношения с неграми становились все теснее, и наконец к 90-м годам XIX века общественное положение креолов
уже почти ничем не отличалось от положения негров. И все-таки креолы пытались выстоять: они жили не в
негритянских кварталах, а во французских, в центре города; продолжали говорить на своем диалекте французского
языка, сохраняли тесные семейные узы и воспитывали своих детей на манер французских буржуа — в духе
скромности, добропорядочности и строгой морали.
Музыка была важной составной частью культуры креолов, которой они очень дорожили. Умение петь, играть на
фортепиано или на каком-либо другом инструменте считалось среди креолов признаком хорошего воспитания,
поэтому молодежь было принято учить музыке. Как и в семьях белых американцев, из них не думали делать
музыкантов-профессионалов. Профессия музыканта в Америке прошлого века не была престижной. Темнокожий
креол хотел, чтобы его ребенок был музыкально образован. Это предполагало лишь посещение оперы, игру на
фортепиано в кругу друзей или же в любительском ансамбле. Понятно, что при таком отношении к музыке креолов
ничто не могло заинтересовать в негритянском музыкальном фольклоре. Креолы были преимущественно
городскими жителями. У них не существовало традиции трудовых песен; будучи католиками, они не посещали
негритянских церквей, где звучали спиричуэлы и хороводные шауты, в которых четко прослеживалось африканское
влияние. Темнокожие креолы были, если так можно выразиться, “правильными” музыкантами. Они играли по
нотам, не знали импровизации, их репертуар был ограничен набором популярных арий, песен и маршей —
репертуар, обычный для большинства белых музыкантов того времени. Этот факт имеет большое значение:
музыкант-креол был воспитан исключительно в европейских традициях и обычно презрительно относился к неграм,
которые не знали нотной грамоты и играли “низкопробные” блюзы. Элис Зено, мать одного из первых
новоорлеанских джазовых кларнетистов Джорджа Льюиса, вспоминает, что в 1878 году темнокожие креолы
танцевали вальс, мазурку, польку, кадриль.
3
Что касается негров Нового Орлеана, то у них, конечно, была своя музыка. Наряду с изысканной городской
культурой в Новом Орлеане существовали и африканские традиции. Африканские праздники на Конго-Сквер
продолжались до 1855 года, а нелегально — гораздо дольше, и не исключено, что кто-то из первых негритянских
джазменов непосредственно сталкивался с этой неоафриканской музыкой. Негры Нового Орлеана были, по-
видимому, меньше знакомы с трудовыми песнями, связанными с полевыми работами, такими, как филд-холлер, зато
они хорошо знали уорк-сонги — среди них были и докеры, и строители дамб; выкрики уличных торговцев — стрит-
край — были им также хорошо знакомы. Разумеется, нельзя забывать и о церковной музыке. Таким образом, негр
Нового Орлеана знал родной музыкальный фольклор глубже и полнее, чем негр, работавший на плантациях. Многие
негритянские исполнители хорошо ориентировались и в мире популярной музыки белых американцев. В отличие от
креола или белого негр не считал для себя зазорным быть профессиональным музыкантом: зарабатывать на жизнь
музыкой было легче, чем проливать пот на погрузке бананов. Даже если музыка и не была основным его занятием,
она приносила ему наслаждение, делала его известным, предоставляла возможность дополнительного заработка.
К 1890 году в Новом Орлеане звучало много самой разной музыки. Здесь выступали оперные труппы, давали
концерты симфонические оркестры, камерные ансамбли белых музыкантов и креолов. Большую известность
приобрели также оркестры темнокожих креолов, например “Lyre Club Symphony Orchestra” Джона Робишо, в
котором двадцать пять музыкантов исполняли классический репертуар, или ансамбль “Excelsior Brass Band”, чья
деятельность продолжалась почти сорок лет. Кроме того, было множество полупрофессиональных музыкальных
коллективов негров и креолов, которые играли марши на парадах, траурную музыку на похоронах, популярные
песни и регтаймы на пикниках и вечеринках. В кабаре и всякого рода увеселительных заведениях публику
развлекали пианисты. Музыка звучала всюду.
Новый Орлеан был еще и городом клубов, или “организаций”, как их тогда называли. Белые, негры и креолы — все
имели свои профессиональные, спортивные, общественные клубы и содружества самого разного назначения. Для
негров и креолов клубы нередко играли роль так называемых “похоронных обществ”— след африканских традиций,
дошедших до Нового Орлеана, согласно которым практически каждый человек принадлежит к какой-нибудь группе
людей; эта группа обеспечивала достойные похороны и соответствующий церемониал. Клубы, независимо от целей,
стоящих перед ними, не могли обойтись без музыки. Танцы, пикники, парады и торжественные шествия в честь
какого-либо события, похороны — все требовало музыкального сопровождения; в этом смысле нравы Нового
Орлеана не отличались от западноафриканских. Парады зачастую устраивались ради самих парадов — почему бы
лишний раз не порадоваться торжественной музыке, не покрасоваться перед публикой в новой униформе!
Одно из важнейших событий в истории джаза — предпринятые в конце прошлого века первые попытки исполнения
блюзов не только как вокальной, но и как инструментальной музыки. Здесь мы снова вынуждены строить догадки.
При изучении джаза самое мучительное — сознавать, что мы не знаем и, по-видимому, никогда не узнаем, как
звучал ранний джаз. Грамзаписей нет, свидетельства современников противоречивы и путанны, отчасти потому, что
большинство из них не умели описать особенности своей музыкальной практики. По записям, сделанным до 1923
года, трудно судить, слушаем ли мы джазовую музыку господствующего направления или же это случайный,
нетипичный пример. Многие из новоорлеанских пионеров джаза вообще не записывались на пластинки. Тем не
менее сохранилось много свидетельств современников о том, что на рубеже веков небольшие негритянские
оркестры стали исполнять блюзы на духовых инструментах, аккомпанируя чувственным медленным танцам.
Инструментальные блюзы — разумеется, это только наше предположение — родились, когда исполнители на
духовых инструментах, прежде всего медных, стали имитировать звучание человеческого голоса. С помощью
специфического интонирования, употребляя множество сурдин, музыканты извлекали из своих инструментов
“смазанные”, глиссандирующие звуки и тоны, характерные для блюзового пения. Но одно несомненно — к 1900
году духовые оркестры, исполнявшие блюзы, стали обычным явлением в увеселительных заведениях и
танцевальных залах.
Рождение инструментального блюза совпало по времени с другим важным событием — расцветом регтайма. Если в
60-х годах нашего века постоянную работу музыканту обеспечивало исполнение рок-н-ролла, то в 1900-х он обязан
был иметь в своем репертуаре регтаймы. Для музыкантов, владевших нотной грамотой, исполнение регтаймов не
составляло особого труда. Для тех же, кто не знал нот (а среди негров таких было большинство), выучить наизусть
целый регтайм, с его сложным взаимодействием басового и верхнего голоса и множеством мелодических оборотов,
было отнюдь не просто. На практике, скорее всего, происходило так: солирующий исполнитель заучивал
мелодическую линию одной-двух частей регтайма, а остальные музыканты приблизительно воспроизводили
басовую партию и гармонии.
Итак, в период между 1895 и 1910 годами в Новом Орлеане сложилась большая группа музыкантов, игравших
самую различную музыку — блюзы, регтаймы, марши, популярные в быту песни, попурри на темы из оперных
увертюр и арий, собственные оригинальные пьесы. Армстронг впоследствии часто включал в свои импровизации
фрагменты популярных оперных мелодий. Как правило, цветные креолы не играли блюзы, предпочитая им
классическую музыку, а негров, напротив, влекла музыка “грубая”, насыщенная рег-ритмами и синкопами,
близкими их родному фольклору. Эти два направления постепенно сливались: марш, регтайм, уорк-сонг, блюз —
европеизированная африканская музыка и африканизированная европейская музыка — все варилось в одном котле.
И вот однажды из этой мешанины возникла музыка, доселе неведомая, ни на что не похожая,— музыка, которой за
4
три последующих десятилетия предстояло покинуть улицы Нового Орлеана, увеселительные заведения и
танцзалы и завоевать весь мир.
Если верить Джелли Роллу Мортону, это эпохальное событие произошло в 1902 году. Но едва ли дату рождения
джаза можно назвать с такой удивительной точностью. Вернее будет сказать, что между 1900 и 1905 годами в Новом
Орлеане действительно происходили события, которые могли способствовать рождению джаза. Вот одно из них:
после окончания американо-испанской войны в 1898 году на рынке появилась масса подержанных оркестровых
инструментов, распродаваемых после демобилизации войск. Новый Орлеан был одним из ближайших к Кубе
американских портов, и многие армейские подразделения распускались по домам именно там. Начиная с 1900 года
все лавчонки города были завалены кларнетами, тромбонами, корнетами, барабанами, которые за бесценок мог
приобрести даже негр. После Гражданской войны негры на Юге жили в крайней бедности, они и мечтать не могли о
приобретении музыкального инструмента. Луи Армстронг свой первый инструмент получил в четырнадцать лет в
детской колонии; много лет спустя, в 1944 году, семья Орнетта Коулмена потратила все свои скромные сбережения
на покупку старого саксофона. Большинство негров на Юге сами делали себе музыкальные инструменты: гитары —
из сигарных коробок и проволоки, барабаны — из канистр, контрабасы — из корыт и палок. Поток армейских
музыкальных инструментов, наводнивший город на рубеже веков, позволил многим негритянским мальчишкам
попробовать поиграть на настоящих корнетах и тромбонах. Было и еще одно обстоятельство, сказавшееся на
характере новой музыки,— создание в Новом Орлеане большого района увеселительных заведений. Город и раньше
имел славу злачного места. Будучи единственным крупным центром в большом регионе, он на протяжении двух
веков притягивал к себе охотников, лесорубов, рыбаков, стремящихся продать свой товар и весело провести время.
Поскольку Новый Орлеан был большим портом, туда прибывало много моряков; позднее здесь же была построена и
военно-морская база США. Весь этот пестрый людской поток жаждал удовольствий — и город предлагал им
проституток, спиртные напитки, азартные игры и наркотики. В 1897 году отцы города, дабы упорядочить этот
содом, решили сосредоточить все публичные дома в одном районе, который горожане тут же нарекли Сторивиллем
— по имени Джозефа Стори, члена муниципалитета, предложившего соответствующий законопроект. На мой
взгляд, роль Сторивилля в рождении джаза исследователи часто преувеличивают. И Беше, и Мортон утверждали,
что в публичных домах работали, как правило, пианисты; оркестры в Сторивилле играли крайне редко, большинство
из них выступало в больших кабаре. Первые джазовые музыканты чаще всего играли на парадах, пикниках,
вечеринках, похоронах и т. п. Но значение Сторивилля не следует и преуменьшать: здесь музыканты получали
работу, имели возможность совершенствовать свое мастерство, а следовательно, и свой стиль игры.
И все же открытие Сторивилля, лавина музыкальных инструментов, заполонившая город,— это лишь
второстепенные факторы в рождении джаза. Решающее значение имело сближение и взаимовлияние культур негров
и цветных креолов. В негритянской среде сохранялись традиции афроамериканского музыкального фольклора, и
прежде всего блюзов. Креолы, для которых было характерно европейское музыкальное мышление, часто имели
собственные музыкальные инструменты, были сведущи в теории музыки. До 1900 года большая часть негритянской
музыки в Новом Орлеане, по всей вероятности, была вокальной или же исполнялась на самодельных инструментах,
хотя в городе, несомненно, существовали негритянские оркестры, исполнявшие музыку в европейском стиле.
Однако на улицах, в танцзалах и на пикниках играли в основном креольские оркестры. В процессе сближения
креолы и негры постепенно смешивались друг с другом в оркестрах и среди слушателей. Таким образом создались
предпосылки к взаимодействию музыкальных культур...
РАЗОРВАННОЕ ВРЕМЯ

В 1893 году Фред Стоун, малоизвестный композитор из Детройта, штат Мичиган, опубликовал ничем
особенным не примечательную песенку, названную им "Ma Ragtime Baby" - первое дошедшее до нас
упоминание слова "рэгтайм" в печати. Вслед за тем оно стало все чаще попадаться как в названиях, так и в
обозначении темпа фортепианных мелодий, предназначенных прежде всего для танца. Нотные тиражи
росли, кэйк-уок, все больше входил в моду, спрос на соответствующую музыку увеличивался. Владельцы
дансингов, кафе, всевозможных клубов, где собиралась танцующая публика, не желали тратиться на
нескольких исполнителей и вместо трио или квартета из банджо, скрипки, контрабаса или какого-нибудь
духового инструмента - типичного инструментального состава минстрел-шоу - предпочитали нанимать
одного пианиста, требуя от него, однако, работы за всех. Пианист старался как мог: левой рукой
поддерживал энергичный прыгающий аккомпанемент-метроном "ум-па, ум-па, ум-па, ум-па...", а правой вел
нескончаемый вьющийся наигрыш вроде польки с афро-американским акцентом. Акцент заключался в том,
что, пуская по четыре ноты на каждое "ум-па", пианист обязательно брал синкопы: предполагаемую
сильную долю мелодии ударял слабо и наоборот; а иногда внезапно вообще пропускал одну ноту, вызывая у
слушателя ощущение "проваливающегося пола", или же вставлял ее в каком-нибудь совсем неожиданном
месте, где-нибудь между "ум" и "па", отчего танцор испытывал некий внутренний толчок как бы от
"разрыва" временной последовательности своего движения.
Все это ужасно интриговало аудиторию, дотоле ни с чем похожим не сталкивавшуюся, если не считать
спектаклей минстрел-шоу, посещать которые доводилось далеко не всем, и где сами зрители обычно не
танцевали. В привычной для них музыке, на которой они воспитывались с детства - будь то воскресные
хоровые гимны, сентиментальные баллады или чинные салонные танцы, - время текло неторопливо,
размеренно, непрерывно, не позволяя себе никаких игривых шуток и вольностей. Все доли такта твердо
знали, слабые они или сильные, и потому никогда не вступали в спор или состязание ни друг с другом, ни с
установленным метром аккомпанемента, которому они беспрекословно подчинялись: каждая всегда
оказывалась в нужный момент именно на том месте, которое было ей изначально предопределено, где ее
ждали и куда ей обязательно надлежало попасть.
Нехитрые же фокусы синкопирующих пианистов - нарочитые сбои, насмешливые спотыкания и дерзкие
разрывы в плавном течении мелодического времени, особенно остро воспринимаемые в сравнении с четким
метрономом аккомпанемента, производили на такую аудиторию, судя по всему, сильнейший эффект. Слово
"рэгтайм", или (сокращенно) "рэг", быстро вошло в повседневный быт американцев. И не только слово.
В самом деле, время было уже не то, когда блюстители нравов в Массачусетсе или Нью-Хемпшире могли
наложить вето на исполнение легкой музыки или устройство танцев в общественных местах. Романист
Руперт Хьюз, известный меломан и критик-любитель, чью образованность и тонкий вкус никто не подвергал
сомнению, в канун нового века убежденно предсказывал: "Со временем рэгтайм проложит себе дорогу в
творчестве какого-нибудь великого гения и после этого будет канонизирован". А в 1901 прославленная
оперная примадонна Эмма Невада, и не где-нибудь, а в Бостоне - цитадели пуританизма, – заявила через
печать: "Я в восторге от рэгтайма".
Вступая в ХХ столетие, белые англосаксы протестанского вероисповедания оставляли в XIX веке
добродетели, завещанные им отцами-основателями: трудолюбие, бережливость и аскетическое
самоограничение - качества, бывшие столь необходимыми в эпоху колонизации, борьбы за независимость и
освоения территории страны к западу от Атлантики. Соединенные Штаты выходили на мировую арену
могущественной индустриальной и военно-империалистической державой, только что одержавшей
сокрушительную победу над Испанией и отнявшей у нее Пуэрто-Рико, Гуам и Филиппины. Период
первоначального накопления закончился, наступила пора первого сбора его плодов. Урожай выдался на
диво, во всяком случае, для тех кто успел отхватить свою долю, экономические выгоды нового положения
были очевидны, стремление к наживе не нуждалось более в каких-либо возвышенных оправданиях,
религиозное благочестие первопоселенцев Новой Англии уже никак не отвечало аппетитам крепнущего
"среднего класса".
Проявлялось это и в музыке, той самой (и в этом были мучительный парадокс, злая ирония и корень
конфликта), которая шла от вчерашних рабов, иногда презираемых, иногда ненавидимых, внушавших то
страх, то симпатию и даже восхищение, то зависть, то чуство вины и всегда - ощущение проблемы,
требующей решения. Но никому не хотелось тогда ломать голову над проблемами. Все считалось раз и
навсегда решенным, можно было как следует насладиться жизнью, отыскивая для себя все новые и новые
источники удовольствия, и новая промышленность - индустрия развлечений - помогала увидеть свет ряду
новых музыкально-художественных идей, ранее либо совсем немыслимых, либо прозябавших в глухом
подполье.
Одной из таких новинок и был рэгтайм - прямой потомок инструментального сопровождения минстрел-шоу,
вначале эстрадный дивертисмент, "пирожное шествие", кэйк-уок, затем модный танец и, наконец,
самостоятельный жанр, ставший для определенного круга американцев чертой времени, подготовившего
между тем разрушение истин и представлений, казавшихся вечными, незыблемыми и абсолютными. Нельзя,
конечно, напрямую связывать развитие искусства с явлениями вне-художественного порядка, но трудно не
вспомнить хотя бы те главные события науки и техники, которые хронологически совпадают с "эпохой
рэгтайма", длившейся приблизительно с середины 90-х годов прошлого века до конца первой мировой
войны. На протяжении этих лет были открыты, изобретены или созданы: дизель-мотор, кинематограф,
рентгеновские лучи, явление радиоактивности, радиотелеграф и радиотелефон, электрон, квантовая теория,
утверждающая прерывность времен и пространства, специальная теория относительности, летательный
аппарат тяжелее воздуха, основы телевидения и многие другие вещи, радикально изменившие характер
промышленного производства, транспорта, связи, бытового уклада, мышления, культуры и всего образа
жизни людей ХХ столетия.
Те, кто сочинял, играл, слушал и танцевал рэгтайм, над всем этим, конечно, не задумывались, хотя ветер
общих перемен и такие видимые его черты, как, скажем, самодвижущиеся экипажи, аэропланы или
возможность разговаривать с человеком, находящимся за тысячи миль, несомненно, бросались в глаза
каждому и наверняка нашли какое-то отражение в формах современной этим событиям музыки.
В 1896 году Бен Харни, двадцатичетырехлетний белый пианист из Кентукки, дебютировав в нью-йоркском
театре-варьете Тони Пастора, убедил столичную аудиторию, что рэгтайм , дотоле бытовавший только в
дансингах, способен стать также и концертным жанром. Год спустя вышла книга Харни "Рэгтайм-
инструктор", утверждавшая: рэгтайм есть не особый вид музыки, но особый способ ее исполнения. Речь шла
о прыгающем аккомпанементе и синкопировании, позволявшем "разорвать" любую мелодию, будь то
народная песня или классическая ария, что вскоре и сделалось обычной практикой коммерческих нотных
издательств.
Примечательно, что в выступлениях Харни иногда участвовал помощник - чернокожий музыкант Стрэп
Хилл. Сидя в зале под видом слушателя и дождавшись момента, когда аудитория взрывалась овациями, он
как бы вне себя от возбуждения вскакивал на сцену, бросался к фортепиано и с пиротехническим блеском
исполнял якобы спонтанную импровизацию на только что сыгранный номер, отчего публика впадала уже в
абсолютное неистовство.
Подлинным основоположником концертного, или "классического", рэгтайма был, однако, не Харни, а
негритянский композитор и пианист Том Тэрпин из города Сидэлия, штат Миссури, который выступал
главным образом в бесчисленных салунах и кафе Сент-Луиса - быстро разраставшегося и богатевшего
города, чье население на исходе XIX века составляло уже более полумиллиона человек. Тэрпин больше
всего на свете любил играть, а не сочинять, и лишь немногие из своих пьес фиксировал на бумаге. Но даже
из того, что было им записано, ясно видно, как под его пальцами и его пером сплавились в удивительном
новом качестве менестрельный кэйк-уок, деревенская полька, городская кадриль и аристократический
менуэт, европейские конструктивные принципы и африканская ритмическая энергия.
Тэрпин придал рэгтайму классически строгую форму из четырех различных, часто контрастирующих по
рисунку и настроению частей, логически сочетающихся друг с другом и образующих законченное
композоционное целое. Он оставил совсем мало опубликованных произведений, в их числе "Ragtime
Nightmare" и "St. Louis Rag" - по жанру своему танцевальных. Однако его пьесам (как и большинству работ,
созданных его учениками и последователями) присуще неизмеримо большее интонационное богатство и
структурная сложность, чем это было необходимо с точки зрения подавляющего большинства танцующих в
дансингах, и что по технической трудности было не под силу среднему пианисту - исполнителю рэгтаймов.
Поэтому произведения Тэрпина не столько звучали в дансингах и концертах, сколько служили образцами
для подражания и источниками прямого заимствования со стороны ремесленных изготовителей легкой
музыки для массового потребления. Малоизвестный широкой публике, Том Тэрпин оказал огромное
влияние на группировавшихся вокруг него молодых пианистов-композиторов, в число которых входили
Скотт Хэйден и Джеймс Скотт, а позднее - белый музыкант из Нью-Джерси Джозеф Ф. Лэм, - их усилиями
сформировался так называемый "Сент-луисский стиль рэгтайма". Самой же знаменитой и самой
трагической фигурой из этого круга был Скотт Джоплин, автор таких всемирно популярных мелодий, как
"Entertainer", "Easy Winners" и "Maple Leaf Rag".
Уже в начале ХХ века Джоплин стал задумываться над перспективами развития рэгтайма как
самостоятельного художественного течения, не сводимого к узким жанровым рамкам. Он был одним из
первых композиторов, приступивших к сочинению рэгтаймов не только для фортепиано, но и для
инструментального ансамбля, а также для вокалистов и хора. В 1902 году Джоплин написал "народный" (как
называл его сам автор) балет "Танец рэгтайм", за которым последовала рэгтайм-опера "Почетный гость".
Чтобы осуществить постановки такого масштаба, нужны были не только немалые деньги, но и
высококвалифицированные дирижеры, оркестранты и певцы; между тем профессиональные академические
музыканты тех лет либо категорически отвергали рэгтайм, либо не снисходили до него: в результате
произведения, создаваемые в расчете как раз на исполнителей высшего класса, не имели никаких шансов
увидеть свет. Скотт Джоплин не сумел добиться сценического воплощения ни одной из своих работ для
музыкального театра, включая и его вторую оперу "Тремониша" (названную по имени главной героини -
негритянской девушки, стремящейся утвердить свое личное и социальное достоинство перед лицом расовых
ограничений); неудачи с ее постановкой композитор уже не смог пережить. К моменту его смерти, в 1917
году, рэгтайм как танцевально-развлекательный жанр окончательно израсходовал весь запас своих
художественных ресурсов и, до предела вульгаризированный коммерческими подражателями, перестал
привлекать симпатии массовой публики.
Отдельные негритянские музыканты - такие, как пианист и композитор Джеймс Пи Джонсон, корифей нью-
йоркской, точнее "гарлемской", школы рэгтайма, - еще пытались несколько лет подряд взывать к наиболее
просвещенным слоям любителей современной музыки, предлагая им свои произведения в жанре рэгтайм-
сюит, рэгтайм-концертов и даже рэгтайм-симфоний. Однако что-то уже изменилось во всей художественной
атмосфере тех лет, что-то новое, по сравнению с чем "разорванное время" начала века казалось совсем не
"диким" и не "варварским", а бесконечно милым, уютным и добродушным, но, увы, безнадежно
старомодным. Эпоха рэгтайма кончилась.
В ретроспективе не так уж трудно увидеть, что судьба рэгтайма была предрешена изначально, и не какими-
то внешними обстоятельствами (по воле случая они могли бы сложиться и совсем иначе), но исходными
эстетическими предпосылками самого жанра. Ведя свое происхождение от минстрел-шоу, высмеивавшего
негра, который старается походить на белого джентльмена, рэгтайм с какого-то момента перестал находить
в этом что-либо смешное.
Объяснение причин столь существенной смены оценочных критериев нужно искать в особенностях
художественного, да и не только художественного, мировоззрения пионеров рэгтайма. Большинство из них
принадлежало к первому поколению американских негров, выросших в атмосфере оптимизма и надежд,
порожденных победой северян в гражданской войне и отменой рабства в Соединенных Штатах. Более того,
в числе ничтожно малой группы "цветных" им удалось получить какое-то образование (общее и
музыкальное) и подняться в социальном и экономическом отношении на одну-две ступени выше, чем то
было доступно миллионам их собратьев по расе. Но они жаждали гораздо большего: быть признанными в
качестве полноправных граждан, вносящих свой вклад в общенациональную культуру Америки, которая в
их глазах была тогда исключительной прерогативой белых людей. Однако прежде всего им хотелось во что
бы то ни стало доказать себе и другим, что они тоже способны обладать всем, чем до сих пор могли и имели
право владеть только белые, - начиная от уменья элегантно одеваться и вести себя в светском обществе и
кончая вершинами музыкально-композиторского профессионализма. Именно такую эмоциональную, социо-
психологическую и культурную установку, свойственную тонкой прослойке американских негров -
художественно просвещенных, живущих в крупных городах, сравнительно благоустроенных и мысленно
уже видящих себя стопроцентными американскими гражданами, - и выражал собою рэгтайм.
Исторический переход от личины к лицу в конкретно-человеческом плане совершался еще весьма
ограниченно: он шел от полу-фольклорной коллективной безымянности или шутовских псевдонимов к
собственному имени, набранному крупным шрифтом на афишах и в нотных изданиях, защищаемому
авторским правом; от балаганного шутовства к строгой серьезности, от карикатуры менестрельного
"ниггера" к портрету концертирующего артиста. В эстетическом же плане этот переход сталкивался с
очевидным противоречием: наивно-идеализирующий свое реальное положение в мире, романтико-
сентиментальный по духу и содержанию, рэгтайм провозглашал вместе с тем безоговорочный рационализм,
конструктивность, композиционную завершенность формы.
Иными словами, его идейно-художественная направленность оказывалась в гораздо большей степени
европейской - и притом "ученой" европейской, - нежели "народной" и африканской. Его пафос был пафосом
восхождения от низкой и примитивной неорганизованности к высокой и упорядоченной гармонии.
Неизлечимый - и для его творцов трагический - парадокс рэгтайма заключается в том, что для
подавляющего большинства белых людей он представлял (во всяком случае, на раннем этапе) нечто
диаметрально противоположное. В нем видели - кто с ужасом, кто с восторгом - как раз нисхождение,
возвращение к бездне, хаосу, первобытности; освобождение от множества тягостных, мертвящих душу и
тело запретов, обязанностей и самоограничений.
Сегодня нам очень нелегко вообразить, с какими именно чувствами люди начала века воспринимали
музыку, дошедшую до нас только в "немых" нотных текстах. Сохранилось, однако, несколько лент для
пианолы (механического пианино), так называемых piano-rolls, наигранных в начале века крупнейшими
виртуозами рэгтайма. Воспроизведенные теперь на долгоиграющих пластинках, они позволяют в какой-то
мере ощутить звуковой колорит произведений, вызывающих некогда бурные протесты музыкальной
общественности и приравниваемых к "африканским оргиям". Первое впечатление - это растерянность и
недоумение.
Вслушиваясь в "Каскады" Джоплина, "Пегас" Скотта или "Америкен Бьюти Рэг” Лэма, даже при
максимальном напряжении фантазии решительно невозможно понять, откуда у просвещенных, воспитанных
и хорошо собою владеющих джентльменов могли возникать некогда вышеупомянутые ассоциации.
Умеренные, даже спокойно-неторопливые, темпы (Джоплин не уставал указывать в нотах: "Важное
предупреждение! Ни в коем случае не играть быстро! Рэгтайм вообще никогда не должен исполняться
быстро!"; сдержанно-деликатная, подчас лирически-нежная фразировка; безупречная уравновешенность
каждого предложения внутри каждой части и отдельных частей в рамках целого; утонченная, галантно-
изысканная орнаментика мелодии и общая структура, заставляющая вспомнить танцевальные сюиты XVII-
XVIII веков... Похоже, что авторы этих пьес изо всех сил старались как можно дальше уйти от каких бы то
ни было "африканских" корней их музыки, - тенденция особенно наглядно прослеживаемая при
сопоставлении между собой ранних и поздних произведений этого жанра.
Скотт Джоплин и его коллеги, несомненно, стремились "облагородить" рэгтайм, придать ему более высокий
культурный статус, ввести в круг "настоящей", то есть европейской концертной музыки. В Америке эти
попытки были с порога отвергнуты академическими кругами как попросту абсурдные и не стоящие даже
траты слов на их обсуждение. В Европе к ним были более снисходительны и рассматривали скорее как
забавную эксцентрическую новинку; кое-кто из передовых и наиболее смелых композиторов (Игорь
Стравинский, например) даже использовал в своих сочинениях отдельные элементы рэгтайма, но принять
его всерьез, разумеется, не мог. К началу 20-х годов рэгтайм отошел на периферию популярной музыки и
вскоре вообще исчез с ее горизонта. Кэйк-уок был давно забыт, повсюду танцевали шимми и чарльстон, но
более всего фокстрот под звуки оркестров, именуемых джаз-бандами. Приставка "рэг", ранее чуть ли не в
обязательном порядке добавлявшаяся к названию каждой новой мелодии, также вышла из употребления;
вместо нее все чаще встречалось другое слово - The Blues, множественное от blue, что по-английски
означает "синий" или "синева", а также "печаль".
.
Из книги В. Д. Конен “РОЖДЕНИЕ ДЖАЗА”
Регтайм и его истоки
1. “Эпоха регтайма” длилась всего два десятилетия — с середины 90-х годов прошлого века до периода первой мировой
войны. Тем не менее этот краткий отрезок времени имеет значение для музыки не только в американском масштабе. С
приходом регтайма открылся новый путь в искусстве, ясно порывающий с основами европейского композиторского
творчества и окончательно реализовавшийся в джазовой культуре наших дней.
Не случайно так долго господствовал ложный взгляд на регтайм, как на побочный, не самостоятельный вид
музыкального творчества, выполнявший лишь функцию предвестника джаза. Глубочайшая зависимость джаза от
художественных принципов регтайма не могла не породить подобное заблуждение. В годы, когда джаз уже приковывал
к себе внимание всего мира, регтайм успел отступить на задний план. А поскольку связь между регтаймом и джазом
была несомненной, то в оценках историков и исследователей джаз естественно затмил своего предшественника. О
регтайме заново вспомнили после второй мировой войны, а его художественное возрождение — заслуга последнего
десятилетия [В “открытии” регтайма очень большая роль принадлежит неутомимому исследователю джазовой
культуры Р. Блешу, собравшему и опубликовавшему (совместно с Г. Джэйнис) огромный материал из истории
регтайма.]. Сегодня стало ясно, что регтайм — представляет ценность сам по себе. Он имеет свою законченную
музыкально-выразительную систему и ярко выраженную художественную идею. В наши дни его самостоятельное
значение уже не оспаривается. Более того. Распространена точка зрения, что регтайм — “главное течение в музыке и
культуре Америки на пороге XX века”. Само слово “регтайм” стало сегодня как бы символом-лозунгом той эпохи.
Воплощение этой мысли можно усматривать в упомянутом, широко известном романе Эл. Доктороу “Регтайм”, где дан
широкий разрез общественной жизни США в первой четверти нашего столетия [Подробнее об этом см. дальше.].
В канун первой мировой войны в английской прессе был опубликован очерк, в котором звучала надежда на рождение
подлинно национальной американской музыки.
“Мы ждем появления американского композитора,— писал автор.— Но, разумеется, не подобия сегодняшних
“паркеров” и “макдоуэллов” [Горацио Паркер (1863—1919) — американский композитор, представитель академических
кругов, эпигон немецкой романтической школы. Эдвард Мак-Доуэлл (1861 —1908) — первый и крупнейший
представитель американской композиторской школы XIX века, получивший образование и работавший в Европе. Оба
были связаны с университетскими кафедрами композиции.] которые заимствуют чужеземные готовые формы и
подражают им с большей или меньшей степенью успеха; их музыка совершенно лишена жизненных сил. Мы ждем
кого-то, кто еще не известен, кто быть может еще не родился, кто будет петь о своей собственной стране, о своем
собственном времени, о своих собственных переживаниях”.
Этому ожиданию и ответил регтайм, родившийся в глубоком американском захолустье на пороге XX века и пробивший
себе путь на эстрады всего мира.
Одна из поражающих воображение черт регтайма — его мгновенное массовое распространение. В годы, о которых идет
речь, мир еще не знал ни радио, ни магнитофона, ни телевидения. Тем не менее буквально на следующий день после
появления какой-либо удачной пьесы в стиле регтайм она уже звучала в другом городе страны, иногда даже на
отдаленной территории. Как ни удивляла в свое время беспрецедентная популярность театра менестрелей, она не
выдерживает сравнение с победоносным шествием регтайма. С молниеносной быстротой распространяясь вширь,
регтайм охватывал все новые и новые районы огромной страны “от океана до океана”, проникал в самые разные
социальные сферы, подчинял своему эмоциональному строю души миллионов людей. Негры и белые расисты;
обитатели “подвального мира” и население пуритански настроенной Новой Англии; потомки завоевателей “дикого
Запада” и высоколобые интеллигенты в северо-восточных городах — самые разнообразные представители
многошерстного американского общества были покорены регтаймом. Этот неизвестно откуда появившийся
художественный вид, по-видимому, резонировал в тон каким-то фундаментально важным сторонам духовной жизни
своего поколения.
Однако, как хорошо известно, актуальность музыкальной идеи сама по себе не обеспечивает ее проникновения в
широкую среду. Музыкальное искусство не живет вне исполнителя. Для профессионального творчества европейской
традиции роль жизненно важных посредников между создателем музыки и слушателем играют хоровые коллективы,
оперные театры, симфонические оркестры, камерные ансамбли, концертная эстрада и т. п. Только они и обладают
силой, способной сделать отвлеченный замысел художественной реальностью. Так и регтайм, при всей актуальности
его идей не сумел бы проникнуть в массовую аудиторию и подчинить ее себе, если бы в США не было к тому времени
своей уже достаточно развитой “посреднической” культуры. Но это была культура особого рода — национально-
самобытная, неповторимо американская, которая сложилась в теснейшей связи с общественной атмосферой и
художественными формами, характерными именно для США. Если менестрель-ный театр, в противовес
аристократической по своему происхождению большой опере, сформировался в условиях, типизирующих чисто
американское, то есть буржуазное общество, то регтайм также опирался на художественную практику, далекую от
европейской и неотделимую от культуры северного Нового Света.
Представим себе общий облик регтайма, как он воспринимался “на рубеже двух веков”, и тогда причины его
феноменально быстрого восхождения и проникновения в американский быт скорее обретут ясность [Анализу
музыкального и художественного стиля регтайма будет посвящена самостоятельная глава. Однако мы затрагиваем этот
вопрос и здесь, так как в отрыве от него трудно понять и картину распространения регтайма.].
Регтайм был музыкой, всецело предназначенный для фортепиано. Казалось бы, неуместно и странно сравнивать его с
сонатой или симфонией: их эстетическая направленность разительно контрастна. Тем не менее все они являются
абстрактной инструментальной музыкой, оторвавшейся от сценического образа или слова, с которыми были
первоначально связаны. Регтайм обобщил в самостоятельной, инструмен-тально-абстрагированной форме музыкальные
образы, предварительно найденные на сцене, и зафиксировал эти находки в нотной записи, не оставляющей произвола
для исполнителей. Как и в оперно-симфоническом искусстве, фантазия музыканта здесь ограничивается почти
исключительно исполнительской интерпретацией. Не случайно регтайм — единственный вид афро-американской
музыки “пред-джазовой эпохи”, который не культивирует импровизацион-ность и вообще не тяготеет к ней.
Почему же из всех возможных инструментов и инструментальных комбинаций, известных в Америке, проводником
регтайма стало фортепиано? Ведь к концу XIX века страна уже имела разветвленные традиции инструментальной
музыки. Это, во-первых, неоднократно упоминавшийся репертуар банджо; во-вторых, менестрельный “банд”; в-
третьих, высоко развитая симфоническая культура, внедрившаяся в быт северо-восточных городов; в-четвертых,
музыка духового оркестра, получившая массовое распространение в США в последней четверти XIX века. Можно было
бы думать, что все эти инструменты имели равные шансы стать выразителем нового американского искусства.
Суть дела в том, что фортепиано было самым распространенным, самым “домашним”, самым доступным в
исполнительском смысле инструментом Америки той эпохи. Он столь же ярко типизирует социальный и жизненный
уклад этой буржуазной — тогда еще в основном мелкобуржуазной — страны, как камерные оркестры — европейскую
придворную культуру XVIII века или вокальные многоголосные ансамбли — просвещенную среду Ренессансной эпохи.
Музыкальная жизнь “одноэтажной Америки” была сосредоточена в салоне, но салоне отнюдь не аристократического
типа, а небольшом, уютном, “мещанском”, довольствующемся простейшими развлечениями. (Быть может, в
большинстве случаев следовало бы говорить просто о гостиной.) Для этих гостиных и салонов создавалось множество
банальностей, особенно много в виде навеки канувших в безвестность пустейших романсов. В домах благополучных
горожан орган и фортепиано издавно утвердились как бытовые инструменты, а в рассматриваемый нами период
фортепиано проникло даже в самые скромные жилища, разбросанные по всей территории страны. Отчасти как признак
респектабельности и благополучия, но главным образом как средство развлечения фортепиано заняло огромное место в
жизни американцев всех сословий. От светских дам до конторских служащих, от жителей западных ранчо до
обитателей тесных городских районов, от владельцев роскошных дворцов в Нью-Йорке до искателей призрачного
счастья в богом забытых местностях Аляски — короче говоря, “от Пятого авеню до Клондайка” (как образно сказано в
одном из исследований, посвященных регтайму), американцы культивировали фортепиано, как свой домашний,
повсеместный инструмент.
Не следует пренебрегать и авторитетом европейской фортепианной музыки. Великолепные достижения романтического
пианизма, ореол славы великих концертирующих артистов проникали в Новый Свет, вызывая у американцев особое
преклонение перед “королем инструментов” и желание приобщить его к своему быту.
Действительно, в “эпоху регтайма” в крупных городах США, в особенности в северо-восточных центрах, быстро
усваивающих современную им европейскую музыкальную культуру, уже хорошо была известна фортепианная музыка
романтической школы. Импрессионистский пианизм был не за горами и также скоро проник в творчество американских
композиторов академического направления. Можно было бы ожидать, что хотя бы следы влияния европейского
репертуара обнаружатся в новом популярном жанре конца века.
Однако фортепианный стиль регтайма был очень далек от романтической и импрессионистской пианистических школ.
Он культивировал совсем иные принципы композиции, свою особую виртуозность и основывался на необычных для
рояля жестских “стучащих” звучаниях и столь же необычных акцентированных ритмах. Из его выразительного
арсенала были оттеснены педальные колористические эффекты, вне которых не мыслимы ни романтический, ни
импрессионистский стили. “Брильянтная” пассажная техника также была ему неведома и т. д. и т. п. От драматического
пафоса, психологической рефлексии, живописной картинности романтиков, от созерцательного настроения и
тончайшей звукописи импрессионистов в регтайме не было и следа. Регтайм нес совсем другие образные ассоциации,
неведомые в музыкальном искусстве предмодернистской эпохи. Музыка моторно-физиологического склада,
пронизанная чувством танца (или марша), она вместе с тем была отмечена нарочитой аэмоциональностью, как бы
отстранена от происходящего. Одновременно и танец, и пародия на него; красота свободного движения человеческого
тела и искажающая весь ее дух утрированная точность почти механического характера; оголенная простота форм и
вплетающиеся в нее сложно прихотливые, очень странные на слух, воспитанный XIX веком, ритмические узоры — все
вместе создавало впечатление, будто наивное веселье неотделимо здесь от иронического взгляда со стороны.
Грандиозный спрос на регтайм со стороны широкой публики был мгновенно (и выгодно!) использован Тин Пэн Элли.
Легкожанровые издательства набросились на него. Его образцы стали выходить неслыханно огромными тиражами,
проникая в повседневную жизнь и формируя психологию миллионов американцев. Нью-Йорк утратил в те годы свое
значение, как монополист музыкально-издательской индустрии. Она теперь возникала в самых разных районах страны,
вплоть до юго-западных и юго-восточных захолустий. Мы увидим в дальнейшем, в какой глубокой зависимости от
одного из подобных провинциальных издательств возникло искусство создателя классического регтайма Скотта
Джаплена.
Но хотя “листки” (как по сей день они называются в Америке) успешно приобщили массовую американскую
аудиторию к новому искусству регтайма, они сами по себе не могли бы обеспечить ни фантастическую скорость его
распространения, ни его верную художественную интерпретацию. Здесь вступил в игру другой могучий посредник
между композитором и публикой — “странствующий пианист” (“itinerant pianist”) — явление столь же характерное для
Америки 90-х годов, каким был “бродячий театр” менестрелей для предшествующих поколений.
В самом деле, кочующий пианист, интерпретатор регтайма — и в этом отношении его заслугам нет цены — был не
только в духовном родстве с менестрелями, но фактически связан с ними. На менестрельной эстраде прежде всего
появилась артистическая фигура, познакомившая мир с художественной идеей, заключенной в регтайме, и
обеспечившая ее правильное музыкальное толкование. Ходячее (и безусловно ложное) мнение об американцах как о
мало музыкальном народе сразу рушится, когда мы знакомимся с масштабом деятельности эстрадных пианистов тех
лет.
Они появлялись тысячами. За несколько лет возник легион белых и черных исполнителей, выступавших на эстраде с
пьесами в стиле регтайм (само название возникло не сразу, и его происхождение до сих пор окончательно не
установлено [На протяжении длительного времени его выводили из понятия “ragged rhythm”, то есть “рваный ритм”,
что убедительно согласовывалось с поразившим современников синкопированным мотивным строем регтайма. Однако
эта аргументация была слишком отвлеченно-книжной, так как, по существу, основывалась только на слове “ragged”,
встречающемся, по-видимому, впервые в одном из самых ранних опубликованных очерков о площади Конго для
характеристики звучащей на нем танцевальной музыки. Более правдоподобной представляется такая гипотеза. На
менестрельной сцене за любым танцем в сопровождении банджо закреплялось обобщенное название “джиг” или
(позднее) “джигтайм”. Из менестрельного шоу оно перекочевало в негритянский быт. В среде черных американцев
встречается слово “to rag”, что означает “дразнить”, “подшучивать”, “насмехаться”. Если вспомнить, как близки по
звучанию на английском языке буквы j и r, то постепенная замена слова “джигтайм” на “регтайм” очень вероятна, тем
более что в народном музицировании было принято подвергать какую-либо известную мелодию синкопированию, и
этот прием назывался “регированием” (“ragging a tune”). Скорее всего, название “регтайм” родилось из слияния
ассоциаций, связанных и с менестрельным танцем, и с насмешкой, и с синкопированием.]).
Их пианистическое мастерство непрерывно совершенствовалось. На протяжении ряда лет проводились пышные
публичные конкурсы, стимулировавшие развитие виртуозности. Именно эта характерно американская артистическая
фигура внедряла в жизнь новые критерии музыкально-прекрасного со скоростью, ограничиваемой только скоростью
движения поездов. Пианисты регтайма очень быстро заполнили все многочисленные виды легкожанровой эстрады
США, а затем распространили свое влияние и за ее пределами.
Возникли новые посредники между публикой и новорожденным искусством. Среди них очень значительную роль
играло механическое фортепиано, так пленившее поколение “на рубеже двух веков” (это отражено в столь разных
художественных произведениях, как, например, рассказ О. Генри “Пианино”, роман “Сто лет одиночества” Маркеса и
кинофильм Михалкова по Чехову “Незаконченная пьеса для механического фортепиано”). В известном смысле пианоле
отдавали предпочтение перед “живым” инструментом, так как она несла в домашний быт новую музыку не в
любительском, а в первоклассном исполнении. В ее репертуаре регтайм занимал огромное место, быть может, еще
потому, что его предельная ритмическая точность и жесткость в каком-то смысле гармонировали с механической игрой
пианолы. Не случайно исполнительский стиль регтайма часто характеризовали как механический.
Усовершенствованный фонограф также сразу включился в процесс распространения регтайма. К тому времени его
образцы, сочиняемые композиторами быстро сформировавшейся школы, появлялись пачками.
Как обычно происходит с музыкой, особенно полюбившейся публике, регтайм вышел за рамки своей первоначальной
профессиональной сферы и породил ответвления, утратившие чистоту стиля, свойственную “классическим” образцам.
Посетители парикмахерских [В истории музыкальной культуры США черные посетители парикмахерских в южных
городах занимают видное место. В ожидании очереди они играли на банджо и гитарах, создавая таким путем особую
разновидность бытовой афро-американской музыки. Термин “парикмахерская гармония” (“barbershop harmony”) даже
вошел в музыковедческий лексикон.], мальчики-чистильщики сапог бренчали на банджо и гитарах, воспроизводя
мотивы и ритмы, неотделимые от регтайма. Духовые оркестры включили его в свой репертуар, придавая этому
фортепианному жанру тяжеловесное “медное” звучание. Водевильные труппы приспосабливали его к своим
инструментальным составам. Композиторы-песенники стали выпускать вокальные произведения, основанные на
ритмах и мелодиях регтайма — так называемые rag songs и т. д. и т. п. Разные “вольные” направления, в том числе
оркестровые, заклейменные пуристами наших дней как незаконные отпрыски регтайма, тем не менее дополнительно
усиливали воздействие нового строя музыкального мышления на массовую психологию. При жизни Эдисона и
Маркони, Амундсена и Кюри, О. Генри и Айвза родилась, наконец, долгожданная “музыка Америки”. Ее первой
художественной “школой” и был регтайм.
2. Но где корни регтайма? В какой социальной и артистической среде появилось искусство, которое кочующие
пианисты и печатные “листки” разносили по всей Америке?
До недавнего времени (т. е. до периода, последовавшего за второй мировой войной) дать ответ на этот вопрос было
практически невозможно. В высокоразвитой, издавна грамотной стране, где основательно изучены и опубликованы
мельчайшие факты ее политической истории и истории культуры северо-востока, самые значительные явления
национальной музыки оставались захороненными на протяжении столетий.
Вспомним, как создавалась писаная история джаза. Это был странный процесс, развивавшийся “обратным ходом”. На
протяжении нескольких десятилетий исследователи снимали “археологические пласты”, ниспровергая утвердившиеся
представления и постепенно обнажая подлинные звенья цепи, которая связывала Гарлем с площадью Конго, западную
городскую культуру со средневековой деревней, нашу современность с XVI столетием.
Подобный ход реконструкции — от поверхности в глубь истории — характеризует и путь, по которому
восстанавливалась более или менее целостная картина генезиса регтайма. То, что исполнялось на эстраде и
публиковалось в виде “листков”, было уже поздней стадией эволюции. Ее же более ранние этапы хранились в подполье,
раскопанном лишь в 50-х годах. И тут открылась поразительная картина, подобную которой невозможно встретить во
всей длительной и разнообразной истории европейской музыки. Она переносит нас в своеобразную “культурную
эпоху” — в “веселые 90-е годы” (“the gay nineties”), как принято называть в США последнее десятилетие прошлого
века, отмеченное небывалым для Северной Америки расцветом увеселительных учреждений особого рода.
В годы, о которых идет речь, “движение на Запад” (оставившее столь глубокий след в сознании американцев) уже
отошло в прошлое. Формирование страны закончилось. Однако сам дух покорителей новых земель продолжал витать
над западными окраинами США. Имеются в виду, разумеется, не столько воспетые и идеализированные американскими
писателями-беллетристами бесстрашие и сила пионеров, пробивавших себе в труднейших условиях путь в неведомое,
сколько характерная атмосфера бесшабашности, грубого веселья, чувственной раскованности, сопровождавшая
моменты их отдыха. Нравы и артистические традиции “дикого Запада”, так долго скрывавшиеся в духовном подполье,
теперь поднялись на поверхность и укоренились в определенной социальной среде.
В 90-е годы дети отцов-пионеров стали процветающими дельцами. Их жизнь, подчиненная погоне за прибылью, была
вместе с тем пронизана острой и открытой потребностью “веселиться”. Как ответ на эту потребность в юго-западных
районах страны (отдаленных от пуританского северо-востока не только в географическом, но и в духовном отношении)
возникло множество заведений, готовых удовлетворить эту потребность на уровне, доступном умам и душам нового
обывателя. Юго-западные (в особенности бывшие латинские) районы США запестрели десятками и сотнями домов
терпимости и притонов, игорных клубов и дешевых баров, танцплощадок и бурлескных шоу. Этот своеобразный мир,
известный в Америке под названием “спортинг” (“sporting life”) [Не случайно, антигерой гершвиновской оперы “Порги
и Бесс”, само воплощение плотского соблазна и разврата, носит прозвище Спортин-Лайф (Sportin' Life).], или “ночной
жизни”, образует почти столь же характерный штрих в локальном колорите новейших американских земель конца XIX
столетия, каким в 20-е годы нашего века стал “Голливуд” (имеется в виду, разумеется, не столько сама киноиндустрия,
сколько возникшая вокруг нее атмосфера). Вплоть до преддверия первой мировой войны “ночная жизнь” процветала
здесь во всю силу. И именно здесь, и только здесь находили применение талантливые (иногда талантливейшие)
музыканты. Их был легион, и видное место среди них занимали негры.
Блеш иронически замечает, что в Америке главными меценатами и покровителями музыкантов “предджазовой эпохи”
являлись хозяйки домов терпимости, совершенно независимо от их собственного отношения к музыке. Как ни комично
это высказывание, оно характеризует вполне реальную ситуацию.
Действительно, новое искусство рождалось в заведениях “ночной жизни”. Музыканты не ограничивались
обслуживанием клиентуры. После того как “гости” расходились и красные огни гасли, они собирались в задних
комнатах и музицировали для себя. В этих предрассветных импровизациях, ставших постоянной, глубоко вошедшей в
жизнь практикой, шли интенсивные художественные искания, рождались и реализовывались интересные замыслы,
появлялись на свет новые музыкальные виды и жанры. Иначе говоря, для регтайма, блюза и джаза “подвальный мир”
был призван выполнить ту роль центра музыкально-творческих исканий, каким в Европе были соборы,
аристократические дворцы, городские оперные театры...
Именно в этой среде родился регтайм.
“Из ночных заведений неслись звенящие, архаичные, хаотические звучания синкоп, извлекаемых из фортепиано,
которые несколько лет спустя преобразятся в музыку под названием „регтайм"...”. Так характеризует эту ситуацию
американский исследователь.
Связь с “подвальным миром” на многие годы определила глубокое предубеждение против регтайма со стороны
“почтенной публики”, представителей викторианской психологии. Выдающийся негритянский исполнитель регтаймов
Юби Блэйк вспоминает, с какой фанатической ненавистью относилась к ним его мать, духовной пищей которой были
спиричуэлс, как безжалостно выгоняла она подростка-сына из дома, когда тот начинал исполнять на фортепиано пьесы
в стиле регтайма. В первые годы популярности этого художественного вида пресса и церковь вели с ним ожесточенную
борьбу. Правда, в газетах того времени само слово “регтайм” встретить еще нельзя. Нападение на “безнравственную”,
“греховную” музыку происходит в неопределенных терминах. Тем не менее характеристика самого явления столь
недвусмысленна и ясна, что мало сомнения в том, что речь идет о регтайме. Передовые статьи газет содержат нападки
на “бессмысленное стучание” на фортепиано (“thump-thump”) и требуют от общественности запретить подобную
“распутную музыку”. Неотделимый от “сладкой жизни” подвального мира регтайм в сознании консервативно
настроенных современников отождествляется с духом проституции и наркомании, разврата и хулиганства. В
моральном отношении он был “вне закона”.
Характерно, что даже в 1913 году, когда регтайм уже прошел высшую точку своей популярности и был на грани
поглощения джазом, в английской прессе появились такие строки:
“Многие искренние и тонко чувствующие музыканты придерживаются мнения, что регтайм — искусство упадка и с
горестью говорят о его популярности, как о признаке порочности, характерной для нашего времени... Они видят во всем
этом проявление худших свойств современных американцев”.
С другой стороны, в наши дни поклонники регтайма специально подчеркивают его целомудренный характер, в
особенности ярко ощутимый на фоне афро-американских жанров, привлекших широкое внимание после регтайма,
таких, как блюз, новоорлеанский джаз, коммерческий эстрадный джаз, буги-вуги и т. п.
Вопрос об идейной сущности регтайма будет рассмотрен отдельно. Но сейчас отметим, что столь резкое расхождение в
его оценке со стороны двух разных поколений обусловлено не только различием в психологии. Разумеется, этот момент
в высшей степени важен. Стоит только сопоставить литературные произведения, запрещенные цензурой в первой трети
нашего века, как безнравственные (например, “Дженни Герхардт” Драйзера или “Нефть” Эптона Синклера), с
современными романами американцев, пронизанными открытыми сексуальными мотивами (такими, как “Жалоба
Портнойя” Рота или “Олений парк” Мэйлера), чтоб сразу ощутить громадную пропасть, отделяющую психологию
наших современников от мироощущения тех, кто жил в канун первой мировой войны. Однако нельзя пренебречь и
другой не менее существенной стороной вопроса. Большинство пьес в стиле регтайма, звучавших в “мире спортинга”, в
самом деле обладали сомнительной художественной ценностью, а в смысле настроения вполне гармонировали с его
кабацкой атмосферой. Следы этого остались во многих более поздних образцах “новой музыки Америки”. Регтаймы
Скотта Джаплена потому и были названы “классическими”, что его издатель хотел подчеркнуть, насколько они
возвышаются над господствующим уровнем тех лет. Из разных бытовых и народных истоков в творчестве Джаплена (а
затем и его последователей, о которых принято говорить, как об единой “школе”) откристаллизовался неведомый ранее
вид регтайма, отмеченный художественной законченностью и высоко поднятый над породившей его средой. С первых
произведений Джаплена, в особенности начиная с его ставшей знаменитой пьесы “Maple Leaf Rag” (“Регтайм Кленовый
лист”), опубликованной в 1899 году, и ведет начало музыкальный жанр, получивший известность под названием
“классического регтайма”.
Джаплен был связан с клубом, носящим название “Кленовый лист”, в городе Седалия, штат Миссури. Улица, на
которой он помещался, Ист Мэйн Стрит (East Main Street) пользовалась репутацией главного “рассадника порока” в
городе. Днем на ней функционировали торговые предприятия. Когда же после захода солнца магазины закрывались,
вступало в силу веселье “ночной жизни”. В каждом из заведений играли и импровизировали музыканты. Нередко
хозяин клуба и композитор-исполнитель совмещались в одном лице. Таким был, например, содержатель кафе
“Rosebud” (“Розовый бутон”) Томас Тарпен, один из самых известных и талантливых ранних регтаймистов. Подобная
ситуация стала в высшей степени характерной для американской предджазовой и джазовой культуры вообще. Когда
под давлением закона “ночная жизнь” Седалии, Нового Орлеана и других городов Юга и юго-востока скрылась от взора
общества и приобрела унылый бездуховный облик обычного “района красных фонарей”, она полностью утратила свое
значение как центр музыкально-творческих исканий. Но зато эти центры переселились в открытые увеселительные
заведения в других (в частности, северных) городах и сохранились там по сей день. Вспомним ночные клубы, кафе,
рестораны Гарлема и Гринич-Виллидж в Нью-Йорке, куда в наше время стремятся толпы посетителей со всей страны
(если не всего мира) ради возможности услышать “прописанных” там знаменитостей джаза [В качестве всем известного
примера сошлемся хотя бы на эпизод в повести Сэлинджера “Над пропастью во ржи”, где юный герой разыскивает
ночью своего брата-интеллектуала в “джазовом кафе” в Гринич-Виллидж.].
Преимущество Седалии по сравнению с другими городами юго-востока заключалось главным образом в относительно
терпимом отношении к неграм [Седалия представляла собой быстрорастущий промышленный город, где требовалось
множество “рабочих рук” на железных дорогах, заводах, обслуживающих предприятиях и т. д. Острая нужда в кадрах
этого рода побудила жителей города несколько смягчить проявление расовой дискриминации.], поэтому негритянское
население тяготело к Седалии. Ее же пресловутая Ист Мэйн Стрит стала прибежищем для огромного количества
черных музыкантов, странствовавших из города в город в поисках применения своего таланта. Скотт Джаплен
принадлежал к этой “народной школе” бродячих регтаймистов, хотя (как мы увидим из дальнейшего) в
принципиальных установках значительно отличался от большинства из них. Длительная остановка Джаплена в Седалии
сказалась в высшей степени благотворно и на деятельности самого композитора, и на судьбе избранного им жанра.
Во-первых, здесь он нашел своего издателя Джона Старка. Это был редкий тип белого бизнесмена, который обладал
достаточным художественным чутьем, чтоб оценить творчество молодого черного музыканта. Он не только охотно
печатал его оригинальные регтаймы, но однажды даже пошел на риск издания вещи, обреченной на финансовый
провал. Во-вторых, в Седалии Джаплен нашел нужную ему профессиональную атмосферу, куда еще не дотянулись
щупальца коммерческой музыкальной индустрии (столь отрицательно сказавшейся на будущем развитии самого
жанра). Стремлением каждого музыканта было найти свой собственный индивидуальный композиторский и
исполнительский стиль, и при этом никакого злостного соперничества не возникало. Между тем регтаймы, по поводу
которых так критически отзывалась английская пресса в 10-х годах, уже успели испытать развращающее воздействие
Тин Пэн Элли и утратить в большой мере дух “первой школы” регтаймистов.
Ни один талантливый музыкант, связанный с Ист Мэйн Стрит, превратился в алкоголика, распутника, наркомана,
прежде чем успел реализовать свои творческие возможности. Но Джаплен с самого начала возвышался над окружавшей
его средой. У него были ясно осознанные идеалы и художественные цели, отличавшие его от большинства его
собратьев. Джаплен уникален уже в том, что, будучи по всем внешним признакам “бродячим пианистом”, он тем не
менее успел в ранние годы получить известное образование в духе европейского профессионализма и свободно мыслил
в рамках европейского музыкального языка. Мечтой его жизни было создание произведений в высоких “оперно-
симфонических” жанрах, которые основывались бы на регтайме. Можно сказать, что он стремился идти по пути,
проложенному за несколько десятилетий до того творчеством латиноамериканца Готтшалка, который писал
фортепианные пьесы, пронизанные ритмами афро-американских танцев. (Впоследствии сходную задачу осуществил
Гершвин.) Однако Джаплен ориентировался не на Готтшалка, которого мог и не знать, а скорее на композиторов
европейских национально-демократических школ, таких, как Дворжак или Григ. Еще до знаменитого “Кленового
листа” он сочинил миниатюрный балет на тему регтайма — “Ragtime Dance” (“Танец в стиле регтайма”) для камерного
оркестра в духе раннего классицизма. Его постановку он осуществил в 1899 году на гонорар от своей знаменитой
пьесы. Некоторое время спустя появилась его первая опера “Почетный гость” (“The Guest of Honour”), опубликованная
в 1903 году и выдержавшая одно исполнение в городе Сент-Луи. Последние десять лет своей жизни Джаплен посвятил
своему главному творческому замыслу — опере “Treemonisha” (“Тримониша”). Трагедией жизни этого
высокоталантливого черного композитора было несоответствие между его духовными устремлениями и пониманием
обществом. Признанный как “звезда регтайма” и его основоположник, повсеместно воспринимаемый как ярчайший
представитель эстетики эстрады, Джаплен так и не был оценен как композитор серьезного музыкального театра.
Этот аспект будет подробнее рассмотрен в последней главе. Однако он затронут здесь, потому что связь Джаплена с
музыкой европейской традиции в большой мере объясняет характер его творчества в сфере регтайма. Только близостью
к европейской профессиональной школе можно объяснить строгую упорядоченность формы в его регтаймах, их
целомудренный облик, несомненную облагороженность по сравнению с массовой продукцией в этом жанре,
захлестнувшей все сферы легкой музыки США в первом десятилетии нашего века. Джаплен относился к регтайму не
как к дивертисменту преходящего значения. Для него это было Искусство с большой буквы.
4. Не менее важным источником стиля регтайма, чем фольклор, была музыка менестрельной эстрады. Создавая свои
произведения, Джаплен, Скотт и Лэм отталкивались от сложившихся национальных традиций, развивавшихся на
протяжении полувека в рамках менестрельных представлений. Общий эстрадный облик; блестящая виртуозность,
неотделимая от танцевальных и инструментальных номеров менестрельных комедий; господство юмора и его
характерный тип; объективность выражения, лишенная открытой эмоциональности; законченность малых форм;
приемы, направленные на театрально-декоративный эффект; мелодии менестрельных банджоистов; ударно
акцентированные ритмы; синкопирование и полиритмия, зародившиеся в музыкальном сопровождении к танцу,— все
это перешло в регтайм, преломилось через его специфику. Особенно непосредственно ощутимо влияние кекуока, в
котором ярче всего отразилась сущность эстетики и музыкально-выразительной системы менестрельного шоу. Родство
между кекуоком и регтаймом столь очевидно, что не случайно долгое время было принято характеризовать регтайм как
музыку кекуока, перенесенную в сферу фортепианных звучаний.
Не одно только художественное чутье заставляет видеть в регтайме “прямого отпрыска” кекуока. Прямые факты также
подводят к такому заключению. О том, как осуществлялся переход менестрельной музыки к регтайму, можно судить
уже по картине нотных публикаций 90-х годов.
Начало десятилетия было отмечено появлением огромного количества пьес, как бы непосредственно заимствованных
из менестрельных шоу,— преимущественно “песен кунов” и кекуоков. Сами их названия недвусмысленно указывают
на их менестрельное происхождение: “Эфиопские чудачества” (“Ephiopian oddities”), “Песни чернокожих” (“Darky
songs”), “Песни плантаций” (“Plantation songs”), “Песни кунов” (“Coon songs”). Но эти, как сначала кажется, номера из
менестрельных шоу были на самом деле в большинстве своем созданы в отрыве от сцены, как самостоятельные
произведения для “домашнего употребления” или для эстрадных программ разного толка. “Песни кунов” в особенности
завладели воображением публики и пользовались громадной популярностью.
Насколько неразрывно воспринимали современники мене-стрельную музыку и регтайм, можно судить хотя бы по тому
факту, что появившееся в 1899 году издание под названием “Сборник регтаймов” (“Branard's Ragtime Collection”)
содержало традиционные менестрельные номера, а не собственно регтайм.
Но уже к концу десятилетия вокальные карикатуры оказались оттесненными далеко на задний план мощным
наступлением кекуоков. В 1897—1900 гг. они захлестнули нотно-издательский рынок. Назовем некоторые из наиболее
популярных его образцов: “Растус на параде” (“Rastus on Parade”) Керри Миллса, 1895; его же знаменитая пьеса “На
религиозном собрании в Джорджии” (“At a Georgia Camp Meeting”), 1897; “Кекуок Эли Грин” Сэйди Конински, 1898;
“Куст черники” Эйба Холумана, 1900; “Состязание негритянских (coon) бэндов” Артура Прайора, 1900; его же “Разаза
Мазаза”, 1906 и множество других. Не трудно заметить, что последний расцвет публикаций кекуоков совпадает во
времени с появлением первых печатных регтаймов.
Олицетворением стиля раннего регтайма, практически неотделимого от кекуока, является “Кукольный кекуок”
Дебюсси из “Детского уголка”. Правда, композитор, создавший свою пьесу на пороге “джазовой эпохи”, значительно
осовременил ее при помощи “блюзовых тонов”. Тем не менее верность его художественного обобщения
первоисточнику поразительна. Точно и лаконично композитор передает не только главные черты регтайма и кекуока,
но и их менестрельные истоки. Главный синкопированный мотив кекуока — ударные акценты на слабой доле; паузы,
вместо ожидаемых тонов; нарушение ожидаемых акцентов; аккорды, воспроизводящие звучания банджо; неожиданные
последовательные ударения при окончании краткой фразы — подобные (и другие) ярко обыгранные моменты
возвращают слушателя к импровизациям менестрельных банджоистов [Дебюсси назвал свое произведение не
“Кукольный кекуок”, как у нас переводят, а “Кекуок Голливога” (“Golliwog's Cakewalk”). Голливог— название
гротесковой черной куклы мужского пола. Такое прозвище носили и персонажи в спектаклях черных менестрелей.
Кстати, на обложке первого издания “Детского уголка” изображена менестрельная маска.].
В последние годы XIX столетия кекуок, отпочковавшийся от менестрельной эстрады, стал властной модой не только на
Американском континенте. Он распространился в виде салонного танца и в Европе, внедряя в музыкальную
психологию современности новое для той эпохи полиритмическое мышление. Громадная сила воздействия кекуока
была очевидно связана с тем, что он оказался носителем общественной психологии Запада, отвергнувшей
“викторианство”. Самые разные формы американской бытовой музыки на рубеже столетий поддались его воздействию.
Ритм кекуока обнаруживается и в салонных фортепианных пьесах, и в эстрадных номерах для традиционного
инструментального состава, и в маршах для духового оркестра, а подчас и в бальных танцах европейского
происхождения. “Даже в вальсах появилось синкопирование, о котором и не снилось Вальдтейфелю и Штраусу”.
Не только в музыке, но и непосредственно в хореографии кекуок наметил новые пути. Он дал жизнь ряду танцев,
вытеснивших из культурного обихода польку, кадриль, контраданс и другие популярные танцы недавнего прошлого.
Эти новейшие танцы — гриззли-бэр (Grizzli Bear), банни-хаг (Bunny Hug), тексас томми (Texas Tommy), тарки-трот
(Turkey Trot) и др. отличались особенной двухдольностью, неотделимой от кекуока, и его характерным эффектом
“качания”. Их эволюция завершилась всем известными тустепом (two step) и фокстротом (foxtrot) [Названия почти всех
этих танцев связываются с движениями животных (или птиц). Так “гриззли-бэр” означает “бурый медведь”, “банни-
хаг” — “заячье объятие”, “тарки-трот” — “индюшачий шаг”. В русле этой традиции и возникло название “фокс-трот”,
что значит “лисий шаг”.], завоевавшим широчайшую популярность во всем мире и сохранявшимся в бытовом
танцевальном репертуаре на протяжении многих лет. Первоначальный период их расцвета совпадает по времени с
кульминацией популярности регтайма и началом “джазовой эпохи”.
Значение кекуока в формировании выразительности регтайма трудно переоценить.
Переход музыкально-образной системы кекуока в регтайм был подготовлен уже тем, что с самого начала 90-х годов
стали появляться транскрипции кекуока для фортепиано. Так, к 1892 году относится переложение широко известного
кекуока Д. Эмерсона под гротесково-менестрельным названием “Кекуок цветного Куна” (“Kulled Koon's Kakewalk”).
Упомянутая выше пьеса Миллса “На религиозном собрании в Джорджии” также принадлежит к одному из самых
ранних произведений, “переводящих” музыкально-образную систему кекуока в сферу фортепианных звучаний.
Заметим попутно, что оба названия сохраняли связи с расистскими тенденциями менестрелей. Название первой пьесы в
издевательском духе пародирует неграмотную речь черных. Программное содержание второй — типичная
менестрельная сцена, изображающая веселящихся черных.
Характерно, что первые произведения, появившиеся в печати в 1897 году под названием регтайм (“Миссисипский рег”
У. Крелла, “Марш регтайм” У. Биби, “Патруль регтайм” Р. Гамилтона), на самом деле были кекуоками. Они ничем не
отличались по стилистическим признакам (ритмической организации, структуре, тональному плану) от кекуокного
стереотипа [Первым изданным регтаймом, ясно разрабатывающим черты нового жанра, принято считать “Луизианский
регтайм” (“Louisiana Ragtime”) T. Hopтрапа (1897).]. Именно поэтому публика так не скоро стала ощущать разницу
между этими двумя видами “новой музыки Америки”. Требовался гораздо более развитой и изощренный слух
последующих поколений, чтоб в полной мере оценить тонкости, внесенные в кекуокную основу “классическим
регтаймом”. Можно сказать, что менестрельный танец-променад передал регтайму самую суть своего художественного
стиля, воплощенную в метроритмической структуре. После этого он сам навсегда сошел со сцены.
5. Глубокий след кекуока ощутим и в третьем важном самостоятельном истоке регтайма — марше для духового
оркестра. Это была очень давняя традиция в США, которая, подобно всей другой музыке народно-бытового
направления, долгое время не привлекала внимание исследователей американской культуры. Насколько значительным
был ее вес в художественной жизни страны, можно судить хотя бы по следующим широко известным и наудачу
выбранным примерам.
В творческой биографии Айвза место первостепенного значения занимают духовые оркестры, выступавшие по
праздникам на центральной площади городка в Новой Англии, где он провел детство. Попутно заметим, что отец
Айвза, его первый и единственный признанный самим композитором учитель, был дирижером духового оркестра.
Фундаментально-важную роль в формировании джазового стиля сыграли негритянские духовые оркестры Нового
Орлеана, распространенные в этом “латинском уголке” Северной Америки с начала XIX века.
Принципиально новый этап в развитии музыки для духового оркестра, получивший признание во всем мире,
связывается с деятельностью американца Джона Суза. Кульминация его творчества приходится на 90-е годы.
“Наполеоновская эпоха” и fin du siecle; европеизированная Новая Англия и афро-американская среда Луизианы;
оперно-симфоническая культура и “варварский” джаз — какие контрастные по содержанию и далекие друг от друга в
географическом и хронологическом смысле явления были охвачены влиянием духового оркестра, причем влияние это
не второстепенное, а имеющее далеко ведущие последствия! В период, предшествовавший кристаллизации регтайма,
буквально тысячи духовых оркестров были разбросаны по всей стране, как в крупных центрах и маленьких городах, так
и в крохотных поселениях, по существу, в деревнях. Седалия, например, насчитывала их несколько (два оркестра
составляли белые музыканты, а в нескольких других исполнителями были черные). Легкодоступность этой музыки и в
прямом, и в переносном значении слова привела к тому, что мелодии и ритмы репертуара духового оркестра были у
всех на слуху и “на устах”. Более того, в стране, где излюбленным домашним инструментом было фортепиано, широко
внедрилась практика переложения для него популярных маршей Сузы.
Сколько-нибудь подробная характеристика деятельности Сузы и созданного им репертуара выходит за рамки нашей
темы. Но нельзя пройти мимо взаимоотношений между стилем созданного им марша и стилем регтайма. Мощным
посредником между этими двумя явлениями был, как не трудно догадаться, кекуок.
Вспомним, что кекуок утвердился в менестрельном шоу как сцена-променад. И потому, при всей новизне ритмической
структуры, музыка кекуока в основе своей маршеобразна. Можно сказать, что необыкновенная звуковая комбинация,
образующая сущность кекуока, возникает как эффект вторжения самостоятельной ритмической плоскости в
регулярную пульсацию марша.
В период рождения регтайма ритмы кекуока начинают проникать в традиционную структуру духового марша, нарушая
его веками сложившийся стиль. Суза, значительно расширивший рамки военного марша, от которого он отталкивался,
был крайне восприимчив к художественной психологии современности и обогатил первоначальный духовой репертуар
рядом новейших течений. Так, он мгновенно откликнулся на вкус поколения 90-х годов и включил в свой репертуар
реальную музыку кекуока (известно, что один из музыкантов его оркестра, тромбонист Артур Прайор, переделывал для
него марши “под кекуок”, вводя в них эффект синкопирования) [Заметим, кстати, что в Европу кекуок проник впервые
через марши Сузы.]. Кекуок и марш настолько сблизились, что нередко один жанр фигурировал под названием другого.
А если вспомнить, как тесно были связаны кекуок и регтайм в восприятии современников, то легко понять, почему
рожденный от кекуока регтайм также нередко именовался маршем. В частности, даже первые регтаймы Джемса Скотта
назывались маршами или тустепами — настолько неразрывно в представлении этого композитора (как и у большинства
представителей его поколения) сплетались кекуок, его отпрыски — тустеп и марш-кекуок — и регтайм.
Суза сам сформулировал поставленную перед собой художественную задачу. Он стремился создать “музыку для ног, а
не для головы”, подчеркивая, что “марш обращен к глубинному чувству ритма, присущему каждому человеку, и
вызывает в нем соответствующий отклик”, что “хороший марш заставит шагать и человека с деревянной ногой”.
Выдающийся английский музыковед Меллерс, занимавшийся американской музыкой, характеризует творчество Сузы,
как обладающее максимальной силой воздействия на “тело и нервы” и минимальной — на “интеллект и (быть может)
сердце”. В нем живет “юношеский восторг”, оптимизм молодой страны и при этом он свободен от сексуальных
ассоциаций [Наиболее известные марши Сузы: “Вашингтонский пост” (“Washington Post”), “Звезды и полосы навеки”
(“Stars and Stripes Forever”), “Колокол Свободы” (“Liberty Bell”), “Капитан” (“El Capitan”) и др.].
Можно ли отнести эти признаки к регтайму?
Нам представляется, что при бесспорной общности, связанной с непосредственным физиологическим воздействием на
слушателя, регтайм и марш в чем-то фундаментально важном отличаются друг от друга. Случайно ли та же самая газета
в Седалии, которая беспощадно клеймила регтайм, горячо одобряла конкурсы местных духовых оркестров, называя
духовые марши “хорошей музыкой” в противовес “распутному регтайму”? При всей путанице в названиях важное
различие между маршем и регтаймом распознавалось на слух гораздо раньше, чем было осознано, а тем более научно
сформулировано. Это различие и образует принципиальную грань между “новой музыкой Америки”, устремленной к
джазу, и “невинно” юношеским, открыто моторным маршем, выразительность которого лежит в рамках музыкального
языка и эстетического восприятия многих, значительно более ранних поколений.
В чем сущность неповторимой выразительности регтайма по сравнению с родственным ему маршем можно постичь,
лишь анализируя законченный музыкальный стиль нового жанра. Этот вопрос и образует содержание следующей
главы.

Оценить