Avejentar Cuadros

AVEJENTAR CUADROS
A) Una vez seca la pintura le das una veladura con tierra sombra tostada y algo de negro, y lo disuelves con
medium para oleo. De forma que quede muy liquido, el objetivo es darle como una película transparente pero
sin cubrir el dibujo, solo oscurecerlo, y con una brocha se reperte muy bien, ... otra forma seria una vez
aplicado pasarle suavemente con un trapo de algodón.
B)El envejecedor por excelencia desde tiempos remotos es el Betun de Judea. Cuando hayas acabado el
cuadro y este seco, pasale el Betun de Judea, sin mezclarlo con nada y no te quedara gomoso.
Tambien puedes usar oleo normal de color siena natural, para que no te brillen los oleos o si te gustan mas
mates pon la porcion que vayas a utilizar encima de un carton o papel y ahi soltara el aceite, luego lo recoges
y pintas normal sin añadirle aceite de linaza, en general es mejor pintar sin añadir nunca aceite de linaza
porque en los tubos ya trae suficiente.
VELADURAS DE COLOR AL PINTAR

La veladura no es más que una fina capa de pintura transparente, la cual se aplica sobre una capa de pintura
ya seca y modificará su color (que puede ser fina o espesa); ello vá a permitir que la capa inferior sea visible
a través de la veladura, por lo que habrá un resultado que no se podría conseguir de ninguna otra manera,
mediante colores opacos.
La veladura se ha venido aplicando desde hace siglos, y los pintores del Renacimiento ya la usaban con
profusión para conseguir unos colores muy luminosos, especialmente los rojos y los azules a base de
sucesivas capas de color, más rico cada vez (y utilizando poquísima pintura opaca)
Así podemos ver como Rembrandt hacía un buen uso de esta técnica, sobre todo en sus retratos, pues tenía
una habilidad especial tanto para conseguir la luz como las sombras a base de ricas veladuras. He aquí un
ejemplo en el que se aprecia como conseguía una especial iluminación sin que se determine con exactitud la
procedencia de la luz, y a la vez unas sombras difusas que envolvían el retrato con una atmósfera especial,
como él sabía conseguir.:
Podríamos decir que la veladura es un método de mezcla del color, ya que altera el color de la capa que está
debajo; cierto, pues se puede comprobar fácilmente como una veladura de azul, sobre una capa de amarillo
ya seca, dará como resultado un tono verde.
Para preparar un color como veladura, deberemos usar mucho medio y poco pigmento: el medio consiste en
una mezcla de aceite de linaza y esencia de trementina, aproximadamente al 50% (si queremos una
veladura de más transparencia podremos usar aceite de nuez en vez de linaza)
La forma de prepararla es muy sencilla, pues consiste en echar una cantidad del medio preparado y añadirle
un poco de pigmento, lo necesario para teñir el medio pero manteniendo siempre la transparencia; se prueba
y si es necesario se añade algo más de pigmento pero sin pasarse.
También podremos añadir al medio una mezcla de colores previamente
realizada aparte, siempre teniendo en cuenta que lo que una veladura
persigue es el modificado del color seco ya prepintado, de una forma sutil.
Existen mediums sintéticos para preparar veladuras, que se venden para
este propósito en tiendas especializadas y será el artista quien tras probar
con distintos preparados, decida como preparar la mezcla y cuando usarla
en uno u otro caso.
Se deduce que para aplicar una veladura es válida la teoría del color pues
habrá que hacer un estudio previo de las mezclas a usar en cada caso.
Se pueden aplicar varias veladuras sucesivas para ir modificando el color

cada vez, pero será importantísimo dejar siempre secar muy bien la veladura
inferior, ya que si la aplicamos sin estar perfectamente seca, lo que haremos
será una mezcla húmedo sobre húmedo; que nos dará colore agrisados,
perdiendo por tanto el fin de la veladura: colores transparentes.
Es lo más sencillo, pues habreis deducido por las explicaciones dadas que no es más que aplicar con un
pincel (que no sea muy fino) unos trazos firmes, sin insistir mucho, encima de la capa previa ya seca. Vale
tanto para realzar las zonas de luz, como para hacer mucho más profundas las sombras, variando en cada
ocasión los colores aplicados, claro.
Si se quieren obtener veladuras muy brillantes, se puede aplicar al medium que hemos preparado, un poco
de barniz holandés; pero con mucho cuidado y siempre probando antes.
1
Observad atentamente el uso magistral que hacen otros
artistas (imagen de aquí abajo):
Turner nos ofrece en esta obra un cielo luminoso conseguido a

base de finísimas veladuras, y Constable (abajo) nos ofrece
otra buena demostración de como usarlas en provecho de un
acabado magnífico, luminoso y que de otra forma sería casi
imposible de conseguir:
Espero amigos que os haya parecido

interesante este tema, en el que como
siempre me esfuerzo para ofreceros algo
que ayude a todo aquel principiante en
pintura a conocer el medio en el que se
desenvolverá y le vaya perdiendo ese
respeto injustificado al arte de pintar.-En realidad es muy sencillo si te lo propones; otra cosa ya es el
conseguir unas obras que obtengan el reconocimiento de los demás. Ahí influyen ya muchas cosas
(subjetivas), y ese pequeño don que llevamos dentro todos; hay luego que saber explotarlo
PREPARAR ESPESANTE AL PINTAR

Inicio aquí un tutorial que me parece muy interesante, y que responderá a muchas de las preguntas que se
me han formulado últimamente: ¿como se consigue pintar piedras con relieve creíble?, ¿como se puede dar
relieve a las hojas de un árbol por ejemplo?, etc... Si sigues leyendo, podrás aprender todo lo que necesitar
para dominar este tema.
Hay una respuesta que es de lógica: el relieve en pintura -o en dibujo- se consigue a base de jugar con los
tonos (sombras, medias sombras, luces...), de tal manera que si tu consigues representar estos tres factores
que te he mencionado de forma correcta, habrás logrado sin duda que el objeto tenga relieve, y por tanto una
buena credibilidad.
Pero hay otra respuesta que no es tan conocida (digamos que es un truquillo), que te ayudará enormemente
en la representación; se trata de lograr un componente de una forma muy sencilla, el cual si lo agregas de
forma correcta a la pintura, se convertirá en un espesante del que te harás asiduo en su uso, ya verás como
tengo razón
Te ofreceré este tutorial en dos lecciones, la primera de ellas será esta y en ella te enseñaré como preparar
este espesante (de forma muy sencilla por cierto), y en la segunda veremos un ejemplo práctico
Te ofreceré un paso a paso, con imágenes para que ya no te quede duda alguna sobre su uso y utilidad.-
Bueno, de su utilidad no te vá a quedar ninguna duda cuando veas este fragmento de un cuadro mío que te
muestro aquí abajo.
Este es el fragmento de mi cuadro (parte de las rocas que se encuentran al pie de un puente, en un paisaje
que he pintado hace poco)
O este otro -también pintado por mí-, en el que se observa igualmente un gran relieve:
2
Y te aseguro que ambos están pintados con esta técnica. Pero sin más preámbulo vamos a ver como
preparar el medio (espesante):tienes que hacerte con unos trozos de cera virgen que podrás conseguir a
base de preguntar entre amigos o conocidos que tengan colmenas o enfín, tendrás que ingeniártelas para
obtener unos trozos (¡ojo! que sea cera virgen y no otros tipos de cera que venden en comercio, que son
adulteradas), y no es tan difícil pues o conoces a alguien, o alguien te habla de otro que....,el caso es que
todos conocemos gente en el pueblo que dispone de colmenas, o que vende cera, ahí tienes que dirigirte.
Bien, doy por supuesto que ya te has hecho con ella y ahora te digo qué vás a necesitar:
* Un frasco de 1/4 de litro de esencia de trementina purificada (no aguarrás).

* Dos cacerolas, una de ellas más pequeña que la anterior.
* Un palo de madera para remover.
* Un frasco de cristal con su tapa (de 1/2 litro al menos).
ADVERTENCIA, debes tener en cuenta que al usarse la esencia de trementina, se producirá un olor que se
aprecia en tu casa notablemente; así que lo mejor es realizar esta tarea que te indico, en un lugar muy bien
ventilado o con el extractor a la máxima potencia. Mejor aún si puedes, realizarlo en el exterior
Una vez que dispongas de todo lo anterior --y por supuesto de la cera--, ya paso a explicarte como trabajarla:
echas en la cacerola más pequeña unos trozos (o uno solo, depende del tamaño) que en total sea el
volumen de un puño aproximadamente, aunque puede ser algo más o menos dependiendo de la cantidad de
espesante que quieras obtener; y a esto le añades unas tres cuartas partes de la esencia de trementina
aproximadamente. Seguidamente en la cacerola más grande echas agua, pues de lo que se tratará será de
prepararlo al baño María y nada metes la cacerola más pequeña dentro de la grande con lo que vamos a
conseguir que la trementina se caliente pero no directamente en el fuego, y pones todo al fuego o
vitrocerámica para que el agua se caliente hasta hervir y controlamos para que no se escape por los lados
(no llenar mucho la grande) quitando algo de calor de forma que el agua vaya hirviendo poco a poco. Verás
como poco a poco el trozo/s de cera se van deshaciendo e incorporándose a la trementina hasta que llegue
el momento en que todo ello sea una cosa líquida y algo pastosa.
No te preocupe que esté muy líquido porque cuando enfríe al sacarlo de la cacerola grande y dejarlo reposar
el tiempo necesario, verás como espesa bastante.
Bueno, en definitiva lo que obtengas tiene que ser una pasta consistente pero muy ligera, imagínate el
Tulipán de las tarrinas, pues así más o menos; si ves que te queda un poco dura no te preocupe porque
cuando vayas a usarla puedes sacar un poco que vayas a usar a un pocillo de pintor y le echas unas gotitas
(sin pasarte) de trementina y con la espátula lo remueves bien hasta que veas que está menos espesa. Eso
sí, si te ha quedado aún muy líquida tendrás que echarle otro trozo de cera y vuelta todo ello al baño
María. De verdad que no es muy complicado; y cuando ya veas que está todo correcto pues no tienes más
que echarlo al frasco de cristal y cerrar bien con la tapa, tendrás cera para muchos años porque si está bien
cerrada se conserva perfectamente; yo tengo cera preparada hace varios años y la uso como el primer día.
LOGRAR RELIEVE EN TU CUADRO

Quedaba pendiente la explicación práctica acerca de la utilidad que había explicado en el tema anterior
(espesante), que como recordareis se trataba del uso de cera virgen tras elaborarla al baño María
Supongo que algunos ya os habreis hecho con ella e incluso habreis preparado el mencionado espesante,
otros por diversos motivos no lo tendreis listo, no importa porque como vais a ver se trata de una lección
práctica donde os hago una demostración paso a paso del uso de él.
Eso sí, sería interesante que el ejercicio lo hicieras tú también para aprender.
3
Explicación previa: la obra como casi siempre la he realizado en una sola sesión en plan de pintura rápida;,
que también suele conocerse como ;húmedo sobre húmedo; o técnica alla prima;, decir también que está
hecha en su totalidad con espátula, en esta ocasión no he usado para nada pincel alguno y te recomiendo
practiques con ella porque como verás en el resultado final, las obras con espátula tienen un algo especial;
que les dá una gran frescura
He usado una gama de colores no muy amplia aunque pudiera parecer que sí, en realidad solo he puesto en
la paleta: BLANCO, AMARILLOS LIMÓN Y CADMIO MEDIO, SIENA TOSTADA, AZUL ULTRAMAR, VERDE
ESPERALDA Y VERDE TIERRA, CARMIN DE GARANZA Y GRIS PAYNE, suficientes para realizar este
trabajo que paso a explicarte.
No he usado diluyente alguno, así que el color según sale del tubo, eso sí, en la segunda fase he usado algo
de la cera que habíamos visto, en algunas zonas más (en las más cercanas) y en otras algo menos (las más
alejadas).
Bueno, pues comienzo como siempre haciendo un boceto (ver imagen de la

izquierda) sobre un pequeño paisaje que me voy a inventar sobre la marcha,
consistente en un bosque norteño donde hay un riachuelo que vá discurriendo entre
las piedras, y estas aparecen con el típico musgo de estas zonas.
Veis que no será necesario realizar un dibujo perfecto ya que de lo que se trata es
de captar en el boceto zonas que luego serán de color, y sobre todo el lugar de las
sombras fuertes para tenerlas en cuenta después
En algunos sitios he usado el carboncillo plano para que las sombras queden
situadas y ya casi se vean las rocas (bueno, se adivinen).
Una vez que me parece haber marcado los suficientes puntos de referencia,
procedo a soplar el carboncillo para que marche la mayor parte del polvillo de
manera que solo sean insinuaciones las marcas hechas.
Finalmente procedo a fijar el dibujo, y supongo que ya todos sabeis que es lo más
sencillo del mundo, debeis tener siempre a mano un bote de spray fijador del
cabello de los que venden en un todo a cien (bueno, todo a euro), y le dais una
rociada a todo sin insistir mucho para que no vaya a chorrear y manchar todo, además a una distancia un
poco alejada (unos 40 centímetros).
No tengas en cuenta el tipo de boceto que yo hago, pues debido quizás a la práctica no necesito más detalle,
pero sin dudar, si tú no estás aún seguro puedes (debes) elaborar mucho más el boceto, detallando más las
rocas, los árboles y las hojas; no tienes porqué seguir mi método para el boceto, hazlo como te sientas más
cómodo luego a la hora de aplicar el color
Y una vez visto el boceto, paso a mostrar como efectúo el primer manchado:
Puedes ver que la espátula ha hecho todo, aunque en esta primera fase debes tener
mucho cuidado de no cargarla en exceso de pintura, pues se trata tan solo de ir
aproximando el color al definitivo, pero sin serlo; por tanto la técnica que he usado
es la de preparar la mezcla (como dije sin diluyente de ningún tipo) y aplicarla poco
a poco con la punta de la espátula y al mismo tiempo ir extendiéndola por el lienzo
sin que lleguen a quedar pegotes en ningún sitio; por supuesto limpiando la espátula
bien cada vez que tomo otro color.
Debes marcar ya las zonas de sombra, aunque solo sea de forma tenue, e incluso
debes pintar diluyendo bastante el color, en las zonas donde irá el agua (es un error
dejar estas zonas en blanco), y con un color oscuro a juego con el tono general.
A veces he usado el canto de la espátula para depositar la pintura con efecto de

ramaje para el fondo ¿lo ves?
Es muy importante también que en las rocas, al dar color sigas con la espátula (o el
pincel si lo usas) la forma de la roca y si es redondeada hacer la curvatura con el
color, espero que comprendas lo que digo: no se puede aplicar el color de cualquier
manera, y siempre hay que dar las pinceladas o los espatulazos siguiendo el sentido
del objeto.
4
Observarás que ya he procurado acercarme lo más posible a los colores definitivos, y además aplicarlos algo
más oscuros de lo que quedarán, ya habrá tiempo de levantarlos.
Llegamos por tanto a la última fase en la que el resultado es éste:
Debo decirte que aquí ya usé en todas las mezclas que iba realizando, el repetido
espesante que habíamos visto a base de cera virgen, pero no se debe abusar de él
¿eh?, deberá usarse con mucha moderación, y para el fondo, con una simple pizca
(del tamaño de una lenteja para una mezcla pequeña, o de un garbanzo para una
grande, no más) que debemos integrar bien en el color (para esto es muy buena la
espátula).
Pues nada, voy preparando el color definitivo en cada zona y le añado una parte
mínima de espesante en el fondo y algo más para el frente (las rocas por ejemplo);
voy dando la variedad a un color (oscuros, claros dentro del color) y lo voy
aplicando poco a poco, sin prisas porque en pintura no se debería tener prisa
nunca.
No te confundas, porque hay zonas que para nada deben llevar espesante, como
por ejemplo el agua, aquí solamente un poco de blanco y mucho menos de azul y
tal como sale del tubo; para aplicarla y dar el efecto de agua, se vá aplicando muy
suave sin apenas tocar el lienzo. En principio puede parecer complicado pero no lo
és, ya lo verás cuando lo domines algún día.
Y nada más amigo, como ves en un par de horas podemos hacer cosas muy bonitas (es el tiempo
empleado), pero es necesario antes haber practicado mucho, no me cansaré de repetirlo. Saludos y hasta la
próxima; estaremos en contacto.
COLOR
CARNE" EN
PINTURA

 Voy a tratar hoy un tema que creo
muy interesante para cualquier artista, y en especial para aquel que se sienta
inclinado a pintar la figura humana bien sea en retrato individual o en una vista en
que aparezca aquella; dicho tema es el de encontrar una respuesta a la pregunta ¿de
que color es la carne?, y la respuesta inmediata será "no hay un único color
carne".
 Ello es debido a que dicho color depende
mucho de las características de la piel --podrá ser morena, blanca, sonrosada, con
tendencia enfermiza...y enfín de persona anciana o muy joven--, sin olvidar que
también variará en función de la luz que reciba, que podrá ser natural o artificial.-Sin
olvidarnos que será además el artista quien decida la paleta que vá a usar y por tanto
los colores con los que jugará en su pintura.
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 Vamos a tratar de verlo todo poco a poco y
a ver si soy capaz de transmitir los conocimientos que tengo sobre el tema, para que
luego cada uno sepa interpretarlos y adaptarlos a su estilo propio, de manera que
pueda elegir lo más adecuado en cada caso.
 Creo que unas imágenes os darán una idea
muy clara de la interpretación tan diferente que han hecho diversos artistas sobre el
color de la carne, y de como tratándose de colores tan diferentes los elegidos, la
carne ha sido perfectamente representada, observad:
<img
src="Imagenes/Derain_autorret.jpg" alt="curso pintura: el color carne - pintura de
Andrè Derain" width="197" height="253"
/> <img src="Imagenes/Gauguin_MujerFlor.jpg" alt="Tutorial
gratis pintura: el color de la carne.Muestra obra de Gauguin" width="188"
height="254"
/> <img src="Imagenes/LucianFreud_Bacon.jpg" alt="Color carne
en pintura: ejemplo con obra de Lucien Freud" width="193" height="255"
/>
</div>
<div class="content">
 Se aprecia perfectamente
como en el primero de la izquierda, Andrè Derain hace un uso de cualquier color
imaginable y contrastes muy acusados, pero perfectamente estudiados; en el del
centro Gauguin nos muestra una de sus obras sobre mujeres tahitianas que tan bien
conocía, donde la paleta mucho más limitada consigue igualmente transmitir el color
carne característico de los habitantes de aquellas latitudes.Finalmente, a la derecha
vemos un fragmento de una obra de Lucien Freud en el que nos aparece una piel
totalmente distinta a las anteriores y que representa a la perfección una tez pálida tan
diferente de las otras dos....y seguimos.
 Comprendereis pues que ante la pregunta
¿que colores para la carne?, la respuesta es muy simple, pero es que no hay otra:
cualquier color resultado de la mezcla del amarillo, rojo y azul, con o sin el blanco;
habrá que saber elegir el amarillo, rojo o azul adecuados en cada caso y mezclarlos
en las proporciones justas, sin que tengan que intervenir los tres a un tiempo.Si
además tenemos en cuenta que el pintar el color de la carne, es pintar un degradado
que vá de las partes más luminosas hasta las más oscuras en sombra de una forma
progresiva y evitando las durezas, todo ello mediante el oscurecimiento de las
mezclas de forma correcta.
 Deberemos también tener muy en cuenta
que además será muy importante relacionar los colores de la figura y los del
ambiente, para que toda la obra tenga uniformidad. 
 Por lo general, los colores que necesitaremos usar
cuando pintemos el color de la carne van a ser: BLANCO, AMARILLOS CADMIO
Y LIMÓN, OCRE AMARILLO, VERDE ESMERALDA, ROJO CADMIO,
CARMÍN DE GARANZA, y AZUL ULTRAMAR que usados convenientemente
nos van a permitir un amplio abanico de tonos-carne.
Veamos algunas mezclas posibles:
 * Amarillo limón+rojos+blanco nos
6
darán unos colores perfectos para zonas iluminadas que podremos ir oscureciendo y
matizando con toques de ocre, pudiendo jugar con las mezclas para obtener colores
más rosáceos o acarminados.
 * Amarillo cadmio medio+rojos+blanco
que nos dará mezclas algo más apagadas y tendencia al naranja, pudiendo también
oscurecer con toques de ocre; serán algo más "calientes" que las
anteriores, como consecuencia del amarillo usado.
 En ambos casos, el paso gradual a las zonas
oscuras se hará como hemos dicho con toques de ocre, pero si queremos acentuar las
sombras sin saltos bruscos, tenemos la ayuda de los colores tierra (siena natural y
tostada), y además del azul ultramar, siempre sin pasarse. 
Pero si queremos adentrarnos en una gama fria de tendencia
verdosa:
 * Amarillo cadmio
medio+Ocre+Verde permanente+Blanco
 * Amarillo limón+Ocre+Verde
perm.+Blanco, y para oscurecer, Siena tostada 
(siempre tener en cuenta que los toques de verde, ocre y siena deberán ser muy
tenues porque es muy fácil pasarse sin solución, salvo empezar de nuevo)
 * Amarillo cadmio medio+Ocre+Verde
esmeralda+Blanco será otra mezcla que dará mucho juego y que se irá oscureciendo
con Siena tostada.
 Y no olvidemos que a su vez el Siena
tostada podremos oscurecerlo con unos ligeros toques de azul ultramar, lo que nos
permite tener nuevas mezclas de cara a obtener las zonas en sombra.
 Será la experiencia y la práctica la que nos
permita observar qué colores son los más adecuados en cada caso, teniendo en
cuenta el planteamiento que vayamos a hacer de la obra.Sabeis también que en toda
sombra intervendrá probablemente el color azul, además del color de la carne en
tono oscuro y a veces incluso el color complementario del usado.
 Todo depende del deseo que tengamos de
contrastar e incluso dramatizar el juego luz-sombra. Lo más emocionante en pintura
es experimentar, pues tenemos en nuestras manos los medios (los colores) y cada
uno según su particular visión del tema, hará el uso que crea mejor de dichos
medios. Ved en este cuadro de Andrè Derain "Retrato de Matisse", como
supo llevar al extremo lo que acabo de explicar respecto a complementarios, matices,
etc...:
<img
src="Imagenes/Derain_retMatisse.jpg" alt="cursos de pintura, el color de la carne al
pintar" width="240" height="330" />
 Impresionante ¿verdad?, pues no te
cortes y deja volar la imaginación, experimenta con diversas gamas, con
colores complementarios, con degradados suaves y potentes como este, puesto
que solo tú deberás encontrar EL COLOR DE LA CARNE, "tu color de
la carne"; puedes ver a continuación como lo interpretó Picasso en una
de sus obras "Retrato de Olga":
<img
src="Imagenes/Picasso_RetratoOlga.jpg" alt="aprender a pintar, teoría de pintura
manuales online" width="239" height="251" />
 Aquí todo está perfectamente
calculado, no solo la figura sino el entorno. 
7
 Espero de verdad que esta lección te haya
servido para despejar tus dudas acerca del planteamiento inicial que hacíamos: ¿de
que color es la carne?, si lo he conseguido me doy por satisfecho.
LA PROFUNDIDAD
a)
USAR
"CALIENTE/FRIO&quot
; EN LA OBRA
 Presento un
nuevo capítulo del tutorial "La profundidad en la pintura"
que espero os resulte igualmente interesante; hoy vamos a estudiar como
los colores por sí solos ya son capaces de crear profundidad en un
cuadro ¿sorprendido?, pues es así, existen colores que tienen la
capacidad "de alejar" y otros por el contrario son capaces
"de acercar".
 De esta forma podemos decir
que existen los "colores cálidos que acercan" y los
"colores frios que alejan" y dentro de estos también
podemos establecer que por orden de proximidad en los cálidos, el
amarillo es el que tiene mayor poder para acercar, y le siguen el naranja,
el siena, el rojo y carmín...
</div>
//-->
</script>
</script></div>
<div
class="txbajoads300">
Y en cuanto a lejanía el que tiene un mayor poder de alejar es el azul (o
gris azulado), los violetas, azul medio y verde.
 No hay nada tan sencillo de
demostrar, verás: si utilizas un trozo de lienzo y pintas en él una franja
azul claro arriba y otra franja amarilla debajo de la anterior vas a
comprobar que inmediatamente el amarillo se te acerca y sin embargo el
azul "parece que se vá lejos". Echa un vistazo a esta
imagen que te muestro aquí abajo y comprenderás lo que te
comento:
src="../Imagenes/Profundidad/Demostrac3.jpg" alt="colores que alejan
y colores que acercan en pintura" width="308" height="235"
/>
</div>
8
 ¿Verdad que al mirar
esas simples franjas de color tienes la sensación de lejanía, de
profundidad?.
<img
src="../Imagenes/Profundidad/Demostrac1.jpg" alt="cursos de pintura
online" width="244" height="183" hspace="6" align="left"
/> Puedes comprobar
por la imagen (hecha muy deprisa porque solo trato de que podais ver y
comprobar lo que digo) que he trazado varias franjas de color siguiendo
lo explicado y sin necesidad de añadir nada más ellas por sí solas han
sido capaces de crear unas montañas lejanas.
 Otras elevaciones que a pesar
de estar debajo de la anterior, por efecto del color "parecen estar
más cerca" (crean profundidad), luego debajo he pasado a pintar
un verde que también "se viene" más hacia el espectador...
El verde como sabes, es un color intermedio que aunque puede situarse
en la "gama fría", digamos que tiene la facultad de crear un
plano intermedio entre los elementos cercanos y el azul de la
lejanía.
 Y así sucesivamente hasta
llegar como veis al amarillo que dá la sensación de ser la zona más
cercana a nosotros, ¿porqué?, pues son solo franjas pintadas una debajo
de la otra..., creo que no hace falta insistir.-Vais a ver una aplicación de
lo anterior un poco más elaborada (ver imagen aquí arriba, a la
izquierda).
 Bueno, más elaborada en el
sentido de que entremezclo colores pero como veis siempre me atengo a
las normas que os acabo de dar y al respetarlas, en cuatro brochazos
consigo que el paisaje adquiera una gran lejanía
(profundidad). Así que espero amigo que a partir de ahora cuando
te enfrentes al reto de pintar un cuadro, aparte del boceto, el encuadre, la
perspectiva, etc...., no te olvidarás de las normas que te acabo de dar y
con ello tendrás parte de la batalla ganada porque si en las mezclas que
deberás elaborar tienes siempre en cuenta el poder de lejanía y
acercamiento del color, tu cuadro ganará enteros ¡no lo dudes!.
b)
PONER
"ATMÓSFERA"
EN NUESTRA
OBRA
 Vamos a seguir
viendo en este tema otra forma de lograr la profundidad en la pintura, que
como recordareis se vá a referir a "lograr una atmósfera" en el
cuadro --para enriquecer los otros temas vistos, referentes al uso de colores
según su grado de calidez o frío, y al empleo de contrastes adecuados--
. Y lograr una atmósfera no tiene nada que ver con el lograr expresar
el estado atmosférico (verano, invierno...) sino a conseguir que en una obra
aparezcan los objetos perfectamente trabajados.
 De tal manera que
siguiendo unas pautas o normas establecidas se consiga expresar esa tan
repetida "atmósfera" que contribuirá a dar
9
"profundidad" al conjunto y por tanto ser agradable a la
vista.
</div>
//-->
</script>
</script></div>
<div
class="txbajoads300"> Y
como una imagen vale a veces más que mil palabras, observa esta que te
ofrezco aquí abajo:
src="../Imagenes/Profundidad/Atmosfera.gif" alt="paisaje en el que se
consigue esa profundidad mediante "atmósfera"" width="475"
height="364" />
</div>
 Te darás cuenta
inmediatamente de qué hablo; verás que en esta obra la profundidad está
totalmente conseguida, y principalmente porque se han aplicado al 100%
las normas que te voy a explicar y que son:
 1/.-Hay que ir eliminando los
detalles a medida que nos vamos alejando en la obra: efectivamente verás
como en la imagen se observa perfectamente esta norma y tanto en las
casas como en los árboles y demás, la lejanía se consigue a base de ir
eliminando detalles y en consecuencia haciendo todo más difuminado...,
observa atentamente los tejados de las casas, cómo a medida que nos
adentramos en "la atmósfera" del cuadro, tan solo se convierten
en unas manchas del color del tejado y ya dejan de apreciarse ventanas,
chimeneas o cualquier otro detalle; y si te fijas en los árboles, pues
exactamenet igual, en primer término se aprecian las ramas, los colores
nítidos pero a medida que nos alejamos se van convirtiendo en masas de
color sin detalle alguno, ¡importantísimo!.
 2/.-Hay que hacer uso de las
normas estudiadas en otro capítulo anterior acerca del poder de los colores
para ofrecer lejanía o cercanía; puedes apreciar es uso magistral de estas
normas en dicha obra: colores amarillos, ocres, sienas...a fin de realzar la
cercanía y un adecuado empleo de verdes, azules, violetas para dar
profundidad (una profundidad tremenda que nos hace darnos cuenta
inmediatamente de los muchos kilómetros existentes desde las casas hasta
la zona alejada del fondo ¿lo ves?, pues esta lejanía, esta
"profundidad" se ha logrado en unos pocos centímetros de un
lienzo, pero haciendo uso de unas normas básicas.
10
 3/.-El empleo de "primeros
términos" que estudiaremos en otra lección próximamente.
Como ves, son normas que necesariamente se deben seguir al pintar, y
hay mucha gente (cuando se empieza en esto y aún existe poca experiencia)
que las deja de lado, bien porque no las conoce o por otras circunstancias y
como digo siempre, el resultado será una obra "plana", sin
valor alguno.-Así que a partir de hoy y si afrontas la pintura de paisajes
sobre todo, ya no podrás decir "...es que a mí eso no me lo han
explicado...". 
Observa esta otra obra donde se aplica con precisión todo lo explicado en
los párrafos anteriores:
src="../Imagenes/Profundidad/Caballos.gif" alt="otra imagen con inclusión
de "atmósfera" en el paisaje al óleo" width="367"
height="295" />
 Analízala y saca tus
propias conclusiones, estudiando como se van minimizando los detalles,
como se emplean colores adecuados, el primer término...¿lo ves? y sobre
todo ¿lo comprendes?, creo que sí. Espero que te haya parecido
interesante, y te anuncio que aún habrá otros temas que vayan
enriqueciendo tus conocimientos en la cuestión de la "profundidad en
la pintura", que te reitero es importantísima para el fin que pretendo,
que no es otro que enseñarte a pintar. Quisiera conseguirlo con tu
ayuda.
PRIMER
TÉRMINO"
EN LA
OBRA
 No te quepa duda de que en
el momento en que se introduce un objeto en primer término de una obra, esta
ganará "profundidad" automáticamente. Es válido especialmente para
pintar paisajes, pero igualmente podrá ser efectivo a la hora de pintar un interior...

 Se trata de una especie de ilusión óptica a
través de la cual "engañamos" un poco el ojo del espectador haciendo
que ese objeto incluído en el primer término de nuestra obra, haga que todo el resto
de lo que hayamos pintado "se vaya hacia atrás". Nuestra vista interpreta
lo que ve, y de este modo el hecho de encontrar algo en ese primer término, hará que
nuestro subconsciente aprecie todo lo demás "lejos". De esta forma, la
obra adquiere profundidad --que es precisamente lo que pretendemos--.
</div>
//-->
</script>
11
</script></div>
<div class="txbajoads300"> Siempre
será bueno usar varias de las técnicas explicadas en este tutorial que te ofrezco, es
decir, si pintamos por ejemplo un paisaje en el que aparece un río y unas casas de un
pueblo a lo lejos, el simple hecho de pintar unas piedras (o una pequeña roca) en
primer término con algo de detalle, hará que nuestro paisaje adquiera esa
profundidad.
 Pero si además hacemos un buen
uso de la perspectiva (el río necesariamente deberá tenerla al alejarse); además ya
sabes a estas alturas, que podremos hacer uso de la "inclusión de
atmósfera" (mediante la técnica de ir detallando menos a medida que se alejan
los objetos)... Todo esto hará que tu obra adquiera una profundidad de mucha
calidad para el espectador (aunque no sea experto). Vamos a observar lo que
te he comentado arriba, a través de esta obra del gran paisajista Joaquim Mir, donde
seguramente apreciarás claramente todo lo explicado sobre la inclusión de un primer
término adecuado:
<img src="mir01.jpg" alt="incluir un
primer término en una pintura al óleo" width="400" height="349" />
</div>
 Esos árboles junto al camino que de
forma hábil incluyó Joaquim Mir en su obra, fíjate que aportan a ese paisaje una
gran sensación de profundidad, de lejanía a las casas del pueblo.Además, todo va
perdiendo detalle a medida que nos alejamos en el cuadro (inclusión de atmósfera --
ver tema correspondiente--).
UNA MARINA CON ACUARELA (EJEMPLO DE
PROFUNDIDAD)
 Aquí abajo te ofrezco otro ejemplo de logro
de profundidad aplicando las reglas básicas que hemos ido viendo; se trata de una
sencilla marina con acuarela, pintada por mí de forma bastante rápida --pues la pinté
con la técnica "alla prima" en un par de horas--:
<img src="marinaAcuarela.jpg" alt="marina con acuarela"
width="400" height="299" />
 Échale un vistazo y observa
cómo de forma sutil hago uso de la inclusión de un primer término (esa barca de la
izquierda donde procedo a detallarla bastante), además he procedido a incluir
atmósfera (fíjate como los objetos que intervienen, pierden detalle a medida que me
alejo); además hago uso de la perspectiva (las barcas guardan una correcta
proporción a medida que se alejan, así como las casas a la orilla del muelle, aunque
eso lo veremos en otro tema de este mismo tutorial). Una vez que asimiles las
explicaciones, serás capaz de llevarlas a la práctica en tus obras y verás como ganan
en calidad, son unos pasos muy sencillos.
Espero hayas comprendido todo lo explicado, y seguiremos viendo más técnicas
para aprender a pintar al óleo.
12

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