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La pintura
La creación de Adán, por Miguel Ángel. Detalle de uno de los frescos de la Capilla Sixtina en el
Vaticano.
Definición
Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La palabra
pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica de
pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a las
técnicas de pintar, por ejemplo: «pintura al fresco» o «pintura al óleo».
Las pinturas son obras de arte, atendiendo a su sentido estético Ernst Gombrich dice
que:1
No hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de un paisaje porque nos
recuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como
hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos al recuerdo
de una multitud de cosas que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.
Gombrich, Historia del arte (2002).
Historia de la pintura
Las imágenes que se observan en papiros o las paredes de las tumbas egipcias, desde
hace unos 5.000 años, son escenas de la vida cotidiana y mitológicas, simbolizadas con
los rasgos característicos de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango
social. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios
principales y entre las mejor conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano.
En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo
Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor». Eran figuras
estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador. Este estilo continuó en la
escuela bizantina de Constantinopla. La pintura románica se desarrolla entre los siglos
XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña, la
mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las
iglesias con representaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la vida de santos. En
pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos
principalmente en Francia e Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.4
La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci.
Técnicas de Pintura
Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos
sobre el soporte a pintar. En general, si los pigmentos no son solubles en el aglutinante
permanecen dispersos en él. Si el artista piensa en la perdurabilidad de su obra debe
conocer las técnicas a emplear.
Acuarela
Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la mayoría de los casos,
goma arábiga y el solvente es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy finamente
molidos y aglutinados en goma arábiga, que se obtiene de las acacias. La goma se
disuelve fácilmente en agua y se adhiere muy bien al papel (soporte por excelencia para
la acuarela). La goma además actúa como barniz, claro y delgado, dando mayor brillo y
luminosidad al color. En un principio la goma arábiga se usaba sola, pero más tarde se
añadieron otros componentes para retrasar el secado y añadir transparencia. La acuarela
requiere del artista seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su
mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los colores. Son pinturas a base
de pigmentos muy diminutos los cuales en la mayoría de los casos la acuarela es
disuelta en agua y los colores son claros.
Gouache
Al gouache o "aguada" se le llama también "el color con cuerpo". Es una pintura al
agua, opaca, hecha con pigmento molido menos fino que el de las acuarelas, y por ello
es menos transparente. Al igual que la acuarela, su medio —o aglutinante— es la goma
arábiga, aunque muchos gouaches modernos contienen plástico. El medio está ampliado
con pigmento blanco, que es lo que lo hace más opaco, menos luminoso y menos
transparente que la acuarela, pero a cambio los colores producidos son más sólidos.
Aerografía
En esta técnica se usan pinturas acrílicas en aerosol o sprays, además de esmaltes, ya
que con este método la pintura se vuelve mucho más desgastada. Cuando a la pintura no
se le incorporan estos difusores y se deja caer por gravedad esta técnica se denomina
dripping
Pintura al pastel
Los pasteles son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma o resina para
aglutinarlos formando una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta
con la que se elaboran estas pinturas. Esta pasta se moldea en la forma de una barrita del
tamaño aproximado de un dedo, que se usa directamente sobre la superficie al trabajar
(generalmente papel o madera). Son colores fuertes y opacos cuya mayor dificultad es la
adhesión del pigmento a la superficie al pintar, por ello suelen usarse al finalizar el
dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el
"crayón" o el "grafito" (lápiz), y su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se
pueden hacer tramas. También suele usarse el polvo que tiende a soltar el pastel
(semejante al de la "tiza") para aplicar color.
Temple al huevo
Fresco
A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas de
pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el Latín
es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico: los
pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa
reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido
al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato cálcico, de
manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedimientos para pintar
al fresco son sencillos pero laboriosos, y consumen muchísimo tiempo. En la
preparación de la cal se tardaba dos años.
Tinta
Óleo
Cera
El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que deriva del
griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el
uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy
cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula
caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de
cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino
como protección). Esta operación se llama «encaustización» y está perfectamente
descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así: «Hay que extender una capa de cera
caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien
secos.»19
Acrílico
La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos
están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente).
Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca
especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el
tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue
desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock
utilizó las pinturas acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y
espesas mientras que Morris Louis las diluía con gran cantidad de agua para pintar
grandes telas que quedaban con un efecto de teñido más que de pintura.22
Técnicas mixtas
Cuando se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage, por ejemplo, es
una técnica artística (no pictórica por no ser pintada), se convierte en una técnica mixta
cuando tiene intervenciones con gouache, óleo o tinta.
Como muestra de sus posibilidades artísticas, se cita la Técnica introducida por el pintor
Carlos Benítez Campos desde principios de siglo, la cual consiste en pintar al óleo un
acontecimiento cualquiera de la época, sobre el papel pegado de las noticias en prensa
que lo publican.
Color
El color es el elemento más expresivo del arte y es visto mediante la luz reflejada en una
superficie. El color es utilizado para crear la ilusión de profundidad, mientras los
colores rojos parecen acercarse, los azules parecen retroceder en la distancia. Los
colores primarios son: rojo, azul y amarillo.
Cuando los colores primarios se mezclan se crean los colores secundarios: verde, violeta
y naranja. Los colores terciarios se obtienen mediante la mezcla de un primario y un
secundario: amarillo-naranja, rojo-naranja, violeta-rojo, azul-violeta, azul-verde y
amarillo-verde.
Ilustración de la Teoría de los colores del poeta y científico alemán Johann Wolfgang von
Goethe, 1809.
Modelos de color
En su libro Teoría de los colores, el poeta y científico alemán Johann Wolfgang von
Goethe propuso un círculo de color simétrico, el cual comprende el establecido por el
matemático y físico inglés Isaac Newton y los espectros complementarios. En contraste,
el círculo de color de Newton, con siete ángulos de color desiguales y subtendidos, no
exponía la simetría y la complementariedad que Goethe consideró como característica
esencial del color. Para Newton, solo los colores espectrales podían considerarse como
fundamentales. El enfoque más empírico de Goethe le permitió admitir el papel esencial
del color magenta, que no es espectral, en un círculo de color. Posteriormente, los
estudios de la percepción del color definieron el estándar CIE 1931, el cual es un
modelo perceptual que permite representar colores primarios con precisión y
convertirlos a cada modelo de color de forma apropiada.
Teoría de Ostwald
La teoría del color propuesta por el químico y filósofo alemán Wilhelm Ostwald consta
de cuatro sensaciones cromáticas elementales (amarillo, rojo, azul y verde) y dos
sensaciones acromáticas intermedias.
La mezcla de los colores primarios de la luz, que son rojo, verde y azul (RGB, iniciales
en inglés de los colores primarios), se realiza utilizando el sistema de color aditivo,
también conocido como el modelo RGB o el espacio de color RGB. Todos los colores
posibles que pueden ser creados por la mezcla de estas tres luces de color son aludidos
como el espectro de color de estas luces en concreto. Cuando ningún color luz está
presente, se percibe el negro. Los colores primarios de luz tienen aplicación en los
monitores de un ordenador, televisores, proyectores de vídeo y todos aquellos sistemas
que utilizan combinaciones de materiales que fosforecen en el rojo, verde y azul.
Se debe tener en cuenta que sólo con unos colores «primarios» ficticios se pueden llegar
a conseguir todos los colores posibles. Estos colores primarios son conceptos
idealizados utilizados en modelos de color matemáticos que no representan las
sensaciones de color reales o incluso los impulsos nerviosos reales o procesos
cerebrales. En otras palabras, todos los colores «primarios» perfectos son
completamente imaginarios, lo que implica que todos los colores primarios que se
utilizan en las mezclas son incompletos o imperfectos.
El círculo cromático
El círculo cromático suele representarse como una rueda dividida en doce partes. Los
colores primarios se colocan de modo que uno de ellos esté en la porción superior
central y los otros dos en la cuarta porción a partir de esta, de modo que si unimos los
tres con unas líneas imaginarias formarían un triángulo equilátero con la base
horizontal. Entre dos colores primarios se colocan tres tonos secundarios de modo que
en la porción central entre ellos correspondería a una mezcla de cantidades iguales de
ambos primarios y el color más cercano a cada primario sería la mezcla del secundario
central más el primario adyacente.
Los círculos cromáticos actuales utilizados por los artistas se basan en el modelo CMY,
si bien los colores primarios utilizados en pintura difieren de las tintas de proceso en
imprenta en su intensidad. Los pigmentos utilizados en pintura, tanto en óleo como
acrílico y otras técnicas pictóricas suelen ser el azul de ftalocianina (PB15 en notación
Color Index) como cian, el magenta de quinacridona (PV19 en notación Color Index) y
algún amarillo arilida o bien de cadmio que presente un tono amarillo neutro (existen
varios pigmentos válidos o mezclas de ellos utilizables como primarios amarillos).
Varias casas poseen juegos de colores primarios recomendados que suelen venderse
juntos y reciben nombres especiales en los catálogos, tales como «azul primario» o
«rojo primario» junto al «amarillo primario», pese a que ni el azul ni el rojo
propiamente dichos son en realidad colores primarios según el modelo CMYK utilizado
en la actualidad.
No obstante, como los propios nombres dados por los fabricantes a sus colores
primarios evidencian, existe una tradición todavía anclada en el modelo RYB y que
ocasionalmente se encuentra todavía en libros y en cursos orientados a aficionados a la
pintura. Pero la enseñanza reglada, tanto en escuelas de arte como en la universidad, y
los textos de referencia importantes ya han abandonado tal modelo hace décadas. La
prueba la tenemos en los colores orientados a la enseñanza artística de diferentes
fabricantes, que sin excepción utilizan un modelo de color basado en CMYK, que
además de los tres colores primarios CMY incluyen negro y blanco como juego básico
para el estudiante.
Armonías de color
Los colores armónicos son aquellos que funcionan bien juntos, es decir, que producen
un esquema de color sensible al mismo sentido (la armonía nace de la percepción de los
sentidos y, a la vez, esta armonía retroalimenta al sentido, haciéndolo lograr el máximo
equilibrio que es hacer sentir al sentido). El círculo cromático es una herramienta útil
para determinar armonías de color. Los colores complementarios son aquellos que se
contraponen en dicho círculo y que producen un fuerte contraste. Así, por ejemplo, en el
modelo RGB el verde es complementario del rojo, mientras que en el modelo CMY el
verde es el complementario del magenta.
Espacios de colores
De los cuales, los espacios de color de tres dimensiones son los más extendidos y los
más utilizados. Entonces, un color se especifica usando tres coordenadas, o atributos,
que representan su posición dentro de un espacio de color específico. Estas coordenadas
no nos dicen cuál es el color, sino que muestran dónde se encuentra un color dentro de
un espacio de color en particular.
Espacio RGB
RGB es conocido como un espacio de color aditivo (colores primarios) porque cuando
la luz de dos diferentes frecuencias viaja junta, desde el punto de vista del observador,
estos colores son sumados para crear nuevos tipos de colores. Los colores rojo, verde y
azul fueron escogidos porque cada uno corresponde aproximadamente con uno de los
tres tipos de conos sensitivos al color en el ojo humano (65 % sensibles al rojo, 33 %
sensibles al verde y 2 % sensibles al azul). Con la combinación apropiada de rojo, verde
y azul se pueden reproducir muchos de los colores que pueden percibir los humanos.
Por ejemplo, rojo puro y verde claro producen amarillo, rojo y azul producen magenta,
verde y azul combinados crean cian y los tres juntos mezclados a máxima intensidad,
crean el blanco intenso.
Existe también el espacio derivado RGBA, que añade el canal alfa (de transparencia) al
espacio RGB original.
Espacio CMYK
Los colores que se ven son la parte de luz que no es absorbida. En CMY, magenta más
amarillo producen rojo, magenta más cian producen azul, cian más amarillo generan
verde y la combinación de cian, magenta y amarillo forman negro. El negro generado
por la mezcla de colores primarios sustractivos no es tan denso como el color negro
puro (uno que absorbe todo el espectro visible). Es por esto que al CMY original se ha
añadido un canal clave (key), que normalmente es el canal negro (black), para formar el
espacio CMYK o CMYB. Actualmente las impresoras de cuatro colores utilizan un
cartucho negro además de los colores primarios de este espacio, lo cual genera un mejor
contraste. Sin embargo el color que una persona ve en una pantalla de computador
difiere del mismo color en una impresora, debido a que los modelos RGB y CMY son
distintos. El color en RGB está hecho por la reflexión o emisión de luz, mientras que el
CMY, mediante la absorción de ésta.
Espacio YIQ
Espacio HSV
Ejes HSV
Matiz (Hue): se refiere a la frecuencia dominante del color dentro del espectro visible.
Es la percepción de un tipo de color, normalmente la que uno distingue en un arcoíris,
es decir, es la sensación humana de acuerdo a la cual un área parece similar a otra o
cuando existe un tipo de longitud de onda dominante. Incrementa su valor mientras
nos movemos de forma antihoraria en el cono, con el rojo en el ángulo 0.
Saturación (Saturation): se refiere a la cantidad del color o a la «pureza» de éste. Va
de un color «claro» a un color más vivo (azul cielo – azul oscuro). También se puede
considerar como la mezcla de un color con blanco o gris.
Valor (Value): es la intensidad de luz de un color. Dicho de otra manera, es la cantidad
de blanco o de negro que posee un color.
Debido a que el proceso de identificación de colores depende del cerebro y del sistema
ocular de cada persona en concreto, podemos medir con toda exactitud el espectro de un
color determinado, pero el concepto del color producido es totalmente subjetivo,
dependiendo de la persona en sí. Dos personas diferentes pueden interpretar un color
dado de forma diferente, y puede haber tantas interpretaciones de un color como
personas hay.
Dibujo
Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, así como delineación, figura o
imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el que se
hace.1 El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasma imágenes sobre un espacio
plano. Debido a lo anterior, es considerado parte de la bella arte conocida como pintura.
Es una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje
gráfico universal, ha sido utilizado por la humanidad para transmitir ideas, proyectos y,
en un sentido más amplio, su cultura.
Conceptos
El dibujo es el lenguaje universal, ya que sin mediar palabras es posible transmitir ideas
de modo gráfico que resulten comprensibles para todos. Hay dibujos que son
reconocidos dentro de una cultura, a los que llamamos símbolos. Otros ejemplos son los
pertenecientes a la señalética, actividad que se encarga de comunicar parámetros de
comportamiento en determinada locación por medio del lenguaje gráfico.
Paul Valéry decía que las tres grandes creaciones humanas son el dibujo, la poesía y las
matemáticas.
Dibujar y pintar
Las técnicas de "pintar" y "dibujar" (o las formas de hacer) pueden ser confundidas,
porque las herramientas son, en ocasiones, las mismas, sin embargo la técnica es
distinta. "Pintar" involucra la aplicación de pigmentos, generalmente mediante un
pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; el dibujo es la delineación en una superficie,
generalmente es el papel. En otras palabras el acto de pintar utiliza la mancha como
recurso comunicativo mientras que el dibujo utiliza la línea.
Según su concepción
dibujo de concepción
dibujo de definición
dibujo de fabricación
dibujo industrial
Dibujo artístico
Dibujo artístico: Autorretrato de Durero a los 13 años. Dibujo de Albrecht Dürer de 1484.
Apunte: Dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se
va a dibujar después. Es especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en
movimiento.
Boceto: Prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la
composición, qué elementos se incluyen…
Encajado: Líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran
después), sirven como base del dibujo.
Línea: Dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.
Dibujo geométrico
Dibujo técnico
Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un
conjunto de piezas se denominan planos de conjunto, y los que representan un sólo
elemento, planos de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las
indicaciones gráficas para su colocación y/o ensamble, son llamados planos.
Dibujo geodésico
Dibujo geodésico: mapa físico-político de la Tierra
Un mapa bidimensional del mundo, como si la tierra fuera plana, deben trazarse los
meridianos (círculos concéntricos verticales) en forma de líneas rectas verticales
(Europa estaría situada proporcionalmente mucho más alejada de América). En algunos
mapas, los paralelos (círculos paralelos horizontales) se dibujan como líneas
horizontales paralelas, y los meridianos son curvas que parten de los polos (situando
Europa a una distancia proporcional de América).
Instrumentos y materiales
Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la expresión de
una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los
instrumentos que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se
puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento,
pero actualmente se usan computadoras utilizando el teclado, mouse, o con un lápiz
óptico, más común en un Tablet PC como el iPad.
Instrumentos
Los instrumentos más comunes para dibujar son: los lápices de grafito como por
ejemplo los lápices de dibujo (6b),(2b),y (HB)que son los más importantes en el dibujo
básico, la pluma estilográfica, carboncillos, regla, compás, escuadras, regla "T", etc.
Tintas y pigmentos
El medio hace referencia a que tipo de tinta, pigmento o color va a ser utilizado sobre la
superficie a dibujar. La herramienta utilizada puede ser seca (como el grafito, pasteles,
conté) o húmedo (como marcadores, pluma o tinta). Los lápices acuosos pueden ser
utilizados en seco, pero al estar húmedos adquieren un tono diferente. Aunque es
inusual, en ocasiones los artistas trabajan con una clase de tinta invisible.
Soportes físicos
El dibujo como mensaje visual global distingue como signo visual dos tipos de
entidades teóricas distintas, la primera el signo icónico que es analógico y mimético
(figurativo) y el segundo, el signo plástico, que posee códigos basados en la línea, el
color y la textura (abstracción).3