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¿Qué es Artes Plásticas?

El arte es una expresión de la actividad humana a través de la cual se manifiesta una


visión de lo real o imaginario. Se clasifican de las siguientes formas: Pintura, Grabado,
Escultura, Fotografía, Orfebrería, Glíptica, entre muchas otras; cada una de estas ramas
de de esta parte del arte cuenta con una historia y una importancia determinada.
Tradicionalmente se consideró al arte como la habilidad o maestría de una persona para
elaborar algo, concepto que si bien no refleja fehacientemente el significado de arte, aun
al día de la fecha se considera como un artista a aquella persona que realiza una tarea en
forma sobresaliente.

Expresiones de las artes plásticas

La pintura

La creación de Adán, por Miguel Ángel. Detalle de uno de los frescos de la Capilla Sixtina en el
Vaticano.

La pintura es el arte de expresar sentimientos, emociones o ideas, mediante imágenes o


representaciones reales o ficticias realizadas por un artista, plasmadas en una superficie
bidimensional, utilizando diferentes sustancias o determinadas Técnicas pictóricas.

Encontramos que existen datos de la Pintura desde la prehistoria, pero la pintura ha


evolucionado desde la prehistoria hasta la actualidad, siendo de esta manera
encontramos que existen distintas técnicas para crear una pintura.

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con


otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de
pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La
práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja
de papel, un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido, etc.— una técnica
determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc.
dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.

El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en un prólogo de


las Conferencias de la Academia francesa hizo una jerarquía de géneros de la pintura
clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos».
La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas
Artes. En estética o teoría del arte modernos la pintura está considerada como una
categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre
superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o
material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las
técnicas digitales.

Definición

El arte de la pintura per Johannes Vermeer (1665) Kunsthistorisches Museum de Viena.

Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La palabra
pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica de
pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a las
técnicas de pintar, por ejemplo: «pintura al fresco» o «pintura al óleo».

La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos (como la «pintura


histórica» o la «pintura de género») o a criterios históricos basados en los periodos de la
Historia del Arte (como la «pintura prehistórica», la «pintura gótica») y en general de
cualquier período de la historia de la pintura.

Las pinturas son obras de arte, atendiendo a su sentido estético Ernst Gombrich dice
que:1

No hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de un paisaje porque nos
recuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como
hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos al recuerdo
de una multitud de cosas que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.
Gombrich, Historia del arte (2002).
Historia de la pintura

Réplica de unas pinturas de la cueva de Chauvet del período Auriñaciense.

La historia de la pintura comprende desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e


incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que
coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.

El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se concentra fundamentalmente en


algunas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa
mediterránea en el arte levantino, y en otras muestras inferiores que se encuentran en
Portugal, Norte de África, Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas
conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet, en Francia, fechadas por algunos
historiadores en unos 32.000 años, de los períodos entre el Auriñaciense y el
Gravetiense. Fueron realizadas con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de
dióxido de manganeso. También destacan las cuevas de Lascaux y Altamira. Se
encuentran dibujados rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a
menudo en actitud de caza.3

Las imágenes que se observan en papiros o las paredes de las tumbas egipcias, desde
hace unos 5.000 años, son escenas de la vida cotidiana y mitológicas, simbolizadas con
los rasgos característicos de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango
social. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios
principales y entre las mejor conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano.
En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo
Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor». Eran figuras
estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador. Este estilo continuó en la
escuela bizantina de Constantinopla. La pintura románica se desarrolla entre los siglos
XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña, la
mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las
iglesias con representaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la vida de santos. En
pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos
principalmente en Francia e Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.4
La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci.

En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica, se desarrolló la


perspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la
pintura, también en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes
pintores entre los que destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y
Tiziano. En la obra de La Gioconda descollan las nuevas técnicas empleadas por
Leonardo, el sfumato y el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más grandes
obras pictóricas: los frescos de la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas
simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck
y Hubert van Eyck. En Alemania sobresalió el pintor y humanista Durero.4

Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta (Ostrava).


Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo.

La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere


contrarrestar la amenaza del protestantismo, y para esta empresa las convenciones
artificiales de los manieristas, que habían dominado el arte durante casi un siglo, ya no
parecían adecuadas. Las dos características más importantes del manierismo eran el
rechazo de las normas y la libertad en la composición, en los colores y en las formas, la
novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación
física detallada con una aproximación, incluso teatral y dramática mediante el
claroscuro, el uso de luz y sombra. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores
coetáneos, considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. La pintura
barroca se caracteriza por el dinamismo de sus composiciones; se distinguieron entre
otros Velázquez, Rubens y Rembrandt. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso
el rococó, más alegre y festivo que el barroco. Tuvo especial importancia en Francia y
Alemania.

El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y


sentimientos intensos. En Francia el pintor más importante fue Delacroix; en el Reino
Unido, Constable y Turner; en los Estados Unidos, Thomas Cole; y en España,
Francisco de Goya. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la
pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista; el
impresionismo, con Manet como precursor, es un estilo de pinceladas sueltas y
yuxtaposición de colores que busca reconstruir un instante percibido, una impresión, sin
interesarse por los detalles concretos.5

El inicio del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas: el


Fauvismo, que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos; el
Expresionismo, que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la
realidad; el Cubismo con Georges Braque y Picasso, con la descomposición de las
imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales; y la pintura abstracta,
heredera del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los
años 1940-1950, el Pop art llegó un poco después, con un conocido exponente en Andy
Warhol. El minimalismo se caracteriza por la búsqueda de la máxima expresión con los
mínimos recursos estéticos. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras
se siguen realizando en una amplia variedad de estilos y gran estética.4

Encontramos que existen datos de la Pintura desde la prehistoria, pero la pintura ha


evolucionado desde la prehistoria hasta la actualidad, siendo de esta manera
encontramos que existen distintas técnicas para crear una pintura.

Técnicas de Pintura

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos
sobre el soporte a pintar. En general, si los pigmentos no son solubles en el aglutinante
permanecen dispersos en él. Si el artista piensa en la perdurabilidad de su obra debe
conocer las técnicas a emplear.

Algunas de las técnicas de pintura son las siguientes:

Acuarela
Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la mayoría de los casos,
goma arábiga y el solvente es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy finamente
molidos y aglutinados en goma arábiga, que se obtiene de las acacias. La goma se
disuelve fácilmente en agua y se adhiere muy bien al papel (soporte por excelencia para
la acuarela). La goma además actúa como barniz, claro y delgado, dando mayor brillo y
luminosidad al color. En un principio la goma arábiga se usaba sola, pero más tarde se
añadieron otros componentes para retrasar el secado y añadir transparencia. La acuarela
requiere del artista seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su
mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los colores. Son pinturas a base
de pigmentos muy diminutos los cuales en la mayoría de los casos la acuarela es
disuelta en agua y los colores son claros.

Gouache

Al gouache o "aguada" se le llama también "el color con cuerpo". Es una pintura al
agua, opaca, hecha con pigmento molido menos fino que el de las acuarelas, y por ello
es menos transparente. Al igual que la acuarela, su medio —o aglutinante— es la goma
arábiga, aunque muchos gouaches modernos contienen plástico. El medio está ampliado
con pigmento blanco, que es lo que lo hace más opaco, menos luminoso y menos
transparente que la acuarela, pero a cambio los colores producidos son más sólidos.

Aerografía
En esta técnica se usan pinturas acrílicas en aerosol o sprays, además de esmaltes, ya
que con este método la pintura se vuelve mucho más desgastada. Cuando a la pintura no
se le incorporan estos difusores y se deja caer por gravedad esta técnica se denomina
dripping

Pintura al pastel

Caja de barritas de pastel.

El barreño, Degas, pintura al pastel.

Los pasteles son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma o resina para
aglutinarlos formando una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta
con la que se elaboran estas pinturas. Esta pasta se moldea en la forma de una barrita del
tamaño aproximado de un dedo, que se usa directamente sobre la superficie al trabajar
(generalmente papel o madera). Son colores fuertes y opacos cuya mayor dificultad es la
adhesión del pigmento a la superficie al pintar, por ello suelen usarse al finalizar el
dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el
"crayón" o el "grafito" (lápiz), y su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se
pueden hacer tramas. También suele usarse el polvo que tiende a soltar el pastel
(semejante al de la "tiza") para aplicar color.

Temple al huevo

Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente de yema de huevo, agua y aceite.


Tradicionalmente se mezcla la yema con el agua y el aceite, pero también se puede
formar una emulsión con harina e incluso con yeso. Grandes obras maestras como por
ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli se han realizado utilizando la
técnica del temple al huevo. y tiene textura uniforme .

Fresco
A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas de
pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el Latín
es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico: los
pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa
reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido
al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato cálcico, de
manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedimientos para pintar
al fresco son sencillos pero laboriosos, y consumen muchísimo tiempo. En la
preparación de la cal se tardaba dos años.

Tinta

Tinta sobre papel, siglo XIV, Japón.

Pincel, barra de tinta y tintero.


La presentación de la tinta, también llamada "tinta china", es generalmente líquida
aunque también puede ser una barra muy sólida que debe ser molida y diluida
previamente. Se usa sobre papel, y los colores de tinta más empleados son el negro y el
"sepia", aunque actualmente se usen muchos otros más. La tinta se aplica de diversas
maneras, por ejemplo con plumas o plumillas que son más adecuadas para dibujo o
caligrafía, y no para pinturas. Las diferentes puntas de plumillas se utilizan cargadas de
tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es
el pincel, que se maneja básicamente como la acuarela y que se llama aguada, no
obstante la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también se realiza
con tinta y pincel sobre papel. Otras formas más utilitarias de usar la tinta es en
tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La tinta junto al grafito son más bien
técnicas de dibujo.

La tinta neutra es una técnica frecuente en la restauración de pintura mural. Se utiliza


cuando el restaurador se encuentra con grandes pérdidas y desconoce como era el
original. Consiste en aplicar un color uniforme en la zona perdida, que no moleste en
exceso y que entone con el colorido general de la obra.

Óleo

Paleta de pintor, pinceles y tubos de pintura al óleo.

El dos de mayo de Francisco de Goya.

El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la


trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco,
mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más
lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se forman capas de
pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos
de secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso de
oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista
puede variar las proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que la
superficie pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate o
brillante. Por esta y por otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más
flexible. Usado de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color
durante el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad
de soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un concepto pictórico por
etapas - Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)- y la lentitud de secado
le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos X
demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el
proceso de realización de un cuadro.18

Cera

El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que deriva del
griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el
uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy
cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula
caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de
cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino
como protección). Esta operación se llama «encaustización» y está perfectamente
descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así: «Hay que extender una capa de cera
caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien
secos.»19

Acrílico

La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos
están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente).
Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca
especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el
tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue
desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock
utilizó las pinturas acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y
espesas mientras que Morris Louis las diluía con gran cantidad de agua para pintar
grandes telas que quedaban con un efecto de teñido más que de pintura.22

Técnicas mixtas
Cuando se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage, por ejemplo, es
una técnica artística (no pictórica por no ser pintada), se convierte en una técnica mixta
cuando tiene intervenciones con gouache, óleo o tinta.

Como muestra de sus posibilidades artísticas, se cita la Técnica introducida por el pintor
Carlos Benítez Campos desde principios de siglo, la cual consiste en pintar al óleo un
acontecimiento cualquiera de la época, sobre el papel pegado de las noticias en prensa
que lo publican.

Sería conveniente distinguir entre "procedimiento pictórico" y "técnica pictórica". Se


entiende por procedimiento pictórico la unión de los elementos que constituyen el
aglutinante o adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar ese procedimiento
pictórico se denomina "técnica pictórica".1

El Décollage designa a la técnica opuesta al collage.

Color
El color es el elemento más expresivo del arte y es visto mediante la luz reflejada en una
superficie. El color es utilizado para crear la ilusión de profundidad, mientras los
colores rojos parecen acercarse, los azules parecen retroceder en la distancia. Los
colores primarios son: rojo, azul y amarillo.

Cuando los colores primarios se mezclan se crean los colores secundarios: verde, violeta
y naranja. Los colores terciarios se obtienen mediante la mezcla de un primario y un
secundario: amarillo-naranja, rojo-naranja, violeta-rojo, azul-violeta, azul-verde y
amarillo-verde.

Teoría del color

Ilustración de la Teoría de los colores del poeta y científico alemán Johann Wolfgang von
Goethe, 1809.

En el arte de la pintura, el diseño gráfico, el diseño visual, la fotografía, la imprenta y en


la televisión, la teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores
para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento. La luz blanca
se puede producir combinando el rojo, el verde y el azul, mientras que combinando
pigmentos cian, magenta y amarillo se produce el color negro.

Modelos de color

En su libro Teoría de los colores, el poeta y científico alemán Johann Wolfgang von
Goethe propuso un círculo de color simétrico, el cual comprende el establecido por el
matemático y físico inglés Isaac Newton y los espectros complementarios. En contraste,
el círculo de color de Newton, con siete ángulos de color desiguales y subtendidos, no
exponía la simetría y la complementariedad que Goethe consideró como característica
esencial del color. Para Newton, solo los colores espectrales podían considerarse como
fundamentales. El enfoque más empírico de Goethe le permitió admitir el papel esencial
del color magenta, que no es espectral, en un círculo de color. Posteriormente, los
estudios de la percepción del color definieron el estándar CIE 1931, el cual es un
modelo perceptual que permite representar colores primarios con precisión y
convertirlos a cada modelo de color de forma apropiada.

Teoría de Ostwald

La teoría del color propuesta por el químico y filósofo alemán Wilhelm Ostwald consta
de cuatro sensaciones cromáticas elementales (amarillo, rojo, azul y verde) y dos
sensaciones acromáticas intermedias.

Círculo cromático CMY

Modelo de color RGB

La mezcla de los colores primarios de la luz, que son rojo, verde y azul (RGB, iniciales
en inglés de los colores primarios), se realiza utilizando el sistema de color aditivo,
también conocido como el modelo RGB o el espacio de color RGB. Todos los colores
posibles que pueden ser creados por la mezcla de estas tres luces de color son aludidos
como el espectro de color de estas luces en concreto. Cuando ningún color luz está
presente, se percibe el negro. Los colores primarios de luz tienen aplicación en los
monitores de un ordenador, televisores, proyectores de vídeo y todos aquellos sistemas
que utilizan combinaciones de materiales que fosforecen en el rojo, verde y azul.

Se debe tener en cuenta que sólo con unos colores «primarios» ficticios se pueden llegar
a conseguir todos los colores posibles. Estos colores primarios son conceptos
idealizados utilizados en modelos de color matemáticos que no representan las
sensaciones de color reales o incluso los impulsos nerviosos reales o procesos
cerebrales. En otras palabras, todos los colores «primarios» perfectos son
completamente imaginarios, lo que implica que todos los colores primarios que se
utilizan en las mezclas son incompletos o imperfectos.

El círculo cromático

El círculo cromático suele representarse como una rueda dividida en doce partes. Los
colores primarios se colocan de modo que uno de ellos esté en la porción superior
central y los otros dos en la cuarta porción a partir de esta, de modo que si unimos los
tres con unas líneas imaginarias formarían un triángulo equilátero con la base
horizontal. Entre dos colores primarios se colocan tres tonos secundarios de modo que
en la porción central entre ellos correspondería a una mezcla de cantidades iguales de
ambos primarios y el color más cercano a cada primario sería la mezcla del secundario
central más el primario adyacente.

Los círculos cromáticos actuales utilizados por los artistas se basan en el modelo CMY,
si bien los colores primarios utilizados en pintura difieren de las tintas de proceso en
imprenta en su intensidad. Los pigmentos utilizados en pintura, tanto en óleo como
acrílico y otras técnicas pictóricas suelen ser el azul de ftalocianina (PB15 en notación
Color Index) como cian, el magenta de quinacridona (PV19 en notación Color Index) y
algún amarillo arilida o bien de cadmio que presente un tono amarillo neutro (existen
varios pigmentos válidos o mezclas de ellos utilizables como primarios amarillos).
Varias casas poseen juegos de colores primarios recomendados que suelen venderse
juntos y reciben nombres especiales en los catálogos, tales como «azul primario» o
«rojo primario» junto al «amarillo primario», pese a que ni el azul ni el rojo
propiamente dichos son en realidad colores primarios según el modelo CMYK utilizado
en la actualidad.

No obstante, como los propios nombres dados por los fabricantes a sus colores
primarios evidencian, existe una tradición todavía anclada en el modelo RYB y que
ocasionalmente se encuentra todavía en libros y en cursos orientados a aficionados a la
pintura. Pero la enseñanza reglada, tanto en escuelas de arte como en la universidad, y
los textos de referencia importantes ya han abandonado tal modelo hace décadas. La
prueba la tenemos en los colores orientados a la enseñanza artística de diferentes
fabricantes, que sin excepción utilizan un modelo de color basado en CMYK, que
además de los tres colores primarios CMY incluyen negro y blanco como juego básico
para el estudiante.

Armonías de color

Los colores armónicos son aquellos que funcionan bien juntos, es decir, que producen
un esquema de color sensible al mismo sentido (la armonía nace de la percepción de los
sentidos y, a la vez, esta armonía retroalimenta al sentido, haciéndolo lograr el máximo
equilibrio que es hacer sentir al sentido). El círculo cromático es una herramienta útil
para determinar armonías de color. Los colores complementarios son aquellos que se
contraponen en dicho círculo y que producen un fuerte contraste. Así, por ejemplo, en el
modelo RGB el verde es complementario del rojo, mientras que en el modelo CMY el
verde es el complementario del magenta.
Espacios de colores

Un espacio de color define un modelo de composición del color. Por lo general un


espacio de color lo define una base de N vectores (por ejemplo, el espacio RGB lo
forman 3 vectores: rojo, verde y azul), cuya combinación lineal genera todo el espacio
de color. Los espacios de color más generales intentan englobar la mayor cantidad
posible de los colores visibles por el ojo humano, aunque existen espacios de color que
intentan aislar tan solo un subconjunto de ellos.

Existen espacios de color de:

 Una dimensión: escala de grises, escala Jet, etc.


 Dos dimensiones: sub-espacio rg, sub-espacio xy, etc.
 Tres dimensiones: espacio RGB, HSV, YCbCr, YUV, YI'Q', etc.
 Cuatro dimensiones: espacio CMYK.

De los cuales, los espacios de color de tres dimensiones son los más extendidos y los
más utilizados. Entonces, un color se especifica usando tres coordenadas, o atributos,
que representan su posición dentro de un espacio de color específico. Estas coordenadas
no nos dicen cuál es el color, sino que muestran dónde se encuentra un color dentro de
un espacio de color en particular.

Espacio RGB

Cubo de color RGB

RGB es conocido como un espacio de color aditivo (colores primarios) porque cuando
la luz de dos diferentes frecuencias viaja junta, desde el punto de vista del observador,
estos colores son sumados para crear nuevos tipos de colores. Los colores rojo, verde y
azul fueron escogidos porque cada uno corresponde aproximadamente con uno de los
tres tipos de conos sensitivos al color en el ojo humano (65 % sensibles al rojo, 33 %
sensibles al verde y 2 % sensibles al azul). Con la combinación apropiada de rojo, verde
y azul se pueden reproducir muchos de los colores que pueden percibir los humanos.
Por ejemplo, rojo puro y verde claro producen amarillo, rojo y azul producen magenta,
verde y azul combinados crean cian y los tres juntos mezclados a máxima intensidad,
crean el blanco intenso.

Existe también el espacio derivado RGBA, que añade el canal alfa (de transparencia) al
espacio RGB original.
Espacio CMYK

Representación de los colores CMYK

CMY trabaja mediante la absorción de la luz (colores secundarios).

Los colores que se ven son la parte de luz que no es absorbida. En CMY, magenta más
amarillo producen rojo, magenta más cian producen azul, cian más amarillo generan
verde y la combinación de cian, magenta y amarillo forman negro. El negro generado
por la mezcla de colores primarios sustractivos no es tan denso como el color negro
puro (uno que absorbe todo el espectro visible). Es por esto que al CMY original se ha
añadido un canal clave (key), que normalmente es el canal negro (black), para formar el
espacio CMYK o CMYB. Actualmente las impresoras de cuatro colores utilizan un
cartucho negro además de los colores primarios de este espacio, lo cual genera un mejor
contraste. Sin embargo el color que una persona ve en una pantalla de computador
difiere del mismo color en una impresora, debido a que los modelos RGB y CMY son
distintos. El color en RGB está hecho por la reflexión o emisión de luz, mientras que el
CMY, mediante la absorción de ésta.

Espacio YIQ

Fue una recodificación de color realizada para la norma de televisión cromática


estadounidense NTSC, que debía ser compatible con la televisión en blanco y negro.
Los nombres de los componentes de este modelo son Y por luminancia (luminance), I
fase (in-phase) y Q cuadratura (quadrature). La primera es la señal monocromática de
la televisión en blanco y negro y las dos últimas generan el tinte y saturación del color.
Los parámetros I y Q son nombrados en relación con el método de modulación utilizado
para codificar la señal portadora. Los valores de las señales RGB son sumados para
producir una única señal Y’ que representa la iluminación o brillo general de un punto
en particular. La señal I es creada al restar el Y' de la señal azul de los valores RGB
originales y luego el Q se realiza restando la señal Y' del rojo.

Espacio HSV
Ejes HSV

Es un espacio cilíndrico, pero normalmente asociado a un cono o cono hexagonal,


debido a que es un subconjunto visible del espacio original con valores válidos de RGB.

 Matiz (Hue): se refiere a la frecuencia dominante del color dentro del espectro visible.
Es la percepción de un tipo de color, normalmente la que uno distingue en un arcoíris,
es decir, es la sensación humana de acuerdo a la cual un área parece similar a otra o
cuando existe un tipo de longitud de onda dominante. Incrementa su valor mientras
nos movemos de forma antihoraria en el cono, con el rojo en el ángulo 0.
 Saturación (Saturation): se refiere a la cantidad del color o a la «pureza» de éste. Va
de un color «claro» a un color más vivo (azul cielo – azul oscuro). También se puede
considerar como la mezcla de un color con blanco o gris.
 Valor (Value): es la intensidad de luz de un color. Dicho de otra manera, es la cantidad
de blanco o de negro que posee un color.

Percepción del color


En la retina del ojo existen millones de células especializadas en detectar las longitudes
de onda procedentes de nuestro entorno. Estas células fotoreceptoras, conos y los
bastones, recogen parte del espectro de la luz y, gracias al efecto fotoeléctrico, lo
transforman en impulsos eléctricos, que son enviados al cerebro a través de los nervios
ópticos, para crear la sensación del color.

Existen grupos de conos especializados en detectar y procesar un color determinado,


siendo diferente el total de ellos dedicados a un color y a otro. Por ejemplo, existen más
células especializadas en trabajar con las longitudes de onda correspondientes al rojo
que a ningún otro color, por lo que cuando el entorno en que nos encontramos nos envía
demasiado rojo se produce una saturación de información en el cerebro de este color.

Cuando el sistema de conos y bastones de una persona no es el correcto se pueden


producir una serie de irregularidades en la apreciación del color, al igual que cuando las
partes del cerebro encargadas de procesar estos datos están dañadas. Esta es la
explicación de fenómenos como el daltonismo. Una persona daltónica no aprecia las
gamas de colores en su justa medida, confundiendo los rojos con los verdes.

Debido a que el proceso de identificación de colores depende del cerebro y del sistema
ocular de cada persona en concreto, podemos medir con toda exactitud el espectro de un
color determinado, pero el concepto del color producido es totalmente subjetivo,
dependiendo de la persona en sí. Dos personas diferentes pueden interpretar un color
dado de forma diferente, y puede haber tantas interpretaciones de un color como
personas hay.

El mecanismo de mezcla y producción de colores producidos por la reflexión de la luz


sobre un cuerpo no es el mismo al de la obtención de colores por mezcla directa de
rayos de luz.

Dibujo

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, así como delineación, figura o
imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el que se
hace.1 El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasma imágenes sobre un espacio
plano. Debido a lo anterior, es considerado parte de la bella arte conocida como pintura.
Es una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje
gráfico universal, ha sido utilizado por la humanidad para transmitir ideas, proyectos y,
en un sentido más amplio, su cultura.

Autorretrato de Leonardo da Vinci.

Historia del dibujo


El dibujo sirve como una herramienta para la representación de objetos reales o ideas
que, a veces, no es posible expresar fielmente con palabras. Los primeros dibujos
conocidos se remontan a la prehistoria; las pinturas rupestres de la Cueva de Altamira
son unos de los ejemplos más antiguos, donde el ser humano plasmó en los techos y
paredes de las cavernas lo que consideraba importante transmitir o expresar (usualmente
actividades relacionadas con su forma de vida y su entorno).
Dibujos y pinturas de la cueva de Altamira.

De las primeras civilizaciones perduran escasos ejemplares de dibujos, normalmente,


por la fragilidad del material en el que fueron ejecutados (se han hallado en ostraca y
pinturas murales inacabadas), o porque eran un medio para elaborar pinturas
posteriormente, siendo recubiertos con capas de color. Las culturas de la Antigua China,
Mesopotamia, el valle del Indo, o el Antiguo Egipto nos han dejado muestras claras de
ello, ideando los primeros cánones de proporciones, como sucedió también en la
Antigua Grecia y Roma.

En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo, generalmente coloreado, para


representar sobre pergaminos temas religiosos a modo de explicación o alegoría de las
historias escritas, privando así lo simbólico sobre lo realista, incluso las proporciones y
cánones de la época. La cultura islámica también contribuyó con preciosos dibujos que
solían acompañar textos de anatomía, astronomía o astrología.

Es en el Renacimiento cuando el dibujo eclosiona, logrando alcanzar sublimes cotas.


Por primera vez se estudia el método de reflejar la realidad con la mayor fidelidad
posible, con arreglo a normas matemáticas y geométricas impecables: con Filippo
Brunelleschi surge la perspectiva cónica. El dibujo, de la mano de los grandes artistas
renacentistas cobra autonomía, adquiriendo valor propio en autorretratos, planos
arquitectónicos y variados temas realistas –como los de Leonardo da Vinci–, además de
seguir sirviendo como estudio previo imprescindible de otras artes, como la pintura,
escultura, o arquitectura.

Conceptos
El dibujo es el lenguaje universal, ya que sin mediar palabras es posible transmitir ideas
de modo gráfico que resulten comprensibles para todos. Hay dibujos que son
reconocidos dentro de una cultura, a los que llamamos símbolos. Otros ejemplos son los
pertenecientes a la señalética, actividad que se encarga de comunicar parámetros de
comportamiento en determinada locación por medio del lenguaje gráfico.

Paul Valéry decía que las tres grandes creaciones humanas son el dibujo, la poesía y las
matemáticas.

Dibujar y pintar

Dibujar y pintar no significa lo mismo. Por su naturaleza física, el dibujo es un


subconjunto de las manifestaciones artísticas conocidas como pintura, pero no forma
parte de la pintura como técnica de representación. El dibujo es el arte de representar
gráficamente objetos sobre una superficie plana; es base de toda creación plástica y es
un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos. En
la pintura, la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas.

Las técnicas de "pintar" y "dibujar" (o las formas de hacer) pueden ser confundidas,
porque las herramientas son, en ocasiones, las mismas, sin embargo la técnica es
distinta. "Pintar" involucra la aplicación de pigmentos, generalmente mediante un
pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; el dibujo es la delineación en una superficie,
generalmente es el papel. En otras palabras el acto de pintar utiliza la mancha como
recurso comunicativo mientras que el dibujo utiliza la línea.

El término dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es


generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de
problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es generalmente la
ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos.

Clasificación del dibujo

Según su concepción

De acuerdo con su objeto, el dibujo se puede clasificar en:

 dibujo de concepción
 dibujo de definición
 dibujo de fabricación
 dibujo industrial

Estos determinan precisamente el orden cronológico para representar y transmitir a


través de bosquejos, diagramas o esquemas la idea o proyecto que desea desarrollar y
ejecutar su inventor o diseñador: plasmando en su orden la idea general; su espacio
forma y dimensión; y por último su proceso y técnica de fabricación.
Según su objetivo

Dibujo artístico

Dibujo artístico: Autorretrato de Durero a los 13 años. Dibujo de Albrecht Dürer de 1484.

Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y


contornos. Se trata de una abstracción de nuestra mente que permite fijar la apariencia
de la forma, puesto que el ojo sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad. Los
dibujos artísticos suelen ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve,
recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas: un ejemplo son los retratos, o los dibujos
arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación
con la realidad (como las caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los
dibujos animados y los cómics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto.

Proceso en el dibujo artístico:

Apunte: Dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se
va a dibujar después. Es especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en
movimiento.

Boceto: Prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la
composición, qué elementos se incluyen…

Encajado: Líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran
después), sirven como base del dibujo.

Línea: Dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.

Valorización: Para conseguir más realismo y volumen, se hace un sombreado. Se hace


una transición color de las zonas más claras a las zonas más oscuras. Las zonas de luz se
pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar, mientras que las
zonas oscura se logran saturando el material.
Color: Un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una
ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede
aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser
plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el
material, el papel, la técnica...).

Correcciones: Los errores se pueden corregir de diferentes formas: borrando, cubriendo


una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o realizando
un escaneo del dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.:
Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas,
mejorar contrastes y colores.

Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones


posteriores, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce
como Cuadernos de campo. Como ejemplo se pueden citar al colombiano Juan José
Gutiérrez, al alemán Wilhelm Filchner y al español Julio Caro Baroja.

Proporción: La proporción en el dibujo es muy importante, ya que esta dará al objeto


representado la armonía necesaria al relacionar correctamente todos los elementos que
lo conforman. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo,
es colocar esté frente a un espejo, de esta manera descubriremos si nuestra obra se
encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría correspondiente; esto es muy útil
en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele
"engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra
mirada puede parecernos correcto y bien encajado, sin embargo, al colocarlo frente al
espejo se descubren algunos errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es
así como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando
que es muy importante la observación para que podamos relacionar correctamente todos
los elementos del objeto a dibujar y lograr así una representación correcta. Otras formas
de evaluar si nuestro dibujo es correcto son: colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por
el reverso de la hoja y, colocar nuestra hoja un poco más abajo para cambiar nuestra
perspectiva al mirarla.

Dibujo geométrico

Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. El Dibujo geométrico


constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar,
tanto al alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las
Facultades de Arquitectura e Ingeniería - bachilleres o peritos mercantiles - un rápido
manejo y posterior dominio de la mano en el plano. Tal surge de sus figuras y dibujos,
la enumeración y designación de los útiles y la explicación del empleo de lo
estrictamente necesario; las características de la caligrafía técnica, sus grupos para
realizar la práctica adecuada y los consejos para efectuar los ejercicios.

También se incluyen las principales figuras geométricas y se detalla el modo lógico de


construirlas, enfoque éste que -no escapará al lector- es fruto de una tarea minuciosa,
una metodología adquirida día a día, frente a los problemas que el ingeniero C. Virasoro
recorre en su función de profesor. Como tal, induce, plantea e impulsa a que el
estudiante amplíe la práctica de los trabajos, merced a la presentación de modelos
básicos del dibujo.
Dibujo arquitectónico histórico: Planta y sección de la Basílica de San Pedro. Roma.

Dibujo técnico

El dibujo técnico es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado. Las aptitudes


para esta clase de dibujo se aprenden, debido a que debe cumplir con determinadas
normas.

Se subdivide en dibujo técnico especializado, según la necesidad o aplicación las más


utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza
porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.

Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un
conjunto de piezas se denominan planos de conjunto, y los que representan un sólo
elemento, planos de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las
indicaciones gráficas para su colocación y/o ensamble, son llamados planos.

Dibujo geodésico
Dibujo geodésico: mapa físico-político de la Tierra

Un mapa bidimensional del mundo, como si la tierra fuera plana, deben trazarse los
meridianos (círculos concéntricos verticales) en forma de líneas rectas verticales
(Europa estaría situada proporcionalmente mucho más alejada de América). En algunos
mapas, los paralelos (círculos paralelos horizontales) se dibujan como líneas
horizontales paralelas, y los meridianos son curvas que parten de los polos (situando
Europa a una distancia proporcional de América).

Instrumentos y materiales

Dibujando rectas paralelas sobre papel con escuadra y tiralíneas.

Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la expresión de
una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los
instrumentos que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se
puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento,
pero actualmente se usan computadoras utilizando el teclado, mouse, o con un lápiz
óptico, más común en un Tablet PC como el iPad.

Instrumentos

Los instrumentos más comunes para dibujar son: los lápices de grafito como por
ejemplo los lápices de dibujo (6b),(2b),y (HB)que son los más importantes en el dibujo
básico, la pluma estilográfica, carboncillos, regla, compás, escuadras, regla "T", etc.

Tintas y pigmentos

El medio hace referencia a que tipo de tinta, pigmento o color va a ser utilizado sobre la
superficie a dibujar. La herramienta utilizada puede ser seca (como el grafito, pasteles,
conté) o húmedo (como marcadores, pluma o tinta). Los lápices acuosos pueden ser
utilizados en seco, pero al estar húmedos adquieren un tono diferente. Aunque es
inusual, en ocasiones los artistas trabajan con una clase de tinta invisible.
Soportes físicos

El soporte físico puede ser cualquiera, desde la antigüedad se ha ido cambiando de un


formato a otro. Los más utilizados en la actualidad son aquellos basados en papel y/o
cartón, aunque la variedad llega a ser tan ingente que es difícil concretar. Según a que se
destine el dibujo, encontramos desde el lienzo para una obra representativa con fines
decorativos, o el polipropileno para plasmar dibujos en carteles con fines publicitarios.

Semiótica del dibujo


Primero se debe afirmar que el dibujo es un tipo de signo, más específicamente, un
signo visual. Como signo visual, el dibujo depende del signo icónico, indéxico y
simbólico. Es signo pues es una expresión con la intención de "transmitir una
información, para decir, o para indicar a alguien que otro conoce y que quiere que lo
conozcan lo demás también2 "

El dibujo como mensaje visual global distingue como signo visual dos tipos de
entidades teóricas distintas, la primera el signo icónico que es analógico y mimético
(figurativo) y el segundo, el signo plástico, que posee códigos basados en la línea, el
color y la textura (abstracción).3

Técnicas del dibujo al carboncillo

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