Dibujo animado

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Este aviso fue puesto el 19 de septiembre de 2015.

Video sobre el dibujo animado

How Animated Cartoons Are Made (1919) (en inglés)

Un dibujo animado (conocido como caricatura, comiquita o dibujito en zonas

de Hispanoamérica o con el anglicismo cartoon) es una categoría dentro de las obras
de animación que se refiere a aquellas secuencias visuales realizadas en dos dimensiones.
Se consiguen dibujando secuencialmente cada fotograma que componen a las obras,
generando una secuencia y representación de imágenes en movimiento. Es la técnica de
animación más antigua y conocida, denominada como animación 2D, animación
tradicional o animación clásica. Se diferencia de la animación en 3D principalmente por la
forma de producción.
También se utiliza para denominar a las películas que están hechas para televisión,
igualmente se exhiben como largometrajes en los cines, hasta que se ven muchas veces en
pantallas de computadora, distribuidas por Internet.
Los dibujos animados, encajados dentro de la animación clásica, recogerían la animación
total (cuadro a cuadro), por fases y por transparencias, aunque popularmente el término
también recoge técnicas de animación de stopmotion y similares. El primer largometraje de
animación, El Apóstol, se le atribuye al cariturista argentino Quirino Cristiani, mediante la
técnica de recortes, encajando más en el stopmotion.

Índice

 1El proceso de la animación tradicional

 o 1.1Guion gráfico
o 1.2Animatic
o 1.3Diseño y timing
o 1.4Layout
o 1.5Animación
 2Películas de dibujos animados
 3Véase también
 4Referencias
 5Enlaces externos

El proceso de la animación tradicional[editar]

Guion gráfico[editar]
Para filmar o producir una película, es necesario tener una guía para tener en cuenta lo que se
debe y no se debe hacer durante el trabajo. Esta guía es el guion gráfico (o storyboard en
inglés), un desglose gráfico de lo que será la película o vídeo final pero dibujado y con las
anotaciones necesarias para cada escena que se filme o grabe.
El guion gráfico sirve de prueba o concepto y se constituye de imágenes y textos, similar a una
tira cómica gigante. Los dibujos son hechos a mano alzada y de forma rápida, como apuntes,
porque los cuadros son muchos.
Facilita y permite al equipo de animación planificar la acción de los personajes, ubicados
según la composición que está señalada en esta pieza de antemano. También asisten a todo
el equipo que participa de la filmación, como los artistas que pintan los fondos, quienes
resuelven qué pintar y en dónde dejar espacios para que se sitúen los personajes.
Los artistas de guiones gráficos se reúnen regularmente con el director, y su trabajo puede
pasar por sucesivas correcciones, hasta que se les aprueba la versión final.
En publicidad, los guiones gráficos sirven para que el cliente apruebe un anuncio comercial
antes de filmarlo. Este compendio de dibujos y notas se trabaja con el equipo que filmará el
comercial, la producción y el creativo, quien concibió la idea. El día de la filmación sirve de
guía al director para hacer las tomas y a los actores (si los hay) para hacer su trabajo. A
diferencia del guion gráfico para guiones cinematográficos, éstos son más detallados y
cuidadosamente coloreados. Esto se hace únicamente con fines de presentación para el
cliente.
Animatic[editar]

Ejemplo de cómo ocho imágenes, superponiéndose en lazo cerrado y repitiéndose una y otra vez, dan
lugar a un dibujo animado.

En los comienzos de la animación fue llamado Leica reel debido a que la lente que se usaba
para este fin era de la firma alemana Leica. El animatic o previsualización se realiza antes de
que el verdadero proceso de rodaje comience. Un animatic es una pieza audiovisual, en la que
se reúnen las imágenes del storyboard con la pista de audio preliminar, de manera
sincronizada. La reproducción de esta especie de esbozo de la pieza final sirve al equipo para
encontrar fallos en la duración o composición de las escenas y en el guion. Se vuelve a
corregir el guion gráfico o a grabar el audio, si es necesario, para crear un nuevo animatic. Las
sucesivas revisiones del animatic evitan tener que editar las escenas más tarde, cuando ya
estén rodadas, y que se realice trabajo de más, algo muy costoso en la animación o en el
rodaje final.
Diseño y timing[editar]
Una vez aprobado el animatic, se envían los storyboards a los departamentos de diseño. Allí
los diseñadores de personajes preparan hojas de modelos (model sheets) para cada uno de
los personajes más importantes, y para los demás elementos visuales del film. Estas hojas
documentan la apariencia de cada personaje desde una variedad de ángulos de vista, y sus
poses más comunes, para que los diferentes artistas que intervienen en el proyecto trabajen
de manera consistente. Algunas veces se realizan incluso pequeñas esculturas o maquetas
para que el animador vea al personaje en tres dimensiones. Al mismo tiempo, los artistas de
fondos realizan un trabajo similar con los distintos escenarios, y los directores de arte y los
estilistas de color determinan el estilo del dibujo y los esquemas de colores a emplear.
En paralelo al diseño, el director de timing, que a menudo puede ser el director general,
determina exactamente qué poses, dibujos y movimientos de los labios se necesitarán para
cada cuadro. Se crea una hoja de exposición (exposure sheet o X-sheet, para abreviar), que
es una tabla que contiene un desglose de la acción, el diálogo y el sonido, para cada cuadro
de la animación, y sirve como guía a los animadores. Si además la película tiene una fuerte
base musical, se crea también una bar sheet, que es otra hoja de formato tabular que muestra
la relación entre la acción en pantalla, el diálogo y las notas musicales.
Layout[editar]
La etapa de layout comienza una vez que el diseño se ha completado. Este proceso es
análogo a la división en planos de una película filmada de la realidad. Es aquí cuando los
artistas de layout de fondos determinan el ángulo y la posición de la imaginaria cámara, de
dónde proviene la luz y cómo se proyectan las sombras. Los artistas de layout de personajes
determinan las principales poses que tendrán los personajes en cada escena, y de cada una
harán un dibujo.
Los dibujos de layout se esparcen sobre el animatic, empleando la X-sheet como guía.
Animación[editar]
En el proceso de animación tradicional, se empieza dibujando en hojas de papel, perforado
para encajar en las barras de sus escritorios (peg bars), a menudo utilizando lápices de color.
Un animador de buena categoría dibuja los cuadros clave de una escena, empleando
los layouts como guía. Dibuja los cuadros suficientes para describir la acción.
La duración se tiene en cuenta mucho por estos primeros animadores; cada cuadro tiene que
coincidir exactamente con la pista de sonido en el momento en que aparece; de otra forma, se
notaría una discrepancia entre lo que se ve y lo que se oye, que puede ser una distracción
para la audiencia. Por ejemplo, en las grandes producciones, se hace un gran esfuerzo en
hacer coincidir el diálogo con la boca de los personajes que lo ejecutan.
El animador primario (llamado key animator o lead animator) prepara entonces una prueba a
lápiz (pencil test), que es una versión preliminar de la escena animada. Cada cuadro clave se
fotografía o escanea y se sincroniza con la pista de audio preliminar. Se previsualiza así la
animación completa, y el animador puede mejorarla antes de pasarla a los asistentes de
animación, quienes añaden el detalle y completan los cuadros intermedios entre clave y clave.
 El trabajo de los asistentes de animación se revisa, se vuelve a hacer una prueba a lápiz,
vuelve a corregirse, hasta que pasa nuevamente a manos del animador líder, quien lo aprueba
junto con el director. En el mundo de la animación hay personajes que llegan a destacar unos
más que otros; por la fama que se le da por parte del estudio que lo dirige y el consumo
generado por sus fanes. De acuerdo a un ranking que se realizó los personajes animados más
famosos son: Mickey Mouse, Bugs Bunny, Scobby Doo, Goku, Pokémon, los Simpson, la
pantera rosa, Bob Esponja y entre otros.

Películas de dibujos animados[editar]

Artículo principal: Cine de animación

La animación es la técnica que se emplea para realizar películas de dibujos animados. Una
persona llamada animador dibuja las imágenes claves que muestran las partes principales de
la acción,e indica el número de viñetas necesarias para mostrar en cada fase de movimientos
entre una imagen clave y la siguiente. Para obtener un movimiento de un segundo se
necesitan 24 viñetas que realizan diversos dibujantes llamados intermediarios.La mayor parte
de los fondos se dibujan por separado y los dibujos individuales que muestran en movimiento
se pondrán sobre el lugar adecuado del fondo se fotografían para formar la película. Por
último, la película se proyecta a 24 viñetas por segundo para provocar la sensación de
movimiento continuo.Hoy en día, los animadores pueden utilizar ordenadores para acelerar el
proceso de dibujo.

Véase también[editar]
 Rotoscopio
 Animación
 Cine de animación
 Animación limitada
 Anime
 Animación para adultos
 Animación Flash
 Animación por computadora

Referencias[editar]
Enlaces externos[editar]
 Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Dibujo
animado.

Proyectos Wikimedia

Datos: Q28968511
Categoría:
 Ficción animada

Ilustración digital
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 La ilustración digital es aquel trabajo de ilustración gráfica que ha sido creado usando
tecnologías informáticas. Para ello el ilustrador usa ordenadores u otros dispositivos
electrónicos con herramientas que le permiten dibujar como ratones, lápices ópticos, tabletas
gráficas o pantallas táctiles, además de programas adecuados que le permiten crear una
imagen que se guarda en un dispositivo digital de almacenamiento. No consiste en corregir
una imagen o digitalizar y editar dibujos creados previamente con técnicas gráficas analógicas
sino de crear directamente una imagen, si acaso tomando un boceto como punto de partida,
en el entorno digital.
Hoy en día lo digital se ha vuelto algo natural, adentrándose en el arte como un nuevo
lenguaje de expresión. La tecnología digital ha abierto nuevas posibilidades al artista, que no
ha dudado en utilizar. Adoptándolas como punto de partida para crear sus obras.
La Ilustración digital se utiliza en casi todos los aspectos de diseño gráfico. Tanto para
el diseño de web y software, como en la creación de carteles, camisetas, animación,
y anuncios. Y pese a ello, ocasionalmente también suele mezclarse con las técnicas
tradicionales, sobre todo en los libros y los cómics. También encontramos ilustraciones 3D,
realizando un boceto previo, ilustración en 2D y renderizado en 3D. La manipulación de
imágenes también está dentro del mundo de la ilustración, ya que combinan fotografías con
ilustración sobre todo vectorial.12

Índice

 1Herramientas
o 1.1Las tabletas gráficas
o 1.2Programas más utilizados
o 1.3Tipo de software
 2Características de la ilustración digital
 3La ilustración 3D
 4Referencias

Herramientas[editar]
Las tabletas gráficas[editar]
Los ratones no son muy precisos para el dibujo, por lo que una tableta gráfica es una
herramienta ideal a la hora de crear una ilustración digital, ya que permite realizar un trazo
más “natural”, simulando al de la mano humana. Además de la facilidad del trazo, una tableta
gráfica tiene sensibilidad a la presión, lo que permite una variedad en el trazo que va de fino a
amplio. Lo ideal sería una tableta/pantalla gráfica, ya que el artista puede ver con mayor
precisión y facilidad dónde colocar cada trazol.3
Con la nueva tecnología de estas tabletas y su sensibilidad a la precisión, permiten utilizar
éstos dispositivos de igual modo que si de un pincel se tratara. Yendo todavía incluso más
lejos, se ha conseguido crear un lápiz capaz de dibujar sobre un papel cualquiera y enviar la
imagen mediante un pequeño dispositivo directamente a nuestro ordenador para su edición
digital.3
Programas más utilizados[editar]
Los principales programas que trabajan con mapas de bits son: Adobe Photoshop, Corel
Photo-Paint, Macromedia xRes o Microsoft PhotoDraw, entre otros.
Los principales programas que trabajan con vectores son: CorelDRAW, Adobe Illustrator, Xara
Xtreme, Adobe Fireworks, o SK1.
Programas de licencia libre, y los más parecidos a Photoshop e Illustrator: Gimp e Inkscape.
Tipo de software[editar]
Hay dos tipos de herramientas digitales:

 Mapas de bits: El contenido se almacena digitalmente en filas y columnas fijas de píxeles,

que se pueden crear en capas separadas para facilitar el aislamiento y la manipulación de
diferentes partes de la imagen. Una imagen de mapa de bits contiene información sobre el
tono de cada píxel (color), la luminancia (brillo) y saturación (intensidad del color). Se
utilizan en gran medida en el retoque fotográfico.4
 Vectores: La vectorización, al contrario que el mapa de bits, no trabaja con píxel. Por lo
que suelen crear líneas precisas, formas y patrones, con bordes bien definidos y son
excelentes para trabajar con construcciones complejas como mapas y tipografía. Este
formato, permite la rasterización.

Características de la ilustración digital[editar]

Es normal trabajar tanto tradicionalmente como en digital en el ordenador, lo que ha facilitado
mucho los trabajos de ilustración y diseño gráfico. Es posible el poder empezar un boceto a
lápiz o tinta, y acabarlo en el ordenador. Y viceversa.5
Cosas que requerían un trabajo mucho mayor y elaborado, ahora son tareas muy simples y
rápidas:5

 Copiar una imagen es muy sencillo, por lo que el original pierde importancia.
 Aplicar color y filtros que alteran la imagen son tareas más sencillas y rápidas, sin destruir
el "original".
 Los trazados son más rápidos.
 Los efectos fotográficos o visuales se aplican instantáneamente y de forma reversible.
 Hay más opción a la experimentación e improvisación.
Antes se debía invertir mucho más tiempo en la creación de un producto definitivo. Al iniciar un
proyecto, se debía dejar fuera cualquier otra opción, porque era un camino muy elaborado
hasta la finalización. Sin embargo, hoy en día es más posible el probar otras alternativas, ya
que no se pierde tiempo en fases como el coloreado o la aplicación de la tipografía.

La ilustración 3D[editar]
El 3D es una herramienta con la que es posible el representar la realidad, modificarla,
reinventarla o imaginar una de nueva (creando mundos ficticios).67 Esta maleabilidad es la que
hace atractiva a esta tecnología y a sus resultados:

 Permite explicar desde una historia a un hecho histórico.

 Permite enseñar desde el interior de un piso al funcionamiento de una máquina.
 La realización de productos de ficción.
Otras posibilidades que permite el 3D:

 Flying Logos.
 Animación con caracteres animados.
 Creación de personajes.
 Animación arquitectónica.
  Completa integración de imagen real y sintética (3D)
 Efectos especiales.

Referencias[editar]
1. ↑ Juan Luís Castillo (2011). «Ilustración digital». Archivado desde el original el 6 de mayo de
2015. Consultado el 18 de mayo de 2015.
2. ↑ Molano, Adriana (9 de octubre de 2012). «¿Qué es la ilustración digital?». Colombia Digital.
Consultado el 18 de mayo de 2015.
3. ↑ Saltar a:a b Marina Entero (2012). «Ilustración digital». Consultado el 19 de mayo de 2015.
4. ↑ http://www.nebrija.es/~cjimenez/teoria/herramientas/mapasbits.pdf
5. ↑ Saltar a:a b «Ilustración digital». Manual de Diseño Digital. 2000 - 2005. Archivado desde el
original el 20 de mayo de 2015.
6. ↑ «Copia archivada». Archivado desde el original el 19 de mayo de 2015. Consultado el 18 de
mayo de 2015.
7. ↑ Rafael Estrada. «Cómo se hace una ilustración en 3D». Consultado el 19 de mayo de 2015.

Proyectos Wikimedia

Datos: Q2890556

Dibujo artístico
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Archivo:Leonado da Vinci - Head of Leda - Google Art Project.jpg
Cabeza de Leda, de Leonardo (c. 1505).

El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que
represente un objeto real, como forma de expresión gráfica. Desde la Prehistoria ha
funcionado como lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de
información, sean ideas, descripciones o sentimientos.123

Índice

 1Conceptos
o 1.1Instrumentos, técnica y materiales
 2Véase también
 3Referencias
 4Enlaces externos

Conceptos[editar]
 Dibujante: Es aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o sentimiento
surgido de la subjetividad del autor.
 Dibujo: Es una representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se imagina.
 Dibujo lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas técnicas
para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un delineado, no
tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo lineal podría ser
muy sugerido o bien detallado, pero no posee efecto de volumen.
 Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con palabras:
"tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro
material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del
dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica,
soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de
trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un
buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento
establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de
pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue con práctica y dedicación.
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos se dividen en dos grupos: aquellos que
solo copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de
observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de
su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-
mano para poder plasmar las imágenes que conciben. Este último grupo es considerado como
el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos
que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e
incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados
y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos
dedicados al dibujo del retrato y paisajista.
Entre los elementos básicos de un dibujante artístico pueden citarse los que componen el
siguiente proceso:

 Apunte: Es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que
se va a dibujar. Es útil cuando se dibujan en exteriores o figuras en movimiento.
 Boceto: Es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el
encuadre, la composición, qué elementos se incluyen…
 Encajado: Son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran
después) que sirven como base del dibujo.
 Línea: Es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el
detalle.
 Valorización: Para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más
oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o
similar.
 Color: Un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración
(dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con
varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano
(homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el
papel, la técnica, etc.).
 Correcciones: Los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo
con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y
modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos
programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y
colores.
 Dibujo a mano alzada: Es decir, realizado sobre la marcha, sin correcciones, por viajeros,
exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo,
de los que ya fueron maestros Leonardo da Vinci o Alberto Durero, o en épocas más
recientes, Wilhelm Filchner o Julio Caro Baroja.
 Proporción: La proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto
representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y
práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocarlo frente a un espejo, de
esta manera se descubrirá si la obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la
 simetría; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones
nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo,
desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente
al espejo se descubren errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así
como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es
muy importante la observación para que podamos relacionar todos los elementos del
objeto a dibujar y lograr así una representación correcta. Otras formas de evaluar es
colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja o colocar la hoja un poco
más abajo para cambiar la perspectiva al mirarla.
Instrumentos, técnica y materiales[editar]

 lápices, pluma (plumín, plumilla, etcétera)

 palotes y garabatos
 figuras básicas geométricas
 [[textura de la pintura|tex
 claroscuro
 distancia y posición
 perspectiva
 escala
 proporción
 volumen
 encuadre
 contraste
 armonía y unidad
 objetos y detalles
 cuadros sencillos
 objetos arquitectónicos
 pintura del paisaje
 medios de transporte
 efectos especiales
 animación e historieta
 antropometría
 manos y pies
 escenas
 teoría del color

Véase también[editar]
 historia de la pintura
 pintura

Referencias[editar]
1. ↑ Real Academia Española y Asociación de Academias de la Lengua
Española (2014). «dibujo». Diccionario de la lengua española (23.ª edición).
Madrid: Espasa. ISBN 978-84-670-4189-7.
2. ↑ . «Introducción al dibujo artístico». Portal académico UNAM. Consultado el 1 de marzo de
2016.
3. ↑ . «Estudiar dibujo artístico». Co