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TRABAJO FIN DE MÁSTER

MÁSTER UNIVERSITARIO EN FORMACIÓN DEL


PROFESORADO DE EDUCACIÓN SECUNDARIA OBLIGATORIA,
BACHILLERATO, FORMACIÓN PROFESIONAL Y ENSEÑANZAS
DE IDIOMAS (MAES).

ESPECIALIDAD: MÚSICA

Desarrollo del ritmo y la voz en Educación Secundaria. Métodos


activos para la enseñanza musical.

David Calvo Romero

Universidad de Sevilla

Curso 2017/ 2018 Tutor: Francisco Valdivia Sevilla

1
Índice Página

Resumen…………………………………………………………………………………4

Introducción………………………………………………………………………...........7

1. CONTEXTUALIZACIÓN………………………………………………………9
1.1. Programación del Departamento…………………………………………..10

2. JUSTIFICACIÓN, PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA Y OBJETIVOS


GENERALES…………………………………………………………………..12
2.1.Justificación………………………………………………………………...12
2.2.Planteamiento del problema………………………………………………..13
2.3.Objetivos generales…………………………………………………………15

3. MARCO TEÓRICO……………………………………………………………17
3.1.Marco normativo de la propuesta…………………………………………..23

4. UNIDAD DIDÁCTICA: Métodos activos para el desarrollo del ritmo y la


voz……………………………………………………………………………...23
4.1.Justificación de la Unidad Didáctica……………………………………….23
4.2.Objetivos, contenidos y criterios de evaluación……………………………25
4.3.Metodología………………………………………………………………...27
4.4.Competencias……………………………………………………………….30
4.5.Recursos…………………………………………………………………….33
4.6.Estrategias de evaluación……………………………...…………………....33
4.7.Actividades…………………………………………………………………35
4.8.Medidas de atención a la diversidad………………………………………..44
4.9.Análisis y evaluación del desarrollo de la Unidad Didáctica…………...….44

2
5. PROPUESTA DE MEJORA: MÉTODOS ACTIVOS PARA EL
DESARROLLO DEL RITMO Y LA VOZ…………………………………….46
5.1.Justificación de la propuesta………………………………………………..46
5.2.Objetivos de la propuesta…………………………………………………..48
5.3.Contenidos………………………………………………………………….49
5.4.Metodologías activas de aprendizaje musical: Dalcroze, Orff y Kodály…..50
5.4.1. Método Dalcroze…………………………………………………...51
5.4.2. Método Orff………………………………………………………...52
5.4.3. Método Kodály……………………………………………………..54
5.4.4. Otros métodos de aprendizaje activo en música: Ward, Martenot,
Willems…………………………………………………………..…55
5.5. Actividades……………………………………………………………...…57
5.6.Evaluación de las actividades de la propuesta de mejora…………………..63

6. CONCLUSIONES……………………………………………………………...64
7. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS………………………………………....66

ANEXO

Anexo 1. Actividades para las sesiones (Punto 4.8)………………………...….70

Figuras 1-3……………………………………………………………...70

Figura 4…………………………………………………………………71

Figura 5…………………………………………………………………72

Figuras 6-7………………………………………………………….......73

Figuras 8-10…………………………………………………………….74

Figuras 11-12…………………………………………………………...75

Figura 13………………………………………………………………..76

Anexo 2. Cuestionario previo…………………………………………………..77

Anexo 3. Lista de cotejo sobre logros obtenidos……………………………….78

Anexo 4. Examen para la evaluación final……………………………………..79

3
RESUMEN

El presente proyecto está basado en la experiencia de las prácticas en el IES Martínez


Montañés y su objetivo es llevar a cabo una propuesta de mejora en base a las actividades
impartidas de acuerdo al desarrollo del ritmo y la voz en el alumnado de Secundaria.
Actividades basadas en los métodos activos de aprendizaje musical de Dalcroze, Orff y
Kodály se llevarán a cabo, las cuales son poco usuales en las aulas y podrían aportar
multitud de herramientas que resulten útiles.

El centro donde llevamos a cabo nuestra intervención es muy activo en cuanto a


actividades culturales se refiere, con un programa muy interesante en relación a la
enseñanza musical. Trataremos pues de proponer nuevas ideas que se complementen con
dicho programa y que sean beneficiosas en el aprendizaje de los estudiantes.

Palabras clave: Educación vocal, ritmo, enseñanza musical, métodos activos,


pedagogía musical.

4
ABSTRACT

This project is based on the experience as a training teacher at IES Martínez


Montañés and it is aimed to implement an improvement proposal in relation to the
activities focusing on the development of rhythm and voice in compulsory secondary
student. Activities based on the Dalcroze, Orff and Kodály active musical learning
methods will be used, which are uncommon in classroom and could be useful strategies.

The centre where this improvement proposal will be carried out is quite active in
relation to extracurricular activities and music teaching. Hence new ideas would be
implemented as a way to complete their syllabus at the time that they are beneficial for
students.

Keywords: Vocal education, rhythm, music teaching, active methods, musical


pedagogy.

5
Agradecimientos

A los tutores que me han guiado.

A mi familia, por su apoyo.

A mis compañeros de máster, inmejorables.

6
INTRODUCCIÓN

La música es una de las principales manifestaciones artísticas del hombre, y el ritmo


y la voz, entre otros elementos musicales, son conceptos indispensables para el desarrollo
de actividades relacionadas con nuestro ámbito de estudio. Al fin y al cabo, todos nuestros
jóvenes escuchan música, generalmente perteneciente al género popular.

A menudo, los estudiantes llegan a la enseñanza Secundaria con bajo nivel en la


materia. Otros, reciben formación en escuelas de música y conservatorios, lo cual nos
hace la tarea mucho más difícil, debido a la poca homogeneidad existente en las aulas.

Pérez Herrera (2012) afirma que la música y la danza forman una unidad inseparable
del ser humano y su cultura. Se integran cuerpo y mente para desarrollar un medio de
expresión que puede ser rítmico, musical, melódico, lúdico, recreativo, emocional.

Por otro lado, diversos estudios reflejan que la música beneficia en la capacidad de los
alumnos para la atención y la concentración, mejorando enormemente su rendimiento en
otras áreas de estudio. Con la práctica de la música se estimula la capacidad de memoria,
síntesis, razonamiento y, por tanto, el aprendizaje.

No debemos olvidar la importancia que tiene la enseñanza/práctica musical en el


desarrollo psicomotor, cognitivo y emocional de los estudiantes. Es ideal que dicho
desarrollo se instaure desde edades tempranas, de forma que la experiencia sensorial que
la música ofrece, ayude a maximizar las capacidades del alumno de forma adecuada.

También será objeto de estudio en nuestro proyecto, el vínculo existente entre


movimiento (educación motriz) y música, pues mediante ésta, el alumno relaciona el
movimiento y las posibilidades sonoras de su cuerpo (percusión corporal), a medida que
descubre el sentido rítmico. Por otro lado, trabajaremos la voz, el soporte acústico de
nuestro lenguaje, a través del cual podemos transmitir información, pensamientos e ideas,
además de utilizarlo como medio de expresión musical mediante el canto.

Toda la metodología a utilizar queda sistematizada en los métodos activos de


aprendizaje, concretamente los de Carl Orff, Kodály y Dalcroze. La tarea será la de
seleccionar y experimentar con las actividades diseñadas, y comprobar lo que mejor
funciona, o lo que mejor se adapta a las necesidades del alumnado.

7
Dichas actividades buscarán desarrollar el ritmo y la voz por medio de ejercicios
prácticos que resulten atractivos y divertidos para los estudiantes, y que a la vez,
desarrollen nuevas habilidades que les permitan tener cada vez mayor criterio, y que se
fomente su nivel de motivación y atención frente al estudio de cualquier materia, que no
tiene por qué estar relacionada con la propia asignatura de música.

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1. CONTEXTUALIZACIÓN

Llevaremos a cabo nuestra propuesta de intervención en el IES Martínez Montañés de


Sevilla. El centro fue inaugurado en 1967 y es considerado uno de los cinco primeros
institutos de Enseñanza Media de la ciudad.

Según aparece en su página web1, el centro ocupa el lugar donde había un antiguo
cortijo llamado “Maestrescuela”, y actualmente, se encuentra entre los barrios de Cerro
del Águila, Ciudad Jardín, y Nervión. Se encuentra en un lugar céntrico, bien comunicado
y en la misma zona, se encuentran otros 4 institutos de Enseñanza Secundaria: I.E.S.
Murillo, I.E.S. Nervión, I.E.S. Beatriz de Suabia e I.E.S. Ciudad Jardín.

El centro se caracteriza por impartir el Programa de “Diploma de Bachillerato


Internacional”, siendo el único centro público de Andalucía autorizado para ello. Esta
sería la seña de identidad del centro, junto con la meticulosa aplicación de las medidas de
atención a la diversidad que se ofrecen.

A parte, se ofrecen Ciclos Formativos de Comercio, Comercio Internacional y


Sistemas Microinformáticos y Redes, unido a una serie de empresas colaboradoras que
ofrecen Formación en Centros de Trabajo a los alumnos.

1
http://www.iesmartinezmontañes.es

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1.1. PROGRAMACIÓN DEL DEPARTAMENTO

En este apartado, nos disponemos a hacer una descripción de la Programación que se


usa en el Centro de estudios y lo más importante, de qué forma se lleva a cabo en el aula.

La Programación Didáctica del Departamento de Música del IES Martínez Montañés,


dispone los siguientes contenidos a desarrollar durante el curso, divididos en 4 bloques:

i. Interpretación y creación

ii. Escucha

iii. Contextos musicales y culturales

iv. Música y tecnologías

En la tabla donde se muestran, se van detallando los contenidos juntos con las
competencias con las cuales se relaciona y los instrumentos de evaluación.

El siguiente punto se centra en la evaluación, que comienza detallando los


instrumentos de evaluación: Observación directa, revisión de las tareas del alumnado,
trabajos monográficos individuales o en grupo, pruebas escritas, prácticas instrumentales,
vocales, rítmicas y exposiciones orales.

Por último, encontramos los puntos en los que se exponen los contenidos transversales
(de acuerdo a lo establecido en el artículo 6 del Decreto 111/2016, de 14 de junio), la
metodología (de acuerdo con lo establecido en el artículo 7 del Decreto 111/2016, de 14
de junio), la atención a la diversidad y materiales y actividades complementarias.

Según nos cuenta la tutora y jefa de Departamento de Música, Susana García, el hecho
de que la asignatura sea obligatoria u optativa condicionará la selección de contenidos
que se llevarán a cabo en el aula de música.

En el caso de las enseñanzas obligatorias tenemos dos opciones a la hora de elaborar


los contenidos: a) Los mismos contenidos, que cada vez se hacen más complejos, o b)
Dividir los contenidos por cursos.

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Habitualmente, lo visto en 1º se vuelve a repasar también en 2º. Hay temas comunes
como pueden ser: cualidades del sonido, timbre, lenguaje musical… Los temas de
Historia de la Música, en cambio, se dividen entre ambos cursos, estudiando los diferentes
temas en orden cronológico. El esquema de contenidos en Historia, quedaría de la
siguiente manera:

1º) Hasta el Renacimiento

2º) Barroco, Clasicismo y Romanticismo.

Una de las premisas más importantes de la enseñanza en música en el IES Martínez


Montañés, es el enseñar a escuchar y hacer música. Son dos objetivos que definen la
programación y a los que se les presta especial atención. La exquisita formación de la
tutora, organista de renombre a nivel internacional, influye de forma muy directa en que
los alumnos sean capaces de adquirir conocimientos y destrezas precisos, que les sirvan
para ser ciudadanos con juicio crítico a la hora de escuchar e interpretar música.

En los cursos 3º y 4º, la asignatura de música es optativa, por lo cual se permite un


diseño más libre. En estos cursos se establece un número máximo de alumnos (12) con el
objetivo de que las clases se aprovechen mejor.

En el curso 3º, se imparten 2 horas de música a la semana, y se establece un sistema


para que los alumnos adquieran una instrucción básica de piano (a dos manos). En 4º, en
cambio, serían 3 horas. Este curso estaría estructurado de la siguiente forma:

1ª eval. – Forma musical y análisis estructural.

2ª eval. – Lenguaje musical, repaso de los contenidos de 1º y 2º curso. Ritmo y formación


instrumental (teclado, piano).

3ª eval. – Escalas, acordes y armonía. Se continúa con la formación en piano.

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2. JUSTIFICACIÓN, PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA Y
OBJETIVOS GENERALES

2.1. JUSTIFICACIÓN

En primer lugar, me gustaría recalcar la importancia de la materia de música como


medio para alcanzar la adquisición la competencia cultural y artística, de forma directa.
Según el Real Decreto 1631/2006, la materia de música:

Fomenta la capacidad de apreciar, comprender y valorar críticamente diferentes


manifestaciones culturales y musicales, a través de experiencias perceptivas y expresivas
y del conocimiento de diferentes culturas, épocas y estilos. Puede potenciar así, actitudes
abiertas y respetuosas y ofrecer elementos para la elaboración de juicios fundamentados
respecto a las distintas manifestaciones musicales, estableciendo conexiones con otros
lenguajes artísticos y con los contextos social e histórico a los que se circunscribe cada
obra. (p.761)

En segundo lugar, el desarrollo de habilidades relacionadas con la música ayuda a la


mejora del rendimiento escolar, lo cual beneficia en la mejora de habilidades cognitivas
como la lectura y las matemáticas, y las habilidades sociales o conductuales, como la
disciplina, el sentido de pertenencia, y el trabajo en equipo.

El artículo titulado “Música y Logros Cognitivos en los Niños” (1994), expone las
mejoras alcanzadas por los niños en tres habilidades cognitivas: lectura, la rotación mental
de las representaciones de objetos y el pensamiento creativo. Un estudio realizado en
1975 por Hurwitz, Wolff, Bortnick y Kokas, analiza los efectos y mejora de la lectura en
niños usando el método Kodály. Se llegó a la conclusión de que el aprendizaje musical
permite diferenciar los cambios de entonación, el factor más decisivo a la hora del
entendimiento de significancia de las palabras y en la vinculación de los sonidos con los
grafemas.

Asimismo, un grupo de investigadores (Neville et al., 2007) estudiaron el efecto de la


enseñanza musical en niños de escasos recursos, y las recogieron en un estudio titulado
“Música para Crecer, Herramientas de Inclusión Social”. Tras la puesta en práctica del
proyecto, los niños mostrarían mejoras en diversas áreas cognitivas, incluyendo lenguaje,
habilidad verbal y visual-espacial e inteligencia numérica y no verbal.

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Situaremos pues, el desarrollo del ritmo y la voz, como ejes principales en el
aprendizaje de las habilidades musicales, y como elementos indispensables para el
desarrollo de las capacidades en otras materias. Para ello usaremos los principales
métodos activos relacionados con el desarrollo/mejora del ritmo y la voz:

• Método Kodály: Este compositor y pedagogo húngaro, desarrolló un sistema de


gesticulación manual (fononimia) mediante el cual se aprenden y automatizan los
diferentes sonidos de la escala. No sólo serviría para los sonidos, sino también
para trabajar los intervalos.

• Método Dalcroze: Este método se basa en la coordinación entre los sonidos y los
movimientos, de tal modo que la actividad corporal sirva para desarrollar
imágenes mentales de los sonidos. El objetivo de este sistema es que el alumno
responda a los estímulos musicales de una forma automática. Concretamente,
trabajaremos en nuestro proyecto sobre un sistema denominado “Euritmia”.

• Método Orff: Este sistema sitúa el inicio de la educación musical en el ritmo del
lenguaje, los movimientos y las percusiones que derivan de él. Los ritmos, pues,
se trabajarán empleando palabras y movimiento corporal.

2.2. PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA

La finalidad principal de este trabajo es que los alumnos de Secundaria tengan una
formación musical, suficiente para poderse iniciar en la práctica de algún instrumento, y
que estén dotados de juicio y criterio a la hora de escuchar música. Para ello tendrían que
desarrollar un correcto desempeño en la práctica del ritmo y de la formación vocal, el cual
puedan aplicar con autonomía en un futuro.

A partir de la experiencia vivida en las Prácticas Externas, podríamos hacer hincapié


en las siguientes pautas, de una forma general:

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a) A menudo los grupos de alumnos suelen tener un nivel bastante heterogéneo,
puesto que vienen de la educación primaria, y reciben en muchos casos una
formación distinta en cuanto a nivel, contenidos, etc. Deberá efectuarse un
test/prueba inicial saber los conocimientos previos del alumnado, y determinar los
contenidos y la metodología a seguir.

b) El alumnado de Secundaria requiere de una programación de las actividades muy


organizada y dinámica. Se puede decir que se les tiene que ofrecer un estímulo
constante, y de no ser así, los estudiantes pueden distraerse y perder la motivación
en la materia.

c) El éxito en el aprendizaje de los alumnos no es sólo tarea de los mismos y del


profesor, las familias cumplen un papel esencial y, por tanto, debe haber
comunicación constante con ellas para que todo funcione adecuadamente.

d) El nivel de rendimiento académico está en función tanto de sus conocimientos y


capacidades, como de la motivación. Debemos tenerlo muy en cuenta a la hora de
abordar nuestro proyecto.

En lo referente a nuestro objeto de estudio, desarrollo del ritmo y la voz, y a partir de


la experiencia en las Prácticas Externas, deberíamos tener en cuenta lo siguiente:

a) No se debe permitir en ningún momento que los alumnos se adelanten al pulso


cuando practiquen ejercicios de ritmo. Es importante que aprendan a mantener un
tempo firme a lo largo de los ejercicios.

b) Deben aprender a valorar el silencio como un requisito indispensable a la hora de


actuar en el aula, como base para el respeto y el desempeño de actividades
relacionadas con la música.

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c) Los alumnos deben aprender a conectar su cuerpo (sus movimientos) con el ritmo
musical. Se entrenará el cuerpo para sentir conscientemente las sensaciones
musculares de tiempo y energía en sus manifestaciones en el espacio.

d) Se usarán los métodos activos, no sólo para aprender y reproducir los sonidos de
la escala, sino el de los intervalos. La distancia existente entre dos sonidos
distintos.

e) Se debe instruir a los alumnos y conseguir que sean capaces de escuchar y apreciar
música de calidad, que dispongan de criterio.

f) Se debe conseguir que los alumnos interactúen con el profesor en todo momento.
Es importante la participación para el aprendizaje de las disciplinas que vamos a
llevar a cabo, puesto que son de un carácter muy práctico. De este modo, también
se favorece la concentración de los estudiantes.

g) No se les debe dar todo el trabajo hecho a los alumnos. Se debe dejar que ellos
asuman protagonismo en el aprendizaje.

h) Debemos valorar el aprendizaje como un proceso, el cual puede variar e irse


adaptando constantemente a las necesidades del alumnado.

2.3. OBJETIVOS GENERALES

Según el Real Decreto 1631/2006, pg. 761-762, la enseñanza de la Música en


Secundaria, tendrá como finalidad el desarrollo de las siguientes capacidades:

1. Utilizar la voz, el cuerpo, objetos, instrumentos y recursos tecnológicos para expresar


ideas y sentimientos, enriqueciendo las propias posibilidades de comunicación y
respetando otras formas distintas de expresión.

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2. Desarrollar y aplicar diversas habilidades y técnicas que posibiliten la interpretación
(vocal, instrumental y de movimiento y danza) y la creación musical, tanto individuales
como en grupo. instrumental y de movimiento y danza).

3. Escuchar una amplia variedad de obras, de distintos estilos, géneros, tendencias y


culturas musicales, apreciando su valor como fuente de conocimiento, enriquecimiento
intercultural y placer personal e interesándose por ampliar y diversificar las preferencias
musicales propias.

4. Reconocer las características de diferentes obras musicales como ejemplos de la


creación artística y del patrimonio cultural, reconociendo sus intenciones y funciones y
aplicando la terminología apropiada para describirlas y valorarlas críticamente.

5. Utilizar de forma autónoma diversas fuentes de información medios audiovisuales,


Internet, textos, partituras y otros recursos gráficos-para el conocimiento y disfrute de la
música.

6. Conocer y utilizar diferentes medios audiovisuales y tecnologías de la información y


la comunicación como recursos para la producción musical, valorando su contribución a
las distintas actividades musicales y al aprendizaje autónomo de la música.

7. Participar en la organización y realización de actividades musicales desarrolladas en


diferentes contextos, con respeto y disposición para superar estereotipos y prejuicios,
tomando conciencia, como miembro de un grupo, del enriquecimiento que se produce
con las aportaciones de los demás.

8. Comprender y apreciar las relaciones entre el lenguaje musical y otros lenguajes y


ámbitos de conocimiento, así como la función y significado de la música en diferentes
producciones artísticas y audiovisuales y en los medios de comunicación.

9. Elaborar juicios y criterios personales, mediante un análisis crítico de los diferentes


usos sociales de la música, sea cual sea su origen, aplicándolos con autonomía e iniciativa
a situaciones cotidianas y valorando su contribución a la vida personal y a la de la
comunidad.

10. Valorar el silencio y el sonido como parte integral del medio ambiente y de la música,
tomando conciencia de los problemas creados por la contaminación acústica y sus
consecuencias.

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3. MARCO TEÓRICO

Tal como hemos comentado anteriormente, nos basaremos en los métodos de


aprendizaje activo como pilares fundamentales para la mejora de la voz y del ritmo en el
aula de Secundaria. Sería interesante pues, analizar los diferentes estudios y enfoques
disponibles con el objetivo de contrastarlos, analizarlos y establecer un marco teórico que
dé coherencia a nuestro proyecto.

Para localizar y conseguir el material que necesitamos, haremos uso de los principales
motores de búsqueda: Dialnet, Google Académico y Teseo. Para nuestro tema de estudio,
se ha podido recopilar gran cantidad de documentos relacionados, lo cual nos beneficiará
ampliamente a la hora de seleccionar y cotejar la información disponible.

Según aparece en el proyecto de investigación de Cuevas (2015), a principios de siglo


XX, el músico y pedagogo Emile J. Dalcroze dará un vuelco al sistema educativo musical
existente hasta entonces, implantando un método motriz-musical como modelo de
aprendizaje. Este hecho supondrá un antes y un después por su gran repercusión y
transcendencia sobre otros autores que empezarán a emplear los métodos activos, que
comienzan a romper con el sistema tradicional y apuestan por una forma de enseñar activa
y basada en la experiencia. Se trataría pues, de obtener la vivencia, sentir la música antes
de establecer teorías sobre ella.

Según Pont (s/f), citado por Jorquera (2004), los modelos activos se basan en la
experimentación y se caracterizan por su planteamiento científico, de forma general. Se
usa el juego, el trabajo y el arte aprovechando en todo momento la espontaneidad y la
curiosidad del niño. Por tanto, el estudiante sería por primera vez el protagonista de su
propio aprendizaje, se promueve la capacidad de autoformación y de gestión de los
propios intereses y motivaciones. Otra característica común a los modelos activos, sería
la de la conciencia social y trabajo en colaboración (planteamiento democrático).

Estos nuevos modelos supondrán un cambio en cuanto al concepto de educación se


refiere. Según la tesis de Jorquera (2004), se establece una comparación entre la escuela
tradicional pasiva y la escuela nueva (corriente pedagógica liderada por J. Dewey,1899),
que nos podría ser de gran ayuda para entender la metodología que debemos aplicar en el

17
aula. Un cuadro comparativo que se le atribuye a Ansay-Terwagne (1959), nos muestra
las diferencias entre ambos sistemas:

Escuela tradicional

1. La base es el programa.
2. Niño considerado un adulto en miniatura.
3. Disociación de la inteligencia en facultades.
4. Se toma como principio ir de lo simple o abstracto a lo compuesto o concreto.
5. Clasificación adulta del saber en especialidades de estudio.
6. Proceso abreviado de las adquisiciones mentales.
7. Enseñanza verbal.
8. El maestro enseña al alumno pasivo.
9. Hay finalidades a las que hay que someterse.
10. Disciplina represiva.

Escuela nueva

1. La base es el niño.
2. Lo que importa es la evolución natural de los intereses.
3. El material es percibido según los intereses y según la mentalidad característica.
4. Primero aparecen los intereses concretos.
5. Estudio ordenado en clasificaciones rudimentales para después establecer
comparaciones.
6. Proceso natural.
7. Enseñanza individualizada basada en las reacciones propias de cada alumno.
8. El alumno se autoeduca activamente.
9. Las técnicas son instrumentos para perfeccionar la conducta.
10. Libertad guiada.

Así pues, el sistema tradicional se basaría más en los contenidos, mientras que el
modelo activo dirige su atención por vez primera hacia el alumno, como participante
activo en su propio aprendizaje. Como comentábamos anteriormente, Dalcroze es
considerado un pionero en la nueva concepción sobre pedagogía. En sus pensamientos
sobre pedagogía y educación, podemos hacernos una idea sobre su concepto y enfoque

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en la materia, donde plantea la pedagogía como un arte, que es el más activo de los
educadores. Según Dalcroze, si un alumno no entiende de forma inmediata lo que un
maestro explica, es por falta de claridad en dicha explicación.

El buen profesor debería conseguir una conciencia común a la clase y adaptarse a los
alumnos, los cuales poseen distintas personalidades y ambiciones. La tarea del profesor
es la de usar todos los medios disponibles para colaborar en el desarrollo del
temperamento musical, el sentido estético, el cultivo de la personalidad, etc. A partir de
su experiencia con los alumnos, es capaz de entrever las distintas formas de sintetizar la
información y de entender los distintos conceptos aprendidos en clase. Lo necesario sería
saber mirar las cosas (motivarse, interesarse), y no querer mirarlas. Así pues, sería
necesario saber escuchar, más que escuchar simplemente.

Revisando la tesis de Brufal (2013), encontramos un estudio interesante sobre los


principios comunes a estas corrientes pedagógico-musicales. Según dicho estudio, estas
corrientes buscan que la educación en música se convierta en universal para todos los
niños, y no solo para lo que tengan algún tipo de predisposición o dotación para la misma.
El objetivo es que el niño aprenda el lenguaje de la música del mismo modo en que
adquiere el lenguaje hablado, es decir, de una forma natural. Según Hemsy de Gainza
(1977), es una cuestión de síntesis de forma simplificada y hay una serie de aspectos
comunes en todos ellos:

• Utilización del movimiento del cuerpo para mejorar el ritmo musical. Este
concepto se basaría en el método de Dalcroze.
• Uso de las canciones populares para aprender lenguaje musical. Se basa en el
método de Kodály.
• Utilización del ritmo del lenguaje hablado, relacionado con el ritmo en música.
Método Carl Orff.
• Unión de pedagogía musical con la psicología evolutiva. Método Willems.
• El trabajo de la relajación corporal y de la respiración. Maurice Martenot.
• Por último, el uso de la voz y su expresividad como pilar fundamental en la
flexibilidad rítmico-melódica.

Hemsy de Gainza (2003) establece una clasificación interesante sobre los modelos de
educación activa en música, estableciendo una cronología que comienza en los años 1930-
40 con los que denomina precursores (Tonika-Do, Maurice Chevais), la aparición de los

19
métodos activos en la década de 1940-50 y luego, de 1950-60, donde la autora sitúa a
Dalcroze, Willems y a Martenot.

❖ Tratamiento de la rítmica en los métodos activos

Continuando con nuestra revisión, encontramos manuales que, aun no tratando


concretamente sobre metodologías activas, están relacionados muy íntimamente con
nuestro objeto de estudio, y nos servirán para ampliar información y dotarnos de base
teórica suficiente a la hora de abordar nuestras intervenciones. En el aula de Secundaria,
encontraremos estudiantes con muy distintas aspiraciones. Es nuestra tarea la de descubrir
el talento, relacionarlo con nuestra materia y desarrollar sus habilidades.

Ritmo y Expresión Corporal Mediante Coreografías de Martínez y Zagalaz,


(2007). Es un tratado con DVD que incluye 10 coreografías. Lo realmente interesante en
este libro es el tratamiento del “proceso didáctico de la coreografía”. Se tienen muy en
cuenta el análisis de conocimientos previos del grupo con el cual se trabajará y se
profundiza en el elemento de la “frase musical” como eje principal para un correcto
desempeño y comprender las estructuras y enlaces musicales usados. Además, se
establecen una serie de objetivos, relacionados con el aprendizaje de prácticas
coreográficas que nos podrían ser de ayuda a la hora de elaborar contenidos y actividades
para el curso:

• Utilizar el cuerpo como medio de expresión.


• Localizar y comprender en la música los pulsos, frases y series musicales.
• Adaptar los movimientos básicos a los pulsos de la música.
• Mejorar la coordinación rítmica.
• Desarrollar la iniciativa individual y el hábito de trabajo en equipo.
• Utilizar el movimiento de forma espontánea para dar respuesta a situaciones
nuevas de comunicación favoreciendo la desinhibición grupal y personal.
• Conocer la importancia de los contenidos de la expresión corporal como elemento
de ayuda a propia desinhibición y cohesión con el grupo de trabajo.
• Utilizar las actividades físicas de ritmo y expresión como medio de comunicación.
• Mejorar la utilización del ritmo como base temporal para la realización de
acciones motrices y expresivas.

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Como vemos, son objetivos que se podrían adaptar perfectamente al currículo, ya que
persiguen fines muy similares a los de nuestro proyecto, y podrían beneficiar en la
motivación del alumnado.

El Ritmo En la Educación Y Formación General de la Infancia (Llongueres,


2002), es un trabajo que se centra en el estudio del ritmo usando el método de Dalcroze
aplicado a los niños. Aunque nuestro proyecto está orientado a adolescentes, podría
servirnos de ayuda en un principio, pues contiene algunas actividades sencillas que sin
duda alguna nos aportan ideas y se pueden adaptar sin problemas a otros niveles de
enseñanza.

❖ Tratamiento de la voz en los métodos activos

En lo referente a estudios que traten sobre la voz, también disponemos de gran


variedad de material, del cual seleccionaremos lo que más se adapte a nuestros objetivos.

La Voz: La Técnica y la Expresión (Sánchez, 2012), es un manual que tiene un


enfoque integral en la voz. Se plantean temas que nos pueden aportar bastantes ideas a
nuestro proyecto, como son: La voz y su simbiosis con el cuerpo y el medio que nos
rodea, posibilidades de la voz profesional, el cantante lírico, los docentes, los actores,
locutores, etc. Además, en la segunda parte del libro, encontramos estrategias de
optimización de la voz, para cuidarla, potenciarla o recuperarla.

Educación de la Voz (Plan de formación de la Escuela de Administración Pública de


la Región de Murcia, 2010), es un trabajo orientado a FP (Formación Profesional) que se
centra en la voz como instrumento comunicativo. Aunque nuestro interés es más cercano
a las enseñanzas musicales, este tratado podría sernos de gran ayuda. Al fin y al cabo, la
producción de la voz es la misma a la hora de hablar y entonar. El canto profesional podría
considerarse como una versión mejorada del habla.

En dicho estudio, se abordan los siguientes temas: La voz como instrumento


comunicativo, relajación y postura, respiración, emisión y proyección vocal, higiene
vocal. En mi opinión, puede resultar un complemento perfecto a la hora de desarrollar
nuestras actividades en el aula, pues nos dota de fundamento teórico y nos aporta
instrucciones sobre la producción vocal, desde una perspectiva diferente a la que estamos
abordando.

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Además del sistema de fononimia de Kodály, el cual se explicará de forma detallada
un poco más adelante, también haremos uso de la “Guía para la práctica de Música
para Niños de Carl Orff” (G. Graetzer-A. Yepes, 1983), la cual sistematiza el
aprendizaje y educación de la voz en niños a partir de canciones populares, infantiles y
melodías de danza centroeuropea. El compositor alemán se centra en la escala
pentatónica, empezando por dos sonidos (mi-sol) y sumando sonidos posteriormente,
hasta llegar a los cinco. En su opinión, esta escala es la que mejor se adapta para que cada
niño encuentre su modalidad expresiva. En dicho tratado, Carl Orff trata temas como:
Ritmo, melodía, armonía y acompañamiento, movimiento y danza, actuación e
instrumental Orff.

Se han consultado, además, documentos relacionados con los métodos de dos autores
los cuales no usaremos en nuestra propuesta didáctica: Willems, Ward y Martenot. En
relación al primero de ellos, tenemos “Aplicaciones Prácticas del Método Willems A
La Enseñanza Formal Especializada” (Mier, 2012), donde encontramos los objetivos
de dicho método: desarrollar la sensibilidad auditiva y el sentido rítmico, desarrollar el
canto, solfeo, práctica musical, armonía, etc. Además, también se citan pautas para
extrapolar el sistema a la clase de instrumento: el canto previo a la interpretación
instrumental, la explicación del ritmo desde la vivencia corporal, la improvisación como
mecanismo aglutinador de todos los elementos del lenguaje musical y de la música en
general.

En relación con el segundo autor, disponemos de la guía didáctica del propio “Método
Martenot” (Martenot, 1986), en el cual podemos encontrar temas bastante interesantes
(tempo, sentido rítmico, entonación, lectura de las notas, improvisación, etc.) y se usará
como manual de consulta y de comparación con las metodologías abordadas en este
proyecto. También contiene multitud de actividades, las cuales podemos llevar a cabo en
el aula. Otro tratado disponible sobre este autor que vamos a utilizar es “Principios
fundamentales de formación musical y su aplicación” (Martenot, 1993).

No quiero finalizar este estudio, sin tratar un tema transversal como es el de la


inclusión social. Para ello, hemos revisado la publicación de Sánchez (2007). En esta se
trata el tema de la superación de la pobreza en áreas marginales, a través de la música,
tomando como ejemplo el modelo de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela.
Además, el estudio se centra en temas como el uso del tiempo de los jóvenes, las
relaciones e intercambio con otras personas, la adquisición de habilidades lingüísticas y
22
verbales, la creatividad, la capacidad de atención y desarrollo cerebral… Y un largo
etcétera de beneficios que aporta la música a los jóvenes, los cuales tienen la posibilidad
de labrarse un futuro por medio de la actividad musical. No debemos olvidar el rotundo
éxito del programa venezolano, del cual salen músicos cuya calidad ha sido reconocida
internacionalmente.

3.1.MARCO NORMATIVO DE LA PROPUESTA

Nuestra propuesta de intervención se desarrolla bajo el amparo de la Ley Orgánica


2/2006, de 3 de mayo y el Real Decreto 1631/2006, de 29 de diciembre, por el que se
establecen las enseñanzas mínimas correspondientes a la Educación Secundaria
Obligatoria.

Según el Artículo 2 del Real Decreto, p. 678, la LOMCE tendría como finalidad lograr
que los alumnos se instruyan en aspectos relacionados con la cultura, haciendo hincapié
en los aspectos humanístico, artístico, científico y tecnológico. También se buscará que
los estudiantes desarrollen hábitos de estudio y trabajo y prepararlos para su
incorporación a estudios posteriores e inserción laboral.

4. UNIDAD DIDÁCTICA: “Métodos activos para el desarrollo del


ritmo y la voz”

4.1. JUSTIFICACIÓN DE LA UNIDAD DIDÁCTICA

Según las disposiciones generales del Real Decreto 1631/2006 de 29 de diciembre, la


música se sitúa como un elemento de valor incuestionable en la vida de las personas, y se
ha convertido en el arte más poderosamente masivo en la actualidad. La materia de música
en la Educación Secundaria Obligatoria debe establecer puntos de contacto entre el

23
mundo exterior y la música que se aprende en las aulas para estimular en el alumnado la
percepción, la sensibilidad estética, la expresión creativa y la reflexión crítica. Al fin y al
cabo, los alumnos son miembros de la sociedad y potenciales consumidores de arte que
debemos educar en valores, ofreciéndoles la posibilidad de apreciar o incluso crear obras
de arte.

El propósito de la Unidad es el de desarrollar el ritmo y la voz en el alumnado usando


métodos activos, los cuales resulten atractivos y divertidos para los estudiantes, y que a
la vez, desarrollen nuevas habilidades que les permitan tener cada vez mayor criterio, que
se fomente su nivel de motivación y atención frente al estudio de cualquier materia, que
no tiene por qué estar relacionada con la propia asignatura de música.

A continuación, veremos las asignaturas con las cuales guarda relación nuestra
materia:

- Matemáticas: Tanto el ritmo y métrica como la voz guardan una estrecha relación
con la asignatura de matemáticas. La métrica está sujeta al uso de compases,
patrones rítmicos, figuras, etc., las cuales se organizan mediante operaciones
matemáticas, y sin la comprensión y desarrollo de las mismas, será imposible que
los estudiantes adquieran un desarrollo adecuado en la materia. La voz humana
opera mediante ritmos y alturas (intervalos), las cuales también se relacionan con
las matemáticas, puesto que se miden en distancias de tonos y semitonos.

- Lengua y Literatura: Tanto la música como el lenguaje son medios de


comunicación, y ambos se encuentran íntimamente ligados desde sus inicios y sus
primeras formas. Según el músico y compositor Fred Lerdahl, los bebés son en sí
musicales y responden a una relación en su entorno a través de los sonidos que
escuchan (ritmos, pausas, melodías, etc.) desde que se encuentran en el vientre.
Se puede decir que tanto música como lenguaje guardan la misma base cognitiva
en tanto que siguen una organización de secuencias jerárquicamente dispuestas y
procesos de abstracción similares. No debemos olvidar la relación que guarda la
métrica y acentuación de la poesía y la música. Entre estas dos artes existe un
vínculo enorme que los alumnos deben conocer y desarrollar, puesto que, en
muchos casos, la mejor forma de aprender los procesos básicos del lenguaje de la
música será la de asignar diferentes textos a un patrón rítmico.

24
- Lengua extranjera (inglés): Muchos de los textos que encontramos en las
diferentes piezas musicales o en la música popular están escritos en otras lenguas,
una amplia mayoría de ellos en inglés. Esto nos sirve para crear una estrecha
conexión entre la materia de música y lengua extranjera. A su vez, nos puede
servir como herramienta para motivar al alumnado, acercándonos a géneros
musicales que les resulten atractivos y trabajando el ritmo y la voz a través de los
mismos.

4.2. OBJETIVOS DIDÁCTICOS, CONTENIDOS Y CRITERIOS DE


EVALUACIÓN

El aprendizaje se orienta hacia los objetivos, metas y logros que los profesores
programan (de forma estratégica) para que los estudiantes puedan desarrollar sus
capacidades de una forma adecuada. Las enseñanzas de música en Secundaria deben tener
un propósito definido y es justamente esa intención a lo que llamamos metas y objetivos
en enseñanza.

Por otro lado, tenemos los contenidos, que son un conjunto de conocimientos
científicos, habilidades, destrezas, actitudes y valores que deben aprender los educandos
y que los maestros deben estimular para incorporarlos en la estructura cognitiva del
estudiante. Si bien es cierto que los contenidos son un conjunto de saberes o formas
culturales esenciales para el desarrollo y de socialización de los estudiantes, la manera de
identificarlos, seleccionarlos y proponerlos en el currículo tradicional ha sido realizada
con una visión muy limitada.

Según Medina y Salvador Mata (2005), el aprendizaje concebido en cuanto a proceso


y conocimiento adquirido, así como en cuanto a resultado, se ve representado por dos
aspectos: los contenidos de aprendizaje y los objetivos educativos. Serían dos elementos
que buscan una misma finalidad.

Por último, debemos apoyarnos en unos criterios de evaluación, creando un marco de


referencia a través del cual evaluar el rendimiento académico de los alumnos. Estos

25
criterios aluden a los conocimientos que los estudiantes deben adquirir y a lo que tienen
que aprender a hacer con dichos conocimientos.

La clave a la hora de adaptar nuestros contenidos en el aula, será la de no dar


soluciones al alumno. Más bien, se trataría de aportar herramientas mediante las cuales el
estudiante, conseguirá diversos objetivos. Los métodos activos de aprendizaje resultarán
una gran ventaja, debido a su propia naturaleza que sitúa al alumno como base de su
propio aprendizaje, adaptándose a sus propios intereses y disfrutando de cierta libertad
(la cual será controlada en todo momento por el tutor).

OBJETIVOS CONTENIDOS CRITERIOS

Utilizar la voz para expresar


La voz y la palabra como Ser capaz de utilizar la voz
ideas y sentimientos,
medios de expresión de forma adecuada. CPAA,
estableciendo nuevas
musical: características y CL
posibilidades comunicativas.
habilidades técnicas e
interpretativas.
Conocer los compases Compases simples y Discriminar la acentuación
básicos en música y su compuestos. Compás binaria, ternaria y
medida. cuaternario, ternario y cuaternaria deduciendo el
binario. compás a través de una
audición. CD, CMCT
Comprender las Técnica vocal básica. Ser capaz de comprender e
posibilidades de la voz como Clasificación de las voces. interpretar líneas melódicas
instrumento. sencillas mediante la voz.
SIE
Conocer el vínculo entre Audición y análisis de obras Interpretar canciones de
música y texto que se da en vocales de diversos géneros. música popular poniendo en
la música vocal. Análisis rítmico de las práctica los conocimientos
mismas. adquiridos en clase. CL
Valorar la importancia de las Tecnologías aplicadas a la Usar la tecnología aplicada a
TIC como medio de acceso, música. Editores de la música de forma correcta.
aprendizaje y tratamiento de partituras, reproductores, CD
la música. grabadoras de vídeo y audio
Ejecutar piezas mediante Discriminación auditiva de Analizar y ejecutar de
percusión corporal a través los diferentes compases. manera adecuada los
de la escucha de temas de Utilización de recursos patrones rítmicos de temas
música actual, popular y corporales para crear de música actual, popular y
clásica. distintos ritmos. clásica. CD, CMCT

*Tabla de Objetivos, contenidos y criterios de la UD.

26
4.3. METODOLOGÍA

La metodología educativa ha de estimular el desarrollo de la personalidad y la


sensibilidad de alumnado, fomentar su creatividad artística y favorecer el máximo
desarrollo posible de sus aptitudes y capacidades musicales y humanas. Para ello se deben
facilitar contextos y situaciones de aprendizaje que supongan un marco adecuado para la
observación de técnicas, elementos y procesos propios de la música, así como para la
utilización de las experiencias y los conocimientos ya adquiridos previamente.

Corresponde al docente el trabajo de mediación, comenzando la problemática de su


labor por el correcto entendimiento del texto, un sistema de signos recogido en la partitura
que, pese a su continuo enriquecimiento a lo largo de los siglos, padece (y padecerá
siempre) de irremediables limitaciones para representar el fenómeno musical como algo
“esencialmente necesitado” de recreación, como algo susceptible de ser abordado desde
perspectivas subjetivamente diferentes. Esto, por lo pronto, supone el aprendizaje del
sistema de signos propio de la música, que se emplea para fijar, siquiera sea de manera a
veces aproximada, los datos esenciales en el papel. La tarea del estudiante consiste por
tanto en:

A. Aprender a leer correctamente la partitura.

B. Penetrar después, a través de la lectura, en el sentido de lo escrito para poder


apreciar su valor estético.

C. Desarrollar la destreza necesaria en el manejo del ritmo y la voz para que la


ejecución de ese texto musical adquiera su plena dimensión de mensaje expresivamente
significativo, para poder transmitir de manera persuasiva, convincente, la emoción del
orden estético que en el espíritu del intérprete despierta la obra musical cifrada en la
partitura.

Para alcanzar estos objetivos, el estudiante debe llegar a desarrollar las capacidades
específicas que le permitan alcanzar el máximo dominio de las posibilidades de todo
orden, posibilidades que se hallan reflejadas en la literatura que nos han legado los
compositores a lo largo de los siglos, toda una suma de repertorios que por lo demás no

27
cesa de incrementarse. También se tomarán ejemplos de música actual que les resulte
atractiva y que les motive en su aprendizaje.

Al desarrollo de esa habilidad, a la plena posesión de esa destreza en el manejo del


ritmo y la voz, es a lo que llamamos técnica. El desarrollo de la misma se llevará a cabo
mediante actividades de carácter práctico con las cuales los alumnos mejoraran su
capacidad de reconocer sonidos y reproducirlos adecuadamente en el tiempo.

Es necesario, por no decir imprescindible, que el estudiante aprenda a valorar la


importancia que la memoria tiene en su formación. Conviene señalar que al margen de
esa básica memoria subconsciente, constituida por la inmensa y complejísima red de
acciones reflejas, de automatismos, sólo está sabido aquello que se puede recordar en todo
momento: la memorización es un excelente auxiliar en el estudio, por cuanto, entre otras
ventajas, puede suponer un considerable ahorro de tiempo, permitiendo desentenderse en
un cierto momento de la partitura para centrar toda la atención en la correcta solución de
los problemas técnicos y en una realización musical expresivamente válida y, por último,
la memoria juega un papel de primordial importancia en la comprensión unitaria, global
de una obra, ya que al desarrollarse ésta en el tiempo sólo la memoria permite reconstruir
la coherencia y la unidad de su devenir.

Debe considerarse como un capítulo importante en la formación del estudiante el


conocimiento de la historia de la música, y los procesos que intervienen en la producción,
así como su cuidado.

La formación y el desarrollo de la sensibilidad musical, partiendo, por supuesto, de


unas disposiciones y afinidades natas en el alumno, constituyen un proceso continuo,
alimentado básicamente por el conocimiento cada vez más amplio y profundo de la
literatura de su instrumento. Naturalmente, a ese desarrollo de la sensibilidad contribuyen
también los estudios de otras disciplinas teórico-prácticas, así como los conocimientos de
orden histórico.

Paralelamente a todo ello se debe favorecer y potenciar el disfrute de la música, y con


la música, tanto en situaciones de interpretación, como en otras de composición, audición
y análisis.

28
Esto hará que las actividades musicales adquieran un importante componente de
gratificación para el alumno que, sin duda, contribuirá al desarrollo de su propia
sensibilidad y a mejorar su actitud ante dichas actividades.

El trabajo sobre esas otras disciplinas, que para el estudiante pueden considerarse
complementarias pero no por ello menos imprescindibles, conducen a una comprensión
plena de la música como lenguaje, como medio de comunicación que, como tal, se articula
y se constituye a través de una sintaxis, de unos principios estructurales que, si bien
pueden ser aprehendidos por el intérprete a través de la vía intuitiva en las etapas iniciales
de su formación, no cobran todo su valor más que cuando son plena y conscientemente
asimilados e incorporados al bagaje cultural del alumno.

Todo ello nos lleva a considerar la formación como un frente interdisciplinar de


considerable amplitud que requiere un largo proceso formativo en el que juegan un
importantísimo papel, por una parte, el cultivo de las facultades puramente físicas y psico-
motrices y, por otra, la progresiva maduración personal, emocional y cultural del alumno.

Por otra parte, es necesario que se conozca, valore y respete la amplia oferta de obras
que le ofrece el patrimonio musical andaluz. Ello le permitirá tomar conciencia de dicho
patrimonio a través de la selección y escucha de sus obras más representativas.

Del mismo modo se debe favorecer el desarrollo de ejercicios y actividades, en


general, de improvisación tanto individual como en grupo. Con ellos, se les ofrece a los
alumnos otros contextos y situaciones de aplicación de los conocimientos adquiridos.

En este marco de las enseñanzas musicales, el profesor ha de ser un guía, un consejero


que de soluciones concretas a problemas igualmente concretos y que, en las cuestiones
de carácter más general, debe esforzarse en dar opiniones y no en imponer, en orientar y
no en conducir, estimulando la receptividad, creatividad y capacidad de respuesta del
alumno ante el hecho artístico.

La Formación vocal y el Lenguaje Musical constituyen los ejes fundamentales y


paralelos que conforman la columna vertebral del currículo. Son las especialidades que
aportan los principales medios necesarios para hacer música. No obstante, estas
enseñanzas fracasarán si se convierten en un fin en sí mismas.

Las particularidades técnicas e interpretativas serán estudiadas progresivamente,


graduando los niveles de complejidad que en cada momento se producen. Lo más

29
interesante sería trabajar con el grupo de clase al completo, aunque también se podrá
fragmentar el grupo, en caso de que fuese necesario.

Concebiremos la técnica simplemente como un medio para alcanzar una buena


interpretación musical, meta de estas enseñanzas musicales, y no como un fin en sí
mismo: el desarrollo técnico debe estar siempre al servicio del arte.

Habrá que evitar en todo momento que se produzca un desequilibrio entre técnica y
arte. Para ello, habrá que olvidarse de sistemas cuyo punto principal de partida sea el
mecánico. Se tratará de desarrollar las actividades con ejemplos musicales clásicos,
populares y contemporáneos conocidos, facilitando así su comprensión e interpretación.
Necesariamente se combinarán éstos con los imprescindibles ejercicios de técnica básica,
que permitan una progresiva evolución interpretativa.

En la selección de estos ejemplos se tendrá en cuenta que sean piezas con la calidad
necesaria para atraer y estimular al estudiante, guiarle en el desarrollo de su gusto musical,
motivarle para proseguir en el estudio y, en general, fomentar su amor a la música.

Como profesores, debemos asegurarnos de garantizar, por un lado, la funcionalidad de


los aprendizajes, de manera que los alumnos puedan utilizarlos en las circunstancias
reales que lo necesiten, y por otro, que estos aprendizajes sirvan de preparación para
estudios posteriores.

En todo momento se plantearán las relaciones entre unos contenidos y otros de la


asignatura y, por supuesto, las relaciones existentes entre el desarrollo del ritmo y la voz
y todas las demás asignaturas del currículo. De este modo facilitaremos la construcción
de un aprendizaje significativo por parte del alumno (ver punto 4.2, págs. 25-26).

4.4. COMPETENCIAS

Esta propuesta didáctica, persigue el desarrollo de las siguientes competencias básicas:

- Competencia en Comunicación Lingüística: Esta competencia se desarrolla gracias al


propio desarrollo de la voz y el ritmo, aspectos íntimamente relacionados con la acción
comunicativa. El propio método Orff emplea el lenguaje y las palabras como medio para
acceder al ritmo, explicar las acentuaciones, etc. Existe una relación muy estrecha entre

30
texto, comunicación lingüística y música, sin tener en cuenta que el canto y la propia
producción de la voz al hablar, son la misma cosa. A menudo usaremos la palabra para
que los alumnos aprendan la duración de las figuras, la acentuación de los tiempos fuertes,
etc.

El trabajo con música popular, la cual la mayoría de veces dispone de un texto, también
servirá para desarrollar esta competencia.

- Competencia matemática: El razonamiento matemático está muy íntimamente ligado a


la música, poseen una relación estrecha e incuestionable. Ambas disciplinas son lenguajes
universales y abstractos que requieren de aprendizaje para ser descifrados y ambas buscan
la belleza. Aprender las dos disciplinas no es más que desarrollarse en un paralelismo que
se produce naturalmente.

El desarrollo de la competencia matemática sería indispensable para una buena


comprensión de los conceptos aprendidos en la materia de música, puesto que los propios
compases, la métrica, la física del sonido… Son elementos que requieren de un correcto
avance en dichas materias.

- Competencia digital: Para un correcto desarrollo de la materia de música, debemos hacer


uso de la competencia digital, lo que implicaría un correcto uso creativo, crítico y seguro
de las tecnologías de la información. El uso de esta competencia requiere de un
conocimiento de las principales aplicaciones informáticas para el acceso a las fuentes y
el procesamiento de la información.

El alumno debería ser capaz de hacer uso de los recursos tecnológicos con el fin de
resolver problemas y tener acceso a recursos con mayor facilidad. Además, la adquisición
de esta competencia requiere de valores y actitudes que permitan al usuario adaptarse a
las nuevas necesidades establecidas por las tecnologías y desarrollar una actitud activa,
crítica y realista hacia ellas.

- Competencia aprender a aprender: El desarrollo de esta competencia es fundamental


para el aprendizaje permanente a lo largo de la vida. Supone la habilidad de iniciar,
organizar y persistir en el aprendizaje. Podemos considerar esta competencia de las más
importantes, pues buscamos que los alumnos alcancen la capacidad de ser autosuficientes
en el futuro.

31
Un punto muy interesante en esta competencia es que incluye una serie de destrezas
que requieren de reflexión y toma de conciencia de los propios procesos de aprendizaje,
lo cual está muy vinculado con nuestro sistema basado en métodos activos, que sitúan al
alumno como eje principal en su formación.

- Competencia en conciencia y expresiones culturales: El desarrollo de esta competencia


implica conocer, comprender, apreciar y valorar con espíritu crítico, con una actitud
abierta y respetuosa, las diferentes manifestaciones artísticas y culturales. Se persigue
también la dotación de una capacidad estética y creadora relacionada con códigos
artísticos y culturales, con el fin de usarlas como medio de comunicación y expresión
personal.

Dicha competencia implicaría también el manifestar interés por participar en la vida


cultural y requiere de conocimientos que permitan el acceso a las distintas
manifestaciones artísticas.

- Competencia social y cívica: Estaría basada en el fundamento crítico en concepto de


igualdad, justicia, ciudadanía y derechos humanos y civiles. La música puede ser
beneficiosa por el hecho de favorecer las relaciones entre individuos y grupos. Estaríamos
hablando de favorecer los principios de tolerancia entre distintos entornos sociales y
culturales.

Además, la materia de música podría favorecer enormemente las actitudes y valores


de colaboración y de trabajo en equipo, sin tener en cuenta diferencias, sean de la
naturaleza que sean.

32
4.5. RECURSOS

Los recursos materiales y tecnológicos que se van a usar para llevar a cabo nuestra
propuesta, son los siguientes:

➢ Aula de música ➢ Equipo de música y altavoces


➢ Mesa y silla del profesor ➢ Cuaderno de registro
➢ 30 sillas con pupitre incorporado ➢ Instrumental Orff2
➢ Pizarra pautada ➢ Papel pautado
➢ Ordenador portátil con conexión a internet ➢ Piano digital o teclado
➢ Folios A4 ➢ Fotocopiadora

4.6. ESTRATEGIAS DE EVALUACIÓN

La evaluación es una actividad imprescindible en las tareas docentes. La acción


educativa deberá ir acompañada de un mecanismo que valore el desarrollo de los alumnos
en la materia, que introduzca propuestas de mejora y que informe a todos los integrantes
del sistema educativo para colaborar en sus modificaciones.

En primer lugar, podemos establecer los siguientes tipos de evaluación, los cuales
llevaremos a cabo en nuestro proyecto educativo:

- Evaluación Inicial: Nos encontramos con un nivel bastante heterogéneo en nuestra


aula. Hay alumnos que vienen de escuelas de música y conservatorio con un nivel
muy bueno, y otros que apenas conocen los fundamentos del lenguaje de la
música. Nos veremos obligados a adaptarnos creando dos grandes grupos de
trabajo con la idea de que ambos perfiles de alumno aprovechen el tiempo y
avancen a lo largo del curso, a partir de sus respectivos niveles. La realización de

2
Claves, maracas, cajas chinas y triángulos

33
una prueba inicial de nivel es esencial para saber cómo actuar, qué tipo de
actividades diseñar, etc. Ver anexo 2.

- Evaluación continua: A partir del nivel inicial de conocimiento del alumno se


establecerá una evaluación continua, la cual se llevará a cabo teniendo en cuenta
la evolución de cada alumno en cuanto a sus capacidades y desempeño en la
materia. Para comprobar si los alumnos van asimilando los conocimientos, se
realizarán pruebas de carácter oral cada semana, en la primera sesión (15
minutos).

- Evaluación final: Se deberá superar una prueba escrita y otra práctica individual
al final de cada trimestre. Gracias a este tipo de evaluación, el docente sabrá qué
competencias se han adquirido y cuáles necesitan ser reforzadas.

Además, la evaluación propuesta en el presente proyecto se identifica con las


siguientes características:

- Debe ser continua. La evaluación es un elemento inseparable del proceso


educativo. Está inmersa en el proceso de enseñanza y aprendizaje con el fin de
detectar las dificultades en el momento en que se producen, averiguar sus causas
y, en consecuencia, adaptar las actividades de enseñanza y aprendizaje.

- Debe ser integradora. El carácter integrador de la evaluación en la Educación


Secundaria Obligatoria exige tener en cuenta las capacidades generales
establecidas en los objetivos de la etapa, a través de las expresadas en los objetivos
de las distintas áreas y materias. La evaluación del aprendizaje de los alumnos en
esta etapa educativa será, pues, continua e integradora, aunque diferenciada según
las áreas y materias del currículo.

- Debe ser formativa, cualitativa y contextualizada. La evaluación estará vinculada


a su entorno y a un proceso concreto de enseñanza y aprendizaje.

34
4.7. ACTIVIDADES

Las actividades que vemos a continuación, fueron diseñadas durante el periodo de


prácticas, las cuales se fueron ajustando durante las 12 sesiones de clase. Más adelante,
desarrollaremos una propuesta de mejora (punto 5), con la idea de proponer nuevas
actividades basadas en otros métodos, que aporten ideas nuevas y complementen el
material que ya tenemos.

Sesión nº1

a) Explicación sobre el sistema “fononimia” de Zoltán Kodály. Ejemplos de


gesticulación aplicada a los sonidos de la escala musical (Ver anexo, figura 1).

*Resumen para explicación en clase: Zoltan Kodály fue un compositor húngaro


de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX que potenció el folklore de su
país. Puso en marcha un método musical que favorece y potencia el aprendizaje
de la música independientemente de la edad con la que se comience, ya que afirma
que este arte está siempre presente en la vida del hombre y que por lo tanto la
música está vinculada a la humanidad. No obstante, afirma que, para un buen
aprendizaje, el repertorio que se aprenda así como la metodología que se siga debe
ser de calidad.

Su método, de gran utilidad en el trabajo coral, resalta diferentes aspectos de la


música a través de la presencia de cuatro elementos que de una forma u otra están
presentes y son básicos para el buen funcionamiento del mismo: el oído que se
desarrolla a través de la imitación de sonidos que con la práctica se van
interiorizando, el ritmo que se trabaja con la lectura de partituras en las que se van
explicando los diferentes elementos del lenguaje, la mano a través de la que se
hacen visibles las ondulaciones de la melodía con la realización de movimientos
ascendentes y descendentes, y la expresividad que se consigue a través de la
transmisión de los sentimientos que cada uno tiene mediante la voz y que se
potencian en la colectividad.

35
Estos aspectos se pueden trabajar y desarrollar bien individualmente o en grupo,
ya que la voz es un instrumento que tenemos todos y gracias al que nos podemos
comunicar, por lo tanto, dependiendo de si se trata de canto a solo o en grupo, es
importante tener en cuenta el tratamiento de la voz y los parámetros anteriormente
mencionados para que el resultado sea siempre el óptimo.

¿Cómo podemos abordar el aprendizaje de la música y del desarrollo auditivo con


este método? Trabajando y automatizando los diferentes movimientos de la mano
con cada una de las notas; interiorizando los intervalos y emitiendo los sonidos
con una voz trabajada y con expresión. De esta manera, podremos asimilar no sólo
los sonidos, sino también los intervalos entre los diferentes sonidos de la escala
(do-re, do-mi, do-fa…) y automatizarlos.

Se comenzarán gesticulando las notas do, mi y sol para que los alumnos se inicien
en el sistema. Se articulará un gesto y se preguntará individualmente por la nota a
la que pertenece (30 minutos).

b) Explicación sobre el “Ritmo musical” (¿Qué es el ritmo en música?) y su relación


con la expresión corporal y la danza. Se desarrollarán ejercicios de ritmo con
improvisación usando percusión corporal (Ver anexo 1, fig. 2). Se llevarán a cabo
de manera individual y de forma ininterrumpida pasando de un alumno al
siguiente, por filas. (30 minutos).
*Resumen para explicación sobre el ritmo: Una de las mejores definiciones de
ritmo, entre las muchas que existen, corresponde a la de Vincent d´Indy, expuesta
en un curso de composición. Según el compositor francés, el ritmo sería el orden
y proporción en el espacio y en el tiempo. Es un concepto sencillo pero claro, en
mi opinión. Podría decirse que el ritmo es una “ley de orden y equilibrio” (en una
acepción más amplia), y a la que, junto al movimiento, se ven sujetos todos los
fenómenos de la naturaleza. El ritmo musical, sería según d´Indy, una
estructuración de las diferentes duraciones sonoras, independientemente de su
altura.

36
• Sesión nº2

a) Práctica del sistema “fononimia” sobre las notas del arpegio de tónica de Do
Mayor: do, mi, sol. Se escribirán dichos sonidos en la pizarra, en principio
ordenados (arpegio ascendente y descentente) y luego se usarán otras
combinaciones y patrones melódicos. Todos los alumnos deberán gesticular a
medida que el profesor señala cada sonido (15 minutos).

b) Dictado de gestos. Se tocará un sonido con el piano y el alumno deberá averiguar


cuál es y mostrar el gesto correspondiente. (Las notas serán las correspondientes
al arpegio de tónica de Do Mayor). Esta actividad se desarrollará preguntando a
los alumnos de forma individual. Ver anexo 1, fig. 3 (15 minutos).

c) Ejercicios de ritmo corporal del 1 al 5 del libro Ritmo y Lectura 1, Encarnación


López de Arenosa (2000). Ver anexo 1, fig. 4. En primer lugar, todos los alumnos
percutirán el ejercicio sobre la mesa, marcando las negras y corcheas con solidez.
Es importante que los estudiantes no se precipiten en el tempo, puesto que es muy
común que se adelanten a medida que avanzan. Más tarde, se dividirá la clase en
dos grupos. El grupo A percutirá la primera línea sobre la mesa, el B percutirá el
pulso (2ª línea) con los pies (30 minutos).

• Sesión nº3

a) Responde a las siguientes preguntas (se preguntará individualmente): ¿Qué es el


ritmo musical?, ¿Qué es y para qué sirve el sistema de fononimia de Kodály?, ¿A
qué gesticulación corresponden las notas do, mi y sol? (15 minutos)

b) Explicación sobre los compases simples (2/4,3/4 y 4/4). Ejemplos prácticos de


cada uno de ellos. Nos basaremos en el método Dalcroze, y mediremos un compás
de 2/4 de la siguiente forma: a) las negras una pulsación-un paso, b) las corcheas
con palmas, a la mitad de tiempo que las negras. Se deberá tomar un pulso estricto,
el cual seguirá toda la clase y se acentuará el primer pulso de cada compás.

37
Luego, se procederá a explicar la medida de cada uno de los compases (2/4, 3/4 y
4/4). Los alumnos deberán imitar al profesor siguiendo un pulso tranquilo: 60 bpm
aproximadamente (15 minutos).

c) Explicación del término “anacrusa” y su uso: “Es la nota o notas que preceden al
primer tiempo fuerte de una frase musical. Cuando este hecho se produce al inicio
de una pieza, generará un compás incompleto que se denomina compás de
anacrusa. En el cómputo de compases, éste no tendrá valor alguno”3

Práctica de la anacrusa sobre la partitura del “Rondó alla Turca” de Mozart. Ver
anexo 1, fig. 5. Se comenzará indicando cómo sería la entrada a la pieza tal como
lo haría un director de orquesta (marcando sólo un pulso antes de las 4
semicorcheas de la anacrusa). Los alumnos deberán dar un golpe de negra en el
primer tiempo del primer compás de la pieza de forma simultánea (30 minutos).

• Sesión nº4

a) Explicación sobre fononimia para los sonidos correspondientes a las notas re, fa
y la. Dictado de gestos sobre las notas anteriores. El profesor dictará una serie de
gestos y los alumnos deberán escribir la nota a la que corresponden en su
cuaderno. Más tarde, el profesor pedirá que todos los alumnos gesticulen cada
nota, marcando un pulso moderado y constante: 60 bpm (30 minutos).

b) Ejercicios de ritmo usando percusión corporal, del 6 al 12 del libro Ritmo y


Lectura 1, Encarnación López de Arenosa (2000). Ver anexo 1, fig. 6. La
realización del ejercicio se hará de la siguiente forma: las negras se percutirán con
los pies, y las corcheas con palmas. Es importante que se mantenga un pulso firme
y que la equivalencia entre figuras se ejecute de forma exacta.

c) Explicación sobre los compases compuestos (6/8, 9/8 y 12/8).

3
Daniel Hernández, Teoría.com. Referencia: Anacrusa.

38
*Resumen: “Cuando la división de la parte se hace en tercios (de tres en tres), el
compás se llama compuesto o de subdivisión ternaria. Se representa la unidad de
tiempo con una figura compuesta (con puntillo o ligadura)”. Ejemplos prácticos
sobre los mismos que se escribirán en la pizarra. Los alumnos deberán leerlos e
indicar la medida de cada uno de los ejemplos (15 minutos).

• Sesión nº5

a) Ejercicio de entonación con gestos. Ver anexo 1, fig. 7. Los alumnos deberán
entonar y gesticular cada sonido escrito. En primer lugar, encontramos sonidos
sin ritmo. Más tarde, en la segunda parte del ejercicio, los alumnos deberán solfear
el ejercicio marcando el compás de 2/4 con la mano. Una vez esté perfectamente
trabajado, pasaremos a entonarlo junto a la gesticulación correspondiente al
sistema de Kodály (15 minutos).

b) Práctica de la gesticulación correspondiente a las notas de la escala desde do hasta


sol. Toda la clase trabajará el gesto de cada una de las notas, simplemente
nombrándolas (sin entonación). Más tarde, el profesor procederá a tocar con el
piano cada uno de los sonidos acompañados de gesticulación. Por último, los
alumnos deberán gesticular y entonar los sonidos (15 minutos).

c) Repaso de los ejercicios de ritmo, del 1 al 12. Ver anexo 1, figuras 4 y 6 (15
minutos). Los ejercicios de repaso se realizarán de la misma forma que cuando se
vieron por vez primera.

d) Dictado de gestos. El alumno deberá reproducir el gesto en base a un sonido


escuchado en el piano. Las notas que se podrán oír son do, re, mi, fa y sol. Este
ejercicio se realizará de manera individual, pasando alumno por alumno, por
orden de fila (15 minutos).

39
• Sesión nº6

a) Responde a las siguientes preguntas (Se elaborarán por escrito y se preguntará


individualmente): ¿Qué tipos de compases existen?, ¿Qué son los compases
simples?, ¿Qué son los compases compuestos? (15 minutos)

b) Dictado de gestos. Los alumnos deberán escribir el nombre de la nota (de forma
individual) según el gesto que muestra el profesor. Una vez corregido el ejercicio,
los alumnos deberán gesticular mientras entonan el sonido: mmmh (toda la clase).
Ver anexo 1, fig. 8 (15 minutos)

c) Práctica del “Rondó alla Turca” (Mozart), compases 1-20. Ver anexo 1, fig. 5..
En un principio, el ejercicio se realizará percutiendo sobre sobre la mesa, sin el
audio. Posteriormente, se percutirá sobre la mesa donde aparece indicación de
piano, y palmas cuando aparezca mezzo piano. Por último, se realizará el ejercicio
con el audio de la pieza. Se deberá respetar el pulso en todo momento, sin
precipitarse (30 minutos).

• Sesión nº7

a) Actividad de escucha: Tik Tak Polka – Strauss (musicograma). En principio, se


pondrá el vídeo a los alumnos para que escuchen la pieza. Se preguntará de forma
individual sobre la pieza escuchada (Si les suena o le resulta familiar… A qué otro
género se puede parecer… Si se conoce al compositor y estilo de dicha pieza, etc.)
Seguidamente, se pasará a marcar el pulso de la pieza con los pies. Por último, Se
dividirá la clase en dos grupos. Uno de ellos percutirá con los pies cuando
aparezca el timbal y el otro, usará las palmas cuando aparezcan los platillos. Será
necesario ensayar el ejercicio varias veces hasta que salga correctamente,
fomentando la capacidad de memoria de los alumnos (30 minutos).
Enlace del vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=rwMfvxg92oI

b) Explicación sobre la síncopa: Según Dionisio de Pedro (1996), la síncopa sería


un sonido que comienza en parte o fracción débil y se prolonga sobre la parte o

40
fracción fuerte siguiente. En este momento, podríamos aprovechar también para
explicar el contratiempo. Se escribirán una serie de ejemplos con diferentes
figuraciones en la pizarra y se percutirán sobre la mesa respetando la acentuación
característica de la síncopa. Este ejercicio se realizará en grupo (15 minutos).

c) Dictado rítmico. Ver anexo 1, fig. 9. Tras corregir el ejercicio, se procederá a


trabajarlo de forma percutida. En este caso, las corcheas se realizarán con palmas
y las negras con los pies. El tempo se tomará desde 60 la negra, y se le dará
velocidad de forma paulatina hasta llegar al menos a 90 (15 minutos).

• Sesión nº8

a) Ejercicios de ostinato rítmico con pies y palmas. Ver anexo 1, fig. 10. El ejercicio
se realizará parando en cada número y respetando los signos de repetición que
aparecen. En lo referente al tempo, se comenzará lentamente, para más tarde, ir
subiendo hasta llegar al menos a 100 bpm (la negra). El ejercicio se realizará en
grupo (30 minutos).

b) Ejercicios 1 y 2 de entonación usando el sistema de “fononimia”. Ver anexo, fig.


11. Trabajo sobre las notas do, re, mi, fa, sol con los gestos correspondientes al
sistema fononimia de Kodály y de los compases de 4/4 y 3/4. En primer lugar, el
ejercicio se leerá nombrando las notas y midiendo con la mano. (15 minutos). Más
tarde, se procederá a entonar y gesticular el ejercicio en grupo (15 minutos).

• Sesión nº9

a) Trabajo de gesticulación de los sonidos la, si y do agudo. Dictado de gestos


empleando los nuevos sonidos: El profesor realizará un gesto y los alumnos dirán
a qué nota pertenece (se preguntará de manera individual). Por último, se tocará
un sonido con el piano y los alumnos tratarán de averiguar a cuál de los sonidos
anteriores corresponde (15 minutos).

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b) Práctica de la escala completa empleando gestos y entonando sonidos: mmmh. Se
tomará un pulso moderado (en torno a 60 bpm) y constante. Los alumnos deberán
entonar cada sonido de la escala, acompañado del gesto correspondiente. Se
empezará acompañando con el piano para más tarde realizarse sólo con voz (15
minutos).

c) Explicación sobre el contratiempo: Según Dionisio de Pedro, el contratiempo se


produce cuando un sonido, precedido y seguido de silencio, ocupa una parte o
fracción débil (15 minutos).

d) Audición de la BSO de “La Vida es Bella”. Se escuchará el ritmo del comienzo y


se pedirá a los alumnos que levanten la mano cuando escuchen el ritmo a
contratiempo. Seguidamente, se responderá de forma individual a las siguientes
cuestiones:

¿Qué instrumento es el que toca el contratiempo? ¿En qué compás puede estar
escrita la pieza? Hay un instrumento que suena muy grave, ¿cuál crees que es ese
instrumento? ¿Qué instrumento de percusión suena desde el comienzo? (15
minutos).

Enlace al vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=GTkTgFQWQVE

• Sesión nº10

a) Ejercicios de ritmo del 13 al 15 del libro Ritmo y Lectura 1, Encarnación López


de Arenosa (2000). Ver anexo 1, fig. 12. El ejercicio se desarrollará de la misma
forma que el ejercicio (c) de la sesión nº2 (30 minutos).

b) Dictado de gestos. El profesor realizará un gesto y los alumnos deberán escribir a


qué sonido pertenece. En este caso, podrán aparecer todos los sonidos de la escala
musical, de do a do agudo (15 minutos).

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c) Dictado de gestos con sonido. El profesor tocará una nota y el alumno determinará
a qué sonido corresponde y qué gesto se le asigna. Podrá aparecer cualquier sonido
de la escala musical (15 minutos).

• Sesión nº11

a) Ejercicios 3 y 4 de entonación usando el sistema “fononimia”. Ver anexo 1, fig.


13. La actividad se realizará de igual forma a la actividad (b) de la sesión nº8 (30
minutos).

b) Repaso de los ejercicios de ritmo 13, 14 y 15 del libro Ritmo y Lectura 1,


Encarnación López de Arenosa (2000). Ver anexo 1, fig. 12. Esta vez, se efectuará
percutiendo las blancas y negras sobre la mesa y las corcheas con palmas. Los
silencios se realizarán siseando: sssh. Se comenzará con un tempo moderado (60
bpm), el cual se irá incrementando hasta llegar a 90. Es importante que se
mantenga un pulso firme de comienzo a fin del ejercicio (30 minutos).

• Sesión nº12

a) Examen práctico individual (Parte I). Los contenidos que entran en la prueba son
las lecciones de ritmo del libro Ritmo y Lectura 1, Encarnación López de Arenosa
(2000): ejercicios del 1 al 15; y las lecciones de entonación, ejercicios del 1 al 4.
Todo el contenido ha sido trabajado anteriormente en clase. Se examinará a los
alumnos, uno por uno, por orden de lista.

b) Examen práctico individual (Parte II). Responder por escrito a las siguientes
cuestiones: A) ¿Qué es el ritmo en música? ¿Con qué otras disciplinas se puede
relacionar el ritmo? B) Nombra los compases que conozcas. ¿Cuántos tipos de
compás hay y cómo se denominan? C) ¿Qué es el sistema “fononimia? ¿Quién lo
creó? ¿Para qué sirve? D) ¿Qué es una síncopa?

43
4.8. MEDIDAS DE ATENCIÓN A LA DIVERSIDAD

Hay que tener en cuenta que el grupo de alumnos al cual le vamos a dar clases es
heterogéneo por lo que vamos a encontrar a alumnos que, sin estar diagnosticados de
necesidades educativas especiales, tengan niveles curriculares distintos, ya sea por
encima o por debajo de la media de los demás alumnos.

En la Unidad Didáctica tiene que quedar claro que somos conscientes de la diversidad
de características individuales de los alumnos; que respondemos a esa diversidad; y cómo
lo hacemos. Por ello, si fuera necesario, se realizará una flexibilización de objetivos
didácticos, actividades de ampliación y refuerzo, tipos de evaluación, etc.

La docencia debe llevar a cabo medidas a través de la puesta en marcha de estrategias


concretas y variadas, puede intervenir sobre todo su alumnado en función de las
condiciones específicas de cada estudiante. En nuestro caso, la atención a la diversidad
parte de la clase colectiva, en la que obtenemos datos sobre cómo se manifiesta el alumno
y así establecer, a través de la correspondiente evaluación inicial o diagnóstica, sus
aptitudes y carencias. Estas se modulan tanto en función de las características físicas de
los alumnos (que influyen, por ejemplo, en la sonoridad o en la agilidad “mecánica”)
como de sus conocimientos previos o su capacidad expresiva. Por todo esto, en el
desarrollo de las Unidades didácticas previstas podrán adaptarse o añadirse actividades
según convenga. Del mismo modo, podría ser necesario retomar o prolongar el trabajo de
algún aspecto determinado hasta su correcta asimilación.

4.9. ANÁLISIS Y EVALUACIÓN DEL DESARROLLO UNIDAD


DIDÁCTICA

Los diferentes contenidos y actividades llevadas a cabo durante las prácticas, se


desarrollaron con normalidad, aunque fueron sufriendo una clara evolución a medida que
se iban poniendo en práctica en el aula. En ocasiones, se tuvieron que hacer adaptaciones
tanto en el contenido como en las actividades planteadas, bajo la supervisión de la tutora
de prácticas debido a un planteamiento, mejorable a priori, o a la propia inexperiencia a
la hora de desempeñar la acción docente en el alumnado de Secundaria.

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En plano general, la respuesta del alumnado fue muy buena. Los estudiantes del IES
Martínez Montañés parten de unos conocimientos previos más que aceptables y
desempeñan la materia con interés y seriedad. No obstante, siempre hay grupos que
responden de mejor o peor forma a ciertos aspectos relacionados con los contenidos
desarrollados. Se puede decir, que cada grupo es característico y posee sus propias
particularidades y es nuestra tarea, la de adaptar la metodología empleada, dependiendo
de la situación, intereses y necesidades del alumnado.

❖ Análisis de los instrumentos de evaluación utilizados

Los instrumentos de evaluación empleados para comprobar que el alumnado ha


superado o no los objetivos propuestos anteriormente, son los siguientes:

a) Prueba escrita de respuestas cortas: Gracias a esta prueba, el alumno ha aportado


información concreta y específica, exponiendo sus respuestas de forma breve y
concisa (ver prueba escrita, parte II del examen, sesión nº12, página 43).

b) Pruebas orales de carácter práctico: Son controles que se han efectuado cada
semana, durante los primeros 15 minutos de la sesión. Se han llevado a cabo de
forma individual y en parejas, y han sido de gran utilidad para comprobar la
correcta asimilación de contenidos por parte del alumnado (ver sesión nº3 a,
sesión nº6 a, páginas 37 y 40 respectivamente)

c) Cuaderno de clase del alumno: A través de la revisión de este instrumento hemos


podido ver reflejado el trabajo diario que ha realizado el alumno: Si ha tomado
apuntes correctamente, si tiene un buen nivel de expresión escrita, si ha ampliado
la información sobre los temas tratados, etc.).

d) Observación directa: A través de un cuaderno de registro.

Bajo mi punto de vista, se han cumplido los objetivos en el desempeño de las


actividades presentadas. No obstante, y viendo las cosas con perspectiva, se podría haber

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experimentado con otros métodos de aprendizaje activo, los cuales estudiaremos y
plantearemos en nuestra propuesta de mejora.

La actividad de evaluación (sesión nº12) no se pudo llevar a cabo de forma escrita


debido al poco tiempo disponible, a los límites (en cuanto a temporalización se refiere)
establecidos por la programación del departamento. Sin embargo, ambas pruebas se
realizaron de forma oral, comprobando que los alumnos habían adquirido
convenientemente los conocimientos previstos. A su vez, y como se ha explicado con
anterioridad en el apartado de estrategias de evaluación (4.6), se llevó a cabo un proceso
de evaluación continua, teniendo en cuenta el nivel inicial de los alumnos y viendo cómo
iban evolucionando.

De haber dispuesto de más tiempo, se habrían desarrollado mayor variedad de


actividades que permitiesen a los estudiantes conocer y experimentar con diferentes
métodos de aprendizaje, con los cuales mejorar sus habilidades, conocer nuevos géneros,
etc. No obstante, ha sido una experiencia positiva y beneficiosa que nos aporta nuevas
herramientas a la hora de lleva a cabo nuestras intervenciones en el aula.

5. PROPUESTA DE MEJORA: MÉTODOS ACTIVOS PARA EL


DESARROLLO DEL RITMO Y LA VOZ

5.1. JUSTIFICACIÓN DE LA PROPUESTA

La finalidad de nuestra propuesta de mejora es la de resolver los problemas y carencias


basados en la experiencia vivida en las prácticas, una mejora de nuestra Unidad Didáctica,
la cual se ampliará añadiendo nuevas metodologías, materiales y recursos. Las
herramientas que usaremos para conseguir nuestra meta se basan en los métodos activos
de aprendizaje, concretamente los de C. Orff, Dalcroze y Kodály.

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La razón por la cual tenemos en cuenta dichos métodos y no otros, es porque me
parecen los más interesantes a la hora de adaptarlos al nivel que nos corresponde (2º), y
por su enorme transcendencia desde su aparición hasta nuestros días.

Según Sánez (2009), los métodos activos parten de unos presupuestos comunes
métodos activos parten de unos presupuestos comunes, que son condicionantes para que
se lleven a cabo. Estos son:

• Que las relaciones profesor-alumno se desenvuelvan de una forma en que este se


sienta siempre comprendido y aceptado.
• Que el sentido de la enseñanza sea progresivo.
• Que las condiciones positivas sean aprovechadas al máximo y las negativas
reducidas al mínimo.
• Que la amenidad predomine sobre la aridez, tanto en la labor que se le imponga
al alumno como en la forma de impartir la clase.
• Que se elimine de la enseñanza toda dificultad superflua e inútil que no persiga
un fin didáctico determinado.
• Que se tenga en cuenta la tradición, pero sin escudarse en ella para refugiarse, en
la rutina y desechar la experimentación.
• Que se practique cuando estimule al alumno y se evite lo que pueda aburrirlo.
• Que la enseñanza se adapte a lo requerido por la edad.

Además, son varias las funciones fundamentales que se deben mantener para
conseguir una buena acción educadora con los métodos con los cuales trabajaremos más
adelante:

1. Toda acción educadora en el campo de la educación musical general, desde la edad


más temprana, debe tener en cuenta lo siguiente: la intensidad, calidad y eficacia de los
estímulos capaces de despertar un interés particular y definido.

2. El educador deberá ofrecer un claro enlace entre los conocimientos y la práctica, entre
lo teórico y lo operativo. El profesor, al proponer la realización de un ejercicio, deberá
tener presente hacia dónde se encamina su resultado y qué sentido tiene cada uno de los
momentos de la unidad y cuáles son las fuerzas del educando para superar determinadas
situaciones.

47
3. El auténtico educador deberá elaborar su propia estrategia para descubrir cualidades
innatas e inéditas.

4. Todo conjunto coordinado de estímulos educacionales surge de la necesidad de


dosificar y equilibrar estos estímulos en función de cumplimiento de etapas previsibles
de aprendizaje.

5. Estos sistemas no se deberán adoptar de manera uniforme con la totalidad de los


alumnos y alumnas, hay que tener en cuenta los fenómenos psicológicos y socioculturales
que cada uno manifieste.

6. No se aplicará a un alumno un sistema rígido hasta sus últimas consecuencias.

5.2. OBJETIVOS DE LA PROPUESTA

Los objetivos de esta propuesta de mejora, son los siguientes:

• Resolver los problemas y carencias que se han producido durante las


intervenciones en las Prácticas Externas.
• Adquirir nuevas herramientas metodológicas que nos sean útiles para alcanzar
nuestros objetivos.
• Desarrollar nuevas actividades que se complementen con las ya usadas, y que
resulten útiles en el aprendizaje musical de los alumnos.
• Conseguir que el alumno aprenda y desarrolle sus habilidades a partir de la
exploración y el descubrimiento.
• Desarrollar un aprendizaje inclusivo, donde se satisfagan las necesidades de todos,
incluso de alumnos con necesidades específicas de apoyo educativo.

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5.3. CONTENIDOS

De acuerdo con lo establecido en el Real Decreto 1631/2006, p. 762, desarrollaremos


los contenidos a tratar en nuestro proyecto de mejora, los cuales están relacionados con
los bloques de la materia, y que abarcan los cursos de primero a tercero de ESO:
escucha, interpretación, creación y contextos musicales.

I. Escucha

• Aplicación de estrategias de atención, audición interior y memoria comprensiva.


• Utilización de recursos corporales, vocales e instrumentales, medios
audiovisuales y tecnologías, textos, partituras, etc.
• Identificación de los elementos que intervienen en la construcción de una obra
musical (melodía, armonía, timbre, textura, etc.).
• Audición y análisis elemental de las obras tratadas en el aula.
• Interés por desarrollar hábitos saludables de escucha y de respeto a los demás en
la escucha.

II. Interpretación

• Uso de la voz y la palabra como medios de expresión musical: características y


habilidades técnicas e interpretativas.
• Los instrumentos y el cuerpo como medios de expresión musical.
• Práctica, memorización e interpretación de piezas vocales e instrumentales
aprendidas por imitación y a través de la lectura de partituras.
• Interpretación de piezas, de forma individual y en grupo.
• Práctica de pautas básicas de interpretación: silencio, atención al director,
memoria, etc.
• Interés por el conocimiento y cuidado de la voz, el cuerpo y los instrumentos.

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III. Creación

• Improvisación vocal e instrumental.


• Elaboración de arreglos de canciones y piezas mediante la creación de
acompañamientos sencillos.
• Utilización de medios informáticos y otros dispositivos electrónicos.

IV. Contextos Musicales

• Conocimiento de las manifestaciones musicales más significativas del


patrimonio musical occidental y de otras culturas
• Reconocimiento de pluralidad de estilos en la música actual.
• La música al servicio de otros lenguajes: corporal, teatral, cinematográfico,
publicitario, radiofónico.
• Sensibilización y actitud crítica ante el consumo indiscriminado de música y
polución sonora.

5.4. METODOLOGÍAS ACTIVAS DE APRENDIZAJE MUSICAL: Dalcroze, Orff


y Kodály.

Como ya comentamos anteriormente, esta propuesta supondrá una expansión/mejora


de las actividades llevadas a cabo durante las Prácticas Externas en el IES Martínez
Montañés. Para ello, explicaremos los 3 principales métodos activos orientados al
desarrollo del ritmo y la voz (Dalcroze, Orff y Kodály), y propondremos nuevas
actividades que se puedan implantar en el aula y nos ayuden a alcanzar nuestras metas
como docentes.

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5.4.1. MÉTODO DALCROZE

Émile Jacques Dalcroze es un compositor, músico y educador de padres suizos,


aunque nació en Viena, el 6 de julio de 1865. Es el creador del “Método de la educación
por el ritmo y para el ritmo” conocido como Rítmica. En él nos centraremos, pues, para
el trabajo de este parámetro musical.

Como ya comentamos anteriormente, Dalcroze fue pionero en las nuevas


metodologías musicales, siendo punto de partida de los demás métodos que hoy
conocemos (Willems, Ward, Orff, etc.). Tal ha sido su transcendencia, que hoy día se
siguen usando en Escuelas de Música, Universidades y Conservatorios.

Aunque el compositor se centra en la Educación Primaria en cuanto a movimiento


rítmico, en Secundaria se pueden aplicar las actividades, previa adaptación de nivel por
parte del profesor. El número de alumnos es importante, siendo lo idóneo el grupo de 15
alumnos más o menos, además de que haya homogeneidad en cuanto a nivel.

Dalcroze se oponía al aprendizaje mecánico de la música y comenzó a trabajar el


desarrollo del oído y del ritmo por medio del movimiento corporal. Este método de
carácter multidisciplinario no es nada nuevo, puesto que ritmo y movimiento corporal
siempre han sido conceptos que van de la mano.

El aprendizaje de las técnicas se llevaría a cabo en grupo, por medio de procesos como
la imitación, reacción, adaptación, etc. Su método se basa en ejercicios corporales, los
cuales sirven para asimilar el ritmo (entre otros parámetros musicales) a partir de la
creación de una imagen interior. Según el propio Dalcroze, la música no se oye sólo por
el oído, sino por todo el cuerpo. La rítmica pues, se fundamenta en la movilización mente-
cuerpo.

El compositor valora el sentido rítmico como cualidad en un músico, además de otras


como son: agudeza auditiva, sensibilidad nerviosa y facultad de exteriorizar de forma
externa las sensaciones emotivas. Su método no sólo se aplica en niños a partir de 6 años,
sino también en adultos, invidentes y discapacitados mentales.

A continuación, pasaremos a explicar la Rítmica de Dalcroze, de una forma más


detallada.

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Según Dalcroze, la Rítmica es “una educación del sentido rítmico-muscular del cuerpo
para regular la coordinación del movimiento con el ritmo, trabajándolo
simultáneamente”. Según Ráez (2006), se ponen en juego 3 factores:

1. La atención. Se registra lo que se oye y se repite.


2. La inteligencia. Ya que se debe comprender y analizar lo que se ha sentido.
3. La sensibilidad. Para sentir la música.

Por otro lado, la Rítmica se caracteriza por:

• Mejora del oído, llevada a cabo mediante la experiencia en el movimiento.


• Representación del ritmo a través del movimiento.
• Ritmo como base del solfeo.
• Se mantiene el esfuerzo personal como pauta imprescindible.

Lo que realmente nos interesa es la transformación del cuerpo en un instrumento de


percusión, tal como planteaba Dalcroze. Es un método que se puede llevar a la práctica
de forma muy eficiente sin costes en instrumental, lo cual nos da ventaja y no nos limita
en absoluto a la hora de usarlo en cualquier contexto.

El ritmo se experimentaría a través del movimiento y el cuerpo se usaría como medio


para representar cualquier elemento musical, sea ritmo, melodía, dinámica, armonía o
forma.

5.4.2. MÉTODO ORFF

El método se origina gracias al director de orquesta y afamado compositor alemán,


Carl Orff, nacido en Munich en 1895. Saltó a la fama como compositor en 1937 cuando
dio a conocer su cantata, Carmina Burana, una adaptación moderna de unos poemas
medievales. Como pedagogo, destaca por su método Schuwerk, una obra que recopila sus
enseñanzas, las cuales llevó a cabo en su escuela de gimnasia, música y danza.

Los dos fundamentos que tomaremos para nuestro proyecto y que considero más
importantes son: a) El trabajo del ritmo a partir del texto, considerándose la palabra como

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la célula generadora del ritmo, y b) El aprendizaje de la música de forma activa, a través
del uso de instrumentos, de la improvisación y de la creación a través de ellos.

Orff también considera el cuerpo como un instrumento dotado de características


tímbricas diversas, al igual que ocurría con Dalcroze. A parte del concepto de ritmo y
palabra, donde se emplea el lenguaje como medio para acceder al propio ritmo,
acentuaciones, compás, etc., el compositor usa las canciones populares de niños,
infantiles y melodías de danza centroeuropea para trabajar la voz.

Ejemplo:

3/negra Negra= ta Corchea= ti

Tito/titi titi/ titi titi / ta titi/ titi titi/ titi titi / titi ta ta / titi /

Pito pito colo rito ¿dónde vas tanso lito Ala cera verda dera pin pon fuera

Los instrumentos que se usan para el aprendizaje, Instrumental Orff, son de pequeña
percusión: claves, maracas, güiros, cajas chinas, temple-block, triángulos, crótalos,
xilófinos, metalófonos… A los que se suman la propia voz y la percusión corporal.

Entre los principales objetivos de Orff, se encuentran los siguientes:

• Incremento de las habilidades del lenguaje


• Incremento del poder de control sobre el cuerpo
• Desarrollo de las habilidades espaciales
• Fomento del trabajo en equipo al desarrollar habilidades en grupo
• Desarrollo de la comprensión y uso de la comunicación verbal y no verbal
• Desarrollo de la relajación corporal
• Participación voluntaria basada en la libertad, diversión y disfrute.
• Desarrollo de la aceptación de los individuos a expresarse libremente

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5.4.3. MÉTODO KODÁLY

Zoltán Kodály fue un compositor húngaro de finales del siglo XIX y comienzos del
siglo XX que potenció el folklore de su país. Puso en marcha un método musical que
favorece y potencia el aprendizaje de la música independientemente de la edad con la que
se comience, ya que afirma que este arte está siempre presente en la vida del hombre y
que por lo tanto la música está vinculada a la humanidad. Nos basaremos en él para
desarrollar nuestras actividades relacionadas con la mejora de la voz, usando su sistema
fononimia, el cual se basa en una serie de signos manuales asignado a cada sonido de la
escala musical.

* Signos manuales del sistema fononimia de Kodály

Dicho método es de gran utilidad en el trabajo coral, y resalta diferentes aspectos de


la música a través de la presencia de cuatro elementos que de una forma u otra están
presentes y son básicos para el buen funcionamiento del mismo: a) El oído, que se
desarrolla a través de la imitación de sonidos que con la práctica se van interiorizando, b)
El ritmo, que se trabaja con la lectura de partituras en las que se van explicando los
diferentes elementos del lenguaje, c) La mano, a través de la que se hacen visibles las
ondulaciones de la melodía con la realización de movimientos ascendentes y
descendentes, y c) La expresividad, que se consigue a través de la transmisión de los
sentimientos que cada uno tiene mediante la voz y que se potencian en la colectividad.

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Estos aspectos se pueden trabajar y desarrollar, bien individualmente o en grupo, ya
que la voz es un instrumento que tenemos todos y gracias al que nos podemos comunicar,
por lo tanto, dependiendo de si se trata de canto a solo o en grupo, es importante tener en
cuenta el tratamiento de la voz y los parámetros anteriormente mencionados para que el
resultado sea siempre el óptimo.

¿Cómo podemos abordar el aprendizaje de la música y del desarrollo auditivo con este
método? Trabajando y automatizando los diferentes movimientos de la mano con cada
una de las notas; interiorizando los intervalos y emitiendo los sonidos con una voz
trabajada y con expresión.

De esta manera, podremos asimilar no sólo los sonidos, sino también los intervalos
entre los diferentes sonidos de la escala (do-re, do-mi, do-fa…) y automatizarlos. Se
podría empezar practicando la escala pentatónica y los modos, y posteriormente la
diatónica. Es el procedimiento que defiende Kodály, aunque hay otros autores que lo
hacen de forma distinta.

5.4.4. OTROS MÉTODOS DE APRENDIZAJE ACTIVO EN MÚSICA: Ward,


Martenot, Willems

A parte de los métodos analizados en nuestro proyecto, existen otros de considerable


importancia en este campo, los cuales comentaremos, aunque no nos detengamos
demasiado en ellos, por cuestiones de espacio.

El primero de ellos, es método de Justine Bayard Ward (New Jersey 1878-Whasington


1975). Según aparece en su método “Pedagogía Musical Escolar”, su objetivo principal
era aportar una formación sólida a los niños apoyándose en la música clásica, la música
moderna y el canto gregoriano. Este autor es muy interesante en el terreno del desarrollo
de la voz, puesto que fundamenta su método sobre el aspecto auditivo, el control de la
voz y la afinación.

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Ward empleará una notación numérica como preparación a la notación convencional
(1=do, 2=re, 3=mi, etc.), y da mucha importancia a la imitación de modelos propuestos
por el maestro.

También recoge en su método aspectos relacionados con el ritmo. Según el autor, este
parámetro es el alma de la composición y se produce al poner en juego dos elementos: un
impulso y una caída (arsis y tesis).

El siguiente de los métodos que se incluyen en este punto, es el ideado por Maurice
Martenot (París 1898- París 1980). Su sistema tiene como fin un desarrollo integral del
ser humano que integre todas sus facultades de forma armoniosa. El aspecto básico de su
método es la formación auditiva, centrándose en los conceptos de melodía, armonía y
timbre. Martenot habla en sus textos sobre la génesis del aprendizaje musical. Le da
mucha importancia al canto de canciones infantiles de los padres hacia sus hijos, y según
él proporciona un sentimiento de protección y seguridad.

Sus actividades trabajan la improvisación melódica, la imitación y la reproducción de


intervalos y duraciones, el reconocimiento de timbres y la audición de intervalos
armónicos. En el apartado rítmico, se centra en la improvisación rítmica, los dictados
orales de ritmo y la lectura, tanto de ritmos como de notas.

Por último, tenemos que tener también en cuenta el método desarrollado por Edwar
Willems (Bélgica 1890- Ginebra 1978). Según el propio Willems, la música es la
actividad humana más global y armoniosa, y gracias a ella, desarrollamos las variables de
temporalidad, materialidad, espiritualidad, afectividad, desarrollo mental, afectivo e
idealista.

Sitúa la melodía como punto de partida del aprendizaje, incluyendo el desarrollo


auditivo y rítmico en niños desde 3 años. En cuanto al uso de escalas, difiere del método
de Kodály, empezando por practicar la escala diatónica, y posteriormente, la pentatónica
y las escalas modales. En el aspecto rítmico, se centra en el sentido del tiempo y el ritmo
practicado corporalmente. Se trabajará mediante el palmeo natural de los compases y
movimientos corporales procedentes del sentido de la música que se escucha: carreras
con saltos, balanceos, giros, etc.

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5.4.5. ACTIVIDADES

A continuación, pasaremos a desarrollar actividades basadas en nuestra propuesta de


mejora. Las organizaremos dependiendo del método utilizado y servirán para poner en
práctica nuevas estrategias y actividades que sean de provecho para el aprendizaje de los
alumnos.

❖ Actividades basadas en el método Dalcroze

➢ Actividad nº1 – Coreografía Pedro y el Lobo

-Descripción: Como ya explicamos en el punto 6.1, Dalcroze afirma que la experiencia


musical debe nacer del movimiento. Los alumnos deberán sentir y moverse con la música,
antes de aprender a interpretarla. Nuestra actividad consistirá en la puesta en marcha de
una coreografía, basándonos en la obra Pedro y el lobo de Prokófiev.

-Desarrollo de la actividad: Tocaremos al piano o pondremos el audio del tema principal


de la pieza (corresponde al personaje de Pedro, interpretado por la sección de cuerdas),
mientras los alumnos se mueven por la clase marcando el pulso con los pies, alternando
un paso y otro, sucesivamente. La obra se irá pausando, momento en el cual los alumnos
deberán quedarse quietos y seguir marcando el pulso con palmas. Seguidamente,
volveremos a hacer que la música suene y los alumnos seguirán su marcha.

Una vez consideremos que los alumnos dominan la actividad, pasaremos a realizarla
de la misma forma, solo que esta vez, se realizará el ritmo en corcheas.

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, reproductor


de música, piano digital o teclado.

-Duración de la actividad: 20 minutos.

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➢ Actividad nº2 – Dictado rítmico/ Ejercicio de “Euritmia”

- Descripción: Los alumnos realizarán un dictado rítmico propuesto por el profesor. Una
vez corregido, los alumnos deberán ejecutarlo usando el método “Euritmia” de Dalcroze.

- Desarrollo de la actividad: El profesor procederá a realizar un dictado rítmico, usando


un instrumento de pequeña percusión o una nota al piano.

*Tomado de Navarrete (1992)

Los alumnos escribirán las figuras en su cuaderno y una vez terminado y corregido el
ejercicio, procederán a solfear asignando de las siguientes palabras en inglés, y dándole
la correcta duración a cada figura.

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, Pandero (u


otro instrumento de pequeña percusión), piano digital o teclado, papel y bolígrafo.

-Duración de la actividad: 20 minutos.

58
➢ Actividad nº3 – Ejercicios de memorización y repetición rítmica

-Descripción: Ejercicio de memorización de patrón rítmico de negras y corcheas.

-Desarrollo del ejercicio: El profesor tocará uno de los compases del ejercicio al azar. El
alumno que realice el ejercicio deberá repetir el patrón usando la palabra “pan” (para la
negra) y “me-sa” (corcheas). Una vez se hagan varias vueltas, se pasará a repetir el patrón
con pies (negras) y palmas (corcheas).

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, cuaderno y


bolígrafo.

-Duración de la actividad: 30 minutos.

❖ Actividades basadas en el método Orff

➢ Actividad nº4 – Ejercicio de dictado y preguntas/respuestas melódicas

-Descripción: Dictado de alturas usando 3 sonidos (mi, sol, la) y posterior juego de
interpretación e improvisación sobre los sonidos trabajados.

- Desarrollo de la actividad: Tomaremos un xilófono y le quitaremos todas las placas,


excepto las correspondientes a las notas: mi, sol, la. El profesor tocará notas al azar que
el alumno deberá reconocer y escribir.

Una vez finalizada esta primera fase del ejercicio, pasaremos a colocar a los alumnos
en parejas, cada uno con un xilófono que sólo tendrá las 3 placas correspondientes a las

59
notas mi, sol, la. Un alumno improvisará una melodía usando negras y corcheas, a la cual
deberá contestar el compañero, con otra melodía distinta, estableciéndose un juego de
pregunta-respuesta melódica. Se deberá seguir un pulso constante que marcará el profesor
con un instrumento de percusión.

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, Xilófonos


(al menos dos), instrumento de pequeña percusión (pandero, pandereta, claves...), papel
y bolígrafo.

-Duración de la actividad: 30 minutos.

➢ Actividad nº5 – Ejercicio de percusión corporal

- Descripción: Ejercicio de capacitación rítmica usando los pies. Se alternará con talón y
punta para crear sonidos diferentes.

- Desarrollo del ejercicio: Tomaremos un tempo tranquilo y con los pies, sentándonos al
borde del asiento, se realizarán diferentes combinaciones rítmicas e incluso tímbricas, por
el hecho de alternar entre talón y punta.

* De “Música para Niños de Carl Orff” (1983)

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, fotocopias.

-Duración de la actividad: 30 minutos.

60
➢ Actividad nº6 – Ejercicio de ritmo y entonación sobre rima

- Descripción: Práctica de ejercicio usando percusión corporal y posterior entonación con


texto.

- Desarrollo del ejercicio: Tomaremos el siguiente ejercicio, percutiendo en principio


con pies (las negras) y palmas (las corcheas). Una vez lo hayamos percutido, pasaremos
a recitar el texto con el correspondiente ritmo. Finalmente, entonaremos tal como viene
escrito. Será imprescindible marcar un tempo moderado y constante, sin adelantarnos ni
atrasarnos.

*De “Música para Niños de Carl Orff” (1983)

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, fotocopias.

-Duración de la actividad: 30 minutos.

❖ Actividades basadas en el método Kodály

➢ Actividad nº7 – Dictado de alturas y ejercicio de fononimia

- Descripción: Reconocimiento auditivo de notas de la escala musical y gesticulación


manual del sistema fononimia de Kodály.

61
- Desarrollo del ejercicio: En principio, el profesor comenzará tocando al piano notas al
azar de la escala. El alumno deberá averiguar en qué orden suenan las notas de la escala,
numerando las notas que crea convenientes en la siguiente ficha:

Una vez terminada esta primera fase del ejercicio, el profesor tocará una nota y el
alumno tratará de averiguarla mostrando al profesor, el gesto (fononimia) correspondiente
a dicho sonido.

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, fotocopias,


piano digital o teclado, cuaderno y bolígrafo.

-Duración de la actividad: 30 minutos.

➢ Actividad nº8 – Ejercicio de ritmo con síncopa

- Descripción: Ejecución de un patrón rítmico.

- Desarrollo del ejercicio: Se realizará el siguiente patrón rítmico usando el sistema


Kodály. Las negras corresponden a la sílaba “ta” y las corcheas a la sílaba “ti”, quedando
de la siguiente forma:

62
Habrá que poner especial atención en el compás nº3, donde se produce una síncopa.
Podremos aprovechar para explicar en qué consiste dicho concepto.

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, cuaderno y


bolígrafo.

-Duración de la actividad: 30 minutos.

➢ Actividad nº9 – Ejercicio de intervalos usando el sistema fononimia (Kodály)

- Descripción: Entonación de intervalos con gesticulación según el sistema “fononimia”


de Kodály.

- Desarrollo del ejercicio: Se tomarán los intervalos do-mi, mi-sol, sol-do (agudo), y se
entonarán acompañados de gesticulación, según el sistema de fononimia de Kodály, Los
alumnos seguirán un pulso moderado, marcado por el profesor.

-Materiales necesarios para la realización de la actividad: Aula de música, pizarra,


cuaderno y bolígrafo.

-Duración de la actividad: 30 minutos.

5.4.6. EVALUACIÓN DE LAS ACTIVIDADES DE LA PROPUESTA DE


MEJORA.

Las nuevas actividades propuestas (apartado 5.4.5), se evaluarán siguiendo


procedimientos similares a los propuestos en “estrategias de evaluación” (4.6).

La realización de un cuestionario previo (evaluación inicial) sólo sería necesaria en


caso de que fuéramos a empezar el proceso de enseñanza-aprendizaje con un grupo
nuevo. De no ser así, podremos obviar este paso.

La evaluación continua se llevará a cabo mediante pruebas de carácter oral realizadas


en el aula. Del mismo modo que detallamos en el punto 4.6, se realizarán pruebas orales
de forma periódica, gracias a las que podremos comprobar que los alumnos van
asimilando los conocimientos adecuadamente.

63
La evaluación final se realizará mediante un examen final, que constará de dos partes:
a) Parte práctica, b) Parte teórica (por escrito). Ver anexo 4.

Los instrumentos de evaluación que usaremos en esta propuesta de mejora, serán los
siguientes: Cuaderno de clase (el cual se revisará individualmente), pruebas orales y
escritas, observación directa (cuaderno de registro) y lista de cotejo sobre los logros
adquiridos por el alumnado. Ver anexo 3.

6. CONCLUSIONES

Podríamos hacer mención, en primer lugar, a la evolución de la metodología empleada.


La idea inicial era buscar estrategias para conseguir un correcto desarrollo de las
habilidades musicales de los estudiantes, quizá con un método aun no demasiado
definido.

A medida que se avanza en el proyecto y se comienzan a diseñar modelos de


actividades, empezamos a ser conscientes de la necesidad de abordar dos cuestiones de
suma importancia: a) La elaboración de actividades que se puedan realizar en grupos que
muy a menudo son heterogéneos, y b) La necesidad de despertar interés por la música en
alumnos que, en un primer momento, no lo tienen.

Son pautas que a priori pueden parecernos eludibles, pero podrían suponer la clave
para que los alumnos puedan adquirir un aprendizaje autónomo, tengan capacidad crítica
suficiente ante las manifestaciones culturales o incluso decidan a dedicarse a la música.
Así pues, será nuestro objetivo el brindarles esa oportunidad haciendo uso de los métodos
activos de enseñanza y nuevas actividades basadas en ellos, y con las cuales trabajar en
futuras sesiones.

El investigar dichos métodos también nos aportará grandes beneficios a nivel personal
y profesional. El mero hecho de desarrollar las habilidades vocales nos será de gran ayuda
en nuestra labor docente, para evitar lesiones y mejorar nuestra proyección durante las
sesiones de clase.

Por otro lado, el presente proyecto ha resultado útil para establecer una comparación
entre métodos que, aunque comparten la base de su planteamiento pedagógico, tienen
rasgos característicos que los diferencian y nos han sido de gran ayuda para seguir

64
avanzando e investigando en el campo de la práctica diaria con los alumnos. Si bien es
cierto que se han producido diferencias en la enseñanza de música desde principios del
siglo XX hasta hoy, se siguen usando muchos recursos de dichos métodos en la actualidad
y siguen estando considerados de gran importancia. De hecho, hay centros especializados
en cada uno de los métodos de enseñanza, donde se siguen aplicando sus sistemas con la
idea de conservar la pureza de cada uno de ellos.

Igualmente, me resulta interesante destacar que existen muchas fuentes e información


sobre nuestro tema de estudio aplicado a niños (infantil, primaria), pero es más
complicado encontrar información destinada a alumnos que cursan enseñanzas medias.

Finalmente, esperamos que este estudio resulte beneficioso especialmente en los


primeros cursos de ESO, ya que los alumnos llegan de lugares distintos, con niveles
diferentes, y es interesante que se les brinde la oportunidad de adquirir unos
conocimientos básicos y suficientes para que sean capaces de apreciar y respetar las
manifestaciones musicales, así como otras manifestaciones artísticas relacionadas o no
con nuestra materia.

65
7. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

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Kapelusz.

Brufal Arráez, J. D. (2013). Los principales métodos activos de educación musical en


primaria: Diferentes enfoques, particularidades y directrices básicas para el
trabajo en el aula. Artseduca nº5: Elche.

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Espacio de conocimiento abierto (SCIOTECA). Caracas: CAF.

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siglo XX en la enseñanza actual. Oviedo: Elsevier España SLU
De las Heras Fernández, R. (2015). Cinco métodos musicales para desarrollar la
conciencia y las expresiones culturales en alumnos de 3º de primaria. Universidad
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de 28 de junio de 2016. Recuperado de www.juntadeandalucia.es/boja/2016/122/2

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129-134; 663, pp. 161-165).

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musical. Buenos aires: Ricordi Americana.

Hemsy de Gainza, V. (2003). Fundamentos, materiales y técnicas de la educación


musical. Buenos Aires: Ricordi Americana.

66
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(LOMCE). Boletín Oficial del Estado, núm. 295, de 10 de diciembre de 2013.
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Zuleta, A. (2013). El método Kodály en Colombia. Cuadernos de Música, Artes Visuales


y Artes Escénicas, volumen 8, nº2: Bogotá.

68
ANEXOS

69
Anexo 1
ACTIVIDADES PARA LAS SESIONES (Punto 4.8)

Figura nº1

Figura nº2

Figura nº3

70
Figura nº4

71
Figura nº5

72
Figura nº6

Figura nº7

73
Figura nº8

Figura nº9

Figura nº10

74
Figura nº11

Figura nº12

75
Figura nº13

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Anexo 2
CUESTIONARIO PREVIO

NOMBRE Y APELLIDOS:
CURSO:

Responde brevemente a las siguientes cuestiones:

1. ¿Cuántos tiempos o partes tiene un compás de 2/4? ¿Y un compás de 6/8?

2. ¿Cómo se le llama a un compás que consta de 4 partes o tiempos?

3. ¿Qué significan las indicaciones p y f?

4. ¿De qué forma podemos medir el pulso en música?

5. ¿Qué significa el término anacrusa en música?

6. ¿Cómo se mide la distancia existente entre un sonido y otro distinto?

7. ¿Qué distancia existe entre los sonidos do y re?

8. ¿Cuántos sonidos contiene la escala musical?

9. ¿Qué es una escala pentatónica?

10. ¿Qué significa género vocal? ¿Y género instrumental?

CALIFICACIÓN:

77
Anexo 3
LISTA DE COTEJO SOBRE LOGROS OBTENIDOS

INDICADORES DE LOGRO SI NO
a. Muestra interés por el conocimiento y cuidado de la voz, el cuerpo y
los instrumentos.
b. Canta piezas vocales propuestas aplicando técnicas que permitan una
correcta emisión de la voz.
c. Practica la relajación, la respiración, la articulación, la resonancia y la
entonación.
d. Adquiere y aplica las habilidades necesarias en las actividades de
interpretación adecuadas al nivel.
e. Conoce y pone en práctica las técnicas de control de emociones a la
hora de mejorar sus resultados en la exposición ante un público.
f. Realiza improvisaciones y composiciones partiendo de pautas
previamente establecidas.
g. Demuestra una actitud de superación y mejora de sus posibilidades y
respeta las distintas capacidades y formas de expresión de sus
compañeros.
h. Practica, interpreta y memoriza piezas vocales, instrumentales y
danzas de diferentes géneros, estilos y culturas.
i. Muestra apertura y respeto hacia las propuestas del profesor y los
compañeros.
j. Practica las pautas básicas de la interpretación: silencio, atención al
director y a los otros intérpretes, audición interior, memoria y
adecuación al conjunto, ect.
k. Participa de forma activa en agrupaciones vocales e instrumentales,
colaborando con actitudes de mejora y compromiso y mostrando una
actitud abierta y respetuosa.
l. Muestra interés por los paisajes sonoros que nos rodean y reflexiona
sobre los mismos.
m. Investiga e indaga de forma creativa las posibilidades sonoras y
musicales de los objetos.

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Anexo 4

EXAMEN DE EVALUACIÓN FINAL NOMBRE Y APELLIDOS:


CURSO:

Parte I: Examen práctico

a) Percute el siguiente ejercicio usando los pies para las negras y palmas para las corcheas.

b) Realiza el siguiente ejercicio rítmico con letra. Se deberá marcar el pulso con la mano o con
el pie.

c) Ejecuta los siguientes ejercicios usando la sílaba “ta” para las negras y “ti” para las corcheas.

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d) Muestra con la mano los gestos correspondientes a las notas do (grave), mi, sol y la, según el
sistema “fononimia” de Kodály.

e) Entona y gesticula el intervalo do – mi usando el sistema “fononimia” de Kodály.

f) Nombra las notas del siguiente ejercicio. Luego entónalo acompañado de gesticulación
(fononimia).

Parte II: Examen teórico (prueba escrita)

a) Responde a las siguientes preguntas:

• ¿Qué es una síncopa?

• ¿A qué familia de instrumentos pertenece el xilófono?

• ¿Cuántas partes o tiempo tiene un compás binario? ¿Y uno ternario?

• Establece un ritmo para el siguiente texto usando negras (ta), corcheas (ti-ti) y silencios de
negra.

“Ratón, que te pilla el gato,


ratón que te va a pillar.
Si no te pilla esta noche,
mañana te pillará”.

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