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Administración Nacional de Educación Pública Consejo de Formación en Educación

Profesorado Modalidad Semipresencial

Especialidad: Educación Musical

Plan 2008 Ref. 2010

Historia de la Música Universal II

Mag. Lic. Carmen Rueda

Primer parcial

Tema:

“La favola d’Orfeo” (1607)

De

Claudio Monteverdi (1567-1643)

Edison Castro

2019
“La favola d’Orfeo” (1607) de Claudio Monteverdi (1567-1643)

Ópera en un prólogo y cinco actos de C. Monteverdi, con libreto de Alessandro

Striggio basado en el texto usado por Angelo Poliziano y en un episodio de las

Metamorfosis de Ovidio.

Personajes

Orfeo. Mítico cantor de Tracia, enamorado de Eurídice. Papel para barítono que
requiere fuerza y agilidad, sobre todo para un aria muy ornamentada con alternativa
más fácil (a veces lo canta un tenor).

Eurídice. Ninfa, enamorada de Orfeo. Papel para soprano, muy reducido a pesar de su
importancia argumental.

La Música. Figura alegórica que introduce la obra. Papel para soprano lírica o ligera.

Pastor I. Papel para falsetista.

Pastor II, III y IV. Tenores.

Tres espíritus. Papeles breves.

Mensajera (Silvia). Papel para mezzosoprano; intervención breve pero desgarrada y


emotiva.

Esperanza. Figura alegórica que acompaña a Orfeo en su descenso a los infiernos.


Papel para soprano lírica.

Caronte. Personaje hostil que pasa en barca a los muertos. Papel para bajo, breve
pero incisivo.

Proserpina. Diosa de los infiernos, esposa de Plutone. Papel para contralto o


mezzosoprano.

Plutone. Dios de los infiernos, esposo de Proserpina. Papel para bajo.

Apollo. Padre de Orfeo, que baja a rescatarlo. Papel para tenor.

El Eco. Papel breve para soprano o mezzosoprano.


Coro. Integrado por las cuatro voces. En ocasiones se subdivide por recursos
argumentales.

Cuestionario a responder y publicar en la ventana correspondiente de la plataforma

Observa la ópera en el siguiente sitio:

https://www.youtube.com/watch?v=0mD16EVxNOM

1) ¿Qué cuenta el mito griego de Orfeo?

2) ¿Por qué en los inicios de la ópera se recurre a la mitología griega?

3) Busca información acerca del argumento de lo que ocurre en cada acto de la ópera.

4) ¿Cuál es la importancia de comenzar con Eurídice en la obertura?

5) Nombra los instrumentos musicales que se observan en la conformación orquestal.

6) ¿Qué características diferencian a la orquesta renacentista y del primer barroco de


la clásica?

7) ¿Cuántos planos percibe el espectador? (En relación a lo que ocurre en el


escenario y la ejecución instrumental)

8) La Música y la Esperanza configuran dos personajes alegóricos. ¿Qué es una


alegoría y en qué se diferencian estos dos personajes del resto?

9) ¿Qué significa “falsete” y por qué lo emplea en el rol del Pastor I?

10) Con la intervención de la Mensajera Silvia se produce la peripecia argumental.

11) Define este concepto desde el ámbito de la literatura.

12) Caronte y Plutone entonan en registro de bajo. ¿En qué se diferencia su emisión y
por qué?

13) Proserpina y Plutone son las divinidades del Hades. ¿Cómo es el trato que
mantienen entre sí y en qué se ve reflejado en la ópera?

14) Si bien esta ópera no tiene un final feliz, ¿cómo incide Apollo en su desenlace?

15) ¿En qué partes de la ópera se aprecia la participación del Eco?


16) ¿Qué incidencia posee el Coro en la obra? Indica en qué actos presenta mayor
influencia y qué rol asume.

17) En base a la vestimenta de los actores-cantantes, director de orquesta, coreutas y


atriles orquestales, ¿por qué tipo de versión optó Jordi Savall?

18) Busca información de esta versión (fecha y lugar de estreno), y sobre Jordi Savall.

19) Enumera seis características que permitan categorizar esta ópera dentro del
Barroco Temprano.

20) L’Orfeo de Monteverdi es un opus magnum dentro de la Historia de la Música.


Fundamenta con tres aspectos esta afirmación.

1). Orfeo es un personaje de la mitología griega. Era hijo de Apolo y de Calíope.


Poseía el don de la música y de la poesía. Con su lira conmovía a los hombres, las
bestias y a la misma naturaleza. Se enamora perdidamente de una ninfa llamada
Eurídice y a punto de casarse, su amada pierde la vida al ser mordida por una
serpiente venenosa, según algunos mientras huía de Aristeo. Orfeo, en medio de su
penuria, es incitado por los dioses y las ninfas a descender al inframundo para
recuperarla. Llegado allí, le solicita a los dioses regentes del Inframundo, Plutone y
Perséfone, la oportunidad de regresar al mundo de los vivos a Eurídice. Orfeo logra
convencerlos a través de su música, y éstos acceden con la sola condición de que él
camine siempre delante de ella y no mirarla hasta que ambos lleguen arriba, y los
rayos del sol bañen por completo a su mujer. El camino de regreso se hizo
terriblemente largo. Ya en la superficie, Orfeo gira la cabeza para mirar a Eurídice,
creyendo que todo había pasado, pero ella aún tenía un pie a la sombra del Hades y
en ese preciso instante su amada se desvanece en el aire, sin la posibilidad de
volverla a ver nuevo. Así que, Orfeo se retira a los montes evitando la unión amorosa
con otra mujer. Según la versión del mito que aparece en las Metamorfosis de Ovidio,
Orfeo fue asesinado y despedazados por las bacantes tracias que se sintieron
despreciadas por él. Finalizando la historia con el alma de Orfeo junto con el de
Eurídice para siempre en el inframundo. (Wikipedia, Orfeo, 2019)

2). Cabe definir que la ópera es el arte de unir la poesía, el drama y la música, y que
gracias a la interpretación cobra vida. Desde sus orígenes en torno a 1600, la ópera se
convirtió en el género más destacado de los siglos XVII y XVIII, época en donde la
tragedia griega aparece como “emblema” para las obras de los literatos. Por este
motivo se plantea, en un sentido, que la ópera fue una innovación insólita, un intento
de recrear en términos modernos la experiencia de la antigua tragedia griega: un
drama enteramente cantado, en el que la música transmite los efectos emocionales.
(J. Peter Burkholder, 2008)

3). Argumento: (La acción se desarrolla en Grecia y las regiones subterráneas del
mundo de los espíritus, en una antigüedad mítica).

Prólogo: Tras una tocata instrumental de metales con carácter estruendoso, y con una
alternancia modal entre Do y Re, aparece la Música, haciendo alabanzas de los
presentes e instándolos a guardar silencio, mientras se narra la historia de Orfeo, hijo
del dios Apolo y la musa Calíope. Monteverdi recurre a la composición modal griega
para ambientar el argumento.

Acto primero: En un prado en medio del campo, ninfas y pastores celebran con alegría
el día esplendoroso en que se casarán el mítico cantor de la Tracia, Orfeo, y su
amada, la ninfa Eurídice; cantan uno de los pasajes corales más representativos de la
época, «Lasciate i monti». Orfeo relata cómo se enamoró de ella y ésta responde con
el mismo ardor. Luego va con sus compañeras a recoger guirnaldas de flores.
Pastores y ninfas continúan con sus danzas y alegres cantos, mientras reinan el
regocijo y la felicidad.

Acto segundo: Rodeado por los pastores, Orfeo entona un canto a la naturaleza y
cuenta cómo corría por los sombríos bosques antes de haberse enamorado. La alegría
se interrumpe cuando llega la Mensajera, quién anuncia a Orfeo que una serpiente
venenosa ha mordido a su amada Euridice causándole la muerte. La propia Mensajera
lamenta tener que dar semejante noticia. Orfeo decide descender a los infiernos a
rescatar a Eurídice (al descenso voluntario al infierno se lo denomina catábasis),
entonando un desesperado lamento.

Acto tercero: Orfeo llega a la laguna Estigia acompañado por la Esperanza, Pero ésta
le anuncia que no puede llevarlo más allá porque vio grabado en la piedra el texto que
cita a la Divina Comedia de Dante: "Abandonad toda esperanza los que entráis".
Caronte se niega a darle paso en su barca, pero Orfeo logra dormir al vigilante con su
canto, y robándole la barca cruza la laguna entrando directamente en el infierno.
Mientras, un coro de espíritus infernales celebra al Hombre, esa criatura que no intenta
ninguna empresa en vano, y contra el cual la Naturaleza no sabe armarse.

Acto cuarto: Orfeo ha llegado a los infiernos, y con su canto logra emocionar a
Proserpina. Ésta le ruega a Plutón que le permita a Orfeo recuperar a su amada
Euridice, haciendo referencia a su antiguo amor, por el cual él la raptara y la llevó a los
infiernos. El dios reconoce también haberse conmovido con el canto de Orfeo, y
finalmente acepta y permite que Eurídice le siga, con la condición de que Orfeo no
vuelva la mirada a su amada hasta que hayan salido del infierno. Orfeo parte de los
infiernos seguido por Eurídice. Pronto le entra la duda de si ella realmente lo sigue y,
al oír un ruido, no resiste la tentación de girar la cabeza para cerciorarse. En ese
momento ella comienza a desvanecerse y un espíritu, ministro de Plutón, le amonesta:
"Roto has la ley, e indigno eres de gracia". Orfeo intenta seguirla, pero es expulsado
del infierno. El coro cierra el acto con esta observación: "Venció al infierno Orfeo y fue
vencido por sus propias pasiones".

Acto quinto: Orfeo regresa al campo de Tracia lamentando su soledad, vagando sin
rumbo y llorando su amor perdido. El eco repite su lamento trágico y Apolo, dolido por
el sufrimiento que aqueja a su hijo, desciende del Olimpo y le dice que lo acompañe al
cielo, donde encontrará la bella semblanza de Euridice en el sol y en las estrellas.
Padre e hijo cantan un alegre dúo, mientras ascienden al cielo donde alcanzaran la
alegría eterna. (Savall, 2011)

Aunque la obra de Monteverdi cuenta con un prólogo y cinco actos, “la estructura es
tripartita: comienza en un estado ideal, alcanza un punto de tensión máxima al
momento de plenitud del conflicto y resuelve en un final feliz. Esta organización
responde al modelo de la “pastoral”, género dramático muy vigente en los momentos
finales del estilo renacentista. En este caso los personajes mitológicos reemplazan a
los pastores y duendes involucrados en toda clase de conflictos que siempre se
resuelven en un final feliz, siendo este una convención de género que perdura
largamente.” (Beltramino, 2008)

4). En esta obra, Eurídice aparece en el Acto I junto a Orfeo. Aunque, en la versión de
Ovidio y Virgilio, el drama comienza casi inmediatamente con la muerte de Eurídice,
en la ópera se han introducido escenas previas para mejorar el efecto teatral. (Cotello)

Por otra parte, la obertura o tocata (según Monteverdi), es considerada una pieza
instrumental, la cual se utiliza a modo de introducción en este género desde sus inicios
hasta bien entrado el S XIX. Su finalidad no era tanto musical o estética, era un medio
práctico de hacer callar al público, ya que la obra no podía comenzar hasta que no
reinara el silencio. La obertura de “L´Orfeo" se divide en dos partes, la primera es de
carácter militar, una especie de blasón musical que representa la familia Gonzaga, y la
segunda más melódica y dulce que aparecerá de forma ritornello a lo largo de la obra.
(musicoterapeuta, 2014)
5). Para esta representación, se utilizan instrumentos de la época como: violines
barrocos, violas, laúdes, archilaúdes, tiorbas, flautas, oboes, cornos, trompetas,
trombones, claves, un arpa y dos órganos pequeños.

6). La orquesta se entiende como un conjunto de instrumentos de madera, metal,


cuerda y percusión, en proporciones bastante estándar, para la interpretación de
óperas, sinfonías y otros géneros del repertorio de concierto de la música occidental.
En el Renacimiento, los instrumentos se utilizaron como acompañamiento del canto y
de las danzas. Pero estos comienzan a independizarse de las voces, porque surge
mucha música polifónica que se ejecutaba de forma puramente instrumental, fuera en
conjuntos homogéneos (llamados consorts), en grupos que combinaban instrumentos
de diversas familias o sobre instrumentos propiamente polifónicos, como el órgano, el
virginal, el arpa y el laúd. El repertorio empieza adquirir firmeza, incorporando
transcripciones que los intérpretes adornaron con florituras y ornamentos sonoros.
Algunos de los instrumentos que componían dichas orquestas eran: el laúd de cuello
quebrado, el laúd frotado, la viola y a veces el órgano portátil.

Ya a comienzo del Barroco, la plantilla de instrumentos empieza a ser más variable, y


cuya selección dependía de la cantidad de músicos disponibles en ese momento. Se
deja de usar algunos de los instrumentos del Renacimiento. Aunque en aquel tiempo
no era habitual, Monteverdi deja marcado cuales son los instrumentos requeridos para
la interpretación instrumental de “L’Orfeo”. Las portadas de las colecciones para
conjunto estimularon a los intérpretes a escoger qué instrumentos e incluso cuántos
emplear para una interpretación. En todos los aspectos, la música escrita se
consideraba tan sólo un guion que podía adaptarse según la conveniencia de los
intérpretes. El uso de diversos timbres combinados se convirtió en un rasgo
característico de la época barroca, en contraste con la preferencia por los conjuntos
homogéneos del siglo XVI.

En la orquestación clásica, se va conformando su planilla de instrumentos, más o


menos fija. Se aumenta el número de ejecutantes. Las sonoridades típicas del Barroco
van desapareciendo. Tanto el órgano como el clavicémbalo son dejados de lado, así
como los clarinos, flautas de pico y laúdes entre otros, y se incorpora el clarinete de
lengüeta simple a la plantilla. Aparece el piano como instrumento de tecla. Las
trompas y las trompetas pasaron a ocupar el papel de pedales de la orquesta, con lo
que el bajo continuo va disminuyendo su papel de forma progresiva hasta
desaparecer.
7). En relación a lo que ocurre en el escenario, fundamentalmente tres ámbitos
escenográficos: Arcadia, el Infierno, y un tercer espacio menos definido al final de la
ópera, en el que Orfeo parte hacia los cielos en el carro de Apolo.

En relación a lo instrumental: el coro, el conjunto vocal (los distintos personajes) y la


orquesta. A la ejecución, presenta: Introducción instrumental (Tocata u Obertura),
ritornello, el recitativo, las aria, la intervención del coro, y la intervención de las danzas.
Por último, el espectador no solo percibe desde el plano visual y auditivo sino también
desde el plano emocional de la obra, la cual es uno de los fines que tiene la opera.

8). Una alegoría puede entenderse, en este sentido, como una temática artística o una
figura literaria utilizada para simbolizar una idea abstracta a partir de recursos que
permitan representarla, ya sea apelando a individuos, animales u objetos. Por citar un
ejemplo: una mujer ciega con una balanza representa a la justicia. (Julián Pérez Porto,
2012). En este caso, tanto la Música como la Esperanza, son personificadas. La
Música aparece en el prólogo, vestida como una mujer del S. XVII y portando una
cítara ante el auditorio, para anunciar el argumento de la obra, loar sus virtudes
sonoras y reclamar silencio para poder manifestarse en todo su esplendor. Esto
funciona como una analogía, porque para Monteverdi la narración debía de estar a
cargo de la música y no del texto, aunque esto tampoco suponga prescindir del texto.
Por otra parte, la música no puede desligarse del mito de Orfeo, pues es precisamente
ella la fuente de su poder y el medio con el que consiguió llevar a cabo tan grandes
hazañas. La Esperanza se presenta en el tercer acto, ya que ella ha conducido a
Orfeo hasta las puertas del hades, pero le abandona por la ley inscripta en piedra en la
entrada de la misma que dice “abandonad toda esperanza lo que entráis”, dando a
entender que la misma pertenece al mundo de los vivos y no de los muertos. Esta
parte puede entenderse, quizás a que, lo que está escrito no puede deshacer,
permanece para siempre y que siempre acaba por cumplirse. “El mito de Orfeo es un
enfrentamiento intelectual de alto voltaje, en un doble sentido: por una parte, el
hombre y su voluntad frente a la divinidad y el fatum, y por otra, y sobre todo, el poder
de la escritura frente al poder de la música y la poesía.” (Victorias, 2007)

9). El falsete es la técnica en la que se utilizan de manera especial las cuerdas vocales
en voces tanto masculinas como femeninas. Se utiliza para alcanzar notas más allá
del registro normal del cantante. Aquí puede ser que el pastor este representando a
una persona joven o quizás sea una clara referencia a los inicios de la obra, que fue
interpretado por el castrato soprano Giovanni Gualbert Magli de L’Orfeo en Mantua.,
quien estaba al servicio de la corte florentina, que canto los papeles de la Música,
Proserpina y un tercero que probablemente fue la Esperanza.

10) y 11). La peripecia es un hecho o circunstancia que está presente en diversas


obras narrativas, dramáticas o en cualquier otra obra que cite los hechos de algún
personaje o historia en concreto. Dicha historia se presenta como una situación
adversa y repentina que sucede accidental y sin previo aviso, lo cual provoca un
cambio en la situación actual que se vive en lo relatado. En esta tragedia, el punto de
inflexión en el que la suerte del héroe protagonista se trunca se da con la intervención
de la mensajera Silvia, siendo el punto en donde la trama toma el cariz propiamente
trágico. Deja ver el matiz contrapuesto de belleza/fealdad, alegría/tristeza,
amor/muerte. (Educalingo, 2019)

12). La diferencia reside principalmente en el rol de cada personaje. Caronte es un ser


del Averno y se presenta como un anciano de barba, vestido de harapos,
desagradable y de mal carácter, lo que hace, quizás, que su canto tenga cierta
tenebrosidad infrahumana. Por otro lado, Plutone (gobernante del inframundo), aunque
se le temía por su fealdad y la dureza de sus rasgos, y era considerado el más
despiadado de todos los dioses, en esta interpretación, su carácter no se manifiesta
de manera hostil como lo fue Caronte. Su canto es más solemne y emotivo.

13). La relación entre Proserpina y Plutone es de mutuo aprecio. Gracias al amor que
siente Plutone por su esposa, es lo que hizo al gobernante del inframundo sintiera
cierta simpatía o percepción especial por Orfeo. Esto puede verse reflejado cuando
Proserpina intercede ante su esposo a favor de los enamorados, aludiendo aquel amor
que hizo que la raptara y la condujese hasta el infierno, y éste cede ante su petición.

14). Se puede entender la introducción de Apolo, como deus ex machina (recurso con
larga tradición dramatúrgica). Se ha destacado la vinculación de Apolo con los
Invaghiti para justificar su presencia como introductor de un lieto fine en el drama,
aunque tratándose de una divinidad musical esta excusa no sería ni siquiera
necesaria, pues lo cierto es que Apolo se presenta ni más ni menos que como trasunto
del propio Orfeo, como su imagen divina: misma tesitura, mismo tipo de canto, primero
en un sobrio recitativo, al final recurriendo al cantar passaggiato que Orfeo había
empleado en el infierno y que aquí señala el ascenso a los cielos del Hijo junto al
Padre. (Vayón, 2007/2008).

15). La participación del Eco se puede apreciar con más claridad hacia el final del
último acto de la obra, donde el mismo repite el lamento de Orfeo. El eco es una
imitación en música de un efecto de eco natural, y que fue empleado a menudo en la
música vocal de finales del siglo XVI y XVII. Estuvo asociado especialmente al
madrigal. El uso de esta técnica es para aumentar el efecto de drama en determinadas
escenas. (LATHAM, 2008)

16). Los coros participan en los cinco actos. Acto: I, II y V (ninfas y pastores), III y IV
(espíritus del infierno). Estos cumplen un papel muy importante, sus intervenciones
son sentenciosas, con una intención moral que muchas veces tiene un alcance más
general que el que se desprende inmediatamente de la acción transcurrida. En este
sentido se puede decir que asumen una función parecida, si no igual, a la del coro en
la antigua tragedia: la del observador sabio e imparcial que opina desde afuera de la
situación (Cotello). No obstante, en L’Orfeo, el coro no sólo comenta la acción sino se
convierte en personaje, como en la escena en que la Mensajera da las malas noticias,
resaltando el uso del mismo. (Gutiérrez, 2015)

17). Según en la entrevista que se le realizo a Gilbert Deflo (Director escénico de la


ópera), se intentó recrear la Sala degli Specchi del Palacio Ducal de Mantua junto con
el elemento festivo que se vivía en aquel lugar y en la cual se cree que se había
presentado dicha obra en 1607 ante los miembros de la Academia degli Invaghiti. Jordi
Savall, para esta ocasión, se viste de Monteverdi y de igual forma sus músicos. Aun
así, se interpreta la versión que se encuentra en la partitura de Monteverdi, la que fue
publicada por Ricciardo Amadino en Venecia en 1609 y no la del libreto publicado en
Mantua en 1607 que incorpora el ambiguo final de Striggio, donde Orfeo huye de un
grupo de bacantes aterrorizado sugiriendo así su terrible final, tras lo cual hay un largo
coro de alabanza a Baco. Aunque este final pretendía ser fiel a la tragedia, no fue bien
acogido por la sociedad de la época. Monteverdi gran conocedor de los requerimientos
y valores circulantes en la corte, introduce modificaciones al libreto; se pone de
acuerdo con Striggio en que, contrario de otras obras, Orfeo no debía de seguir
viviendo con Eurídice como tampoco podía morir, concluyeron que lo más adecuado y
glorioso era ascenderlo al Parnaso con ayuda de Apolo. (Piscoya)

18). L´Orfeo fue grabado en vivo en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona el 31 de
enero de 2002. La dirección escénica estuvo a cargo Gilbert Deflo junto a Albert Faura
en la iluminación y de William Orlandi en diseño del vestuario y la escenografía y Jordi
Savall en la dirección musical. El tradicional telón de terciopelo rojo es sustituido por
un enorme y rígido tapiz de espejos, la cual guarda un simbolismo de gran importancia
en la estética barroca, que por momentos devuelve a la orquesta y al público su propia
imagen redoblada. Con lienzos de temática pastoril que inundaron la pintura del
clasicismo barroco francés.

Jordi Savall (Igualada, Barcelona, 1941) es un intérprete de viola de gamba, director


de orquesta y musicólogo. Aunque en el Conservatorio estudió violonchelo, en Suiza
se especializó en viola de gamba (antecesora del violonchelo) y música antigua en
general. Como violagambista y director de los conjuntos por él fundados (Hespèrion
XX, La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations) ha grabado más de 120
discos, abordando un repertorio amplísimo con el máximo rigor histórico. Sus
interpretaciones cuentan con los instrumentos originales de la época, y las técnicas
propias del período. Su labor de reivindicación de la música antigua le ha valido más
de cincuenta premios internacionales, como un César, por la banda sonora de Tous
les matins du monde, una película francesa sobre los violagambistas Marin Marais y
Colombe. (Guardado, 2010)

19). Características:

1. El género en sí, ya que surge alrededor del 1600, además dicha obra es
considerada una de las primera operas.
2. La orquestación.
3. La utilización de instrumentos de la época, los que fueron designados por el
propio Monteverdi para interpretar la obra.
4. La tragedia griega como idea central.
5. Por sus características musicales (madrigales, pastorales, etc.)
6. El uso de los afectos en la música.

20). Por consenso general, esta obra es considerada la primera “gran” ópera. Porque
la obra explota magistralmente las características tempranas de la ópera florentina y
recurre también a los aspectos más espectaculares del intermedio. Orfeo es uno de
los primeros ejemplos de la asignación y combinación específica de ciertos
instrumentos en ciertas partes. Dadas las dimensiones de su conjunto instrumental,
esta ópera a menudo se considera la obra que dio origen a la orquesta. Es la primera
ópera donde la poesía cobra primacía y la música se emplea con todas sus riquezas
hasta ese momento. Monteverdi hace un uso innovador de la polifonía, extendiendo
las reglas más allá de las de las que estaban establecidas. Combina elementos del
madrigal tradicional del siglo XVI con el nuevo estilo monódico donde el texto domina
la música y las sinfonías y ritornellos instrumentales ilustran la acción. Orfeo puede
considerarse una obra maestra de la historia de la música, porque consolida la ópera,
que se desarrollaría mucho más durante el Barroco. (Piscoya)
Bibliografía
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