Академический Документы
Профессиональный Документы
Культура Документы
DIMENSIÓN SUBJETIVA.
6. ¿Por qué podemos afirmar que la Ética y Estética se relacionan en la obra de arte?
7. Compromiso consciente del artista junto con definición de arte. Relacionar con
estructura de poder
10. Desarrollar los conceptos estructura de poder y que postura toma ante lo nuevo
DIMENSIÓN PARADIGMÁTICA
2. ¿Sobre qué aspectos del paradigma podría reflexionar a partir del análisis de una
obra de arte? ¿Porque? Desarrolle y luego ejemplifique con la obra que está
analizando en el práctico.
3. ¿Por qué podemos afirmar que la obra de arte es producto del Paradigma?
5. La definición de arte incluye comprender entre otras cosas que la obra “miente
para decir la verdad”, “devela velando” y es una “totalidad intensiva”, desarrolle
estos conceptos ¿qué aspectos formales de los que describió dan cuenta de ellos?
DIMENSIÓN HISTÓRICA
3. Explique qué entiende por la Dialéctica del Amo y el Esclavo como motor de la historia
en términos Hegelianos
NO podemos hablar del primero como sujeto activo y del segundo como sujeto pasivo ya que no
puede existir la pasividad, pues la percepción y expectación constituye una acción en sí misma.
Suceso estético.
Se necesita:
Un emisor (creador)
2. ¿Qué entiende por estética como una de las 3 raíces de la filosofía? ¿Cuáles
son las otras dos? y ¿cuáles son sus dos categorías de análisis?
La filosofía posee 3 raíces principales. de ellas se nutre la filosofía para generar sus preguntas.
Ninguna de estas raíces puede existir por separado, se interdeterminan, y no se resisten al paso
del tiempo, van mutando, van modificándose. Las categorías que estudian varían de una sociedad
a otra, de un individuo y su relación con el mundo a otro individuo con otra relación. La creación
artística es producto de un mundo y expresante de un sujeto, y a su vez, es reformuladora de ese
mundo, posibilita nuevas verdades y supera aquellas agotadas.
ARTE: No posibilita la vida eterna sino que posibilita acercarse a los límites, con este
proceso aumenta la región adecuada para la vida del hombre, su hogar, su habitat. Al
echar luz havia los registros oscuros de la vida individual, sobre el alma y la existencia,
interpretar y nombrar un gesto de la sociedad, el arte colabora en la construcción del
mundo del hombre. El artista se encarga de actuar como ente bicefalo articulando
aquello que ya existe con lo que todavia no es, pero que quiere surgir para este
mundo.Se defiende de los irreversible simbolizandolo.
FILOSOFIA: Tiene la tarea de mirar hacia la no -existencia ya fuera del lenguaje, pero
que sugiere, provoca la pregunta para avanzar hacia sus dominios. La filosofía no
participa en la construcción del sistema defensivo del hombre contra los infinitos
territorios que están más allá de la realidad humana. Se ha visto relacionada con las
barreras ontológicas, y sigue relacionada, sus interrogantes descienden de las grandes
preguntas de la religión, sus interrogantes se dirigen hacia los mismos abismos de arte,
pero tampoco le pertenece la preocupación por lo que teme o anhela el hombre.
4. Defina el concepto de compromiso consciente y sublimación.
Ante la observación de una obra hay dos lecturas:
Compromiso consciente:
El hombre con sus gestos, actitudes, elecciones es parte constructora o destructora de este mundo. El
hombre nunca puede actuar en forma ajena frente a aquello de lo que es parte; tanto él como los otros se
ven determinados por una estructura denominada poder. Para imponer algo hace falta aquella que impone
y aquel que acepta la imposición.
Sublimación:
Es lo que no es reprimido en el inconsciente; una fuerza pulsionada por el deseo. Aparece simbolizada,
convirtiéndose en partícipe del hacer de la cultura.
En la obra artística, el deseo encuentra su expresión materializada. El símbolo hace soportable la realidad
interior, psíquica. La sublimación es un proceso no dominable por la conciencia. El creador, con este
juego de descubrirse cubriéndose descarga la angustia de la realidad tripartita de la existencia humana.
Puede hacerlo como reproductor de la ideología de poder o puede hacerlo en contra del poder y construir
una nueva propuesta.
Subjetivación – objetivación.
El artista mira hacia el mundo objetivo, (el mundo exterior), de donde saca estímulos y temas, pero los va
a ir pasando por el filtro de su subjetividad, que actúa como fuerza creadora y recreadora.
A su vez la obra de arte es subjetivizada por un espectador, que lo objetiviza al vincularlo con sus
vivencias.
Cuando aparece un transgresor, genera que el poder lo persiga, lo castigue, y margine. La trasgresión
sólo vale con un proyecto de construcción.
2 Tolerancia
Cuando el número de transgresores sea grande el poder ya no podrá perseguirlos. Entra en el segundo
período, tolerando los cambios. El tolerar es aguantar, soportar, pero no querer, reconocer y entender.
3 Metabolización
La tolerancia no es suficiente para neutralizar lo nuevo, y el poder se declara como dueño de ello, este
fenómeno se llama metabolización. A partir de aquí, la regla, va a ser aquello que hasta entonces fue
perseguido o tolerado. Lo nuevo se convierte en antiguo.
Y alguien otra vez va a revelarse frente a ello. Y va a ser perseguido, tolerado y metabolizado.
Duración:
Es nuestra propia historia que se va acumulando como una gran bola de nieve. La duración conserva el
pasado, está en relación con la memoria. Nuestra Duración se pone en juego cuando estamos frente a una
obra de arte. Todo nuestro pasado, nuestras experiencias, lo que vivimos es lo que nos hace lo que somos
hoy. La obra de arte es el producto tanto de la duración del artista y su percepción, como de la manera en
que es percibida, producto a su vez de la duración del receptor.
Autogoce:
El autogoce en cuestión. Es sentirse identificado con la obra (conciente o inconscientemente) y que eso
nos produzca goce (ya sea dolor o placer). El artista proyecta al objeto creado su realidad psíquica de una
manera simbólica estableciendo una mediación entre lo de adentro y lo de afuera. También surge desde el
receptor, cuando alguien se para frente a una obra de arte y se proyecta a si mismo sobre ella. El placer o
el dolor encontrado en la obra surgen desde la propia realidad psíquica.
Símbolo: es altamente subjetivo, no se puede trasladar de un individuo a otro, de una época a otra, de una
sociedad a otra. Articula lo desconocido con lo que ya es sabido. Jamás puede tener una motivación
consiente en su totalidad. Se da un diálogo entre la simbología del creador y la del receptor en el que el
receptor toma los símbolos del artista como significante y los llena con sus propios contenidos.
11. ¿Qué significa que el arte es una totalidad intensiva?
DIFERENCIA ARTE (totalidad intensiva) CIENCIA (totalidad extensiva)
Porque frente al fenómeno, va a tratar de rodearlo, de agotarlo, describiéndolo de todas las maneras
posibles. La ciencia descubre, La ciencia inventa el mundo para el hombre, el inconsciente NO existe sino
que lo inventa el hombre. La realidad es una convención, se inventó y se produjo un convenio.
En una obra está el mundo interior del artista y el mundo exterior, la capacidad de verlo depende de
nuestra capacidad y predisposición, de nuestra capacidad de preguntar a la obra. La intensidad del arte
depende de que la obra pueda comunicar mediante muy pocos recursos. Emitiendo un mensaje claro y
preciso, o sugiriendo un trasfondo complejo, abierto e indefinido.
12. Explique la afirmación aristotélica "el arte miente para decir la verdad"
El arte no puede tener como objetivo la descripción de algo que ya existe, porque, seria naturalismo y no
arte, Si el arte no deforma la realidad no cumple con su categoría. El arte debe ofrecer un conocimiento
nuevo, más profundo.
18. ¿De qué modo el diseño articula las necesidades primarias y secundarias?
Las artes que satisfacen las necesidades primarias y secundarias:
Paradigma:
Ejemplo: La visión actual generalizada acerca del éxito en la vida está directamente relacionada con tener
mucho dinero. Parece que si no es así no podremos ser felices y ese es un error muy grande, el lobo de
Wall street.
20. ¿Cuáles son los componentes del paradigma y como se inserta la obra de arte
en él?
Edificación cognitiva:
Hay saberes:
Universales: aquellos que compartimos entre todos.
Sistema axiológico:
Conjunto de valores que una sociedad tiene en un determinado lugar y tiempo. Sin el sistema de valores
un sistema no podría funcionar.
Universo simbólico:
Aquello con lo que podemos representar esos saberes y valores. La palabra, el arte.
Para platón lo bello es bueno en tanto es conveniente para el Estado/sistema (Kalakagathia), Aquello que
no corresponda a los intereses del Estado, no será bello y bueno, será antikalakagático.
24. ¿Qué se entiende por kitsch y como participa de la construcción por la utopía?
Relación entre el sujeto y objeto. Donde el sujeto no está presente, es como tomar el objeto sin tener
conciencia de uno mismo. Aquello que tomes sin pensar, el sujeto acepta el objeto tal como es y no lo
cuestiona.
Ejemplo: la publicidad, si el consumidor quiere creer en esa promesa va a convertirse en consumidor del
producto renunciando a su raciocinio.
Se puede definir una utopía como un Estado imaginario que reúne todas las perfecciones y que hace
posible una existencia feliz porque en él reinan la paz y la justicia. La utopía no nace para ser motor de la
historia, para cambiar el mundo, sino para inmovilizarlo en un fin: alcanzar el paraíso.
El arte ha sido utilizado para persuadir a la sociedad de que hay un mundo que se alcanza siguiendo el
Gran Discurso de poder. El cine ha sido el mejor medio para propagar ideas utópicas, en él se desarrolla
una esencia ideológica retrógrada y manipuladora, frente a la cual el espectador está indefenso, incorpora
el mensaje y se convierte en su propio enemigo. Es la dominante figuración del lenguaje cinematográfico
la que hace que una película sea accesible a grandes masas y participe en una eficaz y veloz divulgación
del discurso de poder.
Sujeto concreto/empírico:
Sujeto transcendental/metafísico:
27. ¿Qué son las dicotomías dialécticas y cómo influyen en la obra artística?
Las dicotomías dialécticas son herramientas teóricas propuestas por Marta Zátonyi para un análisis en el
contexto de la historia del arte.
Sociedad Vs. Individuo. El individuo puede existir en cuanto a su sociedad, y ésta solo existe en cuanto al
individuo. Aristóteles habla de un mundo ideal en el que confluyan, la demanda de deberes del individuo
por parte del poder (si solo existen deberes hablamos de dictadura) y a su vez la oferta de derechos que
tiene el individuo, provista por tal poder (si solo existen derechos hablamos de anarquía). Lo
esencialmente humano no es el saber hablar, caminar en dos pies, el afecto, solo incorporando reglas
culturales pueden convertirse estas posibilidades en realidad.
Sujeto Vs. Objeto. Un individuo se constituye en tanto sabe que hay un fuera de él, no se elimina, sino
que lo acepta. Su duración lo hace sujeto. Lo que está afuera de él, que responde a un código convenido
socialmente es el objeto, es el resultado del sujeto en su infinita multiplicidad. El objeto existe en tanto el
sujeto lo incorpora, lo nombra, lo actúa y lo enfrenta. La unidad y lucha entre ambos hace que existan, no
hay uno sin el otro. Existen obras que apelan específicamente al sujeto, aunque jamás pueden despegarse
del todo de lo objetivo. A su vez, hay obras que se inclinan más a lo objetivo, pero nunca pueden carecer
de lo subjetivo. Zatonyi compara aquí la escalera Laurenciana de Miguel Angel, la cual estimula y
expresa al sujeto, con la obra de Brunelleschi, la Capilla de Pazzi, donde domina lo objetivo, por sobre el
sujeto.
Idea Vs. Concreto. Aquí se aplica la duplicidad del mundo propuesta por Platón, el hombre sentado en la
caverna y las ideas que pasan delante de él pero es incapaz de verlas, solo ve sus sombras. Generar idea es
generar abstracción, en base a experiencias que coinciden se elabora la esencia que las unifica. No se
puede priorizar la idea frente a lo concreto, o al revés, existe uno porque existe el otro. Cuanta más
experiencia concreta tengamos, más abstracción seremos capaces de generar. Es difícil concebir la idea
abstracta, pero solo a través de ésta podremos reconocer lo concreto. El todo no se explica sin las partes, y
las partes no se explican sin el todo. Arte abstracto: no es aquel no figurativo, sino el que reconoce solo lo
ideal. Arte no abstracto: la mirada opera sobre lo particular. Arte figurativo: representa a partir de
imágenes ya existentes y las reproduce, creando nuevas. Arte no figurativo: sus palabras no son palabras
de lo existente, no hay una imagen a priori en la cual basarse.
Racional Vs. Irracional. Suponiendo que hay una verdad a priori por sobre las cosas, podemos elegir
entre qué es falso y qué es verdadero. Cotejamos el nuevo fenómeno con los existentes y si este cotejo da
resultado positivo, lo adjetivamos como racional. La razón ha convertido en demonio a lo irracional.
Éste es aquello que no podemos incorporar a nuestros esquemas cognoscitivos, porque todavía no
logramos nombrarlo, no lo entendemos y no lo percibimos, no podemos explicarlo. Nos causa pánico que
nuestros esquemas no esfuerzos nos sustenten. El irracionalismo rechaza la posibilidad de la total
cognoscibilidad.
Kalakagathia Vs. Antikalakagathia. Para Platón el bien se proyecta al mundo intrascendente bajo la
forma del Estado, como organizador de la vida, ley y orden social. Lo bello es bueno, y es bueno en tanto
es conveniente para el Estado. Todo es mal si atenta contra sus intereses => kalakagathia. En la República
de Platón se considera arte a la música de trabajo porque ayuda a organizar a quienes trabajan y aumenta
la producción. Aquello que no corresponda a los intereses del Estado, no será bello y bueno, será
antikalakagático.
Concinnitas Vs. Anticoncinnitas. Teniendo en cuenta la postura de que si yo le saco o le agrego algo a
una obra, ésta se descompone, diremos que lo concinnitas apunta a la búsqueda de un modelo, de un
hombre tipo. Esta es la gran dicotomía en el diseño, pensar una acción a futuro como modelo
dirigiéndonos a masas, pero evitando caer en el estereotipo. Un módulo es un prototipo, un hombre ideal
que se mide según la media, es lo ideal, niega el cambio de espacio y tiempo. Si lo aceptara, aceptaría la
diversidad humana. El ideal se instala en nuestro superyo, generando angustia al no poder ser igual a él,
por lo que nos genera culpa. La misma es necesaria para el poder, para dominar y crear dependencia. La
homotopización del hombre será contrapuesta a la heterotopización, la cual expresa diversidad
Lúdico Vs. Tragicidad del deber. El instinto de lo material y el instinto de lo formal solo pueden unirse
en armonía en el instinto lúdico => el juego, según Schiller, es propiedad de la actividad creativa artística.
La razón y los sentimientos se reconcilian en el juego, el hombre es libre solo cuando juega. Únicamente
el arte nos proporciona un goce que no exige esfuerzo previo, permite olvidar las dificultades de la vida.
Podemos hablar de 2 tipos de juegos: el creativo (los significantes existentes adquieren significados no
avalados por el código social) y el pautado. No hay juego y no hay creación artística sin locura, aunque
sea una mínima presencia. El arte es la voluntad de hacer visible lo que está vedado, por lo tanto no
consideramos dentro de lo artístico aquellos juegos pautados esquemáticamente. Lo lúdico es utilizado
para suavizar la angustia social y con eso deja de cumplir su tarea esencial, deja de ser lúdico. Para que el
hombre no se quede sin emociones, el poder le impone la heroicidad del cumplir, la tragicidad del deber,
el juego es reemplazado por lo solemne. El deber se sustituye por las pasiones, llena al hombre con la
sensación de importancia para que no se entere de la tarea insignificante que realiza.
28. Relacione el concepto de las dos vertientes con las dicotomías dialécticas
Las dicotomías dialécticas son herramientas teóricas propuestas por Marta Zátonyi para un análisis en el
contexto de la historia del arte.
Ley de la unidad y lucha de los contrarios: Unión por que están en el mismo sistema, uno no
existe sin el otro, lucha por que quieren cosas opuestas.
Ley supresión o superación dialéctica: La relación no es dual, si no que están las dos juntas.,
las dos relaciones generan algo nuevo.
Ley de la negación: Para generar un nuevo sistema tengo que negar el sistema anterior.
30. ¿Cuál es, según Hegel, el motor de la historia y por qué? ¿Cómo se relaciona
con la historia del arte?
Descubrió que las masas eran el motor de la historia, ellas jugaban un papel decisivo en el desarrollo
histórico.
Vertiente 1:
Apela a lo social, objetivo, universal, ideal racional, abstracto, es kalakagathico y concinnitas. Su auge es
en los períodos clásicos. El hombre confía en las estructuras y en la sociedad. se fortalece la represión.
Exaltación del deber.
Vertiente 2:
Los periodos se alternan, uno engendra al otro. Si se impusiera la Vertiente 1 sólo existiría la voluntad
social desconociendo al individuo, lo que lleva al final a la eliminación de la sociedad. En caso contrario,
se perdería la cultura con solo la Vertiente 2, el hombre no aceptaría la misma y la anarquía terminaría
por destruirlo. Como vemos, la obra artística está ampliamente atravesada por los pares dialécticos. Por
ejemplo, la obra de Gaudí “La Pedrera” tiene una tensión entre el individuo (ética individual) y la
sociedad (ética social).
Según este método el hombre es en cuanto es parte de una sociedad. La voluntad de la sociedad y la
voluntad del individuo se contraponen, luchan entre sí permitiendo la generación de lo nuevo: el progreso.
No se encierra la vida en un cuadrado como sí lo hace el positivismo.
Obras
Grete Stern Self-portrait 1943 Gelatin silver print, 1958 (28x22)