Fovismo

El fovismo,2 también conocido como fauvismo (del francés fauvisme, de fauve ‘fiera’ e -
ismo,3 ‘movimiento, tendencia, carácter’4), fue un movimiento pictórico originado en Francia,
alrededor de 1904 a 1908. Luego se desarrolló a otros países, en años posteriores.
Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de la
expresión les fauves‘las fieras’, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de
obras presentadas en la Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran
Palacio de París, en 1905. Lo usó por primera vez en su crítica de arte publicada en el
periódico Gil Blas, el 17 de octubre de 1905, en un artículo dedicado al salón artístico.
Fue un movimiento sincrético5 donde se usaban e incluían características de movimientos
artísticos próximos, en su espíritu de transformación de volver a la pureza de los
recursos,[cita requerida] de no ser sumisos ante la herencia pictórica, el grupo quería ir más allá de
lo logrado en la pintura, razón por la cual fueron vanguardistas.[cita requerida]
Con distinción y separación, algunos consideran como el precursor o el líder678 de este
movimiento a Henri Matisse. Por otra parte, Guillaume Apollinaire le atribuye la invención del
fauvismo a Henri Matisse y André Derain.910 Otra posición afirma sobre "un triángulo esencial
del fauvismo"11 con Matisse, Derain y Maurice de Vlaminck, para surgir y desarrollarse, al
debilitarse esa unión, se desvanece el movimiento. Otro enfoque menciona a tres artistas
como creadores12 del fauvismo.

Origen del nombre

Aquí se muestran algunos nombres de artistas y sus cuadros,13 que se presentaron en la exposición del
Salón de Otoño de 1905, señalados como "Las Fieras". La publicación es de L'Ilustration, No. 3271,14 4
de noviembre de 1905.

Hay dos supuestas versiones sobre el origen del calificativo hacia el grupo de artistas y sus
obras:
El primero de estos supuestos proviene de la mención les fauves ‘las fieras’ al conjunto de
obras expuestas en la sala número VII durante la celebración del Salón de Otoño de 1905,
donde se presentaron numerosas obras al concurso y aparecieron problemas a la hora de
clasificar y hacer una correspondencia de algunas de ellas con nociones de arte ya
establecidas o aceptadas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los
impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de «incoherentes», y sus
autores, excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente. Las palabras les
fauvesfueron parte de una crítica de arte publicada en el periódico Gil Blas, el 17 de octubre
de 1905, por Louis Vauxcelles, sobre las obras presentadas en la sala VII:

 Au centre de la salle, un torse d’enfant, et un petit buste en marbre, d’Albert Marque, qui
modèle avec un science délicate. La candeur de ces bustes surprend, au milieu del’orgie
des tons purs: Donatello chez les fauves...15 (En el centro de la sala, un torso de niño y un
pequeño busto en mármol de Albert Marque, que modela primorosamente. El candor de
esos bustos sorprende en medio de la orgía de tonos puros: Donatello entre las fieras...).
La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte
renacentista del escultor Albert Marque (no confundir con el pintor Albert Marquet). El artista
había presentado dos esculturas: un torso de un niño en bronce y un retrato de Marthe
Lebasque, un busto de mármol.16 Con una sensibilidad que recuerda el estilo italiano,
menciona Matisse en otro relato,17 sobre el busto infantil. Este cuenta que en el momento de
entrada del crítico de arte Louis Vauxelles a la sala, él exclamó: "iVaya, Donatello entre las
fieras!" ["Donatello au milieu des Fauves"] . Después de esto, los autores de las obras dieron
importancia, a la frase:"Donatello chez les fauves..." (en español, Donatello entre fieras...)
publicada al final del apartado de la crítica, para la Sala VII en el periódico Gil Blas o el relato
mencionado por Matisse sobre lo sucedido. El grupo terminó adoptando el distintivo, como
etiqueta a sus obras y su colectivo. John Elderfield menciona estas dos afirmaciones: la
publicación en el periódico y la anécdota dicha por Matisse sobre la frase.17 Este origen se
toma como cierto desde muchos años en la historia del arte.
El segundo de estos supuestos, el más reciente, es donde Roberta Smith, crítica de arte
contemporáneo, la cual escribe actualmente en The New York Times, hace una relación del
artista Henri Rousseau con su obra León hambriento atacando a un antílope, esta obra fue
expuesta18 en el Salón de Otoño de 1905 con el grupo de artistas que posteriormente fueron
llamados fauvistas. Ella aclara: que Rousseau nunca se le ha considerado como fauvista, ni
ella lo hace. Sin embargo la temática de violencia o la violencia en la selva o la violencia
salvaje del cuadro, pudo haber influido19 en la elección del calificativo para el grupo y las obras
de pintores jóvenes del movimiento. Esta afirmación surge en la exposición Henri Rousseau:
Selvas en París donde también se hace la mismo afirmación. Esta exhibición fue realizada del
16 de julio al 15 de octubre de 2006, en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. (en
colaboración con el Tate Modern o el Museo Nacional Británico de Arte Moderno, la Unión de
Museos Nacionales de Francia o Réunion des Musées Nationaux (RMN) y el Museo de Orsay.
Los curadores de la exposición fueron20 Frances Morris del Tate Modern, Christopher Green
del Courtauld Institute of Art y Claire Frèches-Thory (curador principal del Museo de Orsay).

Contexto

El ambiente del París de las vanguardias, donde surgió el fauvismo, lo constituye muchos
elementos, sería una intención inacabable decirlos todos, pero se pueden mencionar algunos,
para ilustrar: la renovación de la ciudad en la segunda mitad del siglo XIX por Georges-
Eugène, el Barón Haussmann y su plan urbanístico, nuevas formas de construcción por
ejemplo de hormigón, el avance de dominio del modernismo es el estilo arquitectónico, la
construcción con hierro, donde la Torre Eiffel como metáfora de construcción moderna. La
introducción de la electricidad a la ciudad permite el tren metropolitano en 1900 y más
movibilidad de los pobladores. Las Exposiciones Universales de inicios y antes del siglo XX.
Otros procesos tecnológicos en la última década del siglo XIX: el automóvil, el motor
diésel, cinematógrafo, el primer cable submarinotelefónico entre Francia e Inglaterra,
la telegrafía sin cables, el alumbrado eléctrico. etc. Espectáculos masivos, el Tour de Francia
en automovilismo y ciclismo. Los avances de la ciencia, con la teoría de la
relatividad y radiactividad. La influencia del sicoanálisis con los tres ensayos sobre la
sexualidad de Freud. Una relación muy activa, en varios ámbitos del arte, tanto de artistas
franceses y residentes extranjeros. La actividad de varios marchantes.21
En 1905, el Salón de Otoño, realizó una exposición de pinturas, esculturas, dibujos, grabados,
arquitectura y artes decorativas.22 En el catálogo de la exposición artística, no se indicó el
número de salas en que estaba compuesto el salón, los nombres de los artistas con las obras
expuestas fueron ordenados alfabéticamente,23 en total fueron 163624 obras de 577 artistas.23
La crítica de arte dedicada al salón artístico de ese año, por Louis Vauxcelles menciona 18
salas,15 Además se debe tomar en cuenta por otra parte que “solo tres de los seis artistas que
agrupaba L'lllustration estaban representados en la famosa Salle VII: Matisse, Derain y
Manguin. Con ellos estaban Marquet, Camoin, Vlaminck y algunos otros; Puy estaba en la
Salle III con los nabis, mayores que él, Vuillard y Bonnard entre ellos; Rouault estaba en la
Salle XVI con algunos realistas de influencia cezaniana, como los clasificó Vauxcelles, que
apuntaba el contraste entre su obra y la de Rouault. Valtat estaba en la Salle XV, con los
entonces desconocidos Jawlensky y Kandinsky".13
Hay que tomar en cuenta que uso colores brillantes, estuvo en muchos artistas fuera del
fauvismo, en el París hacia 1900, el uso del color intenso, lejos de ser un fenómeno exclusivo
de los inicios de este movimiento, fue una de las características principales de la vanguardia
en la pintura, durante esa época. La obra temprana de los fauves debe estudiarse en este
contexto más amplio.25 El uso de colores intensos por sí mismo, no es característica única
para clasificarlo dentro del movimiento fauvista,26 por otra parte.
En 1904 Henri Matisse estaba trabajando27 en la pintura Lujo, calma y voluptuosidad la cual
expuso en el Salón de los Independientes en 1905,28 esta obra es considerada como
una síntesis del posimpresionismo que fue resultado de un esfuerzo de una búsqueda
personal y se convirtió virtualmente en un manifiesto de lo que sería el fauvismo poco
después. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleados por Matisse
sorprendieron a todos cuando fue expuesto por primera vez, mientras que su desinterés por el
acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus
paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1905. Allí también se expuso
el Retrato de la Señora Matisse o La Raie Verte (La línea verde) donde se interpretó por
críticos como una caricatura a la feminidad y una excentricidad en la pintura de retrato.
El repudio o la importancia de la crítica convirtió al fovismo en el grupo de vanguardia en París
de ese entonces, poco después Maurice de Vlaminck se unió al fovismo de Henri Matisse
y André Derain. Como movimiento expresionista,[cita requerida] apareció cronológicamente a la
vez que el Expresionismo alemán,[cita requerida] con una propuesta de protesta contraria
al Positivismo, al Naturalismo y al Impresionismo.[cita requerida]
El grupo de artistas de este movimiento no poseían un manifiesto. No se puede hablar de un
estilo fauvista, sino cada artista manifestaba un acercamiento en particular dentro del
fauvismo, de libre expresión, libertad de moralidad y autonomía de enseñanza-aprendizaje29
por ejemplo.

Influencias para el fauvismo

Eugène Carrière. Autorretrato. Pintura al óleo.

Las influencias pueden ser variadas no solo del arte sino de otros campos ya sean en lo
cultural, social, filosófico o literario, ciencia, tecnología, etc.
Con la filosofía y el arte, sus principales influencias vienen de las ideas de Zola, Nietzsche,
Bergson, Croce, Stirner y Huysmans.[cita requerida]

 En el grupo de fauvistas "puede observarse la misma obsesión por la inmediación de la

experiencia, el mismo culte de la vie, en el entusiasmo contemporáneo por Friedrich
Nietzsche".29
 El fauvismo hace vínculo con la intuición y la inmediatez, fundamentado en Herni
Bergson y Benedetto Croce.30

Henri Matisse
Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869-3 de noviembrede 1954) fue
un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo.
Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido
ampliamente, junto a Pablo Picasso, como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio
de su carrera, se le identificó con el fovismo y para los años 20 ya se había destacado por su
maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa
producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una
de las figuras centrales del arte moderno. Durante su trayectoria, supo conjugar en sus obras
la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte
africano o las telas moriscas.

Biografía[editar]
Henri Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis el 31 de diciembre de 1869, una pequeña
localidad al norte de Francia, en el seno de una familia dedicada al comercio, específicamente
de droguería y semillas.1 En 1887, se trasladó a París para estudiar leyes, al tiempo que
trabaja como administrativo en la corte de Le Cateau-Cambrésis.
Comenzó a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le lleva
elementos para pintar. Dijo de este momento de su vida que descubrió una especie de
paraíso.2 Y a partir de entonces decide convertirse en artista plástico, a pesar de que esto
decepcionó profundamente a su padre.3 En París asistió a cursos en la Académie Julian y en
1892 ingresó en la École des Beaux-Arts, recibiendo clases en el taller del pintor
simbolista Gustave Moreau, donde coincidió con Rouault, Camoin y Marquet, además de
relacionarse también con el artista Dufy, discípulo de Pierre Bonnard.
Al comienzo de su trayectoria artística, practicó el dibujo del natural en un estilo más bien
tradicional, como se aprecia en El tejedor bretón, y realizó copias en el Louvre. Más adelante
pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la Costa Azul, dejándose llevar por los aires
impresionistas de la época, y practicó esporádicamente el divisionismo. En esta etapa tuvo
como discípulo y gran amigo al pintor japonés Yoshio Aoyama (el cual ha dejado en la historia
del arte el término de "azul Aoyama").
Como estudiante de arte, su pintor más admirado fue Chardin, realizando copias de las cuatro
piezas del Louvre.4
En 1896 expuso cuatro lienzos en la Société Nationale des Beaux Arts con notable éxito.
Muchas de las pinturas entre 1898 y 1901 recurren al divisionismo, técnica que adopta
después de leer un escrito de Paul Signac, "D'Eugène Delacroix au Néo-impressionisme".5
Con el comienzo del siglo, lideró junto con André Derain un grupo conocido como fovismo. Un
movimiento efímero que celebró tres exposiciones.67 La primera de ellas fue en el Salón de
Otoño de 1905.
La primera muestra individual la realizó en la galería Ambroise Vollard en 1904,8 año en el que
pinta su trabajo divisionista más importante, Luxe, Calme et Volupté, con poco éxito. El uso del
color se había hecho más pronunciado, por influencias de Signac y Henri Edmond Cross. En
1905, los artistas del fovismo exponen en el Salon d'Automne. Las pinturas expresan emoción
con colores salvajes y disonantes. El crítico de arte Louis Vauxcelles dijo: "Donatello au milieu
des fauves!" (Donatello entre bestias salvajes), refiriéndose a una escultura de
tipo renacentista que estaba en el salón donde se celebraba la exposición.9
Matisse mostró Ventana abierta, Collioure (La fenêtre ouverte) (óleo de 55,3 cm x 46 cm;
1905) y Mujer con sombrero(Femme au chapeau) (óleo de 79,4 cm × 59,7 cm; 1905). La
muestra en general y el material de Matisse en particular resultaron un escándalo para la
época y fueron objeto de una crítica muy agresiva «The Painted Lady». 4 de abril de 2011..
En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne,
pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve: supresión de
detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y
armonía, como Lujo, calma y voluptuosidad o El marinero de la gorra. Mediante zonas de color
diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de
introducir arabescos y crear un ritmo característico en sus cuadros, como en Las alfombras
rojas. Su uso del color fue de una gran sensualidad, aunque siempre muy controlada por una
metódica organización estructural. Como él mismo declaró: «Sueño con un arte de equilibrio,
de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante
cerebral parecido a un buen sillón». Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de
bidimensionalidad de cuadros como La habitación roja (o Armonía en rojo) o Naturaleza
muerta con berenjenas, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso
de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano
(Taller en rojo).
En 1910 viajó a España; en Madrid visitó el Museo del Prado y su estancia
en Granada y Sevilla contribuyó a acercarle a la estética oriental.
En 1912 y 1913 viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes
mediterráneos de gran colorido, como Los marroquíes.Actualmente, la habitación que ocupó
Matisse en estos viajes en el Hotel Villa de France, de Tánger, puede ser visitada y rentada.10
11

Hacia 1916 se inició un periodo en el que se percibe la influencia del movimiento cubista, de
creciente importancia, que se traduce en un concepto más geométrico de las formas y una
simplificación aún mayor, como en El pintor y su modelo.
Hacia 1917 se instaló en Niza, conoció a Renoir, y su estilo se hizo más sutil. Produjo en este
periodo algunas de sus obras más célebres, como Ventana en Niza y la serie de
las Odaliscas, donde queda claramente plasmado el gusto de Matisse por la ornamentación y
el uso de arabescos. En los años siguientes viajó por Europa y Tahití, donde concibió la obra
en gran formato La danza.
Hacia la década de 1940, el colorido de sus telas se tornó más atrevido, como en La blusa
rumana y en el Gran interior rojo, antecedentes de los gouaches que realizó a finales de los
años cuarenta, en los que cortaba y pegaba papeles coloreados. Es famosa en esta técnica su
serie Jazz, de 1943-1946.
En 1950 decoró la capilla del Rosario de las dominicas de Vence, la obra que mejor expone su
tendencia simplificadora hacia formas más planas. Realizó así mismo un gran número de
dibujos a pluma e ilustraciones para escritores como Mallarmé y Joyce. En cuanto a sus
grabados, el número de piezas alcanza las quinientas,
entre litografías, aguafuertesy xilografías. También esculpió en bronce y colaboró escribiendo
artículos para distintas revistas especializadas.
En 1963 se abrió en Niza el Museo Matisse, que reúne una parte de su obra.

Obra[editar]
A diferencia de la variedad que es posible encontrar en la obra de algunos de sus
contemporáneos como Picasso, la búsqueda de Matisse se centró en el equilibrio entre color y
forma. Esto se puede ver desde el primer cuadro que le abre camino en la escena
artística, Lujo, calma y voluptuosidad de 1904, el cual está rodeado de simplicidad y frescura,
al mismo tiempo que denota una reflexión profunda.12
En 1908, en su escrito Notas de un pintor (Notes d'un peintre) Matisse subraya su interés en el
color al decir que hay que proteger su intensidad a través del orden. Años más tarde, habla de
una "belleza" propia de los colores la cual se debe preservar; es un asunto, dice, de
construcción y de organización que busque mantener la "bella frescura de los colores" intacta.
Ce qui conte le plus dans la couleur, ce sont des rapports. Grâce à eux, et à eux seuls, un
dessin peut être intensément coloré, sans qu'il soit besoin d'y mettre de la couleur. (Lo que es
más importante con el color son las relaciones. Gracias a ellas, y solo a ellas, un dibujo puede
tener un color intenso sin necesidad de que haya color).13
El fovismo y el color[editar]
Como todos los artistas que se identifican con este movimiento, Matisse busca liberar al color
de la referencia a los objetos, logrando así su máxima expresividad. Su obra durante este
breve periodo (1905-1907) se caracteriza así por enfrentar tonos puros para así resaltar los
planos. Al igual que el resto de los miembros del fovismo, el paisaje y el retrato son los
géneros más abordados, como puede constatarse en sus obras Vista de Collioure (Vue
de Collioure) (1905), Mujer con sombrero (1905) o La gitana (La Gitane) (1906).14
La influencia marroquí[editar]
A pesar de tratarse de un periodo de tan solo un año en el que el artista realiza dos viajes
a Marruecos, esta etapa es considerada como fundamental en el desarrollo de Matisse, tanto
por la producción resultante así como por la influencia continua que significó en su obra. Su
importancia es tal que ha sido motivo de estudios y exposiciones como la titulada Matisse in
Morocco: The Paintings and Drawings 1912-1913, exhibida entre junio y septiembre de1990
en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), siendo resultado del trabajo entre esta
institución, la Galerìa Nacional de Arte de Washington, D.C., el Museo Pushkin de Moscú y el
Museo Hermitage de San Petersburgo (entonces Leningrado).1516
El país y las condiciones privilegiadas en las que trabaja contrastan con las que había
acostumbrado hasta el momento el artista, lo que resulta en alrededor de 20 cuadros, además
de diversos bosquejos y dibujos. A pesar de que sus otros viajes al extranjero le permiten
apreciar espacios y tipos de luz diferentes que enriquecen su práctica en general, las
estancias en Marruecos son importantes por la cantidad y ambición de la obra que produce.
El primero de estos viajes sucede de enero a febrero de 1912, el segundo de octubre de 1912
a febrero de 1913. Durante el primero, permanece confinado en su cuarto del hotel Villa de
France, en Tánger, debido a una intensa lluvia que dura un mes. El resultado de este primer
periodo marroquí merece atención por ser una condensación de las sensaciones de un artista
extraordinario, cuya búsqueda estética es resultado de un descubrimiento personal.
“En Tánger trabajé siempre con la mirada puesta en el mismo objetivo, es decir, en el fondo, la
búsqueda de mí mismo a través de motivos diversos” (Jack Cowart, “Carnets de croquis et
dessins marocains de Matisse : la recherche de soi-même à travers des motifs divers”, p.
101).15
Previo a Marruecos, Matisse ya había viajado a Argelia en 1906, durante una etapa de
transición de su obra. Gracias a este viaje y su investigación de otras tradiciones artísticas
como la egipcia, la griega, la asiática, la precolombina y la africana, desde
1907, Apollinaire subrayaba la combinación de todas éstas junto con las evidentes raíces
europeas en el trabajo de Matisse. Sin embargo, hasta antes de su estancia en Marruecos, el
interés de Matisse en el arte dicho “primitivo” se centraba en su espíritu y no en su estilo.
Como se puede suponer, las obras producidas en Marruecos muestran escenas y elementos
de este país del Magrebcomo La palma (La palme) (1912) (cuyo título original era Mañana de
marzo en Tánger), Zorah en amarillo (Zorah en jaune) (1912), La marroquí (La Marocaine)
(1912-1913) o Puerta de la alcazaba (Porte de la Casbah) (1912-1913). Sin embargo, pintó
también un par de cuadros que capturan imágenes posibles en cualquier otro lugar, como las
dos naturalezas muertas Cesta de naranjas (Corbeile d’oranges) (1912) y El florero de iris (Le
Vase d’iris) (1912), primera obra hecha durante su primer viaje. La disposición de este cuadro,
con sus flores delante de un espejo, hecho probablemente cuando la lluvia confinó al artista a
su habitación de hotel, anuncia obras similares de naturalezas muertas frente a espejos como
las que haría más tarde en Niza.
Un acierto de Matisse en los cuadros que realizó de escenas exteriores de Marruecos es la
forma en que recrea la luz a partir de capas de veladura de pigmentos finos, transparentes y
translúcidos. Uno de los mejores ejemplos de lo anterior puede ser observado en Sobre la
terraza (Sur la terrasse) (1912-1913). En esta obra Zorah, la modelo favorita del artista en ese
viaje, está sentada sobre la terraza del burdel donde trabajaba. La luz entra por la derecha y la
línea del cielo en el borde superior contrasta con las zonas de luz y sombra del interior, el cual
es de una gran variedad de tonalidades de azul que rodean a la modelo, sonriente y
totalmente vestida, con un velo que le cubre el cabello.
Luego de las dos estancias marroquíes, la experiencia acompaña a Matisse y a su obra de
una u otra forma por el resto de su vida. Su influencia se ve, por ejemplo, en el trabajo
de collage en papel que realiza al final de su vida. Por ejemplo, es posible ver una presencia
de Marruecos en la Zulma, collage de 1950 que hace pensar en su modelo Zorah.
Durante los primeros años de su vida en Niza, la influencia marroquí es quizá mucho más
clara y explícita a través de odaliscas y sus vestidos exóticos delante de decorados
evidentemente marroquíes. Ejemplos de lo anterior lo tenemos en los cuadros Almuerzo
oriental (Déjeuner oriental) (1917) y Odalisca y taburete (Odalisque et Tabouret) (1928).15
Collage: última etapa creativa[editar]
Matisse pasó los últimos años de su vida produciendo desde una silla. En 1941, tras un cáncer
de colón y una serie de operaciones quirúrgicas, la fragilidad general que experimenta lo
obliga a pasar sus días con el apoyo de una silla de ruedas, desde donde se las ingenia para
continuar con lo que llamaba "pintura con tijeras". Se tratan así de collages (también referidos
como cut-outs en inglés o gouaches découpées en francés) hechos con recortes de hojas de
papel blanco pintadas con gouache. Sobre todo en las obras de grandes dimensiones, Matisse
daba las instrucciones sobre los colores a utilizar por sus asistentes -al frente de los cuales
estaba Lydia Delectorskaya-, para luego él mismo recortarlos y dejar que su equipo los
pegaran con alfileres al soporte final. 17 18
Además del colorido de las piezas, que contrasta con el contexto internacional de la Segunda
Guerra y la situación personal del artista, los temas representados en los collages son
igualmente joviales. Alrededor de la escena o personaje(s) central(es), destacan muchas
veces figuras dinámicas e igualmente coloridas que recuerdan formas de la naturaleza como
corales, algas marinas o estrellas. Uno de los mejores ejemplos de esta etapa es Jazz, libro
ilustrado con tema circense que realiza en pleno conflicto bélico pero publicado hasta 1947.

Matisse en los museos del mundo

La obra de Matisse está repartida en distintas colecciones públicas y privadas alrededor del
mundo, principalmente en el museo que lleva su nombre.

Museo Matisse
Fundado en 1963 y catalogado como museo nacional, este recinto ubicado en Niza alberga la
colección del artista donada por sus herederos al gobierno de esta ciudad de la Costa Azul
francesa.20
Además de las obras de Matisse, posee más de 130 objetos que pertenecían a su taller como
mobiliario, textiles, utensilios diversos. En cuanto a la obra de arte realizada por Matisse, el
museo cuenta con 31 pinturas, 236 dbujos, 218 grabados, 38 collages al gouache, 57
esculturas y 14 libros ilustrados que dan cuenta de todos sus periodos de producción. En
2012, la familia del artista hizo una donación adicional de 400 fragmentos de papel pintados al
gouache que nunca fueron utilizados por Matisse.
El fondo correspondiente a la escultura es el más grande de un museo en Europa y contiene
casi todas las obras hechas con esta técnica por el artista.
Cuenta también con un fondo de fotografías que captan a Matisse en distintos momentos de
su vida y realizadas por fotógrafos de renombre como Herni Cartier-Bresson.21

Museo Hermitage[editar]
Algunos de sus principales trabajos pertenecen al acervo del Hermitage, en San
Petersburgo, Rusia, incluido La danza(1910), uno de sus obras más emblemáticas y
reconocibles. Este recinto también alberga cuadros de la estancia del artista en Marruecos,
pintados entre 1912 y 1913, así como retratos del periodo de 1909 a 1913, y algunos
realizados en las décadas de 1920, 1930 y 1940.22

Centro Pompidou de París[editar]

La colección del Museo Nacional de Arte Moderno de Francia que alberga el Centro
Pompidou incluye obra de las principales etapas de producción de Matisse. En total, se tratan
de 245 piezas entre dibujos, esculturas, grabados y pinturas. Cinco de estas piezas fueron
adquiridas en 2001 y correspondían a la colección de Marie Matisse (1914-1999), viuda de
Jean Matisse, hijo mayor del artista.12

Museo de Arte Moderno de NY (MoMA)[editar]

El MoMA alberga cerca de 20 obras de Matisse, entre pintura, dibujos, grabados, esculturas y
cerámicas pintadas.23

Museo Guggenheim (NY)[editar]

El Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York tiene obras de Matisse como parte de su
colección Sergei Shchukin, célebre coleccionista ruso que se convirtió en uno de los
principales mecenas de Matisse.24

Otros museos[editar]
 Albright-Knox Art Gallery25
 Chrysler Musem of Art26
 Museo del Novecento27
 Museus Castro Maya28