Octavio Martínez López. 1017332.

• El dadaísmo fue un movimiento artístico compuesto por diferentes

géneros como la literatura, la pintura, la escultura, la música y las
artes gráficas. Fue una especie de padre fundador para gran cantidad de
movimientos artísticos, entre ellos el surresalismo, el estridentismo, y en cierta
medida el Arte Pop de los años 60.
• Fue creado en el año de 1916, en Zúrich (Suiza), en el Cabaret
Voltaire, fue un movimiento artístico conocido por contrariar las
tradiciones artísticas y culturales, que más tarde se extendió por el
resto de Europa y Estados Unidos.
• Hugo Ball, escritor y poeta alemán, es considerado como el fundador
del dadaísmo, incluso, fue el primero en escribir textos sobre este
movimiento. Más tarde se sumó Tristan Tzara, poeta rumano y uno de
los principales exponentes de esta tendencia.
• Se caracterizó por oponerse al positivismo, pensamiento científico
basado en el concepto de la razón, y por estar en contra de las
tradiciones literarias y artísticas.
• El dadaísmo se originó durante la Primera Guerra Mundial, de allí
que muchos artistas de diversos países se encontraban refugiados en
diferentes ciudades de Europa y en Estados Unidos, estos vivían en
medio del desencanto y del horror de una gran guerra sin
precedentes, por ello se presentaban como artistas desinteresados y
rebeldes de las tendencias tradicionales.
• Los dadaístas se caracterizaron por oponerse a la guerra y tener
una cierta tendencia hacia la anarquía que se oponía y cuestionaba
los movimientos artísticos de la época.
• En este sentido, el dadaísmo encontró en lo ilógico un camino para
expresar su propuesta artística, la cual llegó a convertir en un estilo
de vida que rechazaba toda tendencia tradicional.
• Por tanto, para muchos el dadaísmo resultó ser un movimiento
antiartístico y antipoético que cuestionó el arte y la literatura de
aquel entonces. Fue un movimiento que estuvo en contra de los
principios de la lógica, la belleza, lo perfecto y lo universal en
general. Incluso, cuestionó el propio dadaísmo.
• Los dadaístas acostumbraban a hacer uso de lo irracional y de lo
absurdo a fin de replantearse los valores sociales y estéticos
predominantes.
• El mayor aporte del dadaísmo fue el cuestionamiento continuo que se
hacía sobre qué es el arte y la literatura. Los dadaístas partían de la
idea de que todo puede ser cuestionable y de que no existen reglas
fijas a lo largo del tiempo.
• Marcel Duchamp- “L.H.O.O.Q”(1919).

• Hans Arp– “Sin título” (1917)

• Marcel Duchamp- “Fountain” (1917).

• Florine Stettheimer- “Cathedrals of Broadway” (1929)

• Emmi Hennings- “Truth speaking” (1915)

Hugo Ball
• Fue un autor y poeta alemán, es considerado el primer fundador y una de las figuras
principales del movimiento artístico “anti arte” llamado dadaísmo.
• Nació en Pirmasens, en el antiguo Imperio alemán, y se crió en el seno de una familia
católica de clase media. Entre 1906 y 1907 estudió sociología y filosofía en las
universidades de Munich y Heidelberg. En 1910 se trasladó a Berlín para convertirse en
actor, haciéndose colaborador de Max Reinhardt..
• Con el estallido de la Primera Guerra Mundial trató de unirse al ejército alemán como
voluntario, pero fue rechazado por razones médicas. Tras presenciar la invasión de
Bélgica, quedará profundamente desilusionado: «La guerra se basa en un error evidente,
los renegados se han confundido con las máquinas».
• Tras ser acusado de traidor a su país, cruzará la frontera alemana con su mujer,
instalándose en Zurich. Durante este período retomó su interés por el anarquismo, y por
Bakunin en particular, hasta el punto que realizó algunas traducciones de sus obras. A
pesar de su interés por la filosofía anarquista, nunca fue militante.
• En Zúrich, Ball fundó, en una taberna llamada cabaret Voltaire, lugar de reuniones
políticas, conciertos y lecturas de poesía, el movimiento dadaísta, al que pronto se unirían
los rumanos Tristan Tzara y Marcel Janco , el alemán Richard Huelsenbeck , y el alsaciano
Hans Arp. Fue una de las personas a las que se adjudicó el bautizo del movimiento,
supuestamente por la elección casual de la palabra «da-da» (caballito de juguete) en un
diccionario de francés.
Tristan Tzara
• Tristan Tzara (o Izara), seudonimo de Samuel
Rosenstock (Moinesti, Bacau, 1896 - Paris, Francia, 1963) fue
un poeta y ensayista rumano de origen judío. Fue uno de los
fundadores del movimiento, asimismo considerado como su
máximo exponente y figura. Fue una figura clave en la
vanguardia poética de principios de siglo, anticipando la
llegada del surrealismo.

• Vivió en su casa en Francia casi toda su vida.

• ​Hacia fines de 1929 se embarcó en el recién inaugurado
movimiento surrealista de André Breton, Loius Aragón y otros
autores; dedicó grandes esfuerzos a intentar conciliar las
doctrinas filosóficas nihilistas y sofisticadas del movimiento con
su propia afiliación marxista. Participó activamente en el
desarrollo de los métodos de escritura automática, entre ellos
el collage y el cadáver exquisito. De esa época data su
libro L'Homme approximatif ("El hombre aproximativo", 1931).​
• Hugo Ball

• Tristán Tzara.
• El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso
Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el
pasado y los signos convencionales que la historia del arte
consideraba como elementos principales a la poesía , el valor, la
audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento
agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la
bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo
sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el
retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la
disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión
plástica.

• Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida

contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina
y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio
expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda,
cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción,
con el propósito de rejuvenecer y construir un nuevo orden en el
mundo.
• Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la
representación del movimiento y la velocidad, para ello representan
los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o
emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómics y
los dibujos animados. Tienden a utilizar colores puros. El futurismo
llegará a la abstracción a través del rayonismo.
• Los futuristas eran además muy patrióticos. Por su carácter agresivo -
"No puede haber belleza sin lucha"- y por el hecho de aclamar la
guerra como la única higiene del mundo, cuando estalló la Primera
Guerra Mundial la mayoría de ellos se fue al frente para luchar y,
desafortunadamente, sin volver nunca.
Entre las características que nos pueden permitir clasificar el
movimiento podemos destacar las siguientes:
​
• Exaltación de la originalidad.
• Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
• Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los
automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes,
guerra, etc.
• Utilización de formas y colores para generar ritmos.
• Colores resplandecientes.
• Transparencias.
• Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de
imágenes de un caleidoscopio o una película.
• La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos
artísticos, consistió en crear una estética desde cero, con lo que se
hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios
artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros
"ismos" o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de
ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el
panorama artístico en los albores del siglo XX.
• Muchas de sus técnicas para "figurar, con medios estáticos, el
movimiento real" han sido incorporadas también al lenguaje de la
historieta moderna
• “Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se
ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la
velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador
adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de
aliento explosivo... un automóvil que ruge, que parece
correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de
Samotracia.” Marinetti, febrero 1909​.
 Filippo Tommaso Marinetti
• Filippo Tommaso Marinetti (Alejandría, Egipto, 1876-Bellagio, Como, 1944) fue
un poeta, escritor, ideólogo fascista, dramaturgo y editor italiano del siglo XX. Conocido
por ser el fundador del movimiento futurista, la primera vanguardia italiana
del novecento y que sirvió como base para el fascismo de Mussolini.
• 1898 Marinetti comenzó a publicar en varias revistas poemas de corte simbolista.
• En 1905 fundó en Milán, en colaboración con el autor Sem Benelli, la revista Poesia. En
una de sus primeras obras teatrales, Elettricità sessuale (1909), aparecieron los robots —
obviamente, con otra denominación—, diez años antes de que el novelista checo Karel
Čapek emplease la palabra «robot» para.
• En 1909 publicó en el periódico francés Le Figaro el Manifiesto del Futurismo, y en 1910,
en el mismo diario, el segundo manifiesto. Es de notar que para Marinetti el manifiesto
fue un género literario original; tanto es así que la crítica considera sus manifiestos entre
sus mejores obras. Desarrolló la literatura futurista en numerosos ensayos y poemas, en su
novela Mafarka il futurista (1910), y en obras teatrales «sintéticas», de carácter
experimental, entre la que destaca Zang Tumb Tumb (1914).
• Como «jefe» del movimiento futurista intervino en numerosas obras, antologías, tomas de
posición, etc. Hacia 1920, cuando el futurismo era ya un fenómeno del pasado y
aparecían en Europa nuevos movimientos vanguardistas, Marinetti comenzó a mostrar
simpatías por el fascismo.
• Llegó a ser miembro de la Academia de Italia, fundada por los fascistas. Y se convirtió en
el poeta oficial del régimen de Mussolini, al que fue fiel hasta los tiempos de la República
de Saló.
• Filippo Tommaso Marinetti
• También llamado "Neo impresionismo" o "Post impresionismo" es un
movimiento artístico que nace en Francia a finales del siglo XVIII, es
representado como continuación y contraposición al Impresionismo,
toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones
que supone.
• Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores puros,
paisajes de la naturaleza, diferentes tipos de pinceladas, etc. Por
ello para entender el postimpresionismo se debe saber que a éste se
le debe la libertad artística en su conjunto. El postimpresionismo es
la base de los estilos modernos y contemporáneos.
• El crítico Roger Fry habla por primera vez de este movimiento y
llama “postimpresionistas” a los cuadros que aparecen a finales del
siglo XIX hechos por pintores como Cezanne, Seurat, Gauguin, Van
Gogh y otros. Muchos de ellos empezaron por el estilo impresionista
y lo abandonaron, desarrollando el suyo propio.
• En el siglo XIX tiene lugar el colapso de los imperios Español, Francés,
Chino, Romano y Mogol de la India. La desenfrenada revolución
industrial aparece y permite la evolución y el rápido crecimiento de
las ciudades.
• En esta época aparecen las ciudades modernas que se conocen hoy
en día, se producen nuevos inventos, cambios que causaron una
transformación en la sociedad y potenciaron el crecimiento de
la clase social burguesa, la cual a su vez favoreció la masificación de
formas artísticas tradicionalmente ligadas a clases altas, como la
ópera y el ballet. El arte pictórico por su parte experimentó un
fenómeno diferente, comenzaron aparecer artistas que de una forma
reivindicativa tomaban los cánones existentes y los transformaban a
su gusto, de una manera sumamente personalista.
• Los pintores impresionistas son testigos y algunos partícipes de estos
cambios, después de unos pocos años la mayoría se asienta en el
postimpresionismo. Plasman los ideales de individualismo y
objetivismo, que propugnan las corrientes intelectuales del momento.
• De un modo pragmático lo que caracteriza al postimpresionismo son
las pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que
se desarrollan en la época. Los colores puros evocan la radicalidad
que se vive en la sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma
subjetiva, si no que se observa como un conjunto. El movimiento de las
imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que se
acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la importación
de objetos exóticos, especialmente de oriente. Por ello una de las
ramas destacadas del postimpresionismo es el "japonismo", sub-estilo
del cual Vincent van Gogh fue uno de los principales exponentes, por
ejemplo con obras como: "Un cangrejo de espaldas".
• En conclusión, el postimpresionismo consiste en una liberación de las
formas clásicas, los colores y texturas se transforman a la par con el
cambio social de finales del 1800. Las barreras de la razón se
destapan por completo y dan lugar a una cultura inclusión e
igualdad que hasta hoy perdura.
• SIMBOLISMO EMOCIONAL
• Como explica Fry, los postimpresionistas creían que una obra
de arte no debería de girar alrededor de un estilo, proceso o
enfoque estético en particular. En cambio, la obra debería de
hacer énfasis en el simbolismo al comunicar los pensamientos
más profundos del subconsciente del artista. En lugar de
emplear el sujeto como una herramienta visual o como un medio
para un fin, los postimpresionistas lo percibieron como una
forma de transmitir sentimientos. Según Paul Cézanne, “una
obra de arte que no comenzó en las emociones no es una obra
de arte”.
• COLORES LLAMATIVOS
• “¡El color! Qué profundo y misterioso lenguaje, el lenguaje de
los sueños”. -Paul Gauguin
• A diferencia de los impresionistas, quienes buscaban capturar
los efectos de la luz natural sobre los tonos, los
postimpresionistas deliberadamente adoptaron una paleta de
color artificial para representar su percepción emocional del
mundo que los rodeaba. Tonalidades saturadas, sombras
multicolor y una gran variedad de colores son evidentes en la
mayoría de las pinturas postimpresionistas, mostrando el
enfoque innovador e imaginativo de los artistas hacia la
representación.
• PINCELADAS DISTINTIVAS
• Al igual que las pinturas que pertenecen al impresionismo, la
mayoría de las pinturas postimpresionistas presentan
pinceladas gruesas y perceptibles. Además de añadir textura y
un sentido de profundidad a la obra de arte, estas marcas
también apuntan a las cualidades pictóricas de la obra,
dejando claro que no pretende ser una representación realista.
• Pocas décadas después de su muerte, las 850 pinturas y 1,300 dibujos de
Van Gogh se volvieron mundialmente famosos. Hoy, sigue siendo una de las
figuras más importantes de toda la historia del arte, célebre tanto por su
práctica artística como por su admirable enfoque sobre la vida.
• “Si tan solo tratamos de vivir con sinceridad”, le dijo a Theo en 1878, “nos
irá bien, aunque seguramente experimentaremos un dolor real y grandes
decepciones, y también probablemente cometeremos grandes faltas y
haremos cosas malas, pero es cierto que es mejor ser alegre, aunque uno
cometa más errores, que tener una mente estrecha y demasiado prudente.
Es bueno amar muchas cosas, porque en eso radica la verdadera fuerza, y
quien ama mucho, hace mucho, y puede lograr mucho, y lo que se hace con
amor, está bien hecho“.
• Escuela de Chicago es la denominación histórica de un estilo
arquitectónico que se desarrolló en la ciudad de Chicago a finales
del siglo XIX y comienzos del siglo XX, pionera en la introducción de
nuevos materiales y técnicas para la construcción de grandes
edificios comerciales y los primeros rascacielos.
• Surge en Estados Unidos, donde las referencias históricas
(arquitectura historicista) tienen menos peso e importancia que en
Europa. El contexto socio-económico es el de una ciudad muy
próspera y en considerable incremento demográfico. El Gran
incendio de Chicago (1871) dejó la mayor parte de la ciudad
destruida, lo que supuso tener que levantarla de nuevo y dio
al urbanismo una relevancia máxima. La necesidad de crear tan
considerable cantidad de nuevos edificios dio pie al surgimiento de
la escuela, al proporcionar una demanda de proyectos que ningún
otro lugar podía igualar.
• Se produjo una gran especulación sobre los terrenos, lo que
estimuló las soluciones arquitectónicas que supusieran la
construcción en vertical: muchos pisos elevados sobre una planta
reducida. El número de pisos de los primeros edificios de la
escuela (entre 10 y 16) es bastante modesto para los criterios
posteriores, pero para su época eran todo un logro.
Paralelamente aparecieron los primeros ascensores eléctricos.
Los distintos arquitectos y talleres de arquitectura de la escuela
de Chicago proponían soluciones similares entre ellos, lo que
determinó la definición de un verdadero estilo
arquitectónico común: pilares de hormigón como soporte o
cimiento (que solucionan la dificultad de construir sobre un suelo
arenoso y fangoso), estructuras metálicas (ya experimentadas
en la arquitectura del hierro del siglo XIX) revestidas según la
función del edificio, ventanas corridas que ocupaban la mayor
parte de las fachadas (lo que más adelante se llamará "muro
cortina") y la eliminación, en muchos casos, de los muros de
carga.
• Dejaron de realizarse edificios con muros de piedra de gran
grosor, en beneficio de atractivas fachadas
de mampostería que suprimen los elementos decorativos
(habituales en la arquitectura ecléctica de finales del siglo XIX).
Se apuesta por superficies lisas y acristadas donde predominan
las líneas horizontales y verticales.
• Los modelos creados en Chicago pronto empezaron a ser
emulados en otras ciudades de Estados Unidos, y están en el
origen de la renovación arquitectónica del primer tercio del
siglo XX (funcionalismo arquitectónico, Bauhaus, Movimiento
Moderno).
• La verticalidad arquitectónica y el abandono del muro de carga (ya
casi innecesario), se ve acentuada y modulada por el ritmo de las
carpinterías, las líneas rectas y el diálogo equilibrado y constante
entre el sólido y el traslúcido, siendo este último el más predominante
y enriquecedor tanto del lenguaje exterior, como de los espacios
interiores, generando una iluminación más que suficiente.
• El ritmo de las ventanas y la verticalidad de la fachada.
• La Exposición Mundial Colombina (World's Columbian Exposition)
de Chicago de 1893 dio la oportunidad de presentar la nueva
ciudad al mundo; y trajo como consecuencia un movimiento de
reacción en la nueva generación de arquitectos estadounidenses,
muchos de ellos originarios del Medio Oeste, que se conoce con el
nombre de Prairie School ("escuela de la pradera").
• Ya en 1938, la llegada a la ciudad de Mies van der Rohe (las
autoridades nazis habían cerrado la Bauhaus en Alemania) significó
el desarrollo de los nuevos planteamientos que caracterizan la
denominada segunda escuela de Chicago.
• William Le Baron Jenney (1832-1907).
Fue un arquitecto e ingeniero estadounidense, antiguo alumno de
la École Centrale des Arts et Manufactures (École centrale Paris,
en París de los años 1853 a 1856. Participó activamente en las
tareas de la reconstrucción de Chicago después del incendio de
Chicago. Creó el primer rascacielos, el Home Insurance Building,
con las nuevas técnicas de construcción en acero, por lo que fue el
precursor de la llamada Escuela de Chicago.
• Henry Hobson Richardson (1838 – 1886)
• Fue un importante arquitecto estadunidense del siglo XIX, su
arquitectura dio origen al nombre de un estilo, el románico
richardsoniano, que estuvo en boga a finales del siglo XIX.
• Richardson estudió en el Harvard College. Al principio se
interesó por la ingeniería civil, pero acabó por cursar los
estudios de arquitectura, que le condujeron a la
afamada Escuela de Bellas Artes (École nationale supérieure
des beaux-arts). No pudo terminar sus estudios en este lugar,
debido a las dificultades financieras de su familia durante
la Guerra Civil Estadounidense. Richardson regresó a los
Estados Unidos en 1865. El estilo favorito de Richardson no era
el clásico de la École, sino uno más inspirado por la arquitectura
medieval, influenciada por William Morris, John Ruskin y otros.
Richardson desarrolló un lenguaje único, adaptando
la arquitectura románica del sur de Francia.
• Su obra más conocida, la Trinity Church de 1872 en Boston
consolidó la reputación de Richardson y le proporcionó grandes
proyectos durante el resto de su vida. La realizó en
colaboración con la firma de construcción e ingeniería Norcross
Brothers, con quienes trabajaría en otros 30 proyectos.
• Daniel Hudson Burnham(1846–1912)
Fue un arquitecto y urbanista estadounidense de la escuela
de Chicago, que experimentó nuevas técnicas constructivas con
el hierro. Fue a partir de 1891 cuando desarrolló su intensa
actividad urbanística, caracterizada por su adhesión a los
modelos neoclasicistas de la Escuela de Bellas Artes. Fue el
director de trabajos de la Exposición Mundial
Colombina de Chicago de 1893 y diseñó varios edificios
famosos como el Edificio Flatiron de Nueva York o la Union
Station de Washington D. C.
• Su máximo logro fue la creación del Plan de Chicago (también
conocido como el Plan Burnham), que planeó el futuro urbano y
paisajístico de Chicago. Hasta la fecha, este plan ha sido
modelo e inspiración para industriales, políticos, urbanistas y
académicos de todo el mundo.
• Louis Sullivan (1856 - 1924).
• Su aporte más importante fue el diseño de diferentes tipos de
rascacielos, con la estructura interior de hierro bajo una
atractiva fachada de mampostería. El Wainwright Building,
el Guaranty Building y el Carson Pirie Scott Department
Store (Almacenes Carson) son edificios que llevan su firma.
• Dankmar Adler (1844 - 1900).
Bibliografía:
• Morales, Adriana.“Dadaísmo”, TodoMateria.
https://www.todamateria.com/dadaismo/

• Croxatto, Andres.“Postimpresionismo”, Todocuadros.

https://www.todocuadros.es/estilos-arte/postimpresionismo/

• https://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

• Roldan, Paula Nicole. “Escuela de Chicago”, Economipedia.

https://economipedia.com/definiciones/escuela-de-chicago.html