UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE CHIAPAS

FACULTAD DE CIENCIAS DE LA ADMINISTRACIÓN. CAMPUS IV.

LICENCIATURA EN GESTIÓN TURÍSTICA

MATERIA:

ANIMACION Y RECREACION EN EL TURISMO.

“ACTIVIDADES CULTURALES”

INTEGRANTES
ANTONIO GARAY DANIEL EDUARDO
MERIDA DECEANO BRAYAN MERIDA
VILLALOBOS JIMENEZ SAMUEL EDUARDO
SANTOS ARREOLA YLIAN ALEJANDRA
MORGAN MORALES VICTOR NOE
GALLEGOS GOMEZ AXEL IVAN
CYNTHIA XIMENA CALDERÓN GÓMEZ

DOCENTE:
DRA. PEREZ SANCHEZ ARGELIA JUDITH.

TAPACHULA, CHIAPAS A 09 DE OCTUBRE DEL 2019

INDÍCE
INTRODUCCION .................................................................................................................. 4
OBRA DE TEATRO .............................................................................................................. 5
Características de las obras de teatro .................................................................................. 6
Actos .............................................................................................................................. 6
Escenas ......................................................................................................................... 7
Texto primario............................................................................................................... 7
Texto secundario ......................................................................................................... 7
ACTIVIDADAD CULTURAL: ............................................................................................. 8
EL ARTE DE CANTAR ........................................................................................................ 8
ANTECEDENTES ............................................................................................................. 8
CANTO EN EL PERÍODO NEOLÍTICO ......................................................................... 9
CANTO EN EUROPA ....................................................................................................... 9
CANTO EN EL PERÍODO MESOPOTÁMICO. .............................................................. 9
CANTO EN EL PERÍODO DEL APOGEO EGIPCIO ..................................................... 9
CANTO EN EL MEDIO ORIENTE ................................................................................ 10
CANTO EN ROMA ......................................................................................................... 10
CANTO EN ASIA ............................................................................................................ 11
BENEFICIOS DEL ARTE DE CANTAR ........................................................................... 11
OBJETIVO ........................................................................................................................... 13
Objetivo General............................................................................................................... 13
Objetivos específicos ........................................................................................................ 13
VOCES EN EL ARTE DEL CANTO .................................................................................. 14
Voces Masculinas ............................................................................................................. 14
Voces Femeninas .............................................................................................................. 15
ESCULTURA ....................................................................................................................... 16
Hombre León – Primera escultura de la Prehistoria ......................................................... 16
Escultura Mesolítica (10,000-4,000 a.C) .......................................................................... 16
Escultura neolítica (4,000-2,000 a.C) ............................................................................... 17
Escultura del Mediterráneo Oriental (2000-1100 a.C) ..................................................... 17
Escultura del Lejano Oriente (1700-1150 a.C)................................................................. 17
 Escultura griega arcaica (600-500 a.C) ............................................................................ 18
Escultura griega clásica (500-323 a.C) ............................................................................. 18
Escultura griega helenística (323-27 a.C)......................................................................... 18
Escultura de metal celta (400 – 100 a.C) .......................................................................... 18
Escultura Romana (200 a.C – 200 d.C) ............................................................................ 19
Escultura durante la edad oscura (500 – 800 d.C) ............................................................ 19
Escultura románica temprana (carolingia, otoniana) (800-1050) ..................................... 20
Escultura románica (1000 – 1200 d.C) ............................................................................. 20
Escultura Gótica (1150 – 1300 d.C) ................................................................................. 20
Danza .................................................................................................................................... 22
Definición ......................................................................................................................... 22
Orígenes ............................................................................................................................ 22
Beneficios ......................................................................................................................... 25
Ejemplos de danzas .......................................................................................................... 26
Ballet ................................................................................................................................. 27
¿QUÉ SON LAS MANUALIDADES? ................................................................................ 28
HISTORIA DE LAS MANUALIDADES EN EL MUNDO Y EN LA SOCIEDAD
ACTUAL .............................................................................................................................. 29
CLASIFICACIÓN DE MANUALIDADES ........................................................................ 31
HISTORIA DE LAS MANUALIDADES EN PAPEL ........................................................ 32
BENEFICIOS DE LA REALIZACIÓN DE MANUALIDADES ....................................... 33
LA PINTURA COMO ACTIVIDAD CULTURAL ............................................................ 35
Antecedentes..................................................................................................................... 35
Concepto de pintura .......................................................................................................... 35
Objetivos de la pintura...................................................................................................... 36
Tipos de pinturas .............................................................................................................. 37
CONCLUSIÓN. ................................................................................................................... 38
 INTRODUCCION

En este breve trabajo hablaremos sobre las actividades culturales y sobre los
diferentes tipos de pasatiempos que conciernen en ellas. Dentro de esta
investigación abordaremos varios puntos como los son: ¿de qué trata?,
antecedentes y los beneficios que nos aportan, dentro de las actividades que
mencionaremos son; danza, pintura, obras de teatro, pasatiempos instrumentales,
etc. Mencionamos que hay que tener muy en claro que las actividades culturales
son representativas de nuestra cultura, tradiciones valores y que nos ayudan al
mejoramiento de nuestra salud psicológica. En fin las actividades culturales nos
ayudan a expresar sentimientos externos, como la tristeza y la felicidad. Es por ello
que nosotros abordaremos estos diferentes puntos.
 OBRA DE TEATRO

Una obra de teatro es una forma literaria que sirve para la escenificación teatral.
Haciendo referencia a la parte escrita, una obra de teatro tiene una estructura
ideada para la puesta en escena de una situación que su escritor quiere realizar por
medio de actuaciones y escenografía.

Los escritores de las obras de teatro se llaman dramaturgos. Dentro de ella, el

dramaturgo escribe todos los diálogos que dirán los personajes. Estos pueden ser
conversaciones, declamaciones, monólogos, cantos o cualquier cosa que involucre
a la voz del actor o de la actriz.

El objetivo de las obras de teatro dramáticas, más que el de que los espectadores
se sintieran identificados, era educativo y aleccionador. Eurípides y Sófocles fueron
de los principales dramaturgos de tragedia.

Al poco tiempo también surgió el género de comedia Esta se encargó de satirizar a

la sociedad en forma de crítica. Eso devino en el surgimiento de la farsa.

En otras latitudes, el teatro en India se desarrolló en el ámbito mitológico para honrar

al dios Brahma, tal y como en sus textos señala con cantos y bailes.

Las obras de teatro, como cualquier objeto literario, se clasifican en géneros. La

tragedia y la comedia surgieron en la Antigua Grecia, pero a lo largo de toda la
historia del teatro occidental se han logrado constituir diversos géneros como la
tragicomedia, el melodrama, además de las fusiones con otras artes como lo es la
música en óperas y musicales, así como también la danza en obras que incluyan al
ballet o a la danza contemporánea.
Evolución de la obra teatral

En el siglo XVIII, se observa una gran variedad de comedias teatrales. El siglo XIX
vio el nacimiento del drama romántico, una mezcla de comedia y tragedia. Esto
demuestra el actual género literario de la época, el romance, que se opone al
clasicismo. Se tornan populares los géneros: el vodevil y el melodrama. A finales
del siglo XIX surge el drama realista.

Géneros teatrales

 Comedia
 Farsa
 Melodrama
 Tragedia
 Tragicomedia
 Pieza

Características de las obras de teatro

Actos

Las obras de teatro se dividen en actos, siendo estos las distintas partes de la obra.
Se diferencian uno del otro, en líneas generales, por el cambio de situación o de
ambiente.

Se suele situar los fines de los actos en momentos de clímax, determinantes, para
mantener la tensión e invitar al público a continuar.

Entre cada acto hay un interludio, es decir, una pausa en la que el público puede
alejarse brevemente de la sala o no, mientras las nuevas condiciones
escenográficas son preparadas. Sin embargo, muchas obras suelen tener un único
acto: solo las más largas tienen más de uno.
Escenas

Los actos, a su vez, se dividen en escenas. Las delimitaciones que cada dramaturgo
le da a una escena suelen variar con frecuencia, por lo que es común encontrar
obras de teatro donde las escenas son parte del mismo ambiente y otras donde se
cambia rápidamente de lugar, e incluso de personajes, dentro del mismo escenario.

Las escenas suelen comenzar con una breve descripción del dramaturgo a manera
de acotación.

Texto primario

Denominado por algunos como texto a secas, es el guion que dicen los personajes,
independientemente de si son declamaciones, diálogos o monólogos.

Texto secundario

Algunos autores le otorgan el nombre de para texto, mientas que otros se refieren
a él como parte de las acotaciones. Pero sin duda, el texto secundario es una de las
arterias vitales de las obras de teatro.

En él se dan las especificaciones de las escenas justo antes de comenzar, e incluso

dentro de ella cuando alguno de los personajes realiza alguna acción no verbal .
 ACTIVIDADAD CULTURAL:
EL ARTE DE CANTAR
El Canto es un arte, es una forma de expresión en el que cuentas una historia que
está conectado con sentimientos que se deben transmitir al púbico. El canto no hace
liberar todo lo que sentimos y nos hace sentir
relajados; es en ese momento cuando nos
desconectamos con el mundo y nos dejamos
llevar por la música.

Por otro lado, en el canto existen diferentes

tipos de voces y actúan músculos importantes
que está acompañado por una técnica vocal.
En las mujeres las voces se clasifican en: soprano que es la voz que llega a notas
agudas, mezzosoprano que es la voz que llega a notas intermedias y contralto que
es la voz que llega a las notas más graves. En el caso de los hombres están: tenor
que es la voz más aguda, barítono que es la voz intermedia y bajo que es la voz
más grave.

Cuando se practica cualquier pieza musical es necesario tener la postura adecuada,

que es poner los pies al nivel de los hombros y realizar ejercicios de relajación para
quitar las tensiones del cuerpo.

Las técnicas del canto se centran en la respiración y la vocalización. Hacer ejercicios

de vocalización ayuda a fortalecer las cuerdas vocales, a hacer la voz más potente
y a lograr técnicas como el vibrato y el falsete. Hacer ejercicios de respiración ayuda
a fortalecer el diafragma ya llegar a notas agudas y graves ya que el diafragma
actúa como el apoyo para la proyección de las notas.

ANTECEDENTES

Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical,
la Historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita,
como ha venido siendo habitual, a occidente, donde se ha utilizado la expresión
historia de la música para referirse a la historia de la música europea y su evolución
en el mundo occidental.

La música de una cultura está estrechamente relacionada con otros aspectos de la

cultura, como la organización económica, el desarrollo técnico, la actitud de los
compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticas más generalizadas
de cada comunidad, la visión acerca de la función del arte en la sociedad, así como
las variantes biográficas de cada autor.

En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente,
según algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por el
planeta, hace más de50.000 años. Es por tanto una manifestación cultural universal.
La voz fue el medio de expresión artística auditiva por excelencia. Luego de
aprender a comunicarse mediante sonidos con instrumentos rústicos, la voz, fue el
que mejor se destacó en aquellos tiempos.

CANTO EN EL PERÍODO NEOLÍTICO

Las antiguas culturas habían descubierto el canto como

instrumento y creían que este y la música habían sido
creados por los dioses. El arte del canto fue desarrollado por
todos los pueblos.

CANTO EN EUROPA

CANTO EN EL PERÍODO MESOPOTÁMICO.

En los tiempos de Babilonia había grandes agrupaciones de cantores perfectamente

disciplinados desde el punto de vista musical. La música era voluptuosa, artículo de
lujo para fiestas, poco digna para sacerdotes y rezos.

CANTO EN EL PERÍODO DEL APOGEO EGIPCIO

Egipto antiguo, la música era utilizada para fiestas, procesiones y ceremonias de

culto. Canto en el período del apogeo greco-romano.
 En Grecia, en el siglo VIII de la era cristiana, el
canto comenzó a acompañarse por un
instrumento: la cítara. Canciones de cuna, de
boda, fúnebres, ocupaban un lugar importante en
la vida de los griegos. En los coros del teatro
griego todas las voces cantaban la misma
melodía: esto se denomina homofonía y continúa hasta el primer milenio de la era
cristiana. Platón y Aristóteles afirmaban que el canto era un medio importante para
la educación: tal es la importancia, que la antigua Grecia

CANTO EN EL MEDIO ORIENTE

El pueblo judío utilizaba el canto para sus ceremonias. Las investigaciones del canto
en Jerusalén demuestran que son unas de las fuentes del canto gregoriano

CANTO EN ROMA

Roma conquistó Grecia, pero la cultura musical de ésta era muy importante, y
aunque ambas culturas se fundieron, Roma no
aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó
a la manera romana, variando en ocasiones su
estética. Habitualmente se utilizaba la música en
las grandes fiestas. Eran muy valorados los
músicos virtuosos o famosos, añadiendo
vertientes humorísticas y distendidas a sus
actuaciones.

En los teatros romanos o anfiteatros se representaban festivales de canto al estilo

griego. Es en ellos, cuando el canto se empezó a mezclar con el teatro. Los romanos
conocían la melodía, ritmo, expresión, modulación y la instrumentación, pero no la
armonía

Roma no descuidaba el cultivo del canto y en épocas de Nerón (54-68) estaba en

su apogeo. Este emperador se consideraba el mejor tenor del mundo, y mandó
matar a muchos cantores romanos por la envidia que le causaba el que fueran
aplaudidos por la plebe en demasía. En tiempos de los romanos se necesitaban tres
maestros de canto: vociferaii, phonasci y vocales. Los primeros para fortalecer la
voz, los segundos para igualar el volumen, y los terceros para entonación,
modulación y perfeccionamiento del canto.

CANTO EN ASIA

Los chinos inventaron su propia tabla de caracteres musicales, le llamaban la tabla

de cálculo, ya que se basa en cálculos cíclicos. El canto chino era en general
barroco, con cierta gracia melódica y sentido rítmico, aunque sin carácter. Japón se
caracterizaba por sus sonidos fundamentalmente guturales y retenidos, porque se
consideraba ateístico abrir mucho la boca.

(https://es.slideshare.net/LauBikbaev/historia-del-canto)

BENEFICIOS DEL ARTE DE CANTAR

1. Mejora tu postura corporal. Esto es lógico porque para cantar bien hay que
tener una buena postura, con la espalda recta y el cuello relajado, pero además
también fortalece los músculos intercostales, y los beneficios posturales perduran
más allá de la sesión de canto.

2. Mejora tu capacidad pulmonar. Las respiraciones más lentas y profundas,

necesarias para cantar bien, son un ejercicio pulmonar fantástico. Es más, el hecho
de respirar de forma correcta y utilizar el diafragma para cantar se considera un
ejercicio aeróbico. ¡Así que cuando cantas también vas al gimnasio!

3. Mejora la calidad de tu sueño. Un estudio ha demostrado que los ejercicios

vocales y pulmonares que se requieren para cantar mejoran la calidad del sueño.
No solo esto, sino que además reducen los ronquidos, haciendo mucho más
agradable compartir cama contigo. Así que ya sabes, si cuando duermes parece
que estén talando las amazonas con una sierra eléctrica, cantar puede ser lo que
necesitas. ¡Tu pareja te lo va a agradecer!

4. Reduce niveles de estrés. Cuando cantamos, sobre todo si es una sesión de

más de 20 minutos, se reduce la cantidad de cortisol en la sangre. El cortisol es
conocido como “la hormona del estrés”. En cantidades normales ayuda a regular
muchas funciones corporales, como el control de azúcar en sangre, el metabolismo,
el sistema inmunológico o incluso la presión arterial, pero en épocas de estrés el
cortisol se dispara produciendo efectos muy dañinos como pérdida de la masa
muscular, aumento de la presión arterial o disminución de la libido. Cantar ayuda a
regular estos niveles, así que, si estás estresado, ¡empieza a cantar!

5. Ayuda a mantener el cerebro en buena forma. Una mejor circulación

sanguínea y mejor oxigenación ayudan a mantener el cerebro saludable e incluso a
generar nuevas conexiones. Es tan beneficioso que la Alzheimer’s Society ha
introducido el canto como herramienta para mantener la salud mental y la memoria.

6. Mejora la memoria. Cuando cantamos hacemos trabajar la memoria de una

manera diferente a la habitual y creamos nuevas conexiones neuronales, además
de fortalecer las existentes. Por si esto fuera poco, si cantamos en diferentes
idiomas estimulamos de manera adicional el ejercicio cerebral. Por tanto, aunque te
cueste recordar algunas letras o si cuando cantas en inglés tu canción suena más
a las Ketchup que a Adele, la persistencia es el secreto. ¡No te rindas!

7. Es antidepresivo. Ya se conocía que cuando cantamos, el cuerpo segrega

endorfinas y oxitocina que nos hacen sentir bien y que pueden llegar a ser más
potentes que los opiáceos, pero ahora se está descubriendo que un pequeño
órgano en el oído interno, el sáculo, genera sensaciones de placer cuando
cantamos, y lo hace tanto si sonamos bien como mal. En definitiva, que da igual
cómo lo hagas, lo importante es cantar.

8. Fortalece el sistema inmunológico. Cantar reduce el estrés y la ansiedad,

aminora la presión sanguínea, mejora la respiración, la oxigenación y, como ya
hemos visto, la calidad del sueño. Es normal, pues, que en general ayude a tener
un sistema inmunológico más fuerte y que la mejor manera de luchar contra la gripe
este invierno sea apuntarte a clases de canto.

9. Mejora la empatía y las relaciones sociales. Todas

las actividades en grupo ayudan a fortalecer las relaciones
interpersonales, pero con el canto esto se multiplica. Se ha demostrado que los
beneficios que aporta el cantar aumentan si se canta en grupo y que la empatía
entre miembros de una coral es más fuerte que en otras actividades. Incluso está
demostrado que después de unos minutos de cantar juntos, los latidos de nuestros
corazones se sincronizan y laten a la vez como si fueran uno. Literalmente.

10. Cantar alarga la vida. Has leído bien. La esperanza de vida de alguien que
canta con regularidad, sobre todo si canta en grupo, es más elevada que si no lo
hace. La suma de todas la ventajas físicas, mentales y emocionales, combinada con
la mejora de la vida social que te aporta cantar en grupo, incrementa tu esperanza
de vida, según un estudio combinado de las universidades Harvard y Yale.
(https://www.espaicoriveu.com)

OBJETIVO

Objetivo General

Ofrecer un sucinto panorama acerca de la participación de la voz humana como

instrumento musical en determinados momentos de la historia de la música y su
devenir en algunos de los estilos vocales generados y clasificados desde la óptica
conceptual de la cultura occidental.

Objetivos específicos
  Conocer el marco sociocultural en el que ha sido creada la obra en estudio.
 Hacer análisis interpretativo del repertorio vocal que está preparando.
 Reconocer de manera auditiva diversos géneros musicales y estilos vocales.

VOCES EN EL ARTE DEL CANTO

En el canto entrenado en la disciplina clásica – ópera, oratorio, Lied, etc – las voces
se clasifican de acuerdo con su extensión y color, básicamente según su registro o
tesitura. Voces privilegiadas las escuchamos a diario así como personas que
simplemente no estás dotadas de esta deseada habilidad, pero como muchos nos
preguntamos, ¿Qué hace que una persona cante bien?

Para ser considerado un buen cantante, a como mucha gente lo piensa, no solo se
debe gozar de tener una muy buena voz, ya que podemos observar la gran variedad
de estilos y voces que existen alrededor del mundo, empezando por aquí
nombraremos los diferentes tipos de voces que existen. En hombres y mujeres hay
tres tipos de voz en ambos sexos, y se dividen en:

Voces Masculinas

 Bajo: Es el registro con las notas más graves que puede producir una voz masculina
por su grosor, la nota más baja que ha podido dar una voz fue de E2 (Mi 2) y el
registro como bajo va hasta el C4 (Do 4). El registro del Bajo es de más de dos
octavas.
 Barítono: Es la voz intermedia en el registro de los varones, va desde G2 (Sol 2) a
A4 (La 4) y hay algunos que pueden llegar a B4 (Si 4). Su registro es de más de dos
octavas.
 Tenor: Es el registro más agudo que un hombre puede producir, va desde C3 (Do
3) en adelante ya que un tenor utilizando falsete puede llegar a notas muy altas
hasta la 6ª octava.
 Voces Femeninas

 Contralto: Es la más baja de las voces femeninas, igualando el registro de un tenor

desde el C3 (Do 3) hasta C5 (Do 5) sin falsete.
 Mezzosoprano: Igual que el barítono en voces masculinas, es el registro medio pero
en voces femeninas y va de A3 (La 3) a F5 (Fa 5).
 Soprano: Esta es la tesitura más alta en la voz humana su nota más baja es C4 (Do
4) en adelante ya que hay sopranos que pueden llegar a notas muy altas con o sin
falsete pero su límite normal es C6 (Do 6).

Además, existen tipos de voces masculinas que requieren una manipulación

fisiológica (castración) o un entrenamiento parcial del registro falsete:

 Castrato
 Sopranista
 Contratenor
 Voz de tiple (sólo cuando se es niño; se puede llegar a educar)

Se denomina «voz blanca» la voz de los prepúberes o el uso de la voz sin vibrato.
 ESCULTURA

La escultura comienza en la Edad de Piedra. Exactamente no se sabe. Los primeros

ejemplos conocidos son las dos efigies de piedra primitivas conocidas como La
Venus de Berekhat Ram y La Venus de Tan-Tan. La Venus de Berekhat Ram (que
data de 230,000 a.C) es una estatuilla basáltica hecha durante el Período de
Acheulian, que se descubrió en los Altos del Golán. La Venus de Tan-Tan (200,000
a.C) es una estatuilla de cuarcita del mismo período.
Si estos objetos son formas pre-escultóricas, la primera escultura prehistórica
propiamente dicha surgió alrededor del año 35,000 a.C en forma de tallas de
animales, pájaros y figuras anisotrópicas, realizadas durante el período
Perigordiense inferior / Auriñaciense y descubiertas en las cuevas de Vogelherd,
Hohle Fels y Hohlenstein-Stadel, en el Jura de Suabia, Alemania. La escultura
figurativa más antigua es la talla de marfil conocida como el Hombre León de
Hohlenstein-Stadel (38,000 a.C).

Hombre León – Primera escultura de la Prehistoria

Otro tipo temprano de

escultura de la Edad de Piedra
son las figurillas obesas en
miniatura llamadas Venus:
como las Venus de Willendorf,
Kostenky, Monpazier, Dolni
Vestonice, Moravany,
Brassempouy y Gagarino.
Hechas de materiales tan
variados como hueso de
mamut, arcilla, cerámica y
ceniza de hueso, así como
varios tipos de piedra como
esteatita, piedra caliza oolítica, serpentina y roca volcánica, estas figuras venus se
han localizado en sitios de toda Europa, desde Rusia hasta España. Los
antropólogos creen que pueden haber sido utilizados en rituales de fertilidad,
aunque sigue siendo un misterio por qué las mujeres gordas deberían ser tan
icónicas.

Escultura Mesolítica (10,000-4,000 a.C)

El arte mesolítico fue testigo de más bajorrelieves y esculturas independientes,

como las estatuillas antropomórficas desenterradas en Nevali Cori y Gobekli Tepe,
cerca de Urfa, en el este de Turquía, y las estatuas de Lepenski Vir (por ejemplo, el
dios del pez) en Serbia. También fue testigo de la creación del Ídolo Shigir (7.500 a.
C), el tallado de madera más antiguo del mundo, encontrado cerca de Sverdlovsk
en Rusia. Podría decirse que la mayor obra de arte mesolítica es la escultura de
terracota de Rumania, conocida como El Pensador de Cernavoda, una imagen
inconfundible del pensamiento cognitivo.

Escultura neolítica (4,000-2,000 a.C)

El arte neolítico se destaca sobre todo por su cerámica, pero también contó con
esculturas y estatuillas de bronce, en particular de la Civilización del Valle del Indo,
al Norte de Cáucaso y el arte precolombino en las Américas. La forma más
espectacular de arte neolítico fue la arquitectura de la pirámide egipcia, cuyas
cámaras funerarias llevaron a una mayor demanda de varios tipos de relieves, así
como estatuas y estatuillas portátiles. De hecho, el advenimiento de la Edad de
Bronce (en Europa: 3000-1200 a.C), así como la aparición de ciudades y edificios
públicos, y el desarrollo de herramientas más sofisticadas, desencadenaron un
aumento general en la demanda de todos los tipos de arte, incluida la escultura. Fue
durante esta época que el arte comenzó a asumir un papel importante al reflejar las
aspiraciones de poderosos gobernantes y las deidades que adoraban. En resumen,
las comunidades prósperas y ambiciosas eran buenas para la escultura.

Escultura del Mediterráneo Oriental (2000-1100 a.C)

Tras el florecimiento de la arquitectura y otras artes en Egipto, el Levante también

fue testigo del surgimiento de la cultura minoica en la isla de Creta, que se destacó
por su escultura y orfebrería. Después de una catástrofe desconocida
(probablemente un terremoto) alrededor de 1500 a.C, la civilización minoica
colapsó, y Creta fue conquistada por los micenos del continente griego, quienes
fueron vencidos y la ciudad de Micenas destruida alrededor del año 1100 a.C.

Escultura del Lejano Oriente (1700-1150 a.C)

El arte chino durante la dinastía Shang (1600-1050 a.C) se desarrolló a lo largo de

líneas bastante diferentes a las variedades occidentales. Para la escultura de
bronce más fina producida en China durante este período. Famosos ejemplos de
escultura india y del sudeste asiático incluyen los extraordinarios relieves en el
templo hindú Kandariya Mahadeva del siglo XI (1017-29) en Madhya Pradesh, India;
y el templo Angkor Wat Khmer del siglo XII (1115-45) en Camboya.
Escultura de la Antigüedad clásica (1100-100 a.C)
Debido al estancamiento cultural de la “Edad Oscura” griega (1100-900 a.C) y el
predominio de la cerámica durante el Período geométrico (900-700 a.C), la escultura
griega no apareció realmente hasta el Período Daedalic u Oriental alrededor de 650
a.C. A partir de entonces se desarrolló según la cronología tradicional del arte griego
durante la antigüedad clásica, de la siguiente manera: Período arcaico (650-500
a.C); Período clásico (500-323 a.C); y Período helenístico (323-100 a.C).

Escultura griega arcaica (600-500 a.C)

El período arcaico fue un tiempo de experimentación lenta pero continua; la forma

más preciada de escultura griega arcaica era el kuros (plural kuroi), o el desnudo
masculino de pie.

Escultura griega clásica (500-323 a.C)

Dividido en el Período Clásico Temprano, el Período Clásico Superior y el Período

Clásico Tardío, este fue el punto culminante de la creatividad griega. En las artes
plásticas, famosos escultores como Polykleitos (siglo V a.C), Myron (480-444 a.C)
y Fidias (488-431 a.C) lograron un nivel de realismo, más desarrollado por artistas
posteriores como Callimachus (432-408 a.C), Skopas (395-350 a.C), Lisipo (395-
305 a.C), Praxiteles (375-335 a.C) y Leochares (340-320 a.C). Que permanecería
insuperable hasta el Renacimiento italiano.

Escultura griega helenística (323-27 a.C)

Durante este período (caracterizado por la difusión de la cultura griega en todo el

mundo civilizado), el realismo clásico fue reemplazado por un mayor heroísmo y
expresionismo. Las obras famosas de la escultura griega helenística
incluyen: Gálata moribundo por Epigonus; la Victoria alada de
Samotracia; Laocoonte y Sus Hijos por Hagesandrus, Polydorus y Athenodorus (42-
20 a.C), y la Venus de Milo.
A pesar de la desaparición política y militar del Estados griego alrededor del 200
a.C., y el consecuente surgimiento de Roma, la escultura griega conservó su
condición de la más bella jamás realizada. Incluso los romanos no pudieron superar
su sentimiento de inferioridad frente al arte griego, aunque fueron lo suficientemente
lindos como para copiar tantas obras griegas como fuera posible, y es en gran parte
a través de estas copias que se conoce el arte de la escultura griega. La verdadera
influencia de las Estatuas y Relieves helenísticos ocurrió en realidad 1600-1700
años después cuando fue “redescubierta” por artistas del Renacimiento temprano
en Italia, después de lo cual fue la piedra angular del arte europeo durante los
siguientes cuatro siglos. En resumen, los griegos obtienen el máximo de puntos.

Escultura de metal celta (400 – 100 a.C)

No olvidemos a los celtas, una serie de tribus nómadas que surgieron del Cáucaso
alrededor del año 800 a.C, y se extendieron gradualmente hacia el oeste por toda
Europa (600-100 a.C) hasta la península Ibérica, Gran Bretaña e Irlanda. Aunque
eran muy móviles, y maestros de la herrería y la orfebrería, estaban demasiado
desorganizados para competir con el Estado de Roma, altamente disciplinado y
centralizado. Completamente romanizados, al menos en el Continente, su arte celta
de metalistería incluía algunas de las mejores esculturas de metal de la época (por
ejemplo, el Barco Bucero 100-50 a.C). También fueron comerciantes excepcionales
y sus intrincados diseños de metalistería se exportaron e imitaron en todo el mundo.
La escultura de arcilla más grande del mundo
El Ejército de terracota (que data del 246-208 a.C), una gran colección de guerreros
de arcilla y caballos, fue esculpido en la provincia de Shaanxi, China, bajo las
órdenes del emperador Qin Shi Huangdi. Miles de figuras permanecen enterradas
en el sitio.

Escultura Romana (200 a.C – 200 d.C)

Hasta alrededor del año 27 a. C., a pesar de la influencia de los primeros escultores
etruscos, conocidos por su “alegría de vivir”, la escultura romana no era
unidimensional ni realista. a partir de entonces se volvió severamente heroico y
bastante mediocre. Fue diseñado sobre todo para expresar la majestad y el poder
del dominio romano, por lo tanto, aparte de una serie de magníficos relieves
históricos (por ejemplo, el bajorrelieve en espiral de la columna de Trajano) y
monumentos raros (por ejemplo, el Ara Pacis Augustae), escultores romanos se
emplearon principalmente en la producción de bustos de retratos de los
emperadores y otros dignatarios. En resumen, no es gran cosa.
Escultura Bizantina (330 a.C – 1450 d.C)
Hasta el siglo IV, la escultura cristiana primitiva había sido casi exclusivamente
relieves de tumbas para sarcófagos en Roma. Cuando el Imperio Romano se dividió
en Oriente y Occidente, la capital del Este se encontraba en Constantinopla. El arte
del Imperio Romano de Oriente, con sede en Bizancio, era casi completamente
religioso, pero aparte de algunos relieves de marfil y orfebrería poco profundas, la
marca de cristianismo de la ortodoxia oriental no permitía obras de arte
tridimensionales como estatuas o relieves. Bueno para los pintores, malo para los
escultores.

Escultura durante la edad oscura (500 – 800 d.C)

Como su nombre indica, este fue un momento oscuro y tranquilo para los escultores
europeos. La Iglesia era débil, los bárbaros (que no eran grandes en escultura) eran
fuertes, y las ciudades estaban empobrecidas e incultas. Hubo algo de actividad en
Constantinopla y en los confines de Europa, por ejemplo, en Irlanda, donde (desde
800-1100) la iglesia monástica comenzó a encargar varias cruces de piedra
independientes conocidas como esculturas de la Cruz Celta, decoradas con
escenas del Evangelio y otros patrones de estilo celta, pero poco arte medieval fue
creado en el continente.

Escultura románica temprana (carolingia, otoniana) (800-1050)

El renacimiento de la escultura medieval comenzó con Carlomagno I, rey de los

francos, que fue coronado emperador del Sacro Imperio en 800. El imperio
carolingio se disolvió rápidamente, pero el mecenazgo de las artes de Carlomagno
fue un primer paso crucial en la revitalización de la cultura europea, porque muchas
de las iglesias románicas y góticas se construyeron sobre los cimientos de la
arquitectura carolingia. Los logros arquitectónicos de Carlomagno fueron
continuados por los emperadores del Sacro Imperio Otón I, II y III, en un estilo
conocido como otoniano. Así que el arte de la escultura estaba de vuelta, aunque
en una escala modesta.

Escultura románica (1000 – 1200 d.C)

En el siglo XI, una Iglesia Cristiana más segura comenzó a reafirmarse. Este
expansionismo doctrinal llevó a las Cruzadas a liberar a Tierra Santa de las garras
del islam. El éxito de las Cruzadas y su adquisición de Holy Relics desencadenaron
la construcción de nuevas iglesias y catedrales en toda Europa en el estilo
arquitectónico románico en toda regla, un estilo conocido en Gran Bretaña e Irlanda
como arquitectura “normanda”. Esto a su vez dio lugar a una gran ola de encargos
de escultura románica y vidrieras. Así, finalmente, el arte de esculpir había
regresado. Y con esta nueva demanda de arte plástico vino el establecimiento de
nuevos talleres de escultura y modelado, aprendizaje y reconocimiento para
maestros artesanos. De hecho, en el siglo XII, los principales escultores se volvieron
muy codiciados por los abades, los arzobispos y otros mecenas seculares, por su
contribución única al impacto visual de los edificios religiosos en construcción.

Escultura Gótica (1150 – 1300 d.C)

El programa de construcción de la Iglesia estimuló el desarrollo de nuevas técnicas

arquitectónicas. Estas técnicas se combinaron durante la mitad del siglo XII en un
estilo que los arquitectos del Renacimiento más tarde apodaron “arquitectura
gótica”. Características de estilo románico como arcos redondeados, paredes de gran espesor
y pequeñas ventanas, fueron reemplazados por arcos apuntados, techos altos, paredes
delgadas y enormes vidrieras. Esto transformó por completo el interior de muchas catedrales
en refugios inspiradores, donde el mensaje cristiano se transmitió en una variedad de arte
bíblico, incluyendo hermosas vidrieras y una gran variedad de esculturas.
Las fachadas y portales de las catedrales generalmente estaban llenos de relieves
escultóricos que representaban escenas bíblicas, así como hileras de esculturas en
las que se representaban profetas, apóstoles, antiguos reyes de Judea y otras
figuras del evangelio. Los interiores presentaban estatuas de columnas y más
relieves, todo organizado según un
intrincado plan de iconografía evangélica
diseñado para educar e inspirar a los
adoradores analfabetos.
En esencia, la catedral gótica tenía la
intención de representar el Universo en
miniatura: una pieza única de arte cristiano
diseñada para transmitir un sentido del
poder y la gloria de Dios y la naturaleza
racional ordenada de su plan mundano.
Entre las mejores casas de la escultura arquitectónica gótica se encuentran las
catedrales francesas de Notre Dame de Paris, Chartres, Reims y Amiens; las
catedrales alemanas de Colonia, Estrasburgo y Bamberg, y las abadías
de Westminster Abbey y York Minster, entre muchas otras.

En resumen, la escultura gótica

representó el punto culminante
del arte religioso monumental.
Aunque la Iglesia continuaría
invirtiendo fuertemente en el
poder de la pintura y la
escultura para inspirar a las
masas (sobre todo en el
Período Barroco de
la Contrarreforma), la época
gótica fue realmente
el apogeo del arte religioso “idealista”. De ahora en adelante, el arte de la escultura
se enredaría cada vez más en la política secular y en la papal.
 Danza

Definición

Es una de las actividades humanas más antiguas, en donde los movimientos

rítmicos expresan emociones. Si bien en un principio en culturas antiquísimas como
la egipcia representaba una actividad ritual, a partir de la cultura helénica fue
tomando forma artística.

(perez, 2000)

Orígenes

La danza podemos encontrarla en el mismo origen del ser humano, pues ya que el
hombre primitivo la utilizo muy tempranamente, como forma de expresión y de
comunicación, tanto con los demás seres humanos, como con las fuerzas de la
naturaleza que no dominaba y que consideraba divinidades. Entre los hombres
primitivos la danza tenía un sentido mágico animista, pero también valor de
cohesión social. La danza sirve para infundir animo a los guerreros, para el cortejo
amoroso, para ejercitarse físicamente, etc.

Los primeros en reconocer la danza como un arte fueron los griegos, que le
dedicaron en su mitología una musa. Su práctica estaba ligada al culto de dios
Dionisos y junto con la poesía y la música, era elemento indispensable de la tragedia
griega, donde la cartasis ponía al individuo en relación con los dioses, aunque
también entre los griegos cumplía la danza una función de comunicación y cohesión
social.

Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte, teniendo
una musa dedicada a ella: Terpsícore. Los primeros vestigios provienen de los
cultos a Dioniso (ditirambos), mientras que fue en las tragedias principalmente
las de Esquilo donde se desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos
del coro.
Los griegos conocieron este arte desde tiempo inmemorial, y en el octavo libro
de La Odisea vemos que los feacios obsequiaron ya en aquellos remotos
tiempos al hijo de Laertes recién llegado a la corte de Alcínoo con un baile
ejecutado por una tropa de jóvenes al son de la armoniosa lira de Demódoco,
los que bailaron con tanto primor y ligereza que Ulises quedó arrebatado por la
encantadora movilidad de sus pies. A las sabias leyes de Platón se debió el que
este arte llegase al último grado de perfección entre los griegos, como
que Ateneo nos dice que los escultores más hábiles iban a estudiar y dibujar las
varias actitudes de los bailarines, para copiarlas después en sus obras.
Platón reconoció tres especies de danzas, dos de honestas y una de sospechosa

 La primera, de pura imitación, que con dignidad y nobleza se ajusta a las

expresiones del canto y de la poesía.
 La segunda, destinada a procurar la salud, ligereza y buena gracia en el cuerpo.
 La tercera o sospechosa era de las bacantes y otras semejantes que con
pretexto de cumplir con ciertos ritos religiosos imitaba la embriaguez y se
abandonaban a toda suerte de excesos. Por esta razón, al paso que juzgó las
dos primeras de la más grande utilidad para la república, desterró la última como
contraria a la moral y buenas costumbres.

Los griegos introdujeron el baile en la escena, cuya invención se atribuye a Batilo

de Alejandría y a Pílales: el primero lo unió a la comedia y, el segundo, a la tragedia.
Esta diversión, que forma uno de los principales placeres de la juventud, no podía
menos de gustar a los romanos y a los demás pueblos que les sucedieron.

Como es considerado el inventor de las danzas con que los griegos y romanos
adornaron sus banquetes. Primero fueron como unos intermedios de aquellas
comidas que la alegría y la amistad ordenaban en las familias, pero el placer, la
glotonería y el vino dieron después mayor extensión a este divertimento,
degenerando de su primitivo origen.

Sócrates es alabado por los filósofos que le sucedieron porque bailaba con primor.
Platón mereció ser vituperado por haber rehusado bailar en un baile que daba un
rey de Siracusa: y Severo Catón, que en los primeros años de su vida no cuidó de
instruirse en un arte que ya se miraba entre los romanos como un objeto serio, creyó
que debía sujetarse a los 59 años de edad a las ridículas instrucciones de un
maestro de baile en Roma..

Los griegos y la mayoría de los pueblos antiguos introdujeron el baile en la mayor

parte de sus ceremonias sagradas y profanas. El baile o danza sagrada es de todas
la más antigua. Los judíos la practicaban en las fiestas mandadas por la Ley y para
celebrar algún acontecimiento interesante. Después del paso del mar
Rojo, Moisés y su hermana María bailaron en unión con otros hombres y mujeres
y David hizo lo mismo delante del Arca en señal de alegría. La danza o baile
astronómico inventado por los egipcios e imitado luego por los griegos se reducía a
representar al son de tocatas armoniosas y por medio de pasos mesurados y figuras
bien diseñadas el movimiento y curso de los astros.

El baile armado o «danza pírrica», cuya invención se atribuye a Pirro hijo de Aquiles,
que la ejecutó por primera vez delante de la tumba de su padre, se hacía con la
espada, la lanza y el escudo. En medio de ella ejecutaban todas las evoluciones
militares de aquellos tiempos, y formaba una parte de la educación de la juventud
de Lacedemonia. Este baile se llamaba también por los griegos menafítico y se
decía lo había inventado Minerva para celebrar la victoria de los dioses y el
abatimiento de los titanes. Los espartanos iban al combate danzando. La danza de los
festines se ejecutaba en los intermedios o después de los banquetes. El sonido de
muchos instrumentos reunidos invitaba a los convidados a nuevos placeres: los
poetas dicen que Baco inventó este baile cuando volvió de Egipto.

Se llamaba «baile de la inocencia» a una danza que se hacía en Lacedemonia por

las doncellas de aquella ciudad enteramente desnudas delante del altar de Diana,
con graciosas y modestas actitudes y con pasos lentos y graves. Helena se
ejercitaba en este baile cuando fue vista por Paris, el que, enamorado, la
robó. Licurgo, al reformar las leyes de los lacedemonios, conservó esta danza, la
que probablemente no consideraría perjudicial a las buenas costumbres.

Los «bailes fúnebres» se ejecutaban en las exequias y funerales. En los de un rey

de Atenas, por ejemplo, una escogida tropa vestida de largas ropas blancas rompía
la marcha. Dos órdenes de jóvenes precedían al féretro circuido de otros dos coros
de doncellas. Llevaban todos coronas y ramos de ciprés y formaban bailes graves
y majestuosos al son de sinfonías lúgubres. Luego venían los sacerdotes de las
diversas divinidades del Ática, adornados con los signos distintivos de su carácter.
Caminaban lentamente y en cadencia, cantando himnos en alabanza del difunto
rey. Los bailes fúnebres de los particulares ejecutados sobre este modelo eran
proporcionados a la dignidad de los muertos.

El inicio teatral antiguo se dividía en cuatro partes:

1. Trágico. Era propio del trágico toda la seriedad y dignidad necesaria para
inspirar la tristeza, la compasión, el terror y todos los sentimientos análogos
a la acción que se quería representar.
2. El baile cómico, llamado cordacio, era acompañado de las posiciones más
indecentes y licenciosas, en tanto grado que Teofrasto dice que un hombre
no se hubiera atrevido a bailar el cordacio sin haber perdido antes toda
especie de pudor o sin estar embriagado.
3. Satírico. La tercera especie de baile se llamaba attellanes y era lo que en
la satírica griega se decía sykinnis, destinado a la burla y mordacidad.
4. Pantomímico. La cuarta parte y la más famosa reunía el carácter de todas
las demás: los pantomimos sin necesitar ni de la propia voz, ni del oído de
los espectadores, daban a entender con la mayor claridad por medio de
pasos y acciones expresivos cuanto querían.

(perez, 2000)

Beneficios

Beneficios Fisicos

 Mejora el sistema cardiovascular

 Quema grasa
 Incremento de la fuerza y resistencia muscular
 Mejora de la agilidad con el trabajo de elasticidad y flexibilidad.
 Mejora los reflejos.

Beneficios mentales y personales

Para nuestro día a día es importante tener una vía de escape con la que
concentrarse y desconectar del mundo y de todos los problemas.

 Libera de posibles inhibiciones y ayuda a conocer mejor tu cuerpo y adquirir

consciencia del mismo.
 Como terapia. La danza ayuda a expresar mediante el cuerpo lo que en
muchos casos no puede expresarse hablando.
 Te ayuda a estar activo liberando endorfinas creando un sentimiento de
trabajo y cumplimiento con uno mismo.
 Sensación de Superación. Cada día con trabajo vas aprendiendo algo nuevo,
tu cuerpo de responder mejor y tienes mayor control. Esto siempre genera
una sensación de satisfacción y superación.
 Disciplina como uno de los pilares de la danza. Muchos niños desde muy
pequeños se matriculan en escuelas de danza y aprenden a estar en una
clase de danza con la disciplina que ello conlleva. La evolución en este
aspecto en muchos de ellos es asombrosa.

(Gomez, 2009)

Ejemplos de danzas

Hablar de la danza es uno de los más grandes ejemplos de arte que existen y por
eso, es que hemos optado en traerte algunos ejemplos de danzas para que
puedas conocer y familiarizarte a fondo con este tipo de arte tan hermoso. Existen
una serie de bailes que son denominados como danza y que forman parte de la
cultura de una ciudad o país. La definición entorno a este baile, es la acción de
moverse con el motivo de una expresión, ya sea con música o sin ella.
El baile o danza: se creó desde hace muchos años y su motivo principal es poder
ejemplificar algún estilo definido de baile para mostrar a los demás. Depende de la
región y hasta de las creencias al momento de aplicar cada uno de estos bailes.

Danza académica: Es un tipo de baile que cuenta con unas reglas específicas y
que deben respetarse para ejemplarlas, se basan en un aprendizaje constante en
busca de la perfección para realizar la expresión correcta del arte.

Danza Folclóricas: Considerada como el tipo de danza más conocido que existe.
Su motivo principal es poder expresar algo típico y exclusivo de esa comunidad,
ciudad o región.

Danza moderna: Uno de los tipos de baile más usados últimamente para expresar
los sentimientos. Esta es una combinación entre el ballet, así como otros
movimientos modernos. La vestimenta puede ser moderna y las coreografías,
pueden ir cambiando dependiendo el baile.

Ballet: Este es el estilo principal y que hoy en día es considerada como una de las
artes más hermosas que existen.

(Gomez, 2009)

Ballet

El ballet, danza académica, danza

clásica o balé es una forma concreta de
danza y también el nombre de la técnica
correspondiente. Según las épocas, los
países o las corrientes y el espectáculo,
esta expresión artística puede
incluir: danza, mímica, y teatro (de
orquesta y coral), personas y maquinaria.
Y que es una historia
El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos se
basan en el control total y absoluto del cuerpo, el cual se debe enseñar desde
temprana edad. Se recomienda iniciar los estudios de esta danza clásica a los tres
o cuatro años, ya que el ballet es una disciplina que requiere concentración y
capacidad para el esfuerzo como actitud y forma de vida. A diferencia de otras
danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las
manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción
simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía
de movimientos.

Con este baile se puede expresar alegría, tristeza, rabia, entusiasmo, amor...

También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical compuesta, a
propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las artes
escénicas.

(Española, 2000)

¿QUÉ SON LAS MANUALIDADES?

Con el término de manualidades se
entiende todo trabajo realizado con las
manos con o sin ayuda de las
herramientas necesarias para
alcanzar el objetivo marcado. Las
manualidades remiten al antiguo
oficio de los artesanos. La diferencia
estriba en que no se hacen con un
propósito estrictamente funcional.
Además reportan numerosas ventajas. No solo ayudan a desarrollar la
concentración, también estimulan las habilidades motoras y creativas. Sirven
igualmente para reforzar la autoestima y como terapia para aquellas personas que
padecen alzhéimer o alguna discapacidad. Pero sobre todo es una buena forma de
aliviar el estrés y arrinconar las preocupaciones del día a día. Qué mayor
recompensa que dirigir la atención a una actividad que requiere memoria, destreza
y fantasía. Hay manualidades para todos los gustos, maquetas de barcos, ropa,
complementos, como pulseras y bolsos, o adornos para el hogar. El límite lo pone
la imaginación. Para ello pueden utilizarse múltiples materiales, desde la aguja de
coser hasta el papel o el fieltro. En la mayoría de los casos son materiales baratos
y fáciles de conseguir en cualquier tienda.

HISTORIA DE LAS MANUALIDADES EN EL MUNDO Y EN

LA SOCIEDAD ACTUAL

La historia de las manualidades y su desarrollo suponen una gran realización

personal, es la forma de que nuestras manos puedan crear cosas únicas e
irrepetibles. Las diferentes técnicas que implica la realización de cualquier trabajo
de manualidades permite alcanzar un gran desarrollo motriz, siendo una actividad
muy recomendada para niños ya que les ayuda a potenciar su capacidad para
manejar instrumentos, sus habilidades para emplear combinaciones de colores, su
imaginación y su motricidad, haciendo posible un desarrollo adecuado de los
mismos mientras disfrutan con una actividad muy gratificante y divertida. Las
manos, la vista y la mente entran en consonancia para trabajar juntas favoreciendo
el desarrollo físico.

Las manualidades pueden realizarse empleando diversos tipos de materiales desde

papel, cartón, cartulina, tela, fieltro, arcilla, lana, vidrio, envases reciclados, alambre,
etc.
A lo largo de la historia del hombre, y en el mundo entero, ya sea en Venezuela, en
República Dominicana, en toda América Latina, En España, en Asia y en todos los
continentes, el ser humano siempre ha demostrado un gran interés por los trabajos
manuales, la artesanía, y la creación artística con diversos materiales. Así lo
demuestran creaciones únicas que han aparecido a lo largo de la historia. En un
principio el concepto de arte desde el punto de vista de dar vida a ciertas creaciones
estaba muy ligado a la propia utilidad de los objetos que se creaban. Así, aparecían
ciertas construcciones donde se combinaban diversas técnicas, creando
maravillosos edificios. Ejemplo de ello lo podemos encontrar en muchas de las
catedrales de Europa que son auténticas
obras de arte. La ciencia se consideraba una
modalidad de arte y sus desarrollos estaban
muy ligados. En el año 1500 se produce una
separación de ambos conceptos. El arte
comienza a asociarse con la emotividad, con
algo capaz de crear simplemente belleza
mientras que la ciencia se asociaba con el
dominio intelectual. El arte comenzó su
andadura desligada de la utilidad que había
tenido hasta el momento.

Fue en el año 1700 cuando en Europa aparece la explotación comercial del recurso
artístico propiamente dicho. Se comenzó la comercialización de objetos decorativos
y se produce en ese momento de la historia la división entre artista y artesano. El
artista es aquel que crea, que de forma innovadora es capaz de transmitir un
mensaje sin emplear palabras. Por su parte el artesano es aquella persona capaz
de reproducir lo que los artistas crean, dominando una técnica y llegando a hacerlo
repetidas veces, manufacturando, surgiendo el concepto de manualidad.

Hoy día los artesanos que realizan manualidades han seguido los pasos que se
iniciaron en aquella época y existen muchos que han sabido crear un negocio de su
habilidad. Aparecen diversas empresas formadas por personas que son capaces de
fabricar pequeñas maravillas empleando diversas técnicas. Esta forma de negocio
es una opción muy interesante para los amantes de las manualidades, ya que no
todo el mundo posee la habilidad suficiente para realizar este tipo de creaciones,
por lo que debe recurrir a alguien que sí sea capaz de dar vida a un papel, que
pueda dar forma a una determinada tela para ofrecerle justo ese detalle que estaba
buscando.

En la actualidad incluso se han creado redes de trabajo entre artesanos que

comparten ideas, que colaboran en la realización de ciertos trabajos, etc., ayudando
al progreso y a la generación de empleo.

Las manualidades han sido las responsables de la aparición de un concepto de total

actualidad, el conocido como “Do it Yourself” o “Hágalo usted mismo”, un
movimiento que promueve que todo el mundo se ponga manos a la obra para
realizar todo tipo de trabajos, desde productos domésticos hasta muebles de mayor
complejidad y sofisticación.

Una forma sana y gratificante de poner en marcha el cerebro, una manera de

conseguir una mayor agilidad manual y sobre todo una forma muy interesante de
poder disfrutar de creaciones únicas y limitadas, las manualidades han sabido
ganarse un hueco en nuestras vidas.

CLASIFICACIÓN DE MANUALIDADES

Existen diversos tipos de manualidades que permiten obtener trabajos de gran

calidad. De forma general, las manualidades existentes pueden clasificarse en
función del tipo de material empleado o de la técnica realizada. Unos ejemplos de
ello son:

 Trabajo con abalorios, cuentas, cuerdas, corcho, estaño, resina, etc.

 Pirograbado, bordados, bolillos, punto de cruz, macramé, etc.
 Craquelado, realización con masa de sal, miga de pan, papel maché, pintado
de vidrio, cerámica artificial, etc.
 Repujado en aluminio, estaño, etc.
  Fabricación de velas
 Reciclaje de todo tipo de materiales
 Trabajos con papel
 etc.

HISTORIA DE LAS MANUALIDADES EN PAPEL

Los trabajos realizados con papel resultan muy
accesibles para todas las personas, ya que no
requieren disponer de materiales de gran
especialización para poder alcanzar el objetivo
buscado. En este tipo de trabajos de manualidades
se engloba lo que se conoce con el término de
Origami. Con este nombre, aparecido por primera
vez en Japón, se designa una técnica que consiste
en el doblado de papel para conseguir
determinadas formas. En principio es un concepto
sencillo, empleando movimientos básicos se pueden conseguir formas muy
interesantes, pero la complejidad que el Origami ha llegado a alcanzar hace que
sea necesario en muchas ocasiones dominar determinadas técnicas y poseer una
gran destreza para crear verdaderas obras de arte en papel.

El plegado del papel tuvo en un principio un significado ceremonial y religioso.

Muchas de las formas y diagramas básicos que se emplean en muchas figuras de
Origami surgieron de unas ofrendas que se realizaban en ciertas celebraciones
religiosas conocidas con el nombre de noshi. Estas técnicas fueron transmitidas de
generación en generación, haciendo el arte de doblar papel un ente inmortal con el
paso del tiempo. El papel utilizado para esta manualidad se ha ido modificando con
el paso del tiempo. En un principio se empleaba papel con fibras vegetales, y
posteriormente se fueron incorporando papeles de colores.

En el siglo XX el término Origami fue modificado por el de papiroflexia en los países

de habla hispana llegando incluso a considerarse su utilidad como método de
aprendizaje de los niños en edades tempranas.
Animales, corazones, flores, etc., todo es susceptible de tener su representación en
papel y la papiroflexia y las manualidades ponen los medios y las técnicas para
hacerlo posible. (UMA, 2017)

BENEFICIOS DE LA REALIZACIÓN DE MANUALIDADES

Muchas enfermedades cognitivas o

problemas psicomotrices que sufren
personas de cualquier sexo y edad
pueden mejorar y llegar a curarse
gracias a las manualidades o las
actividades cotidianas y sencillas.
Los problemas nerviosos, de
movilidad o de memoria están a la
orden del día y es que cada vez es
mayor el porcentaje de personas que los padecen.

Las vacaciones suelen aportar a este colectivo tiempo para realizar muchas
actividades que les gusta o simplemente desconectar de la rutina y monotonía a la
que acostumbran en otras épocas del año. Además, la subida de temperaturas es
causante de mejoras en personas con problemas de movilidad o de huesos ya
que aporta condiciones positivas que reducen sus dolores. Por todo esto, con la
llegada de la estación otoñal, vuelven a atenuarse dolencias y enfermedades así
como casos de depresión tanto periódica, como puede ser la pos vacacional, así
como otras que no son de fácil transición motivada por causas más graves. Todas
estas personas pertenecen a un colectivo que pueden mejorar sus molestias y
decaimientos con actividades manuales, obteniendo grandes beneficios como los
que enumeramos a continuación:
  Mejorar la psicomotricidad dado el requerimiento de coordinación entre los
diferentes sentidos para llevar a cabo la actividad, como por ejemplo al
colorear, recortar o calcetar. Ejercitamos mediante movimientos sencillos las
extremidades y mejoramos la precisión.
 Aumenta la concentración, ya que mientras realizamos una manualidad
debemos centrarnos en lo que estamos haciendo, dejando a un lado los
problemas cotidianos y aquellos que nos atormentan y potencian nuestro
nerviosismo y estrés.
 Mayor autoestima al aprender a desarrollar diferentes labores y crear
objetos originales y personales para regalar o decorar, obtenemos resultados
tangibles que mostrar al resto y así ganar motivación personal.
 Incrementar las relaciones sociales a través de este tipo de actividades ya
que invita a relacionarnos, ya sea acudiendo a talleres especializados como
quedando para realizar estas tareas junto a amigos, familiares o conocidos.
De esta forma nos sentimos acompañados y podemos crear uniones con
personas que comparten nuestros mismos intereses.

Incluir en nuestro día a día este tipo de actividades nos aporta beneficios tanto a
corto como a largo plazo, además es una buena forma de estrechar lazos realizando
manualidades en conjunto con nuestra familia. Si convives con niños y les inculcas
de forma divertida la realización de labores, estarás ayudando a que incrementen
sus habilidades creativas, así como inculcando valores como la paciencia y la
perseverancia.

Asimismo, el acompañar con música la realización de estas actividades puede

resultar ventajoso dado que se considera que es una efectiva forma de aliviar
depresiones, aportándonos liberación y compañía, (Pousa, 2018)
 LA PINTURA COMO ACTIVIDAD CULTURAL

Antecedentes

La pintura ha adoptado diferentes formas, según los distintos medios y técnicas que
le han guiado y se han convertido en propios de cada una de ellas.

Hasta el siglo XX, la pintura se apoya, en el arte del dibujo. En occidente, la pintura
al fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media y
durante el renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre fresco o seco.
Otra variedad antigua es la pintura al temple. Durante el renacimiento, la pintura al
óleo vino a ocupar el lugar del fresco y del temple; tradicionalmente se pensaba que
esta técnica había sido desarrollada a finales de la edad media por los hermanos
flamencos Jan Van Eyck y Hubert Van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue
inventada mucho antes.

Otras técnicas de pintura son el esmalte, la encáustica, la grisalla y la acuarela. En

los últimos años se ha extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base de agua,
de rápido secado y no se escurren con el paso del tiempo.

Con el transcurrir de los siglos, se han venido sucediendo diferentes métodos y

estilos artísticos, así como teorías relacionadas con la finalidad del arte para,
reaparecer en épocas posteriores con alguna modificación. En el renacimiento, la
pintura al fresco en muros y techos cedió el paso a la pintura de caballete al óleo,
pero se reactualizo en el siglo XX con as obras de los muralistas mexicanos.

Concepto de pintura

El termino pintura procede del latín “pigmenta”, que se traduce por tinte o pigmento.
Más allá de eso, el concepto de pintura puede hacer referencia a varias cosas:

La pintura es el arte que usa pigmentos para hacer representaciones

gráficas. El resultado de esas representaciones también se llaman pinturas
La pintura es el fluido que se aplica en capas delgadas sobre una superficie
y, al secarse, se convierte en una película que la recubre. Aparte de
 pigmentos, que son los que dan el color, la pintura lleva otros componentes
como disolventes y aglutinantes

Objetivos de la pintura

Según el artista Picasso *menciona en las tres edades del hombre*

Es una motivación, una ilusión, idea, sentimiento, etc., gracias a las cuales nos
ponemos en marcha, preparamos el caballete y las pinturas, empezamos a pintar y
lo más tremendo, sabemos lo que queremos pintar gracias a nuestro objetivo-
motivo. La motivación interior y las decisiones que se toman por esta, nacen de
nuestra personalidad y son la esencia de nuestro arte.

Los objetivos artísticos según Picasso

Representar, reflejar y encontrar la belleza, bondad, encontrar, comprender la

esencia humana, comprender el mundo, la sociedad, la vida, la verdad, sentir, hacer
sentir, crear, vivir la creación, emocionar, producir sensaciones, provocar al
espectador, pensar, expresar conceptos, ideas abstractas, experimentar,
desarrollar la expresividad y formas de comunicación.

Pintar es una actividad que exige concentración y, por tanto, ayudar a canalizar las
emociones. Colorear es solo una de los ejercicios que contempla la terapia.
Actualmente, hay muchos cuadernos en librerías para pintar, sin embargo, esta
tiene 5 objetivos principales:

Calma en el día a día. Tiene un efecto terapéutico que ayuda a ocuparnos en

una tarea, un valor extraviado hoy en día.
Motricidad. Regreso a lo manual. Estamos tan acostumbrados a apretar un
botón y pensamos que se ha hecho de nuestra habilidad
Creatividad. Despierta tu espíritu artístico desde un punto de vista muy básico
y conducido, y te puede animar a hacer algo más complejo después.
Concentración ante la dispersión. Nuestro cerebro se ha vuelto multitask.
Esta tarea nos centra y puede ser un ejercicio para ayudarnos a
concentrarnos luego en otras tareas.
 Socialización. Toda actividad artística conecta el cuerpo y el alma, nos
despoja de la carcasa aislante del estrés.

Tipos de pinturas

Los tipos de pinturas artísticas pueden clasificarse en base a cosas como el

estilo y los materiales empleados. Pero cuando la gente piensa en tipos de
pintura de arte, normalmente se refiere a los estilos o corrientes artísticas. Ha
haido muchas a lo largo de la historia y cada una de ellas ha tenido su momento
de gloria. Los principales estilos de pintura son los siguientes:

realismo
Hiperrealismo
Surrealismo
Impresionismo
Expresionismo
Arte abstracto
Arte pop
 CONCLUSIÓN.

En este trabajo tuvimos la oportunidad de conocer la mayor parte de actividades

culturales que existen, es muy importante conocer de ellas para ampliar nuestro
conocimiento y no solo eso, sino también identificar como es que iniciaron estas
actividades y la gran importancia que tuvieron en algunas épocas, al igual identificar
como es que estas actividades contribuyen a nuestro estilo de vida, y a nuestra
forma de ver la vida, ya que las actividades culturales nos ayudan a explorar de
mejor manera el mundo, e identificar y manifestar sentimientos y expresiones a
través de ellas. Nos dimos cuenta que en los jóvenes es muy marcado las
actividades culturales ya que a partir de la adolescencia ellos empiezan a formar su
propio estilo de vida y si practican una actividad cultural puede marcarlo para toda
su vida.