Resumen apuntes de Historia de la

Música
El Clasicismo y Romanticismo

El Clasicismo.
- Melodía
En este periodo, la melodía es el alma de la música.
Se puede definir como una sucesión de sonidos captados por el oyente con una forma
significativa, comprender una melodía significa aprender la unidad subyacente en ella.
La melodía clásica tiene direccionalidad. Hay una nota, tónica, hacia la que todos los
sonidos deben tender, esta, aunque sea instrumental, está concebida como melodía
vocal, es perfectamente cantable, está perfectamente perfilada, puntada, delimitada.
El oído la percibe como un todo reconocible, de ahí que pueda hablarse más de tema.

- El Ritmo
En el Clasicismo asistimos a uno de los periodos donde una de las categorías estéticas
de este periodo, lo racional, influye en el ritmo hasta estandarizarlo en unos cuantos
compases: 2/4, 3/4, 4/4, 6/8, con acento reiterado en el primer tiempo.

- Textura y armonía
El abandono paulatino del bajo continuo: esta fórmula de acompañamiento va
perdiendo terreno poco a poco debido a múltiples razones. La principal es el desarrollo
de una armonía cada vez más rica, que al necesitar numeraciones complejas convierte
la realización de la improvisación en una tarea delicadísima.
Articulación del fraseo y modulación: El elemento que más claramente incide en la
formación del estilo clásico es la frase breve, periódica y articulada.
El acompañamiento en el periodo clásico.

- Forma musical
La simetría, la proporción, el equilibrio, la unidad, subyacen a las formas de este
periodo. Toda una serie de expectativas formales se crearon en esta época para un
arte que debía entenderse, llegar a un público más amplio.

- Organología
El periodo clásico supone el triunfo de la música instrumental, sobre la vocal.
El clave fue preferido al pianoforte hasta cerca de 1770. Durante los siguientes 20
años, el pianoforte gano terreno y el clave a su vez declino a partir del año 1790.
El pianoforte tenía una serie de diferencias con respecto al clave que lo hacía más
acorde a los gustos y preferencias de la época:
o Mayor volumen sonoro
o Posibilidad de cambios dinámicos: fuerte/suave

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- Orquesta clásica
Evoluciona en función de la nueva técnica de los virtuosos, la necesidad de realizar
cambios crescendos y de satisfacer a todos los matices que exige la nueva música, más
expresiva y sensible.
La sección de cuerda alrededor de 1760 es de:
o 6 violines primeros
o 6 “segundos
o 2 violas
o 3 violonchelos
o 1 contrabajo

- Agrupaciones de cámara
El papel primordial es el cuarteto de cuerda.

Cuando el bajo continuo cayo en desuso, fue necesario componer la voz intermedia,
en lugar de la mano derecha del clavecinista. En el cuarteto, se unen la personalidad y
el carácter de cada interprete en un todo armónico en el que los miembros
individuales son potenciados.

Wolfgang Amadeus Mozart

Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo.

El 12 de enero de 1762 partió a Múnich y más tarde en el mismo año a Viena y Praga.

El 5 de enero de 1763 retorno a Salzburgo.

El 9 de junio de 1763, la familia se desplazó a las cortes de Múnich, Mannhein, Paris,

Londres, La Haya, otra vez a Paris y volvieron a casa pasando por Zúrich,
Donaueschingen y Múnich. Visito ha Johann Christian Bach en Londres en 1764 y 1765.
La familia regreso a Viena a finales de 1767 y permaneció en la ciudad hasta diciembre
del año siguiente.

La familia regreso a Salzburgo el 30 de noviembre de 1766. Después de un año en la

ciudad Leopold y Mozart viajaron a Italia, llegaron a Roma en 11 de abril de 1770,
donde escucho el Miserere de Gregorio Allegri, durante una representación en la
Capilla Sixtina.

En Milán Mozart escribió la opera Mitridate, re di Ponto en 1770, que fue interpretado
con éxito. Esto supuso el encargo de dos nuevas operas, Ascani in Alba y Lucio Silla,
estrenadas ambas en Milán. Hacia el final del último viaje a Italia, Mozart escribió la
primera de sus obras más famosas y que todavía es interpretada, el motete Exsultate,
jubílate.

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Volvieron definitivamente a Salzburgo el 13 de marzo de 1773. En 1776 centro sus
esfuerzos en los conciertos para piano y orquesta nº 9 en Mi bemol mayor.

Padre e hijo visitaron Viena desde el 14 de julio al 26 de septiembre de 1773 y Múnich

desde el 6 de diciembre de 1774 hasta marzo de 1775. El viaje a Múnich tuvo gran
acogida popular con el estreno de la opera La finta giardiniera y el viaje a Viena fue
positivo para su arte, ya que conoció el nuevo estilo vienes a través de la música de
Haydn.

El 14 de marzo de 1778 se marchó a Paris, el 26 de septiembre volvió a Mannhein y

Múnich, finalmente Mozart regreso a su hogar el 15 de enero de 1779.

En Paris compuso, Sonata para piano nº 8 en La menor y la Sinfonía nº 31 en Re mayor,

ambas ejecutadas el 12 y 18 de junio de 1778.

En enero de 1781, se estrenó en Múnich la opera Idomeneo, re di Creta.

En Viena, prospero como compositor y en 1782 completo la opera El rapto en el

serrallo, que fue estrenada el 16 de julio.

Compuso la inconclusa Gran misa en do menor, estrenada en agosto de 1783.

Se puede apreciar la influencia de Haendel y Bach en los pasajes de la fuga de la Flauta

mágica y el final de la Sinfonía Júpiter.

En 1786 en Viena se estrenó la opera Las bodas de Fígaro.

Su recepción en Praga más adelante fue más cálida, en donde compuso la ópera Don
Giovanni, que fue estrenada en octubre de 1787.

Hacia 1788, las principales obras compuestas van a ser las tres últimas sinfonías: nº 39
en mi bemol mayor, nº 40 en sol menor y la nº 41 en re mayor. Y la última opera
estrenada en 1790, Cosi fan tutte.

Los últimos años de su vida, se caracterizan por su gran productividad. Realizo

numerosas composiciones: La flauta mágica, el último concierto para piano y orquesta
“nº 27 en si bemol mayor”, el concierto para clarinete en la mayor, el ultimo de su
gran serie de quintetos de cuerda, el motete Ave verum corpus y el inacabado
Réquiem en re menor.

El Romanticismo.
- Música vocal. La ópera y el Lied
o El Lied: Puede designar muchas cosas: desde una canción medieval del tipo de
los trovadores, a una polifónica, a un poema estrófico. En alemán significa
cualquier canción, se folclórica, de trabajo, política o infantil, pero el sentido
más normalizado del termino designa una cierta canción de concierto.
 Franz Schubert
Escribió unos seiscientos lieder entre 1814 y 1828, o sea una media de
43 por año.

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La formación del estilo lideristico de Schubert pasa por su pasión por
las baladas de Zumsteeg, el estudio de las obras de Mozart y Goethe y
su propia reflexión personal.
Los temas preferidos por Schubert son la naturaleza, el amor y la
muerte. Su tratamiento sigue dos patrones básicos:
 El desarrollo de una ficción donde cobran relevancia los
elementos fantásticos y oníricos: La bella molinera, El enano o
El rey de los alisios.
 La reflexión y análisis más serios: Margarita y la rueca, o La
muerte y la doncella.

En cada lied, Schubert recrea una impresión generada por el poema. El

papel del piano en la composición es recrear atmosfera. También la
voz interviene reconstruyendo en su escritura elementos del discurso o
una idea más global.

En cuanto a la forma de sus lieder, se establecen tres categorías:

 Lied estrófico simple: en el la melodía y el acompañamiento

son iguales en cada estrofa: Heidenröslein o Das Wandern.
 Lied estrófico variado: también estructurado en estrofas, pero
con melodía y acompañamiento que se modifican en algunas:
por ejemplo: en La trucha.
 Lied de composición desarrollada: En este grupo se distinguen
dos clases:
o Los lieder psicológicos, como el “grito” de Margarita y
la rueca.
o Los lieder evolutivos que siguen el argumento o
evocan el vaivén de nuestros pensamientos y
reflexiones.

 Schumann
Los temas preferidos son el amor contrariado y la naturaleza, que
expresa respectivamente en ciclos como Los amores del poeta y El
amor y la vida de una mujer, y en Claro de luna o Crepúsculo.
En su concepción de lied, Schumann otorga más importancia al piano
de lo que lo había hecho Schubert. Además de darle un papel de solista
con la composición de extensos preludios y postludios, refuerza la
expresión en igualdad de condiciones con la voz y por último sirve de
apoyo al cantante.

 Brahms
Escribió doscientos lieder a lo largo de toda su vida.

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El centro de atracción es la voz, mientras que el acompañamiento se
limita a doblar la melodía vocal o a acordes arpegiados con ritmos
cruzados.
Los elementos fundamentales son la melodía y el bajo, el plan tonal y
la forma, con acompañamientos rara vez descriptivos, aunque
muestran texturas maravillosamente variadas.

 Hugo Wolf
En su obra aparecen los ideales estéticos del segundo Romanticismo
de influencia wagneriana plasmados en la canción.
Escribió el Spanisches Liederbuch, con 44 canciones sobre
traducciones de poemas españoles y el Italianisches Liederbuch, con
46 traducciones del italiano.
La influencia de Wagner es esencialmente patente en el papel del
piano, cuya función es análoga a la orquesta wagneriana, si bien Wolf
escribió las partes de canto con una concepción más esencialmente
vocal. Ocasionalmente utilizo los modos antiguos para efectos
especiales.

o La opera
 Meyerbeer
Alemán de origen, acabo siendo la máxima autoridad operística en
Francia. Compuso sinspiele y operas italianas por consejo de Salieri.
Estas experiencias dotaron a Meyerbeer de un estilo ecléctico,
virtuoso y espectacular.
La importancia melódica es superior a la concepción de la forma,
mientras que los principios musicales y dramáticos estarán sugeridos
por Mozart, su gran modelo.
Fijo el estilo de la Grand opera con dos de sus obras; Roberto el diablo
y los Hugonotes.

 Berlioz
Escribió Beatrice et Benedict, basada en Mucho ruido y pocas nueces
de Shakespeare, y los Troyanos, inspirada en La Eneida de Virgilio.

 La ópera cómica
Sus principales representantes fueron Boieldieu con La dama blanche,
Auber con Fra Diavolo, Herold y Adam con Le postillón de Longjuneau.

 Drama lirico

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El representante más importante de esta tendencia fue Charles
Gound, cuyo estilo se impregna de la claridad de Gluck y Mozart. Su
obra más interpretada, Fausto, genuino mito romántico, es una obra
ampulosa donde conviven el género serio y jocoso, y poco
representativa de las inclinaciones reales de su autor.
El heredero de Gound será Jules Massanet. Su obra más renovada se
considera Werther en la que integran procedimientos wagnerianos.
Camille Sain-Saëns. Su obra maestra en el género operístico es Sansón
y Dalila inicialmente concebida como oratorio, lo que explica la
importancia del coro.

 La ópera realista.
Procede de la opera cómica, pero funde elementos de la Grand opera
y del drama lirico. Su obra más representativa en Carmen de Georges
Bizet.

 La opereta
El autor más representativo es Jacques Offenbach, con obras como
Orfeo en los infiernos, y la bella Helena, o La vie parisienne. Su última
opera Los cuentos de Hoffmann no pertenece a este tipo, sino que es
un ejemplar muy tardío de opera romántica en el estilo del primer
Romanticismo, llena de fantasía.

o Ópera Italiana
 Rossini
El género que domina por excelencia es la ópera bufa, siendo el
Barbero de Sevilla una de las cimas de la opera cómica. Escribió 39
óperas que se estrenó en Paris Guillermo Tell.
El poder de fascinación de su música procede de la aplicación sencilla
de tres recursos: eufonía, repetición y simetría.
Rossini escribió tanto operas bufas como serias.
Otras obras maestras del genero son La italiana en Argel o La
Cenicienta.

 Bellini
Compuso nueve operas. Las tres principales son La somambula, Norma
e I Puritani. El interés en el espléndido uso de la voz en la elección de
ciertos temas.
El canto de este autor refleja un perfecto conocimiento de las
posibilidades fisiológicas de la voz como exige unas cualidades técnicas
que hicieron escuela.

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Norma es un buen reflejo de todas estas cualidades. En esta obra
muestra un recitativo que se aproxima al carácter del arioso y la
orquesta participa de la acción dramática, aunque mantiene una
paradójica economía de medios.

 Donizetti
Comenzó en 1822 su larga y fructífera colaboración con el libretista
Romani con el que trabajo en Anna Bolena, primer éxito internacional,
L´elisir d´amore, bufa, Lucrecia Borgia y Lucia di Lammermoor, ambas
serias. Las más famosas de sus últimas obras fueron escritas para
teatros parisinos: La Fille du regiment, La Favorite, y su última obra
maestra del genero bufo, Don Pasquale.

 Verdi
Es considerado el compositor de opera italiano más importante del
siglo XIX
Las obras de Verdi se distinguen en tres periodos:
 Periodo de juventud: Nabuco, Ernani, Macbeth y Luisa Miller.
 Periodo medio: Rigoletto, Il Trovatore y La Traviata, Simone
Bocanegra, la forza del destino y Un ballo in maschera.
 Último periodo. La verdad dramática: Aida, Otello y Falstaff.

 El verismo
Se inicia con la obra Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni, I Pagliacci
de Ruggero Leoncavallo es otra obra importante de este género.

 Puccini
Fue la última personalidad operística italiana.
Su primera obra importante fue Manon Lescaut. Sus tres obras
maestras son: La boheme, Tosca y Madame Butterfly.
Sus obras posteriores Fanciulla del West, Tundarot, no llegaron a las
alturas de las anteriores.

o Alemania
 Wagner
Es una gran figura que resulta difícil de definir.
Sus obras se dividen en 3 periodos:

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 Juventud: De las obras de este periodo, solo ha sobrevivido en
los programas Rienzi.
 Las primeras obras maestras: Muestran una evolución de su
estilo, desde la opera romántica al drama musical. Son tres: El
holandés herrante, Tannhäser y Lohengrin.
 Los dramas musicales: Tristán e Isolda, Die Meistensiger von
Nürnberg, La tetralogía El anillo del nibelungo y Parsifal.

- Música de cámara del Romanticismo

o Beethoven
Las obras del periodo de juventud se caracterizan por el respeto a la forma
fijada por Haydn y Mozart, con una desenvoltura melódica y rítmica y
brillantez ejecutiva. Estas obras fueron compuestas mayormente entre 1799 y
1800.
Posteriormente, en 1806, compuso la serie de Cuartetos 7, 8, y 9 Opus 99,
conocidos como Conciertos Rasumovski.
En el periodo medio, los Cuartetos opus 74 y 95 se consideran obras bisagra
hacia el periodo final.
Los últimos cuartetos fueron compuestos entre 1825 y 1826, donde se
inscriben los Cuartetos Opus 127, 130.

o Schubert, Mendelssohn y Schumann

 Schubert fue el más grande compositor contemporáneo de
Beethoven. De toda su producción suele destacarse tres importantes
cuartetos: el primero es el Cuarteto nº 13 en La menor, el segundo es
el nº 14.
 Mendelssohn compuso siete cuartetos que combinan su estética
clásica y contrapuntística con su visión llena de fantasía romántica.
 Schumann a su vez dedico a Mendelssohn los tres cuartetos que
escribió. Presentan densa elaboración temática y abundancia de ideas
y ritmos con puntillo muy característicos de su autor.

o Brahms
Escribió tres Cuartetos en do menor y la menor y en si bemol.

- Música de cámara para instrumentos de viento

o Beethoven

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En sus 12 primeras sonatas, solía alternar entre el modelo de la sonata en tres
movimientos y una forma más extensa con un movimiento añadido, el
minuento o el scherzo como en la Sonata Patética Op. 13
Con la sonata Op. 26, da un giro radical, comenzando con un Andante que
presenta la forma tema y variaciones y sustituyendo el movimiento lento por
una marcha fúnebre. El nº 2 de este mismo opus, es la popular sonata Claro de
Luna. Destaca también la Sonata Tempestad, la Sonata Kreutzer, la Sonata op.
53 en do mayor y la Appasionata.
En su último periodo pertenecen las últimas cinco sonatas para piano, la Missa
Solemnis, las Variaciones Diabelli, La Novena Sinfonía y los últimos cuartetos.

o Chopin
Pianista y compositor polaco, es conocido casi exclusivamente por su obra
pianística. Sus obras se distribuyen en categorías musicales:

 Los géneros serios

 Los estudios: Escribió 2, el Op. 10 y el Op. 25
 Los preludios: Donde encontramos los 24 Preludios.
 Las baladas
 Las danzas.

o Liszt
Ha sido considerado a menudo el más genial pianista de todos los tiempos. Su
periodo parisino da origen a los Estudios trascendentales.
Pronto empezó a introducir en su repertorio concertistico tipos cariados de
transcripciones para piano.

o Schumann
Destacamos Papillons op. 32, El carnaval op.9, Escenas de niños op. 15,
Kreisleriana op. 16

- Música Orquestal
o Beethoven
 Primer periodo: Pertenecen las dos primeras sinfonías. Son las más
clásicas, especialmente la primera. La segunda sinfonía, está ya en los
umbrales del segundo periodo.
 Segundo periodo: Pertenecen la 3º sinfonía, Eroica, la 4º sinfonía, 5º
sinfonía, la 6º sinfonía Pastoral, la 7º sinfonía y la 8ª sinfonía.
 Último periodo: Pertenecen la 9ª sinfonía

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o Schubert
Sus 6 primeras sinfonías, parecen más vinculadas a Mozart. Hoy día la más
famosa es la nº 8 Inacabada.

o Mendelssohn
Destacamos la obertura del Sueño de una noche de verano, las Hebridas o la
cueva del Fingal.
De sus cuatro sinfonías la más conocida es la italiana nº 4.

o Schumann
Con sus 4 sinfonías, ha sido a menudo criticado por su dificultad al
desenvolverse en el medio orquestal.

- La música programática
o Berlioz
Destacamos la Sinfonía fantástica, la cantata La Derniere Nuit de Sardanapale.

- El nuevo sinfonismo
o Brahms
Destacamos, las dos serenatas para orquesta, op. 11 y 16, el Concierto para
piano en re menor, la música orquestal del Réquiem Alemany las Variaciones
sobre un Tema de Haydn, además de sus 4 sinfonías.

o Buckner
Destacamos sus 10 sinfonías, la última inacabada.

- El posromanticismo
o Mahler
Su obra comprende 9 sinfonía, la décima inacabada y cinco ciclos de canciones
para voces solistas con orquesta.
o Richard Strauss
Destacamos la trilogía, Así hablo Zaratustra, Don Quijote y Una vida de héroe.

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