Clase 3

Calidad y autenticidad.

Calidad: es el conjunto de cualidades o propiedades que caracterizan un bien

Ser autentico: es lo que se aparenta, o lo que se parece ser ante los ojos de quienes lo juzgan. Cada cultura,
cada pueblo tiene diferentes modos de medir la credibilidad de la información sobre la certificación de cualquier
acercamiento de catalogación.
No es posible emitir juicios de valor y de autenticidad con criterios fijos y universales, por lo tanto cada agente
debe dejar claramente manifestado el marco de referencia que se consideró y de que contexto cultural se saco
En 1994 se planteo “la diversidad cultural se asocia con la diversidad patrimonial y que no se deben imponer
leyes fijas y generales” “a mayor valor del bien cultural menor intervención”
Casi a final del siglo “autenticidad en el diseño, en los materiales, en la manufactura, en el entorno, debe ser el
común denominador desde el principio hasta el final”

Autenticidad e identidad:
Tenemos un legado compuesto por diferentes civilizaciones, y se manifiesta en nuestros días en forma de
valores, cosmovisiones y costumbres
El bien a preservar es lo que tenemos, constituye nuestro presente y no es sino el futuro de aquel origen o
pasado
Es una identidad que se reconstruye, que asume el rol de ser siempre cambiante, que no es un hecho
coyuntural, estático, que incumbe y pertenece a todos quienes deben participar para constituir una historia
compartida, pluralista, variable y diversa en confluencias, reasegurando identidades concluyentes.

La autenticidad y su relación con el contexto y la materialidad.

El patrimonio cultural nunca debe ser interpretado como un hecho aislado, ya que constituye un testimonio de
contenido socio – cultural. Si se trata de un edificio, el mismo debería considerarse dentro de su entorno urbano
o rural para no restarle autenticidad.

Clasificación de las actividades a desarrollar.

Ante un bien a intervenir se debe realizar un estudio exhaustivo. Primero hay que valorizar el bien a intervenir,
esto para un diagnostico de lo que hay que hacer.

Restauración: es el conjunto de intervenciones técnico –científicas ejecutadas para garantizar la continuidad

temporal de un edificio
Rehabilitar: es intervenir una obra con el objetivo de otórgale su función original “volver a habilitarla para el
uso para el cual fue diseñada.
Reciclaje: es otorgarle a la obra un nuevo ciclo de vida que extienda su vida útil
Reconstrucción: se puede realizar en el mismo lugar y con los mismos materiales o bien en otro lugar
acarreando los materiales
Restitución espacial: es volver a recrear espacios que por alguna circunstancia debían sufrir la acción de
remoción, donde se suprime algo añadido logrando su liberación
Revitalización, reanimación: aquellas acciones que ofrecen al bien patrimonial nueva actividad, que se logra
rescatando el alma o la vida aunque fuera con nuevas actividades. La puesta en valor (otorgarle el valor
perdido) aportándole un acrecentamiento, una plusvalía. Ej.: patio de la madera
Ampliación: muchos bienes necesitan crecer y allí se establece la disyuntiva entre hacer una escenografia que
replique lo antiguo, establecer un contrapunto entre lo moderno y lo antiguo o bien situaciones intermedias
ambiguas
Reversibilidad: la posibilidad de mayor respeto dentro de la intervención en un bien patrimonial, donde se
pueda revertir todo aquello que se incorporo Ej. Las lagunas en las obras de arte.

Capitulo 4 Mercado Artístico:

1) desarrolle cuales son los aspectos con sus respectivas consecuencias, respecto a las obras de
arte plástico que el mercado artístico maneja.
Los aspectos son inciertos, siendo la autoria el más importante de ellos, aunque no el único interés, y como el
mercado maneja esos aspectos.
También trata de las ideas equivocadas que se albergan en el mercado dentro de los circuitos artísticos,
acerca de loa funcionamientos y los efectos de su regulación
Por ultimo se ocupa de como procederá el comprador prudente de arte (si le interesa el arte, el dinero, si
desea invertir, especular, o disfruta con el arte)
Autoria: es la incertidumbre más común.
Hay dudas sobre muchos autores como Leonardo, Durero, Rembrandt etc.
El fraude respecto a la autoria puede tomar muchas formas.
 La simple mentira de la autoria de un cuadro
 El añadido de una firma
 La realización de una copia con la afirmación de que es el original
 La realización de un original y su atribución a un artista conocido.
El arte proporciona muchas mas oportunidades para el fraude que otro tipo de economías
En Italia les preocupa más el robo que la falsificación
En EEUU sienten un interés especial por el engaño y el mercado hace lo que puede para satisfacerlo
Las limitaciones de los conocimientos de los expertos constituye la razón más importante de la falsificación.

Apunte: Juan Pablo Orsi – Arte II – Profesora Andrea Año 2015 1

2) que tipo de información tienen los que se manejan dentro del mercado del arte para evitar las
incertidumbres respecto de la autoria de una obra y quienes la deben suministrar
Al ser el mercado consiente de la incertidumbre, los compradores, vendedores, marchantes y casas de
subastas hacen todo lo posible por reducirla recogiendo información y dándola a conocer. Los historiadores del
arte, están dispuestos a certificar la autenticidad de las obras
Hay que tener en cuenta que los intereses personales funcionan tanto en el sector lucrativo como en los otros.
Hay empresas privadas que proporcionan información sobre las autorías
También están las que comercializan la información como parte de su actividad
Lo ideal seria que el certificado de autenticidad fuera expedido por el director del museo.
Hay especialistas en identificación, asesores, tasadores, promotores, coordinadores de exposiciones, o agentes
licitadores de subastas, con experiencia en ciertas temas.
No toda la información esta relacionada con la autenticidad, e encontramos también dentro del mercado del arte
una guía con nombres de particulares y firmas que proporcionan servicios financieros, seguros para obras,
embalajes especializados, transporte marítimos, custodias de obras, y una gran cantidad de fabricantes de
marcos.
Es muy importante también la información de donde se encuentran los posibles compradores y vendedores
También sabemos por la información que obra de un taller es más valiosa que otra si esta fue realizada por el
artista o por algún miembro de su círculo.

3) cuales son las razones por las cuales es importante la atribución de una obra de arte a un
determinado autor.
La atribución le da otro valor a la obra, significa un valor un precio en el mercado y su merito como objeto
estético.
Cuando se desvirtúa la atribución de una obra, hay que dejar en claro que estéticamente no existe la menor
diferencia entre si una obra de arte es original o falsificada.
Se tiene la creencia de que la calidad estética de la obra es independiente de lo que se asocie a ella, entre lo
que podemos incluir al artista, a la historia de la propiedad de la obra, a las personas que la han poseído dentro
de sus colecciones, los museos donde se expuso, las publicaciones y libros donde se menciono el nombre del
autor, si es un retrato, la persona que lo encargo , porque, cuanto pago por el, el titulo (si describe o no el tema)
Normalmente un coleccionista no compra un cuadro anónimo, adquiere una obra identificada con un artista
determinado que ya tiene un titulo.
Podemos decir que un objeto artístico en su totalidad esta compuesto por la obra, el artista y el titulo
Esta información esta inserta en los catálogos de los museos.
Hay otras razones por las cuales la atribución es importante, una de ellas es la significación historia dentro de la
historia del arte, otra de las razones es el interés por los nombres, porque prestamos mas atención a un objeto
que tiene nombre que a otro que no lo tiene y si también tiene el nombre del artista mejor.
Otro interés que satisface la atribución es el interés por las asociaciones de un objeto (no es lo mismo el peine
con el que se peino Napoleón que un peine del mismo periodo de un desconocido)

4) la restauración ¿desde que punto de vista puede llegar a afectar el interés de los coleccionistas
o de los espectadores?
Lo afecta desde el punto de vista de la incertidumbre “acerca de que cambios físicos afectaran a un cuadro
después de ser restaurado. Estos cambios constituyen en si mismos una empresa arriesgada y son continuas
las discusiones acerca de la conservación y restauración en arte. Hay que decidir si hay que restaurar o no una
obra determinada, pero siempre es importante no alterar el cuadro.
Las alteraciones se pueden subsanar, y luego se intenta gracias a los diversos métodos de restauración crear
alga lo más parecido al original.
Una práctica muy común entre los marchantes ha sido dar a sus adquisiciones una capa de barniz antes de
ponerla a la venta, colocando a menudo un foco sobre ellas. Esta es la razón por la cual varios cuadros
conocidos en el mercado como Viejas Maestros fueran de colores oscuros, estos llevo a creer que los pintores
renacentistas utilizaban una paleta oscura
En nuestro siglo los museos comenzaron a retirar la capa de barniz y aparecieron colores más brillantes.
En general los museos y los marchantes tratan al exponer sus obras de que estas no hallan sido retocadas de
un modo u otro durante una restauración.

5) ¿existe relación entre le valor estético y económico de una obra?

Se dice que un coleccionista puede hacer triunfar o hundir a un pintor por lo que compra, vende, o conserva,
también puede convertir un estilo determinado de pintura en una moda o en algo rentable al concederle una
atención inmerecida. También encontramos artistas que se promocionan a si mismos.
Por todo esto podemos afirmar que el valor estético y el económico no guardan una relación.

6) ¿cuales son los intereses en juego para considerar una inversión en obras de arte?
A los marchantes se les reprocha que persigan el lucro, un buen marchante debe satisfacer a sus compradores
si quiere sacarle el máximo rédito posible a su trabajo.
Este tiene cierto poder de monopolio porque cada obra presenta cualidades únicas.
Una obra es única en su clase y esto se aplica también en las replicas porque normalmente no son idénticas
entre ellas.
El poder de monopolio de un marchante se incrementa al poseer más información que los compradores aunque
esta sea de conocimiento común. Los compradores tiene acceso a ellas y algunos llegan a saber mas que el
marchante.
La mayor información tiene poder sobre el precio, el poder esta en el comprador.
Otras de las ventajas que tiene el comprador es cuando hay pocas personas interesadas en una obra
determinada, o cuando es el único, al tener el vendedor solo que tratar con el o con nadie, esto no elimina el
monopolio del vendedor, pero reduce su poder al precio que obtendrá, este se obtiene mediante una
negociación.

Apunte: Juan Pablo Orsi – Arte II – Profesora Andrea Año 2015 2

7) ¿porque una obra de arte esta sujeta a la obsolencia?
La obsolencia es otra de las incertidumbres.
Antes de que se deteriore físicamente el atractivo que ejerce suele disminuir.
Si el arte no se volviera obsoleta existiría un mercado de futuro que no existe, las obras de arte que han
sobrevivido es una ínfima Olarte de las que se han creado.
Entre los compradores de arte que esperan revenderlo a un precio superior se encuentran.
 Los que desean reducir al mínimo la incertidumbre
 Los que las toleran si reciben una compensación suficiente
 Los que disfrutan con la experiencia de la incertidumbre
 Los que son adversos al riesgo
 Los que son neutrales al riesgo
 Los amantes del riesgo
Esto no significa que comprar arte sea riesgoso, sino que la compra rinde un beneficio durante un tiempo

8) ¿cuales son las probabilidades de que una obra pierda su valor?

La probabilidad es mayor para las obras nuevas, lo más contemporáneo, lo ultimo, lo recién sacado del
caballete y todavia húmedo. Cuando más antigua es una obra, existen menos probabilidades de que pierda su
valor. Las obras mas antiguas e importante (EJ. Los cuadros de la escuela flamenca o el renacimiento italiano
entre otros) la posibilidad es minima.
Sin embargo las obras que sobreviven tienen un valor fluctuante.
En la historia del arte la explicación que se da es que los gustos cambian
En lo económico, podemos decir que mientras mas obras de arte antiguas vemos menos queremos ver
Pero podemos decir que el interés por el arte antiguo a diferencia del nuevo, probablemente no descenderá a
cero. La razón por la que creemos que sobrevivirá, es que ha sobrevivido hasta ahora.

9) ¿existen leyes a nivel global o local que regulan el mercado del arte?
En New York rige una disposición que obliga a los vendedores a colocar en sus artículos u obras una etiqueta
con el precio.
Esto trae aparejado inconvenientes ya que el comprador no realizaría la compra si pensara que se le cobra de
más y el vendedor no ofrecería la pieza a la venta si creyera que recibiría poco a cambio. Además al marchante
al que se le exigiera que pusiera un precio a una obra, pondría el precio más alto.
Esta ley en cierta forma daña a las operaciones del mercado y realmente no puede regular el mercado al
contrario pueden provocar la situación que desean evitar.
El propósito de las leyes reguladoras consiste en proteger algo que es público, como los compradores de arte,
los artistas nacionales, el patrimonio nacional etc.
Al reducir estas leyes la cantidad de arte intercambiado, pueden hacer aumentar o disminuir el precio.

10) ¿cuáles son los secretos de ventas? (pregunta del mercado cubano)
Las obras de artes se han comprado y vendido durante milenios, el comercio de arte entre diferentes países
tiene al menos 4.000 años y el comercio debe ser más antiguo aun.
La longevidad del mercado antiguo es la prueba de que tiene utilidad.
Los productores, compradores y vendedores tiene que reunirse en función del mercado artístico por sobre todas
las cosas.
Los marchantes raramente pintan, se sabe que los pintores comercian no solo sus propias obras sino también
las ajenas aunque su actividad principal sea pintar.
Los coleccionistas que pueden permitirse el lujo de ser rigurosos no confían solamente en su propio juicio, sino
que piden otras opiniones y pagan por ellas.
A medida que el mercado crece también se acentúan las diferencias entre las obras temáticas, maestría en la
originalidad etc.
Esto explica porque los precios de las obras de arte varias desde unos pocos dólares hasta alcanzar cifras
millonarias.
El mercado del arte incluye pequeñas galerías, tiendas de artes locales, cuadros vendidos por los propios
pintores, ferias exposiciones locales, galerías de arte internacionales,
Por lo tanto podemos decir que en el mercado del arte: los precios de los bienes están relacionados pero no son
competitivos, porque la sustitución no es perfecta y en muchos casos es muy leve, cada obra es única, y eso le
confiere al vendedor cierto poder sobre su precio, la relación entre vendedor y comprador se convierte en una
relación de regateo.

Capitulo 4 de Fernández Arena La gestión social de los objetos artísticos

1) -Qué es un objeto artístico y con qué intención se realiza?

El objeto artístico: es una imagen creada por las técnicas y procedimientos artísticos que se hace con la
intención de comunicar algo: el mundo mental de la cultura que lo produce.
Este objeto se destruye cuando ya no sirve o se conserva de forma privada (coleccionista) o pública (museos)
Estos objetos son signos y no herramientas o útiles que puedan tener una valor como una maquina o una
propiedad inmueble. Son simplemente objetos descontextualizados de su función primaria, que se nos
presentan en museos y colecciones como objetos culturales o documentos históricos y que llamamos, sin serlo
obras de arte y que constituyen el patrimonio artístico y cultural.

2)-Por qué se dice que los objetos artísticos están en el límite entre la propiedad privada y la pública?
La propiedad de los objetos artísticos y su gestión.
Desde la teoría de los bienes culturales, los objetos artísticos, los monumentos, los conjuntos, los sitios y
lugares naturales son objetos especiales de cara a la propiedad.
Hay un principio de propiedad compartida entre dominio directo del objeto y dominio útil del mismo. El objeto
pertenece como propiedad privada a su poseedor (creador, comprador, coleccionista) y el bien como propiedad
colectiva gestionado por el poder público pertenece a la comunidad.

Apunte: Juan Pablo Orsi – Arte II – Profesora Andrea Año 2015 3

Coleccionismo:
1. en la prehistoria: los objetos son fundamentalmente útiles que se guardan , pero no se
coleccionan, porque sirven para necesidades vitales o para la magia
2. en la culturas teocratitas los objetos se encuentran en templos, tumbas, palacios de las clases
dominantes (sacerdotes, reyes) son objetos suntuarios.
3. el periodo helenístico: reafirma estos valores instaurando el gusto por lo artificial y añade un
nuevo valor la historiedad. El objeto adquiere valor por si mismo (técnico, material, formal) por el autor, por la
rareza, por lo antiguo y por lo histórico.
4. el mundo romano: confirma estos valores y aumenta el sentido del coleccionismo, nacen los
términos, MUSEUM, PINACOTECA, DACTILOTECA. NACE EL CONCEPTO DE Museo Publico
5. el cristianismo y la edad media: heredan el carácter didáctico religioso de la imagen
6. periodo gótico tardío: nace el gusto por lo profano, por la vida mundana, y el confort. El arte
vuelve a ser ornamento de la vida y los objetos se aprecian por sus características.
7. el humanismo: renueva el concepto antiguo del coleccionismo. Los objetos de arte vuelven a tener
valor didáctico

3) -Por qué aumenta el coleccionismo entre los siglos XVII y XVIII . En qué se convierte el arte en estos
tiempos?.

* el coleccionismo: aumenta durante los siglos XVII y XVIII debido a:

* la burguesía en aumento
* monopolio de las monarquías
* centralización del poder
* las iglesias católicas o protestantes que controlan el arte

4)-Cuándo se comienza a considerar al arte como lo que vale dinero y conserva y coleccionar?

Entran en esta etapa el marchante o comprador americano, que tal vez no sea entendido en obras de arte, pero
tiene dinero y añora la cultura que abandono en el continente europeo. Quiere reafirmar su prestigio en
occidente con colecciones y museos. Nacen los marchantes, la subasta, las salas clandestinas, la
manipulación, las restauraciones, las falsificaciones.
Nace el arte como objeto de valor. Arte es lo que vale dinero y conviene conservar y coleccionar.

5)-Quienes sostienen el coleccionismo, en qué incide el mismo?

Valoración del coleccionismo:

 el coleccionismo demuestra que la posesión de una obra, es exclusiva y no compartida.
 El coleccionismo es expresión del poder dominante; iglesia, monarquía, burguesía, capitalismo.
Al estar en manos de un poder dominante, económica y políticamente, controla, dirige y selecciona los objetos.
Puede elegir por calidad, pero eligen cuantitavamente. Es origina que la cantidad se opone a la cualidad.
 El coleccionismo impone valores sobreañadidos: antigüedad, autoria y precio. El museo es el heredero
de estas valoraciones.

6) Cuáles son los valores sobreañadidos que impone el coleccionismo? Explíquelos.

Valoración de los objetos de arte.

a) la antigüedad: (no todo lo viejo es antiguo). No debe confundirse la antigüedad con la historia de un
objeto.
Antigüedad es un valor cronológico / Historia: es un valor cultural.
Al valor antiguo se le une la procedencia, exotismo y la rareza, la unicidad (único) integridad del objeto (estado
de conservación)
b) la autoria: el reconocimiento del autor de la pieza con firma o sin ella, aumenta la valoración de la
obra, desde el renacimiento se aconseja firmar las obras.
c) El precio final. De la obra depende de los dos puntos anteriores y de la importancia dada por la crítica
especializada. Cuanto más cara más artística parece. Los inversionistas y el comercio dicen: es arte lo que vale
dinero y se revaloriza. El artista triunfa cuando ha alcanzado ciertos precios. La historia del arte al revés que el
comercio del arte fundamentan sobre valoraciones distintas. Para esta el arte tiene: valor cultural, estético o
histórico.

7)-Qué diferencias hay entre museografía y museología? Explique el desarrollo de los tres momentos de
la disciplina museográfica.

Museografia: es el arte de colocar el arte dentro del museo

Museologia: es la ciencia del museo y de la conservación del patrimonio.

tres momentos importantes:

a) el museo es un edificio singular, para conservar obras de arte.
b) Se inicia desde 1948 cuando pasa a llamarse Museum por la UNESCO. Se inicia la época de la
utilización del museo para algo más que conservar las obras de arte. Se plantea como educación.
c) la tercera fase se inicia en los años 70, con la introducción del museo en sentido integral (danza,
música cine, teatro, video, mimo, pintura)
Una manifestación de la importancia de los museos es su incorporación a las rutas turísticas, La catalogación
de sus piezas y colecciones.
 Aumenta el valor del sujeto hombre, sobre el valor de los objetos
 Socialización de las culturas y los bienes culturales
Apunte: Juan Pablo Orsi – Arte II – Profesora Andrea Año 2015 4
 Introducción de los museos de arte contemporáneo
 Popularización y conocimiento del patrimonio artístico y cultural.

8) Establezca diferencias entre la planificación y el proceso museográfico.

Planificación museológica: El museo es una industria sin animo de lucro, permanente, al servicio de la
sociedad y de su desarrollo y abierto al publico, que adquiere, conserva, investiga, comunica y exhibe
testimonios materiales de la evolución de la naturaleza y del hombre con finalidades de estudio, de educación y
de delectación
Para que existan los museos hacen falta: Continente o edificio / Contenido o fondos / Equipo humano / Políticas
culturales / Publico

El proceso museográfico: Para cada una de sus funciones debe tener personal idóneo: Registra / Cataloga /
Expone / Restaura / Almacena / Da a conocer
Las instituciones públicas han de fomentar la existencia del museo, pero no deben dirigir la marcha del mismo.
La dependencia política lleva aparejada la discontinuidad
Sintetizando para el funcionamiento del museo se necesita:
 Personal directivo: director del museo que puede ser asistido por un gerente o financista
 Personal científico o conservadores: museólogos (curador). No son administrativos, sino
especialistas capaces de conservar, estudias, presentar y cuidar
 Personal técnico: restauradores, instaladores, fotógrafos, archivadores, bibliotecarios etc.
 Personal administrativo: controlan los registros, ficheros etc.
 Personal de seguridad: vigilan las salas, puertas etc.

9)-Nombre los distintos tipos de museos según los contenidos.

Tipos y clases de museos. Según su contenido:
Arqueología, arte, historia, ciencias naturales, técnica, etc.

10)-Cuáles son las clases de museos en el sentido amplio de la palabra.

Según la propiedad: Públicos, privados, estatales, nacionales, provinciales, municipales, eclesiásticos etc.

Por razones de emplazamiento de sitio o lugar, urbanos

Los ecos museos: Son museos de lugares situados en un paisaje donde la naturaleza es rica en elementos
geológicos y naturales y donde el hombre ha dejado recuerdos a su paso, su vida, su trabajo y su historia
(molinos, puentes, cabañas, industrias) dignos de conservarse y visitarse como patrimonio local.

Los espacios estéticos:

 públicos: de acceso libre, plazas, calles o lugares de consumo (bares, comercios, galerías)
 restringidos: acceso limitado (pago) clubes, discotecas, cines, celebraciones festivas
 privadas: de acceso individual o familiar. En nuestras casas colgamos nuestras pequeñas
colecciones de obras, fotos recuerdos etc.

El museo como teatro:

El museo es un establecimiento conservador donde las obras se presentan, pero no se representan. Les falta a
los museos el tratamiento del espacio como elemento de temporalidad y escenificación. Falta en el museo el
concepto de la representación teatral de los objetos

-Cuáles son las razones para que el comercio del arte se realice?

-Qué señala el valor de una pieza de arte?

-Qué diferencia hay entre los objetos naturales o industriales y los objetos artísticos desde el punto de
vista de su compra?

Qué diferencias hay entre el peritador y el tasador de una obra de arte?

Capitulo 8 de Treserra.

1) ¿Por qué se puede decir que el turismo cultural es una actividad económica?
El turismo como actividad económica se ha consolidado como una de las expresiones de la globalización. Son
varios los destinos muy competitivos entre si, exigentes y cambiantes. Los cambios producidos en los países
desarrollados a partir de los años 80 permiten una mayor disponibilidad para las actividades y los viajes gracias
a:
 El incremento generalizado de las rentas
 El aumento de la calidad y la esperanza de vida
 El mayor nivel educativo
 Las edades mas tempranas de jubilación
 La incorporación de la mujer al mundo del trabajo
 El mayor tiempo de ocio por la reducción de la jornada de trabajo
 La sensibilización por la naturaleza
 Las mejores condiciones de transporte y movilidad

Apunte: Juan Pablo Orsi – Arte II – Profesora Andrea Año 2015 5

2) ¿Cuáles son las condiciones que se deben incluir en las ofertas turísticas según el informe de
la comisión de las comunidades europeas (1993) para que se pueda hablar y que beneficio trae
aparejado la incorporación de la oferta turística al patrimonio cultural?
Las condiciones que se deben incluir en las ofertas turísticas para que se pueda hablar de turismo cultural son
tres:
 un deseo de comprender y conocer los objetos y las obras incluyendo la población local con
la que se entra en contacto
 el consumo de un producto que contenga un significado cultural (monumento, obra de arte,
espectáculo etc.)
 la intervención de un mediador, ya sea personal, o documento escrito o material audiovisual
que tenga la función
 de subrayar el valor del producto cultural.
Incorporar dentro de la oferta turística al patrimonio cultural trae como beneficio el incremente de su
calidad y consigue un valor añadido. El turismo cultural permite desviar visitantes a zonas menos saturadas y se
puede practicar en cualquier época del año rompiendo la estacionalidad.

3) ¿cuales son las partes que estructurarían un proyecto sobre turismo cultural?
Cualquier estrategia de desarrollo local y regional que sustente un proyecto integral de crecimiento sostenible
del patrimonio cultural y natural garantizará una doble efectividad
 la preservación de la cultura, monumentos y los entornos
 el desencadenamiento de efectos producidos en el entorno (EJ. creación de empleos)
Un producto de estas características debe partir del conocimiento e identificación de los recursos patrimoniales.
Pero además hay que saber cuales son los intereses y motivaciones del público, recoger las demandas de la
población local, valorar los servicios turísticos disponibles.
Las partes del proyecto son:
 análisis y diagnosis: sirve para saber con que se cuenta y que déficit hay. Hay que
enfocarlos en: los recursos, el contexto social, económico y cultural y la demanda (interna y externa)
 conceptualización: a partir del análisis o diagnosis, deben fijarse objetivos (sociales,
culturales, económicos) y criterios básicos de actuación (elegir los segmentos del mercado que habrá que
priorizar a la hora de comunicar la oferta)
 programas de actuación y desarrollo del proyecto deben definirse las acciones a realizar
a partir de los estudios anteriores.

4) ¿que estrategias pueden desarrollarse para promocionar y valorizar (entendiéndose valor

tanto como precio en el mercado, como merito, como objeto artístico)?
 reforzar la identidad local, cultural y apoyarse en elementos de singularidad que les permitan que
el turista prefiera este destino, aunque sea más caro que otro. Hay que enfatizar en la tematizacion entendiendo
esto como en el empaquetizar, interpretar, teatralizar (EJ.El Yorvik Viking Center en la ciudad de York
Inglaterra), se creo en 1984 una ciudad Vikinga. El turista vive una experiencia singular trasladándose mediante
autos eléctricos a través de un túnel del tiempo que le permite observar la replica un situ de un asentamiento
medieval, con sus sonidos, olores, para luego visitar parte de las excavaciones.
 o sea la renovación y construcción de nuevos equipamientos culturales, regeneración del paisaje.
 mantener bien los alrededores de los Museos Estrellas (los de visitas obligadas que presentan
obras singulares, únicas
 planeamiento urbanístico para la protección del patrimonio cultural
 la puesta en valor del monumento o lugar
 la cualificación de las visitas publicas
 conservación y restauración del patrimonio cultural, mantenimiento de las instalaciones
 facilitar el acceso al patrimonio (accesos peatonales, para rodados, discapacitados)
 establecer itinerarios
 dotar de servicios complementarios (sanitarios, cafeterías, teléfonos, etc.)
 información y señalización

5) ¿Explicite por que el patrimonio contribuye a generar una imagen de marca?

El patrimonio es un arma de identidad y en definitiva su singularidad contribuye a generar una imagen de
marca.
Esta imagen de marca ha sido fundamental para el desarrollo del turismo moderno ya que establece las
diferencias y similitudes entre los países miembros (EJ: el Museo Guggenheim de Bilbao, cuya edificación ha
implicado no solo la renovación de un sector de la ciudad, sino que se ha convertido en un símbolo del país
Vasco.

6) ¿que relación puede establecer entre las conservación y la restauración del patrimonio
cultural?
La importancia de la conservación de nuestro patrimonio, es de preservarlo en su valor como testimonio de los
distintos fenómenos culturales. Además los valores desarrollados en el tiempo como acciones validas de un
proceso histórico y que aun puede serlo en el futuro.
Estos bienes hay que registrarlos. Esto posibilita el conocimiento de su estado y permite desarrollar acciones
tendientes a su preservación y rescate.
Cuando este patrimonio por distintas circunstancias no puede conservarse o se agotaron todas las instancias,
hay que restaurarlo. Esto significa que hay que hacerle un conjunto de intervenciones técnico-científicas, para
garantizar la continuidad temporal de dicho patrimonio cultural.

Apunte: Juan Pablo Orsi – Arte II – Profesora Andrea Año 2015 6