Esta semana, practicaremos escucha activa.

Encuentra un lugar donde no te molesten (desconecta tu teléfono, diles a todos que estás ocupado)
para que puedas prestar toda tu atención a escuchar.

Elija una canción para escuchar de la lista proporcionada a continuación. Puede encontrar la canción en
iTunes, Spotify, YouTube o algún otro servicio de música. Esté preparado para tomar notas en su
computadora o con un lápiz y papel.

Antes de escuchar, aclara tu mente. Respira hondo y deja de lado tus prejuicios.

Toca la canción y observa tus reacciones a la canción mientras escuchas. Cuando notes una emoción que
sientes, escríbela. Cuando note una respuesta cinestésica, escríbala. Asegúrese de incluir incluso las
respuestas kinestésicas más sutiles, y recuerde que incluso una reacción negativa es una respuesta
emocional. Incluya qué tan bien la canción mantiene su atención, y si algo "lo saca" del disco y lo distrae,
anótelo.

Una vez que haya escuchado la canción, revise sus notas y escriba una reflexión de dos o tres párrafos
sobre su experiencia mientras escuchaba la canción. Asegúrese de incluir sus respuestas emocionales y
kinestésicas (no importa cuán sutiles sean).

Envíe su reflexión para que sea revisada por sus compañeros.

Lista de canciones:

Eleanor Rigby - Los Beatles

Ciudad Escarlata - Gillian Welch

Caminando después de la medianoche - Patsy Cline

Feliz - Pharrell Williams

Uptown Funk - Mark Ronson y Bruno Mars

Badlands - Bruce Springsteen

Sangría - Blake Shelton

Adele - hola

Criterios de revisión

La música tiene la capacidad de provocar una amplia gama de respuestas emocionales y kinestésicas: la
misma canción puede hacer que diferentes personas se sientan de diferentes maneras y no todos
experimenten la misma canción de la misma manera. La calificación para esta tarea no se basará en las
respuestas que tuvo, sino que se basará en la finalización y la calidad general y la profundidad de su
reflexión.
Cada estudiante debe completar al menos tres revisiones por pares para recibir crédito por su propio
trabajo.

¿La reflexión del alumno incluye las respuestas emocionales que experimentó mientras escuchaba la
canción?

¿La reflexión del alumno incluye las respuestas cinestésicas que ella o él experimentó al escuchar la
canción?

¿La reflexión del estudiante incluye qué tan bien la grabación mantuvo su atención y / o algo que lo
distrajo o "los sacó" del registro? O, si la atención del alumno permaneció en el disco durante toda la
experiencia auditiva, ¿lo nota en la reflexión?

¿Cuál es su respuesta a la reflexión del alumno? ¿Escuchaste la misma canción y tuviste respuestas
similares o diferentes? Por favor escriba cualquier otro comentario que le gustaría compartir con este
estudiante.

Ejemplos de descripción de identidad sobre artistas

Ejemplos de identidad del artista

Aquí hay algunos ejemplos de declaraciones de identidad de artistas tomadas directamente de artículos
sobre estos artistas.

Alvvays

Alvvays hace canciones de rock californianas con rayos de sol que creen en sus raíces canadienses. Su
álbum debut homónimo incluía melodías vivas socavadas por un agudo ingenio y un ojo de gimlet.
(Piense temprano REM se encuentra con Best Coast y Dum Dum Girls). Las cinco piezas ganaron muchos
admiradores en 2014 con sus canciones pop estridentes y ritmos de conducción; 2015 debería traer más
acólitos para adorar en su altar.

Natalie Prass

Las canciones del álbum de la cantante y compositora de Nashville, Natalie Prass, combinan su voz de
R&B contrarrestada con ganchos pop inflexionados por Motown, el movimiento de cuerdas hinchadas
ocasionales y un toque de estilo de big band. El resultado es un sonido pop conmovedor con un
ambiente retro. Piensa que Harry Nilsson conoce a Dionne Warwick con más de un poco de Dolly Parton
en la mezcla.

What is your artistic visión?

Si bien su identidad de artista se refiere a quién es usted como artista, su visión de artista es sus ideas
aspiracionales o lo que está tratando de lograr como artista. Podría ser cualquier cosa, desde tratar de
ser la mejor banda de rock n roll del mundo hasta tratar de preservar la música tradicional de Ecuador al
infundirle elementos electrónicos y hacerla moderna. Puede ser casi cualquier cosa y realmente
deberías pensar en lo que estás tratando de lograr como artista. Si puede resumirlo en una oración, es
increíble y puede guiarlo a lo largo de todo este proceso.

Ahora, puede tener más de una visión: puede tener una visión para su carrera general y una visión
separada para los proyectos individuales que va a producir. El problema con muchos álbumes, y
ciertamente la mayoría de los primeros álbumes de artistas, es que el artista está tratando de meter
demasiado. Están tratando de mostrar toda la amplitud en un proyecto. Entonces, si estás tratando de
decir todo lo que tienes que decir y demostrar todo lo que estás en un proyecto, si estás trabajando en
un proyecto de álbum, a menudo esto es increíblemente insatisfactorio.

Una de las formas en que lo soluciono con los artistas es en lugar de solo planear un álbum, lo que les
animo a hacer es planificar sus próximos tres álbumes. Planifiquemos sus próximos tres proyectos. De
esa manera, si algo no encaja artísticamente con las otras cosas, podemos decir "está bien, eso será para
el próximo proyecto". Si tiene tres proyectos en los que está pensando al mismo tiempo, puede
terminar teniendo un proyecto mucho más artísticamente satisfactorio cada vez que no solo esté
tratando de incluir las canciones que tuvo escrito o las canciones que resultaste haber funcionado en un
momento dado.

Nuevamente, el gran arte tiene foco y esto es difícil. Es realmente difícil dejar cosas afuera. Es más fácil
decir "oh, haremos esto y lo haremos, lo mantendremos todo dentro", pero debes tomar esas
decisiones difíciles si realmente quieres que tu arte se mantenga unido.

Un buen ejemplo de esto es la carrera de Miles Davis. Miles es uno de los chicos más modernos del
planeta y tenía una visión de carrera de hacer muchos tipos diferentes de música, de cubrir mucho
terreno. Pero cada proyecto individual estaba muy enfocado. Piense en "Kind of Blue", una paleta de
emociones muy centrada y limitada. No hubo una melodía de beebop ardiente, ni una melodía de
tempo acelerado. Todo era una especie de cosas personales sensuales. Luego, mira "Bocetos de
España". Una vez más, el título te dice exactamente en qué te encuentras: un proyecto muy muy
enfocado. Luego está "Bitches Brew", que no podría ser más diferente de "Kind of Blue". Todo es
anguloso y angustiado, electrónico y de vanguardia, pero de nuevo, no hubo una balada en "Bitches
Brew". No hubiera encajado. Si hubiera algo de "Kind of Blue" o "Sketches of Spain" que apareció en
"Bitches Brew", no habría sido una declaración artística tan poderosa.

Por lo tanto, tener una visión artística para toda su carrera es algo excelente, y luego tener una visión
artística centrada en sus proyectos individuales también es muy importante.

Los artistas pueden tener una visión de su carrera en general mientras tienen visiones distintas para
cada proyecto que crean. Para revisar la visión artística, lea y escuche ¿Cuál es su visión artística?

¡El enfoque es correcto! Para crear una experiencia auditiva poderosa y atractiva, es más importante
que un artista se centre en una visión específica en lugar de mostrar su versatilidad.

Forma de la canción

Formas de canciones

AABA

El formulario AABA incluye una sección A y una sección B. Las secciones tienen la misma melodía y
armonía, pero a menudo letras diferentes. La sección B presenta una nueva melodía, armonía y letra.

Blues de 12 compases

El 12-Bar Blues es la forma clásica utilizada en el blues. El formulario se divide en 4 frases de compás que
forman un formulario de 12 compases. Estas 12 barras se repiten. generalmente con letras diferentes
cada vez. Para obtener más información sobre el blues de 12 compases, inscríbase en MOOC para
desarrollar su maestría musical en Coursera.

Verso Coro

La forma Verse Chorus se ha convertido en la forma de canción más popular hoy en día. Hay muchos
elementos diferentes utilizados en la forma Verse Chorus (consulte la sección Elementos de la canción a
continuación para obtener más información).

A través de compuesto

A través de la forma compuesta es común en la música popular. De esta forma, ninguna parte de la
canción se repite. Escribir este formulario puede ser difícil porque es difícil mantener a los oyentes
comprometidos.

Electrónico
La forma en la música electrónica generalmente se divide en frases de 8 o 16 compases que se repiten y
modulan a medida que se reproduce la canción.

Elementos de forma de canción de verso coro

Verso

El verso es donde ocurre la mayoría de la exposición. Los versículos múltiples generalmente tienen letras
diferentes pero la misma melodía.

Coro

El coro es donde se expresa la idea principal o el tema de la canción. Los coros generalmente tienen la
misma letra y la misma melodía y ocurren varias veces a lo largo de la canción.

Puente

A menudo, una nueva perspectiva o apoyo para el tema general se expresa en el Puente. Los puentes a
menudo tienen una melodía, armonía y letra diferente a la del verso o el coro.

Pre coro

Un pre-coro es una idea corta, a menudo una o dos líneas, que configura el coro. Siempre ocurre justo
antes del coro y ayuda a que la canción se acumule en el coro para que sea más satisfactoria.

Estribillo

A Refrain se usa a menudo en forma de canción AABA, pero también es común en la forma de canción
Verse Chorus. Un estribillo es una línea que se repite donde la letra y la melodía son siempre las mismas.
Los refranes a menudo vienen al final del verso, pero también pueden venir al principio o varias veces
dentro del verso.

Elementos de forma de canción electrónica

La construcción

The Build es un elemento de canción que se usa en la música electrónica. Se caracteriza por el aumento
de la dinámica y la tensión rítmica, y conduce a la caída o al clímax de la canción. The Build ayuda a que
la caída sea mucho más satisfactoria.
La gota

The Drop es un elemento de canción que se usa en la música electrónica. The Drop es a menudo el
clímax de la canción y, a menudo, incluye más bajos actuales o elementos de baja frecuencia. A menudo
hay una pequeña porción de espacio entre Build y Drop.

5 tools for writing better lyrics

[MÚSICA] Las letras son muy importantes. De hecho, son tan importantes que podrías

toma un curso completo sobre escritura lírica y Berklee tiene uno maravilloso en Coursera

llamado Songwriting enseñó a mi buen amigo y colega Pat Pattison. Aquí y ahora,

Voy a compartir contigo cinco habilidades. Cinco herramientas que puedes

emplear al menos para comenzar a hacer un progreso real en la escritura

mejores letras, letras más significativas. Letras que van a moverse

El oyente de maneras más profundas. Entonces, lo primero es

usar lenguaje sensorial. El lenguaje sensorial es un lenguaje que

Básicamente activa nuestros sentidos. Nuestros sentidos son el gusto, el tacto,

vista, olfato y sonido. Entonces, usando un lenguaje que nos hace poner

Las imágenes en nuestro cerebro nos hacen sentir cosas. Como el último verso de Eleanor Rigby,

por ejemplo, cuando el padre Mackenzie está limpiando la tierra

de sus manos mientras camina desde la tumba. Eso es algo que cada vez que lo escucho,

Puedo oler la suciedad. Puedo sentirlo entre mis manos y

De hecho, puedo verlo haciendo esto. Ahora, eso es en realidad

áreas emocionantes de mi cerebro que no habrían estado excitadas cuando

alguien estaba cantando algo que no expresaba ningún lenguaje sensorial

en la lírica en absoluto. Así que número uno, usa lenguaje sensorial. El número dos es contarnos una
historia. Las historias son básicamente las más antiguas.

forma de arte que hay. Solíamos sentarnos alrededor de las fogatas y

se cuentan historias Y si lo piensas,

casi todas las formas de arte en el arte occidental que tienen lugar

con el tiempo básicamente cuenta historias. Ya sea que se trate de programas de televisión o películas,

o cuentos, novelas u óperas, solo somos tontos para contar historias y

Esto no tiene que ser una gran historia. Esto puede ser pequeñas viñetas. Paul Simon es genial
escribiendo pequeñas historias que tal vez

Solo toma cuatro líneas. Te aconsejo que vayas

Escucha a Graceland. Hay tantas historias pequeñas. Cada verso es una pequeña historia y

es suficiente para colocarte allí, para poner algunas imágenes en tu cerebro y

para realmente conectarse emocionalmente. Creo que la razón por la que respondemos a las historias.

tanto es que son tan humanos y todo gran arte realmente nos dice

algo sobre la experiencia humana. Porque todos estamos interesados en lo que

otros humanos están atravesando, porque tenemos las mismas emociones. Tenemos los mismos
sentimientos. Así que cuente un poco y esto ayudará a mantener a la gente realmente

involucrado en tus canciones, también. El número tres es evitar los clichés. Tantas canciones solo juntan
una

cliché tras otro, tras otro. A menudo, cuando estoy haciendo talleres con

personas que se inspiran para escribir canciones, veremos la letra y cada línea es casi un cliché

para que puedas nombrar una canción después. Y si entras en Google y

escribes, te amo tanto o ella me dejó o ella nunca será

Volver de nuevo o casi cada línea. Puedes buscarlo en Google y

probablemente encontrarás cinco o diez canciones que también son

llamado exactamente lo mismo. Hay muchas maneras de decir algo y simplemente unir clichés es

básicamente rindiendo la voz, creo que [RISAS] a solo

entrando en el fondo. Nuevamente, para hacer referencia a Paul Simon, hizo

hace unos años, una clínica aquí en Berklee donde estaba hablando de la segunda

verso de una canción llamada Darling Lorraine. Y él dijo, se sentó y el primero

La línea que escribió fue en realidad un cliché sobre toda su vida, había sido un vagabundo. Y él dijo,
escribió esa línea y

pensó, hombre, eso es realmente un cliché. ¿Qué voy a hacer al respecto? Y decidió darle la vuelta. En la
siguiente línea,

él dijo, bueno, en realidad no. Siempre he vivido

cerca de mis padres Entonces, en realidad se dio cuenta

escribió ese cliché y luego decidió cómo manejarlo. Creo que es casi imposible
solo evite los clichés por completo y nunca escriba un cliché, pero creo

Es importante ser intencional al respecto. Si vas a escribir un cliché, haz

seguro de que lo que viene antes y lo que viene después llega a donde estás

no solo escribir un cliché después de un cliché, después de un cliché y hacer que la gente

Ni siquiera escucho la letra en absoluto. El número cuatro es guardar algo para

luego. La forma en que puedes saber si

no estás haciendo esto es si mirarás y cantarás

El primer verso y el primer coro. Si todo lo que vas a decir en el

Básicamente, la canción ya se dice cuando terminas el primer verso y

el primer coro, entonces podrías pensar en hacer

ese primer verso el tercer verso. O tomar algunas líneas de eso o decir, hacer algo donde hay

una razón para que nos quedemos. Si básicamente solo

nos dio toda la historia, toda la tesis de la canción en ese

primer verso y el primer coro, entonces ¿por qué deberíamos quedarnos para el segundo

verso, para el puente, para el último verso? Quieres tener algo que hacer

en eso va a avanzar la historia. Eso va a tener una diferencia

punto de vista al respecto. Tal vez va a traer

en un personaje diferente Tal vez nos das una diferente

ejemplo de que ese tema principal es. Así que piense en guardar algo para más tarde y realmente lo
logrará

más interesante para nosotros quedarnos. Y luego el número cinco es yo

quiero desafiarte a que intentes escribir un gran coro. Hay un viejo adagio entre los registros

productores, que es que un buen coro es algo con lo que puedes cantar

la segunda vez que viene Y un gran coro es un coro

que realmente estarás cantando antes de que llegue

hecho la primera vez Se produce una hormona

en el cerebro humano llamado oxitoscina, que se libera en diferentes situaciones,

incluso cuando las personas se hacen el amor, cuando las madres

están amamantando a sus crías. Y se llama la hormona de la confianza,

porque tiene la consecuencia de crear confianza entre las personas

quienes están presentes cuando se está produciendo. Curiosamente, esta oxitocina

La hormona también se produce cuando las personas cantan juntas. Entonces, puede ser realmente
poderoso

cosa para escribir un coro que va a tener

La gente canta juntos. Cuando trabajo con un joven cantante,

compositores, a menudo están un poco asustados al principio cuando sugiero que

Esta línea aquí es realmente buena. Es posible que desee repetir que tres

veces y convertir eso en un coro. Y cuando lo escribimos,

Lo ven escrito tres veces seguidas. Son un poco asustados. Están pensando, ¿podemos hacer eso?
Quiero decir, ¿no se supone que debemos

se le ocurra nuevo material? Y, por supuesto, está bien obviamente

hacer que esa misma línea ocurra algunas veces. De hecho, es realmente deseable. Los Beatles fueron
fantásticos.

sobre escribir grandes coros. Si piensas en Hey Jude,

por ejemplo, gran coro. Forma de canción muy innovadora,

Por cierto, me gustaría señalar. El coro no llega hasta casi

a mitad del registro y luego toda la segunda mitad del registro es

el coro una y otra y otra vez. De vuelta en el día en que The Beatles

en realidad estaban grabando y sacando discos de esa canción Hey Jude,

que es medio coro fue su single más vendido

siempre por un factor de aproximadamente 2.5. Entonces, algo sobre tener un gran

El coro no es algo malo. Y si piensas en eso

muchas canciones de los Beatles, son muy concisas. Tienen pocas palabras en el coro y

Tienen un tema central. Todo lo que necesitas es amor es un gran ejemplo,

también. Simplemente repite esa línea varias veces y luego la gira sobre su cabeza

un poco, y luego regresa. La banda de rock Queen,

cuando se acercaban y comenzaban a tener mejores conciertos y

apertura para actos más grandes. Se dieron cuenta de que los grandes actos

para los que estaban abriendo, sus audiencias cantaban

junto a sus canciones y en realidad se juntaron,

Freddie Mercury y Brian May. Y dicho, necesitamos escribir algunas canciones

que la gente realmente puede cantar junto con el coro si queremos

llegar al siguiente nivel Se fueron a casa después de decidir esto y

escribieron We Will Rock You, y escribieron We Are the Champions. Y ambos son fantásticos

cantos obviamente, y eso hizo exactamente lo que ellos

Esperamos que sea suficiente. Los llevó al siguiente nivel. Entonces, si nunca has escrito una canción

que realmente tiene un coro fuerte, tiene un coro que es tan pegadizo y tiene

pocas palabras que la gente pueda cantar al final de la primera vez

que aparece en la canción Solo te animo a que lo pruebes,

puede que realmente te guste La gente realmente podría responder a eso en

de una manera que podría ser una revelación para tu composición. Entonces, una vez más, usa el
lenguaje sensorial,

cuéntanos una historia, evita clichés, guarda algo para más tarde. No solo nos cuentes todo

en el primer verso y coro. Y finalmente, intente escribir un gran coro.

Crafting Better Melodies

Hablemos un poco sobre las melodías,

¿Debemos? Entonces hay un viejo dicho

ese movimiento crea emoción. Entonces si notas que tus melodías

Realmente no se están moviendo un poco. Es posible que desee hacer algo al respecto. Y podemos
hablar

sobre algunas estrategias Creo que mucha gente encuentra

la progresión de acordes que les gusta y comienzan a tratar de encontrar

algunas notas para agarrar. Y el problema es que

a veces te quedas atascado. [MÚSICA] Entonces, si notas que tu melodía es

solo permanecer en el mismo lugar, y que tal vez solo se aleje un paso. Eso no es mucho movimiento,
¿verdad? Entonces eso puede estar bien y

especialmente si es una canción donde está el cantante

realmente el corazón roto y sabes que son un poco emocionalmente

congelado, eso puede estar bien. Hablemos de algunas formas en que usted

puede hacer algo de movimiento. Y primero,

Tengo que dar un descargo de responsabilidad. No soy cantante, soy productor. Voy a estar cantando un
poco

solo para darte una idea. Entonces lo primero que podrías

quiero hacer es notar, está bien, esta es la nota en la que estaba aquí,

Este es el tercero aquí del acorde. Y estamos en la clave de C. Entonces podemos intentar algo

llamamos movimiento paso a paso. Entonces comenzamos aquí en el tercero, y hemos

Tengo la escala que puede subir y bajar. [MÚSICA] Así que ahora, incluso yendo paso a paso
movimiento,

así que empieza a mover la cosa. Una vez que comiences a intentarlo

algunas cosas diferentes que puedes obtener

movimiento paso a paso en su canción. Ahora lo siguiente que hay que intentar es conseguir

un poco más elegante que eso e intenta algunos intervalos, ¿de acuerdo? Entonces, los intervalos son
básicamente

omitiendo notas No vas paso a paso, pero

te estás saltando algunas notas. Y el primer lugar para comenzar es

tal vez con las notas en el acorde. Así que tenemos el acorde aquí,

y estamos en la E. Así que tenemos esta nota, que es E. Tenemos esta nota, que es G. Tenemos C.

Tenemos E, allá arriba. Así que en realidad podrías saltar. Tal vez podrías saltar de

que E justo allí a la C. Lo que sería un pequeño y agradable

manera de comenzar la melodía. [MÚSICA] >> Mucho mejor que simplemente colgar

en esa primera nota y simplemente colgando allí una y otra vez. Lo siguiente que quiero que pruebes

es probar una nota que no está en el acorde, ¿de acuerdo? Y llamamos a estas notas de fricción. Así que
aquí está el acorde. [MÚSICA]

¿Qué pasa si realmente comenzó en [MÚSICA] La nota que está justo al lado de eso? Y tienes algunos,
así que cada uno

puedes tener la siguiente nota en la escala. [MÚSICA] Entonces, si comenzamos aquí en la E,

que es un tercero, [MÚSICA]

¿Qué pasa si comenzamos con los cuatro? [MÚSICA] Esto va a ser un poco confuso, y
especialmente si, en la prosodia de la canción, si tal vez tu personaje

es un poco inestable o un poco inseguro de lo que está sucediendo,

no comenzar en un tono que está en el acorde podría hacer

Es un poco más misterioso. [MÚSICA] Escucha cómo se puso un poco

un poco de frotación allí? Nos estamos poniendo un poco

fuera del acorde allí. Y habrá notas como

esto al lado de cada tono de acorde. [MÚSICA] Y si estás en la G, [MÚSICA] O si estás en la C, [MÚSICA]
Así que comienza a mirar alrededor,

no solo tomes una nota y te quedes ahí. Y eso trae lo siguiente, que

es que si eres cantante, usa tu rango. Averigua qué tan alto puedes cantar. Averigua qué tan bajo
puedes cantar. Averigua cuál es tu nota alta y

su nota baja es No olvides tu falsete. Si eres un chico, piensa en

saltar a tu falsete y usar esa parte de tu rango también. Porque en última instancia, todo esto es

va a hacerlo mucho más interesante Entonces hablemos sobre dónde usar el rango. Ciertamente puedes
usar el rango

dentro de cada melodía, pero también puedes usar el rango para diferenciar

entre las diferentes secciones. Una de las cosas que

hace que un coro valga la pena a menudo será

en un rango diferente. Muchas veces el coro

se establecerá más alto. Entonces la canción puede comenzar con el verso en

un rango más bajo y luego, cuando llega al coro, el cantante salta

arriba en su registro superior. Algunos ejemplos de esto es Sam Smith, no eres el único, y

Las colinas de The Weeknd. El coro salta a otra parte de

el rango y puede ser muy efectivo y realmente parece que vale la pena. Ahora, también puedes tirar eso
sobre su cabeza. Quizás quieras el coro

ser más bajo que el verso. Mezclar. Hazlo con intención e intenta comenzar

obteniendo mucho más movimiento en tus canciones.

Arranging- Rule of threes

Una herramienta realmente efectiva, cuando

empieza a pensar en organizar la música que estará en tu disco,

es un concepto llamado La regla de los tres. Ahora, de nuevo, no hay reglas reales aquí,

pero estas son tendencias, y una vez que empiezas a pensar en el registro

de esta manera, puede ser muy, muy útil, en términos de tratar de organizar

lo que estás haciendo arreglo sabio. Y cuál es la regla de los tres

básicamente dice esto, es que la mayoría de los registros que realmente funcionan y son exitosos en
cuanto a arreglos,

básicamente tienen tres cosas pasando. Tienen la ventaja, que a menudo es

El vocal o el instrumento principal. Luego tienen una sección de ritmo que

realmente actúa como una unidad cohesiva, y tu mente puede

agrupar todo eso juntos. Y luego generalmente hay una cosa más,

y lo llamo el comodín, y eso puede ser lo único

esa no es la voz principal y no es la sección de ritmo,

Está haciendo otra cosa. Si piensa en algunos ejemplos, y

Te animo a que busques estos y los escuches. Un ejemplo realmente fácil para obtener su

la mente es Sultans of Swing de Dire Straits. Tienes esa sección de ritmo,

y están jugando tan bien juntos que no estás pensando

sobre la parte de batería separada, y la parte de bajo separada, y

La parte separada de la guitarra rítmica. La guitarra rítmica y el hi hat

están totalmente marcados juntos. El bajo y el bombo son solo

absolutamente acoplamiento de una manera muy, muy efectiva. Y simplemente forman esto realmente
genial

unidad cohesiva que tu cerebro puede decir, ese es el ritmo. Y luego tienes la voz principal

que cuenta la historia, y luego el comodín, en ese caso,

es la guitarra principal de Mark Knopfler y eso le está dando al otro

interés en la canción Y esas tres cosas son realmente

trabajando juntos de manera muy efectiva para hacer esta grabación. Lo interesante es que no

solo grabaciones de música popular. La mayoría de las sinfonías de Beethoven son realmente amables

de adherirse a la Regla de los Tres, si la escuchas. Tienes la parte principal que va

adelante, tienes algo en el ritmo, tienes algo más que hacer. Y todos estos se entrelazan para hacer todo

tipo de cosas geniales, y parece muy, muy complicado, y aun así,

realmente podemos descubrir qué está pasando. De que estamos hablando aqui

se trata de la carga cognitiva. ¿Cuántas cosas pueden tener los seres humanos?

sucediendo en su cerebro al mismo tiempo. En términos de algunos otros ejemplos que

son quizás un poco más complejos, los invito a escuchar

Soy la morsa de los Beatles. Ahora, este es uno donde

el comodín sigue cambiando. Y si escuchas esto cuidadosamente, primero notarás que el ritmo

la sección mantiene el pulso de esta nota cuarto, y tan palpitante en esta nota cuarto

pulso, y es un poco fascinante. Pero también realmente mantiene

esa sección rítmica enfocada. Tienes la voz principal, John Lennon,

eso está muy distorsionado, y las letras son muy extrañas. Y luego el comodín tiende a desaparecer

entre estas líneas de cello muy extrañas. Y este coro de voces

que suben y bajan. Y muchas veces en realidad está siendo

entregado entre estas cosas. Y a veces oirás, si analizas

esto, oirás que los violonchelos cambian entre ser el comodín, donde están

haciendo todo tipo de glissandos, para luego ir directamente al pulso de las notas negras

y convertirse en parte de la sección de ritmo. Como otro elemento toma

como ese comodín. Entonces es realmente interesante

Lo que hay que analizar si realmente quieres saber cómo

Se puede hacer de una manera más complicada. Un ejemplo más contemporáneo sería

ser algo así como Uptown Funk. Si escuchas eso,

la sección de ritmo está bien junta. Tienen un ritmo realmente constante,

el bajo, la guitarra y la batería están juntos, y

entonces tienes la voz, obviamente. El comodín va entre

siendo las voces de fondo, como las voces de pandillas, y los metales y

todas esas cosas se mezclan y forman un equipo realmente unificado,

registro de sonido unificado. Entonces, pensar en esto puede ayudarte

cuando estás organizando el registro en primer lugar. También puede ayudarte cuando estás
voy a organizar la mezcla También puede ayudarte cuando

estás editando pistas y tratando de hacer cosas

jugar bien juntos Y especialmente puede ayudarte

cuando intentas decidir, ¿cuáles son las cosas que yo

tal vez debería deshacerse de él. A menudo, cuando estás en una pista múltiple

situación de grabación, y está agregando pistas, y

estás agregando pistas, las personas entran y hacen la pregunta, caramba,

¿Qué necesita este registro? Y creo que es mucho más válido.

La pregunta es qué podemos dejar fuera de este registro. ¿Hay demasiado allí y tener la regla de la
razón por la cual

puede ayudarte a resolverlo. ¿Sabes que? Esto realmente no funciona como comodín,

esto realmente no encaja con la sección de ritmo, veamos qué

sucede si silenciamos esto. Así que piensa en esta Regla de los Tres,

Creo que realmente puede ayudarte. Realmente me ayudó, y sé que es

ayudó a mucha otra gente Piense en cómo organizar el arreglo. Ahora, si solo eres un cantautor,

si solo estás grabando solo tú y tu guitarra, no

tiene que llenar las tres cosas. De acuerdo, puedes tener una regla de dos en

tu caso, o puedes cantar acapella y solo hacer una cosa,

y eso puede ser súper efectivo. No estoy diciendo que esta regla de

Tres es realmente una regla dura y rápida. Pero generalmente es una forma de organizar

conjuntos de jugadores y solistas en una forma donde cognitivamente, los seres humanos son

voy a responder de manera positiva.

The Sonics of Your Signature

Mientras estás definiendo la firma sonora

del registro que vas a hacer Quieres preguntarte qué haces

quieres que suene este disco? ¿Cómo encaja el sonido en la prosodia?

de lo que estás tratando de lograr? ¿Ya tienes un sonido en tu cabeza? En el sonido está el intérprete en
el escenario. ¿En qué tipo de pasillo están? ¿O es el intérprete dentro de tu cabeza?
hablando directamente a tus pensamientos? ¿O acaso esto es una charla de almohadas?

entre dos amantes? O, tal vez, en la calle.

cantando a los transeúntes. Piensa en lo que tu

Quiero que suene como. Además, ¿es esto moderno?

estilo de producción tal vez? ¿O es un estilo de producción de

los 60 o los 70 o los 80 o los 90. Es una buena idea, si tienes una idea de

a qué tipo de sonido de producción quieres ir, que escuchas y

sumérgete en los registros de esa época. Y realmente nota cuáles son los sonidos,

¿Qué instrumentos se utilizan? ¿Y qué tipo de instrumentos,

¿Cuáles son los sonidos de ellos? Probablemente puedas obtener un largo

incluso utilizando instrumentos midi. Y algunos de ellos incluso están etiquetados,

60 Rhodes piano o algo así. Para que puedas encontrar los sonidos que eres

buscando, si tienes la intención en mente y sabes de qué se trata

que intentas encontrar ¿Y qué tal el general

¿Sonics del disco? ¿Qué tan brillante quieres que sea el disco? Los registros más populares son muy,

muy brillantes, y se han vuelto más brillantes a medida que

Las décadas han pasado. Mediante el uso de realmente

micrófonos brillantes, e incluso amplificando

El extremo superior del disco. Pero tienes que tener cuidado con algo llamado sibilancia cuando

comienzas a ponerte muy brillante. ¿Cuál es el s y

cosas como esa saliendo. Entonces, ¿qué tan húmedo o

seco quieres que sea tu disco? La humedad es generalmente la cantidad de reverberación o

retraso o eco está en el registro. ¿Cuánto suena como si fueras

en un gran salón o una catedral o una caverna o algo así. Vamos a hablar esto

semana sobre la humedad y conseguir algo de ambiente en el registro, incluso

Si está utilizando la grabación de un solo punto. Entonces estás grabando con tu teléfono o

su computadora portátil Pero entonces, también puede hacer esto,

por supuesto, en tus herramientas digitales. Y no solo reverberaciones y retrasos, sino compresión, que
es algo
eso limita el rango dinámico. Y al principio eso puede sonar como

No es una gran cosa para hacer con tu música. Pero esto ha sido algo que hemos

estado haciendo música desde que comenzamos a grabarlo. Y ha sido un elemento básico de

música grabada a lo largo de los años 40, 50, 60, 70 y más. Y ahora la mayoría de las grabaciones que
creciste

escuchando para tener compresión como un componente en ellos. Y aprendiendo a usar

Eso también es importante. Hay tantas herramientas en nuestro

eliminación en este momento en términos de dominio digital, y

No son muy caros. También hay muchas herramientas que incluyen

aquí en Coursera y Berklee Online. Donde puedes aprender a usar

todos estos efectos diferentes, todos estos dispositivos diferentes,

para hacer tus grabaciones aún mejores. Entonces piensa en lo que quieres

su disco para sonar y por qué, y

luego ve tras ese sonido con intención.

Acoustic Spaces and Mic Placement

Este es un espacio seco, y

Este es un espacio húmedo. Hay ventajas y

desventajas para ambos. En un espacio seco los reflejos

de las paredes y los techos y

El piso es un problema menor. Esto pone el foco un poco

más sobre la señal directa y le brinda más opciones más adelante. En un estudio de grabación, te das
cuenta de que

siempre puede marcar algunos ambientes más tarde. Puedes agregar algo de reverberación, puedes
agregar algo de retraso y en un espacio húmedo,

Hay muchas más reflexiones. Saliendo de la pared

El techo, el piso. Y tienden a suavizar las cosas

un poco, pero también tienden a nublar la señal y

hacer las cosas un poco menos inteligibles. Hablemos un poco sobre

Colocación del micrófono. Cuanto más te acercas

el micrófono menos de la habitación o el ambiente del espacio

vas a conseguir Además, cuanto más te acercas, más

presente el instrumento va a sonar. Así que comencemos haciendo algo

micrófonos extremadamente cercanos, para que pueda escuchar lo que es

va a sonar como Y ahora solo escucharás este micrófono. [MÚSICA] Entonces, cuando estás tocando una
guitarra,

en primer lugar, realmente quieres experimentar

con entrar allí. Acércate mucho. Solo dentro de un par de pulgadas. Tendrás mucha presencia. Ahora
eso puede no ser un gran sonido para

tu guitarra particular, eres un micrófono particular o

La canción que estás haciendo. Pero es algo para experimentar

con porque tienes mucha presencia de esa manera. Tienes que prestar mucha atención

al micrófono para que no lo golpees, y luego también debes quedarte

la misma cantidad de espacio lejos de ella. Eso está muy cerca y

tiende a darte mucha presencia. Ahora me he echado atrás

El micrófono solo un poco. Tengo entre seis pulgadas y

un pie entre yo y el micrófono. Y eso va a dar un poco menos

presencia, un poco más de ambiente. Un poco más de aire en la señal. [MÚSICA] No parece que sea eso

lejos del micrófono ahora, pero esto está bastante lejos si lo estás intentando

grabar una guitarra con un micrófono. Y vas a encontrar que tenemos

mucho más ambiente en la sala aquí, y un poco menos de presencia y

más tono de habitación o ruido de habitación, también. Pero también puede ser un sonido más
agradable

de alguna manera porque obtenemos ese bit extra de reverberación y reflexión. [MÚSICA] Así que ten
en cuenta que siempre puedes agregar

reverb, pero no puedes quitártelo. Si tiene reverberación en la señal, usted

tiene tono de habitación en la señal, está ahí. Si estás más cerca del micrófono, siempre puedes hacer
que parezca que estás

más lejos agregando reverberación más tarde, pero no podrás

sacar la reverberación de la señal. Entonces, si tienes alguna duda

sobre cuánta reverberación es, es correcto, es posible que desee obtener

un poco más cerca del micrófono, solo porque siempre puedes arreglar eso

alterarlo un poco en la postproducción. Pero no puedes tomar reverb

lejos una vez que está en la señal.

Microphone Types and Pick Up Patterns

Tipos de micrófonos y patrones de captación

Micrófonos Dinámicos

Los micrófonos dinámicos se usan con mayor frecuencia en aplicaciones de sonido en vivo, pero siguen
siendo populares en estudios de grabación para ciertas aplicaciones. La mayoría son relativamente
baratos en comparación con condensadores y cintas. Una de las leyes básicas de la electrodinámica (que
es cómo el micrófono dinámico recibió su nombre) establece que se generará una corriente eléctrica
cuando un conductor eléctrico cambie de posición con respecto a un campo magnético. Para aprovechar
este principio en un micrófono, se conecta un conductor eléctrico al diafragma, que a su vez está
rodeado por un poderoso imán permanente.

Micrófonos de condensador

En el micrófono de condensador más simple, la cápsula consta de dos elementos: una placa conductora
fija (típicamente llamada placa posterior) y un diafragma conductor paralelo a la placa que puede vibrar
libremente en respuesta al sonido.
En general, los micrófonos de condensador son más sensibles que los micrófonos dinámicos y tienen
una respuesta de frecuencia más amplia. Requieren potencia fantasma para captar una señal. En
comparación con otras tecnologías de micrófono, los condensadores se pueden configurar para ofrecer
la mayor versatilidad en la respuesta direccional. El par de diafragmas te da dos micrófonos en uno, pero
¿qué haces con ellos? ¡Mucho! Sus salidas se pueden combinar para crear una amplia gama de
respuestas direccionales netas.

Micrófonos de cinta

Los micrófonos de cinta utilizan el mismo mecanismo de transductor fundamental que los micrófonos
dinámicos: un conductor eléctrico vibrante atraviesa un campo magnético fijo, creando así un flujo de
corriente análogo a la vibración. La diferencia es que se usa una tira de metal corrugada estrecha (la
"cinta" en sí misma) en lugar de una bobina de metal. De hecho, la cinta reemplaza tanto la bobina
como el diafragma flexible. Es tanto el elemento vibratorio como el conductor:
En su forma clásica, un micrófono de cinta exhibe la misma sensibilidad a lo largo de la dimensión axial,
así como 180 grados fuera del eje. Algunos micrófonos de cinta han sido diseñados con respuestas
unidireccionales. Por lo general, esto se realiza mediante la adición de un laberinto acústico y un sistema
de amortiguación en la parte posterior de la cinta, aunque en algunos casos los fabricantes han
construido versiones cardioides con elementos duales que combinan una cápsula sensible a la presión
junto con el gradiente de presión de la cinta. Por supuesto, todavía es difícil hacer el segundo elemento
con un mecanismo de cinta, ya que su parte posterior debe estar sellada para responder a la presión.