6. «Ни дня без кисти», Кэрол Марин

НИ ДНЯ БЕЗ КИСТИ
C A RO L M A R I N E
D A I LY PA I N T I N G
Paint Small and Often to Become
a More Creative, Productive,
and Successful Artist
WAT S O N - G U P T I L L P U B L I CAT I O N S
Berkeley
КЭРОЛ МАРИН
НИ ДНЯ БЕЗ КИСТИ

Как рисовать часто и понемногу,
сохранять свежий взгляд, не бояться экспериментов,
быть уверенным и свободным в творчестве
Перевод с английского Екатерины Петровой
МОСКВА
«М А Н Н, И В А Н О В И Ф Е Р Б Е Р»
2017
УДК 75.02
ББК 85.14
М26
Научный редактор Юлия Ованесян
Издано с разрешения
The Crown Publishing Group, a division of Penguin Random House LLC
На русском языке публикуется впервые
Марин, Кэрол
М26 Ни дня без кисти. Как рисовать часто и понемногу, сохранять свежий взгляд, не
бояться экспериментов, быть уверенным и свободным в творчестве / Марин, Кэрол ;
пер. с англ. Е. Петровой ; [науч. ред. Ю. Ованесян]. — М. : Манн, Иванов и Фербер, 2017. —
192 с. : ил.
ISBN 978-5-00100-304-5
Художница Кэрол Марин обращается к тем, чей страх пересиливает желание

заняться живописью. Всего три простых правила — рисовать как можно чаще, делать
это регулярно и начать с картин маленького формата — помогут вам реализовать себя
в живописи, сделав ее приятным и даже доходным занятием.
УДК 75.02
ББК 85.14
Все права защищены. Никакая часть данной книги не может быть

воспроизведена в какой бы то ни было форме без письменного
разрешения владельцев авторских прав.
ISBN 978-5-00100-304-5
© 2014, text and photographs by Carol Marine
This translation published by arrangement with Watson-Guptill
Publications, an imprint of
the Crown Publishing Group, a division of Penguin Random House LLC
© Перевод на русский язык, издание на русском языке, оформление.
ООО «Манн, Иванов и Фербер», 2017
Оглавление
В В Е Д Е Н И Е 9
Г Л А В А 1 11 Г Л А В А 7 109
Как ежедневная живопись Композиция
изменила мою жизнь
(и может изменить вашу!) Г Л А В А 8 128
Свободная техника
Г Л А В А 2 31 при работе с маслом
Принадлежности для живописи
Г Л А В А 9 144
Г Л А В А 3 42 Борьба с творческим кризисом
Объект имеет значение
Г Л А В А 10 169
Г Л А В А 4 68 Репродукция и компьютерная
Тональные соотношения обработка живописи малого формата
Г Л А В А 5 74 Г Л А В А 11 175
Смешивание цветов Как успешно продавать
картины через интернет
Г Л А В А 6 90
Рисование и пропорции
У всех нас есть некая художественная жилка,
поддающаяся развитию, и тренировать ее
нужно как можно чаще, чтобы она становилась
сильнее, а результаты — лучше и стабильнее.
Кэрол Марин
Введение
На заре своей карьеры я получила совет профессионального художника
писать каждый день. Он сказал, что это единственный способ творческого
развития. Этот совет я проигнорировала не задумываясь и продолжила
инертное существование голодного художника.
В 2006 году все изменилось. Тогда я узнала о движении «ежедневная

живопись», участники которого задались целью почти ежедневно созда-
вать живописную миниатюру и выставлять ее на продажу через интернет.
До этого момента мой творческий путь состоял из разочарований. После
прозрения, случившегося в 2006-м, я не только быстро усовершенство-
вала навыки, но и стала развиваться профессионально, а также создала сайт
dailypaintworks.com, который быстро обрел популярность. И теперь с гордо-
стью могу сказать, что голодать мне не приходится!
На первый взгляд, идея ежедневно писать картину может показаться невы-

полнимой, но уверяю вас, что здесь нет строгих правил и требований. И когда
я говорю, что следует писать «каждый день», я скорее имею в виду «часто»,
просто «Художники, которые пишут часто» — не самое привлекательное
название для зарождающегося движения! Конечно, лучше делать это еже-
дневно, но немногие из нас готовы уделять искусству так много времени.
Движение художников, пишущих ежедневно, еженедельно, ежемесячно или
периодически. Что же между ними общего? То, что они стремятся писать как
можно чаще, не увязают в перфекционизме, прокрастинации и несметном
числе других причин, из-за которых мы зачастую не можем приступить
к работе.
В ежедневных занятиях живописью множество положительных сторон,

и в создании живописи малого формата (не обязательно только миниатюр)
также много преимуществ. В формировании навыков создания композиции,
анализа тональных соотношений, работы с цветом и краской и т. д. малый
формат играет не меньшую роль, чем корпение несколько недель над объ-
емной картиной. Работа над миниатюрой отнимает примерно час, для нее
несложно выделить время в насыщенном ежедневном расписании, а в случае
неудачи трагедия не будет столь ощутимой. Впоследствии все приобретенные
знания и навыки, (а если повезет, и ваши маленькие шедевры будут иметь
успех, то еще и уверенность) пригодятся в работе над большой картиной.
Выражение «малый формат» для разных художников имеет разное значение.

Многие «ежедневники» (включая меня) комфортно чувствуют себя на про-
странстве 15 × 15 см, но этот размер не является общим стандартом. Кто-то
Сияние розы. 2012. Масло, МДФ. 15 × 15 см
9
предпочитает совсем крошечные работы, кто-то покрупнее, но большинство выби-
рает размеры произвольно в зависимости от сюжета, настроения и других причин.
Также нет никаких правил в отношении материалов или объектов: в вашем

распоряжении масляные краски, пастель, коллаж, уголь и любые другие
материалы.
Можно выбрать любой жанр — натюрморт, портрет, городской пейзаж,

абстракцию. Можно нарисовать кошку. В этом еще один плюс малого фор-
мата: в ы абсолютно свободны в своих действиях! Сегодня возьмитесь напи-
сать три натюрморта с яблоками, завтра — портрет собаки пастелью, после-
завтра — две версии акварельного рисунка с деревьями во дворе, и так
бесконечно. И это никогда не наскучит!
Многие художники используют блог для наблюдения за творческим ростом

и показа работ. Его легко завести, нетрудно обновлять, и это бесплатно. Даже
если вы не планируете продавать картины, с его помощью можно подру-
житься с коллегами, и это потрясающе! Мы, художники, частенько проси-
живаем целые дни в мастерской, и наши работы видят только супруги, дети
и домашние животные. И хотя, конечно, они желают нам добра, но иногда
высказываются не слишком лестно. Мой «любимый» вопрос, который
я часто слышу от мужа: «Это законченная картина?» В блоге же я ежедневно
получаю положительные комментарии (в основном от других художников),
которые помогают не падать духом. Контакты, налаженные с помощью блога,
очень способствовали моей карьере.
В то время как множество галерей закрывается, интернет предлагает худож-

никам новые неограниченные возможности. Потенциальным рынком сбыта
становится весь мир, тогда как галерею для покупки картины необходимо
посетить лично. Можно напрямую общаться с покупателями, и это дает лучшее
понимание спроса. А самое большое преимущество состоит в том, что пере-
плачивать за услуги галеристов больше не нужно ни нам, ни покупателям!
Для меня эта книга — возможность поделиться с вами ценными знаниями,

которые я приобрела в процессе занятий ежедневной живописью: это свой-
ства художественных материалов, правила смешивания цветов, развитие
наблюдательности, создание репродукций и способы продаж через интернет.
Вы найдете здесь много картин других художников, демонстрирующих воз-
можности разных материалов и потенциал сюжетов.
Итак, с 2006 года я занимаюсь живописью ежедневно и не собираюсь пре-

кращать. И если вы серьезно настроены на развитие своих навыков, повы-
шение продаж и расширение контактов в художественной среде, советую
последовать моему примеру!
10 Ни дня без кисти

1 Как ежедневная живопись
изменила мою жизнь
(и может изменить вашу!)
Моя история
Я родилась в небольшом техасском городке в купольном доме с флигелем,
курами, козами. В очень креативной семье. Родители поощряли нас сле-
довать за своей мечтой. Они говорили, что, возможно, мы не разбогатеем,
но, занимаясь любимым делом, по крайней мере, не будем испытывать
нужды. И будем счастливы. Страсть к искусству кипела в моей крови с тех пор,
как я себя помню, поэтому по окончании школы я поступила в Техасский уни-
верситет в Остине.
К сожалению, в университетском обучении имелись серьезные недостатки.

Преподавателям было интереснее рассуждать о политике, чем о технических
приемах в живописи. Я ни разу не попала на лекцию о тональности, композиции,
теории цвета, не говоря уже о теме «Как продавать произведения искусства».
Зато я узнала, что «настоящим» художником можно стать лишь тогда, когда
Ханна. 1999. Масло, холст. начнешь писать большие картины, научишься делать подрамники, натягивать
76 × 91 см.
и грунтовать холст. Излишне говорить, что все это требует времени, поэтому
Моя любимая картина со времен
колледжа — портрет кузины Ханны. создание моей первой картины длилось две недели. Она была ужасной
(по сути, я так и не обучилась живописи), и на душе скребли кошки.
Каждое утро я просыпалась с мыслями: «Чем сегодня заняться? Пойти

в студию и написать еще одну плохую картину или… прибраться в доме?»
В итоге выбирала уборку или какое-нибудь другое занятие, избавляющее
меня от посещения студии. Чем больше я избегала рисования, тем больше
меня мучило чувство вины, вгоняя в еще бóльшую депрессию. Вот так
я пошла за своей мечтой, исполнение которой должно было сделать меня
счастливой, а получилось наоборот.
Время, затраченное на живопись, оказывалось непродуктивным. Я пыта-

лась сосредоточиться на портретах и для портфолио написала нескольких
друзей и соседей. В один прекрасный день, по наитию, я отправила письмо
11
одному из своих любимых художников, Майклу Шейну Нилу, с просьбой дать
мне совет.
Я была потрясена, получив от него через две недели письмо от руки на трех
страницах, наполненное ценнейшей информацией. В конце послания Майкл
написал: «Лучший способ отточить навыки живописи — заниматься ею
каждый день». Я подумала: «М-да, что-то подобное я уже слышала», — и про-
игнорировала лучший совет, который когда-либо получала.
За этим последовали годы настоящей борьбы. Я бралась за краски, когда

чувствовала себя слишком уж виноватой, но находила любую причину,
чтобы ускользнуть из студии. Я занималась разными поделками с моими
двумя падчерицами. В течение двух лет я пыталась перейти на веб-дизайн.
Мэдди. 2002. Масло, холст. 110 × 81 см.
К сожалению, вскоре последовало банкротство доткомов (и о чем я только
Портрет моей падчерицы Мэдди в 6 лет.
думала?!), и мне так и не удалось закрепиться на этом поприще. За несколько
лет я все же провела в студии достаточно времени, чтобы самостоятельно
выработать технику и выучиться основам художественного мастерства. Мой
стиль был тяжеловесен, я все еще писала масштабные картины, бóльшая
часть которых оставляла желать лучшего, но мало-помалу я двигалась
вперед.
В один прекрасный день я поставила перед собой цель: за шесть месяцев

написать десять (в лучшем случае) прекрасных картин, а потом отнести
их в свою любимую галерею в городе. Если их не возьмут, то подыщу себе
другое занятие. Выучусь на парикмахера например.
Итак, я написала десять картин и отнесла их в галерею. Ее владелица была

очень рассеянна и долго разглядывала мои работы, но в конце концов
попросила оставить несколько. Не успела я вернуться домой, как она позво- Голубой понедельник. 2004. Масло,
нила мне с новостью, что только что продала одну из них! Так я стала писать холст. 56 × 162 см.
картины для этой галереи. К сожалению, я столкнулась с той же проблемой, Одна из моих первых галерейных
что и раньше: продавалась, возможно, одна картина из трех, а на другие ухо- картин, на которой изображен
центр Остина. В то время я писала
дило много средств и времени. Денег хватало лишь на покрытие расходов
много городских пейзажей.
на живопись, на жизнь ничего не оставалось.
Через некоторое время я опять стала искать всяческие предлоги не захо-

дить в студию. Имея кучу времени, появлялась там лишь пару раз в неделю.
Приблизительно в это же время мы с мужем усыновили Джейкоба. Появился
предлог, чтобы вообще не заниматься живописью, — я же должна ухаживать
за ребенком!
Когда сыну было около полутора лет, мой друг прислал статью о ежедневной
живописи. Идея ежедневной живописи впервые завоевала популярность
Розовый цветок в банке. 2004. Масло, холст. 86 × 102 см.

Галерейная картина: таких натюрмортов с большими цветами в банке я написала довольно много.
Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 13

благодаря художнику Дуэйну Кайзеру, который побывал в ситуации, схожей
с моей (только без малыша на попечении). Он продавал некоторые кар-
тины галереям, но вырученных денег на жизнь не хватало. Однажды кто-то
предложил ему написать небольшие этюды к своим большим картинам.
В один прекрасный день Дуэйн устроил грандиозную вечеринку, пригласил
всех знакомых и продал эти работы по 100 долларов за каждую. Это был
огромный успех, и Дуэйн решил вынести затею в интернет. Он создал блог
под названием «Одна картина в день» и выложил все маленькие картины
на eBay со стартовой ценой в 100 долларов. Неожиданно его финансовые
дела пошли на поправку, а другие художники подхватили идею.
Я рассказала эту историю мужу, и он посоветовал мне сделать то же самое.
Но меня грызли сомнения: наверняка и здесь, как и во всем остальном,
ничего не получится. Но муж продолжал тормошить меня и подбадривать:
«В конце концов, что ты теряешь?» Тогда я заказала несколько небольших
деревянных панелей для живописи и, когда сын заснул, взяла краски
и нарисовала несколько луковиц. Стиль живописи был тот же, что и раньше,
несколько тяжеловатый. На картину ушло два часа. Результат, а равно и сам
Дуэйн Кайзер. Автопортрет процесс, я возненавидела. Эта картина не сохранилась — я тут же ее стерла.
в выпуклом зеркале. 2013. Масло,
бумага. 15 × 20 см. Я не собиралась повторять этот опыт, но на следующий день ребенок снова
Дуэйна считают родоначальником заснул, неподалеку лежали неиспользованные панели… И я принялась рисо-
ежедневной живописи.
вать, причем в новом стиле, который раньше не осмеливалась пробовать
на больших дорогих полотнах. В конце концов, что я теряла?! Я поставила
обычное яблоко и через двадцать минут стерла его. А после этого просто
играла с красками. К окончанию тихого часа у меня уже было нечто, чему
я могла порадоваться. Не шедевр, но работа меня захватила. Рисовать было
одно удовольствие, и вот еще что: за час мне удалось написать картину,
которую хотелось показать!
Когда муж вернулся с работы, я вся дрожала от возбуждения: «Завтра опять

буду рисовать! И на следующий день тоже!». Внезапно будущее предстало
в радужных тонах.
Начав часто писать небольшие картины, я обрела свободу эксперименти-

рования — каждый день начинала совершенно новый проект. Меня больше
не угнетало огромное количество вещей — теперь я могла нарисовать их
все, причем пятьюдесятью разными способами (а может, и больше). Если
Яблоко. 2006. Масло, бумага. 15 × 20 см. какая-то тема или стиль мне не совсем удавались, что ж, я не парилась. Ведь
Моя первая «ежедневная» картина. на каждую картину уходила лишь небольшая часть дня.
Зонтичный цветок. 2007. Масло, деревянная панель. 15 × 20 см.

Страх неудачи исчез, точнее, почти исчез. На самом деле, немножко страха
должно оставаться. Теперь у меня нет предлогов избегать студии, и каждое
утро я просыпаюсь с искренним желанием оказаться там побыстрее.
Депрессия тоже прошла.
Поразительно, но менее чем за год я создала двести картин — больше,

чем за последние пять лет! Я выкладывала их в блоге в хронологическом
порядке и теперь мне легко заглянуть в самое начало. В этих двухстах кар-
тинах я увидела больший прогресс, чем за прошедшие годы!
Благодаря такому счастливому обстоятельству, как дневной сон моего

сына, у меня появилось время на живопись, и я рисовала либо в этот про-
межуток, либо не рисовала вообще. Повседневные занятия обрели струк-
туру. Блог как бы накладывал определенные обязательства. Если я пару дней
его не обновляла, люди начинали спрашивать: «Что случилось? Почему нет
картин?» Ну да, в основном это писала моя мама. И тем не менее.
После нескольких дней, а то и недель работы над большой картиной мне

было сложно признаться, что она не годится для галереи. Я сильно расстраи-
валась и занималась самообманом, всячески убеждая себя, что картина
хороша. В живописи небольшого формата каждая панель стоит около дол-
лара, а работа над картиной занимает от одного до трех часов. Теперь я без
проблем могу сказать: «Эта картина не получилась», стереть ее и начать
новую. Иногда я пишу одну картину несколько раз, усовершенствуя ее.
Я больше не привязана эмоционально к своим произведениям, как раньше.
Я переношу уничтожающую критику более стойко, чем раньше… По крайней
мере, бóльшую часть критики (на эту тему я с мужем не разговариваю).
Вот так тыква! 2007. Масло, Благодаря тому, что в каждой картине теперь меньше эго, сам процесс живо-
деревянная панель. 15 × 15 см. писи доставляет гораздо больше удовольствия. У меня как художника приба-
вилось уверенности, что повлияло и на другие сферы жизни.
После нескольких месяцев ежедневной живописи я занялась маркетинго-

выми аспектами этого предприятия. Я присоединилась к онлайн-галерее,
выставила на продажу картины на eBay и обменялась ссылками с другими
художниками (больше об этом — в главе 11). Наконец, я начала продавать
работы через свой блог. Вначале дело шло довольно медленно, но затем
популярность моих картин возросла, и на некоторые я даже повысила цену.
Я научилась зарабатывать на жизнь в мире, где художнику это сделать так же
сложно, как взобраться на Эверест!
К этому времени многие художники присоединились к движению «еже-

дневной живописи», создавая блоги на бесплатном ресурсе Blogger (blogger.
com), где все желающие могут обсуждать картины. На сегодняшний день

сформировалось (и продолжает расти) огромное сообщество «ежедневных»
художников. В то время как большинство художников считает свою работу
уединенным занятием, мы нашли площадку, на которой можно делиться своим
искусством друг с другом и со всем миром. Мне трудно передать то ощущение
огромной поддержки, когда, выложив картину в интернете всего несколько
часов назад, вдруг получаешь отклик от коллеги!
Приблизительно через полгода я получила первое приглашение провести

мастер-класс. Я объявила об этом в своем блоге, и тут же последовало
второе приглашение. Один парень из Сакраменто позвонил мне и спросил:
«Я вижу, ты проводишь мастер-класс в Санта-Фе, может быть, проведешь
и у нас?» Вскоре подобные приглашения стали приходить как из Америки,
так и со всего мира, и от части из них мне уже приходилось отказы-
ваться! Благодаря регулярным занятиям мастерство возрастало, а с ним
росла и уверенность в своих силах. Раньше эта мысль меня бы просто
рассмешила.
Завтрак. 2009. Масло, дере-
Спустя год мои картины продавались уже довольно хорошо, но я ломала вянная панель. 15 × 15 см.
голову, как выйти на более высокий уровень. Подумывала о печатной
рекламе, но цены на нее заоблачные. В 2008 году с помощью мужа-про-
граммиста я решила запустить онлайн-галерею вместе с другими худож-
никами, где мы могли сообща провести рекламную кампанию. Так родился
сайт dailypaintworks.com. Вначале участников было всего лишь двенадцать,
вместе мы оплатили ежемесячную рекламу на четверть страницы в American
Art Collector.
В 2010 году муж потерял работу, и мы с ним решили сфокусироваться

на этом сайте, превратить его в нечто выдающееся. Добавили функцию
аукциона, чтобы художники могли сами реализовывать картины, не платя
высокие комиссионные eBay, а затем открыли членство для всех, желающих
продавать оригинальные произведения.
В этот сайт мы вложили все, что я вынесла из своих занятий ежедневной

живописью, все идеи, как сделать его работу успешной. Хотя там нет жюри,
у нас замечательное сообщество художников, и каждый волен делиться
своими комментариями так часто, как того пожелает. Что бы участ-
ники ни выложили в своем блоге, это автоматически будет отображаться
на первой страничке Daily Paintworks в течение одного дня (а в архиве оста-
нется навсегда) со ссылкой для покупателя, возможностью посмотреть кар- Королевская процессия. 2010. Масло,
тину в увеличенном виде и найти ее в списке картин в персональной галерее деревянная панель. 15 × 15 см.
художника. Мы также придумали дополнительные инструменты, такие
как «картина недели», ежемесячный конкурс, место для обмена критиче-
скими суждениями, возможность давать и получать комментарии, сетку для

отслеживания продаж и непроданных картин, онлайновый раздел обучения
под названием «Артбайты» и многое другое.
В первые годы занятий ежедневной живописью я также продала более

крупные картины различным галереям. Галерейщики беспокоились, что
мои аукционы помешают их продажам, но я заверила их, что наши миры
не соприкасаются. В галереи отправлялись картины больше формата
20 × 25 см, а картины меньшего размера я продавала онлайн. (Оглядываясь
назад, думаю, что могла бы полностью отказаться от посредничества галерей,
но в мозгу застрял стереотип , не позволивший это сделать.)
Благодаря сайту и блогу я приводила в галереи новых клиентов, и подобным же

образом, выставляя картины в галереях, приобретала их для сайта. Конечно,
для некоторых художников продажи через галереи — основной способ реали-
зации своих работ. После того как с некоторыми галереями возникли разно-
гласия по поводу оплаты, я решила полностью перейти на продажу больших
и малых работ онлайн. И хотя я выставляю меньшую цену, зато продаю все
до единой картины без выяснения, кто кому должен.
Через онлайн-площадку ушли и большие картины, но все же маленькие про-

даются лучше. Люди скорее готовы потратить небольшие суммы на миниа-
тюры, которые легко увидеть на экране компьютера, чем приличные сред-
ства на объемные произведения.
Я занимаюсь ежедневной живописью более шести лет, и она полностью

преобразила мою жизнь и работу. Однажды подруга попросила меня поде-
литься профессиональным секретом, что нужно делать, чтобы быстро достичь
хороших результатов. Но никакого секрета нет. Просто у всех нас есть некая
Сюрприз. 2012. Масло, дере- художественная жилка, поддающаяся развитию, и тренировать ее нужно как
вянная панель. 15 × 15 см. можно чаще, чтобы она становилась сильнее, а результаты — лучше и ста-
бильнее — как мышцы после физических упражнений. Если это и есть секрет,
то он единственный!
Польза частых занятий

Я рассказала о том, что произошло со мной, — я живой пример того, что еже-
дневная живопись может изменить и вашу жизнь и карьеру. Но если у вас
все же остались сомнения, позвольте мне привести весомые аргументы:
− Ежедневная живопись подходит для очень занятых людей. А мы все

очень заняты. Мы ходим на работу, уделяем время семье, занима-
емся домашними делами. Мысль, что все это нужно совместить с заня-
тиями живописью, покажется устрашающей (если только не отклады-
вать эти занятия со дня на день). Но если вы сможете найти уголок
Угроза. 2011. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

для рисования (совсем небольшой, ежедневная живопись не зани-
мает много места), если все необходимое уже приготовлено и у вас уже
вошло в привычку создавать одну небольшую картину каждый день,
тратя на это не больше часа, то страхи улетучатся сами собой.
− Появляется желание экспериментировать. Большую картину хочется

побыстрее закончить, в особенности если предстоит отдать ее в галерею
или на выставку. Тут уже не до экспериментов. А работа над маленькой
картиной позволяет каждый раз вводить несколько новых элементов.
1
− Вы менее вовлекаетесь эмоционально. Посвятив многие дни,
а то и недели одной картине, можно испытать настоящее потрясение,
если она не получится. Продвигаясь ежедневно, маленькими шагами
в небольшом формате, вы перестаете придавать результату такое зна-
чение. Тогда легче сказать: «Ну хорошо, эта не получилась, но сле-
дующая, возможно, получится!»
− Творческий рост проходит быстрее. Сегодня вы пишете картину, и воз-

никает идея, как ее улучшить. На следующий день вы пробуете осуще-
ствить эту идею, но замечаете, что необходимо ее немного подкоррек-
тировать. Еще через день пробуете внести коррективы. И так далее.
Когда же вы работаете раз в неделю или месяц, то часто забываете, чтó
в прошлый раз получалось, а что нет, и оказывается, что вы каждый раз
начинаете все с сначала.
2
− Вы меньше боитесь неудачи. Начиная работу над большой картиной,
вы напрягаетесь: хочется создать шедевр, но одновременно появля-
Чтобы продемонстрировать быстрый ется опасение, что ничего не получится. Малые картины давят гораздо
рост, который дает ежедневная живо- меньше, что значительно ослабляет чувство страха.
пись, представляю здесь две свои
картины с грушами: № 1 сделала
− Процесс приносит больше радости. С небольшими картинами гораздо
легче попасть в нужную колею и наслаждаться живописью как таковой.
в первый год занятий, № 2 спустя Вы быстро понимаете, что не каждая картина получается, но они стано-
три года. вятся все лучше и лучше, и именно этот вызов — постоянное совершен-
1. В окружении. 2007. Масло, дере- ствование — делает живопись упоительной!
вянная панель. 15 × 20 см.
2. Приход или уход. 2011. Масло, − Повышается уверенность в своих силах. Совершенствуя работы, вы ста-
деревянная панель. 15 × 15 см. новитесь все увереннее в себе. Возможно, даже задумываетесь о персо-
нальной выставке или уроках живописи.
− Работа становится менее утомительной. При работе с большими кар-

тинами часто появляются участки полотна, которые трудно покрыть
красками, например, обширные участки заднего плана. Вы думаете:
«Ох, всю эту область нужно покрыть краской из небольшого тюбика
и при этом сделать так, чтобы она выглядела интересной!» При работе

с малыми картинами даже для довольно больших зон достаточно лишь
нескольких взмахов кисти.
− Жизнь структурируется. Если вы твердо решите писать по одной (или

больше) картине в день, в вашей жизни появится определенная струк-
тура, то, чего иногда так не хватает. При наличии времени и отсутствии
целей нас так и тянет все откладывать со дня на день, не правда ли?
− Работа с большими картинами становится проще. Взявшись все-таки

за большую картину, вы используете навыки, полученные при работе
с малыми.
1
Мой распорядок дня

На мастер-классах меня всегда спрашивают про режим. Действительно ли
мне удается писать по картине в день? Если на нее уходит час или два, то чем
я занимаюсь в остальное время?
Мой распорядок сильно изменился за последние семь лет. Вначале я писала

картины, когда сын спал. Начав зарабатывать, я смогла нанять няню, при-
ходившую несколько раз в неделю. В освободившееся время я писала как
можно больше картин малого формата, чтобы было всегда что выложить
в своем блоге в дни, когда не удавалось взяться за кисть.
Когда муж в 2010 году потерял работу, он стал присматривать за сыном.

Внезапно у меня появилась возможность заниматься живописью полный 2
рабочий день. Иногда мне удавалось написать целую пачку картин впрок.
Благодаря этому я выкладывала картины в блоге даже в те дни, когда была Два моих натюрморта с томатами:
верхний — первый год, нижний — пятый
занята или болела, или просто отдыхала. В другие дни — работала над боль-
год.
шими картинами для галерей. 1. Три помидора. 2007. Масло, дере-
Чем больше времени для живописи, тем больше тянет вначале заняться вянная панель. 15 × 20 см.
2. Помидоры черри. 2012. Масло,
чем-то другим. Я проверяю электронную почту, мою посуду, застилаю кро-
деревянная панель. 15 × 15 см.
вать (ну ладно, это неправда), поливаю цветы и т. д. Я поняла, что мне рабо-
тается гораздо лучше, если время занятий жестко запланировано, как это
было во время сна Джейкоба. Сейчас передо мной стоит задача начинать
работу не позже десяти утра. Тогда я успеваю позавтракать, сделать зарядку
и выполнить всякие мелкие работы по дому.
Вот несколько маленьких хитростей, которые обеспечат вам непрерывные

занятия живописью.
− Называйте это работой. Когда все принадлежности для живописи

собраны и я собираюсь в студию, я объявляю: «Иду на работу!», хотя

студия находится в соседней комнате. Это придает бóльшую легитим-
ность моим занятиям. Хотя муж всегда поддерживал их, все же нелишне
еще раз напомнить, что живопись — это мой кусок хлеба и мне действи-
тельно нужно время, чтобы сосредоточиться.
− Проверив почту, я выключаю компьютер (если только не рисую с фото-

графии, открытой на мониторе, но в этом случае я закрываю почтовую
программу и «Фейсбук», чтобы не поддаваться искушению).
− Никаких телефонных звонков. Я никогда не отвечаю на телефонные

звонки во время работы, если только не звонят из школы сына. Все
1 остальные звонки идут на автоответчик.
− Слушаю музыку. Знаю, что слушать музыку и работать, — это не для каж-
дого, но мне музыка помогает попасть в нужную колею. Я даже купила
себе беспроводные наушники, чтобы уходить в свой мирок, когда
в доме возникают разные помехи.
Другой вопрос, который мне часто задают на мастер-классах: «Сколько вре-

мени вы отводите не на живопись, а на деловую часть?» Очень давно я про-
читала книгу об арт-маркетинге, в которой предполагалось, что в среднем
каждый художник тратит половину своего времени на искусство и половину
на бизнес. На первый взгляд такое соотношение удивляет, но на своем опыте
я убедилась, что оно верное.
Каждый день после обеда я делаю фотографию своей сегодняшней картины.

На это уходит около двух минут. Не забудьте, что этим я занимаюсь каждый
2 день, поэтому справляюсь быстро (я расскажу об этом в главе 10). Затем
1. Я в студии. Юджин, Орегон, 2013. я загружаю фотографию в компьютер и редактирую ее (и об этом позже).
2. Полки для принадлежностей, На это уходит приблизительно три минуты. Потом выкладываю фото в свой
которые смастерил мой муж. блог. На это уходит немного больше времени — от пяти до тридцати минут,
потому что я бьюсь над текстом. Дальше я создаю аукцион для своих картин
(одна минута). Наконец, отправляю картины, которые продала (около два-
дцати минут на одну картину).
Налог пока не слишком высок, по крайней мере, мне так кажется. Остальная
«деловая» часть — это, в основном, то, что я называю «исследованием и раз-
витием». В исследования может входить все, начиная с просмотра сайтов
в интернете (к примеру Pinterest) в поисках интересных картин для вдохно-
вения и заканчивая перелистыванием журналов и книг по искусству, от про-
гулок по городу с целью сфотографировать интересные объекты до поездок
в другие города с той же целью и т. д. и т. п. Под развитием я понимаю экспе-
рименты с материалами, участие в мастер-классах, покупку реквизита. Сюда

я также включаю общение, а это и переписка по электронной почте, и встречи
с друзьями-художниками, обмен идеями и историями. Как вам такая работа?
Ну, в общем, иногда это действительно работа (не поймите меня непра-
вильно). Время от времени я натыкаюсь на творческий блок, который выби-
вает меня из колеи. Такое часто происходит, когда я заставляю себя писать
все новые и новые картины, словно машина, когда начинаю скрести по дну
бочки с вдохновением вместо того, чтобы дать себе время наполнить
ее опять.
Блоки художника — столь значительная для меня проблема, что я посвя-

тила им целую главу. Теперь же благодаря этим блокам весь мой дневной
распорядок несколько изменился. Первый вопрос, который задаю себе,
просыпаясь утром: «Вдохновляет ли меня мысль поработать с красками
сегодня?» Ответы бывают разные, но чаще всего я отвечаю: «Да!» Если
я не расположена к этому, то вначале занимаюсь чем-нибудь другим,
даже если это означает выйти на прогулку, весь день читать книгу или
просто скучать где-нибудь, сидя или лежа. Мои баки с горючим лучше
всего заполняются именно так, и я пользуюсь этим без малейшего чувства
вины, потому что знаю: если этого не делать, есть риск дойти до полного
опустошения.
Ожидания
Однажды, через три месяца после моего мастер-класса, мне позвонила
одна из участниц. Она занималась живописью всего пару месяцев, так что
ее общий стаж насчитывал около полугода. Художница была очень разоча-
рована незначительным прогрессом. Она сказала, что продала всего семь Надпись на двери моей студии преду-
картин, при этом две из них — своему отцу, поэтому они вообще не идут преждает семью о том, что я работаю.
в счет.
Я была изумлена: «Ого, вы уже продали семь картин! Но это же здорово!»

Она сказала: «Я чувствую, что должна была продать гораздо больше». Это
после шести-то месяцев? Будьте реалистами! Мои картины стали прода-
ваться спустя годы занятий живописью!
Если вы решили учиться игре на фортепьяно с завтрашнего дня, то вы

понимаете, что на это понадобится соответствующее время, правильно?
Вначале вам придется научиться играть кучу разных странных пьес, сперва
очень медленно, прежде чем вы достигнете такого уровня, когда с гор-
достью сможете их записать. Но ведь сами тренировочные занятия вы
не будете записывать, не так ли? Однако получается так, что мы, художники,
«записываем» все занятия, на которых практикуемся (пишем картины),

а затем расставляем картины по студии и испытываем искушение продать
или подарить их кому-то.
Воспринимайте картины, созданные на таких занятиях, только как доку-

менты, фиксирующие творческий рост, а дарите тогда, когда кто-то попросит.
По возможности сотрите плохую картину и вновь используйте поверх-
ность (я все еще делаю так довольно часто). Если материал высыхает
слишком быстро, то найдите свободное место в студии и складывайте туда
плохие картины. Лично я не люблю наносить краски поверх старой кар-
тины (слишком много текстуры, слишком отвлекает), а также возвращаться
к тем, которые не удались. Когда картина не получается, это происходит
по какой-то фундаментальной причине, например из-за слабой композиции.
Как правило, это не так легко исправить, поэтому я просто перехожу к тому,
что меня вдохновляет в настоящий момент.
Если вы серьезно относитесь к искусству, постарайтесь сделать так, чтобы

ваши пятьсот картин, или десять тысяч часов работы над ними, были скон-
центрированы на небольшом промежутке времени. Вы добьетесь гораздо
больших результатов, если напишете пятьсот картин в течение трех, а не два-
дцати лет.
Сита Вильсон. Играя Монка с Монком. 2013. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

О тех, кого изменила
ежедневная живопись
Я подружилась со многими сторонниками ежедневной
живописи и услышала от них немало историй, схожих
с моей. Вот несколько, как мне кажется, наиболее
вдохновляющих.
Желен Фонс, художница, пишущая ежедневно
Желен Фонс изучала изобразительное искусство в уни-
верситете в Лас-Вегасе и начала карьеру с настенной
росписи жилых домов, различных учреждений и казино.
Это была «очень напряженная работа и весьма безра-
достная». Но Желен многому научилась, а главное —
поняла, что для нее предпочтительнее заниматься кар-
тинами небольшого формата.
Впервые Желен услышала о движении «ежедневных»

художников от своего друга, который, преодолевая
творческий застой, занялся регулярной живописью
в малом формате.
«Я уже в течение трех лет продавала картины (преиму-

щественно не более 35 см) онлайн, когда развернулось
движение художников, пишущих ежедневно, — говорит
Желен. — Мне понравилась идея работ меньшего фор-
мата (15 см) и атмосфера, далекая от той, где одер-
жимо создаешь одну-единственную картину в течение
нескольких недель. Это был опыт свободного экспери-
ментирования, от которого трудно не получить удоволь-
ствие. Я нашла новые темы, новые способы композици-
онного построения и вообще иначе посмотрела на мир.
Из пассивного наблюдателя превратилась в вооду-
шевленного творца. Любопытно, что после этого и поку-
Желен Фонс. Только что подали. 2010. патели стали более восприимчивы к моим работам.
Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.
Словом, я стала успешным художником.
Крупные картины Желен продает через галереи,

маленькие, 15-сантиметровые, — через интернет и следит
за тем, чтобы эти два мира не соприкасались. Миниатюры
проходят под названием «этюды», так как обычно служат
основой для дальнейшей разработки и объекты в них
подаются не так подробно, как в больших работах.

Дэвид Моррис, художник, пишущий ежедневно
Дэвид Моррис закончил художественный колледж
в Лидсе (Великобритания), собираясь заниматься
дизайном мебели и керамики. По окончании препо-
давал изобразительное искусство в средней школе,
а затем искусство керамики в художественной школе
в Гримсби. В 1992 году он ушел на пенсию и занялся
живописью, главным образом акварелью.
В 2012 году Дэвид наткнулся на сайт Джулиана

Мерроу-Смита shiftinglight.com. Джулиан живет
во Франции. Он один из первых «ежедневников».
По ссылкам с сайта Джулиана Дэвид вышел на коллег
и вскоре обнаружил целое движение. Наконец, Дэвид
увидел dailypaintworks.com и присоединился будучи
уже известным живописцем.
Момент был идеальным: экономика пребывала

в рецессии и картины в галереях продавались не так,
как раньше. По словам Дэвида, первые продажи пока-
зали, что интернет — отличный способ представить свои
работы огромной аудитории, но для пересылки кар-
тины должны быть достаточно компактными, и ему при-
шлось подстраиваться под клиентов — главным образом
американцев.
Дэвид Моррис. Собор Сан-Марко — фасад. 2013.

Акварель, бескислотная бумага. 30 × 35 см.

Карин Юрик, художница, пишущая ежедневно
Карин Юрик унаследовала от родителей багетную
мастерскую и управляла ею более двадцати лет. Когда
бизнес стал невыгоден, она сократила рабочие часы
и обратилась к живописи акрилом: небольшие картины
продавала через eBay со стартовой ценой 25 долларов.
Заработав достаточно денег, Карин оборудовала студию
и перешла на масло.
В 2006 году Карин нашла художника Дуэйна Кайзера.

«Из названия его блога „Одна картина в день“ все было
Карин Юрик. Сэмми. 2013. Масло, дере- ясно, — рассказывает Карин. — Я уже шла по этому пути,
вянная панель. 18 × 13 см. что подогревало мое стремление двигаться дальше».
Рисуя уже почти семь лет, Карин наконец поняла, что
это занятие может приносить солидный заработок. Она
закрыла мастерскую и полностью отдалась живописи.
«Я хочу начать и закончить картину в тот же день, —

говорит Карин. — Хочу переходить к чему-то новому
каждое утро. Хочу изображать различные предметы
и рисовать на разные темы. Когда у меня всего пара часов
в день, я наношу краски быстрей и свободней, чем когда
посвящаю весь день работе над большой картиной. И мне
нравится этот баланс между картинами более „демонстра-
ционными“ и сугубо живописными. Каждый раз за моль-
бертом я учусь чему-то новому. Это мотивирует. В конце
рабочего дня я чувствую, что чего-то достигла, а не оста-
вила перевариваться до следующего дня».
Одни картины Карин продает онлайн, другие через

галереи. Галерейные картины «более законченные,
на них уходит больше времени, и они крупнее», тогда
как маленькие «быстрые, раскованные — в сякие мелочи,
так сказать». Карин говорит, что последние дают ей
«лучшее понимание того, что ”отзовется в людях“»,
и, написав небольшую картину, она нередко пишет
подобную ей большую — для галереи.

Роджер Акессон, художник, пишущий
ежедневно
Роджер Акессон живет в Швеции, тридцать часов
в неделю работает с инвалидами, а в свободное время
пишет картины. Раньше Роджер занимался только
большими картинами, на каждую из которых уходила
почти неделя. Он говорит: «Я не творил, а производил:
я не пытался расти в своем творчестве, не пробовал
новое». Но в 2010 году, когда он познакомился с движе-
нием художников, пишущих ежедневно, все изменилось.
«Человек приобретает гораздо больше опыта и учится

гораздо быстрей на маленьких картинах. В них мы вкла-
дываемся не так сильно, — говорит Роджер. — Тратя
меньше времени, получаем больше возможностей для
экспериментирования, для новых идей, понимаем, как
сделать картину проще».
Еще один плюс ежедневной живописи Роджер видит Роджер Акессон. Голубика абстрактная. 2013.
в огромном сообществе художников, которые делятся Акрил, деревянная панель. 14,4 × 40 см.
своими работами и вдохновляют друг друга: «Человек
вдохновляется, развивается как личность и как
художник, не теряя своей идентичности».

Дрима Перри, художница, пишущая ежедневно
Дрима Перри открыла ежедневную живопись в самый
подходящий момент. Она, по ее выражению, «собрала
воедино нити уносящейся жизни, в которой было
слишком много работы и слишком много дней, прове-
денных рядом с умирающим отцом».
Художник-самоучка, мечтающая вернуться к полно-

ценной жизни, она была «подавлена самой мыслью
писать большие картины (это казалось слишком серь-
езным и неподъемным)». И когда она увидела в интер-

нете «небольшие, крошечные картины», то решила
начать именно с них. Это произошло 28 февраля
2009 года.
«Благодаря ежедневной живописи я нашла себя

и обрела внутренний голос, — говорит Дрима. —
Регулярная работа над небольшими картинами раз-
Дрима Перри. Цветная песня. 2012. Масло, рушает барьер страха вокруг белого холста. Меньше
деревянная панель. 30 × 30 см. страха, меньше и риска. В моей работе стали появляться
выразительные мазки и веселые краски. Я обнару-
жила, что занятия искусством теперь приносят радости
больше, чем когда-либо раньше. Онлайновая связь
и почти мгновенный отклик на еще не просохшую кар-
тину дали то, чего мне не хватало, — смелость следо-
вать своему сердцу! Ежедневная живопись избавила
меня от ожидания, что появится кто-то — галерист, член
жюри, член семьи, — кто “одобрит” работу, прежде чем
я покажу ее миру. Она дала мне шанс поверить в себя,
а ведь это именно то, в чем мы так нуждаемся!»

2 Принадлежности
для живописи
Существует великое множество красок, кистей, основ и прочих принадлеж-
ностей для живописи. Я расскажу о тех, которыми пользуюсь сама (что-то
я купила, что-то сделал мой муж). Они могут быть полезны для тех, кто рабо-
тает с малыми картинами и пишет часто.
Мольберт
Разные мольберты предназначены для разных целей, но почти все подходят
для работы с любыми материалами. У меня два мольберта: один в студии,
а другой я беру для работы на пленэре и на мастер-классы. Первый —
большой, крепкий и многофункциональный. Второй поменьше, довольно
легкий, его нетрудно сложить и перенести. Я использую их, в основном
работая с маслом, но могу также работать с акрилом, акварелью, пастелью,
углем и т. д.
Несколько лет я пользовалась очень простым, дешевым металлическим моль-

бертом, унаследованным от свекрови. Если мне нужно было поднять или опу-
стить картину за пределы возможностей мольберта, я приспосабливала коробки
и скотч, чтобы конструкция держалась. Далеко не эстетично, иногда раздра-
жало, зато бесплатно и действенно. По правде говоря, это работало очень даже
неплохо в течение многих лет, особенно когда я начала писать малые картины.
Мои художественные Когда наконец у меня появилась возможность купить мольберт посимпатичнее,
принадлежности.
то прежде, чем сделать это, я провела небольшое исследование. Мой выбор пал
на модель фирмы David Sorg за 700 долларов (фото на следующей странице).
Эта фирма производит две разновидности мольбертов: одну для помещений
с потолком около 2,5 м, другую для более высоких. Я использую обе модели.
Они замечательные. Я их сравнила с другими мольбертами, и, поверьте мне, это
лучшее, что можно приобрести за деньги.
31
Они оснащены противовесами, и потому их легко регулировать. Они
надежно удерживают края холста с помощью наждачной бумаги. Наконец,
они снабжены держателями для бумажного полотенца, необходимого при
работе с любым материалом.
Перед мольбертом я кладу мягкий коврик, на котором могу простоять

весь день, не боясь заполучить боль в ступнях. Иногда важно отойти назад
и посмотреть на картину с некоторого расстояния, поэтому мой коврик имеет
длину 3,65 м и ширину около метра. Я называю его «взлетная полоса». Он
продается под названием «коврик для кадиллака». Но, в общем-то, подойдет
любой туристический коврик.
У меня неплохая подборка принадлежностей для путешествий и работы

на пленэре. Но начала я с традиционного французского мольберта, который
1 2 воплощал в себе все возможные недостатки: слишком большой, тяжелый,
неудобный, трудно устанавливаемый и складываемый, но легко опроки-
дываемый. Затем мне подарили мольберт Guerrilla Box, он был получше,
но тоже тяжелый и неудобный. Затем я доросла до Open Box M (очень похож
на EASyL), весьма симпатичный и легкий, но как по мне, в нем не хватало
места для смешивания красок. Для путешествий вам необходимо нечто
достаточно компактное, чтобы помещалось в рюкзаке, достаточно легкое,
чтобы можно было взять с собой на прогулку, несложное, чтобы можно было
быстро разложить (важно учесть, что на природе освещение меняется мол-
ниеносно!), устойчивое, эргономичное, имеющее достаточно места для сме-
шивания красок.
Для пленэра и демонстраций на мастер-классах я использую Art Box. Это

3 очень простая система, легкая, эргономичная, с большим пространством
для смешивания красок. Моя мини-версия дополнена куском стекла в под-
доне, чтобы было легче чистить шпателем. Во время путешествий моль-
берт умещается у меня в рюкзаке. Он здорово подходит для работы маслом
и акрилом.
Держатель доски
При работе с малыми плоскостями я быстро поняла, что нужно какое-то
4 устройство, которое бы жестко удерживало доску со всех сторон (и снизу)
и при этом не мешало работать. После нескольких проб мой замечательный
1. Мой теперешний мольберт Sorg Super 8. муж изобрел совершенно невероятный по простоте девайс, который удержи-
2. Мой Art Box. 3. Я на пленэре, работаю
на Art Box. 4. Мой пленэрный рюкзак
вает панель за счет сцепления (см. рис. 2 на следующей странице).
Osprey Quantum со всем реквизитом.

Верхняя и нижняя части мольберта прикреплены (приклеены) к заднему
штативу, а средняя часть задвигается под панель и удерживает все на месте.
Зажим необходим, чтобы быть уверенным, что подвижная часть не выскочит.

Все части такой же толщины, что и большинство досок. Это очень важно учи-
тывать, если надумаете мастерить сами: если эти части будут толще доски,
то вверху и внизу появится выступ и кисть с краской могут там застрять. Такой
держатель лучше всего подходит для досок с прямоугольными краями. Мой
вмещает только небольшие панели — от 10 × 10 см до 15 × 20 см. Но можно
сделать держатели и побольше, чтобы помещались более крупные панели.
1
После каждой картины я протираю держатель влажной салфеткой, чтобы
краска не попала на следующую картину. Через какое-то время на большей
части держателя появляется патина (стирается при этом легче, но держатель,
к сожалению, выглядит уродливее).
Конструкция держателя довольно проста, и его несложно сделать самостоя-

тельно (если вы или ваш супруг умеете мастерить).
2
Недорогой шкафчик для принадлежностей

Для хранения красок и аксессуаров можно купить красивый, но дорогой
деревянный шкаф или зайти в ближайший магазин «Товары для дома»
и купить очень простой и намного более дешевый шкафчик для инструментов
на колесах. Таким я пользуюсь уже несколько лет, и мне он очень нравится.
Тюбики с масляными красками и чистые кисти хранятся в верхнем ящике,

чтобы их было легко достать. Доски, лампочки и ткани для натюрмортов —
в самом низу.
Мой шкафчик может служить и палитрой. Для этого я использую верх шкаф-
чика, куда кладу стопку бумажных палитр. Когда верхний лист бумаги запол- 3
няется смесями масляной краски, я беру мастихин, чтобы передвинуть эту 1. Мой Art Box с пеналом для кистей из
груду на следующую страницу, и продолжаю работать. Некоторые говорят, ПВХ (есть крышка, чтобы не испачкаться).
что палитра должна быть средне-серого тона. Лично я считаю, что можно 2. Держатель доски, изобретенный
использовать любую, к которой вы привыкли. Я пробовала серую, но все-таки мужем специально для меня (выглядит
ужасно, весь в краске). В нем закреплена
предпочитаю белую.
доска Ampersand Gessobord 15 × 15 см.
Наверху шкафчика всегда найдется место для всего необходимого в работе. 3. Шкафчик для инструментов,
служащий в качестве палитры
Уайт-спирит в маленькой банке на решетке, разбавитель — в небольшом
и удобного места хранения
стеклянном сосуде, а кисти — везде, где отыщется местечко. принадлежностей для рисования.
Принадлежности для живописи 33

Поверхности для картин
Необходимо время, чтобы понять, какая поверхность вам подходит.
Я советую поэкспериментировать с как можно бóльшим количеством
поверхностей и не останавливаться до тех пор, пока не найдете подходящую.
То, что нравится мне, может не подходить вам, ведь нужно еще учесть, какими
материалами вы пользуетесь и в каком стиле работаете.
Моя масляная живопись началась с больших полотен, которые я сама натя-

гивала и грунтовала. Открыв для себя живопись малого формата, я стала
нарезать небольшие куски полотна (или бумаги) и прикреплять их скотчем
к фанере или пенопласту. Конечно, так получается значительно дешевле,
но для дальнейшей продажи этот способ не рекомендуется, потому что для
покупателя холст, уже натянутый на подрамник, более привлекателен. В про-
тивном случае ему придется это делать самому.
Первые картины маслом, которые я продала, были написаны на панелях

Raymar. Мой выбор пал на них из-за невысокой цены, легкости, простоты
в транспортировке. И еще потому, что лично меня раздражают незакреп-
ленные холсты.
После нескольких лет ежедневной живописи мне предложили попробо-

вать Ampersand Gessobord. По сути это доска из твердой древесины с много-
слойной грунтовкой. У нее более гладкая поверхность, чем у холста, и пона-
чалу меня это раздражало. Казалось, что с каждым мазком кисти я снимаю
столько же краски, сколько кладу. В то время я пользовалась кистями
из щетины, но как только я попробовала более мягкие кисти из синтетики,
сразу втянулась. На этих досках можно использовать масло, акрил или сме-
Стопка панелей Ampersand Gessobords. шанные техники, работать кистью или мастихином.
Я бы не советовала покупать слишком дешевую продукцию, предназна-

ченную для любителей. Качество поверхности имеет огромное значение,
и если вы хотите сэкономить деньги, экономьте на чем-то другом, например
на мольберте. Иначе не раз в процессе работы вы будете испытывать
сильное недовольство.
Что касается других материалов, опять же предлагаю испробовать как можно

больше разных поверхностей, прежде чем тратиться на покупку большого
количества одного вида. Существует много типов акварельной бумаги — горя-
чего прессования, холодного прессования и т. д. Недавно на мастер-классе по
рисованию пастелью я обнаружила, что есть большая разница между бумагой
Canson, с которой я работала в колледже, и специальной наждачной бумагой
для художников. Хотя наждачная бумага гораздо дороже, работать с ней ока-
залось намного приятнее, что компенсировало все расходы.

Разобраться в великом множестве поверхностей и их поставщиков непросто,
но, к счастью, есть интернет. Рекомендую почитать обзоры разных марок
и поспрашивать знакомых художников, чем пользуются они.
Кейс для переноски влажных картин

Во время путешествий или мастер-классов нужно каким-то образом пере-
возить свои работы. В некоторых мольбертах для работы на пленэре пред-
усмотрено место для сохнущих картин, но обычно не больше чем для
двух. У меня есть несколько разных кейсов от фирмы Raymar Art, которые
я очень рекомендую для картин, написанных маслом. Они легкие, прочные
и симпатичные.
Кисти
Кисти, которыми вы пользуетесь, определяют то, какие мазки будут оста-
ваться на картине. По моему опыту, овальные и круглые кисти оставляют
более гладкие смешанные мазки, тогда как плоские и контурные кисти
делают мазки более заметными. Двумя последними я пользуюсь чаще.
Большинство заявляет, что щетинные кисти лучше всего подходят для мас-
ляной живописи. Что касается меня, я предпочитаю синтетические, даже
работая на холсте. При этом я выбираю кисти мягкие, делающие края мазка
более четкими. Когда я кладу краску такой кистью, она не снимает ту, что
я положила раньше. Недостатком синтетических кистей является их более 1
короткий, чем у щетинных, срок службы.
В целом плоские кисти длиннее, чем контурные, но в зависимости от бренда

эта особенность может меняться. Можно найти контурную кисть одной марки,
которая будет по длине, как плоская кисть другой марки. Разные бренды
обладают разной шкалой размеров, что сильно затрудняет заказ новых
кистей, особенно если делаешь это впервые. Если поблизости есть магазин
для художников, то я советую вначале зайти туда. Когда вы поймете, какие
материалы вам больше нравятся, то будете заказывать их через интернет, что
2
обойдется дешевле.
Мои любимые контурные кисти производит фирма Silver Brush Bristlon. 1. Кейс для переноски влажных картин
фирмы Raymar. 2. Несколько моих
Чаще всего я использую размеры 4 и 6, но для более крупных картин беру кистей: плоская кисть Monarch фирмы
8, 10 и 12. У меня также есть маленькие (2-й размер) овальные кисти фирмы Winsor & Newton, контурная и овальная
Silver Brush Bristlon, которыми я делаю эскиз на панели. В самом начале кисти фирмы Bristlon, короткие плоские
работы с помощью старой щетинной овальной кисти я разглаживаю грунт. кисти фирмы Rosemary and Co.

Еще одна «кисть», которой я пользуюсь с большим удовольствием, имеет
деревянную ручку и резиновый наконечник, сильно заостренный на конце.
Отлично подходит для исправлений и подписывания картин. Она очень акку-
ратно удаляет краску с выбранного участка и делает это гораздо лучше, чем
бумажное полотенце. Когда вы ставите подпись этой кистью, то, по сути, уда-
ляете краску, а не кладете. Мне кажется, такой кистью легче «управлять», чем
обычной.
Краски
Мои резиновые кисти: одна — фирмы
Kemper Tools, две другие — латексные Я покупаю масляные краски в Utrecht Art Supplies. Это профессиональные
фактурные кисти фирмы Colour краски, и меня всегда удовлетворяла их консистенция. Они погуще (в них
Shaper, размеры 2 и 6. меньший процент связующего вещества), как раз то, что надо. Я пробовала
краски других фирм, но всегда возвращалась к Utrecht. Они также делают
акриловые и акварельные краски, но их я не пробовала.
Я пользуюсь ограниченной палитрой цветов (белила титановые, кадмий

желтый светлый, кадмий красный средний, ализарин, ультрамарин, фтал
синий, умбра жженая, иногда кадмий лимонный и розовый стойкий). Мне
кажется, такая подборка позволяет получить любой нужный вам цвет.
Некоторые предпочитают покупать много разных цветов и меньше смеши-
вать. Правильно то, что подходит именно вам.
Не имеет значения, каким брендом вы пользуетесь, важно, как мне кажется,

избегать красок с пометкой «имитация»*. Они представляют собой дешевые
версии настоящих цветов и только искушают скупых покупателей (я это
говорю, потому что сама такая). Выдавленные из тюбика они выглядят
Образцы моих масляных отлично, но потом становится понятно, что добиться ярких (насыщенных)
красок фирмы Utrecht цветов с их помощью невозможно — они постепенно бледнеют.
Одно маленькое замечание: когда кладете краски на палитру, делайте это

одним и тем же способом — впоследствии будет одной заботой меньше.
Разбавитель (медиум)
Художники, работающие с маслом или акрилом, в дополнение к уайт-спириту
или воде часто пользуются средством, снижающим степень густоты краски,
тем самым ускоряя или замедляя процесс высыхания. Лично я использую его
по двум причинам. Во-первых, оно позволяет сделать слой краски тоньше,
* Пометка «имитация» в отечественных красках или «hue» в импортных, распо-

ложенная после названия цвета, указывает на искусственное происхождение
пигмента. Прим. ред.

и, соответственно, каждый мазок — длиннее; во‑вторых, оно придает всей
поверхности картины своего рода сияние после высыхания (если я кладу его
ровным слоем на краску). Это позволяет не покрывать картину лаком.
В продаже имеется множество различных масляных разбавителей для

масляной живописи, но мне они никогда особо не нравились. Из колледжа
я вынесла один полезный рецепт: одна часть уплотненного, или полимеризо-
ванного, масла, две части льняного масла, одна часть уайт-спирита без запаха.
Необязательно строго придерживаться этих пропорций. Полимеризованное

масло несколько плотнее льняного (по сути это насыщенное льняное масло
приблизительно той же плотности, что и меласса *), и если окажется, что 1
смеси не хватает плотности, оно вас здорово выручит. Если смесь становится
слишком маслянистой, добавьте уайт-спирит — в любом случае вам при-
дется сделать это, так как уайт-спирит постепенно испаряется, особенно если
медиум остается незакрытым. Хотя я всегда закрываю флакон, но все равно
раз в месяц добавляю уайт-спирит.
Важно развить чутье, сколько разбавителя добавлять в краску. Если перебор-

щить, краска станет жидкой. Каждый раз при смешивании краски я макаю
уголок кисти в разбавитель — так, чтобы она слегка коснулась поверхности,
смешиваю с комочком на палитре и лишь затем делаю мазок.
Чистка кистей
Много лет я использовала для промывания кистей специальную жидкость,
пока один из студентов не посоветовал мне попробовать средство для мытья
деревянных полов. Оно быстрее очищает, хорошо смягчает и восстанавли-
вает кисть.
И еще: если вы забыли вымыть кисти (со мной это случается регулярно) 2

и на следующий день обнаружили, что они стали твердыми как камень, 1. Ингредиенты масляного разбавителя
просто наполните емкость моющим средством, положите туда кисти щетиной для красок: уплотненное масло, льняное
вниз (но так, чтобы средство не попадало на металлический ободок), масло и уайт-спирит без запаха.
оставьте там на двадцать четыре часа и потом промойте как обычно — вся 2. Для чистки кистей я использую
моющее средство для деревянных
краска сойдет. Этот метод подходит для чистки кистей от масляных и акри-
полов и теннисный мяч, разрезанный
ловых красок, а также для очистки от краски одежды! надвое. Если краска на кистях сильно
затвердела, я кладу их в емкость
Много лет назад, когда я искала наиболее удобный способ работы с крас-
на 24 часа. Действует волшебно!
ками, моему мужу пришла в голову великолепная идея разрезать теннисный
* Кормовая патока, отход сахарного производства, применяемый в качестве

дорожно-строительного материала. Прим. пер.

мяч пополам и использовать внутреннюю часть половинок для мытья кистей.
Теперь я могла не пачкать руки, быстро и осторожно стирая краску со щеток
внутренней резиновой поверхностью мяча.
Освещение
Студия
Моя студия находится в дождливом западном Орегоне, поэтому я не полагаюсь
на естественное освещение во время работы. Даже в жарком Техасе, живя в лесу,
я столкнулась с тем, что деревья сильно мешали проникновению солнечных
лучей. В течение нескольких лет я пользуюсь дополнительными источниками
света, а именно флуоресцентными лампами у окон, выходящих на север. Прямо
над мольбертом висит большой светильник, чтобы на картине не появлялись
тени или блики. Я покупаю лампы дневного света и самый дорогой светильник,
имеющийся в продаже, чтобы не было никакого мерцания и гудения.
1
Слишком яркий свет заставляет меня бессознательно рисовать в более
темных тонах. Поэтому я сократила количество ламп в светильнике с четырех
до одной. Недавно я экспериментировала с двумя лампами (одна дает теплый
свет, другая холодный) и закрывала часть светильника фольгой, чтобы умень-
шить количество падающего света. Выглядело не очень симпатично, но рабо-
тало. Если у вас такой проблемы нет, используйте столько света, сколько
вам нужно.
2 Натюрморт
1. Из-за того, что моя живопись полу- Обдумывая освещение объектов натюрморта, вы оказываетесь перед
чается слишком темной при чрезмерно широким выбором вариантов, включая естественное освещение. Некоторые
ярком освещении, я закрываю часть предпочитают «северный свет»*, но я думаю, все зависит от того, какое
светильника с флуоресцентным настроение вы хотите передать. Я предлагаю попробовать разные лампы,
освещением фольгой. Не очень красиво,
пока вы не остановитесь на одной или нескольких, которые вам больше
зато работает. 2. Мои любимые лампы
для освещения натюрмортов: Sylvania всего понравятся. У меня таких три, ими я пользуюсь регулярно: Sylvania 39W,
для интенсивного освещения, флуорес- 2800K для прожекторного освещения; спираль флуоресцентная EcoSmart
центная EcoSmart, светодиодная Philips. 27W, 500K; Philips 60W, 3000K LED, светодиодная, ярко-белая.
Интенсивное освещение, прожектор, создает горячий воздух и сильные,

резкие тени, внося элемент драматичности. У него желтый свет. Им я пользуюсь
бóльшую часть времени. Для вашего сведения: при слишком сильном накале
некоторые предметы натюрморта могут «свариться».
* Считается, что из-за цветовой температуры оптимальный свет для живописи —

из окна студии, выходящего на север. Прим. пер.

Более мягкое флуоресцентное освещение лучше использовать для таких
хрупких объектов, как цветы. Эта лампа дает белый свет и немного отливает
голубым.
Светодиодное освещение не столь направленное, как прожекторное,

и не создает такого драматического эффекта. Лампа не бьется при падении
(большой плюс в моих поездках на мастер-классы) и не нагревается, что
хорошо при работе с вянущими объектами.
Часто я использую интенсивный свет (прожектор), непосредственно направ-

ленный на объект, а также флуоресцентный, направленный на угол фото-
бокса *, вместе с голубым фильтром «северный свет» для создания холодного
рассеянного света. Он делает тени более голубыми.
Фотобокс
Впервые взявшись за натюрморты, для стабилизации объектов я исполь-
зовала сложную комбинацию коробок. Однако, увидев, как неоправданно
много времени на это уходит и насколько конструкция неустойчива, что
в свою очередь нарушает душевное равновесие, я попросила мужа что-ни-
будь придумать. Мне хотелось чего-то простого, что можно было бы легко
поднять и опустить и позволяло бы блокировать свет верхних ламп.
После нескольких пробных экземпляров я остановилась на фотобоксе, которым Мой фотобокс с натюрмортом
«Подсолнухи». Для этой постановки
пользуюсь по сей день. Он сделан из ПВХ и фанеры, установлен на крепкой
использована прожекторная
треноге и может опускаться и подниматься с помощью кривошипной руко- лампа, направленная на предметы,
ятки, что дает разный уровень обзора — как на уровне глаз, так и с высоты. и маленькая флуоресцентная
Я окутываю фотобокс тканью, чтобы заслонить верхний свет, — вначале белой, с голубым фильтром «северный свет»,
а потом темной. Белая материя заставляет свет «скакать», отражаясь от светлых направленная в угол фотобокса.
стен фотобокса, тогда как черная более основательно блокирует верхний свет.
С помощью лампы на длинном гибком держателе я направляю свет в нужное
мне место. Другой лампой я освещаю угол фотобокса.
Прочие принадлежности
Бумажные полотенца — незаменимая вещь в работе с любыми материалами.
Я пробовала много разных, остановилась на тех, которые не рвутся
и не комкаются.
* Легкий короб для бестеневой фотосъемки, с внутренней стороны которого

находятся белые стены, отражающие свет. При необходимости можно также
закрыть темной тканью снаружи и создать внутри него нужную схему осве-
щения. Прим. пер.

Рядом со мной всегда находится контейнер с влажными салфетками. Я поль-
зуюсь ими главным образом для того, чтобы стирать краску с кожи или
с держателя доски, когда перехожу к другой картине. Предпочитаю детские
влажные салфетки без запаха.
Если предстоит перелет

К сожалению, брать в самолет уайт-спирит и вообще что-либо воспламеняю-
щееся запрещено. Следовательно, его придется покупать на месте, или пере-
сылать заранее, или одалживать. Это ужасно неудобно, но что поделаешь,
таков удел путешествующих художников.
В багаж я сдаю все тюбики с красками, уложенные в непромокаемый кон-

тейнер Tupperware или мешочек Ziploc. Сумка занимает меньше места,
но выглядит не очень симпатично. Я кладу туда и паспорт безопасности. Его
можно найти на сайте производителя красок. В основном он нужен для того,
чтобы все знали, что краски не взорвутся в самолете. Службу безопасности
полетов он вполне удовлетворяет.
Мой «модный» пенал для кистей сделан из виниловой трубки. Однажды

я случайно оставила его привязанным к задней стенке рюкзака. Огромный
парень из службы безопасности коснулся моего плеча и спросил: «Мадам,
что это?» Я ответила: «Неужели нельзя проносить кисти в самолет?» Он
сказал: «Нет, я не об этом… просто… вы знаете, на что похожа эта штука?»
Совершенно очевидно, что она была похожа на запрещенную к провозу
в самолете вещь (на самодельную бомбу?). Но все-таки пропустил. Приятный
молодой человек.
В рюкзаке лежат походный мольберт со стеклом и ноутбук. Эти вещи всегда

со мной, и я уверена, что они ни обо что не бьются. Там же и светодиодная
лампа. Иногда служба безопасности осматривает ее по нескольку раз,
но затем всегда пропускает.
Кадриль. 2008. Масло, доска. 6 × 6 см.

3 Объект имеет значение
Художники, пишущие ежедневно, выбирают для картины любые объ-

екты и пользуются самыми разными материалами для их изображения.
Совершенно невозможно описать их все, но вы можете получить представ-
ление о том, насколько широк ваш выбор, из предложенного ниже списка
жанров. Я также попросила некоторых своих коллег рассказать об их
методах работы. Все объекты можно условно разделить на шесть основных
категорий. Конечно, это не исчерпывающий список, в выборе объекта вы
ограничены только собственной фантазией! Однако это основные жанры,
представленные на dailypaintworks.com, и они пользуются равной популяр-
ностью как среди художников, так и среди покупателей.
1. Натюрморт и живые цветы.

2. Пейзаж (в том числе морские виды и изображения неба).
3. Животные.
4. Люди (в том числе портреты, спортивные сценки, изображения детей
и человеческой фигуры в любом контексте).
5. Автомобили и здания (в том числе интерьеры и городской пейзаж).
6. Абстрактные картины.
Некоторые из материалов и техник:

− масло; − смешанная техника; − цветной карандаш;
− акрил; − ручка и тушь; − уголь;
− акварель; − графит; − граттаж *;
− пастель; − гуашь; − коллаж.
− печатная графика;
* Техника выполнения рисунка путем процарапывания острым инструментом верхнего
слоя краски до нижнего слоя или до поверхности бумаги или картона. Прим. пер.
42
Опять же, это далеко не полный список, но из него можно получить пред-
ставление о разных направлениях. Один мой друг делает в день по мозаике,
а другой, гончар, — по керамическому горшку. Ежедневные занятия искус-
ством, независимо от его вида, всегда идут на пользу.
Натюрморт и живые цветы

Натюрморт — очень популярный жанр, я люблю его больше остальных. Мне
он нравится за то, что все находится под моим контролем. Я могу разложить
предметы так, как мне хочется, выбрать любой фон, источник и угол падения
света, писать с натуры или по фотографии и т. д. Меня привлекают яркость
фруктов, цветов, орнамента ткани и их сочетание.
Виктор Тристант — х удожник, пишущий ежедневно, из Испании. Работает

в разных жанрах, в том числе и натюрморта. Он говорит: «Мне нравится созда-
вать другой мир, просто изменив расположение обычных предметов в поста-
новке. В ограниченном пространстве рассказываются бесконечные истории».
Виктор заворожен идеей тромплея — создания оптической иллюзии глубины
пространства на плоскости картины. «Я стараюсь расположить предметы
таким образом, чтобы усилить ощущение их веса и объема». Виктор пишет как
с натуры, так и по фотографии, но во втором случае считает огромным преиму-
ществом возможность сделать сотню кадров для каждой постановки. И пред-
меты на фотоизображении не завянут, не потускнеют и не утратят тех качеств,
которые изначально вас очаровали. «Прежде чем композиция покажется
удачной, мне приходится много раз переставлять объекты. К тому же, если
надолго оставить композицию без присмотра, мой кот может ее съесть», — рас-
сказывает Виктор.
Виктор Тристант. Пирамида
Многие считают, что натюрморт — жанр для начинающих. Не могу не согла- из фруктов. 2012. Масло,
ситься с тем, что новичкам проще всего будет начать именно с него, по мно- деревянная панель. 24 × 19 см.
жеству причин. Как правило, постановка может стоять довольно долго без
видимых изменений. Вы не зависите от положения солнца на небе и меняю-
щихся каждый час теней, как при работе над пейзажем. И объект изобра-
жения, скорее всего, будет неподвижным, в отличие от вашей собаки.
Еще одно преимущество натюрморта — пропорции и точность не играют

решающей роли. Если вы взялись писать портрет вашей тети Линды,
по завершении работы вам могут быть предъявлены претензии по поводу
размера и формы носа, а яблоко вряд ли пожалуется. И зритель никогда
не узнает, что груша получилась слишком толстой, а ваза — слишком высокой.
Вы также можете работать со всеми удобствами у себя дома. Если вы

новичок в живописи, мысль о том, что надо собрать все необходимое и идти
с этим на улицу, где все будут на вас смотреть, может пугать вас. Даже если
Объект имеет значение 43

у вас уже есть некоторый опыт, иногда погода совершенно не располагает
к прогулкам, и это отличный повод попробовать себя в жанре натюрморта.
Джули Оливер обожает натюрморты, потому что «можно заставить цвета

и формы вести друг с другом диалог». Она говорит: «Вероятно, это вопрос
личных предпочтений, но только натюрморт дает мне ощущение полного
контроля над предметами. По завершении картины объект остается в моей
памяти, и я все чаще замечаю, что могу написать его по памяти». У Джули
насыщенные, прекрасные картины маслом, акрилом, акварелью и другими
материалами. Она предпочитает работать с натуры, поскольку уверена, что
фотографии «не способны правильно передавать объем, и иногда тени
на них могут получаться ужасно».
Рэймонд Логан — другой замечательной художник, предпочитающий этот

жанр по той же причине, что и я, — из-за полного контроля над процессом. Он Джули Оливер. Бархатцы
говорит: «Все эти исполненные кротости предметы отдаются мне на милость, и циннии. 2012. Масло, холст. 15 × 20 см.
готовые к повиновению, чтобы разместиться и быть освещенными согласно
моему желанию». Также Рэймонд замечает, что «писать натюрморты с едой —
отдельное удовольствие, потому что позже можно будет их съесть. Возможно,
по этой причине я никогда не пишу выпечку — не могу дотерпеть до завер-
шения картины». На мой вопрос, предпочитает он работать с натуры или
по фотографии, он ответил так: «Я люблю писать с натуры. Если я потрачу
достаточно времени на создание удачной постановки, и освещение будет
идеальным, и я подберу правильные параметры экспозиции и т. д. и т. п.,
фотография сама по себе станет произведением искусства. А зачем созда-
вать произведение искусства, пользуясь для этого произведением искусства,
на создание которого я уже потратил кучу времени?»
Кара Бигда в детстве играла в игру, по правилам которой один участник

должен нарисовать предмет, находящийся в комнате, а остальные отгады-
вали, что это. Она не уверена, стало ли это причиной ее увлечения натюр-
мортом, но какое-то влияние, несомненно, оказало. Кара создает изуми-
тельные акварели, выбирая для них самые разные объекты, в том числе Рэймонд Логан. Старый
телефонный аппарат фирмы
людей, животных и здания, но большинство из них — натюрморты. Она
Automatic Electric. 2013. Масло,
рисует фрукты, кексы, игрушки, обувь (как Madden girls * на иллюстрации деревянная панель. 10 × 15 см.
слева), бутылки, цветы и т. д. Кара предпочитает натюрморт потому, что «изо-
бражать трехмерные объекты и без того достаточно сложно, чтобы еще
биться над изменяющимся освещением на пленэре. Я люблю прорабатывать
детали, и обилие мелких элементов в природе меня совершенно ошелом-
ляет. Я просто не в состоянии обобщать их в простые формы, и если я рисую,
* Марка обуви. Прим. пер.
Кара Бигда. Madden girls. 2012. Акварель, бумага. 20 × 20 см.

скажем, дерево, то прорисовываю каждый листик (безумие!), это очень
быстро наскучивает и начинает раздражать».
Возможно, вы не считаете подходящим объектом для натюрморта цветы,

пока они не в вазе, но среди художников, пишущих ежедневно, они очень
популярны, поэтому я решила рассказать о них в этом разделе. Одна роза
(или другой цветок) — идеальный объект для картины малого формата. Когда
я пишу цветы, то, как правило, пользуюсь фотографиями. Весной и летом
я хожу в городской сад и в розарий, где делаю сотни снимков, которых мне
хватает на год, и фотографирую цветы в таком ракурсе, писать в котором
с натуры было бы невозможно.
Жаклин Гнот предпочитает создавать изображения одиночных цветков. Она

акварелист, и ее картины просто изумительны. «Я люблю цветы за их инди-
видуальность. Ни один из них не похож на другой, и каждый — неповторим.
Розы мне нравятся за утонченную простоту, ирисы — за сложный рисунок
жилок и внутреннюю глубину, а пионы — за обилие лепестков», — говорит она.
Жаклин нравится работать по фотографии. Она считает, что ее цель — «запе-
чатлеть момент идеального освещения», а поскольку реалистичная манера
изображения требует немало времени, работа с натуры становится неоправ-
данно сложной. «Использование собственных фотографий позволяет мне
писать когда угодно и сколько необходимо», — замечает она.
Некоторые утверждают, что настоящие художники не пользуются фотогра-

фиями, но я (как и многие другие) считаю, что это не так. Я могла бы при-
вести в пример множество потрясающих художников, работающих только
по фотографиям. Важно понимать, что возможности камеры уступают воз-
можностям человеческого глаза, но не менее важно осознавать сложности
и недостатки работы с натуры. Вот несколько преимуществ создания натюр-
морта по фотографии.
− С помощью камеры вы можете запечатлеть такой ракурс, в котором

не могли бы наблюдать объект, рисуя с натуры (например крупное изо-
бражение цветка, растущего в середине колючего куста).
− Если вы пишете по фотографии, вам не понадобится дополнительное

пространство для создания постановки (и не будет необходимости
в фотобоксе).
− В течение дня погода и уровень освещенности могут изменяться. Если

для освещения постановки вы пользуетесь естественным светом,
то фотография позволит запечатлеть самый удачный его вариант.
Жаклин Гнот. Персиковый ирис. 2013. Акварель, бумага. 20 × 20 см.

− Фотоаппарат поймает мелкие детали, которые могут ускользнуть из виду,
если посмотреть на постановку под другим углом (например искажения
предметов сквозь стекло).
− Нет необходимости торопиться при изображении предметов, которые

быстро меняют свой внешний вид, таких как цветы и некоторые про-
дукты (например редис).
Я обычно делаю снимок постановки на всякий случай, и затем работаю

с натуры столько, сколько возможно. Я знаю, что камера не передает все
богатство тональных соотношений и цветов, видимое глазу, поэтому ста-
раюсь писать с натуры. Думаю, такая стратегия позволяет воспользоваться
преимуществами обоих методов.
Пополам и еще пополам. 2012. Масло,
деревянная панель. 15 × 15 см. Если вы хотели бы попробовать себя в жанре натюрморта, но не знаете, где
искать объекты для него, предлагаю вам несколько вариантов:
− Для начала оглядитесь вокруг. Возможно, дóма, в частности на кухне,

вас привлечет какой-то обычный предмет, который вы привыкли
Упражнение не замечать.
«Натюрморт, первая проба»
Пройдитесь по своему жилищу
− Сходите в местный супермаркет или на рынок и присмотритесь там
к продуктам, цветам, интересным упаковкам и банкам, сладостям и т. п.
в поисках одного или нескольких про-
стых предметов. Избегайте объектов − Посетите комиссионный магазин. Возможно, там найдутся подходящие
со сложной фактурой или рисунком. тарелки, чашки, вазы, обувь, тканевые салфетки или наволочки и множе-
Я бы советовала выбрать что-нибудь ство других вещей.
незатейливое: фрукты (целые или
разрезанные), овощи, одноцветные
− Не забудьте о блошиных рынках и антикварных магазинах.
чашки или кружки, тарелки, сто- − Загляните в магазины тканей или товаров для творчества, там можно
ловые приборы, вазы, цветы, тостер найти красивую ткань или бумагу для фона.
и т. д. Далее найдите ткань или бумагу
для фона, желательно однотонную,
− Прогуливаясь, обращайте внимание на цветы, листья, камни и другие
природные объекты.
и сделайте постановку. Попробуйте
несколько вариантов освещения − Расспросите друзей на предмет наличия у них симпатичных безделушек.
с разных сторон и под разными углами.
Сравните, как композиция выглядит
на низком столе и на высоком поста-
Пейзаж
менте. Посмотрите на нее через видо- Насколько мне известно, есть два основных подхода к работе над пей-
искатель и попробуйте кадрировать зажем. Один — живопись с натуры, пленэр, и другой — по фотографии. Первый
по-разному (подробнее об этом спо- способ я считаю лучшим для передачи нюансов пейзажа. Конечно, следует
собе — в главе 6). Не торопитесь, най- признать, что пленэру иногда сопутствуют солнечные ожоги и укусы насе-
дите такой ракурс, который покажется комых, а движение солнца и облаков по небосклону способно совершенно
вам самым лучшим, и тогда присту- изменить изображаемый вид. Если вы не запаслись всем необходимым для
пайте к работе. Наслаждайтесь! работы на натуре, первый опыт может стать малоприятным. Но как только вы

разберетесь, что к чему, с большой вероятностью будете обращаться к этому
способу снова и снова, и каждый раз он будет приносить радость.
Барбара Дженике — сторонник пленэрной живописи. По ее мнению,

«ничто так не научит вас ви́дению пейзажа, как присутствие в нем. Я ста-
раюсь использовать каждую возможность для работы на натуре». Часто
работая на открытом воздухе, Барбара сумела развить потрясающее чув-
ство света. Хотя картина «Свежий воздух и солнечный свет» (справа) была
создана по фотографии, очевидно, что она не была бы такой удачной без
многих часов пленэрной работы. «Регулярная живопись с натуры, — говорит
Барбара, — научила меня понимать, как на самом деле падает свет и ложатся
тени в пейзаже. Камера с ее погрешностями неспособна правильно переда-
вать светотени. Собираясь писать по фотографии, я обычно предварительно
обрабатываю ее в Photoshop, чтобы она выглядела максимально прибли- Барбара Дженике. Свежий воздух
и солнечный свет. 2013. Пастель,
женно к пейзажу, как я его помню».
архивная бумага. 20 × 25 см.
Работа по фотографии — другой распространенный метод художников-
пейзажистов. Робин Вайсс добивается отличных результатов как с натуры,
так и с фотоизображения. Вот что он говорит: «Чем больше причин, по которым
пейзажисты предпочитают работу с натуры, тем чаще я стараюсь выходить
на пленэр. Камера неспособна передать информацию, которую мы полу-
чаем посредством глаз и других органов чувств. Несмотря на это, я уверен, что
работа по фотографии ни в коей мере не должна смущать художника: качество
результата не зависит от метода. Чем больше вы пишете с натуры, тем лучший
результат вы получите, работая по фотографии». Иногда обстоятельства —
погода, время и прохожие — делают невозможным выход на пленэр, и в этом
случае работа в студии с фотографией будет идеальной альтернативой.
Использование фотографий для живописи — з начительно более комфортный

способ работы, нежели пленэр, но очень важно осознавать, что возможности
камеры по сравнению с возможностями человеческого глаза ограниченны,
как уже говорилось выше. Для лучшего понимания вообразите себе, что
видимый глазом диапазон тонов — это метровая линейка. Теперь представьте,
что с каждого конца обрезали примерно по 30 сантиметров. То, что оста-
лось, — это диапазон, доступный для передачи камерой. Немного, правда? Робин Вайсс. Лыжня в Сноквалми. 2013.
Возможно, вы и раньше замечали, что тени на фотографии кажутся черными
или очень темными, а небо (или вид за окном) проваливается в белый. Это
и есть «отрезанные концы» — самые темные и самые светлые тона.
Также, скорее всего, вернувшись из отпуска, проведенного в потрясающем месте,

вы нередко обнаруживали, что фотографии вовсе не передают всей красоты
увиденного. Так получается потому, что диапазон цветов, которые мы видим,
и их насыщенность недоступны техническим возможностям камеры. Кроме
того, цвета на фотографии обусловлены настройками фотоаппарата. Например,

если вы снимаете в автоматическом режиме, камера по умолчанию считает, что
сейчас — яркий солнечный день, даже если это не так, что значительно влияет
на цветопередачу. (Для более реалистичного отображения цветов я использую
режим «Р», который, к сожалению, есть не у всех фотоаппаратов.
«Серфингистка» (слева) кисти Рэндалла Когберна — великолепный пример

пейзажа, основным объектом изображения которого является вода. Рэндалл
в основном старается писать с натуры, но так уж вышло, что, хотя океан и служит
предметом его восхищения, живет художник не на побережье. Поэтому ему при-
ходится писать по фотографиям. «Живопись на пленэре — серьезное испытание.
Но если картина получится удачной, вы испытаете с чем не сравнимое удо-
вольствие. Это вы поймете сразу по тому, как вам удалось передать освещение
и как тона облаков, неба, воды и суши дополняют друг друга»., — рассказывает
Рэндалл. Он полагает, что благодаря частым занятиям живописью научился
«наблюдать, смешивать краску, класть мазок — и повторять это снова».
Если раньше вы не писали в этом жанре, возможно, вам интересно, куда

лучше отправиться на пленэр или где сделать хорошие фотографии для
работы в студии. Могу предложить несколько идей.
− Посещайте парки (большие и маленькие, местные, городские или

национальные), это кладези прекрасных видов.
− Поезжайте на автомобиле за город, там откроются потрясающие кра-

соты: небо, облака, поля, амбары, ручьи, речки, холмы вдали, деревен-
ские тропки и многое другое.
− На пляже найдется вдохновение для пейзажа с водой, дюнами, утесами,

пещерами и т. д.
Рэндалл Когберн. Серфингистка. 2013.
Масло, деревянная панель. 20 × 20 см. − Присоединитесь к местной пленэрной группе, чтобы ходить с ними
в проверенные места. Вы всегда сможете рассчитывать на товарище-
скую поддержку. К тому же, возможно, они имеют организованный
доступ в закрытые для посещения объекты частной собственности или
предпринимают совместные творческие поездки.
Животные
Как вы, возможно, догадываетесь, животных особенно сложно рисовать
с натуры, хотя некоторым это удается. Я также знаю нескольких человек,
которые могут идеально нарисовать лошадь по памяти! Но если вы похожи
на меня (обычного человека), скорее всего, вы предпочтете рисовать
животное по фотографии.
Дин Шелтон. Этюд с облаками — 2. 2013. Акварель, бумага. 12 × 18 см.

Однако сфотографировать животное, точнее, сделать снимок, достойный уве-
ковечения на холсте, — также нелегкая задача. Животные пугливы, подвижны,
их трудно заставить сидеть спокойно, они проявляют любопытство и никогда
не хотят находиться там, где вам нужно.
Могу сказать, что время в этом случае — ваш единственный помощник. Лучшие
фотографии животных получались, когда я подолгу возилась с ними в ожи-
дании удачного момента. И тогда главная задача — успеть нажать кнопку!
Нади Спенсер в числе прочего замечательно удаются портреты животных.

Желающим сделать удачное фото она советует: «Не завышайте ожиданий!
Начинайте снимать, привлекайте их внимание, издавайте всякие звуки —
и снимайте, как заведенные». Нади пишет портреты собак по заказам
со всего мира, поэтому часто ей приходится пользоваться фотографиями,
сделанными хозяевами. Клиенты готовы слать их в огромном количестве,
и она выбирает те снимки, которые ей нравятся, иногда совмещая элементы
с разных фотографий на одной картине. Как она говорит, «им трудно понять,
чего я хочу от фотографии, поэтому лучший портрет получается тогда, когда
они предоставляют мне возможность выбирать». Любовь Нади к собакам
началась в четырехлетнем возрасте. «Любоваться прекрасным животным,
общаться с ним посредством взгляда, чувствуя единение, — вот то, что я ста-
раюсь делать с помощью кисти», — рассказывает Нади.
Рита Киркман также работает над изображениями животных по фотогра-

Нади Спенсер. Уиллоу. 2013. Акрил, холст. фиям. Маслом или пастелью Рита раз за разом создает волшебные произ-
40 × 20 см.
ведения с богатой цветовой палитрой и выразительным освещением, такие
как «Крольчонок» (слева). Она предпочитает фотографировать на ферме «в сол-
нечный день, и лучше всего, если солнце находится низко и немного позади
животного». Вот в чем секрет ее впечатляющих работ. «Если вы собирае-
тесь снимать очень подвижных животных, таких как кролики или утки, камера
с режимом серийной съемки, которая может делать несколько кадров в секунду,
будет незаменимой! Просто нажмите кнопку и не отпускайте! Это почти так же,
как снимать видео!», — советует Рита. Она также рекомендует «поворотный
экран в качестве видоискателя. Это дает возможность снимать маленьких
животных с высоты их роста, держа камеру в районе коленей, что избавит
вас от необходимости сидеть на корточках. И вам не придется терять время,
выпрямляя ноги, чтобы пуститься в погоню, если они вздумают дать стрекача».
Если вы еще не видели портреты кошек кисти Дайан Хоптнер, вас ждет при-
ятный сюрприз. Ей удается передать ощущение мягкого, пушистого меха,
а в качестве фона она часто использует гобелен, который идеально гармони-
рует с царственным видом кошек. Дайан считает, что сделать удачную фото-
Рита Киркман. Крольчонок. 2013. графию сложно, потому что «мои кошки предпочитают проводить время,
Пастель, пенокартон. 15 × 15 см.
Дайан Хоптнер. Кот-дракон. 2012. Масло, деревянная панель. 25 × 25 см.

удобно развалившись и уставившись в пространство. Заставить их посмо-
треть вверх, вытянуть лапу или поиграть почти невозможно! Лучше всего
снимать спереди на уровне земли или, чтобы получить интересный силуэт,
немного сверху. Я рекомендую использовать дневной свет и делать гораздо
больше кадров, чем планируется использовать». Дайан также советует уста-
навливать на камере режим «макро» для съемки с близкого расстояния
и отключать вспышку, чтобы освещение было естественным.
Дайан говорит, что ей удалось повысить свой художественный уровень мно-

гочисленными портретами кошек. «Желание запечатлеть их постоянно чере-
дующееся, то величественное, то проказливое поведение, избегая клише
или чрезмерной умилительности, стало моей страстью. И это, в свою очередь,
помогло мне изменить подход к живописи в целом».
Кэтрин Харли для создания динамичных анималистических портретов

использует самые разные материалы — масло, пастель, уголь, акрил, гуашь.
Своей целью она видит передачу «эмоций, индивидуальности и манер
животного». Кэтрин делает большое количество фотографий, пока не убе-
дится, что ей удалось поймать «подходящее для портрета выражение». «Мне
также нравится снимать прилавки продовольственных рынков, особенно
рыбные! Гораздо больше шансов сделать удачный кадр, если модель не дви-
гается (и я рискую только тем, что меня сочтут сумасшедшей, которая фото-
графирует мертвую рыбу!)», — говорит она. Кэтрин считает, что писать рыбу
с таких снимков — «почти как писать абстракцию, когда объект становится
вторичным. Я могу сконцентрироваться на композиции, текстуре и цвете».
Если вы хотите попробовать себя в изображении животных, но домашних

питомцев у вас нет, предлагаю вам несколько решений.
Кэтрин Харли. Свежая рыба — 1. 2013.
− Одолжите животное у друзей или сходите в парк, где выгуливают собак,
и попросите разрешения у владельцев сфотографировать их питомцев.
− Посетите контактный или обычный зоопарк — они не только для детей!

− Если пораньше приехать на животноводческий рынок, до начала
активной торговли, можно сделать много интересных снимков коров,
коз, овец и других животных.
− Можно попробовать опросить поставщиков фермерских продуктов,

не позволят ли они провести день в их хозяйстве за съемкой животных
(для убедительности покажите им свои работы).
− Опубликуйте в своем блоге объявление о том, что пишете портреты

домашних животных, и предложите желающим прислать фотографии.
Можно предложить подарить картину в обмен на то, чтобы вас пореко-
мендовали своим знакомым.

Люди
Люди, пожалуй, самый сложный для изображения объект, особенно если
вы поставите себе задачу передать внешнее сходство. Многие худож-
ники, пишущие ежедневно, предпочитают сюжеты с изображением людей,
но не всегда они должны быть узнаваемыми. Иногда человек — второсте-
пенный персонаж в картине. Я принадлежу к числу художников, увлекающихся
изображением сценок из повседневной жизни, и для этих случаев предпо-
читаю обращаться к помощи фотографии.
Съемка в общественных местах требует сноровки. Люди часто бывают подо-

зрительны. Если же просить разрешения сделать снимок, можно потерять
время и упустить интересную позу. Я придумала несколько способов обра-
щать на себя меньше внимания во время съемки (и, как следствие, не прово-
цировать негативную реакцию).
− Я стараюсь одеваться так, чтобы не выделяться из публики (выбираю

одежду черного или приглушенного цвета и избегаю яркой бижутерии
и аксессуаров).
− В качестве видоискателя я использую откидной экран фотоаппарата,

поэтому для съемки мне не приходится подносить его к лицу.
− Я делаю максимальное приближение во время съемки или кадрирую

снимки при последующей обработке.
− Для маскировки можно попросить друга попозировать рядом

с выбранным объектом.
− Я снимаю не только объект, но и дополнительно окружающую обстановку.

Кэти Уэбер. Официанты ждут. 2013.
Кэти Уэбер специализируется на сюжетах с участием людей. Она всегда Масло, деревянная панель. 20 × 25 см.
берет с собой маленькую цифровую камеру и запасной аккумулятор к ней.
Ее модель фотоаппарата включает лазерную подсветку непосредственно
перед тем, как сделать снимок, но она нашла выход, заклеив лампочку
маленьким кусочком непрозрачного скотча. Одна из моих любимых картин
ее авторства — «Официанты ждут» (справа).
Интересные сюжеты, в которых присутствуют люди, можно найти в самых

разных местах. Вот несколько примеров.
− Уличные рынки и ярмарки.

− Деловые районы города.
− Пляжи.
− Аэропорты, железнодорожные станции и автобусные остановки (или
интерьер общественного транспорта).

− Места, популярные среди туристов.
− Кафе и рестораны.
− Вестибюли гостиниц.
− Музеи и галереи.
Белинда Дель Песко избежала проблем, связанных со съемкой незнакомцев,
поскольку предпочитает писать людей, которых знает лично. В поисках
сюжетов с участием друзей и близких она просматривает семейные аль-
бомы. «Мне кажется, что именно знакомые черты, жесты и выражения лиц
невероятно интересно писать, рисовать и вырезать, потому что во время
работы меня сопровождают мысли об этом человеке или обстоятельствах,
когда была сделана фотография, как если бы они были здесь, со мной, в моей
студии. Периодически я изображаю выдуманные лица и фигуры, но в них
всегда обнаруживается сходство с кем-нибудь из друзей или членов семьи,
потому что их черты хранятся в моей мышечной памяти, которая непре-
менно вмешивается в творческий процесс».
Белинда предпочитает писать по фотографии «в основном потому, что это при-

вычный способ, а работа с натуры — совершенно другой коленкор. Мои друзья
и члены семьи слишком заняты для того, чтобы позировать мне в течение часов
или дней, которые требуются мне для создания картины». Когда я попросила ее
дать несколько советов начинающим художникам, она порекомендовать писать
портреты друзей и/или близких, если вы раньше этого не делали. «Поскольку
вам уже хорошо знакомы их черты — глаза, улыбка, форма кончика носа, — нет
необходимости изучать и анализировать лица, вместо этого можно сосредото-
Белинда Дель Песко. Уйти или читься на передаче характера, — говорит Белинда. — Вы уже знаете, как их нари-
остаться. 2013. Линогравюра совать, поэтому сконцентрируйтесь на том, что вы видите, что соответствует пра-
и акварель. 5 × 10 см. вилу: пишите то, что вы видите, а не то, что знаете».
Еще один жанр изображения человека — портрет. В этом случае главная

задача — добиться узнаваемости. Если чуть уменьшить расстояние между
глазами или сделать рот немного шире, внешнее сходство может быть уте-
ряно. При работе с натуры я рекомендую измерять пропорции с помощью
кисти и пальцев (подробнее об этом — в главе 6). Если вы рисуете по фото-
графии, возможно, стоит воспользоваться сеткой, начертив одинаковое коли-
чество ячеек на фотоизображении и на рабочей поверхности. Также можно
использовать фотопроектор, чтобы спроецировать фотографию на рабочую
поверхность и обвести. Ни один из этих способов не является мошенниче-
ским, что бы там ни говорили!
Фелиция Маршалл. Очки, какие очки! 2013. Масло, деревянная панель. 20 × 25 см.

Фелиция Маршалл создает очень живые портреты, в основном детские, и, как
правило, работает по фотографии. «Я обожаю фотографию, — говорит Фелиция. —
Живопись для меня — удовольствие. Но я не могу позволить себе роскошь посвя-
щать ей столько времени, сколько мне хочется, и поэтому пользуюсь любой сво-
бодной минутой. Для меня писать по фотографии — просто спасение». Когда
я спросила Фелицию, что привлекает ее больше всего в изображении человека,
она ответила: «У каждого есть своя история. Но не все думают, что она достойна
того, чтобы ее рассказать. Мне нравится ловить не те моменты, которые мы счи-
таем неповторимыми и особенными, а те, которые кажутся обычными».
Если вы хотите писать с натуры, но никто из знакомых не соглашается вам

позировать, поищите местный класс рисования, для которого позируют модели.
Они часто проводятся при университетах или в домах творчества. Так посту- Всё обо мне. 2011. Масло, дере-
вянная панель. 15 × 15 см
пают многие художники, пишущие ежедневно, и потом успешно продают
свои работы. Прекрасный тому пример — рисунок «Черный и белый № 24»
(слева) Майкла Миколона, выполненный тушью. Майкл проводит такие классы
в своей студии еженедельно и говорит, что «упражняться в рисовании чело-
веческой фигуры — то же самое, что ходить в спортзал. Качается рисовальный
мускул, и мастерство растет. Самое важное из того, что дало мне частое изо-
бражение обнаженной фигуры, можно сформулировать одним словом — выра- Упражнение «Автопортрет»
зительность. И это работает для всех жанров, рисунок — ключ к живописи».
Есть два способа справиться с этим
заданием — с натуры и по фотографии.
Автомобили и здания 1. Возьмите зеркало и установите
Старые автомобили, грузовики и тракторы — одни из моих любимых объ- его так, чтобы одновременно видеть
ектов для живописи, и мне кажется, что мое пристрастие к ним разделяют отражение и рабочую поверхность.
и другие художники. Я знаю несколько мест в США, где их очень много Пожалуй, это более сложный вариант
(например Кинг Майн в Джероме, штат Аризона), и еще несколько припарко- из двух, поскольку удерживать опре-
ваны в разных точках маленьких и больших городов, но большинство распо- деленное выражение лица на протя-
лагаются на частной территории. Мудрый совет: если вы собираетесь попро- жении всего процесса работы доста-
сить у владельца разрешение нарисовать его машину, формулируйте просьбу точно сложно.
четко, главное — чтобы вместо «можно ли написать вашу машину?» ему
2. Сделайте несколько своих фото-
не послышалось «расписать». А еще лучше — покажите несколько своих картин.
графий или попросите кого-нибудь
Майкл Нейплз — художник, пишущий ежедневно, в основном специализи- сфотографировать вас. Я заметила,
руется на натюрмортах, но иногда выдает великолепные картины с изобра- что, снимая сама себя, я решаюсь на
жением старинных автомобилей (одна из его работ на следующей странице). более интересные выражения лица, —
Он находит их, колеся по своему городку, и предпочитает фотографиро- просто поверните камеру объективом
вать в свете закатного солнца, создающем красивую игру бликов и атмо- к себе и экспериментируйте. Сделайте
сферу. Майкл работает преимущественно по фото, потому что, как он говорит, больше кадров, а затем напишите наи-
«сейчас мой образ жизни таков, что я могу писать только ночью, когда солнце более понравившийся.
давно ушло». Его привлекают линии кузова, детали, сияющая краска и хром,
Майкл Миколон. Черный и белый № 24. 2013. Тушь, картон. 32 × 24 см.

но при этом ценность для него представляет «не конкретная марка или
модель транспортного средства, а скорее освещение и композиция картины».
Здания и дома — также популярные объекты среди художников, пишущих

ежедневно. Я люблю проводить по нескольку часов или дней, блуждая
по небольшим городкам и столицам или отправляясь на автомобиле на заго- 1
родную прогулку в поисках интересных видов. У меня есть несколько
золотых правил для таких вылазок.
− Будьте открыты всему, что видите. Смотрите непредвзято.

− Глядя на понравившийся вид, прищурьтесь, чтобы понять, насколько
визуально интересны его тональные соотношения.
− Примите как факт, что, сколько бы фотографий вы ни сделали, полез-

ными окажутся единицы.
− Позаботьтесь о запасе воды и еды: недовольный художник — неудачная 2

поездка.
1. Фото, сделанное для картины
«Затененный угол» в Сан-Франциско,
В эту категорию я включила также городской пейзаж, поскольку, так или 2013.
иначе, это изображение здания или группы зданий. День, проведенный 2. Затененный угол. 2013. Масло
в скитаниях по центру города, для меня — блаженство, и я также пользуюсь на деревянной панели. 15 × 15 см.
перечисленными выше правилами. Удачные кадры можно сделать в любое
время дня, но я предпочитаю эффектное освещение, которое можно поймать
поздним утром или ранним вечером. На иллюстрации вы видите городской
пейзаж, который написан по фотографии, сделанной в утренние часы в Сан-
Франциско. Я назвала его «Затененный угол» (справа).
Хочу поделиться с теми, кто предпочитает работать по фотографии, про-

стым трюком, который позволит разглядеть на вашем снимке детали в тени.
Его суть в том, что затененные участки осветляются индивидуально, не затра-
3
гивая остальную площадь изображения. Я пользуюсь Adobe Photoshop, но ана-
логичная функция есть и в других программах редактирования изображений.
В Photoshop она называется «тень/свет» и находится в меню «Изображение
> Настройки». Откройте нужную фотографию в программе, а затем выбе-
рите в меню пункт «тень/свет». Появится диалоговое окно с двумя «ползун-
ками» (один для теней, другой для света). На примере справа верхнее изобра-
жение — это оригинальный кадр, а нижнее я высветлила, изменив положение
4
«ползунка», регулирующего насыщенность тени (я передвинула его немного
вправо, а настройки света не изменяла). Таким способом я обрабатываю почти 3. Фото окон в Сан-Франциско,
все фотографии, с которыми собираюсь работать. Однако, если чрезмерно до обработки. 4. Эта же фотография,
увлечься использованием этого инструмента, можно потерять контраст изо- обработанная в Photoshop с
бражения, поэтому я оперирую им с осторожностью. помощью функции «тень/свет».
Майкл Нейплз. Старинный автомобиль. 2010. Масло, деревянная панель. 30 × 30 см.

Кристин Бэйл — п рекрасный пейзажист, предпочитает писать с натуры.
Главным для себя художник считает «понимание того, как свет работает
в картине». Ей кажется, что пленэр — «лучшая студия для изучения света».
Она пользуется фотографиями только как дополнением к наброскам, сде-
ланным ею на натуре. Выбирая вид для картины, Кристин прислушивается
к своему внутреннему голосу, и когда он говорит ей: «Здесь и сейчас!» — это
значит, что «есть место, где можно расположиться, не слишком много вне-
шних раздражителей, достаточно времени для работы над объектом и т. д.».
Главное — «правильно переданное настроение, а не фотографическая точ-

ность». Кристин написала восхитительный этюд «Радикондоли» (слева)
во время своего пребывания в Тоскане.
Многие художники увлекаются интерьерами. Популярностью пользуются

изображения внутреннего убранства частных домов или публичных мест —
музеев, галерей, железнодорожных станций, ресторанов, кафе и других.
Кристин Бэйл. Радикондоли. 2013. Можно пойти дальше и написать интерьер, например холодильника, как
Водорастворимая масляная поступила Джо Маккензи, создав изумительную миниатюрную акварель
краска, бумага для масляной
«Холодильник — 2» (слева внизу). Джо изображает самые разные объекты
живописи. 15 × 20 см.
и говорит, что ей нравится пробовать что-то новое: «Чем более сложный
я выбираю предмет, тем с бóльшим рвением принимаюсь за работу. Потому
что, если картина выйдет неудачной… ну что ж, я и не надеялась, что у меня
получится. Зато если я добьюсь успеха, я буду счастливее, чем могла себе
представить!» Джо также отмечает, что «неважно, если вы никогда не рисо-
вали холодильник… Любой объект — это форма, тон и цвет… Нарисуйте их —
и получится картина. Я живу этими моментами внезапных откровений».
Я написала несколько интерьеров с натуры, но обычно предпочитаю делать

фотографии понравившихся мест, где мне повезло побывать, а работаю
над ними позже в студии. При этом я стараюсь помнить, что фотография
содержит гораздо меньше информации, чем доступно зрению. Поэтому при
работе по фото я себя ничем не ограничиваю и позволяю себе всякие худо-
жественные вольности. Могу исключить непонравившиеся линии, изменить
цвет одного или нескольких объектов, упростить или ввести группу людей
и т. д. Фотография работает на меня, а не я на фотографию.
Джо Маккензи. Холодильник — 2. Эрин Дертнер делит свое время между пленэром и работой в студии
2013. Акварель, бумага. 18 × 25 см. по фотографии. Но для работы в студии она использует немного модифици-
рованный подход: «Поскольку я провела на пленэрах бессчетное множество
часов, я знаю, какие коррективы нужно вносить при работе по фотографии.
Тени, например, не черные, а состоят из многих тонов и цветов». (Ее картину
вы видите на странице справа.)
Эрин Дертнер. Приглашение отдохнуть. 2012. Масло, деревянная панель. 15 × 20 см.

Под прикрытием. 2012. Масло, деревянная панель. 13 × 18 см.
Упражнение «Изучайте окрестности»

Возьмите свой фотоаппарат и прогуляйтесь недалеко от дома в поисках вида, который
вас заинтересует. Старайтесь мыслить непредвзято. То, что на первый взгляд покажется
уродливым, может оказаться сюжетом с потрясающе интересными цветами и тональными
соотношениями. Делайте как можно больше кадров: на один хороший придется сотня
негодных. Дома рассмотрите снимки на экране компьютера, с увеличением и в подроб-
ностях. Прищуривайтесь, чтобы понять, насколько интересная у каждого из них компо-
зиция и тональный рисунок (включите природное чутье). Выберите одну фотографию, кад-
рируйте ее и подберите поверхность с аналогичными пропорциями. Можно распечатать
снимок или работать, глядя на экран компьютера (или планшета).
Рэндалл Типтон. Тихий ручей летом. 2011. Масло, холст. 25 × 76 см.

Абстрактные картины
Сама я не занимаюсь абстрактной живописью, но могу назвать себя ее цени-
телем. У меня абстрактное искусство ассоциируется с геометрическими фор-
мами, объединенными с цветом для создания интересного образа.
Рэндалл Типтон — великолепный художник из Портленда, штат Орегон. Его

картины я назвала бы абстрактными пейзажами. Он заимствует природные
элементы и объединяет их с воображаемыми, используя для работы разные
материалы и поверхности. От созданных им красочных видов захваты-
вает дух.
«Я не стараюсь изобразить пейзаж таким, каким он предстает взгляду. Объект

картины — это мои эмоции, связанные с этим местом, — говорит Рэндалл.
Я использую абстрактные элементы, чтобы усилить впечатление от объектов,
которые привлекли мое внимание. В картине „Тихий ручей летом“ я хотел
передать оцепенение природы, когда в жарком воздухе почти ничто не дви-
жется и от земли поднимается легкий запах сырости там, где лежат тени.
Изображая заболоченные участки, я наносил хаотичные мазки, символи-
зирующие кишащую в них разнообразную живность. То, насколько я соби-
раюсь отойти от реальности, обусловлено объектом и моими возможностями
выделить те его стороны для зрителя, на которых я хочу сфокусировать вни-
мание. Я считаю, что мои самые удачные работы лишь подразумевают пейзаж
и передают ощущение от него, а не описывают его буквально».
Лиза Дэриа предпочитает рассказывать о знакомых объектах языком

абстрактной живописи. Вдохновение для своих натюрмортов она находит
в незатейливых цветах.
Она пишет акрилом крупными, широкими мазками в выразительном мини-
малистском стиле. Ее картины просто завораживают взгляд, как «Беседа
за столом» (слева).
Лиза никогда не делает предварительный рисунок до работы с краской,

свою работу она описывает так: «Детали меня не слишком интересуют,
поэтому я концентрируюсь на том, чтобы охарактеризовать увиденное,
используя минимальное количество форм, мазков и цветов. Так получается
абстрактная картина в свободной технике». Лиза создает свои миниатюры
ежедневно, чем вдохновляет всех нас. «Каждый мой день отмечен картиной
(даже Рождество!), — говорит она. — Я встаю в пять утра, чтобы поработать,
и если времени у меня мало, я ограничиваюсь форматом 10 × 10 см. В моло-
дости я заболела раком и сделала для себя вывод, что жизнь — это не только
выживание. И маленькая, глубоко личная картина — кирпичик в стену, которая Элизабет Чапман. Пикантность.
2012. Акрил, холст. 20 × 20 см.
охраняет меня».
Элизабет Чапман — абстракционист в более традиционном смысле. Она объеди-

няет выполненные акриловой краской объемные мазки разных цветов в обман-
чиво простые комбинации. Варьируя четкие и смягченные края и чередуя
геометрические формы, она создает работы в малых и больших форматах,
которые очаруют даже тех, кого не назовешь поклонником абстрактной живо-
писи. Элизабет вдохновляют самые разные вещи, включая «музыку, виды и пей-
зажи, воспоминания, работы других художников, цвета, людей и даже хорошую
еду». Когда я спросила Элизабет о процессе работы над картиной, она сказала:
«Самым важным я считаю позволить картине направлять меня с самого начала.
Попытки изменить что-то, что кажется органичным, приводят к разочарованию.
Происходит диалог между художником и картиной, в ходе которого я вначале
внимательно слушаю, а затем отвечаю с помощью линий, форм и цветов».
Некоторые художники выбрали для себя продуманный, абстрактный дуд-

линг, прекрасно подходящий для небольшого формата. Кармен Бичер — одна
из них, автор картины «Карнавал» (справа) — небольшого шуточного рисунка,
выполненного ручкой и тушью на бумаге.
«Как художник, пишущий ежедневно, — говорит Кармен, — я специализируюсь

на рисунке, живописи и коллаже. Я стараюсь выделять время для освоения
новых техник, но не слишком много, поскольку часов в сутках не столько,
сколько хотелось бы. Если масляная живопись «не идет» или мне надоедает
несколько дней подряд писать похожие объекты, я берусь за дудлинг и создаю
Кармен Бичер. Карнавал. 2013. Ручка
собственные фантастические миры с помощью ручки. Это медитативный про- и тушь, бумага. 20 × 25 см.
цесс, в котором невозможно предсказать, каким получится результат, как (по мотивам Zentangle).
в рисунке «Карнавал», родившемся из большой загогулины».
Лиза Дэриа. Беседа за столом. 2013, Акрил, МДФ. 15 × 15 см.

4 Тональные соотношения
Тон — показатель того, насколько цвет темный или светлый, и, скорее всего,
это самый важный элемент для убедительного изображения трехмерных
объектов и создания визуально интересных работ, независимо от используе-
мого материала! Это особенно актуально для художников, которые выстав-
ляют свои картины в онлайн-галереях, где маленькое изображение должно
хорошо читаться, чтобы потенциальный покупатель захотел рассмотреть уве-
личенное изображение (и затем, возможно, приобрести). Тональное соотно-
шение играет ключевую роль в том, насколько привлекательной выглядит
картина, а следовательно и в том, будет ли она пользоваться успехом
у покупателей.
Кроме того, создавая точное и визуально привлекательное тональное соот-

ношение, вы приобретаете возможность экспериментировать с техникой,
использовать искажения и преувеличения в чем угодно (пропорциях, цветах,
манере и т. д.). Если вы умеете управлять тональным контрастом, весь мир
будет у ваших ног.
Точность
Чтобы точно отобразить тональное соотношение, нужно постоянно сравни-
вать каждый тон со всеми остальными тонами вашего объекта, а не только
тона, расположенные по соседству друг с другом, — это часто встречающееся
заблуждение. Прищуривайтесь как можно чаще — я готова повторять это снова
и снова. Запишите и повесьте себе на мольберт табличку «Прищурься!», и пока
прищуривание не станет вашей постоянной привычкой и область вокруг глаз
не покроется мимическими морщинами (это та жертва искусству, которую
стоит принести!), не снимайте эту записку. Я предпочитаю закрыть один глаз,
а другой прищурить. Некоторые мои студенты просто снимают очки.
68
Сощурившись, вы можете увидеть объект целиком, или, как я предпочитаю
выражаться, оценить общую картину. Обычно мы склонны фокусировать
зрение на небольшом пространстве, прищуривание же препятствует этому.
Детали выглядят нечеткими, и это не позволяет уделять им излишнее вни-
мание в ущерб всей картине. Конечно, детали могут играть важную роль
в изображении, но иногда они мешают оценить общую картину на начальном
этапе работы.
Верная передача тональных соотношений вызывает наиболее значительные 1 2

затруднения у моих студентов. Мой совет: если вы испытываете слож-
ности в работе с тонами, потренируйтесь в изображении простых объектов, 1. Образец натюрморта в черно-белом
изображении: чашка и ложка.
используя уголь и бумагу. Работайте с натуры (поскольку камера сильно
2. Образец разбивки на четыре
искажает тона), и, прежде чем начать, задайте себе вопросы: где самый основных тона (пять, включая
темный тон? где самый светлый тон? как на тональной шкале расположены блики) — тональная схема. Видите,
остальные тона? насколько все тона контрастны по отношению друг к другу? где тона одинаковые?
Возможно, удобнее будет, если области одного тона держать в голове в виде
обобщенных форм. Если вы разобьете постановку или фотографию на четы-
ре-шесть тонов, то окажете себе большую услугу. Таким способом вы мыс-
ленно сформируете тональную схему будущей картины, которая поможет
вам приступить к процессу и упростит его.
В первом примере (справа вверху) я разделила изображение чашки на четыре

основных тона. На самом деле их пять, если считать блики. Но поскольку
блики самые светлые и количество их незначительно, я обычно их не учи-
тываю. Распространенная ошибка моих студентов — принимать блики за один
из светлых тонов, из-за чего они не всегда выглядят достаточно яркими. Одно
из преимуществ смешивания краски на белой палитре состоит в том, что я всегда
могу сравнить замес краски для самого светлого тона с белым, чтобы оценить, 3 4
достаточно ли контрастными по сравнению с ним будут смотреться блики.
3. Образец натюрморта — желтый
В черно-белом изображении гораздо проще оценить тональное соотно- чайник и чашка. 4. Образец разбивки
шение, чем в цветном, хотя суть одинакова. Прищурьтесь, сравните и запо- на пять основных тонов (шесть, включая
мните. Цвета могут отличаться от приведенных в примере с чайником блики). Обратите внимание, что области
разного цвета могут иметь один тон.
и чашкой справа, но тональная схема останется неизменной. Например,
в этом случае самая светлая часть фона имеет тот же тон, что и падающая
тень от чашки. Сощурившись, вы легко это заметите.
В развитии навыка правильной передачи тональных соотношений большое

значение имеет наблюдательность. Занимаясь своими повседневными
делами, обращайте внимание на окружающие предметы и оценивайте их
тональные соотношения. Прищуривайтесь — но только не за рулем!
Тональные соотношения 69

Привлекательная тональная композиция
Давным-давно кто-то сказал мне, что неравное соотношение тонов в компо-
зиции дает более динамичное изображение. Что же это значит? Пусть у вас
есть только три основных тона — темный, средний и светлый и вы распола-
гаете их так, что каждый занимает одинаковую площадь. Результат выглядит
довольно скучно (на рисунке 1). 1
Но если вместо этого первым тоном заполнить больше половины пло-
щади, вторым — больше половины оставшейся площади, а третьему оста-
вить совсем немного, тональная композиция сразу становится гораздо более
интересной визуально. В этом случае первый тон я называю доминирующим,
второй — второстепенным, а третий — подчиняющимся (на рисунке 2).
1. Три тона — т емный, средний

и светлый — в равном соотношении.
Скучно! 2. Три тона — т емный, средний
и светлый — в неравном соотношении:
темный средний светлый доминирующий, второстепенный и под-
чиняющийся. Гораздо более динамично!
Шкала тонов, разделенная на темный, средний и светлый тона.
Вы полностью управляете тональной композицией, особенно при работе

над натюрмортом, и решаете, какой выбрать объект, какой тон будет иметь
фон, под каким углом будет падать свет, насколько кадрировать объект и т. д.
В зависимости от распределения тонов можно добиться определенной атмо-
сферы в изображении. Например, картина, где доминирует (то есть занимает
самую большую площадь по сравнению с остальными) темный тон, скорее
всего, будет казаться драматичной или мрачной. Если доминирует светлый
тон, то настроение будет легким и даже веселым (примеры можно найти
на следующей странице).
Помните, что глаз склонен обращать внимание на подчиняющийся

(занимающий наименьшую площадь) тон. Если в поле вы видите стадо Еще одна моя работа, конвертиро-
черных овец, в которое затесалась одна белая, куда вы будете смотреть? ванная в черно-белое изображение.
На белую овцу. Доминирующий тон здесь темный,
второстепенный — средний, подчиняю-
щийся — с ветлый. Начинаете понимать?
Одна из моих картин, конвертированная в черно-белое изображение, так что вы можете видеть только тона. Доминирующий
(занимающий наибольшую площадь) здесь средний, второстепенный — светлый, подчиняющийся — темный. Видите?

Упражнение «Тональный этюд»
Создайте постановку, в которой есть доминирующий, второстепенный
и подчиняющийся тона. С помощью видоискателя определите композицию.
Можно изображать все тона, которые вы видите, необязательно ограничи-
ваться тремя. Ваша задача — отнести каждый тон к одной из трех категорий:
темной, средней или светлой. Если вы собираетесь писать маслом, восполь-
зуйтесь одним из нижеследующих способов выполнения этого упражнения.
1 2 1. Для первого тонируйте деревянную панель или холст жженой умброй,
смешанной с небольшим количеством растворителя без запаха,
1. Кианги Хонг. Вечная роза. 2013.
Масло, деревянная панель. 15 × 15 см. и вытрите бумажным полотенцем до получения среднего тона. Далее
2. «Вечная роза» в черно-белом пишите темными тонами и вытирайте светлые бумажным полотенцем
изображении. Здесь доминирует темный или ватными палочками (если смочить их растворителем, можно
тон, второстепенный тон — средний, вытереть до белого).
подчиняющийся — светлый. Настроение
картины в целом драматичное. 2. Второй способ подойдет также для акрила. Смешайте черную и белую
краски, чтобы получились три серых тона, а черный и белый исполь-
зуйте как четвертый и пятый тона.
Цель упражнения — максимально точно воспроизвести тональные соотношения,

соблюдая правило неравенства (доминирующий, второстепенный и подчиняю-
щийся тон). Постарайтесь не делать слишком много попыток. На уроках я огра-
ничиваю студентов тремя, меняя композицию для каждого варианта: на первую
двадцать минут, на вторую — десять, на третью — пять. Повторяйте это упраж-
нение почаще. Чтобы приобрести навык, потребуется время!
Тональный этюд шаг 1: тонируйте дере-

1 2 вянную панель или холст. Я использую
масло, поэтому работаю первым методом
1. Ориана Касисек. Первый поцелуй и тонирую поверхность умброй жженой.
/ Настоящая любовь. 2013. Масло,
льняной холст. 15 × 15 см.
2. «Первый поцелуй / Настоящая Тональный этюд шаг 2: наметьте композицию
любовь» в черно-белом изображении. неразбавленной умброй жженой.
Доминирующий тон — средний,
второстепенный — светлый, подчи-
няющийся — темный, что создает
легкую, веселую атмосферу.
Тональный этюд шаг 3: начинайте вытирать светлые
тона бумажным полотенцем. Если обмакнуть его
в растворитель, вытираемые области будут светлее.
Тональный этюд шаг 4: готово. Теперь проверьте,

насколько ваши тональные соотношения
соответствуют первоначальной схеме. В данном
случае доминирует светлый, второстепенным
стал средний, подчиняется темный.

Правило неравенства — один из способов получения правильного тональ-
ного соотношения, но не единственный. Надеюсь, оно заставит вас заду-
маться о важности тональной композиции.
Я поняла, что, как правило, могу доверять своей интуиции в части создания
интересной тональной композиции. Прежде чем взяться за краски, я работаю
над композицией. Для этого я переставляю предметы в моем фотобоксе,
глядя в переносной видоискатель (подробнее о нем — в главе 6) в поисках
интересного ракурса и подходящей композиции. «А что, если кадрировать
вот так? Что будет, если встать здесь?» Я также постоянно щурюсь и спра-
шиваю себя: «Насколько интересны тональные соотношения?»
Я стараюсь избежать ситуации, в которой главный элемент постановки

уйдет на задний план из-за того, что стоящий рядом объект оказался одного
с ним тона. Например, если фон будет среднего тона и мой главный предмет,
яблоко, имеет такой же тон, то яблоко потеряется на фоне, даже если оно 1
другого цвета. Иногда эту проблему можно решить, изменив положение
источника света, чтобы яблоко больше выделялось, а иногда проще поменять
тон фона (пример вы видите справа).
Также учитывайте, что взгляд притягивают области с высоким контрастом.

То есть, если в любом месте картины есть очень светлый участок, располо-
женный непосредственно рядом с темным, это соседство будет привле-
кать к себе максимум внимания. Следите, чтобы такой контраст не оказался
в неудачной точке — слишком близко к краю или ровно в середине.
О тональном соотношении стоит запомнить следующее.
− Тон имеет колоссальное значение независимо от динамичности

изображения.
− Для миниатюриста, ежедневно создающего произведение малого фор- 2

мата, важно, чтобы выставленная в онлайн-галерее картина выделялась 1. Если главный предмет в поста-
среди других. новке — п омидор, он потеряется
− Тональная композиция всегда в ваших руках. в тени чашки, потому что у них
одинаковый тон. Это хорошо видно,
− Управляйте количеством тонов в изображении. если прищуриться. 2. Переместив

помидор, мы спасем его от жизни в тени
− Избегайте низкого тонального контраста между главным и второстепен- другого предмета и вернем под свет
прожектора, где ему самое место.
ными объектами.
− Убедитесь, что самый высокий контраст находится в смысловом центре

изображения или рядом с ним.

5 Смешивание цветов
Художник, который не освоил навыки смешивания цветов, больше времени

проведет за созданием «вытирашек» (картин, которые он потом вынужден
будет стереть), чем за написанием картин, достойных быть выставленными
на всеобщее обозрение. Я изучала колористику самостоятельно, эксперимен-
тируя, и это заняло очень-очень много времени. Есть гораздо более простой,
как мне кажется, способ понять правила смешивания цветов, и смею наде-
яться, что вы тоже найдете его полезным.
Я постараюсь изложить теорию в обычных для колористики терминах.

Кое-что будет касаться исключительно масляной краски, поскольку это мой
основной материал, но в целом эти правила применимы к любому другому
материалу.
Насыщенность
Насыщенностью цвета называют его интенсивность, или хроматичность. Это
Образцы насыщенных цветов свойство не следует путать с тоном, который характеризует степень свет-
лоты цвета. Каждый цвет обладает определенными насыщенностью и тоном
и находится на шкале между светлым и темным, иными словами, между очень
насыщенным/хроматическим и ненасыщенным/ахроматическим (серым).
Далее будем рассуждать о цвете в терминах цветового круга.

Образцы тех же основных Может показаться, что это слишком просто, но важность понимания основ
цветов, но приглушенные
трудно переоценить. Начнем с трех основных цветов: красного, синего и жел-
того (на следующей странице справа вверху). Если у нас есть только один
из них (и это чистый, не смешанный цвет), то мы располагаем очень насы-
щенным цветом. Если мы смешаем два из этих трех цветов, мы получим вто-
ричный цвет (фиолетовый, оранжевый или зеленый), и он тоже будет очень
насыщенным (когда дело дойдет до практики, будет не так просто, но пока
лучше не усложнять). Все эти цвета располагаются снаружи цветового круга.
74
Если взять один из этих вторичных цветов и добавить к нему основной, рас-
положенный в круге напротив него (например, возьмите оранжевый — сме-
шанный из красного и желтого — и добавьте немного синего), получится тре-
тичный цвет. Теперь мы двигаемся внутрь цветового круга, и цвет становится
менее насыщенным. Теоретически, если смешать равные части красного,
синего и желтого, получится ахроматический цвет. Примечание: для цвета
в центре цветового круга я добавила к этой смеси немного белого. 1
3
Упражнение «Смешивание цветов»
1. Цветовой круг с тремя основными
Попробуйте сделать следующее. Смешайте кадмий красный цветами: красным, синим и желтым.
и кадмий желтый светлый, чтобы получился красивый оранжевый 2. Добавлены три вторичных цвета:
фиолетовый, оранжевый и зеленый.
цвет. Отложите его. Теперь смешайте такой же цвет и добавьте
Цвета все еще очень насыщенные
к нему немного ультрамарина. Видите, что этот оранжевый полу- и расположены снаружи цветового
чился менее насыщенным? Для эксперимента добавьте еще синего, круга. 3. Добавлено небольшое
а затем повторите процесс для других вторичных цветов. Поиграйте количество дополнительного
немного с краской. Прочувствуйте, как цвета взаимодействуют друг основного цвета (то есть располо-
женного на цветовом круге напротив)
с другом.
к каждому из вторичных. Новые цвета
сдвигаются внутрь цветового круга
и становятся менее насыщенными.
Смешивание цветов 75

Серый — важная персона
Я предпочитаю называть цвета, находящиеся внутри цветового круга,
серыми. Любой цвет, полученный смешиванием трех основных цветов
(в любых пропорциях), на языке Кэрол называется серым.
Серый = синий + красный + желтый (и, возможно, белый).
Или лучше сформулировать так: одни цвета более серые, чем другие. Для
примера начнем с насыщенного красного (вверху) — кадмий красный, непо-
средственно из тубы. Затем постепенно будем добавлять к нему кадмий
желтый светлый и ультрамарин примерно в равном количестве, чтобы полу-
чался все более и более «серый» красный. В приведенном примере красный
также становится темнее, поскольку ультрамарин затемняет замес сильнее,
чем желтый высветляет.
Не могу вспомнить, сколько раз, когда я писала картину во время урока,

чтобы студенты получили представление о процессе, я слышала вопрос: «Из
каких цветов вы смешали этот цвет?» Ответом будет, как правило, «красный,
синий и желтый» (и, возможно, белый). К концу мастер-класса половина сту-
дентов может самостоятельно ответить на этот вопрос. Они даже подарили
мне футболку с этой надписью на спине.
Теперь, когда вы уже знаете, как смешивать серые цвета, пора обратить ваше
внимание на важный момент: именно они позволяют насыщенным цветам
выделяться на своем фоне. Большинство начинающих художников влюбляются
в цвета и хотят подчеркнуть их все. В этом нет ничего плохого, но опыт подсказы-
вает мне, что, если в картине слишком много насыщенных цветов, ни один из них
не будет выделяться. Вместо того чтобы жаловаться на грязь, приручите серые
цвета! Они как актеры второго плана — их гораздо больше, чем звезд, и в их
силах сделать фильм лучше или испортить… Я имею в виду картину.
В верхнем примере на странице справа насыщенные цвета перегружают

композицию. Непонятно, на что смотреть, если всё одинаково привлекает
внимание. В примере под ним я убрала насыщенный фон и поставила вместо
него более спокойный, а также заменила желтую чашку на белую (а белый —
один из ахроматических цветов). Такая композиция, на мой взгляд, более
приятна глазу. Помидор стал больше выделяться, а его яркость уравнове-
шивает зеленая чашка. Если вы будете использовать этот принцип в своих
миниатюрах, они будут более заметны на странице, где много других изо-
бражений, в которых цветовой композиции не придали должного значения.
Начав с кадмия красного среднего
Я заметила, что тени всегда серые. Это значит, что в каждой тени, которую
(сверху), я постепенно добавляла
все больше желтого и ультрамарина вы изображаете, будут присутствовать красный, синий, желтый и, возможно,
(в равных количествах), чтобы красный белый. Это касается любых теней — как собственных (которые находятся
становился все более и более серым. на объектах), так и падающих (которые отбрасывает объект).

Я не хочу сказать, что все тени будут стального серого цвета, просто замес
будет состоять из трех основных цветов и, возможно, белого.
Если вы видите какой-то цвет и затрудняетесь определить его происхо-

ждение, с большой долей вероятности это один из серых цветов. Серо-
зеленый, серо-оранжевый или любой другой — почти всегда серый.
Я ограничила свою цветовую палитру тремя основными цветами (плюс

белила и умбра жженая). Я не покупаю вторичные цвета, потому что знаю,
что могу их смешать. Чем меньше цветов, тем проще как покупать краску, так
и смешивать. Мне не нужны рецепты, я знаю, что могу смешать любой цвет
из трех основных.
Цветовые отклонения 1
К сожалению, на практике все немного сложнее, чем в теории. Краски
чистого цвета не существует! Каждый цвет содержит примеси других цветов,
иными словами, в каждом цвете содержится другой цвет (или цвета). Ниже
показаны цвета, которыми я пользуюсь, и их состав.
Кадмий желтый лимонный — желтый с небольшим количеством синего.
Кадмий желтый светлый — желтый с небольшим количеством красного.
Кадмий желтый средний — красный с небольшим количеством желтого.
Ализарин — красный с небольшим количеством желтого и синего. 2
1. В этой композиции все цвета одина-

ково яркие, и ни один из них не может
Розовый стойкий — красный с небольшим количеством синего.
стать главным, выделившись на фоне
других. 2. В этом примере количество
ярких цветов уже меньше, потому
Ультрамарин — синий с небольшим количеством красного.
что некоторые предметы заменены
аналогичными менее ярких цветов.
Фтал синий — синий с небольшим количеством желтого.
Я пользуюсь красками профессиональной линейки марки Utrecht.

Аналогичные цвета других марок могут немного отличаться. Например,
я знаю, что кадмий желтый светлый у Gamblin и M. Graham Co. такой же, как
мой кадмий желтый лимонный, а их кадмий желтый средний — как мой
кадмий желтый светлый.

кадмий
красный
средний
розовый
стойкий
«настоящий»
красный
ализарин
кадмий
желтый
светлый
ультрамарин
«настоящий» «настоящий»
синий желтый
кадмий
желтый
фтал лимонный
синий
Приблизительное расположение цветов моей палитры на цветовом круге. Ни в коем случае не точное!

Если вы хотите получить насыщенный вторичный цвет, внимательно отнеси-
тесь к выбору основных цветов: если вы случайно добавите в смесь третий
основной цвет, она станет более серой и менее насыщенной. Итак, из своих
цветов я смешала бы следующие основные цвета для получения насы-
щенных вторичных цветов:
Кадмий желтый светлый + кадмий красный средний = самый насыщенный

оранжевый.
Кадмий желтый лимонный + фтал синий = самый насыщенный зеленый.
Розовый стойкий + ультрамарин синий = самый насыщенный фиолетовый.
Понятно? Если не до конца, советую ознакомиться с прекрасной книгой

«Синий и желтый не дают зеленый: как получить цвет, который действительно
нужен» * Майкла Уилкокса, которая подробно рассказывает об этих нюансах,
описывает краску большинства марок и состав цветов с примесями.
Располагая ограниченным количеством цветов, я уверена, что могу самостоя-

тельно смешать любой нужный мне цвет. Конечно, я не могу получить чистые
красный, синий и желтый, потому что краску такого цвета создать невоз-
можно. Но я предпочитаю смешать широкий ассортимент цветов из имею-
щихся у меня основных, чем покупать готовые в тубах.
Анализируйте то, что видите

Вещи не всегда таковы, какими мы их воспринимаем. Иногда яркие и насы-
щенные цвета, которые мы видим (и которые хотим получить), на самом деле
гораздо более темные/серые.
Например, внимательно посмотрите на яблоки на следующей странице. Мы

думаем, что они красные, поэтому берем старый добрый красный и начинаем
писать! Но яблоки, а эти в особенности, слишком темные для готового сред-
него красного цвета (я имею в виду кадмий красный) из тубы.
* М. : АСТ, 2004.

Справа вы видите эту же картину с надписью «кадмий красный» сделан-
ной,как вы можете догадаться, кадмием красным из тубы (или предельно
близким к нему, который мне удалось получить в Photoshop). Надеюсь, вы
заметили, что если бы я использовала этот цвет для яблок, они вышли бы
слишком яркими и слишком насыщенными. Чтобы яблоки получились более
темного, «серого» красного цвета, я добавила в кадмий красный ультра-
марина синего. Поскольку в этом красном уже содержится желтый, добав-
1
ляемый синий становится третьим основным цветом, что делает первона-
чальный красный более серым.
К сожалению, получить нужный цвет при работе с натуры сложнее, чем при
работе по фотографии. Легко растеряться, глядя на разнообразие цветов
вокруг, тогда как на фотографии мы видим цвета упрощенными, и поэтому
определить их гораздо легче. Я рекомендую сравнивать цвета пред-
метов между собой. Например, я могла бы поднести яркий красный объект
к яблокам, чтобы увидеть разницу между красными оттенками у предметов,
освещенных одним источником света. 2
По неизвестной причине сложнее всего определить цветовые нюансы крас- 1. Картина «Желанные» демонстрирует
ного, оранжевого и желтого цветов. Мы видим эти цвета слишком светлыми разницу между чистым кадмием
и такими же пытаемся их писать. Я помню, что раньше много раз возвра- красным и более серым и темным
щалась к этим цветам после завершения картины и притемняла их. Сейчас красным.
2. Глазунья. 2013. Масло, деревянная
я уже знаю об этом свойстве и стараюсь внимательно оценивать их с самого
панель, 13 × 18 см. Сравните желтый
начала и иногда даже делаю темнее, чем, как мне кажется, они должны быть. из тубы и цвет, гораздо более близкий
Видимо, в качестве компенсации. к цвету желтка (составленный
из желтого, красного и синего).
В этом смысле желтки яиц всегда были для меня очень сложным объ-
ектом. Разум говорит мне, что желток желтый — все знают об этом! Но если
я инстинктивно беру кадмий желтый светлый из тубы, то обнаруживаю, что
цвет слишком насыщенный и слишком светлый. Если смешать «серый»
желтый (кадмий желтый светлый, ализарин и ультрамарин — три основных
цвета — не единственный рецепт для получения этого цвета!), то он получа-
ется гораздо ближе к реальному цвету.
И еще один пример. Как я уже писала, когда мы смотрим на яблоко, разум
говорит нам, что яблоко красное. Первое яблоко справа — пример того, как
начинающий пробует изобразить его. Использован кадмий красный из тубы
и немного умбры жженой для теней. Во втором не использовался чистый
красный кадмий, оно изображено смесью красного, синего, желтого и иногда
3 4
белого. Какое кажется более реалистичным?
3. Мое представление о том, как
новичок нарисовал бы яблоко,
используя краску из тубы. 4. Яблоко
продвинутого уровня с использованием
Желанные. 2013. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см. сложного смешанного цвета.

Таблица отклонения цветов
Когда я впервые узнала о том, что цвет краски не может быть чистым (спустя
годы после обучения в колледже), я подумала: «Почему я раньше никогда
не слышала об этих фундаментальных правилах?» А потом: «И как же мне
это все запомнить?» Но в итоге у меня ушло всего две недели на то, чтобы
освоить новые навыки, и с тех пор это вошло в привычку.
Совет: составьте список цветов вашей краски с указанием примесей на листке

бумаги и повесьте его над палитрой, чтобы удобно было им пользоваться.
Контрольный вопрос: какие нужны цвета, чтобы получить серый? Ответ: любые
красные, желтые и синие и, возможно, белила. Я заметила, что большинство
серых начинаю смешивать с кадмия желтого светлого, кадмия красного сред-
Мои «рабочие лошадки»: кадмий него и ультрамарина, потому что у них примерно одинаковые интенсивность
желтый светлый, кадмий красный
и кроющая способность. Я называю эти цвета своими «рабочими лошадками».
средний и ультрамарин.
Помните, что можно использовать любую комбинацию красного, желтого
и синего, чтобы получить серый, потому что в любой из них будут содер-
жаться три основных цвета.
Белила, коричневый и проблемные цвета
Белила
Один профессор в колледже как-то сказал мне, что я использую слишком много
белил, и последовавшие за этим пять лет стали моим «темным периодом».
Принимая во внимание вышесказанное, не стоит использовать белила там,

где в них нет необходимости. Например, если вы смешиваете очень насы-
щенный цвет (как на светлой стороне яблок на стр. 84), то добавление белил
может сделать его белесым. Я взяла кадмий желтый светлый и кадмий
красный средний для получения этих насыщенных красных и оранжевых
оттенков и не добавляла белый, пока не приступила к бликам (и еще
немного использовала для рефлексов на боках яблок).
Белая краска незаменима во многих случаях. Например, для цветка

на стр. 85 практически в каждый цвет я добавила белила (а еще красный,
желтый и синий — вы уже начинаете понимать, не так ли?).
Если вы не можете сделать цвет достаточно светлым без добавления белил,

а с белилами он становится белесым, возможно, на самом деле этот цвет
не должен быть таким светлым! Может быть, вместо этого лучше затемнить
объекты вокруг него. Если же вы твердо уверены, что нужно добавить белила,
то белесость можно попробовать нейтрализовать небольшим количеством
желтого и/или красного.

Упражнение «Таблица отклонения цветов»
На палитре я подготовила два желтых, три красных и два синих оттенка. Смешивание двух (в разных комби-
нациях) цветов дает мне шесть оранжевых, четыре зеленых и шесть фиолетовых оттенков. В этом упражнении
наглядно показано, как полученные цвета отличаются друг от друга в зависимости от имеющихся примесей.
Расчертите деревянную панель (или две) на три строки и шесть столбцов и сделайте аналогичную таблицу,
помещая более насыщенные цвета слева. Разница в оттенках иногда едва уловима и, к сожалению, по техниче-
ским причинам в книге не слишком точная (особенно это касается оранжевых!). Когда дойдете до фиолетовых,
добавьте немного белил в каждый цвет, иначе они будут слишком темными.
На следующих страницах:
Гонка к вершине. 2012. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.
Не забывайте, что не стоит добавлять белила, если вы хотите сделать цвета супернасы-
щенными.
Кремовые слои. 2012. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.
Не бойтесь белил, иногда они действительно нужны, и в немалом количестве.

Умбра жженая
Я использую в своей палитре умбру жженую в трех случаях: время от вре-
мени беру ее для тонирования (или подмалевки), всегда использую для кар-
тины, а иногда смешиваю с ультрамарином синим для получения черного.
Но ни за что и никогда не добавляю ее в краску для получения другого цвета,
даже коричневого. Можно добиться гораздо более интересных и разнооб-
разных коричневых, смешивая их из тех же трех основных цветов. Как я сме-
шиваю коричневый? Из красного, желтого и синего, конечно.
Ализарин и розовый стойкий

Ранее в этой главе я упомянула, что в ализарине содержатся примеси крас-
ного и синего. Следовательно, это серый красный, раз он содержит все три
основных цвета. Но это еще и прозрачный красный. Поэтому для затемнения
других цветов он бесполезен, если вы хотите сохранить их кроющую способ-
ность, как, например, в случае с боками яблок (я использовала ультрамарин
и кадмий красный средний вместо ализарина). Однако для создания про-
зрачных темных цветов он годится как нельзя лучше (с ультрамарином и кад-
мием желтым светлым), как и для нежных светло-розовых и персиковых
оттенков (с белилами и, возможно, небольшим количеством кадмия желтого
светлого).
Розовый стойкий незаменим для насыщенных розовых и фиолетовых цветов.

Например, мне пришлось взять его для изображения розы. Вообще, необ-
ходимость в насыщенных розовых и фиолетовых оттенках у меня возни-
кает нечасто, поэтому я даже не всегда кладу его на палитру. Хотя постоянно
держу под рукой.
Навстречу роману. 2011. Масло, деревянная панель 15 × 15 см.

Для насыщенных розовых оттенков использован цвет розовый стойкий.

Фтал синий (бесподобный смутьян)
Если вы раньше не исследовали возможностей фтала синего, советую выде-
лить время для этого. Если вы уже вступали с ним в схватку и потерпели
поражение, попробуйте еще раз. Сказать о фтале «устойчивый» — значит
недооценить его. Но он также наверняка пригодится для смешивания синих,
зеленых и бирюзовых цветов. Без фтала добиться такого разнообразия
оттенков не получится. Причем его нужно совсем немного, поэтому работайте
с ним осторожно.
В примере с бутылками для правого сосуда я использовала в основном уль-

трамарин, а вот два других не получились бы без применения фтала.
Некоторые студенты говорили мне, что приобрели фтал по моей рекомен-

дации, но так ни разу и не воспользовались им. Возможно, они не так любят
бирюзовый цвет, как люблю его я, и поэтому не испытывают частой необхо-
димости в его использовании (так же как я редко нуждаюсь в фиолетовом
и розовом). При покупке краски нужно учитывать свои предпочтения.
Упражнение «Смешивание
краски по образцу»
Сходите в местный магазин, где продаются
товары для ремонта или есть большой выбор
красок, и возьмите там образцы выкраски
цветов. Не имеет значения, какие это будут
цвета, главное — чтобы их было много.
Поместите один образец на расстоянии при-
мерно полутора метров от вашей палитры
и постарайтесь, чтобы освещение палитры
и образца совпадало. Попробуйте сме-
шать на палитре цвет по образцу. Сделайте
мазок непосредственно на образце. Если
совпадения не случилось, попробуйте
еще раз, положив образец рядом с пали-
трой. Повторите с оставшимися образцами.
А затем — с любыми цветами по вашему
желанию.
Экипаж. 2011. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

Фтал синий был основным компонентом в цветах, смешанных для этой картины.

6 Рисование и пропорции
Большинство неудачных любительских рисунков, которые я видела, либо

неверно передают тональное соотношение, либо имеют неправильные про-
порции. Искажение пропорций особенно заметно в уменьшенном изо-
бражении картины на сайте, поэтому миниатюристам, продающим работы
онлайн, важно совершенствоваться в этом направлении. А единственный
способ для этого — практика!
В колледже я всегда носила с собой скетчбуки и пользовалась каждой воз-

можностью порисовать. Я полностью изрисовывала по одному блокноту
за каждый из четырех лет учебы. За первый скетчбук мне очень стыдно!
К счастью, он сгорел при пожаре. К сожалению, остальные тоже. Благодаря
счастливой случайности примерно за неделю до пожара я готовилась к этому
уроку и вырвала по одному рисунку из первого и четвертого блокнотов,
1 чтобы сравнить их, поместив рядом (слева).
Я считаю, что между ними есть существенная стилистическая разница и что

один из них сделан более опытным художником. На первом рисунке ужа-
сающие пропорции, безалаберная штриховка, к тому же разная по стилю
на разных участках, и в целом рисунок очень неуверенный. Поздний
рисунок — это автопортрет, и хотя ошибки в пропорциях имеются, он гораздо
реалистичнее. Видно, что над композицией работали, а штрих явно более
чистый и уверенный. Вы тоже быстро заметите прогресс, если будете практи-
коваться ежедневно.
Сегодня же купите себе скетчбук и всегда носите его с собой. Рисуйте всегда,
когда для этого есть возможность, даже если это всего двадцать минут, пока
в вашем автомобиле меняют масло или вы вынуждены ждать в аэропорту.
2 Если не можете решить, что рисовать, — рисуйте свою руку! Она всегда счаст-
лива оказать вам эту услугу.
1. Набросок портрета Холли, моей
первой соседки по комнате в
общежитии колледжа, 1996 г.
2. Автопортрет, сделанный
в последний год обучения
в колледже.
90
Примеры рисунков моей руки, всегда левой — правая занята.
Упражнение «Нарисуйте свою руку»

Найдите место, где удобно будет провести час или около того, и нарисуйте свою руку
в разных ракурсах. Не думайте о пальцах как о пальцах — просто рисуйте формы, которые
видите. Прищурьтесь, если это помогает. Для большего контраста сядьте рядом с источ-
ником яркого света. Если рука устала, разместите ее таким образом, чтобы ее можно было
расслабить, — например на столе или на подлокотнике дивана. Попробуйте держать что-
нибудь в руке.
Рисование и пропорции 91

Пользуйтесь видоискателем
Если вы работаете с натуры, вам понравится пользоваться видоискателем —
простейшим устройством, которое позволяет кадрировать все, что вы соби-
раетесь рисовать, писать или фотографировать. Он удобен по нескольким
причинам, и главная из них — это идеальный инструмент поиска компо-
зиции. Видоискатель пригодится для любого вида изобразительного искус-
ства, но особенно — для миниатюр, поскольку рабочая поверхность очень
мала и каждый квадратный сантиметр должен быть композиционно выверен.
Без видоискателя вы всего лишь предполагаете, как расположены объекты
на холсте, а это часто приводит к тому, что они оказываются точнехонько
в середине полотна (скукотища).
− Как смастерить видоискатель? Вырежьте квадратное или прямо-

угольное отверстие в плотной бумаге или картоне. Отверстие должно
иметь такие же пропорции, как ваш холст или панель. Можно исполь-
зовать онлайновый калькулятор пропорций для расчета соотношения
сторон. Я бы рекомендовала сделать расчеты, потому что чем точнее
они будут, тем лучше! Видоискатель также можно купить. У меня есть
регулируемый под названием ViewCatcher. Он идеален в путешествиях,
но дома я предпочитаю использовать самодельные, потому что у меня
большой выбор видоискателей для разных постановок. Если вы выну-
ждены держать видоискатель слишком близко к лицу, скорее всего, вам
стоит сделать другой, побольше. Если же длины руки недостаточно для
того, чтобы он оказался на удобном расстоянии, видимо, стоит изгото-
вить маленький.
Несколько моих видоискателей,

− Как пользоваться видоискателем? По сути он аналогичен видоискателю
в фотоаппарате. Просто наведите его на интересный для изображения
в том числе ViewCatcher (серый).
объект и закройте один глаз. То, что вы видите во внутреннем квадрате
или прямоугольнике, — ваша будущая картина, поэтому уже на этом
этапе стоит уделить ей достаточно внимания.
Сложность использования видоискателя в том, что его трудно раз за разом

наводить на одно и то же место. Я не вижу в этом серьезной проблемы
в отличие от большинства моих студентов, которым я рекомендую приспо-
собление, удерживающее видоискатель на одном месте, — гибкий держа-
тель с зажимами на обоих концах (введите в поисковую строку «держа-
тель с двумя зажимами»). Один зажим прикрепите к жесткой поверхности,
а во второй вложите видоискатель. Теперь единственное, о чем вам нужно
беспокоиться, — это каждый раз, поворачивая голову, возвращать ее в то же
положение. Пример использования на стр. 94.
Пример того, как постановка выглядит в видоискателе.

Я обычно долго работаю над постановкой, а затем еще дольше — над компози-
цией, изучая ее сквозь видоискатель. Я обращаю внимание на каждую сторону
и анализирую, насколько близко к краю расположен объект или как он уходит
за него и т. д. Когда я рисую, то слежу, чтобы по крайней мере одна нога оста-
валась на одном и том же месте на протяжении всего процесса, и прижимаю
левый локоть к корпусу (если смотрю на постановку сверху), чтобы удерживать
видоискатель хотя бы приблизительно в одном положении. После завершения
предварительного рисунка видоискатель для работы над этой картиной мне
не понадобится, если только не возникнет необходимость уточнения перспек-
тивы (подробнее об этом позже).
Обычно я наношу метку на середину стороны видоискателя. Такие же метки

делаю на холсте (см. иллюстрацию 3). Затем, когда я смотрю в видоиска-
тель, то отмечаю, как расположены внешние контуры объектов относительно
1 меток (чем-то этот способ напоминает рисование по сетке, но не отни-
мает столько времени и не настолько примитивен), и помечаю их на холсте.
И затем уже выполняю предварительный рисунок, двигаясь от простой
общей формы к отдельным, более сложным.
В примере с яблоками, вилкой, ложкой и тарелкой наглядно показано, как

именно я пользуюсь метками на серединах сторон, чтобы пометить распо-
ложение контуров объектов (учтите, что работа писалась с натуры, поэтому
между фотографией и тем, что мне было видно сквозь видоискатель, может
2 быть некоторое расхождение). Умброй жженой с незначительным добав-
лением растворителя я маленькой кисточкой (моя любимая — Silver Brush
Bristlon, овальная, размера 2, ее я использую для рисования) начала отмечать
границы каждого предмета: сверху, снизу, слева и справа. Нижняя граница
самого левого яблока почти идеально совпадает с меткой на середине левой
стороны. Нижняя линия контура среднего яблока касается верхней границы
формы, которую образуют ложка и вилка, в середине изображения — сразу
под меткой середины вертикальных сторон. Контуры объектов я обозначаю
самыми простыми мазками и прорабатываю их в более поздней стадии.
Отметив расположение всех контуров, я приступаю к завершению контуров

3 форм, внося необходимые поправки, когда уже хорошо понимаю относи-
тельное расположение каждого предмета. Далее я иногда усиливаю неко-
1. Если вы испытываете затруднения торые темные тона умброй жженой с помощью кисточки для рисования. Так
с тем, чтобы каждый раз возвращать
видоискатель в прежнее положение, это
делать необязательно, потому что это может усложнить следующий этап
приспособление вам очень пригодится. работы, однако я рекомендую этот способ начинающим, которые пока неуве-
2. Я смотрю в свой видоискатель. ренно чувствуют себя при работе с тоном. Возможно, им будет проще поме-
3. Совпадающие метки на серединах тить темные тона нейтральным цветом (умброй жженой), а затем поверх
сторон видоискателя и холста. записать реальным цветом, убедившись в верной передаче тональных соот-
ношений, чем дорабатывать позже реальные цвета до нужного тона, не имея
в распоряжении тональной схемы.

1 2 3
4 5 6
1. Постановка для натюрморта с яблоками (которая воплотилась в картине — ее вы найдете

далее в книге). 2. Тонируйте холст и нанесите метки на серединах сторон. 3. Отметьте
границы каждого объекта — верхнюю, нижнюю, левую и правую, пользуясь для определения
их расположения метками середин сторон. 4. Завершите контуры формы объектов. Найдите
формы ложки и вилки, используя формы негативного пространства в качестве подсказки.
5. (По желанию): усильте некоторые темные тона, чтобы объединить объекты изображения.
6. Слегка протрите рисунок бумажным полотенцем, чтобы он стал расплывчатым.

То, что я сейчас расскажу, может показаться знакомым. Вы заняты рисова-
нием натюрморта с виноградом. Нарисовали первую виноградину там, где,
кажется, она должна быть.
Далее вы рисуете вторую виноградину, правильно расположив ее относи-

тельно первой. Рисуете третью относительно второй. И так далее. Вы рисуете
последнюю виноградину и внезапно осознаете, что для остальных объектов
не осталось места. Вот незадача!!! Вы уже угробили кучу времени, чтобы
довести эти виноградины до совершенства. Вы спрашиваете себя: «Хочу ли
я начинать все сначала?» В результате идете на компромисс с самим собой,
и рисунок получается не таким удачным, как мог бы.
Вот как браться за дело с умом:
− Как описано ранее, разметьте расположение границ каждого объекта —

верхнюю, нижнюю, левую и правую (или группы объектов, например
виноградин) — и отметьте места, где объекты уходят в край изображения.
− Работайте над всем холстом одновременно, не сосредотачивайтесь

на небольших фрагментах.
− Проверьте расположение каждой метки относительно всех объектов

так тщательно, как это возможно (включая края холста и метки на сере-
динах его сторон). По сути, вы определяете опорные точки для каждого
из изображаемых объектов.
− Когда все объекты окажутся на своих местах, завершите контур каждого

из них. Если они накладываются друг на друга, удобно будет прорисо-
вать контуры таким образом, как будто объекты прозрачные.
− Сначала простраивайте общие крупные формы и только затем перехо-

дите к второстепенным деталям, таким как ручка чашки, носик чайника
или плодоножка фрукта.
− Как только общие формы будут проработаны, приступайте к деталям.

− Усиливайте предварительно темные тона, если это упрощает вам работу.
Можно сначала нарисовать тональную схему, а затем поверх записать
ее реальными цветами.
В заключительном шаге подготовки к живописной части процесса я беру

бумажное полотенце и вытираю рисунок так, чтобы от него остался
едва заметный след (см. рисунок 6 на стр. 95). Смысл в том, чтобы оста-
вить заметным расположение объектов на холсте и при этом стереть
лишнюю краску, чтобы ее цвет не смешивался с цветами, которые будут
Клинтон Хобарт. Яблоки и виноград. 2013. Масло, оргалит. 15 × 15 см.

1 2 3
4 5 6
1. Моя постановка — чашки и помидор. 2. Начинаю с разметки контуров каждого объекта. Обратите
внимание, что я делаю это с помощью простейших меток, используя лишь несколько прямых
линий по границам объектов и ничего более. 3. Эллипсы чашек, особенно сложенных друг в друга
и расположенных под углом, невероятно сложно изобразить с точностью. Я рисую их не спеша,
часто сверяюсь с оригинальным изображением и сравниваю каждую их часть с как можно бльшим
количеством остальных элементов изображения (например, разница между тем, насколько видна
боковая часть одной и другой чашки, а также насколько эллипс верхней чашки более сплющенный,
чем эллипс нижней). 4. Я продолжаю прорисовывать контуры тарелки, ложки и чашек и определяю
расположение тени на боковой стороне верхней чашки. 5. Далее я выясняю, как расположены
ручки чашек. Это непросто, потому что разум пытается диктовать нам, как именно ручки должны
выглядеть. Вот как раз тот момент, когда важно прищуриться и вспомнить, что нужно рисовать то,
что вы видите, а не то, что вам кажется (чуть позже мы поговорим об этом подробнее). Обращайте
внимание на углы, расстояния и контрформы. С каким элементом постановки нижняя граница
ручки чашки находится на одном уровне? 6. В завершение я стираю неверные метки и накладываю
тон на темные участки. Если далее я собираюсь писать красками, то вытираю холст бумажным
полотенцем, пока рисунок не станет едва заметным, как я уже описывала в предыдущем примере.

использоваться для работы над картиной. Если я добавлю в краску для
рисунка слишком много растворителя, есть риск, что полотенцем он
(рисунок) вытрется без следа. Хитрость в том, чтобы взять достаточное
количество растворителя для того, чтобы краской было удобно рисовать,
но не слишком много, чтобы не создать себе проблему.
На следующей странице — еще один пошаговый пример рисунка, выпол- 1

ненного с использованием меток на серединах сторон для точного располо-
жения объектов.
Игнорируйте голос разума

Мозг необходим нам для того, чтобы ориентироваться в жизни. Он помо-
гает идентифицировать и классифицировать все, с чем мы сталкиваемся. Это,
конечно, хорошо, но у медали есть и оборотная сторона. Нам, художникам,
к сожалению, это приносит кучу проблем. Мы знаем, что донышко чашки пло-
ское, и склонны рисовать его именно таким, даже если смотрим на чашку 2
сверху и очевидно, что оно имеет округлую форму.
Чтобы научиться игнорировать голос разума, следуйте этим рекомендациям.
− Рисуйте то, что вы видите, а не то, что вам кажется.

− Щурьтесь! Все начнет казаться немного расплывчатым, и вы увидите
постановку в упрощенном виде. Кроме того, вы сможете оценить общую
картину и избежать излишней сосредоточенности на отдельных частях
рисунка, которая часто приводит к ошибкам. Если вы носите очки, доста-
точно будет просто снять их или использовать уменьшительное стекло.
3
Прищуривание — мой любимый способ игнорирования разума.
− Всегда проверяйте расположение объектов в изображении относительно 1. Чашка в том виде, в котором она
хранится в нашем мозгу. Именно так
друг друга. Сравнивайте каждый объект с максимально возможным
ее изобразит начинающий художник.
количеством остальных элементов, включая края изображения и метки 2. Так изображают чашку большинство
на серединах сторон, о которых я упоминала ранее, контрформы и другие моих учеников. Стороны нарисованы
объекты. Если вы неправильно расположите один объект, это приведет параллельно друг другу, хотя они
к неправильному расположению других объектов. должны сходиться по направлению
к донышку (согласно правилам перспек-
− Измеряйте пропорции с помощью древка кисти. Вытяните руку перед тивы, если мы смотрим на чашку сверху).
На рисунке донышко почти плоское,
собой, держа в ней кисть. Измеряйте расстояние от кончика древка
хотя радиус его скругления должен быть
кисти до большого пальца руки, в которой держите кисть, и сравни-
больше, чем у горлышка (согласно все
вайте с другими расстояниями (как на верхней иллюстрации на стр. 100). тем же правилам перспективы).
Это особенно пригодится при рисовании людей, чашек, мисок, коробок 3. Вот так нарисует чашку
и прочего. Яблоки не слишком привередливы в смысле пропорций, опытный художник. Это легко
но их тоже можно измерять. Если же вы рисуете, например, высокую получится, если изображать то,
что мы на самом деле видим.
кружку, глядя на нее сверху, разум будет настойчиво повторять, что ее

высота больше ширины ее горлышка, а измерения будут свидетельство-
вать об обратном (см. иллюстрацию 2 слева. Более подробно о чашках
(и эллипсах) позже).
− Проверяйте углы с помощью видоискателя. Иногда углы могут быть обман-

чивы: то, что кажется расположенным по диагонали, оказывается строго
вертикальным, и наоборот. Решением проблемы будет видоискатель: дер-
1 жите его ровно и сравнивайте линию, направление которой затрудняетесь
определить, с его вертикальной или горизонтальной стороной.
− Смотрите на отражение рисунка в зеркале. Это особенно полезно, когда

вы закончили рисунок и раздумываете, не пора ли уже приступить к работе
с краской. Вы сможете заметить, что ваза наклонена, что всю композицию
нужно сдвинуть влево на пару сантиметров или что-нибудь в этом роде.
Хорошая композиция будет работать и в зеркальном отражении.
2
− Отходите назад!!! Никогда не устану повторять это. Отходя от изобра-
жения, вы видите его в уменьшенном виде и можете заметить то, чего
не замечали, стоя к нему вплотную. Если у вас нет медицинских про-
1. Относительную длину можно изме- тивопоказаний, я очень рекомендую рисовать стоя. Когда рисуешь
рить с помощью кисточки и большого
сидя, то отходишь, чтобы посмотреть на картину с большего расстояния,
пальца. 2. Производя замеры чашки
с помощью кисточки и большого пальца, слишком редко, если вообще удосуживаешься это сделать. На завер-
вы проверяете соотношение длин шающей стадии написания картины я оцениваю работу, отходя немного
двух отрезков. Я считаю, что удобнее назад, через каждые несколько мазков.
сначала замерить более короткий — «б»
на первой фотографии, — приняв его − Смотрите шире. Всегда старайтесь оценивать все изображение целиком.
за «1», а затем посмотреть, сколько Все мы вынуждены бороться с искушением всматриваться в детали,
раз он укладывается в длину второго сужать угол зрения и не менять его.
отрезка «а», учитывая дробные значения
(как 1¾). В данном случае мы получили
соотношение 1 : 1¾.
− Старайтесь воспринимать объекты как геометрические фигуры или
объемные формы. Иногда это незначительное изменение восприятия
Затем проверьте, совпадает ли это
может творить чудеса. Забудьте, что яблоко — это яблоко. Попробуйте
соотношение в вашем рисунке. В приве-
денном примере я бы рекомендовала: увидеть его как совокупность фигур в пространстве, одни из которых
1) измерить высоту эллипса, 2) сравнить больше, а другие меньше, и каждая обладает своими цветом и тоном.
− Сделайте перерыв, чтобы оценить картину свежим взглядом. Если вы

ее с высотой стороны чашки (как
показано на первом фото вверху),
3) сравнить высоту эллипса с его работаете более часа, то можете утратить свежесть восприятия. Если вы
шириной (как показано на втором устали или не хотите продолжать, сходите прогуляться вокруг дома, зай-
фото вверху) и 4) сравнить общую митесь гимнастикой или — мой излюбленный способ — вымойте посуду.
высоту чашки с ее шириной
(на фото не показано). − Делайте фотографии. Бесчисленное количество раз я внезапно обна-
руживала серьезные ошибки, рассматривая маленькое изобра-
жение завершенной уже картины на ЖК-дисплее фотоаппарата (ваза
Для определения углов в вашей композиции пользуйтесь видоискателем. В этом примере я определяю
угол, под которым расположен нож, относительно горизонтальной стороны видоискателя.

наклонена, тень слишком темная и т. д.). Старайтесь делать фотографии
в процессе, чтобы иметь возможность сразу исправлять ошибки (то есть
делайте так, как я говорю, а не так, как я делаю).
− Отвернитесь и нагнитесь. Это отличный прием для работы на пленэре.

Взгляните на ваш пейзаж с необычного ракурса — вверх ногами и снизу
вверх. Иногда это как раз тот угол зрения, который сразу подскажет вам,
чего не хватает картине. Чтобы не стать объектом насмешек (а также,
возможно, потерять равновесие), можно для начала перевернуть саму
картину вверх ногами.
Мой метод рисования эллипса
простой чашки. Шаг 1: отметьте пять − Рисуйте вверх ногами. Если вы работаете по фотографии, попробуйте
крайних точек чашки и ее эллипса. повернуть ее, а также холст вверх ногами. Таким образом напишите кар-
тину целиком. Не поворачивайте холст и фотографию обратно, пока
не закончите.
Хитрости изображения эллипсов

Рисование эллипса может вызвать некоторые затруднения, однако я разрабо-
тала метод, который, надеюсь, поможет упростить задачу. Этот метод работает
для эллипсов, которые в реальности (или в трехмерном пространстве) являются
частью круглых объектов, расположенных на плоской поверхности (например
круглые тарелки или миски, а также верх чашек, которые стоят на столе). И он
не подходит для эллипсов, которые в реальности являются овалами (как
овальная сервировочная миска) или круглыми объектами, не лежащими на пло-
ской поверхности (как круглая крышка, прислоненная к другому объекту).
Шаг 2: нарисуйте крестик на средней
точке между вертикальными Для иллюстрации метода возьмем простую чашку без ручки.
и горизонтальными метками.
1. Глядя на чашку через видоискатель, определите расположение кон-
туров чашки. Начните с верхней кривой эллипса и отметьте ее распо-
ложение на холсте. Затем отметьте нижнюю кривую эллипса, нижнюю
часть донышка чашки, крайнюю левую и крайнюю правую ее границы.
Итого должно получиться пять меток, которыми отмечено расположение
краев чашки и ее эллипса. Для мисок также потребуется пять меток,
а для тарелок — только четыре, потому что обычно их донышко не видно.
2. Затем нарисуйте короткий вертикальный штрих между левой и правой

границами эллипса и короткий горизонтальный между его верхней
и нижней границами. Эти два штриха сформируют крестик внутри эллипса.
3. Теперь продлите штрихи крестика до пересечения с краями эллипса.

Шаг 3: продлите штрихи до пере- Следите, чтобы линии были точно горизонтальными и вертикальными
сечения с краями эллипса. (для этого правила есть одно исключение, о котором я расскажу позже).

На этой стадии важно измерить пропорции чашки, чтобы убедиться, что
метки находятся в соответствующих местах.
4. Стоя на том же месте, с которого вы рисовали чашку, возьмите кисточку

и держите ее в вытянутой руке (полностью выпрямив локоть). Поднесите
кончик древка к наивысшей точке верхней кривой эллипса. Большой
палец поместите в том месте древка, через которое проходит самая Шаг 5: нарисуйте эллипс так, чтобы
каждая из четырех секций была
нижняя граница чашки. Это общая высота чашки. Сделайте то же самое
симметрична той, которая находится
для измерения общей ширины чашки, между крайней левой и крайней слева или справа, и одновременно той,
правой метками. Обратите внимание: вы измеряете не реальную чашку, которая находится сверху или снизу.
а пропорции, которые видите с того места, где рисуете.
Далее сравните длины этих двух отрезков и отразите их пропорции

в рисунке. Чтобы сравнить общую высоту и ширину чашки, измерьте
наименьшую из них и примите ее за единицу измерения. Затем посмо-
трите, сколько раз она укладывается в большей длине. Если, например,
трижды, то получается соотношение 1:3, и в рисунке их соотношение
должно быть аналогичным.
Важнейшие для сравнения пропорции:

Шаг 6: нарисуйте стороны и донышко
− отношение общей ширины чашки к ее общей высоте; чашки, обращая внимание
на видимые углы и кривые.
− отношение расстояния от верхней границы чашки до нижней
кривой эллипса к расстоянию от нижней кривой эллипса
до нижней границы чашки;
− отношение высоты эллипса к ширине.

5. Возможно, уже стоит приступать к рисованию эллипса. Полезно знать,
что каждая из четырех его секций симметрична секции, расположенной
ниже или выше, и одновременно секции, расположенной справа или
слева. Могу судить по своему опыту, что определение границ эллипса
и разделение его на четыре части делает процесс рисования кривых
значительно проще.
6. Последний шаг — изображение сторон и донышка чашки (то, чем она,

очевидно, отличается от миски). Важно помнить, что стороны никогда
не бывают идеально вертикальными. Если вы смотрите на чашку
сверху, то по закону перспективы линии будут стремиться друг к другу
по направлению к донышку чашки. Донышко — похожая окружность,
но немного меньше (из-за перспективного сокращения). В точке, где Если эллипс выходит за пределы
сторона встречается с донышком, прямая переходит в кривую. Многие изображения, удобно будет дорисовать
мои студенты изображают в этом месте угол, однако, если вы не смо- его до целого на поверхности, находя-
трите на чашку точно в профиль, здесь всегда будет плавная кривая. щейся за пределами вашей картины.

Примечание: если эллипс частично кадрируется краями видоискателя,
то есть, если вы не включаете в изображение эллипс целиком, — вам пред-
стоит меньше работы! А если серьезно, то для удобства положите под холст
или рядом с ним поверхность, на которой можно рисовать, и дорисуйте
на ней «отсутствующую» часть эллипса, чтобы оценить его целиком. Я рисую
прямо на держателе деревянной панели и могу сказать, что так гораздо
проще изобразить правильную форму.
Вот что я хочу рассказать вам об исключении в моей стратегии рисования

эллипса. Странное дело: если для того чтобы посмотреть на постановку, вам
нужно направлять взгляд вниз, то видно, что объекты наклоняются по направ-
лению к краям. Это происходит из-за перспективного сокращения, вы можете
это заметить на картине с круассанами справа. Для рисования натюрморта
в таком ракурсе я принимаю за точку схода центр земного шара. Если я про-
должу линии своих объектов вниз, то в конце концов они сойдутся в центре
Земли, если же продолжить эти линии вверх, то они будут расходиться. Этот
феномен более очевиден в изображениях высоких объектов на крупном
формате и с большим количеством предметов. В миниатюрах, когда объект
изображен более крупно, наклон едва уловим, но всегда присутствует.
Противоположный эффект получается, если смотреть на объекты снизу вверх.
Например, представьте, что вы гуляете по городу и смотрите вверх на небо-
скребы: они уменьшаются по направлению от вас, и чем выше направлен
взгляд, тем у´же они вверху и тем больше стремятся сойтись друг с другом.
Перспектива
Чтобы реалистично изобразить трехмерные объекты на двухмерной поверх-
Елена Кацура. Чайная чашка и мандарин. ности, важно знать законы перспективы. Основная задача перспективы —
2013. Масло, деревянная панель.
изображение «пространства» (и иногда расстояния) в картине. В моем пред-
15 × 15 см.
Пример идеально пропорцио- ставлении, есть два основных инструмента для изображения перспективы.
нального изображения чашки.
− Размеры объектов. Чем дальше объект расположен от вас, тем меньшим
он кажется. Если вы возьмете две одинаковые кофейные кружки и поста-
вите одну на край стола рядом с собой, а другую — на тот край, который
находится дальше всего от вас, то сразу это заметите. Аналогичным
образом, если в пространстве картины объект предполагается располо-
жить отдаленно, он должен быть относительно меньшего размера.
− Сходящиеся линии. Те линии, которые в реальности параллельны

(как бордюр на противоположных сторонах улицы), на рисунке будут
Континентальный завтрак. 2010. Масло, деревянная панель. 50 × 50 см.

Исключение из правила рисования эллипсов. Если смотреть на постановку сверху вниз, объекты, расположенные ближе к краям,
наклоняются к ним согласно закону перспективы (особенно это касается высоких объектов) — не слишком явно, но это важно помнить.

выглядеть сходящимися (постепенно сближающимися друг с другом)
в направлении, в котором уходит улица. Точка, в которой они предполо-
жительно должны сойтись, называется точкой схода.
На картине Сары Седвик (справа) стороны каждого листа бумаги сходятся

в направлении от зрителя. В большинстве случаев эти углы будут едва
заметны, но очень важно их не проглядеть. Если вы затрудняетесь опреде-
лить угол наклона диагонали, поднесите к ней видоискатель вертикальной
или горизонтальной стороной, держа его строго вертикально перед собой.
Это поможет определить угол отклонения диагонали.
Если вы знаете, что объекты одинакового размера, вам может показаться

сложным изображать их уменьшающимися по мере отдаления в простран-
стве. Именно по этой причине неописуемо важно измерять высоту и ширину
каждого объекта с помощью кисточки и большого пальца и сравнивать эти
размеры друг с другом.
Когда все превращается в хаос

Вне зависимости от того, что я рисую, это редко удается с первого раза.
Я часто по нескольку раз вытираю изображение, прежде чем сочту его удовле-
творительным. Если рисунок стал хаотичным из-за слишком большого количе-
ства ошибочных линий, сотрите его и начните сначала. Вы не пожалеете.
Даже если вы уже потратили на рисунок много времени, всегда лучше начи-
нать с чистого листа. С большой вероятностью каждый следующий вариант
будет лучше предыдущего. Возможно, это даже подарит чувство свободы:
если вы работаете маслом, просто возьмите бумажное полотенце, обмакните
Сара Седвик. Весенний роман. 2013. его в растворитель и сотрите нарисованное. Когда все наконец получится, вы
Масло, холст. 23 × 30 см.
почувствуете себе просто замечательно!
Обратите внимание на сходящиеся
стороны листов бумаги — прекрасный
пример изображения перспективы.
Скорлупки. 2012. Масло, деревянная панель 15 × 15 см.

Чем дальше от нас расположены объекты, тем меньшими они кажутся: в реальности сахарница была больше чашки,
но, поскольку она находится дальше, визуально их ширина оказалась приблизительно одинаковой. Наглядный пример
того, насколько важно измерять видимые пропорции с помощью кисточки и большого пальца руки! (Мне тоже пришлось
делать такие измерения во время работы над этой картиной, чтобы быть уверенной в соотношении размеров.)

7 Композиция
Как-то раз я пришла в студию пораньше перед мастер-классом, чтобы под-

готовить к нему постановку. Одна из учениц тоже пришла заранее и попро-
сила разрешения посмотреть. Я неохотно согласилась, в душе желая отказать.
Следующие десять минут я провела, выкладывая и перекладывая несколько
маленьких перчиков, но мне никак не удавалось найти наилучшее распо-
ложение для них. В конце концов, пристыженная, я повернулась к студентке
и спросила: «Полезно было понаблюдать?» Она ответила: «Конечно! Я поняла,
что, хотя композиция в ваших картинах выглядит очень естественной, работа
над ней требует много времени и усилий. Не буду вам мешать».
Занимаясь живописью ежедневно, я очень расширила спектр своих компо-

зиционных приемов. В 2006 году, когда я начинала, у меня было ощущение,
что этап работы над композицией для меня сложнее всего. Но каждая миниа-
тюра дала мне столько же знаний о построении композиции, сколько давала
одна большая картина из тех, которые я писала раньше. А поскольку миниатюр
я писала гораздо больше, то училась с головокружительной скоростью!
Доверяйте интуиции
Самое важное правило композиции, которое я сформулировала для себя,
гласит: к каждой постановке нужно подходить непредвзято. Если думать обо
всех «правилах», собираясь приступить к работе над композицией, скорее
всего, это приведет к внутренним ограничениям и задушит всякое вдохно-
вение. Вот что я вам посоветую.
− На начальной стадии доверяйте только своей интуиции.

− Если вы чувствуете, что что-то не так, — продолжайте переставлять
предметы.
Танец халапеньо. 2012. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.
109
− Дайте себе достаточно времени (у меня иногда уходит до двух часов
на постановку для картины 15 × 15 см, прежде чем получится то, что
мне действительно нравится!).
− Даже если вы твердо решили, что сегодня будете рисовать [вставьте

сюда название предмета], но композиция никак не складывается, —
лучше отставить его в сторону и заняться им позже.
1
− Если какой-то элемент не улучшает композицию, уберите его.
− Всегда будьте готовы полностью изменить постановку: высоту стола,
угол падения света, источник освещения, цвет фона, количество объ-
ектов и так далее.
− Не останавливайтесь на средненькой композиции, иначе картина тоже

выйдет так себе (ну хорошо, иногда, тщетно потратив два часа, я готова
писать что угодно — хоть что-нибудь, но это будет скорее дополни-
2 тельный опыт, чем удачная картина).
1. Скучное расположение поми-
доров способно вызвать зевоту.
− Когда композиция уже почти хороша, но не окончательно, — время
вспомнить «Правила».
2. Больше динамики — теперь
помидоры расположены на разных
расстояниях друг от друга и от краев
изображения, а также немного ниже Правило номер один
и «смотрят» в разные стороны.
Я не собираюсь присваивать себе авторство этого правила. Я прочитала
его в книге — отличной книге — Грега Альберта под названием The simple
secret to better painting: how to immeadiately improve your work with one rule
of composition («Простой секрет удачной картины: как одно композици-
онное правило мгновенно улучшит ваши работы». — Прим. пер.). Если бы
я могла рекомендовать к прочтению единственную книгу, то выбрала бы эту.
Правило звучит так:
«Никогда не делайте два размера — расстояние, длину, величину объектов

или промежуток между ними — одинаковыми».
Поняли? Я — н ет, по крайней мере не сразу. Суть высказывания такова: чело-
веческому глазу приятно разнообразие (знакомо звучит?). Мы не хотим
видеть равномерные промежутки, нам нравится разнообразие форм, раз-
меров, расстояний между объектами и т. д. В упомянутой книге вы найдете
множество примеров, а несколько собственных я приведу ниже.
На верхнем фото в примере слева можно видеть три помидора, располо-

женных горизонтально и точно по центру изображения. Они также располо-
жены на одинаковом расстоянии друг от друга и от каждого края.

На нижнем фото помидоры смещены так, что над ними пространство уве-
личилось, а снизу — уменьшилось. Кроме того, теперь расстояние между
ними и до левого и правого краев варьируется, два помидора заходят друг
за друга (за счет чего один выглядит больше, а другой меньше) и плодо-
ножка одного из них направлена в другую сторону. Теперь каждый обрел
индивидуальность! 1
В следующем примере, справа, чашки одинаковой высоты и ширины, их

ручки направлены в одну сторону. Расстояния между чашками и до левого
и правого краев холста одинаковое.
Чтобы оживить этот дуэт, я добавила чашки других размеров и составила

некоторые стопкой, варьируя высоту. Одна из стопок заходит за другую,
а отдельная чашка стоит на расстоянии. Также трудно не заметить, что
расстояние между чашками и краями холста (не только слева и справа,
но и сверху и снизу) изменилось. Это не всегда необходимо, но, как правило, 2
улучшает композицию. Для цветового акцента я добавила помидор. Обратите 1. Скучно: две одинаковые чашки
внимание, что относительно горизонтали он расположен не в самом центре. на одинаковом расстоянии. Разбудите
меня, когда будет интересно. 2. Более
В примере со стеклом (фотография 3, справа внизу) левый вариант скучен динамично: набор из разных чашек,
по нескольким причинам. Хотя все объекты разной высоты, угол зрения таков, сложенных в стопки разной высоты,
что верхние края вазы и бокала совпадают. Это один из случаев неудач- расположенные на разных расстояниях
ного касания, и я часто вижу подобную ошибку в студенческих работах друг от друга, и что это за взрыв
цвета? Вот это другой разговор!
(подробнее об этом позже). К тому же банка слева выглядит так, будто
не имеет ни малейшего отношения к остальным предметам, а «линия гори-
зонта» делит изображение почти ровно пополам. Эта композиция явно недо-
работана и выглядит уныло.
Чтобы улучшить ее, я заменила белую тарелку на синюю — это внесло необ-
ходимый контраст. Я также сделала выше точку обзора, и расположение
объектов стало более интересным. Вилка добавляет композиции разнооб-
разия. Обратите внимание, что «горизонт» теперь проходит выше и не делит
изображение на равные части. Правда, все еще осталось одно неудачное
касание. Попробуйте найти его самостоятельно (подсказка: ищите рядом 3 4
с основанием вазы).
3. Скучно: композиция кричит о своей
беспомощности. Много ошибок —
Использование правила № 1 в других случаях от неудачного касания, где совпадают
верхние границы бокала и вазы,
Правило разнообразия прекрасно тем, что его можно применить не только до разрезающей изображение пополам
к размеру и расстоянию, но и ко многим другим параметрам. Например, как горизонтальной линии. 4. Более
динамично: изменение точки обзора
описано выше, варьирование общей площади, занимаемой в изображении внесло разнообразие в набор объектов
одним тоном, сделает картину гораздо интереснее. одинаковой высоты и предотвратило
возможные неудачные касания, тарелка
добавила контраста, а объекты теперь
выглядят взаимосвязанными. Классно!
Композиция 111
С какими параметрами можно использовать это правило:
− цвет;
− насыщенность;
− мягкий и четкий контур;
− направление и размер мазков кисти;
− теплые и холодные цвета;
− и многое другое…
Я постоянно ищу новые способы трактовки правила номер один: если в кар-
тине есть то, что можно сосчитать, постарайтесь, чтобы одного было много,
а другого — мало. Проще простого, а польза огромная.
Цвет
Картина Карин Юрик «Хорошо плывется» (справа) — отличный пример того,
как можно варьировать цвета. Синий — он используется в нескольких тонах —
присутствует в гораздо большем количестве, чем оранжевый. Это активно
работает на динамичность изображения.
Пожалуйста, обратите внимание, что большинство цветов в этом примере

очень насыщенные, но это не является непременным условием. На самом
деле гораздо чаще я предпочитаю использовать большее количество при-
глушенных (менее насыщенных), а для акцентов беру яркие (более насы-
щенные) цвета.
Брайан Берт. Плюх. 2011. Масло, МДФ.
15 × 15 см. Насыщенность
Пример разнообразия
насыщенности цветов. Брайан Берт демонстрирует блестящий пример варьирования насыщенности
в картине «Плюх» (слева). Все цвета приглушенные (серые, не насыщенные),
кроме яркой зеленой лягушки. Буль!
Мягкий и четкий контур

Лорел Дэниел искусно разнообразит контуры объектов в своих произведе-
ниях, особенно в картине «Этюд в ясный день» (на стр. 114). Видно, что боль-
шинство деревьев и кустов (на переднем плане) четко выделяются на фоне
друг друга и неба, тогда как граница растительности в отдалении почти сли-
вается с небом, создавая прекрасную воздушную перспективу.

Карин Юрик. Хорошо плывется. 2012. Масло, МДФ. 8 × 15 см.
Пример цветового разнообразия.
Направление и размер мазков кисти
На мастер-классах мне регулярно задают вопрос: «Как вы принимаете
решение, в каком направлении класть каждый мазок?». Возможно, я кого-то
расстрою, но никаких правил здесь нет. Я полностью полагаюсь на интуицию.
Но я постоянно помню о необходимости разнообразия! Я стараюсь, чтобы
мазки не совпадали по направлению или размеру. Один должен быть
меньше, а другой больше, один длиннее, другой короче — в зависимости
от пространства, которое мне нужно ими покрыть. Например, для фона чаще
требуются широкие и длинные мазки, в отличие от бликов, которые лучше
выполнять узкими и короткими.
Кимберли Сантини. Голубые небеса. 2012.
Кимберли Сантини демонстрирует великолепное разнообразие мазков Акрил, холст. 13 × 20 см.
в своей картине «Голубые небеса» (справа). Фон, занимающий наибольшую Разнообразие размеров
площадь холста, выполнен крупными, мягкими мазками, что сразу же пере- и направлений мазков.
ключает наше внимание на собаку, которая проработана короткими яркими
мазками.
Теплые и холодные цвета

В картине «Впереди чудесный день» (справа внизу) Дрима Перри использо-
вала небольшое количество сочных теплых цветов и изящно сбалансировала
их холодными цветами теней. Превосходно!
Огромное количество примеров сочетания теплых и холодных цветов можно

найти в прекрасной книге «Живопись инь-ян: современный художник при-
откроет тайну живописи, обнаруженную в древней китайской философии».
Я нашла ее много лет назад и была безумно ею увлечена.
Правило разнообразия можно применить к бесчисленному множеству вещей.

Вот еще несколько идей.
− Бóльшая и меньшая смысловая значимость.

− Густота краски.
− Прозрачность и непрозрачность.
− И многое другое… Дрима Перри. Впереди чудесный
день. 2013. Масло, деревянная панель.
30 × 30 см.
Важно помнить Разнообразие теплых
и холодных цветов.
Не думайте, что нужно постоянно использовать каждое правило! Много лет
назад я пребывала в этом заблуждении. Вы вообще не обязаны следовать
никаким правилам. Правила придуманы для того, чтобы нарушать их. Но если
Лорел Дэниел. Этюд в ясный день. 2013. Масло, деревянная панель. 16 × 20 см.
Пример разнообразия контуров.
вы воспользуетесь всего одним, пусть даже случайно, это, скорее всего, сде-
лает вашу картину лучше. Помните:
− доверяйте своей интуиции: если вам кажется, что вы нарушаете правило,

но результат обещает быть хорошим, — нарушайте;
− если вы нарушаете правило намеренно, делайте это демонстративно;

− избегайте того, что выглядит нелепо: если оно кажется таким вам,
то таким же наверняка покажется зрителю или покупателю.
Правило третей: кружочками

обозначены «сильные» точки, где
предпочтительно размещать
Правило третей
смысловой центр композиции. Правило третей очень простое. Мысленно расчертите холст линиями, раз-
делив его на три равные части вдоль каждой из сторон. В местах пересе-
чения этих линий будут «сильные» точки. Если вы поместите смысловой
центр картины в одну из этих точек или рядом с ней, композиция магиче-
ским образом улучшится!
Если задуматься, очевидным становится соответствие правила третей пра-

вилу номер один, касающегося разнообразия и неравенства расстояний.
Если смысловой центр расположен в левой верхней «сильной» точке,
то объект, скорее всего, будет расположен ближе к левой и верхней сто-
ронам холста, но дальше от нижней и правой, что и даст разнообразие.
Если же мы увеличим эти «точки» в диаметре (видите круги на иллю-

страции?), то автоматически избежим ситуаций, когда 1) очень важный
Моя версия правила третей: кружочки объект попадает ровно в середину композиции относительно и вертикали,
увеличены до кругов, что дает и горизонтали и 2) объект оказывается слишком близко к краю. Это моя
больше пространства для маневра. версия правила третей. Мне комфортнее строить композицию, рассуждая
именно таким образом, потому что это дает мне больше пространства для
маневра.
Еще один способ использования этого правила — думать не о том, куда

поместить смысловой центр, а скорее о том, где ему не стоит находиться.
Например, довольно странно он будет выглядеть
− прямиком по центру холста или деревянной панели;

− на равных расстояниях от краев по горизонтали и вертикали;
− слишком близко к краю.

Общие правила
Помните: правила существуют для того, чтобы их нарушать (я делаю это
постоянно). Однако, прежде чем нарушать их, все же есть смысл ознако-
миться с ними подробнее. Как минимум с их помощью вы сможете избежать
кошмара неудачной композиции.
Избегайте поцелуйчиков
Поцелуи — это приятно, правда? Но я хочу сказать о том, что ситуация, когда
предметы на изображении едва касаются друг друга, не пересекаясь — как бы
«целуются», — делает композицию странной. К слову, это правило я тоже
люблю нарушать, но только если уверена, что композиция от этого улучшится. Неудачно: пример двух видов
Если же она выглядит неудачной, то я расставляю предметы дальше друг поцелуйчиков. Уже лучше:
от друга или так, чтобы один перекрывал другой. В первом примере справа никаких поцелуйчиков!
не только чашка «целует» вазу (что как раз не особенно меня беспокоит),
но и помидор с другой стороны также визуально касается ее. Другими словами,
даже если на самом деле предметы не соприкасаются, они могут производить
такое впечатление из-за своего расположения. Мне кажется, это дает непри-
ятный эффект, которого следует всячески избегать.
Во втором примере справа и чашка, и помидор отодвинуты от вазы (на разное

расстояние), и для большего разнообразия я добавила тарелку и ложку. Над ком-
позицией еще можно поработать, но с основной проблемой мы справились.
Не целуйте край холста

Это правило мне еще не приходилось нарушать, поскольку оно рабо- Неудачно: два примера касания
тает всегда. Его смысл в том, чтобы избегать касания между краем объекта объектами краев. Уже лучше:
и краем холста. Либо выдвиньте объект частично за пределы изображения, никаких поцелуйчиков!
либо втяните минимум на полсантиметра.
В первом примере (посередине справа) левый край тарелки касается

края изображения, так же как и верх чашки. Во втором примере видно, что
я устранила оба касания, отодвинув тарелку от левого края и частично
обрезав чашку верхним краем холста.
Не ставьте предметы шеренгой

Если вы поступаете так намеренно, это может стать художественным приемом.
Но в большинстве случаев почти наверняка результат будет выглядеть странно.
Вместо шеренги попробуйте разложить предметы зигзагом с разными промежут-
ками между ними, сложить их в кучку или «обрезать» один из них краем холста. Неудачно: явная шеренга помидоров.
Уже лучше: неравномерное
Справа внизу — пример композиции с неуклюжей шеренгой помидоров, расстояние между ними.
почти параллельной диагонали, которую образуют миска и чашка. Два
предмета неизбежно встанут в ряд, но три предмета в ряду уже могут выгля-
деть странно.
На второй фотографии более динамичной композицию делают неравно-

мерно расположенные помидоры, один из которых уходит за край. Обычно
я стараюсь не «резать» предметы пополам, поэтому, скорее всего, еще пора-
ботала бы над композицией, но этот вариант уже лучше.
Старайтесь, чтобы линии и предметы не уходили в угол
Неудачно: объекты некрасиво Несколько раз я видела удачные примеры того, как это можно художе-
кадрируются, уходя в углы. Уже ственно обыграть, но, как правило, это неудача. В первом примере слева
лучше: изменение композиции не только ложка выходит из правого нижнего угла, но и помидор слева
устранило эту проблему. вверху кадрирован так, что его видимая часть одинакова на каждой стороне,
прилегающей к углу.
Во втором примере я поместила ложку в чашку, где она смотрится значи-

тельно лучше, и переложила помидоры так, чтобы они более естественным
образом выходили за край. Сейчас я вижу, что три из них странным образом
выстроила в ряд — прекрасная иллюстрация того, как решение одной про-
блемы может создать другую. Но здесь-то я нарочно… Ага.
Избегайте неудачных касаний

Когда предметы выстраиваются в неуклюжую шеренгу, это создает непри-
ятное ощущение. Я часто вижу примеры неудачных касаний в работах сту-
дентов на своих мастер-классах. Авторы обычно объясняют это следующим
образом: «Так не было задумано, просто в процессе рисования предметы
Неудачно: странное совпадение границ выросли, и теперь это выглядит и вправду странно». Если с вами такое бывало,
объектов. Уже лучше: перестановка советую, закончив рисунок, тщательно оценить композицию и внести необхо-
объектов избавила изображение димые исправления, если какие-то предметы исказились.
от неудачных совпадений.
В первом примере слева края двух яблок совпадают с краями листа бумаги.
Два яблока слева образуют с миской странную линию, которая меня тоже
слегка беспокоит. Во втором примере яблоки передвинуты так, чтобы не воз-
никало неприятных совпадений с краями бумаги, и прямая линия «яблоко —
яблоко — миска» прерывается пустым пространством над яблоком.

Решение одной проблемы может создать другую
Как я уже упоминала, иногда, работая над устранением одной проблемы
в композиции, я непроизвольно порождаю другую, совершенно новую про-
блему. Так уж устроен мир. Для создания интересной, продуманной компо-
зиции без огрехов требуется приложить усилия. Относитесь к этому спокойно
и будьте готовы к тому, что над любой композицией придется некоторое
время потрудиться, — тогда вы начнете получать от этого такое же удоволь-
ствие, как от остальной части творческого процесса.
Никогда не произносите фразу «Но это действительно так

выглядело»
Если вы видите какие-то недостатки на натуре (пятно на яблоке, некра-
сивая форма), внесите изменения (разверните яблоко другой стороной) или
не включайте это в картину. Никого не волнует, что так было на самом деле,
и, скорее всего, вас никто об этом не спросит. Например, вчера я купила
вишни (справа), но сегодня они уже покрылись пятнами. И я могу либо
не учитывать этого и надеяться, что цвета выйдут естественными, либо купить Если ваши объекты не отличаются
другие, красивые. красотой и покрыты пятнами, развер-
ните их выгодной стороной к себе или
Миф о нечетном количестве замените другими. В любом случае
не изображайте их как есть, чтобы
Возможно, большинство из нас когда-либо слышали, что композиция не объяснять потом, что «так и было!»
из нечетного количества предметов выглядит лучше, чем из четного. Я совер-
шенно не согласна с этим. Мне кажется, что композицию из четного количе-
ства предметов может быть сложнее составить, но уж точно не невозможно
и не плохо.
А теперь забудьте правила

Теперь, когда вы успешно выучили все эти правила, забудьте их! Я не шучу.
Помните, что начинать нужно, следуя интуиции. Если с утра вы купили
вишню, попробуйте фоны разных цветов. Цепляет ли что-нибудь? Возьмите
пару тарелок и миску, или вилку, или ботинок, чтобы добавить в постановку
к вишням. Рискуйте!
Играйте
Осветите свои объекты. Попробуйте разные лампы или поставьте их у окна
и оцените в естественном освещении. Поиграйте с реквизитом. Получайте
удовольствие! Не сдерживайтесь и ни в чем себя не ограничивайте. Берите
самые безумные цвета. Дурачьтесь. Складывайте предметы стопками.
Рисуйте выдуманный фон (горошек выглядит забавно!). Веселитесь столько,
сколько хотите.
Используйте видоискатель
Я думаю, что очень важно смотреть на постановку через видоискатель доста-
точно долго, прежде чем вы остановитесь на одном варианте. Пробуйте
Маленький столик рядом с моим разные размеры и пропорции видоискателя. Может быть, эта постановка
фотобоксом, на нем я храню реквизит, будет выглядеть выгоднее на большом формате? Какой формат будет
который может пригодиться в любой лучше — вертикальный, горизонтальный или квадратный?
момент. Всегда можно подобрать
что-нибудь из того, что лежит на нем или
Пробуйте другие объекты
стоит на полке с чашками/тарелками/
бутылками и другой утварью, а бумагу Если с вишней сегодня ничего не получается, возьмите что-нибудь другое.
и ткань для фона в зять из ящика.
Возможно, на кухне завалялись несколько помидоров, которые впишутся
в композицию как нельзя лучше.
Режьте
Вы купили на рынке симпатичные апельсины и пытаетесь сделать с ними
что-то интересное, но вот незадача — они все одного размера. Нарежьте их!
И вот ваша композиция стала гораздо разнообразнее. К тому же апельсин
можно нарезать множеством способов. Это к слову.
Не мудрите с драпировкой
Если драпировку расположить на большей части фона и вокруг объектов, это
Складки ткани рисовать сложно, и если не только намного усложнит работу над картиной (складки сложно писать!),
весь ваш фон состоит из складок,
но и может запутать зрителя, если вам не удастся передать складки доста-
готовое изображение (конечно, если
складки не идеальны) может запутать точно реалистично. Я советовала бы использовать плоский фон, особенно
зрителя. Я предпочитаю чаще исполь- если вы еще не освоили складки. Если же вам непременно хочется взять
зовать плоский фон, а ткань включать драпировку, постарайтесь, чтобы ее края читались на картине — так зрителю
иногда и таким образом, чтобы она будет понятнее, что это ткань.
пересекала композицию, как в примере.
Это проще нарисовать, и результат
будет более узнаваем для зрителя.
Для поиска композиции пробуйте разные видоискатели с разными пропорциями. Будет лучше квадратный формат, 13 × 18 см,
76 × 101 см или другой? Не слишком ли скучный фон? Может быть, стоит нарисовать горошек? Что если разрезать апельсин?

Не зацикливайтесь
Не убеждайте себя, что вы обязаны изобразить этот особенный [вставьте
название значительного объекта] или эту суперклассную, интересную
или значительную идею. Это будет стоить вам времени, потраченного
на неудачную картину. Может быть, этот особенный объект или идея хоть
и значительны, но слишком сложны, перегружены или уродливы. Или, воз-
можно, лучше просто попробовать вернуться к ним в другой раз.
Не подгоняйте себя
Не нужно называть себя неудачником, если вы провели час за подбором
реквизита, а до хорошей композиции еще далеко! Я знаю — я ругала себя
за это без всякой на то необходимости много раз. Иногда мне требуется
несколько часов, чтобы создать композицию, которая покажется мне стóящей.
Радуйтесь!
Или лучше сказать — подождите, пока композиция не начнет вас радовать.
Если этого не произошло, а вы начали писать, скорее всего, зрителя она тоже
не порадует насколько, чтобы он решился купить ее.
Почти довольны
Если вы уже почти всем довольны, но все-таки что-то не так — совсем чуть-
чуть, — тогда вспоминайте правила. Если же, наоборот, вам все нравится,
но вы заметили, что нарушили правила, видимо, стоит… нарушить их! Самое
главное — получать удовольствие!

Упражнение «Четверка»
Возьмите простую чашку (или другой предмет, который найдете дома) и четыре листа
бумаги разных, но хорошо сочетающихся друг с другом цветов. Теперь придумайте
и напишите четыре композиции с одним объектом. Пробуйте разные ракурсы и варь-
ируйте угол освещения. Не начинайте писать, пока не будете полностью довольны
композицией.
Практическое занятие: нарушаем правила!
Ниже я пошагово разберу процесс работы над картиной, в которой нарушаю
сразу несколько правил. Будут поцелуйчики, касания и выпивка… то есть
нет, погодите-ка… э-э-э, предметы в шеренге и т. д. Я сделала это намеренно,
и вам решать, уместно это было или нет.
На оригинальной фотографии видно, что тарелка сверху расположена

1
ровно посередине, нарушая мое первое правило. Если подсчитать предметы,
то окажется, что их четное количество, что является нарушением второго
правила. Среднее яблоко «целует» вилку, хотя я старалась, чтобы на кар-
тине это как можно меньше бросалось в глаза. Ложка и вилка располо-
жены параллельно друг другу и лежат в шеренге с остальными предметами,
нарушая еще одно правило. Эту картину я назвала «Чопорные яблоки».
Пошаговый процесс рисования приводился в главе 6, поэтому приступим

сразу к живописи.
1. На иллюстрации (слева в центре) видно, что я начала писать яблоки,

работая светлым и темным тонами, стараясь заходить за контуры
(подробнее об этом — в главе 8).
2
2. Далее я прорабатываю темные тона приборов. Помните: большинство
металлических предметов скорее темные, с небольшим количеством
бликов. Если тени на них не будут достаточно темными, вы не получите
характерного для них резкого контраста. Я также написала рефлексы
яблок (свет, который отражается от окружающих предметов на яблоки)
и их собственные тени (те, которые находятся на яблоках).
3. Затем я добавила светлые тона на приборы (также отраженный свет)

и начала работать над падающими тенями яблок (это тени, которые
отбрасывают яблоки). Видите маленькие белые штрихи на левом
боку среднего яблока? Мне нужно заново найти его край, для этого
я ластиком немного стерла краску.
1. Оригинальная фотография для

картины «Чопорные яблоки», картина
была написана с натуры.
2. Шаг 1: я нанесла светлые и темные
тона на яблоки, не особенно заботясь
о попадании в контур.
3. Шаг 2: проработка темных тонов
приборов, отраженного света
на яблоках и самых темных участков Яблоки, наглядная демонстрация. Шаг 3: подробная проработка
на яблоках — их собственных теней. приборов и начало работы над падающими тенями.

4. На следующем шаге (слева) я работаю над тарелкой вверху и ее тенями,
а затем приступаю к проработке фона, обращая внимание на контуры
объектов. Чтобы писать вилку было проще, в начальной стадии следует
проигнорировать разделение на зубцы и изображать ее как цельный
объект. Когда подойдет время работы над контрформой и пора будет
приступать к промежуткам между зубцами, начинайте со среднего
(обычно в вилках три промежутка), а затем допишите с обеих сторон
оставшиеся два. Так гораздо проще правильно разметить расстояние.
5. Затем я прорабатываю оставшийся фон и вношу исправления, где это

необходимо. Нужно стараться не задевать яблоки или приборы, иначе
они будут выглядеть грязными и нечеткими. В процессе я решаю, какие
1 контуры можно сделать резкими, а какие лучше смягчить. В частности,
контуры теней не должны быть резкими.
6. В завершающей стадии я добавляю то, что моя подруга Дженнифер

называет «мишурой» — блики на яблоках, тарелке и приборах. Еще
я дописываю яблокам плодоножки, вношу необходимые исправления
в фон и в правом нижнем углу силиконовой кисточкой ставлю свою
подпись. Я закончила картину, которая должна была нарушить ряд
правил, и я ею вполне довольна.
1. Шаг 4: я пишу тарелку и ее тени,

далее, прорабатывая фон, исправляю
контуры объектов. 2. Шаг 5:
дописываю фон, обращая особенное
внимание на характер контуров.
Шаг 6: завершающий этап — проработка бликов и подпись. Готово!

Чопорные яблоки. 2013. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

8 Свободная техника
при работе с маслом
Как следует из заголовка, эта глава будет посвящена в основном работе

с масляными красками. Но даже если вы используете другие материалы,
думаю, вы сможете почерпнуть для себя полезную информацию. Или,
наконец, вдохновитесь попробовать писать маслом!
Масло — мой любимый материал, и то, о чем я собираюсь рассказывать далее,

может отличаться от традиционного подхода к масляной живописи. Я могу
рассказать, как добиться более чистых, свежих цветов и свободных, живо-
писных контуров. Если это не то, что вас интересует, — можете смело пропу-
стить эту главу.
Молочка`? 2010. Масло, дере-

128
Алла прима
Миниатюра, выполненная за один сеанс, называется «картина алла прима»,
или «по сырому». Для этой техники требуется иной подход, нежели к тради-
ционной, когда красочный слой должен подсыхать между сеансами.
При работе в этой технике каждый мазок, поскольку краска еще влажная,
смешивается с нижним слоем и окружающими мазками (насколько он сме-
шивается, зависит от того, как много краски вы набрали на кисть и насколько
толстый слой краски лежит снизу и вокруг). Поэтому важно заранее опре-
делить очередность, с которой вы будете работать над объектами. Мне нра- 1
вится думать об этом, как об игре в шахматы: нужно продумать партию
на несколько ходов вперед, чтобы (надеюсь) одержать победу. Если делать
слишком много движений кистью, может получиться грязь. Здесь эту технику
можно сравнить с игрой в гольф — чем меньше ударов, тем чище игра.
Методом проб и ошибок я разработала собственный подход к живописи,

который полностью меня устраивает, позволяя сохранять цвета чистыми, а кон-
туры свободными, и поэтому более интересный (как мне кажется). Он далек 2
от традиционного «от темного к светлому» и, возможно, требует более тщатель-
ного планирования. Впрочем, для начала предлагаю обсудить роль подмалевка.
Для чего нужен подмалевок

Что такое подмалевок? Тонкий красочный слой (слой краски с добавлением рас-
творителя), который кладется в первую очередь, а затем промакивается бумажным
полотенцем так, чтобы он не был слишком влажным (см. фото 2). По желанию
вы можете выполнить подмалевок накануне акриловыми красками, чтобы за ночь
он полностью высох, но я предпочитаю, чтобы он был немного влажным.
Обязателен ли подмалевок? Нет, необходимости в нем нет, его можно выпол-

нять по желанию. Я предпочитаю делать его по трем причинам.
− Ох, закрашу-ка я, пожалуй, всю эту устрашающую белизну!

− Поверхность становится немного влажной, и мне нравится, как на нее 3
ложится краска, — вот почему я занимаюсь подмалевком непосред- 1. Катлин Рэфелд. Несмышленые цыплята.
ственно перед тем, как начать работать красками. 2013. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.
− Мне нравится, как фон проглядывает сквозь верхний слой краски

Кэтлин предварительно грунтует панель
черным гессо и по нему пишет маслом.
в законченной картине. 2. Я вытираю влажный фон (жженую умбру)
бумажным полотенцем. 3. Упорядоченный
Как я выбираю цвет для подмалевка? Ну, для начала — нет правильного цвета. завтрак. 2010. Масло, деревянная панель.
15 × 15 см. Пример картины с домини-
У меня есть личный метод, вы можете воспользоваться им или придумать рующим синим цветом, сквозь который
собственный. Некоторые художники предпочитают всегда использовать один проглядывает оранжевый фон (оранжевый
и тот же цвет. цвет — д
ополнительный к синему).
Свободная техника при работе с маслом 129

Выбирая цвет, я задаю себе несколько вопросов.
− Какой цвет будет доминировать? Доминирующим называют цвет, который

занимает наибольшую площадь изображения. Например, если взять готовую
картину и разрезать ее на сотню маленьких квадратиков, а затем сложить
в одну стопку синие, в другую красные и т. д., стопка какого цвета будет
самой высокой? Этот цвет и есть доминирующий. Для подмалевка я часто
выбираю цвет, дополнительный к доминирующему (как на фото 3 на стр. 129).
1
− Не случится ли так, что важные объекты будут выглядеть грязными из-за
цвета, выбранного для подмалевка? Например, я не стала бы делать под-
малевок зеленым цветом, если мой главный объект в постановке — яркое
красное яблоко. Помните, что в технике «алла прима» цвет нижнего слоя
может влиять на цвет следующего. Если же цвет все-таки загрязнится,
какой еще цвет можно использовать (см. иллюстрацию 1 слева)?
− Хочу ли я, чтобы еще какой-нибудь цвет просматривался сквозь

верхний красочный слой? Ответить на этот вопрос поможет шестое чув-
ство (см. иллюстрацию справа).
Несколько важных правил выполнения подмалевка

Я заметила, что одни цвета не очень хороши для выполнения подмалевка,
а другие идеальны в отдельных случаях. Вот несколько правил выполнения
подмалевка, которым я стараюсь следовать.
2
− Никогда не берите для подмалевка белила — они обязательно смешаются
1. Побег из Алькатраса. 2012. с последующими слоями, и вся картина приобретет белесый оттенок.
Хотя доминирующий цвет в этой − Никогда не берите для подмалевка фтал — это очень сильный цвет,
картине оранжевый, я не хотела который легко смешивается с любым другим, и в результате картина
использовать для подмалевка синий, получится в бирюзовых тонах.
− Если в постановке много белого, я рекомендую использовать для под-

чтобы цветы не стали выглядеть
грязными, поэтому взяла умбру
жженую — вполне нейтральный цвет. малевка умбру жженую или другой нейтральный цвет (или смесь синего,
2. Внимание! Если в постановке много красного и желтого). (На иллюстрации 2 слева пример подмалевка
белого, не берите для подмалевка яркие неудачного цвета.)
цвета. В данном случае я использовала
красный и только на следующий
день поняла, что все белые предметы
− Если вы не уверены в цвете подмалевка, поэкспериментируйте
с несколькими. Со временем вы поймете, что хорошо работает, а что
имеют розовый оттенок.
не годится. Можно попробовать выполнять подмалевок акриловыми
красками накануне, чтобы он успел просохнуть, — тогда он не будет
вступать в реакцию с последующими слоями краски.
Зеленые кабачки. 2007. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

Одна из моих ранних миниатюр, в которой доминируют синий и фиолетовый, а главный объект зеленого цвета. Я решила, что мне здесь
не хватает теплого цвета, и поэтому для подмалевка выбрала ализарин малиновый — о
н проглядывает сквозь верхний слой краски.

План работы
Закончив работу над композицией (о ней я подробно рассказала в главе 6),
мы можем приступать к живописи. Но в каком порядке писать? Начинающие
художники, стремясь избежать трудностей, в первую очередь часто пишут
фон. Многие преподаватели советуют начать с темного и постепенно идти
к светлому. У меня другой метод, немного более сложный и, разумеется, под-
ходящий не каждому. Но, по моему мнению, это лучшее, что дал мне мой
неакадемический опыт.
Я предпочитаю начинать писать с более уязвимых участков, постепенно про-

Пронумерованные на помидоре области двигаясь к менее уязвимым. Что значит «более уязвимые»? Это области
от 1 до 6 показывают, в каком порядке цвета (как правило, по площади больше одного мазка), которые было бы
я работаю, двигаясь от более уязвимых
сложно написать выигрышным образом, если окружающие области уже
фрагментов к менее уязвимым.
были бы готовы. Возможно, это звучит загадочно, но потерпите немного.
Я считаю область более уязвимой, если она удовлетворяет двум условиям:
− она выглядит «островом» (окружена «океаном»);

− она (территория «острова») очень насыщенного цвета, и нужно быть
крайне осторожным, чтобы сохранить его таким.
И что же это значит? Для примера рассмотрим помидор (слева). Для

начала следует заметить, что весь помидор будет «островом», поэтому сна-
чала я буду писать его, а затем уже бирюзовый фон. Внутри помидора
я напишу в первую очередь насыщенный красный (1) в той области, которая
наиболее освещена. Для цвета собственной тени (которая лежит на поми-
Два примера изображения желтого доре) мне нужно получить более темный, нейтральный красный, который
цветка: в первом сначала написан сам
(как вы помните из главы 5) смешивается из трех основных цветов. Если
цветок, во втором — фон. Обратите
внимание, как верхние лепестки начать писать с тени, ее цвет может попасть на освещенные области, где
выгравированы слоем фона. Желтый должен быть насыщенный красный. Закончив с ярким красным, я стараюсь
цвет лепестков немного смешивается его случайно не задеть. Далее я займусь областью перехода от света к тени,
с серым цветом фона, что, как мне а после нее — собственной тенью (2). Затем буду работать над рефлексом
кажется, оживляет цветок. Во втором
(отражающимся от бирюзового фона) (3), падающей тенью (которую отбра-
случае желтый приходится класть более
толстым слоем, чтобы перекрыть серый, сывает помидор) (4) и «океаном» (бирюзой) (5). В последнюю очередь —
примешивающийся к цвету лепестков. «мишура»: блики и плодоножка (6).
Что значит «менее уязвимые»? Маленькие области, которые можно написать

поверх слоя краски, будут наименее уязвимыми — это блики, изящные плодо-
ножки, тонкие стенки чашек, мелкий горошек и т. д.

В этом методе очень важно продумать порядок работы, чтобы не возвра-
щаться к уязвимым местам. Если необходимо, нужно делать это очень акку-
ратно и вдумчиво и следить за соответствием цвета, которым вы собираетесь
вносить исправления. Даже во время проработки менее уязвимых участков,
таких как блики, следует воздерживаться от лишних мазков, лучше положить
один, но уверенный. Если он не получился так, как нужно, советую использо-
вать силиконовую кисть, чтобы стереть его, затем заново написать нижний
слой и поверх попробовать снова.
Теперь предположим, что вы решили написать яркий желтый цветок (справа).

Если сначала вы напишете фон, будет невероятно сложно прописать желтые
лепестки без того, чтобы цвет фона смешался с ними или загрязнил их, что
всегда будет происходить на краях мазка. Даже если вам удастся это сделать,
края лепестков наверняка будут выглядеть как аппликация, а желтая краска
ляжет слишком толстым слоем.
Если же, наоборот, сначала написать цветок и только потом фон, желтый Арбузный суп. 2011 Масло, деревянная
останется насыщенным (если только вы его случайно не смажете), а края панель. 15 × 15 см.
лепестков можно будет сделать гораздо более интересными — так мне Пример композиции с «островом
кажется. Цветок на фоне будет выглядеть органичнее и живее, потому что внутри острова внутри острова», над
которыми я работала в порядке 1–9.
вокруг лепестков желтый смешается с серым цветом фона, что производит
впечатление «сияния».
В более сложных постановках один «остров» будет расположен внутри дру-

гого, который в свою очередь находится внутри третьего, третий — внутри
четвертого и т. д. Удобнее всего работать в порядке от внутреннего к наруж-
ному. Арбуз в миске (справа вверху) идеально иллюстрирует описанную
ситуацию. Я начала писать с области «1» (сок и мякоть вокруг), затем «2»
(плоскость мякоти вокруг области «1») и далее по порядку, закончив девятой.
Иногда постановка — сложный паззл из разных фигур, в котором есть оче-

видные «острова» и «океаны», но есть и такие, в которых трудно сразу разо-
браться. Бывает так, что идеального решения просто нет, приходится выбрать
путь и двигаться по нему. Если он не работает — стирайте написанное и про-
буйте другой порядок действий.
Подспорьем может служить, особенно для новичков, предварительная проба

цвета, чтобы заранее увидеть, как он сочетается с уже написанными объек-
тами. Например, если вы хотите сравнить цвет или тон объекта с предпола-
гаемым фоном, смешайте цвет для фона и положите пробный мазок на кар- Пример пробы цвета для областей,
где мне нужно было оценить
тину, в отдалении от законченных участков. соотношение цветов, прежде чем
переходить к следующему этапу.

Контуры
В дополнение к упомянутому порядку работы изнутри наружу (от «острова»
к «океану») я рекомендую заступать краской за контуры (линии, нарисо-
ванные на этапе подмалевка) и позже формировать контур заново цветом,
используемым на внешней стороне контура.
Несколько преимуществ этой техники:
− мазки будут свободнее и живописнее;

1
− итоговая работа будет выглядеть непосредственнее;
− объекты не выглядят аппликацией;
− объекты органично вписаны в окружение;
− объекты кажутся более «реальными».
Рассмотрим пошагово процесс работы над натюрмортом с помидорами
и тарелкой (посмотреть видео с другими примерами можно в моем блоге
carolmarine.blogspot.com в категории Art Tutorials).
1. Сначала я рисую постановку умброй жженой (иллюстрация 2) на поверх-

ности аналогичного цвета. Линии рисунка видны, потому что фон тони-
2 рован более жидкой краской, и они кажутся темнее. Я внимательно слежу
за тем, чтобы добавлять не слишком много растворителя в краску для
рисунка, — если такое случится, на следующем шаге он вытрется бесследно.
2. Затем я аккуратно вытираю бóльшую часть краски, которой выполнен

рисунок, таким образом, чтобы от него остался едва заметный след
(иллюстрация 3), но краски при этом было недостаточно для того, чтобы
произошло ее нежелательное смешивание с последующим слоем. Писать
я начинаю с помидоров, первых «островков», сначала прописывая их
освещенные стороны, а затем затененные. Я не стараюсь придерживаться
контуров и кладу свободные мазки, заходящие за их пределы.
3. Далее я прорабатываю тарелку (иллюстрация 1 на стр. 136), стоящую

вплотную к помидорам. Здесь я уже не стараюсь сильно заходить
3 за края, поскольку следующим этапом я буду писать ее тень, и если на ее
область попадет слишком много светлого цвета тарелки, я не смогу сде-
1. Демонстрация процесса работы лать ее достаточно темной. Я также добавила рефлексы помидорам,
над натюрмортом, оригинальное
изображение, картина написана
чтобы включить в картину отраженный свет.
с натуры. 2. Шаг 1: сначала
выполняется рисунок. 3. Шаг 2: затем
(после вытирания лишней краски
с рисунка) я пишу помидоры, стараясь
придерживаться свободной техники. Демонстрация процесса работы над натюрмортом. Шаг 3: проработка тарелки.

4. Приступаю к падающим теням, которые отбрасывают тарелка и поми-
доры (иллюстрация 1 слева). Все цвета, которые я беру для падающих
теней, «серые», другими словами, состоят из красного, синего, желтого
и, возможно, белого.
5. Обычно падающая от объекта тень темнее непосредственно рядом

с объектом, чем в остальной части (на иллюстрации 2). Если вы видите
1 такое место, его очень важно отразить в картине, иначе предметы могут
казаться висящими в воздухе (не имеющими под собой твердой опоры).
Поскольку очертания тени обычно мягкие и расплывчатые, я смешиваю
для них средний тон и прорабатываю ее края прежде, чем писать
«океан» — фон вокруг. Это называется «полутень».
6. Далее переходим к «океану» (на иллюстрации 3). На этом этапе

я осторожно формирую края объектов, стараясь не заступать за них,
чтобы не получился грязный цвет, средний между цветами «острова»
и «океана». Это аналитический процесс, потому что я стараюсь варьи-
ровать характер границ объектов для визуальной привлекательности.
Прежде чем нанести каждый мазок, я его тщательно обдумываю.
2 Вариантов того, как может выглядеть граница объекта, бесконечное мно-

жество, как и техник их выполнения. Мой девиз для живописи вообще
и для прописывания контуров в частности — «Сделать это минимальным
количеством мазков, чтобы не было ничего лишнего».
Я уверена, что резкие края делать проще всего, и начинающие худож-

ники, как правило, всегда делают границы объектов резкими, хотят они
этого или нет. Смягченный край требует большей точности нанесения
краски, особенно если вы не хотите совсем его размыть.
Мягкий край будет уместным, если он находится на границе цветов с одина-

ковым или близким тоном. Чаще всего такое соседство встречается между
собственной и падающей тенью. Такой пример смягченного края можно уви-
деть на затененной стороне чашек на стр. 139. Обратите внимание на резкий
3 переход там, где темная ложка граничит с освещенной стороной чашки.
1. Шаг 4: проработка падающих теней Преимущество смягченного края в том, что он может замаскировать
помидоров и тарелки. неточность формы и ошибки в пропорциях. Я не шучу! Когда все кон-
2. Шаг 5: тени готовы и состоят туры резкие, каждая ошибка лезет в глаза, как белая ворона.
из самого темного места, располо-
женного непосредственно рядом 7. Последний шаг — «мишура» (справа). Я дописываю плодоножки
с предметом, и полутени ближе к краям. помидоров, внимательно отслеживая отбрасываемые ими тени,
3. Шаг 6: я пишу «океан», обращая вни-
а затем — блики. Мои ученики часто спрашивают меня, случалось ли
мание на характер контуров объектов.
Все по местам. 2013. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

Блики и плодоножки прописаны в последнюю очередь.

Упражнение на чередование контуров. На иллюстрации вы видите,
как это получилось у меня. Я играла с цветами и краями, не стараясь
получить определенный результат. Необязательно пытаться повто-
рить мой вариант или нарисовать похожий. Просто играйте.
Упражнение «Игра контуров»

Для упражнения подойдет холст или деревянная панель. Нарисуйте одним цветом
«остров», а другим — «океан». Повторите. Попробуйте сделать как резкие края, так
и мягкие, с плавным цветовым переходом, обходясь минимальным количеством движений.
Обращайте внимание, сколько уходит краски, в каком направлении вы водите кистью,
насколько сильно нажимаете на нее и под каким углом держите, подмечайте и другие
детали. Играйте с красками. Наблюдайте, что получается.

мне прорабатывать блики на более ранней стадии, и вот мой ответ:
«Иногда, но часть удовольствия от работы теряется, когда заканчиваешь
основной объем, а блики уже есть!» Мне очень нравится этот символи-
ческий завершающий этап, когда вся картина складывается в единое
целое. Блики почти никогда не бывают чисто белыми. Смешивая цвет
для бликов, я учитываю цвет объекта и цвет падающего света.
О чем следует помнить в процессе живописи

Есть несколько важных вещей, о которых я часто спрашиваю себя в процессе
или стараюсь постоянно держать в голове.
− Расспросите себя о своем объекте. Где самый темный тон? Самый

светлый тон? Самый насыщенный цвет? Все остальное сравнивайте
с этими крайними значениями.
− Чаще прищуривайтесь и отходите назад. Напомнить себе об этом Оттенки белого. 2013. Масло, дере-
никогда не будет лишним!
Обратите внимание, какими разными
− Смешивая цвета для соседних участков, старайтесь, чтобы замесы способами написаны границы
чашек, особенно помеченные
на палитре также были рядом друг с другом. Это позволит оценить
(упоминание о них на стр. 136).
относительный цвет и тон до того, как вы положите краску на холст.
− Высекайте форму объектов скульптурными мазками.

− Избегайте заливать большую область одним цветом, даже если она
в реальности одноцветная. Можно сделать ее визуально гораздо
более интересной, если покрыть разными оттенками одного цвета, при
условии, что все они соответствуют друг другу по тону.
− Ни в коем случае не рекомендую подносить смешанный цвет к объ-

екту для сравнения на кисти или мастихине! Это плохо по многим при-
чинам. Для начала, освещение объекта наверняка отличается от осве-
щения рабочей поверхности и палитры, а цвет и тон краски на кисти
будет разным в зависимости от угла падения света и того, как вы дер-
жите кисть. Кроме того, ваша цель — верное соотношение цветов на кар-
тине, а не полное соответствие цветам в действительности (которого
к тому же вы таким способом в любом случае не добьетесь).
− Если картина не вышла, я считаю, что всегда лучше стереть ее

(бумажным полотенцем, смоченным в растворителе), чем отложить
с намерением улучшить когда-нибудь потом. Решиться на это будет
трудно, но вы сразу почувствуете облегчение! Обычно картина не полу-
чается по существенным причинам, которые переделками не устранишь.
А если хранить такую работу в студии, вы неизбежно будете чувство-
вать себя виноватыми каждый раз, когда она будет попадаться на глаза.
Лучше вытереть ее сразу… а также сэкономить холст, чтобы, возможно,
написать на нем удачную картину. Ни разу мне не пришлось пожалеть
о стертой картине, зато если я этого не делаю, то всегда жалею!
− В живописи нет рецептов. Каждый преподаватель может поделиться

с учениками тем, что подходит именно ему или ей, — относитесь к этой
информации с долей скепсиса. Ставьте под сомнение любые утвер-
ждения (даже мои). Старайтесь постоянно искать новые пути.
Прищуривание и отход назад

Я знаю, что уже говорила об этом, но повторю: крайне важно периоди-
чески прищуриваться и отступать назад от картины. С близкого расстояния
очень легко пропустить недочеты, имеющие значение для восприятия
общей картины. И к тому же легко подхватить вирус страсти к детализации!
Его основные симптомы — суетливые мазки, уводящие бесконечно далеко
от настоящей свободной техники.
Практическое занятие: яблоко — частые ошибки

Я решила, что будет полезным продемонстрировать пример (слева и на стра-
нице справа) яблока, выполненного новичком (на самом деле — мной,
и я постаралась собрать здесь все ошибки, которые вижу у своих студентов),
и сравнить его с тем, которое напишу я. Я опишу все недостатки, которые
вижу в первом яблоке, и покажу, как их исправить, на втором.
Начать с того, что форма «плохого» яблока слегка нетипичная. Ямка вокруг пло-
доножки слишком глубокая — эта ошибка встречается чаще, чем можно пред-
Так, согласно моим предположениям, положить, — а снизу яблоко совершенно плоское. Левый бок плода переходит
выглядит яблоко, нарисованное
прямо в падающую тень (неудачное совпадение), что портит всю композицию.
начинающим, — со множеством
типичных ошибок. Ключ к решению перечисленных проблем — наблюдательность. Такие ошибки
провоцирует разум, транслируя нам стереотипное яблоко, тогда как следует вни-
мательно смотреть и анализировать, что же мы видим на самом деле.
Все без исключения контуры как яблока, так и тени — резкие. Картина
похожа на аппликацию. И что самое важное — граница между собственной
и падающей тенями, а также весь контур падающей тени должны быть мягче,
такими, как во втором примере.
Падающая тень фиолетовая, однородная и слишком темная. Такое я часто

наблюдаю у студентов, которые увлекались пейзажами. В память вреза-
ется, что тень должна быть фиолетовая, потому что на открытом воздухе,
как правило, так и есть. А еще принято считать, что тень должна быть темной.
Более продвинутое яблоко без описанных ошибок.

Во втором примере падающая тень состоит из нескольких тонов и оттенков
цвета: темнее возле яблока и тем светлее, чем дальше от нас. Цвета внутри нее
также различаются, что соответствует тому, как она выглядела в реальности.
Блики на «плохом» яблоке слишком большие, абсолютно белые и слишком

однородные. Другая частая ошибка — слишком много мазков по одному
блику, из-за чего он растворяется в объекте.
Упражнение Я часто задаю вопрос: «Почему вы не положили блики?» Обычный ответ:

«Десятиминутные яблоки» «Положил, вот же они, видите?» Нет. Мазок блика нужно класть уверенно
и точно попадать с первого раза. В случае неудачи рекомендую стереть его,
Приготовьте таймер и разделите поверх-
записать нижний слой и попробовать снова. Цвет блика должен частично
ность (панель, холст, бумагу и др.)
содержать в себе цвет объекта и цвет падающего света. Иногда, если блик
на восемь или больше маленьких ква-
слишком мягкий, я кладу поверх еще несколько мазков, каждый следующий —
дратов (или прямоугольников). Они
светлее и меньше предыдущего, как я сделала во втором примере.
должны быть действительно малень-
кими — 5 × 7 см или около того. Нет Все мазки кистью вокруг «плохого» яблока положены в одном направлении
необходимости делать их идеальными. (по форме яблока). Лучше делать мазки, различающиеся по размеру, направ-
Теперь поставьте яблоко и создайте лению и, незначительно, по цвету. Кроме того, тон «океана» неизменен на всей
выразительное освещение. Заведите площади, что делает его визуально совершенно плоским. Обратите внимание, что
таймер на десять минут. Напишите «океан» во втором примере светлее всего вверху и постепенно темнеет к низу.
яблоко в первом квадрате. Как только
Собственная тень «плохого» яблока недостаточно темная и серая, для нее
таймер зазвонит — стоп! Сразу же пре-
я добавила ализарин к красному кадмию. Во втором примере затемнила
кратите писать. Повторите для каждого
красный кадмий добавлением ультрамарина и небольшого количества
квадрата, пока не заполните все. Можно
кадмия желтого светлого.
поворачивать яблоко и менять осве-
щение для каждого нового квадрата. И, наконец, рефлекс (маленький розовый мазок в левой нижней части яблока)
Но ни в коем случае не возвращайтесь слишком светлый и слишком насыщенный. Отраженный свет важен, но он
к законченным картинам и не исправ- всегда неявный. Нечасто услышишь комплимент вроде: «Ого, потрясающий
ляйте ошибки, иначе результата не будет. отраженный свет!» Но если с ним что-то не так, зритель всегда заметит.
Цель упражнения — прочувствовать форму Эта глава посвящена в основном свободной технике при работе с маслом,
яблока с помощью мазков кисти. Постоянно но мне хотелось бы показать работы блестящих художников, которые
прищуривайтесь и упрощайте. Не увлекай- используют свободную технику для работы с акрилом.
тесь деталями. Старайтесь воспринимать
яблоко как форму, цвет и тон, а не как яблоко.
Шесть самых частых студенческих ошибок
Пишите то, что вы видите, а не то, что вам
кажется. Если вдруг заметите, что повторяе- Следуйте этим предостережениям, и вы сможете предотвратить ошибки:
тесь, — начинайте экспериментировать! Для
обучения важно все время пробовать новое. 1. Не жадничайте! Студенты часто стараются набирать на кисть или класть
Будьте готовы к тому, что первое яблоко на картину как можно меньше краски. Или смешивают большое количе-
не будет удачным: с ним вы только привы- ство неправильного цвета (обычно мастихином), но все равно исполь-
каете к тому, как долго длятся десять минут. зуют его, потому что жалко выбросить. Кроме того, они покупают самые
Следующие будут лучше. Если этого не слу- дешевые материалы, которые часто приводят к разочарованию!
чится, попробуйте еще раз завтра.

2. Не ленитесь! Студенты иногда моют кисти слишком редко или недоста-
точно промывают их, из-за этого остатки краски попадают в новый замес
и делают серым цвет, который должен был быть насыщенным, а оставшиеся
на кисти белила высветляют темные цвета или делают их белесыми.
3. Не влюбляйтесь в картину! Студенты часто так стараются сделать

шедевр из каждой картины, что не могут спокойно учесть ошибки и дви-
гаться дальше, сделав выводы.
4. Не сужайте поле зрения! Студенты склонны сравнивать тона, цвета, про-

порции и другие параметры на небольшом участке вместо того, чтобы
оценивать картину в целом. На мастер-классах таким студентам прихо-
дится уделять внимания больше, чем остальным.
5. Не увлекайтесь детализацией! Студенты часто настолько зацикливаются

на деталях, что бесчисленными мазками замучивают картину до смерти
и упускают важное в картине в целом.
6. Не обожествляйте линию! Студенты боятся отклониться от первона-

чальных линий рисунка, из-за этого контуры получаются напряженными
и жесткими — никакой свободы и никакой жизни!
Патти Моллика. Противостояние

в Нью-Йорке. 2013. Акрил, дере-
Дэвид Ллойд. Бежевая комната с цветами. 2012. Акрил, аква-

рельная бумага на жесткой основе. 13 × 18 см.

9 Борьба с творческим кризисом
Кризис — вы слышали о нем. Вы знаете, что это может случиться с каждым.
Вы готовите себя к нему. Но когда наконец он обрушивается на вас, все, что
вы можете думать, это: «Все кончено, я никогда больше не смогу творить!»
Так ведь? Это ужасный, страшный, безумный и депрессивный период.

И со мной это случается регулярно. Я смирилась с тем, что он будет приходить
периодически, и знаю, что на самом деле не все кончено? Нет. Я тону в пучине
безысходности, не признаю этого и срываюсь на мужа. Разумно ли это? Ничуть.
В 2012 году у меня был, пожалуй, самый тяжелый кризис. Мне было так плохо,
что я объявила всей (довольно большой) семье, что покончила с живописью
навсегда, и буду искать другую, более перспективную карьеру. Я была очень
серьезно настроена. Почему-то они выслушали мое заявление невозмутимо.
Мрачное место под названием «Я больше

никогда не хочу заниматься живописью!»
Ежедневная живопись изменила мою жизнь. От больших, скучных полотен
и постоянной депрессии я пришла к маленьким, жизнерадостным картинам,
начала продавать их через интернет и этим стала зарабатывать себе на жизнь.
Каждое утро я просыпалась с ощущением, что меня переполняет вдохновение.
Мне казалось, что источник идей для моих миниатюр неиссякаем. Люди спраши-
вали меня: «Тебе не надоело писать яблоки?» И я могла честно ответить: «Нет!»
Но через несколько лет стали приходить периоды неудовлетворенности,

первые звоночки кризиса. На некоторое время помогали переключение
на другой объект или отдых. Однако мне казалось, что я всегда могу вер-
нуться в форму, поэтому я не волновалась. У меня была фантастическая
работа, на что мне вообще было жаловаться?!
Зеленая парковка. 2013. Масло, деревянная панель. 13 × 18 см.
144
Овеянные бризом. Масло, деревянная панель. 20 × 30 см.

Но короткие периоды становились все длиннее, и кризис подступал все
ближе. И все это время я говорила себе: «Работай, и все наладится!», поэтому
я шла в студию даже тогда, когда мне этого не хотелось, и писала, несмотря
на полное отсутствие вдохновения. И что в результате? Конечно, я писала,
но все меньше и меньше была довольна и процессом, и своими картинами.
В декабре 2012 года я поняла, что нужно запастись картинами впрок, так

как запланировала много поездок, но при этом рассчитывала по-прежнему
ежедневно обновлять блог. Оставалось пять дней, и я поставила себе задачу
написать столько картин, сколько смогу. Я уже делала так раньше неодно-
кратно, но в этот раз на третий день во мне что-то сломалось. Мой неисчер-
паемый колодец вдохновения неожиданно опустел, и я изо всех сил, до боли
скребла ногтями по дну. Я плакала целыми днями. Мой муж был очень тер-
пелив со мной, даже когда я этого не заслуживала (спасибо, Дэвид!). У меня
не было ни вдохновения, ни идей, ни желания писать вообще что-либо. Одна
только мысль о кисти заставляла меня содрогнуться.
К счастью, запланированная на праздники поездка стала вынужденным

отдыхом от работы в студии. Именно в это время я объявила, что оставила живо-
пись в прошлом, и начала с энтузиазмом искать новое поле деятельности. Я рас-
сматривала перспективу стать парикмахером, гончаром… и даже кассиром
в супермаркете. Мысленно я примеряла на себя эти профессии, но ни одна
не казалась мне достаточно привлекательной. В глубине души я понимала, что
любое из этих занятий, скорее всего, мне наскучит (и очень быстро).
Примерно в это же время моя подруга Лесли Сэта предложила мне стать
второй ведущей в ее программе («Художники помогают художникам»)
на один день, и я ответила ей: «Извини, у меня сейчас неудачный период,
я не уверена, что когда-нибудь еще смогу писать», — думая, что она меня
не поймет. Но она ответила: «О, так ты сейчас находишься в мрачном месте
под названием „Я никогда не буду снова заниматься живописью“?» Что?!
Другие тоже себя так чувствуют иногда? Это место настолько популярно,
что у него есть название? Внезапно чувство одиночества отступило. В этом
сумрачном месте у меня есть друзья, хотя я их и не вижу.
Примерно через две недели отдыха от работы я ощутила легкое покалывание

в той части моего мозга, где обычно рождались идеи. Мне в голову не пришло
ничего конкретного, не явились никакие образы, но я почувствовала, что, может
быть, когда-нибудь я снова смогу получать удовольствие от их созерцания.
После возвращения домой меня стали посещать идеи, некоторые вполне

оформившиеся. К сожалению, не все касались живописи. Некоторые из них
были из области квилтинга * и дизайна дамских сумочек! Идеи новых картин
были… немного не такими, как раньше, но все-таки это были идеи!
* Техника лоскутного шитья. Прим. ред.
Борьба с творческим кризисом 147

Что я с тех пор делаю по-другому
Я знаю, что в будущем мне еще придется противостоять кризисам, и неко-
торые могут длиться дольше двух недель. Осознание кризиса — первый шаг
к его преодолению. Конечно, предпочтительно было бы избежать этой боли,
но я знаю, что это невозможно — такого способа нет. Моя хорошая подруга
Брэн как-то сказала: «Ищи плюсы в минусах». Это означает, что абсолютно
для всего естественны подъемы и спады, и следует их ценить вместо того,
чтобы желать вечного подъема, сопротивляться спадам и отрицать их. Моя
цель — когда-нибудь в будущем научиться получать удовольствие от спадов.
Одним из самых серьезных изменений в моей жизни стало правило писать

только тогда, когда я чувствую вдохновение. Это было очень сложно (и до сих
пор иногда бывает нелегко), потому что этим я сама себе напоминаю
капризную принцессу, а во мне с детства воспитали прилежание и трудолюбие.
Но я уверена, что в творческой профессии важно уравновешивать периоды
активного созидания с периодами отдыха, когда просто не пускаешь в голову
идеи. Когда я оглядываюсь в прошлое, мне кажется, что за каждый раз, когда
мне не хотелось работать и я себя заставляла, мне пришлось впоследствии
заплатить, даже если удавалось в результате получить приличную картину.
Другим важным решением было намерение постоянно развиваться.

С 2012 года я попробовала несколько других стилей, покупала новые для
себя материалы, брала мастер-классы, выбирала для картин необычные
объекты и в целом больше экспериментировала. И собираюсь продолжать
в том же духе, пока не останется ничего, что я бы не попробовала (этого,
я надеюсь, никогда не произойдет!).
Когда вы уже собрали собственную аудиторию и люди рассчитывают

на ваши новые публикации, которые дают вам средства к существованию,
очень трудно принять решение о снижении темпа работы. Но это тоже было
частью моего плана. Если я не в настроении писать и, следовательно, у меня
нет новых картин, я ничего не публикую.
Разные потребности в разное время

Уживаться с творческой личностью вообще сложно, а с собственной — и того
сложнее. Иногда ей нужен толчок, иногда отдых, иногда поплакать, иногда
немного строгости, а иногда — теплое объятие надежного друга. Я совер-
шенно не разбираюсь в том, что именно мне нужно и когда, но, надеюсь,
со временем это будет даваться мне легче.
После того как я прошла через серьезный кризис, я решила попросить

нескольких своих друзей и коллег-художников поделиться со мной опытом
Сардины и один томат. 2013. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

Лиз Уилцен. Проезжая через Квинс. 2012. Масло, льняной холст 30 × 61 см.
выхода из этого сложного периода. Поразительно, хотят заниматься, — от живописи! И каждый раз, когда
но все они рассказывали совершенно разные вещи, я это слышу, не могу отделаться от мысли: «В самом деле?
и их подсказки мне очень помогли. Надеюсь, они Ты в самом деле так думаешь? Всегда?»
помогут и вам. Оставшаяся часть этой главы полностью
Ко мне подобные рассуждения не имеют ни малейшего
посвящена их историям.
отношения. У меня бывают волшебные, восхитительные
моменты, когда я ощущаю себя именно так, но не несколько
недель подряд, это уж точно. Если это «норма», то у меня
Лиз Уилцен
безнадежный кризис. Живопись для меня — как американ-
ские горки: я двигаюсь вверх, когда меня переполняет вдох-
Что именно называют
новение, я ощущаю потребность творить, страсть, вовлечен-
творческим кризисом?
ность в процесс, но затем двигаюсь вниз — и это происходит
Все слышали о творческом кризисе, а большинству через равные промежутки времени. Я начинаю избегать
из нас приходилось хоть раз его пережить. Я пришла работы, бесконечно откладывать ее, даже чувствую отвра-
к убеждению, что это не какая-то ужасная проблема, щение к необходимости принимать решения, всегда сопут-
а нормальная часть жизни творческого человека, ствующей творческому процессу, и сомневаюсь, что могу
которую также нужно ценить и проводить с пользой. добиться того, на что замахнулась.
Я часто слышу, как художники говорят о своей неуга- Судя по моему опыту, творческий кризис — явление
симой страсти к искусству: это, мол, единственное, о чем нередкое и регулярное. Это одна из составляющих жизни
они могут думать, и только находясь в студии чувствуют профессионального художника, особенно если творче-
себя счастливыми. Они рассказывают, что все остальное ство — его единственный источник дохода. Возможно, это
в жизни только отрывает их от того, чем они действительно касается не всех, но определенно очень многих.

Посмотрите зверю в глаза − Сходите на мастер-класс. Найдите художника,
чьим творчеством вы восхищаетесь, и попробуйте
Прекрасно выразилась моя знакомая художница: научиться у него чему-то новому. Это беспроиг-
«Я всегда знаю, когда наступил творческий кризис: рышный вариант поиска новых идей и освоения
на двери, ведущей в студию, я вижу следы когтей». новых неизвестных дорог.
За двадцать пять лет творческой карьеры я много раз про- − Поищите новые объекты. Лично мне очень нра-
ходила через кризисы и могу разделить их на две категории. вится этот способ. Я писала пейзажи, переключаясь
Первая: я приходила в студию и никак не могла взяться на портреты, натюрморты или городской пейзаж.
за работу, а затем в конце концов приматывала кисть к руке Это возможность испытать себя и попробовать
скотчем и вставала к мольберту, заставляя себя сделать хоть работу с непривычными объектами. Хотя основные
что-нибудь, что оправдало бы приход сюда и позволило законы живописи одинаковы для всех жанров — тон,
наконец уйти домой. Вторая: я полностью выпадала из про- форма, цвет и линия, — смена объекта изображения
цесса, не утруждая себя даже походом в студию. помогает найти новое использование классическим
правилам.
Поводом может стать что угодно, но симптом всегда один.
Во всех случаях я испытывала неудовлетворенную потреб- − Попробуйте новый материал. Если вы готовы
ность что-либо создавать и одновременно полное отсут- к подобным переменам, новый материал может
ствие мотивации, интереса и вдохновения. И если с первым увлечь вас.
как-то можно справиться, то со вторым все не так просто.
− Смените обстановку или привычку. Есть несколько
способов сделать это. Измените свою рабочую
Вид первый — кратковременный кризис среду. Если обычно вы пишете в студии — выйдите
Может начаться по одной или более причинам из списка. на улицу. Если обычно вы пишете с натуры — попро-
− Вдохновение исчерпано, только что использованы

буйте работать по фотографии, и наоборот. Если вы
миниатюрист — водрузите на мольберт огромный
все идеи, которые были в запасе.
холст и приготовьте большие кисти. Если же вы
− Внутренний конфликт из-за интереса к разным предпочитаете большой формат, попробуйте
стилям живописи и невозможности остановиться самовыразиться на ограниченном пространстве
на одном. (и используйте большие кисти). Выход из зоны ком-
− Разочарование в своих работах, потому что они форта принуждает очнуться в настоящем моменте,
сосредоточиться, удерживать внимание — сокруши-
не отражают того, что хотелось (даже если совер-
тельное противоядие для ощущения застоя.
шенно непонятно, чего именно хотелось, есть уве-
ренность в том, что задумка была значительно
лучше, чем воплощение).
− Займитесь другим видом творчества. Во время
последнего кризиса я отказалась от красок
− Временное выгорание после выполнения большого и достала свой фотоаппарат. У меня не было
намерения делать фотографии для работы,
объема работы и потребность в восстановлении.
я собиралась посмотреть на мир сквозь объ-
− Отвлекающие серьезные события в жизни. ектив камеры только ради фотографий. Нужно
Хорошие новости заключаются в том, что для пре- решать совершенно другие задачи, использовать
одоления кратковременного кризиса есть несколько новый инструмент для творческого самовыра-
эффективных решений. Во-первых, дайте себе немного жения, а результат труда будет выглядеть не так,
времени для отдыха. На свежую голову гораздо легче как раньше. Это расслабляет, освобождает и дает
снова завести свой творческий мотор. необходимую передышку.

хотят остальные или что я «должна» делать, перестает
иметь значение. Самое главное, что «меня это больше
не устраивает».
В этот момент я приняла одно из лучших решений

за всю свою художественную карьеру. Я разрешила
себе отойти от дел и больше не писать до тех пор, пока —
и если — мне самой этого не захочется. Уход длился
почти два года. Я использовала это время для того,
чтобы сформулировать ответы на некоторые вопросы.
Почему я стала художником? Доставляет ли живопись
мне удовольствие? Если нет, зачем продолжать? Какой
была бы моя жизнь без живописи? Как встроить искус-
ство в свою жизнь, если моя цель — быть счастливой,
безмятежной и пребывать в согласии с собой?
Постепенно ко мне возвращалось желание пойти

в студию, но я твердо решила: «Никогда, ни при каких
обстоятельствах и ни по какой причине не допущу нега-
тивной энергии в студии». Я пообещала себе, что, если
это случится, я отправлю ее восвояси, а если не полу-
чится, у йду сама, и если придется — навсегда. К счастью,
разрешив себе писать на своих условиях и взяв на себя
Лиз Уилцен. Телефон. 2013. Масло, льняной холст. 20 × 15 см. ответственность за свое психологическое состояние,
я подготовила почву для благоприятных изменений.
Я вернула себе право на творчество единственным воз-
Вид второй — э кзистенциальный ступор можным способом — решив бросить его, если оно пере-
станет приносить радость.
Этот зверь гораздо крупнее. В моем случае я про-
вела в изоляции непозволительно много времени. Мне нравится выражение Зигмунда Фрейда: «Если
Это случилось из-за гнета ограничений и требований, вдохновение не приходит ко мне, я прохожу пол-
которые накладывала коммерческая сторона творче- пути навстречу ему». Иногда нужно закончить работу,
ства. Последней соломинкой, упавшей на спину вер- и для этого необходимо прийти в студию, даже если
блюда, стали, скорее всего, три персональные выставки не хочется. Однако теперь я знаю, как с этим справиться.
за год. Это повергло в совершенный хаос мой обычный
Если картина никак не удается или мне трудно сосре-
творческий процесс, потому что сроки поджимали,
доточиться, вместо того чтобы выговаривать себе:
а результат требовался «успешный». То, что «должно»
«Я тупица, ничего у меня не выйдет, я понятия не имею,
происходить, когда я нахожусь в студии, невыно-
что делаю, лучше немедленно это бросить, ненавижу эту
симо давило на меня, и я полностью утратила интерес
живопись…», — я научилась прислушиваться к своему
к живописи.
состоянию, вовремя откладывать кисть и спрашивать
Мне нравится доходить до предела, потому что в таком себя: «Что это у нас тут? Нет, я не осуждаю. Просто заме-
состоянии можно принимать важные решения. Чего тила». Потом я выдерживаю небольшую паузу, и снова
Лиз Уилцен. Вечер в городе. 2013. Масло, льняной холст. 23 × 30 см.

спрашиваю: «Чего я хочу здесь и сейчас?» И делаю негативных мыслей, предпочитаю оставаться любозна-
свой выбор. тельной, вовлеченной, никому не обязанной и пребы-
вающей в настоящем моменте.
Самым важным было избавиться от всего, что застав-
ляло результат быть более значимым, чем процесс. Это Я напоминаю себе, что начала писать, потому что
может быть эго, взваливание на себя излишних обяза- хотела изучать и создавать красоту и ощущать свя-
тельств, данное кому-то обещание, финансовая зависи- щенный трепет, видя, как краска может рассказы-
мость или ограничение по времени. вать историю или формулировать мысль. Я прикла-
Хочу напомнить о процессе. Живопись — это процесс дываю максимум усилий, чтобы поставить себе задачу
преодоления преград, и моей проблемой было то, что и отправиться в восхитительное приключение по ее
я больше фокусировалась на преграде, чем на пре- решению по единственной причине — я хочу приоб-
одолении. Теперь, когда я чувствую приближение рести новый опыт. В конце концов, даже если результат
будет не слишком удачным, моя цель — учиться. Если же − Взбодритесь. Включите музыку и прибавьте гром-
мне удастся создать шедевр, это будет исключительный, кость. В моей мотивации музыка играет огромную
фантастический бонус, от которого захочется танцевать роль: мне кажется, музыка и живопись идут рука
по студии, не размышляя о том, что будет дальше. об руку. Если я вдруг не в настроении, то врубаю
рок и (честно!) почти сразу хочу бежать к моль-
берту! Вот несколько моих стопроцентных моти-
ваторов: Джонни Лэнг, Mumford and Sons, Брюс
Бренда Фергюсон Спрингстин, Earth Wind and Fire, Rusted Root.
Перезапуск страсти − Пообщайтесь с искусствоведами. По правде

говоря, я с бóльшим удовольствием проведу день
Мне повезло: я могу заниматься живописью каждый за живописью, чем за разговорами о ней. С другой
день. Но в творческой профессии самое большое испы- стороны, когда мне начинает казаться, что плоды
тание — сохранять интерес и энтузиазм изо дня в день, моего творчества скучны, бессмысленны и ничего
из года в год. Моя проблема не в потере интереса не стоят, общение с людьми этой профессии
к работе, а скорее в том, что новые идеи не появляются, иногда напоминает о красоте и могуществе того,
когда старые уже израсходованы. чем я занимаюсь. С искусствоведами я обсуждала
Такая работа требует уединения, и мне это нравится, энергию, которую они могут чувствовать в произ-
но поддерживать в себе мотивацию при этом нелегко. ведении, эмоциональную связь с ним, характер
В сложные моменты, когда нет возможности зайти мазков, работу кистью, цвет и многое другое. Хотя
в соседний кабинет и обсудить затруднения с кол- они не создают произведений искусства, они видят
легой, может появиться ощущение, что мы одни на всем то ценное, о чем мы можем забыть, и могут вооду-
белом свете. шевить нас, напомнив об этом.
Гораздо проще воплощать идею, которая родилась − Не стесняйтесь позвонить другу. Обратитесь
естественным образом, спонтанно, из увлеченности, к своему коллеге или надежному другу. Мне
а не из обязательств. Как возродить творческий энту- повезло иметь их обоих в одном лице. Коллега
зиазм и вернуть веру в свое дело? Иногда целый день или близкий друг понимают сложности творческого
уходит на то, чтобы переключиться с мысли «сегодня процесса и желают вам добра. Здесь нет места
нужно что-то написать» на «сегодня я кое-что напишу!» соперничеству и зависти. Неважно, обсуждаем мы
Разница, возможно, не слишком очевидна, но отно- ее творчество или мое, в любом случае мы заряжа-
шение к процессу полностью меняется, и я в состоянии емся энергией друг от друга! Мы слушаем, задаем
вернуть себе возможность выбирать. вопросы, обмениваемся идеями, воодушевляемся
и в итоге приходим к решению проблем, не успев
Если этого недостаточно, у меня на вооружении есть приложить к этому усилий. Когда разговор закан-
еще несколько методов. чивается (обычно из-за разрядившегося акку-
− Вернитесь назад. Я возвращаюсь к любимым объ- мулятора), мы обе с нетерпением ждем, когда
включим музыку (см. выше), встанем перед моль-
ектам или предметам натюрморта или просма-
триваю старые рабочие фотографии. Иногда давно бертом и начнем творить! Этот энтузиазм длится
знакомые вещи, написать которые не приходило днями и неделями. Поэтому делитесь позитивом.
мне в голову годами, могут внезапно зажечь искру. Найдите родственную душу среди коллег, и я вам
Бренда Фергюсон. Здоровая пища. 2013. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

гарантирую, что вместе вы сможете заново откры-
вать для себя радость творчества и не будет ничего,
что вы не смогли бы преодолеть.
− Ищите плюсы в минусах. В любой деятельности

будут чередоваться подъемы и спады. Когда
фантазия иссякает и новых идей не предви-
дится, я стараюсь не сопротивляться. Заострение
внимания на этом выльется только в усиление
стресса и тревожности. Учитесь ценить периоды
спадов. Это не значит нехотя и досадуя мириться
с ними. Скорее, вы поднимаете весла и пускаетесь
по течению с уверенностью, что это не навсегда.
Я использую это время для того, чтобы оглянуться,
вспомнить свои успехи и достижения и поразмыш-
лять о других видах творчества — мыловарении,
хлебопечении или каллиграфии. Оставайтесь
открытыми возможностям.
Бренда Фергюсон. Лучший в мире кот. 2012.
ППП — принять, понять, позволить
Когда энтузиазм улетучивается и нападает апатия,
я напоминаю себе о трех вещах:
− примите факт, что так случается;

− поймите, что это временно;
− позвольте источнику вдохновения снова
наполниться.
В заключение хочу сказать, что даже в периоды спадов

я никогда не думаю, что хотела бы заниматься чем-то
другим. Поэтому вот что я делаю:
− помню, что завтра настанет новый день;

− не отношусь к этому (искусству, себе, жизни и т. д.)
слишком серьезно;
− берегу себя;
− пью вино.
Бренда Фергюсон. Теплая шерсть. 2012.


По скетчингу есть много групп на Facebook (посмотрите
Sketchbook!), а также сайтов в интернете.
Смысл и цель
У вас может возникнуть ощущение, что ваши умения
Катлин Рэфелд
никому не приносят пользу. Вряд ли я делаю чью-то
жизнь лучше так, как врачи и медсестры, результат
Первые симптомы
работы которых всегда очевиден. У многих людей есть
Иногда я не успеваю понять, что это кризис. Просто мне врожденные таланты, которые могут склонять их к опре-
начинает казаться, что я разучилась писать, и в целом деленному виду деятельности, и, возможно, не нам
недовольна своими картинами. В большинстве слу- выбирать применение своим способностям. Может
чаев кризис настигает меня после нескольких дней или быть, нужно делать то, к чему есть талант, и смотреть, что
недель перерыва в работе, а когда затем я снова воз-
вращаюсь к живописи, то чувствую неуверенность в том,
что делаю и зачем.
Как пережить кризис

Чтобы пережить кризис, нужно заново найти какой-то
смысл в своей деятельности. Немного повысить само-
оценку тоже не помешает. В этом мне невероятно
помогает мой блог. В момент, когда я в замешательстве
и не знаю, как писать, кто-нибудь присылает коммен-
тарий, в котором хвалит какую-нибудь из моих работ!
И тогда я думаю: «Ну ладно, может быть, иногда я и знаю,
как надо писать. Возможно, когда-нибудь у меня полу-
чится снова». Иногда я веду еженедельные классы,
и мне приходится устраивать демонстрационный
урок, это заставляет меня немного воспрянуть духом.
Неважно, насколько паршиво я себя чувствую, такой
урок почти всегда помогает вернуться в колею.
Вы можете отдыхать, если хотите

Чтобы снять напряжение — если вам это необходимо,
попробуйте некоторое время не заниматься никаким
творчеством. Сходите в музей или галерею. Иногда, как
только вам удается расслабиться, вы в ту же минуту чув-
ствуете желание немедленно вернуться к любимому Кэтлин Рэфелд. Синий и апельсины. 2012.
делу. Можно попробовать что-нибудь новое, например
скетчинг, или совершенно новый для себя материал.

получается. Будьте открыты всем дорогам и смотрите,
какая из них куда приведет. Просто пробуйте.
Искусство важно
Помогают и размышления о том, что на протяжении
веков люди писали, украшали, рисовали, раскрашивали,
придумывали и т. д. Произведения искусства создава-
лись всегда. Почему? Американские индейцы мастерили
сложные костюмы из перьев, кожи и других материалов.
Они украшали керамические изделия, которые исполь-
зовали для хранения и транспортировки вещей, рисун-
ками, резьбой и цветами. Было ли это случайностью?
Нет. Это означало быть живым, здоровым и сильным,
живущим полной жизнью. Вспомните обо всех
известных нам культурах планеты. Может быть, неко-
торым народам едва хватало пищи, но в их жизни было
искусство. В каждой культуре существует своя мода —
традиционная одежда. Хороший пример — египтяне.
Кэтлин Рэфелд. Рыбачьте с достоинством. 2012. Они не только потратили десятилетия на возведение
сложных пирамид, но и покрыли их стены изнутри фре-
сками, и даже украшения в саркофагах прекрасны.
Забудьте про чувство вины

Самое главное, как мне кажется, — не позволять себе
испытывать чувство вины и не думать, что плоды вашего
труда не имеют никакой ценности. Оставайтесь собой
и будьте счастливы!
Кэтлин Рэфелд. Гора Худ. 2012. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

Кристал Кук
В январе 2012 года потрясающая Лесли Сэта устроила
конкурс «Тридцать картин за тридцать дней». Тридцать
законченных работ. За тридцать дней. Для художников,
пишущих ежедневно, задача проще некуда, не так ли?
Я решила попробовать, потому что, хотя и занимаюсь
живописью почти каждый день, закончить картину
за один день мне не всегда удается.
Поскольку раньше я не принимала участие в конкурсах,

я боялась провалиться, ведь у Лесли в «Тридцати кар-
тинах за тридцать дней» везде стояло мое имя. Тогда
я и не подозревала о том, что это приведет меня
к довольно серьезному кризису.
Участие в конкурсе помогло мне усвоить важный урок.

Вот десять вещей, которым я научилась.
1. Следите за запасом шоколада. Я серьезно.

Спрячьте где-нибудь несколько плиток на всякий
случай. Поверьте, он понадобится вам, когда
последние три картины окажутся не чем иным,
как стопкой напоминаний о неудаче, похожей
на навозную кучу.
2. Не рассчитывайте, что каждая картина станет

шедевром. Мне это далось с трудом. Одному
Кристал Кук. Кофта с капюшоном. 2013. из моих хороших друзей по блогу пришлось
Акварель, бумага. 25 × 18 см. неоднократно напоминать мне об этом. Каждая
работа, которую вы создаете, просто не может быть
удачной — это невозможно, и пребывание в этом
заблуждении приведет к стрессу. А подходить
к чистому холсту или бумаге с установкой непре-
менно создать шедевр — прямой путь к катастрофе.
3. Не думайте, что вы должны писать так, как это

делает кто-то другой. Я подумала, что мне нужно
ориентироваться на чей-то стиль, чтобы писать

быстрее и ежедневно выдавать законченную ежедневная работа над портретом к концу месяца
миниатюру, а не работать в своей манере — с вни- гарантированно превратит меня в пускающего
манием к деталям и аккуратностью. Поэтому пузыри дурачка.
несколько работ, которые я сделала в том месяце,
6. Не сомневайтесь в себе. Возлюби себя, коллега-ху-
полностью меня разочаровали. Мне понадоби-
дожник! Повторяйте себе: ты добрый, ты умный, ты
лось время, чтобы осознать это как причину своего
важен. И ты хороший художник. Никогда не забы-
выгорания. И когда я это поняла, то смирилась
вайте об этом.
с фактом, что должна писать так, как это удобно
мне: с богатой детализацией — так уж мне нравится. 7. Оптимизируйте домашнюю работу и приготов-
Писать, используя другой подход, принуждая себя ление еды. Или другую вашу деятельность. Сейчас
к свободной технике, склонности к которой нет неподходящий момент для того, чтобы вызваться
в моей природе, значило быть нечестной по отно- испечь именные кексы с каллиграфическими над-
шению к себе. И я верю: чтобы суметь передать писями глазурью для одноклассников вашего сына.
в картине свои чувства и эмоции, в первую очередь Неподходящий момент для генеральной уборки
нужно быть честной с собой. в подвале и шкафах. Время делать только самую
необходимую работу по дому и готовить прове-
4. Каждому нужен день дракона. В середине периода
ренные, излюбленные блюда.
выгорания, во время работы над конкурсными кар-
тинами, я начала лепить из глины маленьких дра- 8. Окружайте себя тем, что вас вдохновляет.
конов, просто чтобы отвлечься. Я делала это по вос- Загляните в блоги и на сайты художников, чьи пре-
кресеньям, когда обычно устраиваю выходной красные работы заставляют вас замирать от вос-
от живописи (конкурс конкурсом, но я по-прежнему торга! Читайте книги, статьи в журналах или
собиралась использовать воскресенья для отдыха). слушайте подкасты, где рассказывается о худож-
Когда я рассказала своей сестре о том, что не чув- никах, их творческом процессе и способах поиска
ствую больше вдохновения, чтобы писать, зато вдохновения. Развесьте вокруг рабочего места
получаю массу удовольствия от милых маленьких воодушевляющие цитаты, фотографии, с которых
дракончиков, она стала называть воскресенье
«днем дракона». И мне так понравилась эта идея,
что с тех пор я считаю воскресенье «своим днем
дракона». Неважно, леплю я дракончиков, делаю
фотоальбом или готовлю что-нибудь вкусное. В этот
день восполняются ваши творческие ресурсы. Вы
можете заниматься любым творчеством, каким
хочется, просто для развлечения, не возлагая
на это занятие никаких особых надежд, только
испытывая радость от акта созидания.
5. Не старайтесь писать портрет (или другой

сложный объект) в каждый из тридцати дней.
Просто не делайте этого. Поверьте мне. Портрет —
мой любимый жанр, но он отнимает много сил.
Мне кажется, в портрет я вкладываю больше себя, Кристал Кук. Виноградный свет. 2013. Цветные карандаши,
чем в картину любого другого жанра. Поэтому пастельная бумага на жесткой основе. 13 × 18 см.

Кристал Кук. Под защитой. 2013. Масло, деревянная панель. 13 × 18 см.
хотели бы написать картины, или чужие работы, сделали хорошие работы. Если нужны еще доказа-
чтобы мотивировать себя. Ведите дневник, чтобы тельства, вернитесь к пункту 6.
запомнить моменты, которые заставили вас сде-
10. Осознайте, что основной смысл конкурса — в про-
лать паузу в ежедневной суете и вспомнить, как
цессе, а не в результате. Возможно, это банально,
прекрасна жизнь. Другими словами, наслаждайтесь
зато чистая правда. Это не гонка. Не нужно срав-
путешествием под названием «жизнь».
нивать себя с другими. Это касается только вас,
9. Прощайте себя. За тридцать дней вы создали вашего искусства и того, что оно значит для вас.
не тридцать картин, а всего семнадцать. Ну и что?! Дело не в результате. Дело в процессе живописи
Вы старались, вкладывали душу и в любом случае и в том, какое удовольствие он приносит.

− Есть какое-то тайное знание, которого мне
не хватает.
− У меня нет таланта.

− Умный уже давно бросил бы это дело (это моя
Брюс Бингэм любимая!).
Хитрый дьявол − Ненавижу свою студию и свои картины.

Если заниматься живописью или другой творческой − И почему они прославились? Они ничуть
не лучше меня.
деятельностью достаточно часто и достаточно долго,
однажды неизбежно придется столкнуться с кри- − Меня всегда недооценивали.
зисом: неудачным днем, неудачным месяцем, а иногда
и с плохим годом или — хуже того — годами. Западня − Мои дети, родители, друзья (вставьте свой вариант)
нуждаются во мне.
для творческих личностей может принять форму кочки
на дороге, большой ямы или черной дыры. Это хитрые
дьяволы. Никогда не знаешь, подкрадутся они тихонько
или неожиданно нападут сзади, когда меньше всего этого
ожидаешь, внезапно стукнут по голове чугунной сково-
родой и будут бить еще и еще. Я испытала все это много
раз за тридцать пять лет профессиональной карьеры. Тем
счастливчикам, которым пока удается избежать этого
опыта, я могу сказать: подождите, недолго осталось!
Но это не конец, друзья мои, если только вы сами так

не решите. Все мы знаем, что самое темное время —
перед рассветом. Если мы будем упорны в этой борьбе,
провалы (маленькие и большие) приведут к прорывам.
Эти, хм, «возможности получения нового опыта», сна-
чала став нашими врагами, позже могут стать друзьями,
дающими мотивацию к необходимым переменам и ода-
ривающими способностью получать больше удовлетво-
рения от творческого процесса.
Когда обращаться за помощью

Приходили ли вам в голову следующие мысли?
− Мне не стать хорошим художником.

− Сначала получается нормально, но я успеваю все Брюс Бингэм. Мое французское окно. 2013.
испортить прежде, чем закончу.
− Я не представляю, как она (или он) написала эту
картину; у меня так никогда не получится.

Этот список может занять не одну страницу, это всем заметить это на ранней стадии. Например, если я пишу
известно. Однако, прежде чем спрыгнуть с моста, слишком много или, наоборот, недостаточно, то станов-
не хотите ли услышать хорошие новости? люсь брюзгой. Для меня это красный флажок, сигнал
к тому, что нужно что-то менять. Глубоко в душе вы
У жизни в запасе много сюрпризов, каждому она пре-
понимаете, что вам нужно: попросить о помощи, позво-
поднесет возможность получить опыт, одновременно
нить другу, заняться преподаванием. Только вы решаете,
уникальный и универсальный. Жизненные перипетии
как относиться к сложным периодам. Именно наше вос-
вносят коррективы даже в самый продуманный план.
приятие ситуации может сбить нас с ног или вдохновить
Многое может случиться: вступление в брак, появление
на новые пути к успеху. Если вы сможете изменить свой
детей, развод, брак, дети, развод (просто проверяю, сле-
образ мышления, вы измените обстоятельства, и хотя
дите ли вы еще за моей мыслью), переезд, кризис, ста-
это может быть нелегко, помните, что вы не одиноки.
рение родителей, проблемы со здоровьем, финансовые
трудности и многое другое. Справедливо ли требо-
вать от себя постоянно быть на пике формы несмотря
ни на что? Постановка невыполнимой цели и прину-
ждение двигаться к ней неминуемо образуют порочный
круг неудач.
Свежий взгляд
Иногда причиной нашего состояния может быть всего
лишь техническая проблема, которую мы не учли. В этом
случае обнаружить причину поможет взгляд со стороны.
Однако стоит быть осторожным в выборе советчика.
Лучше не обращаться к родственникам или приятелям
в клубе по интересам. Предпочтительнее пообщаться
с тем, у кого уже есть аналогичный опыт и кем вы восхи-
щаетесь как художником. Вероятно, он сможет указать
на детали, которые помогут повысить ваш профессиона-
лизм и вернут вкус к творчеству.
Вопрос на миллион
Вот вам вопрос на миллион: как построить свою жизнь
так, чтобы творчество приносило удовлетворение,
а демонстрация своих талантов другим обходилась бы
без выгорания? Честно говоря, скорее всего никак. Брюс Бингэм. Голубые ставни. 2013. Масло,
В жизни всегда будут взлеты и падения, и это не повод деревянная панель. 20 × 20 см.
все бросить. Старайтесь выбирать для себя опти-
мальную скорость работы и ставить реалистичные цели.
Если вы начинаете терять почву под ногами, важно
Брюс Бингэм. Прогулка среди лаванды. 2013. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

Джойс Вашор. Ромашки в прозрачной вазе. 2013. Акварель, бумага на жесткой основе. 8 × 10 см.

− Сходите на мастер-класс. (Об этом скажу то же
самое.)
− Посмотрите видео. (Я всегда держу какой-нибудь

диск под рукой на этот случай.)
Джойс Вашор − Почитайте книгу о новой для себя технике.

(Можете почитать мои «Гармония акварели»
Большой кризис (против мини-кризиса) и «Гармония масляной живописи».)
У меня бывают мини-кризисы, которые могут пройти − Почитайте книгу о поисках вдохновения или спо-
всего за пару часов, и большие, длящиеся недели или собах выхода из кризиса. Хороших книг на эти
месяцы (но кажется, что вечность). Если проблема нахо- темы не так уж мало. Я рекомендую «Путь худож-
дится в моей голове, у меня есть несколько трюков, ника» Джулии Кэмерон.
чтобы вернуться в норму. Если же я ощущаю ее всем
телом (когда наваливается усталость), значит прибли-
жается долгий кризис, и для борьбы с ним потребуются
совсем другие способы.
Главное — заметить его еще на подходе. Это, возможно,

самое сложное. Иногда проходила неделя, прежде чем
я замечала, что вместо живописи занимаюсь рутинными
делами. Я проводила слишком много времени за тем, что
нужно было сделать, чтобы я могла вернуться к работе!
Как только я ловлю себя на мыслях «видимо, меня

больше не интересует живопись», «не представляю, что
еще можно нарисовать», «у других получается гораздо
лучше», — я понимаю, что столкнулась с большим
кризисом!
Следующий этап — осознать, что это нормально.

Естественно иногда уставать. Так уж устроен творческий
процесс. Сначала выпускаешь энергию, потом снова
себя наполняешь. Похоже на дыхание!
Мне удалось заметить, что есть несколько вещей,

которые могут ускорить процесс восстановления.
− Сходите на массаж. (Ставлю этот способ во главе

списка, потому что он мой любимый!)
− Сходите на иглоукалывание. (Так же как и массаж,

помогает снять напряжение.)
− Отправьтесь в небольшое путешествие. (Чем Джойс Вашор. Этюд с цветами на темном фоне. 2011.
старше я становлюсь, тем реже это делаю.) Акварель, бумага на жесткой основе. 10 × 8 см.

Мини-кризис
Занимаясь всем вышеперечисленным, я одновременно
говорю себе, что не обязана себя ни с кем сравнивать. Если у меня нет ощущения всепоглощающей усталости,
У каждого из нас свой путь. Когда я собиралась прово- значит это мини-кризис, и для него имеется отдельная
дить свой первый мастер-класс и очень из-за этого вол- стратегия. Если вам покажется, что у вас маленький кризис,
новалась, администратор мягко сказала мне, что я всего попробуйте воспользоваться приведенными ниже советами.
лишь собираюсь рассказать о собственных способах
работы над картиной. И поэтому невозможно будет − Найдите причину заняться каким-нибудь повсе-
дневным делом, например разбором счетов
после сказать, что я сделала это неправильно. То же
или решением других хозяйственных вопросов,
самое касается и создания своих работ. Это позволило
рядом с местом, где вы обычно работаете. Вы
мне перестать судить себя и расслабиться.
сидите здесь, потому что заняты важным делом,
но в какой-то момент вы поймете, что все чаще
обращаетесь мыслями к живописи! И даже
не заметите, как начнете снова писать!
− Успокойтесь! Я имею в виду перестаньте думать,

что обязаны создать шедевр. Лично я стараюсь
не думать даже, что хочу написать просто хорошую
картину. Самый подходящий настрой для меня —
сказать себе: «Я хочу стать лучше как художник,
поэтому сегодня попробую вот это».
− Ставьте простые задачи. Я обычно говорю себе:

«Джойс, просто сделай постановку» или даже
проще: «Просто иди и найди симпатичную луко-
вицу для натюрморта!»
− Напишите записку, в которой разрешаете себе

выделить время на личные дела. Можно выра-
зиться конкретно или обобщить. Я обычно пишу:
«Даю Джойс Вашор разрешение провести весь
день за написанием натюрморта акварельными
или масляными красками без необходимости
закончить его к концу этого же дня». Всем нужно
развлекаться, и иногда нужно просто разрешить
себе быть художником. Будьте им! Записка может
быть от имени родителей, преподавателя, настав-
ника, супруга. Я пробовала все эти варианты! Суть
в том, что вы разрешаете себе быть собой безо
всяких обязательств. (Правда здорово было бы
всегда так работать?) Мне кажется, это самый
лучший отдых! Подпишите записку именем «ответ-
Джойс Вашор. Этюд с цветами. 2011. Акварель, ственного лица». Теперь вы официально можете
бумага на жесткой основе. 10 × 8 см. писать как хотите!

10 Репродукция
и компьютерная обработка
живописи малого формата
Зачем это нужно

Прежде чем решить, как фотографировать свои работы, нужно осознать, для
чего это нужно. Например, если вы хотите сделать принт большой картины
с высококачественной печатью жикле, понадобятся услуги профессиональ-
ного сканировщика. Если вы делаете слайды для большого шоу или кон-
курса, возможно, стоит нанять фотографа, который занимается репродукцией
профессионально.
Если вы собираетесь регулярно делать качественные фотографии больших

картин для создания архива, печати принтов, участия в экспозициях и других
ответственных задач, я рекомендую походить на курсы или прочитать книгу
по фотоискусству. Возможно, придется вложиться в осветительные приборы,
стойки, зонты, фильтры, а также, скорее всего, в камеру и объективы и многое
другое. Это затратно, но со временем окупится, поскольку вам не придется
Мой фотоаппарат и несколько каждый раз вызывать дорогостоящего профессионала.
моих миниатюр.
Для репродуцирования миниатюр с целью продажи через интернет или пуб-
ликации небольшой книги огромные вложения не понадобятся. У меня есть
свой простой метод съемки на открытом воздухе, который ни разу не подвел
меня за многие годы. С его помощью я сделала репродукции для пяти книг,
включая эту. Единственной тратой, кроме компьютера, будет фотоаппарат
и, возможно, программа для обработки изображений.
169
Камера
Я советую использовать цифровую камеру. Сейчас у меня Canon PowerShot
G12 (на фото на стр. 169), и я его обожаю. До него у меня были два Sony
Cyber-shot, которые тоже были прекрасны. Следите за фотокамерой.
Однажды я решила, что потеряла свою, поэтому купила другую. На следу-
ющий день я обнаружила первую висящей на стуле в студии. Эх!
Подойдет почти любая камера, выпущенная после 2000 года. Убедитесь,

что параметр матрицы в Мп (мегапикселях) не менее шести: в этом случае
размер фотографии подойдет для большинства вариантов использования.
(Вообще-то я не уверена, что в наши дни можно найти камеру с меньшим
количеством мегапикселей!) Вполне приличную камеру можно приобрести
всего лишь за 100 долларов.
Я предпочитаю большой ЖК-дисплей, чтобы было лучше видно, что сни-

маешь (кстати говоря, если вы собираетесь делать фотографии людей
Мой способ фотографирования в общественных местах, пригодится откидывающийся дисплей). В некоторых
картин на открытом воздухе. Найдите
случаях это может повлиять на стоимость фотоаппарата.
тень (необязательно на крыльце),
отверните картину от всех воз-
можных источников света, найдите Поиск удачного места и съемка
для нее опору, сядьте, займите
правильную позицию, снимайте! Самое сложное в съемке масляной и акриловой живописи то, что она бле-
стит! Чтобы избежать бликов на изображении, важно найти подходящее
место для съемки. Я обычно начинаю поиск с улицы. Естественный свет —
бесплатный, и он вносит не так много искажений, которые нужно будет
потом корректировать в редакторе. Вот мой способ работы.
− Найдите место в тени на открытом воздухе (не слишком темное или

тесное). Самым подходящим мне кажется место в тени здания, когда
картина стоит лицом к стене, а вы — спиной к стене (на иллюстрации
внизу слева). Картина не должна находиться под прямым освеще-
нием, и это касается не только солнца, но и неба! Убедитесь, что
на стене позади вас нет окон, отражающих небо или другой источник
света. Фотография выйдет особенно удачной, если над вами есть навес.
Поэтому моим любимым местом для съемки всегда было крыльцо.
− Для проверки подержите картину перед собой и немного покрутите

в разные стороны. Если вы не замечаете бликов, то поставьте картину,
прислонив к надежной опоре, чтобы она не упала и ее не снесло ветром.
Я в процессе съемки своей миниатюры. Перед картиной не должно быть травы или других помех.
Локтями опираюсь о колени, чтобы руки
не дрожали, и на мне полосатые носки. − Я использую лист картона для опоры под картину. Он делает ее устой-
чивой, обеспечивает приятный нейтральный и однородный фон и бло-
кирует свет, идущий сзади.

− Затем сядьте и примите устойчивое положение, опираясь локтями
о колени, чтобы камера стояла так же твердо, как на штативе. Если вы
не можете сесть в такую позу или руки все равно дрожат, установите
камеру на штатив, а картину на мольберт или что-то другое, чтобы она
была выше.
− Очень важно немного приблизить изображение зумом, если у вас

обычная «мыльница». По умолчанию в ней очень широкий угол, и если
этого не сделать, края картины на изображении будут искривленными.
Это можно проверить: загрузите изображение в компьютер и кадри-
руйте его. Если стороны не будут прямыми, сделайте новую фотографию
с бóльшим приближением. Я предпочитаю откидывать ЖК-дисплей
и разворачивать к себе, чтобы прове-
− Старайтесь, чтобы плоскость матрицы была максимально параллельна рять параллельность матрицы и картины.
плоскости картины! Если картина будет в перспективном сокращении
(сверху шире, чем снизу, или наоборот), исправить это будет очень
сложно. Это архиважный момент, хотя и неочевидный. Другими словами,
ваша задача в том, чтобы каждая сторона картины была параллельна
соответствующей стороне дисплея. Я на всякий случай всегда делаю
несколько дублей, чтобы хотя бы один был удачным.
Необязательно снимать картину так крупно, чтобы она занимала всю площадь
кадра. Если картина в темных тонах, а вы заполните ею весь кадр, фотография
может получиться переэкспонированной (слишком светлой). Если картина
в светлых тонах и находится слишком далеко от вас, экспозиция, наоборот,
может оказаться недостаточной (фото будет слишком темным). Внимательно
смотрите на экран и пробуйте менять расстояние до картины. Когда она будет
выглядеть наиболее «правдиво», нажимайте на спуск затвора.
Убедитесь, что вы выбрали режим RAW или JPEG максимального качества. Этот
параметр можно выбрать в настройках фотокамеры. К сожалению, меню всех
камер отличаются друг от друга, поэтому придется поискать путь к нужному
пункту в инструкции. В моей камере есть опция выбора разрешения Мп (в мега-
пикселях) — 10, 6, 2 или 0,3. Я установила максимальное значение — 10 Мп.
1 2
Не используйте вспышку! Она дает блики, а это именно то, чего мы с таким
трудом пытаемся избежать (пример справа). 1. Ужасно! Одна из моих картин,
снятая со вспышкой. 2. Красное платье
Я советую делать несколько снимков, каждый раз выстраивая кадр заново. на двоих. 2013. Масло, деревянная
Также попробуйте сделать фотографии внутри дома — в разных местах панель. 15 × 15 см.
и в разное время дня. Помечайте, когда и где сделан каждый снимок, чтобы Та же самая картина, снятая обычным
при просмотре на экране компьютера определить, какой вариант съемки способом — б ез вспышки.
оптимален. Потом вы будете уверены, что в этом месте в это время все полу-
чится как надо.
Репродукция и компьютерная обработка живописи малого формата 171

Программы для обработки
После того как вы успешно перенесли репродукцию на компьютер, опре-
делитесь с тем, в какой программе вы будете ее обрабатывать. Вариантов
множество. Самые сложные стоят дороже всего. Если программа нужна вам
только для подготовки изображения к размещению онлайн, можно выбрать
простой редактор и сэкономить деньги.
Ниже перечислены самые популярные программы для обработки изобра-

жений. Это ни в коем случае не полный список, поскольку появляются все
новые и новые фоторедакторы. К сожалению, все подвержено переменам,
поэтому к тому времени, как вы будете это читать, возможно, некоторые
из них безнадежно устареют. По этой причине я привожу только краткий
обзор для каждой программы. На сайте dailypaintworks.com (в разделе
Tutorials) вы найдете онлайн-урок (стоимостью 10 долларов) с детальным
описанием всех шагов — от открытия файла до сохранения — для каждой
из перечисленных программ.
Photoshop
Я использую Photoshop. Это самая удобная программа, хотя она может пока-
заться сложной, если раньше вы не имели с ней дела. Купить или использо-
вать ее очень дорого. Если она у вас уже есть и вы умеете в ней работать —
отлично! Если же нет, рекомендую приобрести книгу с описанием работы
в вашей версии программы.
Photoshop Elements
Более дешевым вариантом будет Photoshop Elements (от 70 до 100 дол-
ларов в зависимости от места покупки). Интерфейс гораздо более понятный,
чем у полной версии Photoshop, и есть все для обработки изображения
с целью публикации в интернете.
iPhoto
Я работаю на PC, но если у вас Mac, возможно, вы знакомы с этой про-
граммой. Она входит в бесплатную комплектацию каждого компьютера
Apple. Инструменты кадрирования и сохранения оставляют желать лучшего,
по моему мнению, но в остальном это вполне приемлемый редактор.
Picasa
Еще один бесплатный редактор для любого компьютера — Picasa. Он разра-
ботан компанией Google. Его возможности ограниченны, но если ваши тре-
бования к кадрированию, тоновым и цветовым настройкам не особенно
высоки, можно воспользоваться им.

iPiccy
Еще один редактор, лишь немного менее функциональный, чем Picasa, —
iPiccy. Его даже не нужно загружать на компьютер (можно делать всю обра- 1
ботку онлайн).
Основные этапы обработки

Независимо от используемой программы, нужно будет проделать ряд
основных шагов для подготовки изображения к публикации.
1. Откройте файл в программе.
2. Кадрируйте картину, отрезав все лишнее! Неудачное кадрирование или 2

его отсутствие — это очень непрофессионально. Если обнаружите иска-
жения на фотографии, лучше ее переделать.
3. Коррекция тонов («Уровни» или «Гистограмма»). Этот инструмент, как

правило, представляет собой график, похожий на силуэт гор, с малень-
кими треугольными ползунками под ним. Подвигайте ползунки,
наблюдая, как изменяется изображение. Цель — достижение макси-
мально возможной точности в передаче тонов вашей картины (не ста-
райтесь сделать ее лучше!).
4. Коррекция цветов (если необходимо). К сожалению, для каждой про- 3

граммы разработаны собственные инструменты цветокоррекции. Если
вы не можете найти меню с нужными пунктами, поищите подсказки
в интернете. Когда разберетесь, старайтесь, чтобы изображение мак-
симально точно отражало цвета вашей картины (как в предыдущем
случае)!
5. Ретушируйте дефекты. В большинстве программ есть инструмент

«Штамп» или что-нибудь похожее. Важно не ретушировать саму картину,
а только убрать дефекты, которые могли появиться во время съемки:
дождевые капли или грязь (на стр. 174).
4
6. Сохраняйте версию в максимальном размере. Теперь у вас есть большая
обработанная версия изображения, ее следует сохранить в отдельном 1. Необработанная фотография одной
из моих миниатюр, загруженная
от оригинала файле. Я всегда храню оригинал (на всякий случай), обрабо-
с камеры. 2. Картина кадрирована,
танную большую версию (которую сохранили на этом этапе) и маленькую — фон полностью обрезан. 3. Здесь
для публикации в интернете (ее описание — в следующем «шаге»). я откорректировала тона, привела
их в максимальное соответствие
7. Изменение размера изображения. Чтобы изображения на сайте быстрее с картиной. 4. Цвета пришлось коррек-
загружались, их размер должен быть небольшим. Я обычно уменьшаю тировать совсем немного (моя камера
длинную сторону до 500–1000 пикселей, программа автоматически при съемке часто добавляет синего).
уменьшает короткую сторону пропорционально заданному размеру.
Репродукция и компьютерная обработка живописи малого формата 173

8. Сохранение для публикации. Все программы сохраняют по-разному.
Я считаю лучшими Photoshop и Photoshop Elements, поскольку они
предлагают больше настраиваемых параметров. В них нужно сохранить
файл как JPEG и выбрать качество, поставив ползунок где-то между 70
и 80 (мне это кажется оптимальным). Это дополнительно уменьшает вес
файла, но не до такой степени, чтобы повлиять на качество изображения.
Поддерживайте порядок
Я отретушировала изображение, убрав
каплю инструментом «Штамп». Нумеруйте картины
Очень важно поддерживать порядок в картинах и сохраненных репродук-
циях. Если у вас его нет, немедленно займитесь его наведением! Я советую
присваивать название и номер каждому файлу. Мой стандартный шаблон
для названия файла — «номер_картина_имя файла». Хронологическая нуме-
рация картин помогает мне не только знать, где их найти, но и отслежи-
вать свой прогресс. Для определения даты я пользуюсь блогом, но если вы
не ведете свой блог, можно включить дату в название файла.
Если вы хотите сохранить более одной версии репродукции и одну из них

собираетесь опубликовать в интернете, придумайте, какое слово исполь-
зовать в названии, чтобы сразу понимать, какой версией картины явля-
ется данный файл (я пользуюсь фразой «к публикации», например:
«номер_картина_имя файла_к публикации»). Когда я загружаю необрабо-
танные фотографии в компьютер, я называю файл «номер_картина_имя
файла_оригинал_1».
Я храню список всех своих картин Также имеет смысл составить список всех ваших работ на бумаге или в ком-
в компьютере, а это всего лишь
пьютере (лучше всего в программе Excel). Записывайте номер, название,
имитация, но вы можете ознакомиться
с примером записи: каждой картине дату завершения, размер, материал, цену, местонахождение (студия, галерея,
присвоен номер и зафиксирована выставка и т. д.), дату продажи (или дарения, пожертвования и т. д.), имя вла-
важная информация о ней. дельца и любую другую значимую информацию.
Зачем это нужно

Какой бы способ вы ни выбрали для учета ваших работ, не бросайте его!
Вы поймете, что облегчаете себе жизнь, когда кто-нибудь попросит копию
«Ночного города», и вы, точно зная местонахождение картины и распо-
ложение файла, за пару минут сможете выслать версию в любом размере
и ответить, продана картина или нет. Поверьте мне!

11 Как успешно продавать
картины через интернет
Положительная сторона продажи картин через интернет в том, что в этом

случае у художника больше шансов добиться известности и увеличить про-
дажи, галереи же немного ограничивают эти возможности. В прежние вре-
мена галереи обладали большой властью, и без их помощи сделать себе имя
было трудно.
В сотрудничестве с галереями были и есть сложности. Для начала в одну

из них нужно пробиться, а это непросто. Кроме того, приготовиться к тому,
что придется отдавать галерее процент с каждой продажи (обычно поло-
вину). Несколько раз мне приходилось проверять, вывешены ли вообще мои
работы, а на некоторые галереи нужно было хорошенько надавить, чтобы
получить свои деньги. Иногда они организуют пиар-компании для своих
художников, но в этом случае просят вступить в долю. Для каждой галереи
работы требуется оформить определенным образом, а потом доставить их
туда в целости и сохранности, что иногда означает доплату за объемы и стра-
Кадр с моей первой персональной ховку. В 2008 году многие из моих галерей начали закрываться, и некоторые
выставки в галерее Wally Workman
заявили, что не располагают средствами, чтобы отправить мне мои работы,
в Остине, штат Техас, 2009.
поэтому мне пришлось заплатить за их доставку. В конце концов мне так это
надоело, что я забрала из галерей все свои работы и начала продавать их
исключительно через интернет.
Если вы хотите продавать свои картины онлайн, учтите, что в этом деле
тоже есть свои сложности, но, возможно, в итоге вы склонитесь к этому спо-
собу, как это произошло со мной. Продажа работ через интернет также тре-
бует некоторых затрат: реклама, плата за участие в аукционах (если участво-
вать в них), процент за совершение денежных операций (я принимаю оплату
через PayPal, они берут около трех процентов). В целом эти расходы состав-
ляют примерно 12 % моего дохода, что гораздо меньше пятидесяти, которые
мне приходилось отдавать галерее. Это значит, что из каждой сотни зарабо-
танных долларов я кладу в карман восемьдесят восемь. Еще один нюанс: это
175
требует много времени и постоянного внимания. По крайней мере час в день
я трачу на то, чтобы сделать репродукцию картины, опубликовать ее в блоге,
Daily Рaintworks и на Facebook, отправить почтой купленные картины и отве-
тить на электронные письма от поклонников (последнее съедает бóльшую
часть времени, но меня это не расстраивает).
Но и это еще не все. Готовьтесь к тому, что не все будет хорошо продаваться.
Я поняла, что работы маленького формата, более доступные по цене, рас-
купаются онлайн гораздо быстрее, чем большие, дорогие картины. Как
я предполагаю, люди не спешат выкладывать кругленькую сумму за то, чего
не могут увидеть собственными глазами, особенно если это дорогая вещь
и ее трудно детально оценить на экране компьютера. Поэтому они предпо-
чтут купить через интернет маленькую картину, не оставляющую сомнений
в том, как она выглядит, и дешевле 500 долларов. Этот момент определенно
следует учесть, прежде чем забирать все свои картины из галерей. Многие
художники приходят к компромиссному решению, оставив в галереях
большие картины, а миниатюры продавая через интернет.
Как правильно начать

Прежде чем бежать делать себе рекламу в интернете, стоит убедиться, что
работы готовы к продаже как нельзя лучше, сайт удобный и привлека-
тельный, а процесс покупки несложный.
Гордитесь своим искусством

Трудно быть объективным, если дело касается ваших собственных работ.
Чтобы проверить, готовы ли вы к продаже, задайте себе следующие вопросы.
− Горжусь ли я своими работами?

− Насколько стабильно их качество?
− Захотят ли люди покупать мои картины, чтобы вешать их на стену?
− Я хочу продавать работы только потому, что у меня их слишком много
накопилось, или я готов к регулярной работе?
− Все ли картины стоит выставлять на продажу?

Если вы не уверены, что сможете ответить на эти вопросы, попросите отве-
тить на них это кого-нибудь, кому вы доверяете (предпочтительно, чтобы
это не был близкий друг или член семьи). Лучшая кандидатура для опроса —
художник, чьими работами вы восхищаетесь, а лучший способ провести его —
личная беседа.

Встречают по одежке
Есть много способов улучшить сайт или блог. Постарайтесь оценить его
свежим взглядом, как будто вы видите его впервые, а еще лучше — с позиции
потенциального покупателя, которому приглянулась ваша картина.
«Шапка» — верхняя часть веб-страницы с картинкой или надписью. Скорее

всего, это первое, что видят посетители, поэтому я настоятельно реко-
мендую написать вверху ваше имя, даже если оно не является назва-
нием страницы или его частью. Нужно, чтобы оно осталось в памяти наряду
с вашими работами. Большинство платформ для блогов, таких как blogger.com
и wordpress.com, содержат «шапку» по умолчанию, и она варьируется
в зависимости от шаблона. Многие художники предпочитают делать
«шапку» самостоятельно, использовав свою картину и добавив желаемый
текст. Я считаю, что это очень улучшает дизайн. Для поиска идей посетите
свои любимые блоги. Простая «шапка», для фона которой
я выбрала одну из своих картин.
Старайтесь, чтобы «шапка» не была слишком высокой. У газетчиков и веб-ди-
зайнеров есть выражение «над сгибом». Это означает, что посетитель должен
уидеть важную информацию сразу, как только подгрузилось содержимое
страницы, не прокручивая ее вниз. Если «шапка» займет почти всю страницу
и посетители не смогут увидеть последнюю актуальную публикацию без про-
кручивания страницы вниз, привлечь покупателей будет гораздо сложнее.
Казалось бы, это мелочь, но для интернета имеет большое значение.
Персонализируйте свой блог и сайт

Судя по моему опыту, покупатели интересуются личностью художника. Ваш
портрет и несколько слов о себе могут создать между вами связь, которая
иначе не возникнет. Они с удовольствием расскажут о вас другу, зашедшему
в гости и обратившему внимание на ваши картины на стенах. Я советую
поместить в блог хорошую располагающую фотографию в «шапке» или
другом месте.
Необязательно писать что-либо в блоге кроме комментариев к картине,

но если вы хотите разбавить изображения текстом, не стесняйтесь добав-
лять личные подробности, только не слишком усердствуйте. Я заметила, что
большинству читателей больше интересны мои работы, чем тексты, особенно
если последние не имеют отношения к искусству. Кстати, я стараюсь исполь-
зовать менее формальный и более личный стиль, чтобы создавать эффект
присутствия у своих поклонников.
Как успешно продавать картины через интернет 177

Организуйте и упорядочивайте
«Больше» не значит «лучше» в том, что касается веб-дизайна. В блоге часто
можно видеть узкую боковую панель (справа или слева) с обширной инфор-
мацией об этом сайте: личные и контактные данные, рекомендуемые блоги,
архив, ссылки на магазин и многое другое. Однако старайтесь включать
сюда только самое необходимое. Разместите информацию в таком порядке,
чтобы важное было сверху. Здесь нет правильных или неправильных спо-
собов, но я предпочитаю разместить вверху несколько слов о себе, пред-
ложение подписаться на обновления и информацию о мероприятиях
и мастер-классах.
Если у вас нет блога, заведите!

Блог — это тоже сайт, но я хотела бы сейчас провести черту между часто
обновляемым блогом и статичным сайтом, набитым старыми работами
и пылящимся без дела. Хорошо иметь и то и другое, но если бы нужно было
порекомендовать что-то одно, это был бы блог. И вот почему.
Во-первых, это бесплатно. Во-вторых, повесить публикацию проще про-

стого. И в‑третьих, мало найдется причин посещать редко обновляемый сайт.
В блог же люди будут заглядывать снова и снова, ожидая увидеть обнов-
ления. Я заметила, что достаточно обновлять блог раз в неделю, чтобы чита-
тели помнили обо мне.
Упростите процесс покупки!

Это, возможно, самый существенный шаг в подготовке к продаже онлайн!
Невозможно преувеличить его значение. Я вижу так много художников, при-
обрести у которых картины невероятно сложно, и я не сомневаюсь, что
это влияет на продажи. Поверьте, стоит сделать этот процесс настолько
доступным, насколько возможно.
Меньшее, что можно сделать, — постараться, чтобы с вами было легко свя- Скриншот моего блога
от 16 сентября 2013 года.
заться. Разместите свой электронный адрес везде, где это возможно. Мой
можно найти в блоге, на сайте, в отправленных письмах и на Daily Paintworks.
Еще лучше — начните думать, как покупатель. Вообразите, что вы только что
унаследовали тысячу долларов и хотите вложить всю сумму в произведения
искусства. Вы заходите в онлайн-галерею, например на Daily Paintworks,
и видите множество прекрасных картин. Выбираете нескольких наиболее
понравившихся художников и просматриваете их галереи и блоги.
Донна Уокер. Нежная земля II. 2012. Масло, холст. 40 × 40 см.

Упорядоченный пейзаж как стимул к упорядочиванию вашего блога!

Вам безумно понравилась одна картина, но, нажав на ссылку для покупки,
вы видите надпись «Для уточнения стоимости свяжитесь с автором». Вы
думаете: «Ого, картина, наверное, стоит больше, чем я готов заплатить. Может
получиться неловкая ситуация. И нужно писать художнику — кто знает, когда
он найдет время ответить мне? А я хочу что-нибудь купить сейчас». И вы
выбираете другую картину. Или идете и покупаете новый телевизор. Мне эта
ситуация знакома (минус тысяча долларов наследства), и это раздражает!
Каково же решение?
Предоставьте информацию о цене и ссылку на магазин!
Существует множество сайтов для продажи: например, картину можно выве-

сить на etsy.com, ebay.com, dailypaintworks.com и других похожих и исполь-
зовать их встроенную систему оплаты. Или можно на собственном сайте раз-
местить кнопку PayPal «купить сейчас». Выберите понравившийся способ
и придерживайтесь его. Или попробуйте их все, только старайтесь не вешать
одну и ту же работу одновременно на разных ресурсах. Если ее купят одно-
временно в двух местах, у вас будет проблема!
Генерация трафика
Одна из сложных задач в онлайн-продажах — п ривлечь внимание к своему
блогу или сайту. Хочу предупредить заранее: легкого способа увеличить
поток посетителей не существует. И то, что сработает у одного, может не дать
результата для другого.
Восторг через край. 2011. Масло,

− Не кладите все яйца в одну корзину. Пробуйте разные способы. Если
что-то сработает, сосредоточьтесь на этом.
деревянная панель. 15 × 15 см.
Упрощайте процесс покупки! Дайте
покупателям ссылку!
− Найдите свою нишу, как нашли свой стиль или жанр, это может помочь.
Убедитесь, что вам в ней комфортно. Если вы будете писать то, что вам
не нравится, это обязательно будет заметно.
− Определите свою целевую аудиторию и обращайтесь к ней. Например,

если вы пишете портреты домашних питомцев, размещайте рекламу
в соответствующих журналах или на сайтах, раскладывайте листовки
в зоомагазинах, пожертвуйте картину на благотворительный аукцион
в пользу животных и т. д.
− Для рекламы потребуется время. Если вы решите заниматься рас-

круткой в течение одного месяца ради эксперимента, вас ждет пора-
жение! Чтобы реклама заработала, нужно больше времени.
Яйца в миске. 2012. Масло, деревянная панель. 15 х15 см.

Теперь, когда ваш сайт выглядит наилучшим образом и у потенциальных
покупателей нет никаких преград к совершению покупки, вы готовы к новым
читателям. Чтобы привлечь их, есть два основных способа: один потребует
времени, а другой — финансовых вложений.
Комментируйте чужие блоги

Это отличный (и абсолютно бесплатный!) способ присоединиться к сооб-
ществу миниатюристов. Комментируя работы других художников (от имени
своего блога), вы не только расточаете похвалы, но еще и размещаете
ссылки на свой блог в каждом комментарии. (Если ваш блог зарегистрирован
в Blogger и вы комментируете в чужом блоге на этой же платформе, все, кто
видит ваш комментарий, могут кликнуть на ваше фото или ник и попасть пря-
миком в ваш блог.)
Еще один плюс: если вы комментируете картины, которые вам нравятся,

вы быстро сможете завести друзей среди коллег! А друзей иметь хорошо.
Знаете, как говорят: «Не имей сто рублей…». Когда я только начала вести блог,
я оставила комментарий в блоге Карин Юрик, очень известной художницы
и блогера. Позже она опубликовала пост, в котором рекомендовала своим
читателям познакомиться с моими работами. И если до этого я продавала
несколько картин в месяц, то после буквально за одну ночь у меня купили
половину картин! Я не обещаю, что так будет с каждым, но общение с колле-
гами определенно того стоит!
Я также дважды комментировала посты Роберта Генна (Painter`s Keys), и ком-

ментарии включали одну из моих работ. Оба раза посещаемость сайта под-
скакивала в тысячи раз по сравнению с обычными днями.
На фотографии несколько друзей,
с которыми я познакомилась через Как нужно комментировать? Я думаю, нет необходимости напоминать,
блог (те, из них, кто живет достаточно что любой комментарий к чужому произведению должен быть честным
близко, чтобы заглянуть в гости). и искренним. Старайтесь вложить смысл в свои слова: банальное «это
Я устроила вечеринку под названием
классно!» не сможет пробудить к вам такой интерес, как сложный, инте-
«Уничтожение плохого искусства»,
на ней мы расправились со своими ресный комментарий, возможно, заканчивающийся вопросом. Например:
старыми неудачными работами, которые «Клубника просто потрясающая! Я как раз пробовала писать ее на прошлой
занимали место и мозолили глаза. неделе, но у меня никак не выходили семечки. У тебя они выглядят так есте-
ственно! Может быть, посоветуешь что-нибудь?»
Обмен ссылками
Большинство художников включает в свои блоги так называемые «инте-
ресные ссылки». Это список блогов и сайтов (со ссылками), которые
блогер считает интересными, обычно они расположены на странице

сбоку. Можно предложить другим художникам «обменяться» ссылками
(вы добавляете их в свой список, а они добавляют вас к себе). Чем больше
в интернете ссылок на ваш блог, тем больше потенциальных покупателей
может узнать о вас.
Создайте возможность подписки на обновления

Это важно, потому что дает возможность сообщать вашим поклонникам
о новых публикациях в блоге, иначе люди могут быстро забыть о существо-
вании вашего сайта. Итак, вы решили создать возможность подписаться
на обновления. В настоящее время Feedburner предлагает эту услугу бес-
платно и автоматически рассылает уведомления об обновлениях на ука-
занные электронные адреса. Чтобы подключить эту возможность в Blogger,
откройте страницу «Дизайн» и выберите опцию «Добавить гаджет». Затем
щелкните по пункту «Рассылка обновлений по электронной почте». Нажмите
«Сохранить» — и готово!
Я очень рекомендую дать читателям возможность подписываться самостоя-

тельно. Все и без того ежедневно получают много писем — позвольте людям
выбрать, хотят ли они получать еще одно от вас. Я считаю допустимым один
раз сделать рассылку всем знакомым, сообщив о том, что теперь у вас есть
блог, а у них — возможность быть в курсе ваших обновлений, если они этого
пожелают.
Используйте социальные сети

Художники пользуются Facebook, Twitter, Pinterest, LinkedIn, YouTube и мно-
гими другими сетями. Мне кажется сложным вести аккаунт в каждой из них
(у кого вообще есть время на это?!), но возможности раскрутки с их помощью Нора Макфейл. Беседа. 2013. Карандаш,
акварель, бумага. 13 × 18 см.
огромны.
Старомодный способ общения.
Например, если у вас сто друзей на Facebook и пятеро из них поставили
«лайк» картине, которую вы опубликовали, ее увидят друзья ваших друзей!
А еще можно делать короткие видеоуроки для YouTube, сообщать в Twitter
о своих новостях, заводить связи на LinkedIn и т. д.
Участвуйте в форумах
Вступление в художественные форумы и участие в них — хороший способ
завести новые связи и при необходимости попросить помощи и получить
совет. Можно найти новых кандидатов для обмена ссылками и вообще рас-
ширить круг общения в сети. Поищите в Google «форумы художников»
и выберите из списка самых популярных тот, который больше понравится.

Участвуйте в выставках и конкурсах
Хотя это проверенный временем способ заявить о себе как о художнике, тем
не менее важно подробно выяснить, какие возможности рекламы предла-
гает подобное мероприятие, прежде чем тратить на него время (а иногда
и деньги). Небольшие местные выставки, возможно, дешевле и доступнее,
но могут освещаться в узком кругу, тогда как крупные международные
выставки смогут продемонстрировать ваши работы огромному количе-
ству людей, но на них, возможно, сложнее пробиться. Поэтому есть смысл
задуматься об участии в онлайн-конкурсах. Часто это обходится дешевле
и не нужно никуда отправлять оригиналы работ.
Устраивайте акции, бесплатные раздачи

и делайте пожертвования
Иногда пара акций может оживить продажи. Вот что, например, можно пред-
ложить покупателям.
− Бесплатную доставку, если картина стоит больше 100 долларов.

− Бесплатную раму для каждого первого покупателя месяца.
− Бесплатную подарочную упаковку накануне праздников.
− Купи одну — получи вторую за полцены.
Подобным образом можно стимулировать подписку на обновления. Я знаю
нескольких художников, которые раз в месяц дарят картину, выбирая побе-
дителя случайным образом среди подписчиков.
Когда вы жертвуете картину на благотворительность, вы не только при-

влекаете к себе дополнительное внимание, но еще и делаете доброе дело.
Для обоих случаев, раздачи и благотворительности, я не советую выбирать
свои худшие работы, хотя искушение может быть велико. Вы же не хотите,
чтобы все судили о вашем творчестве по неудачной картине, ведь основная
идея этих акций в том, чтобы заставить людей говорить о вас, и желательно
с воодушевлением!
Рассылайте пресс-релизы
В этом случае я предлагаю выбрать медленную стратегию и начать с малого.
Например, если вы разошлете пресс-релиз по местным газетам и журналам
и его напечатают, есть шанс, что на вас обратят внимание более крупные
газеты, телепрограммы и журналы.
Подарок с виноградом. 2011. Масло, деревянная панель. 15 × 15 см.

Бесплатная раздача — один из способов повысить продажи!

Поищите в интернете информацию о том, как сейчас принято оформлять
пресс-релиз: есть ли смысл отправлять его по электронной почте, кому адре-
совать, прикреплять ли к письму изображения, сколько раз нужно позвонить
после отправки письма и т. д. Эти правила постоянно меняются, и нужно быть
в курсе последней версии.
Содержимое пресс-релиза должно быть достойным публикации. Например,

если вы отправите рассказ о том, как работали на пленэре голышом, у него
больше шансов попасть в печать, чем у истории про обычный пленэр.
Не так ли?
Реклама
В рекламу придется вкладывать не только время, но и деньги. Вы найдете
вокруг много возможностей за разную цену. Я начну обзор с бюджетных
вариантов.
Присоединитесь к онлайн-галерее
Онлайн-галерей очень много, но те, что подходят миниатюристам, можно
пересчитать по пальцам. Прежде чем выбрать одну из них, проверьте ее
посещаемость и убедитесь, что сумма ежемесячной платы себя оправды-
вает и за свои деньги вы получите хорошую рекламу. Также есть смысл
заранее выяснить, насколько удобно размещать изображения на их сайте.
У некоторых есть возможность автоматически загружать их из вашего блога,
в других же придется ежедневно делать это вручную. Один из вариантов —
Daily Paintworks, но есть и несколько других. Я не буду их здесь упоминать,
потому что к моменту публикации книги все может измениться.
Я называю это рекламой, потому что вы платите ресурсу за показ вашей

работы. Но по сравнению с другими способами рекламы у этого есть
большое преимущество. Цена, как правило, невысока, а аудитория большая.
Клаудиа Хаммер. Решая кроссворд. 2013. Масло, деревянная панель. 46 × 46 см.

Реклама в интернете
Скорее всего, в интернете есть множество ресурсов для размещения
рекламы, но два места, где нам везло больше всего, — это дизайнерские
блоги и Facebook.
− Дизайнерские блоги. Блогов, полностью посвященных дизайну интерь-

еров, довольно много. Обычно люди посещают их в поисках идей для
оформления интерьера собственного дома, а поскольку они зани-
маются этим самостоятельно, скорее всего, их бюджет ограничен.
Преимущество миниатюр — в небольшом размере и, как правило, невы-
сокой стоимости. Вместо того чтобы вкладывать деньги в одну большую
дорогую картину, можно собрать собственную коллекцию, покупая
по одной маленькой.
Коллекционерам нравятся
миниатюры за то, что их можно
− Facebook. Отличная (хотя некоторые скажут «ужасная») особенность
Facebook в том, что он собирает множество информации о каждом
заказывать поодиночке и разве-
шивать подобным образом. пользователе и затем использует ее в рекламных целях. Мы (Daily
Paintworks) обратили это себе на пользу, определив таким образом
своих потенциальных покупателей. Суть в том, что мы можем выбирать,
кто именно увидит нашу рекламу. Например, мы выбираем женщин
(а большинство наших покупателей женщины) старше тридцати пяти лет,
которые в графе «Мои интересы» написали «Искусство». Можно запла-
тить Facebook за определенное количество кликов, и как только этот
предел достигается, объявление закрывается на месяц.
Плюс рекламы в интернете в том, что можно подсчитать количество кликов

на каждом ресурсе и сравнить со стоимостью размещения, чтобы оценить,
где выгодно продолжать платить за рекламу.
Рекламный модуль в журнале

Реклама в журнале дороже, чем в интернете, а возможности узнать, какое
количество людей на нее отреагирует, — никакой. Когда в Daily Paintworks
было всего двенадцать участников, мы размещали рекламу на четверть
полосы в American Art Collector в течение четырех лет (по 800 долларов
в месяц) и заметили, что количество посещений почти не увеличилось.
Я не хочу сказать, что реклама в журналах себя не оправдывает, но мне
кажется, результат за такие деньги слишком мал.
Рассмотрите возможность рекламы

в журнале. На фотографии — некоторые
из моих любимых журналов.

Кстати, можно рассмотреть возможность рекламы в журналах, не имеющих
отношения к искусству. Например, если вы пишете портреты домашних
питомцев, возможно, вам больше подойдет аудитория журнала соответ-
ствующей тематики.
Печатная продукция
Пользуйтесь каждой возможностью, чтобы раздать брошюры, открытки,
визитки и другую печатную продукцию с вашим именем, работами, ссылкой
на сайт и контактными данными. Я прикладываю визитку к каждой картине,
которую отправляю покупателю, и вообще всегда ношу их с собой и вручаю
при каждом удобном случае. Рекомендую разместить на ней самую впечат-
ляющую работу!
Для печати я пользовалась разными сервисами, и на данный момент лучшим

оказался (к моему восхищению) самый дешевый! Визитки всегда получаются
идеально, как и стикеры для мастер-классов.
Можно делать печать не только на бумаге, но и на футболках, магнитах, бейс-

болках, фартуках и на чем угодно. А еще можно печатать книги. В последние
четыре года я устроила себе гонку, печатая по книге (состоящей из 100 Несколько примеров моей собственной
рекламной печатной продукции:
картин) в год. Преимущество книг в том, что люди покупают их и (надеюсь)
книга, визитка и открытка.
кладут на кофейный столик в гостиной, а там на них могут обратить вни-
мание гости. Если им понравятся картины, они зайдут и в мой блог. Еще один
плюс таких сервисов в том, что не нужно делать никаких вложений, кроме
времени на верстку книги. Они занимаются продажами вместо вас, в случае
покупки печатают книгу по запросу и сами отправляют ее покупателю,
а в конце месяца присылают вам чек.
Консультация профессионала
Если вы уже попробовали все вышеперечисленное или в вашем случае
нужно что-то другое, я рекомендую обратиться за помощью к специалисту
по маркетингу — лично, прочитав его книгу или послушав интервью на радио.
Почитайте книги
Я рекомендую книгу Элисон Стэнфилд «Лучше бы я был в студии».
Наймите консультанта
Если у вас есть вопросы или просто нужна дополнительная мотивация —
очень рекомендую. Консультантов можно найти с помощью Google.

Будьте ответственными
Мой последний совет, хотя, возможно, самый важный (конечно, после совета
насчет упрощения процесса покупки): возьмите на себя полную ответствен-
ность за свой проект. Отдайте ему приоритет. Выделяйте достаточно времени
не только на живопись, но и на рекламу и продвижение себя.
Я помню, что уже говорила об этом, но не сдавайтесь, «попробовав месяц»

заниматься рекламой, если не произошло никаких сдвигов. Дайте себе год.
Или два. Или больше.
Если вы ведете блог, обновляйте его так часто, как можете! Моя цель — делать
это пять раз в неделю, но пока я стараюсь, чтобы промежуток между постами
был не более недели, и публикую что угодно, даже если больна, в кризисе
или уехала из города. Ах да, и занимайтесь живописью так часто, как только
возможно (я уже это говорила?)!
Тема
Посвятите свой блог исключительно искусству. Если у вас есть другие инте-
ресы, о которых вы тоже хотели бы написать, сделайте для них отдельный
блог. Можете ссылаться в одном блоге на другой на случай, если кого-то
из читателей заинтересуют оба, но не включайте все свои интересы
в один блог.
И самое главное— любите свои работы! Если вы увлечены тем, что делаете,
это будет так прекрасно, что люди непременно это заметят! Пишите с удо-
вольствием! Удачи!

Благодарности
Эта книга не увидела бы свет без содействия других людей. Моя семья
поощряла меня в занятии любимым делом и мирилась с тем, что в трудные
минуты я, бывало, срывалась на крик (простите меня за это). Мои студенты
служили подопытными кроликами для всех уроков и упражнений, которые
вы найдете в книге (и не верьте им, если они будут говорить, что я угрожала
им отжиманиями в случае отказа от сотрудничества!). Поклонники морально
поддерживали меня комментариями и письмами. Друзья помогали добрым
словом, участием и вином. Благодаря моим щедрым покупателям у меня есть
кров и пища. А отличные ребята из Ten Speed взяли мои бессвязные записки
и сделали из них настоящую книгу! В общем, это продукт коллективного
творчества, и я искренне благодарю вас всех.
Роджер Акессон (стр. 29), Кристин Бэйл (стр. 62), Кармен Бичер (стр. 67), Кара
Бигда (стр. 44), Брюс Бингэм (стр. 163–165), Брайан Берт (стр. 112), Робин
Вайсс (стр. 49), Джойс Вашор (стр. 166–168), Сита Вильсон (стр. 24), Жаклин
Гнот (стр. 46), Белинда Дель Песко (стр. 56), Барбара Дженике (стр. 49), Лорел
Дэниел (стр. 114), Лиза Дэриа (стр. 66), Эрин Дертнер (стр. 63), Дуэйн Кайзер
(стр. 14), Ориана Касисек (стр. 72), Елена Кацура (стр. 104), Рита Киркман (стр.
52), Рэндалл Когберн (стр. 50), Кристал Кук (стр. 160–162), Рэймонд Логан
(стр. 45), Дэвид Ллойд (стр. 143), Джо Маккензи (стр. 62), Нора Макфейл (стр.
183), Фелиция Маршалл (стр. 57), Майкл Миколон (стр. 58), Патти Моллика
(стр. 143), Дэвид Моррис (стр. 27), Майкл Нейплз (стр. 60), Джули Оливер
(стр. 45), Дрима Перри (стр. 30 и 115), Катлин Рэфелд (стр. 129, 157–159),
Кимберли Сантини (стр. 115), Сара Седвик (стр. 106), Нади Спенсер (стр. 52),
Рэндалл Типтон (стр. 65), Виктор Тристант (стр. 43), Лиз Уилцен (стр. 150, 152–
153), Донна Уокер (стр. 178), Кэти Уэбер (стр. 55), Бренда Фергюсон (стр. 154
и 156), Желен Фонс (стр. 26), Клаудиа Хаммер (стр. 187), Кэтрин Харли (стр.
54), Клинтон Хобарт (стр. 96), Кианги Хонг (стр. 72), Дайан Хоптнер (стр. 53),
Элизабет Чапман (стр. 67), Дин Шелтон (стр. 51), Карин Юрик (стр. 28 и 113)..
191
Максимально полезные
книги от издательства
«Манн, Иванов и Фербер»
Заходите в гости: http://www.mann-ivanov-ferber.ru/

Наш блог: http://blog.mann-ivanov-ferber.ru/
Мы в Facebook: http://www.facebook.com/mifbooks
Мы ВКонтакте: http://vk.com/mifbooks
Предложите нам книгу:
http://www.mann-ivanov-ferber.ru/about/predlojite-nam-knigu/
Ищем правильных коллег:
http://www.mann-ivanov-ferber.ru/about/job/
Издание для досуга
Марин Кэрол
Ни дня без кисти

Как рисовать часто и понемногу, сохранять свежий взгляд,
не бояться экспериментов, быть уверенным и свободным в творчестве
Главный редактор Артем Степанов

Руководитель направления Вера Ежкина
Ответственный редактор Наталья Довнар
Арт-директор Алексей Богомолов
Верстка Елена Бреге, Виктор Романовский
Корректоры Олег Пономарев, Мария Шафранская
ООО «Манн, Иванов и Фербер»

www.mann-ivanov-ferber.ru
www.facebook.com/mifbooks
www.vk.com/mifbooks

6. «Ни дня без кисти», Кэрол Марин

Загружено:

Сведения о документе

Авторское право

Доступные форматы

Поделиться этим документом

Поделиться или встроить документ

Параметры публикации

Этот документ был вам полезен?

Это неприемлемый материал?

Авторское право:

Доступные форматы

6. «Ни дня без кисти», Кэрол Марин

Загружено:

Авторское право:

Доступные форматы

НИ ДНЯ БЕЗ КИСТИ

НИ ДНЯ БЕЗ КИСТИ

Перевод с английского Екатерины Петровой

Научный редактор Юлия Ованесян

На русском языке публикуется впервые

Художница Кэрол Марин обращается к тем, чей страх пересиливает желание

Все права защищены. Никакая часть данной книги не может быть

В 2006 году все изменилось. Тогда я узнала о движении «ежедневная

На первый взгляд, идея ежедневно писать картину может показаться невы-

В ежедневных занятиях живописью множество положительных сторон,

Выражение «малый формат» для разных художников имеет разное значение.

Сияние розы. 2012. Масло, МДФ. 15 × 15 см

Также нет никаких правил в отношении материалов или объектов: в вашем

Можно выбрать любой жанр — ​натюрморт, портрет, городской пейзаж,

Многие художники используют блог для наблюдения за творческим ростом

В то время как множество галерей закрывается, интернет предлагает худож-

Для меня эта книга — ​возможность поделиться с вами ценными знаниями,

Итак, с 2006 года я занимаюсь живописью ежедневно и не собираюсь пре-

10 Ни дня без кисти

К сожалению, в университетском обучении имелись серьезные недостатки.

Каждое утро я просыпалась с мыслями: «Чем сегодня заняться? Пойти

Время, затраченное на живопись, оказывалось непродуктивным. Я пыта-

За этим последовали годы настоящей борьбы. Я бралась за краски, когда

В один прекрасный день я поставила перед собой цель: за шесть месяцев

Итак, я написала десять картин и отнесла их в галерею. Ее владелица была

Через некоторое время я опять стала искать всяческие предлоги не захо-

Розовый цветок в банке. 2004. Масло, холст. 86 × 102 см.

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 13

Когда муж вернулся с работы, я вся дрожала от возбуждения: «Завтра опять

Начав часто писать небольшие картины, я обрела свободу эксперименти-

Зонтичный цветок. 2007. Масло, деревянная панель. 15 × 20 см.

 14 Ни дня без кисти

Поразительно, но менее чем за год я создала двести картин — ​больше,

Благодаря такому счастливому обстоятельству, как дневной сон моего

После нескольких дней, а то и недель работы над большой картиной мне

После нескольких месяцев ежедневной живописи я занялась маркетинго-

К этому времени многие художники присоединились к движению «еже-

 16 Ни дня без кисти

Приблизительно через полгода я получила первое приглашение провести

В 2010 году муж потерял работу, и мы с ним решили сфокусироваться

В этот сайт мы вложили все, что я вынесла из своих занятий ежедневной

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 17

В первые годы занятий ежедневной живописью я также продала более

Благодаря сайту и блогу я приводила в галереи новых клиентов, и подобным же

Через онлайн-площадку ушли и большие картины, но все же маленькие про-

Я занимаюсь ежедневной живописью более шести лет, и она полностью

Польза частых занятий

− Ежедневная живопись подходит для очень занятых людей. А мы все

 18 Ни дня без кисти

− Появляется желание экспериментировать. Большую картину хочется

− Творческий рост проходит быстрее. Сегодня вы пишете картину, и воз-

− Работа становится менее утомительной. При работе с большими кар-

 20 Ни дня без кисти

− Жизнь структурируется. Если вы твердо решите писать по одной (или

− Работа с большими картинами становится проще. Взявшись все-таки

Мой распорядок дня

Мой распорядок сильно изменился за последние семь лет. Вначале я писала

Когда муж в 2010 году потерял работу, он стал присматривать за сыном.

Вот несколько маленьких хитростей, которые обеспечат вам непрерывные

− Называйте это работой. Когда все принадлежности для живописи

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 21

− Проверив почту, я выключаю компьютер (если только не рисую с фото-

− Никаких телефонных звонков. Я никогда не отвечаю на телефонные

Другой вопрос, который мне часто задают на мастер-классах: «Сколько вре-

Можно выбрать любой жанр — натюрморт, портрет, городской пейзаж,

Для меня эта книга — возможность поделиться с вами ценными знаниями,

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 13

14 Ни дня без кисти

Поразительно, но менее чем за год я создала двести картин — больше,

16 Ни дня без кисти

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 17

18 Ни дня без кисти

20 Ни дня без кисти

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 21

22 Ни дня без кисти

Блоки художника — столь значительная для меня проблема, что я посвя-

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 23

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 25

26 Ни дня без кисти

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 27

«Я хочу начать и закончить картину в тот же день, —

28 Ни дня без кисти

Как ежедневная живопись изменила мою жизнь 29

30 Ни дня без кисти

32 Ни дня без кисти

Принадлежности для живописи 33

Что касается других материалов, опять же предлагаю испробовать как можно

34 Ни дня без кисти

Принадлежности для живописи 35

36 Ни дня без кисти

Принадлежности для живописи 37

38 Ни дня без кисти

Принадлежности для живописи 39

40 Ни дня без кисти