Академический Документы
Профессиональный Документы
Культура Документы
Presidente
Alberto Caballero García
Vicepresidente
Saturio Ugarte Martínez
Secretario
José Jiménez Sanz
Tesorero
Cristina Granado Bombín
Vocales
Carmelo García Sánchez
Mª Desirée Moreno Pérez
Anselmo García Martín
Jesús Labanda Izquierdo
Dario García Palacios
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Curso
Pantalla Grande
Coordinador
Secciones
Programación y Textos
Carmelo García Sánchez
Miradas de Cine
Programación y Textos Roberto González Miguel (RGM)
Colaboradores
Colaboración especial Susana Soria Ramas
Pedro E. Delgado Cavilla
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ENTRADA 5€ ENTRADA
ABONO 60€ LIBRE
Pantalla Documenta Miradas Soria La Enfoque Cine en
Grande Seminci de Cine de Cine Factoría Abierto su punto
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“Yo creo que el cine es una de las grandes artes, poten- no por delante, que aún no había alcanzado todo su figuran en la página de créditos, pueden leer los
cialmente la más grande, y quizás la definitiva. Aún potencial. comentarios sobre las películas en Pantalla Grande,
no ha alcanzado toda su posible importancia artística Ahora, un cuarto de siglo más tarde, las palabras los ciclos de Miradas de Cine y Cine en su Punto,
y social… Considero el hacer películas como un alegre de Kazan siguen resonando para nosotros, plena- y las demás secciones de nuestra programación
privilegio. ¿Quién podría pedir más, que tener la opor- mente vigentes. Cambian los medios, cambian los (Documenta SEMINCI, Soria de Cine, la Factoría y
tunidad de comunicar, a través de una película, un formatos. Este año, creo que por primera vez, nues- Enfoque Abierto).
sentimiento personal que signifique algo? No la clase tras proyecciones en soporte digital van a superar En nombre de todo el equipo del Cine Club, les
de mensaje que se expresa sólo con palabras, sino la en número a las proyecciones en celuloide. Pronto deseo una vez más que disfruten este nuevo curso.
transmisión de una experiencia del autor, con la fuerza diremos definitivamente adiós a las entrañables Elia Kazan también dijo que “toda película de éxito tie-
de un poema, una comunicación que combina todas (e incómodas) sacas llenas de rollos de película (y ne dentro un pequeño milagro”. Si nuestro Cine Club
las artes expresivas creadas por el hombre (fotografía, también a las rayas y los cortes). Pero el cine con- es un éxito, y yo creo que sí, el milagro es la asistencia
literatura, música, interpretación, movimiento), desde tinúa siendo una de las grandes artes, o la mayor, y el apoyo constante de ustedes, sin la cual esto no
tus propios sentimientos, para alcanzar no sólo a la combinando literatura, fotografía, música e inter- tendría sentido. Ya saben que pueden encontrarnos
gente cercana a ti, sino al mundo entero”. pretación, para transmitir la visión de su autor. Los en nuestra página Web (www.cineclubuned.es). Gra-
creadores siguen luchando para ir cada vez un poco cias también al respaldo de las entidades colabora-
ELIA KAZAN más allá en ese camino hacia la utopía de alcanzar, doras, recogidas aquí al lado.
algún día, toda la “posible importancia artística y so- Y, por mi parte, gracias especiales a Carmen y a
Veinte años cumplidos. Vamos a por el veintiuno. cial” del cine. Marcos, por el tiempo que les he robado para escri-
Elia Kazan, a quien dedicamos un extenso ciclo Y nosotros nos reunimos todas las semanas para bir mi parte en la revista (en nombre de mis com-
este año, escribió las palabras que encabezan esta celebrarlo. pañeros, me permito dar también las gracias a sus
página hacia 1988, cuando su propia carrera como Nos alegra presentarnos nuevamente ante uste- respectivos cónyuges, hijos, hijas, mascotas, deudos
director, tan brillante, había terminado doce años des, para proponerles veinticuatro películas buenas, y damnificados varios).
atrás. Aun así, Kazan no dijo, como tantos cenizos recientes, inéditas en los cines de Soria y en versión
que confunden la decadencia del arte con la suya original. En las páginas de nuestra revista, escritas Feliz año de cine.
propia, que el cine estuviera muerto o acabado, sino como siempre con cariño, ilusión y apuros de tiem-
todo lo contrario: que aún le quedaba mucho cami- po, por el equipo de sospechosos habituales que Roberto González Miguel
La vida de Adèle
Mud
La venus de las pieles
A propósito de Llewyn Davis
La herida
Dallas buyers club Elia Kazan
La gran belleza Lazos humanos
El último concierto La barrera invisible
Byzantium Pánico en las calles
Caníbal Un tranvía llamado deseo
Rompenieves ¡Viva Zapata!
Lore La ley del silencio
El médico alemán, Wakolda Al este del edén
La piedra de la paciencia Un rostro en la multitud
Frances Ha Río Salvaje
De tal padre, tal hijo Esplendor en la hierba
Molière en bicicleta América América
Ida El compromiso
Hermosa juventud El último magnate
Oh boy Los colonos del caudillo
Pelo malo Cine en su punto. Películas para descorchar Le Chant des tortues
The act of killing Guerra de vinos High Five: A Suburban Adoption Saga
El viento se levanta Mondovino InRealLife
Sólo los amantes sobreviven Noche de vino y copas La Maison de la radio
08 58 134
pantalla grande miradas de cine documenta SEMINCI
35mm videoproyección videoproyección
Palacio de la Audiencia Residencia Juvenil Antonio Machado Residencia Juvenil Antonio Machado
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6
6
No tiene gracia
Buenos aires
Desportistas
Ancestral delicatessen
Cólera
Juliana
The snatcher
2 / 05
El amor me queda grande
Pase privado
Avec le temps
Minerita
Estado de bienestar
En directo
Inocente
Walls
Flash
Safari
La media vuelta
Es un buen chaval
Democracia
Firme usted aquí
La noche de las ponchongas
Las viudas de Ifni Pantalla grande
Juan y la nube 21 años, 481 películas
Soria en el NO-DO 3665
España insólita Cracks Miradas de Cine
Queridísimos verdugos La gran desilusión 37 ciclos, 258 proyecciones
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Pantalla
Grande
La vida de Adèle
Mud
La venus de las pieles
A propósito de Llewyn Davis
La herida
Dallas buyers club
La gran belleza
El último concierto
Byzantium
Caníbal
Rompenieves
Lore
El médico alemán, Wakolda
La piedra de la paciencia
Frances Ha
De tal padre, tal hijo
Molière en bicicleta
Ida
Hermosa juventud
Oh boy
Pelo malo
The act of killing
El viento se levanta
Sólo los amantes sobreviven
El azul es un color cálido emocional, su evolución, su desarrollo y sus circuns-
tancias (que no voy a revelarles ahora)… De entra-
Adèle (Adèle Exarchopoulos) es una estudiante de da, hay una clara diferencia de clase entre Emma y
Liceo (instituto) de 17 años. Entre clase y clase, las Adèle, que se pone de manifiesto en dos secuencias
conversaciones de sus amigas tratan sobre chicos, paralelas: las cenas en las casas de una y otra. La
los que son monos, quién sale con quién, a quién le madre y el padrastro de Emma (Anne Loiret y Be-
gusta quién... Un poco empujada por sus amigas, en noît Pilot) son intelectuales, un poco snobs, toman
especial la metomentodo Amélie (Fanny Maurin), vino blanco mientras preparan la cena (a base de
Adèle empieza a fijarse en Thomas (Jérémie La- ostras y marisco), y aprueban con entusiasmo (algo
heurte), un chico del instituto, certificado como tío ostentoso) la relación entre las chicas. Los padres
bueno por el tribunal de amigas, y que además tiene de Adèle (Catherine Salée y Aurélien Recoing) son
cierto aire sensible e inteligente. Adèle y Thomas de clase trabajadora, ponen pasta para cenar, y no
congenian, salen unas cuantas veces y tienen rela- perciben la relación entre las mujeres, creyendo que
ciones sexuales, pero ella vacila, no termina de estar Emma sólo está ayudando a Adèle con sus clases
entusiasmada. En la calle, al cruzar un semáforo, se de Filosofía… Al pasar el tiempo, también se pone
queda mirando embelesada a una chica con el pelo de manifiesto la diferencia entre las ambiciones de
azul... Tras muchas dudas, Adèle rompe con Tho- Emma, que es pintora y se mueve entre artistas e
mas. En el instituto, charlando con su compañera intelectuales, y las sencillas aspiraciones de Adèle,
Béatrice (Alma Jodorowsky), ésta empieza a decirle, que empieza a trabajar como maestra de educación
en tono provocativo, lo guapa e interesante que es. infantil… Y quizá el único defecto de la película, para
Se besan, y Adèle se queda confundida y excitada. mí, sea que no percibimos realmente en Adèle el
Al día siguiente, busca a Béatrice, pero ésta la re- paso del tiempo que abarca el film (al menos cuatro o
chaza... Con su amigo homosexual, Valentin (San- cinco años), pese a las gafas y el cambio de peinado.
dor Funtek), Adèle acude a un bar gay y luego entra, La película se basa en la novela gráfica El azul es un
tímidamente, en un bar de lesbianas. Allí se encuen- color cálido, de Julie Maroh (es el primer caso en que
La vida de Adèle tra con Emma (Léa Seydoux), la chica del pelo azul. un film basado en un cómic ha ganado la Palma de
Francia-España-Bélgica, 2013 Hablan y se cuentan cosas. Hay química. Emma es Oro de Cannes). La intención original del guionista
Wild Bunch / Quat’Sous Films / France 2 Cinema / Scope estudiante de Arte. Al día siguiente, va a buscarla al y director Abdellatif Kechiche era hacer una película
Pictures / Vértigo Films / RTBF instituto. Vuelven a verse más veces. Las amigas de sobre una maestra que ama su profesión y transmite
Título Original: LA VIE D’ADÈLE Adèle, sobre todo Amélie, la acusan de lesbiana y la su entusiasmo. Kechiche había conocido a muchos
Director: ABDELLATIF KECHICHE rechazan... Adèle y Emma empiezan una apasiona- profesores durante el rodaje de La escurridiza (2003)
Guión: ABDELLATIF KECHICHE y GHALYA LACROIX y le había impresionado cómo vivían su vocación
da relación amorosa y sexual...
Sobre la Novela Gráfica El azul es un color cálido de JULIE
MAROH La vida de Adèle es esencialmente una historia (“Eran verdaderos artistas, apasionados de la lectura, la
Fotografía: SOFIAN EL FANI de amor, o la historia de un amor. Un amor inten- pintura, la escritura... todos nosotros recordamos a ese
Montaje: CAMILLE TOUBKIS y ALBERTINE LASTERA so, arrollador, lleno de pasión y deseo. Y de sexo, sí. profesor entusiasta que durante nuestra vida escolar
Productores: BRAHIM CHIOUA, ABDELLATIF Las escenas eróticas entre Adèle y Emma, que han nos llevó a ver una determinada película, o nos animó
KECHICHE y VINCENT MARAVAL sido tan comentadas (y un poquito polémicas), se a leer ese libro y que, tal vez de esa manera, puso las
Co-Productor: LAURENCE CLERC semillas de una vocación en nosotros”). El guión sobre
cuentan entre las más largas, naturales y directas
Jefe de Producción: DIANA ANGULO
Intérpretes: ADÈLE EXARCHOPOULOS, LÉA SEYDOUX, jamás vistas en una pantalla (en un film no porno- la maestra no terminó de cuajar, pero al descubrir
SALIM KECHIOUCHE, AURELIEN RECOING, CATHERINE gráfico). El truco es que Kechiche las filma como la novela gráfica de Maroh, con la historia de amor
SALEE, BENJAMIN SIKSOU, MONA WALRAVENS, cualquier otra escena, con la misma naturalidad que entre dos mujeres, una de las cuales quiere ser pro-
JÉRÉMIE LAHEURTE, ALMA JODOROWSKY, SANDOR una comida y, como en el resto del film, acercando fesora, fusionó ambas ideas. En todo caso, el canto a
FUNTEK la cámara a sus actrices, sin artificios. No hay filtros, los maestros sigue siendo un elemento esencial de
Duración: 175 minutos la película (Kechiche: “Admiro a esos profesores que
cámara lenta ni musiquilla sugerente (bueno, sí hay
Idioma: Francés (VOSE)
Internet: www.LaVidadeAdele.es un pequeño recurso técnico: se usaron prótesis están profundamente comprometidos con el progreso
vaginales para evitar el contacto directo en los mo- de sus estudiantes”). Adèle le explica a Emma lo im-
mentos de sexo oral)… Tampoco hay un tratamiento portante que ha sido la escuela para ella, cómo le ha
especial porque se trate de dos mujeres (Kechiche: descubierto cosas que nunca hubiera conocido a tra-
“No tenía nada ‘militante’ que decir en cuanto a la ho- vés de sus amigos o de su familia (recordemos que
mosexualidad, no he intentado explicarla, sentía que proviene de la clase trabajadora). Es un mensaje de
proyección se trataba más de la historia sobre una pareja”). Pero lo más oportuno en estos tiempos (también vemos
15.10.2014 es la historia de un amor que tiene su complejidad a Adèle en una manifestación contra los recortes en
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PALMARÉS
Festival de CANNES: Palma de Oro (Mejor Película,
incluyendo al director y las Actrices), premio FIPRESCI
Premio CÉSAR: Actriz Revelación (Exarchopoulos), y siete
nominaciones: Película, Director, Actriz (Seydoux), Guión
adaptado, Sonido, Fotografía, Montaje
Festival de SAN SEBASTIÁN: Premio FIPRESCI
Nominada al GLOBO DE ORO: Mejor Película Extranjera
Independent Spirit Awards: Mejor Película internacional
Premio Louis Delluc: Mejor Película
la educación... y eso es en Francia). Como en La escu- panorámico, Kechiche se acerca a la verdad repre-
rridiza, Kechiche incluye una referencia a Pierre de sentada, con un predominio de los primeros y pri-
Marivaux, esta vez a su obra La vie de Marianne, estu- merísimos planos, que pegan nuestra mirada a los
diada en la clase, y de la que se toma el título del film. rostros, a los ojos, a las bocas, a los cuerpos. Incluso
El director eligió a Léa Seydoux (que nos des- en las dos escenas de manifestaciones (una por la
lumbró hace dos años en Adiós a la reina), porque educación y otra del orgullo gay), la cámara sigue
compartía con el personaje “la belleza, la voz, la inte- fija en los personajes y sólo hay unos brevísimos
ligencia y la libertad”, además de su compromiso con planos generales… La película se rodó principal-
la sociedad y cierta “alma árabe”. Kechiche trabajó mente en Lille (calles, liceo, bar, parque, estación
con la actriz durante diez meses antes de empezar el de tren), con algunas secuencias rodadas en Liévin
rodaje, reuniéndose periódicamente con ella, mien- (casa de Adèle, guardería) y Roubaix (museo). En
tras Seydoux tomaba lecciones de pintura y escul- el rodaje, Kechiche procuró liberarse del respeto a
tura y leía sobre Filosofía… El director eligió a Adèle la letra del guión, para permitir la improvisación, ir
Exarchopoulos (que había hecho pequeños papeles escribiendo mientras se grababa. Pero eso tenía una FILMOGRAFÍA
en televisión y en media docena de películas) en un contrapartida: se rodaron, literalmente, cientos de ABDELLATIF KECHICHE
gran casting. Siguiendo, quizá sin saberlo, los conse- tomas de algunas escenas, haciendo quedar a Stan-
a) Director y Guionista:
jos de Elia Kazan (vean el estudio adjunto), la llevó a ley Kubrick (citado por Adèle entre sus cineastas
comer, y lo que le decidió fue ver cómo masticaba, favoritos) como un descuidado. Según lo que han La faute à Voltaire (2000)
cómo movía la boca (“Su boca es un elemento muy dicho posteriormente las actrices y los técnicos, se La escurridiza (Cómo esquivar el amor) (L’esquive, 2003)
Cuscús (La graine et le mulet, 2007)
importante en esta película, de hecho, las bocas de am- trató de un rodaje tenso y agotador (estaba previs- Sueur (2008) cortometraje
bos personajes fueron decisivas a la hora de optar por to para dos meses, y duró cinco meses y medio, casi Vénus noire (2010)
La vida de Adéle (La vie d’Adèle, 2013)
ellas”). Parece chocante, pero lo cierto es que Adèle 24 horas al día). Pero bueno, a nosotros lo que nos
come mucho en la película (desde espaguetis hasta importa es el resultado.
b) Sólo Actor:
ostras) y su forma de masticar se convierte en seña La vida de Adèle lleva un intrigante subtítulo: Ca-
de identidad y elemento de cercanía. El director pítulos 1 y 2. Quizá algún día Albdellatif Kechiche nos Le thé à la menthe (1984) dir. Abdelkrim Bahloul
Mutisme (1987) dir. Philippe Ayache
cambió el nombre del personaje, que se llamaba Cle- relate los siguientes capítulos… De momento, nos Les innocents (1987) dir. André Téchiné
mentine en la novela gráfica, para acercarlo más a la ha entregado una obra maestra absoluta. Tres horas Bezness (1992) dir. Nouri Bouzid
actriz (y porque “Adèle” significa justicia en árabe). que se pasan en un suspiro. Para mí, la mejor película Un vampire au paradis (1992) dir. Abdelkrim Bahloul
Marteau rouge (1996) dir. E. Plumet y L. Phan
La idea principal de la puesta en escena es aproxi- del año (de las que he visto, se entiende). (RGM) La boîte magique (2002) dir. Ridha Behi
marse a los personajes. Aunque utiliza el formato Sorry, Haters (2005) dir. Jeff Stanzler
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El mundo del río el guión de Mud. La inspiración que había puesto en
marcha el proceso había sido un libro de fotogra-
“Poco después oí que una rama se partía en la oscu- fías sobre las riberas del río en Arkansas: las casas
ridad entre los árboles: algo se movía. Me enderecé y flotantes, los pescadores y buceadores… Esa idea
escuché (…). Entonces me dejé caer al suelo y me fui se unió a su pasión por las novelas de Mark Twain
arrastrando entre los árboles, y claro, allí estaba Tom sobre Tom Sawyer y Huckleberry Finn. De Las aven-
Sawyer esperándome.” turas de Huckleberry Finn recogió los elementos bá-
sicos: los dos niños-adolescentes amigos, el río, y la
MARK TWAIN figura del fugitivo. Y otro elemento central para Ni-
Las aventuras de Huckleberry Finn chols sería la confusión del joven Ellis sobre el amor,
la intensidad febril de los sentimientos adolescen-
Ellis (Tye Sheridan) y Neckbone (Jacob Lofland) son tes (“cuando eres adolescente el amor es más fiero y
dos amigos adolescentes, que viven en sendas casas fuerte que lo que llegará a ser el resto de tu vida”). Y
flotantes en las orillas de un río de Arkansas, afluen- todo esto lo situó en unos lugares que conocía muy
te del Mississippi. Ellis vive con sus padres, Mary Lee bien, en su estado de origen (Nichols nació en Little
(Sarah Paulson) y Senior (Ray McKinnon), y Neckbo- Rock, Arkansas, en 1978).
ne con su tío, Galen (Michael Shannon). Los chicos se La película se rodó en 8 semanas, en exteriores
escabullen de sus casas y cruzan en barca hasta una del suroeste de Arkansas: Eudora (la isla), Dumas (el
isla del río, donde han descubierto algo extraordina- supermercado y el motel), Crocketts Bluff (las casas
rio: un bote que ha sido arrastrado por alguna gran flotantes), Pendleton (el restaurante), Stuttgart, De
inundación y está suspendido entre las ramas de un Witt y Lake Village... Los escenarios, brillantemen-
árbol. Ellis y Neckbone pretenden recuperar el barco y te fotografiados por Adam Stone (en 35 mm con
arreglarlo. Pero, al subir a revisarlo, descubren eviden- lentes anamórficas y steadycam) y poblados por
cias de que alguien lo ha encontrado también, y está 400 figurantes locales, adquieren una presencia im-
viviendo en él. En la playa, se encuentran con “Mud” presionante. Desde los cobertizos hasta los cielos,
Mud (Matthew McConaughey). Mud parece un vagabun- pasando por el motel, las casas flotantes o el propio
do desastrado, enigmático, quizá peligroso. Pero les río, nos resultan tan reales que podríamos entrar en
USA, 2012 ofrece un acuerdo: si le consiguen comida, luego po- ellos. Además, percibimos que es un mundo crepus-
Everest Entertainment / Brace Cove Productions / drán quedarse con el bote. Ellis decide ayudar a Mud, cular, una forma de vida en extinción: a medida que
FilmNation Entertainment sus propietarios originales se vayan, las casas fluvia-
aunque Neckbone no está tan convencido… Cuando
Título Original: MUD
vuelven a la isla con la comida, Mud les cuenta la ro- les irán siendo desguazadas (Nichols: “quería captu-
Director: JEFF NICHOLS
Guión: JEFF NICHOLS mántica historia de que él, que también creció en esa rar una instantánea de un lugar que probablemente no
Fotografía: ADAM STONE zona, ha vuelto para reunirse con su chica, Juniper, seguirá ahí para siempre”). La misma fisicidad y peso
Música: DAVID WINGO una bella joven con pájaros tatuados en las manos… real tienen los objetos, desde los equipos de pesca
Montaje: JULIE MONROE En tierra, los chicos descubren que Mud quizá no les hasta la omnipresente camisa color crema de Mud,
Diseño de Producción: RICHARD A. WRIGHT haya desvelado toda la verdad: parece que también es que llega a ser el icono visual del film.
Productores: LISA MARIA FALCONE, SARAH GREEN y Mud ha sido uno de los pasos en el muy comen-
un fugitivo buscado por la policía, y por unos tipos si-
AARON RYDER
niestros, liderados por Carver (Paul Sparks) y enviados tado regreso (o rehabilitación) de Matthew McCon-
Intérpretes: MATTHEW McCONAUGHEY, TYE
SHERIDAN, JACOB LOFLAND, SAM SHEPARD, REESE por King (Joe Don Baker)... Mientras, Juniper (Reese aughey como actor de verdad, y no como objeto de
WHITERSPOON, MICHAEL SHANNON, SARAH Whiterspoon) ha llegado al pueblo y se aloja en un broma (luego seguirían su escalofriante y oscarizada
PAULSON, JOE DON BAKER, RAY McKINNON, PAUL cutre motel. Ellis queda fascinado por la historia de interpretación en Dallas Buyers Club, que también
SPARKS amor de Mud y Juniper, y está dispuesto a ayudar a veremos en el Cine Club, su papel en la serie True
Duración: 130 minutos que los enamorados se reúnan, llevando recados a la Detective y su breve pero inolvidable aparición en
Idioma: Inglés (VOSE) El lobo de Wall Street). El personaje de Mud es un
chica y al veterano Tom Blankenship (Sam Shepard)…
Banda Sonora (CD): Lakeshore Records LKS 343272
Aunque Ellis también tiene problemas propios: sus soñador que tiene un concepto juvenil, idealizado e
Internet: www.mud-themovie.com/
padres están a punto de separarse, lo que será el fin inmaduro sobre el amor (define a Juniper como “un
de su forma de vida (si la madre, que es la propietaria sueño del que no quieres despertar”). McConaughey
de la casa flotante, se marcha, las autoridades la derri- explica que Mud siempre está en marcha, su mente
barán), y por otra parte se enamora de una compañe- corre todo el tiempo, pero “es un tipo que está mejor
ra del instituto, May Pearl (Bonnie Sturdivant), que no persiguiendo cosas que consiguiéndolas; si de verdad
le corresponde. consiguiese estar con Juniper, pienso que parte de él
proyección El guionista y director Jeff Nichols estuvo diez moriría”. De los jóvenes, Tye Sheridan había interve-
22.10.2014 años dando vueltas a las ideas que cristalizarían en nido en El árbol de la vida (2011), mientras que el de-
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PALMARÉS BSO
Premios Independent Sprit: Premio Robert Altman
Premios Sant Jordi: Mejor Actor extranjero
(McConaughey)
Premios de las asociaciones de críticos de Ohio
(Actor), Las Vegas (Actor joven), Phoenix (Actor juvenil), MUD
(Mud)
Washington (Actor joven) y Bélgica
Música Compuesta por
DAVID WINGO
CD: Lakeshore Records,
LKS343272 (USA)
(Duración: 64’18’’)
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Polanski en el diván minación, para los que él siempre se reservaba un
rol sumiso. Sin embargo, von Rümelin no pudo so-
Leopold von Sacher-Masoch fue un periodista portar las rarezas de su marido por mucho tiempo y
y escritor austriaco, nacido en 1836 y muerto en solicitó el divorcio, publicando en 1906 unas escan-
Alemania en 1895 —algunas fuentes relacionan tal dalosas memorias, Meine Lebensbeichte, oculta bajo
fecha con una eventual desaparición del persona- el pseudónimo de Wanda von Dunajew. Para mayor
je, situando el fallecimiento diez años más tarde escarnio del exmarido, al año siguiente se editó el
en un sanatorio mental—. Considerado en su épo- mismo volumen en París con diferente título y un
ca un utopista puro, Sacher-Masoch abogó por el pseudónimo más sangrante: Confession de ma vie,
socialismo y el humanismo, y fue un enfebrecido de Wanda von Sacher-Masoch, edición que en 1991
defensor de la emancipación de la mujer. Sin em- conoció al fin una traducción al inglés titulada The
bargo, su gran aportación a la cultura popular (y confessions of Wanda von Sacher-Masoch, y que se
a los círculos psicoanalíticos) se dio cuando el psi- publicitó, ya directamente, como un clásico de la
quiatra Richard von Krafft-Ebing utilizó su apellido literatura sadomasoquista.
para acuñar el término masoquismo, contemplado Hilando éstos y otros acontecimientos relacio-
por primera vez en 1886 en su obra enciclopédica nados con el escritor austriaco, David Ives concibió
Psychopathia Sexualis, exhaustivo y documentado una ficción acerca de un dramaturgo llamado Tho-
catálogo de comportamientos sexuales anómalos. mas Novachek, que pretende adaptar el original de
El término indignó sobremanera a Sacher-Masoch, Sacher-Masoch para dirigirlo sobre las tablas. Tras
pero lo cierto es que determinados sucesos de su una agotadora e insatisfactoria sesión de casting,
vida privada, así como una parte considerable de su cuando el director ya se dispone a cerrar el teatro,
bibliografía, ejemplifican el sentido de tal neologis- irrumpe una aspirante cuyo nombre, Vanda Jordan,
mo, como adecuadamente resume su novela más ni siquiera aparece en la lista de convocadas. De
conocida, Venus im Pelz (1869), a partir de la cual el modales chabacanos, mascando chicle ostensiva-
norteamericano David Ives escribiría Venus in furs mente, con un tono de voz de irritante vulgaridad
La venus de las pieles (2010), pieza teatral adaptada a su vez por Roman y vestida como una dominatrix del porno, Vanda
Polanski para La Venus de las pieles. consigue realizar su prueba, desconcertando a No-
Francia - Polonia, 2013 Pero antes de abordar la repercusión cinemato- vachek con un talento sin igual que parece transfor-
R.P. Productions / A.S. Films / Monolith Films gráfica de la citada obra, puede ser muy esclarece- marla en la encarnación de la auténtica Wanda. La
Título Original: LA VÉNUS À LA FOURRURE zafiedad de la actriz se alterna con el refinamiento
dor dar unas pinceladas sobre la vida de quien, de
Dirección: ROMAN POLANSKI
manera involuntaria y muy a su pesar, se alió con del personaje en un juego diabólico, durante el cual
Guión: ROMAN POLANSKI y DAVID IVES
Fotografía: PAWEL EDELMAN el marqués de Sade para conformar el vocablo sa- se pone en cuestión la establecida autoridad del di-
Música: ALEXANDRE DESPLAT domasoquismo. No existe una constancia clara de rector sobre el actor —del dominador sobre el sumi-
Montaje: HERVÉ DE LUZE y MARGOT MEYNIER qué sucedió antes, si la historia real o la ficción so—, invirtiendo esa asentada superioridad moral e
Dirección artística: BRUNO VIA novelada, pero lo cierto es que en el mismo año de intelectual del hombre sobre la mujer, para colocar
Decorados: PHILIPPE CORD’HOMME publicación de Venus im Pelz, Sacher-Masoch firmó finalmente a un macho indefenso bajo el afilado ta-
Productores: ROBERT BENMUSSA y ALAIN SARDE cón de su “media naranja”. Cualquiera que conozca
un contrato con la baronesa Fanny Pistor, en el que
Intérpretes: EMMANUELLE SEIGNER, MATHIEU
convenía ser su esclavo durante un periodo de seis someramente la trayectoria artística —e incluso
AMALRIC
Duración: 96 minutos meses, siempre y cuando ella se vistiera asidua- personal— de Roman Polanski, habrá identificado
Idioma: Francés, Alemán (VOSE) mente con prendas de cuero y pieles de animales. en este argumento temas y situaciones muy afines
En tales condiciones, y ataviado él con uniforme de al universo del cineasta, y no sólo por lo que respec-
mayordomo, emprendieron un largo viaje por Euro- ta a la espléndida Lunas de hiel…
pa en el que la señora ocuparía siempre plazas de Ya desde los tiempos de El cuchillo en el agua y
primera clase, mientras que su sirviente se instalaría Callejón sin salida, Polanski retrata a sus heroínas
en las clases inferiores. Éste es, en esencia, el argu- tras un envoltorio de aparente fragilidad, aunque,
mento del relato, cambiando los nombres de sus a la hora de la verdad, se revelen auténticas im-
verdaderos protagonistas por los ficticios Severin pulsoras de los acontecimientos. Incluso cuando
von Kusiemski y Wanda von Dunajew. Pero la vida adoptan el papel de víctima, véanse Repulsión, La
de Sacher-Masoch aún ofrecería algún que otro giro semilla del diablo y, muy especialmente, La muerte
interesante. Extasiado con su experiencia junto a y la doncella, las tornas no tardan en invertirse para
la baronesa, el escritor contrajo matrimonio poco mostrar mujeres dominadoras e incluso peligrosas.
proyección después con Aurora von Rümelin, a quien obligó a Esta admiración disfrazada de miedo que Polanski
29.10.2014 participar en todo tipo de juegos perversos de do- expresa hacia algunas de sus féminas, puede tradu-
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PALMARÉS
Premios CÉSAR (Francia): Mejor director
Premios LUMIERE (Francia): Mejor guión
FILMOGRAFÍA
ROMAN POLANSKI
Director y Guionista
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Greenwich village, 1961 El personaje principal es ficticio, aunque incorpo-
ra elementos de Dave Van Ronk y otros intérpretes
Si hemos de creernos lo que cuentan los hermanos folk de la época. La portada del disco del protagonis-
Coen, la idea de esta película surgió un poco a lo ton- ta recrea la de Inside Dave Van Ronk (1964). Los Coen
to. En una charla, Joel le dijo a Ethan: “Imagínate que necesitaban un actor que pudiera pasar además por
a Dave Van Ronk le dan una paliza en el callejón de de- un músico de talento, y descubrieron que hay más
trás del Gerde’s Folk”. No sé ustedes, pero yo con esa actores que saben cantar y tocar, que cantantes que
frase no hubiera entendido nada... Ahora ya sé que sepan actuar. Encontraron a Oscar Isaac, actor naci-
Dave Van Ronk (1936-2002) era un legendario can- do en Guatemala y criado en Miami, donde cantaba
tante folk, admirado por Bob Dylan, uno de los inspi- y tocaba la guitarra en su banda The Blinking Under-
radores del renacimiento del folk en los 60, afincado dogs (en el cine, le hemos visto en Natividad, Ágora,
en el Greenwich Village neoyorkino, donde se ganó Robin Hood, Drive, y pronto en Star Wars: Episodio
el apodo de Alcalde de la calle McDougal (título de su VII). Su personaje se mete al espectador en el bolsi-
autobiografía). Y, por su parte, Gerde’s Folk City era llo (como personaje, no para tenerlo de amigo en la
un mítico local que fue uno de los epicentros de la vida real): puede ser molesto, desconsiderado e in-
música folk, donde tocaron todos los grandes (Bob formal, pero no es una mierda (como le llama conti-
Dylan dio allí su primer concierto profesional, como nuamente Jean), tiene buenas intenciones, aunque
telonero de John Lee Hooker). Así pues, aunque la todo le salga mal; tiene talento e integridad. El resto
anécdota pueda haber sido embellecida a posteriori, del reparto es muy lucido, con una memorable in-
se trataba de hacer una película centrada en el mun- tervención de F. Murray Abraham y otra, más bien
do de la música folk, en Nueva York, en los años 60. excéntrica, del habitual John Goodman, además
Pero los Coen no querían hacer una biografía de Van de Justin Timberlake, etcétera. Por desgracia, la es-
Ronk, sino una historia de ficción… tupenda Carey Mulligan se ve confinada a un solo
Estamos en el frío febrero de 1961, en Nueva York. registro: flagelar a Llewyn (luego descubrimos que
Llewyn Davis (Oscar Isaac) es un cantante folk sin su personaje tampoco es una santa).
A propósito de Llewyn Davis suerte. Formaba un dúo con Mike Timlin, que se ha “Si nunca fue nueva y no envejece, es una canción
suicidado. Su primer disco en solitario, Inside Llewyn folk”, dice el protagonista. Lo más hermoso de la pe-
USA, 2013 Davis, no se vende. Pero él sigue consagrado a su lícula es la manera primorosa en que están filmadas
StudioCanal / Anton Capital Entertainment música, no está dispuesto a venderse con algo más las canciones, que en su mayor parte se grabaron
Título Original: INSIDE LLEWYN DAVIS completas y con sonido directo. Los Cohen mantie-
comercial, ni tampoco a buscarse otro trabajo, ni a
Directores: JOEL COEN y ETHAN COEN
volver a ser marino mercante (no quiere limitarse nen la cámara sobre los intérpretes, sin apresurarse,
Guión: JOEL COEN y ETHAN COEN
Fotografía: BRUNO DELBONNEL a “existir”, para él la música es la única vida posible). dejándonos mirar y escuchar, de forma íntima y res-
Productor Musical: T. BONE BURNETT Está cansado, no tiene dinero, no tiene ni abrigo, su petuosa, como si estuviéramos allí mismo. Destacan
Montaje: RODERICK JAYNES representante, Mel (Jerry Grayson) le ignora, duerme la primera (“Hang Me”) y la última (“Fare Thee Well”)
Diseño de Producción: JESS GONCHOR en los sofás de los amigos y conocidos. Su ex, Jean de Llewyn, también la de la audición de Chicago
Productores: SCOTT RUDIN, ETHAN COEN y JOEL (Carey Mulligan), que ahora vive con otro cantante, (“The Death of Queen Jane”) y la de pescadores que
COEN le canta a su padre (“The Shoals of Herring”), incluso
Jim (Justin Timberlake), le pone de mierda para arri-
Productores Ejecutivos: ROBERT GRAF, OLMER
ba, y además le revela que está embarazada: como resulta genial la grabación de la humorística “Please
COURSON y RON HALPERN
Intérpretes: OSCAR ISAAC, CAREY MULLIGAN, JOHN no sabe si el hijo es de Jim o de Llewyn, ha decidido Mr. Kennedy”. Hablo de las escenas cinematográfi-
GOODMAN, GARRETT HEDLUND, JUSTIN TIMBERLAKE, abortar, y exige que éste corra con los gastos. Llewyn cas, de la conjunción entre interpretación, música,
F. MURRAY ABRAHAM, ETHAN PHILLIPS, ROBIN consigue una sesión para tocar en una tonta canción fotografía y montaje (sobre las canciones en sí, les
BARTLETT, MAX CASELLA, BRADLEY MOTT, JERRY humorística (Please Mr. Kennedy, sobre un astronauta remito al apartado sobre la banda sonora)… Claro
GRAYSON que no quiere ir al espacio), con Jim y Al Cody (Adam que también se muestran las miserias del mundo de
Duración: 105 minutos la música: esas cajas de discos sin vender. Para el as-
Driver); como no tiene arreglados los papeles con su
Idioma: Inglés (VOSE)
representante, acepta cobrar en efectivo pero sin de- pecto visual, los Coen propusieron al director de fo-
Banda Sonora (CD): Warner Nonesuch 7559-79591-3
Internet: www.insidellewyndavis.com recho a royalties (luego la canción será un gran éxito, tografía, Bruno Delbonnel, inspirarse en la portada
claro). Después, viaja a Chicago con el beatnik Johnny de The Freewheelin’ de Bob Dylan, señalando que la
Five (Garret Hedlund) y el antipático músico de jazz película es una canción triste: “Incluso el cielo es gris,
Roland Turner (John Goodman), que desprecia el folk. hace frío, no hay colores: ése es el tono de la película”.
En Chicago, tiene una audición con el productor Bud Conviene aclarar lo siguiente: esta película re-
Grossman (F. Murray Abraham), que considera que construye de manera convincente un lugar y una
proyección no hay dinero en el folk y le ofrece entrar en un grupo época, y está poblada por personajes interesantes
05.11.2014 vocal, lo que rechaza… y bien dibujados, pero apenas tiene historia… Los
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PALMARÉS BSO
Festival de CANNES: Grand Prix del Jurado
Nominaciones al OSCAR: Mejor Fotografía y Mezcla de
Sonido
A PROPÓSITO DE
Nominaciones al GLOBO DE ORO: Mejor Película LLEWYN DAVIS
(Comedia), Actor y Canción (Inside Llewyn Davis)
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Trastorno de personalidad es todo un abismo, pero a la vez muestra que lo que
le ocurre a Ana, no es algo infrecuente, sino bastan-
Fernando Franco había trabajado sobre el tema te cotidiano. Desde luego no resulta tan marginal
del trastorno límite de la personalidad en un docu- como pueda creerse. A continuación surge el posi-
mental porque era un tema que le interesaba. Pero cionamiento ético del director. Franco no pretende
al comprobar la implicación de la gente con la que dar lecciones de nada, le basta con arrojar un poco
estuvo en ese proyecto, y que padecía alguna enfer- de luz acerca de un problema que está ahí, aunque
medad mental, se dio cuenta de que acentuaba los muchos no lo conozcan. Entiende su trabajo como
rasgos más negativos que conllevan esos trastornos el de un investigador, como el de alguien que expe-
y no le pareció muy ético realizar una nueva obra rimenta. Se involucra en el proyecto hasta el fondo
en la línea documental, así que decidió desarrollar el y lo ve como un desafío y una forma de aprendizaje
tema dentro del género de ficción. La investigación vital. Es el modo en el que ha realizado su primer
y la documentación que había recopilado previa a la largometraje, La herida.
realización del documental, le sirvió para construir El relato se presenta de manera sobria y conteni-
el personaje de Ana y, de esta forma, no comprome- da en cuanto a las peripecias que sucenden, e inclu-
ter a nadie que padeciera la enfermedad. Se trata so se puede decir que es reiterativo en las situacio-
de un trastorno cuya característica es que quien lo nes dramáticas expuestas. A Fernando Franco no le
padece presenta altibajos y cambios en el estado de interesa narrar una historia al uso sino ofrecer algo
ánimo muy exacerbados. lo más realista y subjetivo posible en torno a una
La película trata de reflejar eso mismo, las etapas mujer encerrada en sí misma, que intenta huir de
mejores y peores del enfermo, e intenta ser un re- esa prisión interior en la que vive pero de la que no
trato lo más fiel y honesto posible de una persona puede escapar a pesar de sus pequeñas conquistas,
con el trastorno límite. Sin intención de moralizar, siempre fracasadas. El director expresa las expe-
sino de plantear al espectador un personaje de esas riencias vitales de la protagonista con sencillez y
características. Así, La herida es un film sobre una honestidad. La cámara sigue a Ana, la acompaña en
La herida persona que sufre un trastorno psicológico, pero sus movimientos, se acerca a su rostro…En la pelícu-
no es una obra entorno a esa enfermedad. La pro- la son importantes los silencios, y la música única-
España, 2013 tagonista, Ana, representa un personaje con sus vi- mente aparece en momentos festivos y celebracio-
Producción: Kowalski Films / Elamedia / Pantalla Partida / cisitudes normales y las alteraciones que le produce nes, integrada en la acción a modo de contrapunto.
Encanta Films / Ferdydurke La herida se apoya en la descripción y seguimien-
su trastorno. Fernando Franco no busca generalizar,
Distribución: Golem
sino realizar un retrato concreto el de una mujer to de Ana, un personaje que está presente a lo largo
Título original: LA HERDIA
Productores: KOLDO ZUAZUA, ROBERTO bastante especial. de toda la acción. Encargada de acompañar a enfer-
BURTRAGUEÑO, SAMUEL MARTÍNEZ, MARIO El principal problema con el que podía enfrentar- mos de diversa índole en una ambulancia, se mues-
MADUEÑO, MANUEL CALVO y FERNANDO FRANCO se el director es el de que el público no empatizara tra con ellos delicada y tierna. Sin embargo, sus
Director: FERNANDO FRANCO con la protagonista, porque, debido a sus altibajos, relaciones persoanles son un desastre como conse-
Guión: FERNANDO FRANCO y ERIC RUFAS pudiera llegar a resultar demasiado antipática. Fran- cuencia de un trastorno de la personalidad que la
Fotografía: SANTIAGO RACAJ impele a tener unas reacciones extremas, agravadas
co trató de ser lo más honesto posible. Sencillamen-
Música: IBON RODRÍGUEZ
te te dedicó a retratar el día a día de Ana con todas por las constantes lesiones que se inflige a sí misma.
Dirección artística: Miguel Ángel Rebollo
Productores: KOLDO ZUAZUA, ROBERTO sus idas y venidas. De manera que el espectador Cuando sufre los brotes más agudos, se apaga ciga-
BUTRAGUEÑO, SAMUEL MARTÍNEZ pudiera comprenderla en su total personalidad, rillos en el cuerpo y se corta la piel con una cuchilla.
Montaje: DAVID PINILLOS tanto cuando está bien, como cuando está peor. De cara al exterior cubre sus heridas en un intento
Intérpretes: MARIAN ÁLVAREZ, MANOLO SOLO, LUÍS Lo importante era evitar que se pudiera pensar que por ocultar su verdadero yo ante los demás, sin los
CALLEJO, ANDRÉS GERTRUDIX, ROSANA PASTOR, Ana estaba loca. que no puede vivir, pero a quienes aparta constan-
RAMÓN BAREA, RAMÓN AGIRRE temente con su comportamiento erratico. Así, Ana
A Fernando Franco le interesan los temas sub-
Duración: 98 minutos
terráneos, no sólo como tales, sino en el resultado se ve condenada a la soledad, a una soledad que le
Idioma: Español
que pueden dar plasmados en el cine. “Al fin y al cabo duele y pesa sobremanera.
-piensa-, el cine es uno de los mayores codificadores del Para el crítico Huerta Floriano La herida es un
imaginario colectivo. Nuestras mentes están muy condi- film que se mueve entre la intensidad descarnada
cionadas por las películas que vemos, por los libros que del sufrimiento de Ana y cierta frialdad en su expo-
leemos… Así que me interesa cómo abordar esos temas sición. “Alimentada con abundancia de tonos gruses,
y convertirlos en algo tangible, en algo real si se prefiere.” espacios desalmados y frecuentes negaciones de la
proyección En La herida retrata la distancia que hay entre la profundidad de campo, su principal virtud –escribe-
12.11.2014 vida pública y la vida privada de la protagonista, que se convierte en su máximo riesgo, ya que la coheren-
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PALMARÉS
Festival de San Sebastián (2013): Premio a la Mejor Actriz,
Marian Álvarez
Premios Goya (2014): Premio a la Mejor Actriz, Marian
Álvarez
Premios Feroz (2014): Pemio a la Mejor Actriz, Marian
Álvarez
cia adusta del conjunto puede ser interpretada por el como montador casi cuarenta créditos, que lo ava-
espectador como que no sucede nada relevante en la lan como un experto en el lenguaje audiovisual, más FILMOGRAFÍA
acción y quedarse este , en consecuencia, fuera de las aún cuando todos sabemos que una película termi- FERNANDO FRANCO
claves del texto como quien ni siente ni padece , porque na de dirigirse y escribirse en la sala de montaje. Se Director
anda anestesiado. En cualquier caso sería un problema puede decir, en fin, que La herida posee una madu-
Cortometrajes
de quien lo mirara así, claro.” (HUERTA FLORIANO, rez creativa impropia de una primera obra.
Mensajes de voz (2007)
Miguel Ángel, en Cine para leer, Ediciones Mensaje- Marian Álvarez realiza una extraordinaria inter- The end (2008)
ro, Bilbao, 2014). pretación del complicado papel de Ana, personaje TU(a)MOR (2009)
En resumidas cuentas, La herida es un drama ín- por el que ha recibido numerosos premios. Es preci- Les varations Dielman (2010)
Room (2011)
timo, contenido y riguroso, que representa la opera so recorder también que esta actriz intervino en el La media vuelta (2012)
prima de Fernando Franco en el largometraje. Direc- cortometraje ¡Sálvame!, de Javier Veiga, que obtuvo
tor y guionista, este autor no es ni mucho menos tres importantes galardones en la IX edición del Largometrajes
un principiante en el mundo del cine, Franco tiene Certamen de Cortos Ciudad de Soria (2007). (JLLR) La herida (2013)
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Sobrevivir, a pesar de todo
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PALMARÉS BSO
OSCAR (2014): Oscar al Mejor Actor (Matthew
McConaughey), al Mejor Actor Secundario (Jared Leto) y a
la Mejor Peluquería y Maquillaje
Canciones de VARIOS
AUTORES
CD: Sony Classical,
88843005652 (UE)
(Duración: 64’42’’)
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En busca de lo absoluto es la creatividad. La secuencia de apertura quizá nos
dé la clave para entender el leitmotiv del film. Una
Más de medio siglo después de La dolce vita (1959), excursión de turistas asiáticos se recrea en la con-
el napolitano Paolo Sorrentino (1970) se ha atrevido templación de la monumental Fontana dell’Acqua
a tocar lo divino. Ha posado sus manos sobre uno Paola erigida en Gianicolo, un popular paraje co-
de los iconos más perdurables de la Historia del nocido como la octava colina de Roma. Mientras
Cine, proponiendo, sin afirmarlo ni negarlo, una la guía rompe con su altisonante voz los cánticos
secuela de la obra maestra de Fellini. En aquel film celestiales que emanan del interior, y un orondo
se narraban los primeros pasos del joven Marcello lugareño en camiseta se refresca con el agua del es-
Rubini (inolvidable Mastroianni), reportero en los tanque, uno de los turistas, armado con una cámara
círculos de la jet set capitalina, que deambulaba por réflex de última generación, fotografía la magnífica
la céntrica Via Veneto a la caza del cotilleo, con la vista que se ofrece desde el altozano. De manera
esperanza de forjarse algún día un nombre como inesperada sufre un colapso y se desploma, segu-
escritor serio y respetado. Aunque Fellini nos dejara ramente víctima de un golpe de calor, pero quizá,
la duda sobre los futuros éxitos del personaje, So- por qué no, arrobado por un acceso del síndrome de
rrentino lo retoma ya en su madurez, concretamen- Stendhal. ¿Acaso el bloqueo de Jep Gambardella no
te a los sesenta y cinco años, y lo presenta como un pueda obedecer también a una predisposición cró-
prestigioso, aunque acomodado, autor de un solo nica a tal síndrome? «Predestinado a la sensibilidad»,
libro, que trabaja como cronista cultural y de socie- como su voz en off confiesa durante su orgiástica
dad para una influyente publicación romana. Por su- fiesta de cumpleaños, Jep experimenta un inmenso
puesto el responsable de Il divo y Las consecuencias vacío, no sólo profesional, sino, ante todo, existen-
del amor se ha cubierto debidamente las espaldas, cial, absorbido por una de esas congas que, como
ha rebautizado al personaje y ha modificado los su- él mismo admite, «son las más bellas de toda Roma…
ficientes parámetros para distanciarse, sólo preven- porque no van a ninguna parte».
tivamente, del guión que firmaran entonces Tullio Cierto es que la mayor parte de la crítica suele
La gran belleza Pinelli, Ennio Flaiano y el propio Fellini. definir a Sorrentino como un cineasta excesivo —
El nuevo periodista se llama Jep Gambardella en sus formas, en sus temas, en sus intenciones—,
Italia - Francia, 2013 —encarnado de manera soberbia por Toni Servi- aunque a juicio del que suscribe, en este caso ha
Indigo Film / Medusa Film / Babe Film / Pathé / France 2 llo, (espléndido) actor fetiche en buena parte de logrado dotar de un hondo sentido dramático —
Cinéma donde comulgan de manera ejemplar narración y
la filmografía de Sorrentino—, cínico y endurecido
Título Original: LA GRANDE BELLEZZA
miembro de la élite mundana de su ciudad, quien, estética— a esa, en ocasiones, injustificada desme-
Dirección: PAOLO SORRENTINO
Guión: PAOLO SORRENTINO y UMBERTO CONTARELLO parapetado tras un gesto indolente y toneladas sura. Su habitual propensión a mantener la cámara
Fotografía: LUCA BIGAZZY de estilo, ejercerá de cicerone para el espectador, en perpetuo movimiento alcanza aquí un estatus
Música: LELE MARCHITELLI guiándole a través de una Roma desconocida, don- de absoluta locura, pero sin perder nunca de vista
Montaje: CRISTIANO TRAVAGLIOLI de lo sublime y lo ridículo, lo eterno y lo efímero, la funcionalidad de tal recurso: transmitir el vértigo
Diseño de producción: STEFANIA CELLA se confunden, coexistiendo, de hecho, en cada rin- de quien contempla inquisitivamente la exuberan-
Diseño de vestuario: DANIELA CIANCIO cia de un vergel —ornamentado para todos los gus-
cón de la ciudad, pero también en el corazón de sus
Productores: FRANCESCA CIMA, NICOLA GIULIANO,
moradores. La Gran Belleza es, por así decirlo, un tos—, donde conviven armoniosamente las grandes
FABIO CONVERSI y JÉRÔME SEYDOUX
Intérpretes: TONI SERVILLO, CARLO VERDONE, estado del alma, la razón de ser del cronista Gam- obras de arte de la antigüedad, junto al más grosero
SABRINA FERILLI, CARLO BUCCIROSSO, IAIA FORTE, bardella. Preguntado sobre los motivos que le han de los espectáculos berlusconianos. Las reflexiones
PAMELA VILLORESI, GALATEA RANZI, FRANCO impedido escribir un segundo libro, el protagonista del protagonista, así como los diálogos que mantie-
GRAZIOSI, GIORGIO PASOTTI, MASSIMO POPOLIZIO, contestará que «buscaba la Gran Belleza, pero… no la ne con el resto del reparto, resultan de una brillan-
SONIA GESSNER, LUCA MARINELLI, SERENA GRANDI, he encontrado». El dilema de Jep —y, al fin y al cabo, tez tan locuaz como hiriente. Sin embargo, a pesar
VERNON DOBTCHEFF, DARIO CANTARELLI, GIUSI del dolor que pueda infligir con sus palabras, des-
el de cualquiera de nosotros— es expresado con ad-
MERLI, GIOVANNA VIGNOLA, ISABELLA FERRARI
mirable sencillez por una casi momificada Sor Maria pierta en el espectador una sana compasión, quizá
Duración: 142 minutos
Idioma: Inglés (VOSE) (Giusi Merli), durante su cena de despedida en el lu- debido a esa inevitable empatía que experimenta-
Banda Sonora (CD): Indigo Film, IND009 joso apartamento del periodista: «Yo he hecho voto mos hacia quien, abrumado por el misterio de lo
de pobreza, y la pobreza no se cuenta; se vive». Exacta- Absoluto, hace años decidió conformarse él mismo
mente lo mismo sucede con la Belleza —llamémosle con el papel de espectador, aunque en su caso se
inspiración o, si se prefiere, sentido de la vida—, que permita hacerlo desde un palco de lujo.
no puede contarse, sino que ha de ser experimenta- La gran belleza es la obra maestra de Paolo
proyección da, interiorizada para después manifestarse a través Sorrentino. Un canto a la condición humana, tan
10.12.2014 de una cualidad tan distintivamente humana como deslumbrante en sus formas como complejo e in-
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PALMARÉS BSO
OSCAR: Mejor película de habla no inglesa.
GLOBO DE ORO: Mejor película de habla no inglesa
Premios BAFTA: Mejor película de habla no inglesa
4 Premios de la ACADEMIA DE CINE EUROPEO: Película,
LA GRAN BELLEZA
Director, Actor (Servillo), Montaje / Nominación al guión (La grande bellezza)
9 Premios DAVID DI DONATELLO (Italia): Director,
Música Original de LELE
Productor, Actor (Servillo), Fotografía, Decorados, MARCHITELLI
Vestuario, Maquillaje, Peluquería, Efectos Visuales CD: Indigo Film, IND009
(UE)
(Duración: 144’26’’)
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In Memoriam perá el perfecto equilibrio existente entre ellos? Lo
cierto es que esta noticia desencadenará los egos,
El pasado 2 de febrero, a todos los que amamos este las frustraciones y los conflictos personales hasta
invento de los hermanos Lumiere, nos sobrecogió entonces armonizados. De esta manera, la relación
la noticia del fallecimiento de Philip Seymour Hoff- entre ellos se convierte en un reflejo de la obra de
man. Era, seguramente, el mejor actor de su genera- Beethoven. Cada uno por separado puede llevar
ción y uno de los cuatro o cinco mejores intérpretes a La Fuga a su desaparición. Daniel (Mark Ivanir),
que ha dado Estados Unidos. Con un aspecto tan primer violín, un obseso del perfeccionismo; Ro-
alejado del arquetipo de galán norteamericano, su bert (Philip S. Hoffman), segundo violín, vitalista,
presencia era suficiente para focalizar toda la aten- amante del riesgo en la interpretación y resentido
ción del espectador en él. Dominaba todos los gé- por no ser él el primer violín; Juliette (Catherine
neros. Brando era un gran actor pero se le atragan- Keener) viola, esposa de Robert, perfecta como
taba la comedia. Newman podía hacernos llorar o músico, imperfecta y distante como madre y pareja.
reir , pero no tenía las dotes camaleónicas de Philip. A Peter ya lo hemos presentado, es el violonchelo,
Hanks puede interpretar a quien quiera, pero nunca como persona es la piedra angular sobre la que se
ha conseguido producirnos repulsión o malestar. cimienta esa bellísima catedral. Tiene edad para ser
Hackman es muy bueno pero, en ocasiones, nece- el padre de todos ellos, los calma, los reprende y los
sita que le frenen su histrionismo. Y Sean Penn…, aconseja. El director de la película utiliza sus clases
bueno Penn sólo sabe hacer de Penn. magistrales para transmitir, en clave musical, todo
La película comienza con Christopher Walken lo que El último concierto nos quiere contar.
–otro pura sangre- impartiendo una lección magis- Del director de la cinta, Yaron Zilberman, poco
tral que da sentido a nuestra historia. En su papel, podemos decir. De origen judío, tiene como ante-
interpreta a un anciano violonchelista del afamado cedentes únicamente un documental. Esta es su
cuarteto de cuerda La Fuga, que, fuera de tempora- opera prima en una película con actores. Zilberman
da, también es profesor de conservatorio. La lección demuestra oficio y respeto por lo que cuenta. Es un
El último concierto de ese día versa sobre el Cuarteto de Cuerda nº 14 apasionado melómano, profundo conocedor de los
Dinamarca. 2012 en Do sostenido menor Opus 131 de Ludwig van mejores cuartetos de música clásica. Para esta pelí-
Director: YARON ZIBELMAN Beethoven. Dicha pieza consta de siete movimien- cula se inspiró en algunos de ellos: Guarneri, Emer-
Guion: SETH GROSSMAN, YARON ZILBERMAN tos, algo inusual en Beethoven. A esta particulari- son e Italian.. Con estos tres ejemplos, Zilberman
Fotografía: FREDERICK ELMES dad se añade la exigencia del genio alemán de que dio forma a su cuarteto. En una entrevista reciente,
Música: LUDWIG VAN BEETHOVEN, ANGELO fuese interpretada attacca, sin pausas. El hecho de manifestó: “Creo que es una metáfora perfecta de las
BADALAMENTI, relaciones estables, que inevitablemente tienen dificul-
tocar sin interrupción alguna, impide dar descanso
Montaje: YUVAL SHAR
Productores: RKO PICTURES / CONCEPT a los artistas y provoca que los instrumentos se va- tades y exigen un ajuste constante y una afinación muy
ENTERTAINMENT / UNISON FILMS yan desafinando, cada uno a su manera. Esto supo- cuidadosa, debido a las mil formas en que las personas
Intérpretes: PHILIP SEYMOUR HOFFMAN, CATHERINE ne una exigencia al cuarteto, todos deben estar al cambian y evolucionan a lo largo de su vida”.
KEENER, CHRISTOPHER WALKEN, MARK IVANIR, servicio de todos. Deben adaptarse a esta dificultad El rodaje duró poco, veintisiete días, pero la
IMOGEN POOTS, WALLACE SHAWN, MADHUR JAFFREY, añadida y reajustarse a cada momento; la mejor preparación del film supuso una delicada labor de
LIRAZ CHARHI, MEGAN MCQUILLAN, MARTY adiestramiento para que los actores adquiriesen
forma es arropando a sus otros compañeros, en co-
KRZYWONOS
Banda Sonora: DECCA RECORDS munión con el resto. El Opus 131 es el contrapunto maneras de virtuosos. A los actores se les asigna-
Duración: 105 minutos. musical a las relaciones humanas existentes. A esta ban frases musicales en vez de la partitura entera.
Idioma: INGLÉS comunión sólo se puede llegar después de años de Cada actor tenía dos profesores que controlaban
Internet: www.alatequartet.com convivencia y ensayos. Si lo consiguen, el Opus 131 obsesivamente cada movimiento, postura o gesto
será la mejor y más bella composición crepuscular y les enseñaban las distintas frases musicales que
que Beethoven ha realizado. Aquella que hizo emo- correspondían a cada uno. Dado que era imposible
cionar a T.S. Elliot. La misma que Schubert quiso es- enseñarles la composición entera, cada uno de ellos
cuchar en su lecho de muerte. aprendió unas treinta frases para que los primeros
Pocas semanas antes de comenzar el cuarteto su planos no los delatasen. Se puede decir que en cada
gira mundial, Peter (C. Walken) descubre que pade- escena en la que aparecen tocando, son sus ma-
ce principio de Parkinson. La noticia empieza a dar nos realmente las que percibe el espectador. Sólo
pie a distintas especulaciones: ¿Podrá afrontar, con hay una excepción, los primerísimos planos de las
proyección ayuda de medicación, la gira? ¿Encontrarán alguien manos en los que Christopher Walken interpreta
17.12.2014 adecuado que le supla? ¿La ausencia de Peter rom- con el chelo. En la película no hay ningún gesto o
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tic que haya sido pasado por alto por los músicos
encargados de mantener este racord de verosimili- BSO
tud. Hay detalles deliciosos como la forma de llevar
los instrumentos, de sostener el arco o de guardar
cuidadosamente el violín en su estuche antes de EL ÚLTIMO CONCIERTO
empezar una pelea. (A late quartet)
Los actores responden con creces a las exigen- Música Original
cias del director. Hemos visto a Christopher Walken Compuesta por ANGELO
BADALAMENTI
hacer tantas veces papeles a medio camino entre el Dirigida por JOSEPH
sufrimiento y la turbiedad psicótica que se agradece LoDUCA & JEFF GRACE
CD: Decca Records,
verlo interpretar a una buena persona, transmitien- B0017685-02 (USA)
do con sus palabras la pasión por la belleza. (Duración: 76’59’’)
De Philip Seymour Hoffmann lo único que se
puede decir es que no consigue sorprendernos: No es fácil para un compositor de bandas sonoras abordar un
trabajo en el que su música deba convivir con partituras de
siempre está excelente. Cada gesto, cada pequeña autores ya consagrados. En esta ocasión el neoyorquino de raí-
frase dicha por él adquiere una autenticidad y una ces italianas Angelo Badalamenti (1937) ha debido confrontar
fuerza que nos hace descubrir matices que expresa- su talento nada más y nada menos que con el de Ludwig van
Beethoven, cuyo decimocuarto cuarteto para cuerda —del que
dos por otros no percibiríamos. Su peso en la obra
aquí se ofrece una grabación de 2010 a cargo del prestigioso
no es mayor que el de los otros tres músicos pero Brentano String Quartet— cobra un protagonismo incuestiona-
su presencia sí. ble en El último concierto. Por fortuna este encuentro entre
Catherine Keener y Mark Ivanir son dos virtuosos Badalamenti y Beethoven no debe verse como un duelo del
que, obviamente, siempre saldría victorioso el genio alemán,
más que dignos dentro de este cuarteto de actores. sino como una sui géneris colaboración en la que, consciente
Catherine es una actriz de largo recorrido, imagen de que la estrella de la banda sonora es esta pieza fechada en
asidua en muchas producciones “indies” de un cier- 1826 (un año antes de la muerte de su autor), Badalamenti ha
decidido utilizar su propia partitura para matizar las emocio-
to nivel y secundaria excelente en algunas grandes nes, alegrías y (sobre todo) tristezas de los cuatro músicos que
películas. Fue nominada al Oscar en dos de ellas: se despiden, precisamente, con la interpretación de semejante
Cómo ser John Malkovich y Capote (compartien- obra maestra. A propósito del Cuarteto para cuerda nº 14 en
Do sostenido menor Op. 131 de Beethoven, Robert Schumann
do película con P.S. Hoffmann, por la que ganaría alabó su «grandeza, que no puede describirse con palabras y que
éste su único Oscar). Ivanir, de origen ucraniano, me transporta hasta los confines de la imaginación humana»,
lleva tanto tiempo trabajando en Estados Unidos Richard Wagner describió su primer movimiento como «la
plasmación del sentimiento más melancólico que pueda llegar
que se ha convertido en el perfecto villano eslavo a expresarse a través de la música», y Franz Schubert concluyó
o islámico que toda serie de televisión necesita. No «Después de esto, ¿qué nos queda por componer a los demás?».
obstante, tiene como referente curricular haber La labor del compositor italoamericano no por discreta
resulta menos valiosa, y plantea una idea en verdad sugeren-
trabajado en películas como La lista de Schindler, El te: si los cuatro protagonistas se proyectan hacia el exterior a
buen pastor o Tintín. Zilberman afirma que desde el través de sus instrumentos de cuerda —violines, viola y vio-
primer momento se entregó por completo a la tarea lonchelo—, expresarán su interior —las fortalezas y debilida-
des de su espíritu— mediante el uso de un quinteto de viento
de aprender a tocar el violín. Su papel exigía dar la
liderado por clarinete, oboe y flauta. Una moderada sección
imagen de un misántropo volcado únicamente en el de cuerda y la ocasional participación de guitarra, arpa y xiló-
perfeccionismo musical. fono completan la paleta de esta breve pero emocionalmente
Lo demás es música. El cuarteto Brentano nos intensa partitura. Para quienes aún no hayan ubicado la figura
de Badalamenti en la reciente historia del cine, es fundamental
brinda su última grabación del Opus 131, intervi- recordar que a él se deben buena parte de las bandas sonoras
niendo con un pequeño papel su violonchelista, que enriquecieron —y enrarecieron— la filmografía de David
Nina Lee. Angelo Badalamenti consigue armonizar Lynch, desde la ya lejana Terciopelo azul (Blue velvet, 1986)
hasta su último largometraje conjunto, Mulholland Drive
esta historia sin quitarle protagonismo al auténtico (Mulholland Dr., 2001), sin olvidar extravagancias como ese
protagonista: Beethoven. Pero de esto ya tendrán proyecto para internautas titulado Rabbits (2002) o la mítica
ocasión de hablar mis compañeros en sus comenta- serie de televisión Twin Peaks (Twin Peaks, 1989-90). Además
de sus líricas pero perturbadoras composiciones para Lynch,
rios de las bandas sonoras. Badalamenti ha creado también obras mucho más luminosas,
Respecto a ti, Philip, que la tierra te sea leve. O FILMOGRAFÍA como la comedia Un toque de infidelidad (Cousins, 1988/ Joel
también, si me permites utilizar aquel viejo brindis Schumacher) o el drama El placer de los extraños (The comfort
Yaron Zilberman of strangers, 1990/ Paul Schrader), habiéndose atrevido en fe-
irlandés que sirvió de título a una extraordinaria pe- cha reciente con el género épico en la superproducción rusa
Director
lícula protagonizada por ti: “Ojalá pases media hora en Watermarks (2004) Documental Stalingrad (2013/ Fedor Bondarchuk). (AGR)
el cielo…antes que el diablo sepa que has muerto”. (JMA) El último concierto (A late quartet, 2012)
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Hermanas de sangre mma Arterton) y Eleanor (Saoirse Ronan), madre e
hija convertidas en vampiras durante las Guerras
Conviene recordar, cuando se cita al irlandés Neil Napoleónicas, cuando la primera contaba veinte
Jordan (1950), que una parte importante de su fil- años de edad y la segunda dieciséis —motivo por
mografía se ha desarrollado entre las coordenadas el que, para no levantar sospechas, dicen ser her-
del cine fantástico. Invocado su prestigio frecuen- manas—. Con un indudable atractivo carnal la ma-
temente gracias a títulos de qualité como Michael yor, melancólica y de aspecto enfermizo su retoña,
Collins, Juego de lágrimas o El fin del romance, ambas deben buscar víctimas para saciar su sed de
sucede que, tanto una parte de la crítica, como el sangre; aunque lo hacen de maneras muy distintas.
público que acude a ver sus películas, suelen refe- Clara se mueve por los bajos fondos eliminando
rirse a él como un intelectual de sólida formación brutalmente a todo tipo de indeseables a los que
literaria, que ubica los dramas personales de sus ofrece sus servicios sexuales, mientras que Eleanor
personajes entre grandes temas, comprometidos, se presenta como una suerte de ángel que libera a
agitadores de conciencias, incisivos en su retrato sus víctimas de la pesada carga que suponen la so-
de la moral y la ética sociales… No seré yo quien ledad y la vejez. Perseguidas por una antiquísima
diga lo contrario. Sin embargo, me he dado cuenta sociedad de vampiros a quienes robaron el secreto
de que últimamente parece haberse olvidado un de la vida eterna, las dos mujeres se refugian en el
título suyo, a mi parecer fundamental dentro de la Byzantium, un hotel a medio clausurar, a cuyo apo-
historia reciente del cine fantástico, En compañía cado propietario, Noel (Daniel Mays), convence
de lobos, segundo y magnífico largometraje del Clara para transformarlo en prostíbulo. La apari-
cineasta, definido certeramente por Carlos Aguilar ción de Frank (Caleb Landry Jones), un muchacho
en las páginas de Quatermass como «una fábula su- enfermo a quien no parece quedar mucho tiempo
tilmente transgresora y elegantemente anti-represiva de vida, remueve algo en el corazón de Eleanor, de-
sobre el tránsito de Adolescente a Mujer, articulada cidida a buscar su propio camino, aunque para ello
en clave de parábola sobre el entorno mágico-mítico deba enfrentarse a su madre, a riesgo de que ambas
Byzantium que tradicionalmente ha rodeado a la figura del lobo, pierdan la inmortalidad.
dentro de una recreación estilizada del espíritu de los No es de extrañar que Neil Jordan avisara de que
Reino Unido - EEUU - Irlanda, 2012 cuentos infantiles». Y bien mirado, una definición el elemento vampírico era lo que menos le intere-
Demarest Films / Lipsync Productions / Number 9 Films / paralela a ésta podría servir también para describir saba de la propuesta. A cualquiera que haya leído
Parallel Film Productions / WestEnd Films la breve sinopsis del párrafo anterior, le han podido
Byzantium, última parada de Jordan en los siempre
Título Original: BYZANTIUM
estimulantes dominios del fantastique. entrar sudores fríos ante la eventualidad de en-
Dirección: NEIL JORDAN
Guión: MOIRA BUFFINI A partir de su propia obra teatral de 2008, A vam- contrarse frente a una película hermana de la saga
Fotografía: SEAN BOBBITT pire story, la dramaturga británica de ascendencia Crepúsculo. Nada más lejos de la realidad. Aunque
Música: JAVIER NAVARRETE celta Moira Buffini (1965) transformó el texto ori- en un principio, dado su espíritu folletinesco, pueda
Montaje: TONY LAWSON ginal en un guión cinematográfico que, por azares parecerlo, no encontraremos en el film de Jordan
Diseño de producción: SIMON ELLIOTT la cursilería de aquellos títulos poblados por pijo-
del destino, le fue ofrecido a Neil Jordan, en aquellos
Diseño de vestuario: CONSOLATA BOYLE vampiros y adolescentes fatuamente lánguidos. La
Productores: SAM ENGLEBARDT, WILLIAM D. momentos inmerso en la coordinación, escritura y
dirección de Los Borgia, serie de TV que ha supues- sordidez poética desplegada por Jordan se apoya,
JOHNSON, ELIZABETH KARLSEN, ALAN MOLONEY,
STEPHEN WOOLEY to su más reciente éxito crítico-comercial. Intere- especialmente, en sus intérpretes —resulta digna
Intérpretes: SAOIRSE RONAN, GEMMA ARTERTON, sado de manera inmediata por el material, Jordan de admiración la composición elaborada por Ge-
SAM RILEY, CALEB LANDRY JONES, DANIEL MAYS, identificó elementos que le recordaban a algunas de mma Arterton, capaz de matizar la arrolladora car-
JONNY LEE MILLER, URI GAVRIEL, THURE LINDHARDT, sus películas anteriores, y además vio la oportuni- nalidad de su personaje con un permanente y casi
TOM HOLLANDER, MARIA DOYLE KENNEDY, CAROLINE dad de rodar nuevamente en su tierra natal tras la enfermizo instinto maternal—, pero también en la
JOHNS, GLENN DOHERTY, CHRISTINE MARZANO, innata habilidad del realizador para conjurar aque-
mágica y muy reivindicable Ondine: La leyenda del
BARRY CASSIN
mar. En palabras de Jordan: «La historia me llamaba lla cualidad onírica que embellecía En compañía
Duración: 118 minutos
Idioma: Inglés (VOSE) muchísimo la atención. Tenía lugar en un pueblo casi de lobos, y en una construcción narrativa a base de
Banda Sonora (CD): Silva Screen Records, SILCD1432 abandonado de la costa. Era sobre la relación entre una flash-backs —al modo clásico de un cuento dentro
madre y una hija, una prostituta y una aprendiz, y, por de otro—, que acaba emparentándola con toda una
encima de todo, había un buen desarrollo de la historia tradición de literatura fantástica. En este empeño,
y de los personajes. Con vampiros, cierto, pero era el Jordan se sirve, además, y como es habitual en su
elemento que menos me interesaba. Es bastante difícil cine, de una estética cuidada hasta en sus más mi-
proyección destacar con una película de vampiros hoy en día». El núsculos detalles, lo que dota al conjunto de una
28.01.2015 film resultante nos narra la peripecia de Clara (Ge- coherencia estilística —visual y narrativa— muy
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PALMARÉS BSO
3 Premios del CINE Y LA TV IRLANDESES (Irlanda):
Director, Actriz (Ronan), Maquillaje / Nominación a Mejor
Película
BYZANTIUM
(Byzantium)
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El demonio se enamora pocos metros, sólo es alterado por los viajes que
realiza a su refugio de la sierra, después de un día de
Carlos es un hombre afortunado. Disfruta de una po- cacería. La película da comienzo con un excelente
sición económica desahogada. Le encanta su trabajo plano secuencia, que el espectador descubrirá que
y se le nota, es el mejor sastre de la ciudad de Gra- también es plano subjetivo. En los primeros diez
nada. Si hay alguna pega que ponerle es que es un minutos el director pone las cartas sobre la mesa.
psicópata depredador, un monstruoso asesino que Nos muestra, sin engaños ni maquillajes, que clase
se come a las mujeres que mata. Pero, como diría de persona es nuestro protagonista.
el bueno de Osgood Fielding III a la peculiar Dafne: La película nace de la pregunta de Martín Cuen-
“Nadie es perfecto”. Carlos no tenía dudas ni remor- ca: ¿Qué pasaría si el demonio se enamorara? Si la
dimientos, vivía en su perfecto universo de maldad, corporización del mal, la total ausencia de empatía
hasta que apareció Nina. Desde ese momento, esa hacia todo lo que le rodea, experimentase algo pa-
existencia huérfana de sentimientos, ese equilibrio, recido al amor. Hasta entonces, Carlos, amaba lo
se empezó a romper. Comenzó a notar pequeñas y que se comía. Su relación con las mujeres nacía de
desagradables punzadas de emotividad, inaprecia- poner en práctica la forma más radical de posesión
bles para los que le rodeaban, pero que, para él, eran amatoria que se conoce: la antropofagia. El exquisi-
sensaciones totalmente desconocidas. to cuidado con el que desnudaba a sus víctimas, las
El cine de psicópatas se ha convertido en un acariciaba el vientre y hasta se aproximaba, delica-
asiduo de las pantallas en las últimas décadas. No damente, para oler su cuerpo, despliega una carga
hay director afamado que no incluya en su currículo de erotismo y de deseo que alejan nuestra historia
alguna cinta con presencia de serial killer. Las hay de una convencional cinta de sangre y violencia.
gores y de terror, otras nos los muestran como cere- Carlos las ama, por eso se las come.
bros superdotados que juegan con la incompeten- Aunque toma como referencia la novela de Hum-
cia policial, prácticamente no hay género o subgé- berto Arenal, la película es una recreación muy libre
nero al que este siniestro invitado no haya acudido. del texto. Martín Cuenca deja su particular huella.
Por eso, se agradece que aparezcan películas que
Canibal asuman riesgos, y que nos muestren al asesino sin
Las connotaciones religiosas están más presentes,
el peso de lo espiritual lo envuelve todo, pero de
Dinamarca. 2013 intermediarios, desde su propio punto de vista. Ca- una forma contenida, sin recurrir a clichés o expli-
Director: MANUEL MARTÍN CUENCA níbal no es, ni mucho menos, la única que lo hace. caciones innecesarias. Esta religiosidad se mani-
Guion: MANUEL MARTÍN CUENCA, ALEJANDRO Sin recurrir a la Wikipedia se me ocurren ejemplos fiesta en el entorno escogido, Granada. La ciudad
HERNÁNDEZ como American psycho o Henry, retrato de un asesi- no aparece retratada como un publirreportaje para
Fotografía: PAU ESTEVE BIRBA no. Seguramente hay alguna más. turistas, pero hay un aura mística en su narración,
Director Artístico: ISABEL VIÑUALES Manuel Martín Cuenca ha planificado su película en las fugaces apariciones de los pasos procesiona-
Sonido: EVA VALIÑO, huyendo de la tentación fácil del juego de detecti- les. La composición de los planos colabora excelen-
Montaje: ANGEL HERNANDEZ ZOIDO
ves, sin hemoglobina ni sobreactuaciones. Todo en temente para jugar con estos paralelismos. La pro-
Productores: MANUEL MARTÍN CUENCA, FERNANDO
BOVAIRA, SIMÓN DE SANTIAGO, ALEJANDRO
el rodaje es pausado, donde los silencios prevalecen pia imagen del protagonista sosteniendo el cuerpo
HERNÁNDEZ sobre el diálogo. Esta pausa se manifiesta también desnudo de la víctima (imagen que da pie al cartel
Intérpretes: ANTONIO DE LA TORRE, OLIMPIA en la utilización de planos largos y planos secuen- anunciador de la película) bebe de toda la iconogra-
MELINTE, MARÍA ALFONSA ROSSO, MANOLO SOLO, cias, huyendo de un montaje dinámico que ponga fía conocida de la piedad cristiana, tan popular en la
DELPHINE TEMPELS, JOAQUÍN NÚÑEZ, YOLANDA en peligro la atmósfera que ha conseguido crear. La escultura religiosa andaluza. La mesa de matadero,
SERRANO, GREGORY BROSSARD dirección artística no es ajena a este mérito, logra donde reposa este cuerpo, nos recuerda al altar o
Duración: 116 minutos. recrear un entorno atemporal que rodea esta histo- ara de sacrificio. En relación con esto, hay un mo-
Idioma: ESPAÑOL ria. Muebles, electrodomésticos, teléfonos… pare- mento en el que el paralelismo roza la obviedad, sin
Internet: www.alatequartet.com
cen sacados de la década de los ochenta. La acción caer exageradamente en ella. La acción transcurre
transcurre en nuestros días, pero da la impresión en la iglesia, durante la misa. A nuestro protagonis-
de que el tiempo se hubiese parado alrededor del ta se le puede ver arrodillado durante la consagra-
mundo que rodea a Carlos. Es posible que una de ción. Para los católicos que crean en el dogma de
las razones que motiven un decorado mortecino y la transustanciación, es el momento en el que se
decadente sea remarcar el ambiente opresivo del transforma el pan en carne de Jesucristo y el vino
mundo de provincias, pero, por otra parte, de este en su sangre. Martin Cuenca no pretende la provo-
mundo no conocemos nada más que la distancia cación ni la travesura irreverente. El director, como
que separa su casa de la sastrería, donde trabaja. todos nosotros, ha sido educado en un contexto ca-
proyección Carlos, circunscribe su vida entre su local de tra- tólico que filtra nuestra percepción de la realidad y
04.02.2015 bajo y su domicilio. Su pequeño mundo, de apenas la reinterpreta, aunque no nos demos cuenta.
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PALMARÉS
Premios Goya (2013 ). Mejor fotografía. 8 Nominaciones,
incluyendo Mejor película
Festival de San Sebastián (2013 ). Mejor fotografía
Todo en la película es de una sobriedad digna Mención especial merece Olimpia Melinte, la ac-
de valorar. Economía en los diálogos, en el montaje triz rumana que asume el reto de interpretar el pa-
y en la propia historia. Menos es más. La simplici- pel de dos hermanas: Alexandra y Nina. La primera
dad de montaje, ayudada por un gran trabajo en es bella y desinhibida, la segunda, inocente y dulce.
la dirección de fotografía, le permite recrearse en Son dos mitades de una relación perfecta. Olimpia
algunos planos particularmente interesantes; en sabe diferenciarlas perfectamente y transmitir vida
especial, las tomas realizadas a través de ventanas independiente a cada una. A esto le ayuda también
o marcos de puertas, donde se ve a los protagonis- el ejercicio de camaleonismo llevado a cabo, engor-
tas con un decorado natural a sus espaldas, como dando siete kilos en poco tiempo para interpretar a
si de una composición pictórica se tratara. Este mi- Nina. Es más que probable que en esta tarea contase
nimalismo se percibe hasta en la banda sonora, o con la ayuda de Antonio de la Torre, con una expe-
más exactamente, en la ausencia de banda sonora. riencia acreditada a la hora de coger y perder peso.
La no presencia de música no margina el sonido, En conversaciones con Martín Cuenca, plantea
al contrario. La ingeniera de sonido desarrolla una que la historia de nuestro terrible protagonista es
labor fundamental, dando corporeidad o presencia una historia de amor, pero también de perdón. El
a los diferentes ruidos o sonidos del entorno. Esa amor puede cambiar nuestro presente y nuestro
“nebulosa acústica” que acompaña a nuestro sastre, futuro, pero no puede cambiar el pasado. Lo que
cuando oye la radio o escucha las campanas de la hemos hecho, ahí queda, y nos condicionará el
iglesia, potencia la sensación de claustrofobia que resto de nuestra vida. Pero la espiritualidad cris-
provoca la ciudad de Granada. tiana aporta algo nuevo: el perdón. Éste es el único
La interpretación de Antonio de la Torre es, como sentimiento que puede viajar al pasado para poder
FILMOGRAFÍA
siempre, extraordinaria. En este caso el reto para cambiar el futuro. Carlos no puede pedir perdón Manuel Mart
nuestro actor era hacer algo para lo que no estaba como lo haríamos el resto, el arrepentimiento, para Director
acostumbrado: no hablar nada. El hermetismo y la él, no es una opción. Ni siquiera lo es el perdonar El Juego de Cuba (2001) Documental
impasividad gestual, le da a nuestro protagonista la vida de alguien. La única posibilidad de modificar Cuatro puntos cardinales (2002) Documental
un perfil más perturbador e interesante a la vez. su pasado es contar lo que ha hecho, sin lágrimas, La flaqueza del bolchevique (2003)
Malas temporadas (2005)
El director le iba proporcionando información, que sin propósito de enmienda. Reconociendo que, al Últimos testigos (2009) Documental
sólo el actor conocía, para poder construir mejor la igual que el escorpión del cuento, es esclavo de su La mitad de Oscar (2010)
figura de nuestro sastre. carácter. (JMA) Canibal (2013)
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Los zapatos quieren ser sombreros la cabeza se ponen los sombreros. Yo soy un sombrero,
vosotros un zapato. El orden viene dado por la máqui-
Si no le gusta el cine de ciencia-ficción, si no le in- na sagrada, los que están en los vagones de cabeza y
teresa el comic, si no soporta las pelis violentas y los de cola. Aceptad vuestro sitio real, sed un zapato”.
si abomina de los videojuegos, Bong Joon-Ho no La película nos narra la travesía, a lo largo del
hizo esta película pensando en usted. No obstante, tren, de este ejército de harapientos revoluciona-
le recomendaría que depusiera su intransigencia ci- rios en busca de su libertad. Lucharán e irán cayen-
néfila, corre el riesgo de que, en el futuro, algún hijo do, y en cada vagón les esperará una prueba más
o amigo suyo diga de usted que es un triste. Piense dura que en el anterior. Con una estructura que re-
que la ciencia ficción, en ocasiones disfrazada de cuerda los niveles de un videojuego, nuestros prota-
relato fantástico, nos ha acompañado desde el ini- gonistas tendrán que demostrar que están dispues-
ció de los tiempos; Ulises recorrió los confines del tos a todo, con tal de seguir avanzando. Mientras, el
mediterráneo tres mil años antes de que el capitán Rompenieves sigue surcando la tierra congelada sin
Kirk explorase los últimos rincones de la galaxia en que nada le detenga. Pero no se equivoquen, esta
el Enterprise (Cómo, ¿no sabe quién es el capitán no es la enésima estúpida película nacida para co-
Kirk? Efectivamente, usted es un triste). mercializar un videojuego o para vender consolas;
No obstante, como no pierdo la esperanza de ga- el pesimismo y la desesperanza lo llenan todo, la re-
narle para la causa, allá va un breve resumen. volución social que nos plantea la historia encierra
En un futuro muy cercano, ante el aumento de la más nihilismo que voluntad de cambiar el estado de
contaminación y el calentamiento global, los cientí- las cosas.
ficos del planeta logran sintetizar un componente Bong Joon-Ho es uno de los directores coreanos
químico que, una vez soltado por la estratosfera, con más talento de la actualidad. En este cineclub
contribuirá a atajar el problema del calentamiento ya tuvimos ocasión de disfrutar de su thriller más
de la tierra. El CW7, que así se llama el compuesto, popular: “Crónica de un asesino en serie”. No obs-
consigue unos efectos tan radicales que desen- tante, su salto definitivo al género fantástico y de
Snowpiercer cadena una terrible glaciación. El calor de la tierra ciencia-ficción tuvo lugar con The Host. En Snowpier-
Corea del Sur - República Checa - EEUU - Francia, 2013 desciende hasta temperaturas incompatibles con cer, al igual que en The Host, el causante o desen-
SnowPiercer / Moho Film / Opus Pictures / Stillking Films la vida. Un ingeniero millonario, previendo esta ca- cadenante de la catástrofe es el hombre. El ser hu-
/ CJ Entertainment tástrofe, diseña un enorme e interminable tren que mano actúa como un insensato niño que manipula
Título Original: SNOWPIERCER conecta con todas las vías férreas del planeta y se un juego de química sin conocer las consecuencias
Dirección: BONG JOON-HO convertirá en el último refugio para unos pocos mi- que se derivan de sus actos. La diferencia sustancial
Guión: BONG JOON-HO y KELLY MASTERSON que encontramos en Rompenieves está en ese pe-
les de habitantes. El tren se convierte en una doble
Fotografía: HONG KYUNG-PYO
Música: MARCO BELTRAMI metáfora; por un lado es un moderno Arca de Noé, simismo, del que he hablado antes. La carga de pro-
Montaje: STEVE M. CHOE y KIM CHANGJU conteniendo lo más representativo del planeta tie- fundidad de su historia radica en la imposibilidad de
Diseño de producción: ONDREJ NEKVASIL rra; por otro, es un reflejo, nada sutil, de las clases hacer buenas obras, ayudándose de la ciencia; en la
Diseño de vestuario: CATHERINE GEORGE sociales y la explotación del hombre por el hombre. búsqueda del bien, el hombre destruye todo lo que
Productores: LEE TAE-HUN, JEONG TAE-SUNG, STEVEN En los vagones de cabeza viajan los ricos y podero- le rodea.
NAM, PARK CHAN-WOOK Los antecedentes de la película hay que situarlos,
sos. En los vagones de cola, en penosas condiciones,
Intérpretes: CHRIS EVANS, SONG KAN-HO, ED HARRIS,
JOHN HURT, TILDA SWINTON, JAMIE BELL, OCTAVIA viajan los desheredados. como no, en un comic. Tiene una historia de más de
SPENCER, EWEN BREMNER, KO AH-SUNG, ALISON PILL, Uno de los parias, de nombre Curtis (Chris Evans) treinta años. Sus autores son los franceses, Jean-
LUKE PASQUALINO, VLAD IVANOV, ADNAN HASKOVIC, decide encabezar una nueva revuelta para hacerse Marc Rochette y Jacques Loeb, y la titularon: “Le
EMMA LEVIE, STEVE PARK, CLARK MIDDLETON, con el poder. Aconsejado por su mentor Gilliam Transpierceneige”. En España se publicó en los años
MARCANTHONEE JON REIS (John Hurt) y con su cuasi-hermano Edgar (Jamie ochenta en la legendaria revista Totem, con el título:
Duración: 126 minutos “El Transglacial”. Bong Joon-Ho trató de conservar
Bell) planean abrirse camino, vagón a vagón, has-
Idioma: Inglés, Coreano (VOSE)
Banda Sonora (CD): CJ E&M, CMDC 10153
ta la cabeza del tren; allí mora Wilford, el dueño, el tono apocalíptico de la narración y esa ambiva-
el demiurgo que controla el rumbo de la máquina lencia del tren que se convierte, a la vez, en refugio
y el destino de sus viajeros. Para ello, deberán en- salvador y cárcel. Con ayuda de Kelly Masterson
frentarse contra una implacable guardia pretoriana (autor del guión: “Antes de que el diablo sepa que
que trata de mantener el status actual. Dicho status has muerto”) reactualizó la historia, dándole nuevos
lo define perfectamente Mason, lugarteniente de enfoques e intentando que el peso del cómic no
proyección Wilford (una genial y delirantemente malvada, Tilda derrumbase la estructura fílmica. No obstante, es
11.02.2015 Swinton): “¿Os pondríais un zapato en la cabeza? En innegable el tributo que paga a la novela gráfica; el
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diseño de muchos de los personajes nos hará recor-
dar su originaria procedencia. PALMARÉS BSO
La película transcurre en un tren cerrado hermé- 5 Premios del CINE ASIÁTICO (China): Película, Director,
ticamente, por lo tanto, era importante transmitir Guión, Diseño de Producción, Diseño de Vestuario
al espectador el agobio claustrofóbico y la penum-
bra (en algunos casos, absoluta oscuridad) de sus
moradores. Esta sensación se potencia en los pe- ROMPENIEVES
queños momentos en los que se nos permite ver, (Snowpiercer)
desde el tren, el desolador y deslumbrante exterior. Música Copuesta por
Para conseguir todo esto, era fundamental la mano MARCO BELTRAMI
CD: CJ E&M, CMDC 10153
maestra de un buen director de fotografía como es (Corea del Sur)
Hong Kyung-Pyo, colaborador en anteriores pelí- (Duración: 56’06’’)
culas. Si en la mano derecha de Joon-Ho estaba la
fotografía, su mano izquierda fue la del director Uno de los compositores más hiperactivos del Hollywood ac-
tual, el neoyorquino de ascendencia italiana Marco Beltrami
artístico checo, Ondrej Nekvasil; en cada vagón,
(1966) ya fue objeto de atención en este cine club durante el
y con la limitación de una anchura inferior a tres curso 2009-2010, con motivo de la proyección de El tren de las
metros, desarrolla una escenografía fantástica, oní- 3:10 (3:10 to Yuma, 2007/ James Mangold). En aquella ocasión
rica o aterradora. Para tal fin se construyeron más repasamos en profundidad la vida y la carrera de quien aún era
un músico encasillado en el género fantástico y de terror —re-
de cuatro vagones, de dimensiones estándar, por cordemos que su primer gran éxito fue el film de Wes Craven
donde transcurren la vida, y la muerte, de nuestros Scream (Vigila quien llama) (Scream, 1996)—. Sin embargo,
atribulados pobladores. Con relación a esto, Bong desde que fuera nominado al Oscar por la cinta de Mangold
—repitiendo nominación al año siguiente con En tierra hostil
Joon-Ho evitó confundir al espectador, introducien- (The hurt locker, 2008/ Kathryn Bigelow)—, su talento se ha
do alteraciones en la narración que produjesen un extendido también en direcciones diametralmente opuestas
salto de eje. La pretensión era clara: el tren siempre al fantastique: En el centro de la tormenta (In the electric mist,
debe circular de izquierda a derecha. 2009/ Bertrand Tavernier), Soul surfer (Soul surfer, 2011/ Sean
McNamara), Las sesiones (The sessions, 2012/ Ben Lewin),
Con esta película, Bong Joon-Ho da el primer sal- Golpe de efecto (Trouble with the curve, 2012/ Robert Lorenz)
to internacional en su cine. Es una coproducción de o el prometedor western, aún pendiente de estreno, The ho-
cuatro países, rodada casi exclusivamente en inglés. mesman (2014/ Tommy Lee Jones). No obstante, un fructífero
2013 con títulos como Memorias de un zombie adolescente
La, casi única, nota local la constituye la presencia (Warm bodies/ Jonathan Levine), Guerra mundial Z (World
de su actor fetiche, Song Kang-Ho. He mencionado war Z/ Marc Forster), Lobezno inmortal (The wolverine/ J.
algunos actores, de sobra conocidos por el especta- Mangold), Carrie (Carrie/ Kimberly Peirce) y el título que nos
ocupa, sigue demostrando su afinidad con el género.
dor habitual, y les dejo que vayan descubriendo al Dependiendo del presupuesto, Beltrami puede componer
resto del elenco. Entre ellos, destaca una reciente
ganadora de Oscar (Octavia Spencer) y un exce-
FILMOGRAFÍA para una orquesta sinfónica completa, ajustarse a las dimen-
siones de una agrupación de cámara o dar todo el protagonis-
BONG JOON-HO mo a los sintetizadores, aunque en sus trabajos más conocidos
lente actor que da vida al enigmático Wilford. De
Director y Guionista suele optar por una hábil fusión de todos estos lenguajes. La
éste, no les diré su nombre, pero cuando le vean en banda sonora de Snowpiercer se beneficia, precisamente,
pantalla tendrán la sensación de experimentar un Peureimsogui gieokdeul (1994) Cortometraje de esa diversidad, creando una música poderosa, vibrante
déjà vu; como si hubiese interpretado el mismo pa- Ji-ri-myeol-lyeol (1994) Cortometraje y llena de energía para representar el tren, junto a temas de
Baeksekin (1994) Cortometraje tipología más intimista, centrados en el grupo humano que
pel, hace tiempo, en una famosa película de finales habita los vagones. El añadido de efectos onomatopéyicos
Motel Seoninjang (1997) Sólo guión, con Park Ki-Yong / Dir.: P. Ki-Yong
de los noventa. En cualquier caso, si quieren hacer Yuryeong (1999) Sólo giuón, con Jang Joon-hwan / Dir.: J. Joon-hwan que simulan emanaciones de vapor o el rítmico traqueteo de
trampas, no tienen más que leer detalladamente la Flandersui gae (2000) Coescrito con Song Ji-ho y Derek Son Tae- la máquina, así como instrumentos ligeramente desafinados
woong para retratar el quebradizo estado emocional y mental de los
ficha técnica de la película para saber a quién me Crónica de un asesino en serie (Salinui chueok, 2003) Coescrito con pasajeros, matizan una notable partitura capaz de equilibrar
refiero. Ustedes son muy listos. Kim Kwang-rim y Shim Sung-bo el sonido característico de los blockbusters de acción, frente a
Señores pasajeros: el tren procedente del apoca- Influenza (2004) Cortometraje un conjunto de audacias estético-expresivas impredecibles.
Namgeuk-ilgi (2005) Sólo guión, con Lee Hae-jun y Yim Pil-sung / Hay además un meritorio intento por desarrollar melodías,
lipsis y con destino al invierno de los tiempos, va a Dir.: Y. Pil-sung algo muy de agradecer en estos tiempos de diseño sonoro y
efectuar su salida por vía 1, andén primero. Durante The host (Gwoemul, 2006) Coescrito con Ha Won-jun y Baek Chul- caos orquestal, y que permite, por ejemplo, que la revolución a
el trayecto, disfrutarán de toda las comodidades hyun bordo del tren goce de un tema furioso y épico perfectamente
Tokyo! (2008) Largometraje colectivo codirigido con Leos Carax y
que aporta una cuidadísima dieta de subsistencia, reconocible, así como que la joven Yona tenga adjudicado un
Michel Gondry
misterioso vals como leitmotiv. Por cierto, aquellos miembros
escasez de agua y escorbuto. En nombre de Sno- Mother* (Madeo, 2009) Coescrito con Park Eun-kyo
del público aficionados a permanecer sentados y escuchar la
piercer, les deseamos buen viaje y agradecemos la Snowpiercer (Rompenieves) (Snowpiercer, 2013) Coescrito con Kelly
Masterson música durante los créditos finales, serán recompensados con
confianza depositada en nosotros, al elegir nuestra las versiones completas de ambos temas. (AGR)
compañía. (JMA) * Título del estreno en DVD
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Después del hundimiento y controles. Se cobijan donde pueden, consiguen
comida con lo poco de valor que les queda (un
En la copiosa filmografía sobre el Nazismo y la Se- brazalete, el anillo de bodas de la madre), y van
gunda Guerra Mundial, no abundan las películas avanzando de manera penosa y agotadora. Varias
centradas en las consecuencias del conflicto para veces, se cruzan con un joven (Kai Malina). Cuando
los propios alemanes, en la Alemania arrasada unos soldados americanos les paran en la carre-
después de la derrota de Hitler. La culpabilidad de tera, el joven se acerca y dice que es su hermano.
los alemanes, por haber colaborado, participado, Muestra a los soldados sus papeles, con el nombre
apoyado, o al menos permitido, los crímenes nazis, de Thomas Weil y su identificación como judío, y así
no siempre ha dejado ver que muchos alemanes co- pueden seguir su camino. Thomas, Lore y los niños
rrientes también fueron víctimas de la guerra y de la forman una alianza de conveniencia. Thomas les
posguerra... Pero sí encontramos algunos ejemplos, protege con sus papeles, y él puede utilizar la pie-
desde Alemania año cero (Germania anno zero, dad que produce el bebé para conseguir comida.
1948) de Roberto Rossellini y Berlín Occidente (A Además, Thomas se siente claramente atraído por
Foreign Affair, 1948) de Billy Wilder, hasta Anon- Lore. Ella, que ha descubierto en el brazo de él un
yma: Una mujer en Berlín (Anonyma: Eine Frau in número tatuado, como superviviente de un campo
Berlin, 2008) de Max Fäberböck, y la impresionante de exterminio, mantiene las distancias al principio,
serie Hijos del Tercer Reich (Unsere Mütter, unsere porque le han enseñado a odiar y despreciar a los
Väter, 2003) dirigida por Philipp Kadelbach. “parásitos” judíos...
Alemania, 1945. Conmoción en la mansión cam- La película se basa en la parte central de la no-
pestre de la familia Dressler. El padre o “Vatti” vela The Dark Room (2001) de la escritora británica
(Hans-Jochen Wagner), un alto oficial nazi, ha vuel- Rachel Seiffert, finalista del Premio Booker (editada
to precipitadamente a casa tras una larga ausencia. en España por RBA con el título de El cuarto oscuro).
A toda prisa, él y la madre o “Mutti” (Ursina Lardi), El libro se compone de tres relatos. En el primero,
recogen lo poco que pueden llevarse, queman to- Helmut, un joven fotógrafo interesado en los trenes
Lore dos los documentos referidos a su trabajo en las SS presencia y fotografía la deportación de los gitanos,
(leemos en una carpeta un título sobre las atroces sin ser consciente de lo que ha visto, mientras sue-
Australia-Reino Unido-Alemania, 2012 leyes de eugenesia), matan al perro de la familia, y ña con unirse a la Wehrmacht. El segundo es Lore.
Rohfilm / Porchlight Films / Edge City Films ponen en movimiento a sus cinco hijos, la adoles- Y en el tercero, Micha, un joven profesor descubre,
Título Original: LORE en 1997, que su abuelo era miembro de las Waffen-
cente Hannelore (Saskia Rosendhahl), su hermana
Directora: CATE SHORTLAND
menor Liesel (Nele Trebs), de diez años, los melli- SS. Obsesionado con el tema, intenta reconciliar la
Guión: CATE SHORTLAND y ROBIN MUKHERJEE
Sobre la Novela de RACHEL SEIFFERT “El cuarto oscuro” zos Jurgen (Miki Siedel) y Gunther (Andre Frid), de imagen que conserva del abuelo amoroso y la del
Fotografía: ADAM ARKAPAW unos ocho, y el bebé Peter. En la parte trasera de un ejecutor del Holocausto, cuyos crímenes investiga
Música: MAX RICHTER camión, la familia viaja hasta una granja de la Selva en Polonia... La novela impresionó a la directora
Montaje: VERONIKA JENET ASE Negra, donde se esconden. Al poco, el padre se mar- australiana Cate Shortland, especialmente la par-
Diseño de Producción: SILKE FISCHER cha (no sabemos si para entregarse, volver al frente te referida a Lore: “Rachel escribe en fragmentos, en
Productores: KARSTEN STOTER, LIZ WATTS, PAUL austeras observaciones sin comentarios. Era aterrador
o huir). La madre intenta conseguir alimentos de los
WELSH y BENNY DRESCHEL
granjeros, pagando con los objetos de valor que aún pensar en adaptar su novela al cine, ya que no llegaba
Productores Ejecutivos: MARGARET MATHESON,
VINCENT SHEEHAN y ANITA SHEEHAN conservan, siempre con el temor de que vengan a a ningún tipo de conclusión, pero me llamaba la aten-
Intérpretes: SASKIA ROSENDAHL, KAI MALINA, NELE detenerla. Cuando llegan las noticias de la muerte ción desde el punto de vista de los niños”. La historia
TREBS, URSINA LARDI, HANS-JOCHEN WAGNER, de Hitler, la madre se derrumba y dice que va a en- le tocaba de cerca, porque la familia de su marido,
MIKA SEIDEL, ANDRÉ FRID, EVA-MARIA HAGEN, NICK tregarse a los americanos para que la internen en judíos alemanes, había escapado de Berlín en 1936
HOLASCHKE, STEVEN PIPPIG, PHLIP WIEGRATZ un campo de prisioneros (habla de reunirse con su (las fotografías que lleva Thomas en su cartera son
Duración: 109 minutos de esa familia). Y Shortland se hizo la gran pregun-
marido, por lo que suponemos que éste se ha entre-
Idioma: Alemán (VOSE)
gado también o ha sido capturado). “Mutti” ordena ta: “¿Que hubiera hecho si me hubiese encontrado en
Banda Sonora (sólo descarga digital): iTunes
Internet: www.karmafilms.es/ficha_cine.php?ID=166 a Lore que se haga cargo de sus hermanos y que mitad del genocidio y el horror?”
viajen hasta la casa de su abuela, en una zona rural La directora, que no hablaba alemán, elaboró el
cerca de Hamburgo, a 900 kilómetros de distancia. guión con la ayuda de Franz Rodenkirchen, un guio-
Pero los trenes ya no funcionan, así que tienen que nista germano, curiosamente especializado en cine
empezar su camino a pie. de terror (Nekromantik, Schramm), pero también
Lore y sus hermanos atraviesan un país hostil, asesor de guión en La bicicleta verde. Ambos tra-
proyección devastado y dividido, ocupado por americanos, bajaron sobre un guión previo del británico Robin
18.02.2015 ingleses y rusos, que han instalado sus fronteras Mukherjee, y además investigaron y se entrevista-
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PALMARÉS
SEMINCI de Valladolid: Premio Pilar Miró (Mejor
Dirección Novel)
ron con personas que habían vivido aquella época... fracturada, con primeros planos muy cercanos. La
Lore y su familia han ocupado una posición privile- fotografía de Adam Arkapaw (Animal Kingdom,
giada durante el nazismo, por ser su padre un oficial True Detective) capta la desolación del entorno (ro-
de las SS. Mientras ellos jugaban en su gran casa, y daron en casas y fábricas abandonadas) y también
tenían bonitas ropas, miles de niños y millones de la frágil belleza que se abre camino entre el horror.
personas estaban siendo asesinados en Europa. Su Lore incide en la persistencia de las ideas nazis
querido papá (“Vatti”) es un criminal... Shortland in- en lo profundo de las buenas gentes: la bondadosa
dica: “Mi intención era entender cómo influye esto en anciana que tiene enmarcada una foto de Hitler y
la mente de un niño, cómo una persona crece sabiendo hace que los niños le canten un himno nazi; los pa-
que aquellos cercanos a él han cometido crímenes ini- sajeros del tren que prefieren creer que las fotos del
maginables y que el genocidio tuvo lugar en medio de Holocausto son trucajes de los americanos... Otro
su vida cotidiana”. Al principio del film, Lore es una tema central es cómo la nueva generación inocente FILMOGRAFÍA
creyente en el nazismo. Ha sido educada así, y no se ve afectada por los actos de la generación an- CATE SHORTLAND
lo cuestiona. Cree en la victoria final y en la bondad terior. La película muestra las raíces familiares del Directora
infinita del Führer. A lo largo de su odisea, va des- totalitarismo: la estricta y autoritaria abuela, “Omi”
cubriendo una realidad muy distinta (las fotos del (Eva-Maria Hagen), que les dice a los niños que no Pentuphouse (1998) cortometraje
Flowergirl (1999) cortometraje
Holocausto, su cercanía con Thomas), y empieza a deben avergonzarse de sus padres, porque no hicie- Joy (2000) cortometraje
hacerse preguntas (aunque en un momento de ira, ron nada malo... Cuando Lore rompe la figurilla de Bad Cop, Bad Cop (2002-2003) serie TV (4 episodios)
su programación interna salga a relucir y llame “su- porcelana de su madre, está rompiendo, quizá, esa Vidas secretas (The Secret Life of Us, 2001-2003) serie TV (10 episodios)
Somersault (2004)
cio judío” a Thomas). Shortland narra su historia con cadena que le ataba a su madre y su abuela. (RGM) The Silence (2006) TV
una cámara muy móvil, una imagen impresionista, Lore (Lore, 2012)
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El corazón de las muñecas nar las reticencias de su marido. Además, el doctor
le ha prometido que se ocupará de que la gestación
Decididamente, Argentina es un país extraordina- de los gemelos transcurra con normalidad. Enzo, no
rio. Posee la mayor colonia de judíos de América obstante, se niega en redondo a que su mujer y su hija
Latina y una de las mayores del mundo pero, al sean sometidas a ningún tipo de tratamiento. Pero
mismo tiempo, durante la segunda mitad del siglo una madre recurre a lo permitido y a lo prohibido con
veinte fue lugar de refugio y establecimiento de tal de procurar lo mejor para sus hijos.
los más terribles y sanguinarios criminales nazis. Mengele ira anotando todos los detalles que sus
Amparándose en una nutrida minoría de ciudada- frios y escrutadores ojos perciben en la anatomía de
nos de origen alemán, la Patagonia más profunda sus involuntarios conejillos de indias. Se despliega
y tirolesa se convirtió en lugar de asentamiento de en su cuaderno un conjunto de datos, medidas y
tranquilas y laboriosas comunidades teutonas que descripciones, de una minuciosidad aterradora. Pa-
criaban ganado, fundaban liceos, fomentaban su rece que con un simple golpe de su mirada puede
folklore, daban cobijo a genocidas…. En esos años, calcular, pesos, medidas, patologías congénitas y
Eichmann, Priebke, Schwammberger, Kops y un todo tipo de dolencias. Su cuaderno se convierte en
larguísimo etcétera, gozaron de carta blanca del ré- un perfecto atlas de anatomía, por el que desfilan
gimen peronista para vivir tranquilamente, empren- cuerpos de animales, infrahombres y los fascinados
der negocios, o reunirse cada año para conmemorar y atribulados componentes de esta familia. Ni si-
el nacimiento del Führer. quiera Enzo se salva de aparecer dibujado.
De todos lo que pasaron por allí, hay uno que ha La relación de Lilith con Mengele se hace más
dado pie a más leyendas urbanas, relatos fantásti- estrecha. Para ella, es un hombre misterioso e in-
cos y mitificaciones exageradas que los demás. Se teresante. Para él, la simpatía nace de su interés
supone que mencionar su nombre es caer en el por volver a experimentar. Lilith le ayuda a recobrar
pecado mortal del spoiler, pero dado que la propia los años perdidos. En una secuencia de la película,
directora no se ha reprimido en nombrarlo en todas le muestra al microscopio una gota de sangre y le
las entrevistas promocionales, no existe ningún crí- dice: “Nada es más misterioso que la sangre”. En ese
El médico aleman, Wakolda tico de cine que no nos haya puesto en anteceden- momento de extraña unión entre el maestro y su
tes y, además, contamos con el precedente de una alumna, cuando la cercanía entre los dos parece
Argentina. 2013 novela anterior, lo diré: Mengele. mayor, la carga terriblemente simbólica que tiene la
Director: LUCÍA PUENZO sangre -en boca de un pueblo que mato por ella- se
La directora juega con la fugaz estancia en Barilo-
Guion: LUCÍA PUENZO
che del “Angel de la muerte” en 1960. A partir de ese manifiesta en todo su sentido. Lilith, irá grabando
Fotografía: NICOLÁS PUENZO
Música: ANDRÉS GOLDSTEIN, DANIEL TARRAB, dato histórico, construye un interesante relato en el en su memoria todos los momentos y conversacio-
Montaje: HUGO PRIMERO que la denuncia socio-política deja paso al thriller. nes que tuvo con el doctor.
Productores: GUDNY HUMMELVOLL, STAN Enzo (Diego Peretti) y Eva (Natalia Oreiro) se La película se nos muestra como una extraña
JAKUBOWICZ, JOSÉ MARÍA MORALES, LUCÍA PUENZO, encuentran con un distinguido e introvertido ex- atracción de espejos, donde los personajes prin-
FABIENNE VONIER. tranjero (Alex Brendemühl) en un “área de descan- cipales quedan reflejados, provocando la duda, la
Intérpretes: ÀLEX BRENDEMÜHL, NATALIA OREIRO, so” del desierto patagónico. A petición suya, acce- turbia ambigüedad. Enzo compatibiliza la gestión
DIEGO PERETTI, ELENA ROGER, GUILLERMO PFENING, den a permitir que les acompañe hasta Bariloche. del hotel con su auténtica pasión, fabricar muñe-
ANA PAULS, FLORENCIA BADO, ALAN DAICZ, ABRIL Junto al matrimonio viajan sus hijos, y será uno de cas. Su taller de artesano nos muestra toda una
BRAUNSTEIN, JUANI MARTÍNEZ
ellos en los que centre su interés: Lilith (Florencia colección de extremidades, cabezas y cuerpos de
Duración: 90 minutos.
Idiomas: ESPAÑOL y ALEMÁN Bado). Es una niña de poco más de doce años pero plástico, provocando, su visión, una auténtica in-
Internet: www.wakolda.com/ su corta estatura hace que parezca que tiene nueve. comodidad en un espectador sensible. Enzo es un
Después de un embarazo dificultoso, nació antes artista, maquilla a las muñecas, implanta ojos en sus
de tiempo y manifiesta unos claros retrasos en su cuencas vacías, les dota de cuerpo y extremidades y
desarrollo físico. Este hecho, y el que Eva esté em- las convierte en juguetes perfectos, una evolución
barazada de gemelos, es una tentación demasiado respecto a la sucia y mestiza primera muñeca de
fuerte como para no caer en ella. Lilith: Wakolda. Esta actividad le interesa a Menge-
La familia ha decidido instalarse en Bariloche, le. En el fondo, cree que los dos se parecen mucho,
después de haber comprado un antiguo hotel que sobre todo desde que conoce el proyecto de Enzo
pretenden rehabilitar. Mengele les convence para de implantar a sus muñecas un corazón mecánico,
hospedarse con ellos. Acceden, aunque no sin ciertos un sencillo artilugio que imite el palpitar humano.
recelos por parte de Enzo. Sin embargo, Eva se siente Necesita ganar su favor no sólo para continuar
fascinada por el personaje. Sus buenas maneras, y la experimentando con su familia, sino también para
proyección participar del sueño de Enzo. Con este fin, pondrá
promesa de un tratamiento para Lilith que le haga
25.02.2015 crecer algunos centímetros, hacen que consigan fre- en juego todo su encanto y su dinero.
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PALMARÉS BSO
Premios Goya (2013). Nominada a Mejor película
hispanoamericana
Festival de Cannes (2013). Sección oficial (Un Certain
EL MÉDICO ALEMÁN
Regard) (Wakolda)
Festival de La Habana (2013). Premio Especial del Jurado,
Música Compuesta y
Mejor director Dirigida por ANDRÉS
Premios Ariel (2013). Nominada a Mejor película GOLDSTEIN & DANIEL
TARRAB
iberoamericana CD: Quartet Records, SM027
(España)
(Duración: 41’36’’)
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Cosas que nunca escuchaste dice ella). Ese marido cruel, que nunca ha tenido
paciencia, ni consideración, ni un gesto de cariño
Según esta película (y la novela en que se basa), la hacia ella, se convierte así en la involuntaria piedra
piedra de la paciencia (Syng-e-saboor) sería una fábula de la paciencia de la mujer. Y ella empieza a contarle
del folklore persa: una piedra mágica, de color negro, todo, primero con miedo, luego cada vez con mayor
a la que uno puede contarle sus desgracias, sus su- soltura. Su infancia, sus sufrimientos, sus deseos, sus
frimientos, sus quejas, sus miserias, todo lo que uno frustraciones. Lo que nunca le ha dicho, porque él no
no puede o no se atreve a contar a nadie. La piedra, la habría escuchado... o la habría matado.
aunque normalmente no contesta, sí escucha y va En efecto, el planteamiento nos recuerda pode-
absorbiendo, como una esponja, todas las palabras rosamente la novela (y posterior obra teatral) Cinco
y todos los secretos… hasta que, al colmarse, explota horas con Mario, de Miguel Delibes, salvando las
y se rompe. En ese momento, uno queda liberado. diferencias culturales (e invirtiendo el conflicto: en
La acción de la película tiene lugar en un país en Delibes, el marido era el idealista y la mujer la con-
guerra, no identificado, aunque probablemente sea servadora). La piedra de la paciencia se basa en la
Afganistán (la novela dice “en alguna parte de Afga- novela homónima del propio director, Atiq Rahimi,
nistán, o en cualquier otro lugar”). En una habitación ganadora del prestigioso Premio Goncourt en 2008
de una casa, una hermosa mujer de unos treinta (editada en España por Siruela en 2009), convertida
años (Golshifteh Farahani) cuida a su marido (Ha- en guión con el legendario Jean-Claude Carrière. La
mid Djavdan), que está tendido, inmóvil, con una instrucción del novelista/director al guionista fue
bala alojada en el cuello. Lleva en coma casi tres se- poco habitual: “Traicióname”. La novela, narrada en
manas, aunque los médicos habían asegurado que presente, mantiene una estricta unidad de espacio:
en quince días empezaría a recuperarse. El marido la habitación donde está el hombre. La mujer sale a
es un combatiente de la Yihad (no sabemos de qué veces, y al volver cuenta lo que ha hecho, pero en el
bando ni de qué guerra), pero la herida que le ha libro nunca salimos con ella, siempre estamos en la
dejado en estado vegetativo no tiene nada de he- habitación. El lector es como un espectador que es-
La piedra de la paciencia roico, no se la hizo luchando, sino por un disparo de tuviera encerrado también en ese escenario único.
otro soldado de su mismo bando, en una estúpida En la película, en cambio, se adopta el punto de vis-
Afganistán-Francia-Alemania-Reino Unido, 2012 discusión por un insulto. Ahora, sus hermanos de ta de la mujer, y la cámara, siempre en movimiento,
Studio 37 / Corniche Group / Razor Film / Arte France / armas y sus hermanos carnales le han abandonado, la sigue a la calle, o a casa de su tía, o nos muestra lo
Jahan-E-Honar Productions que está contando en flashbacks, que entrelazan de
porque no está muerto ni vivo. La mujer mantiene
Título Original: SYNGUE SABOUR
las bolsas de suero (cuando no puede comprar más, manera fluida el pasado y el presente (su boda, las
Director: ATIQ RAHIMI
Guión: JEAN-CLAUDE CARRIÈRE y ATIQ RAHIMI lo fabrica ella misma con agua, azúcar y sal), le lava, peleas de codornices de su padre). Llamarlo traición
Fotografía: THIERRY ARBOGAST le cambia la ropa, y reza interminablemente. Bien sería exagerado, porque, por lo demás, los sucesos
Música: MAX RICHTER por su curación, como le ha ordenado el Mulá (Mo- principales y la mayor parte de los diálogos (o mo-
Montaje: HERVÉ DE LUZE hamed Al Maghraoui), o bien porque muera de una nólogos) se conservan. Pero esa ruptura del espacio
Dirección Artística: EDWIN PRIB vez. También cuida de sus dos hijitas, mientras de único y del tiempo lineal es la mayor diferencia en-
Productor: MICHAEL GENTILE tre novela y película.
la calle llega el sonido de los disparos y las explo-
Coproductores: GERHARD MEIXNER y ROMAN PAUL
siones, y los carros de combate pasan frente a las El tema es el mismo: la situación de las mujeres
Intérpretes: GOLSHIFTEH FARAHANI, HAMID
DJAVDAN, HASSINA BURGAN, MASSI MROWAT, ventanas. Cuando puede escabullirse, va a ver a su en esas sociedades en las que las tradiciones más ar-
Mohamed Al Maghraoui, Malak Djaham tía (Hassina Burgan), una mujer libre, experimenta- caicas se dan la mano con las interpretaciones más
Khazal da y bondadosa. cerriles del Islam. Cuando la protagonista era niña,
Idioma: Farsi (VOSE) Poco a poco, la mujer empieza a hablar a su ma- a su padre sólo le importaba una cosa: las peleas de
Duración: 102 minutos rido inmóvil, sin saber si éste puede oírla o no. “Es la codornices. Los días que perdía, lo compensaba mo-
Internet: www.golem.es/lapiedradelapaciencia/ liendo a palos a su mujer y a sus hijas. Cuando perdió
primera vez que me escuchas”, constata con asombro.
La primera vez que puede hablarle libremente y sin una apuesta muy alta, entregó a su hija mayor como
miedo. Llevan diez años casados, pero apenas han pago... Ahora, si su marido hubiera muerto, alguno
estado juntos. Se prometieron sin conocerse, mien- de sus hermanos se habría casado con la mujer.
tras el héroe estaba luchando en el frente. Se casa- Como el marido es estéril, ella tiene que encontrar la
ron a distancia: en la boda él estuvo representado forma de tener hijos, para no ser repudiada. Y tam-
por una foto y su daga. No se conocieron hasta tres bién hay otras paradojas terribles. Cuando entran
años después de la boda, y al volver él ni la miró. En la unos soldados en la casa, la protagonista dice ser
proyección cama, resultó tan brutal como inoperante (“los hom- prostituta, para que no la violen. Pues esos soldados
04.03.2015 bres hacen la guerra cuando no pueden hacer el amor”, tan creyentes no tienen problema en violar a una
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PALMARÉS
Festival de GIJÓN: Mejor Actriz, Premio del Jurado Joven,
Premio FIPRESCI
Premios CÉSAR: Nominada a Mejor Actriz revelación
Festival de ESTAMBUL: Premio FACE
virgen, pero se sentirían impuros si violaran a una les exteriores rodados a escondidas en Kabul. Hay
prostituta... Y la mayor paradoja es que la mujer sólo que subrayar que el equipo técnico es de primera di-
puede encontrar algo de ternura en un soldado jo- visión, con la notable fotografía de Thierry Arbogast
ven, tartamudo, que se ha acercado a ella creyendo (habitual de los filmes de Luc Besson) y el montaje
que era prostituta, y que, a su vez, es otra víctima, de Hevé de Luze (colaborador de Polanski).
de la brutalidad de su comandante que le golpea y El director y novelista Atiq Rahimi nació en Ka-
le quema con cigarrillos y con el cañón de su arma. bul en 1962. Después de la invasión soviética de
El peso de la película recae en la extraordinaria Afganistán huyó a Pakistán y luego se estableció en
Golshifteh Farahani, que brilla en un trabajo com- Francia, donde estudió Comunicación Audiovisual
plejísimo y lleno de colores (dulzura, ira, timidez, en la Sorbona y empezó a trabajar en documentales
miedo, ironía). El personaje narra, grita, maldice, y anuncios de televisión. En 2000, publicó su prime-
ríe, provoca… y emerge finalmente como un ser hu- ra novela, Tierra y cenizas (edición española en Len-
mano libre. Golshifteh Farahani es una actriz iraní gua de Trapo), sobre la guerra afgano-soviética, que
afincada en París, de notable trayectoria en teatro él mismo llevó al cine en 2004 (aunque la película,
y cine, a la que hemos visto en Media Luna (Niwe- que gano el premio Regard vers l’Avenir en el Festival FILMOGRAFÍA
mang, 2006) de Bahman Ghobadi, Red de mentiras de Cannes, no se estrenó en España, que yo sepa). ATIQ RAHIMI
(Body of Lies, 2008) de Ridley Scott, A propósito de La piedra de la paciencia es su segundo largometra-
Director
Elly (Darbareye Elly, 2009) de Asghar Farhadi, Pollo je de ficción. Para el director, el marido simboliza
con ciruelas (Poulet aux prunes, 2011) de Vincent Pa- todo el sistema patriarcal y represivo, paralizado, Nous avons partagé le pain et le sel (2001) documental
ronnaud y Marjane Satrapi, y pronto en el Exodus sordo y mudo; y esa parálisis es lo que permite que Afghanistan, un état impossible? (2002) documental
Khakestar-o-khak (Tierra y cenizas, 2004)
(2015) de Ridley Scott. La película se rodó principal- surja la voz de la mujer, “la voz enterrada durante mi- Raz ha een Khana (Secretos de la casa, 2008) serie TV (sólo creador)
mente en Marruecos, con sólo unos planos genera- les de años”. (RGM) La piedra de la paciencia (Syngue Sabour, 2012)
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Sophie, cuéntame nuestra historia. guion. Posee un indudable talento para reflejar los
dramas cotidianos de la clase media, y se siente es-
Hay un momento en la vida de las personas en el pecialmente cómodo narrando los conflictos de sus
que adquirimos por primera vez la consciencia de personajes de la costa este, a la que él pertenece.
la fugacidad del tiempo. Nos damos cuenta que los Su capacidad y talento para el guion le han valido
años han pasado y no hemos ganado nuestro primer para trabajar con creadores como el imprescindible
millón de dólares, escrito la gran novela americana Wes Anderson (Life Aquatic o Fantástico sr. Fox) o el
o realizado ese viaje lejano e iniciático con el que director de animación, Eric Darnell (Madagascar 3).
soñamos desde adolescentes. Es posible que quien Frances Ha se diferencia de lo que ha realizado
lea estas líneas haya establecido unas aspiraciones hasta la fecha por ser un acercamiento más profun-
más modestas en su devenir vital, pero, en cualquier do a la comedia de lo que había hecho hasta ahora.
caso, todo comienza pasados los veinticinco años. No existe acidez ni amargura en la descripción de
A partir de esa edad, lo único que resta es saber los personajes. Opta por rodar en blanco y negro
en qué momento haremos un pacto con nuestra para potenciar la belleza interior de los personajes
autoestima para conformarnos con lo que hemos y el entorno en el que se mueven: Nueva York. La
conseguido. Si usted es de los que no se resignan, película es de una belleza conmovedora. Reconozco
alégrese, Saramago y Lampedusa escribieron su que al hablar de este film se está convirtiendo en un
gran novela cumplidos los sesenta años (claro que latiguillo retrotraerse a Woody Allen. Pero es verdad.
Lampedusa nunca la llegó a ver publicada). Desde Manhattan o Annie Hall no recordábamos
La protagonista de nuestra historia, Frances Ha- una aproximación a la ciudad y sus pobladores tan
liday, siente que ha cumplido sus veintisiete años evocadora como en Frances Ha. Es cierto que en
sin alcanzar su sueño. Le apasiona la danza, pero las diferentes entrevistas que ha concedido Baum-
no pasa de ser bailarina suplente en una pequeña bach, ha preferido que se hable de la influencia del
compañía neoyorkina. El pequeño sueldo que obtie- Truffaut de Jules y Jim , en la capacidad de combinar
ne le sirve, a duras penas, para pagar el alquiler de melancolía y desesperanza con alegría y entusiasmo.
su piso. Pero no todo es malo. Comparte piso con Pero toda esta película no pasaría de ser la mi-
Frances Ha su amiga y alma gemela, Sophie. También ella tiene tad de lo que es sin la aportación de Greta Gerwig.
altas aspiraciones. Trabaja en una editorial y sueña Había tenido ocasión de trabajar con esta actriz
Dinamarca. 2012
Director: NOAH BAUMBACH con ser editora algún día. Cuando la melancolía les en su anterior película, Greenberg. A partir de ese
Guion: NOAH BAUMBACH, GRETA GERWIG supera a las dos, Frances le pide a Sophie: “cuénta- momento surgió entre ellos una afinidad artística
Fotografía: SAM LEVY me nuestra historia”. Entonces, Sophie le dice que un y personal que les ha llevado a compartir guiones
Música: GEORGE DRAKOULIAS día Frances llegará a ser una famosa bailarina y ella y apartamento. Greta le propuso hacer a cuatro
Montaje: JENNIFER LAME editará una biografía suya en la que narrará como manos el guion de una historia que le daba vueltas.
Productores: SCOTT RUDIN PRODUCTIONS / RT empezaron desde abajo en un pequeño apartamen- El personaje principal tenía mucho de sí misma. Al
FEATURES / PINE DISTRICT PICTURES igual que Frances, Greta también ha conocido la
to de Brooklyn.
Intérpretes: GRETA GERWIG, MICKEY SUMNER, eterna lucha para abrirse camino, el dilema entre
ADAM DRIVER, MICHAEL ESPER, GRACE GUMMER,
La película es un relato generacional en la que
todos sus intérpretes principales experimentan, de acomodarse o reinventarse. En algunas entrevistas
CHARLOTTE D’AMBOISE, MICHAEL ZEGEN, PATRICK
HEUSINGER, JUSTINE LUPE una u otra forma, esta urgencia vital por conseguir Greta señala que el primer paso o la primera clau-
Duración: 86 minutos. el éxito profesional, cumplir el sueño que les hizo dicación sucede el día que contratamos un seguro.
Idioma: INGLÉS. abandonar su casa y llegar a Nueva York. Pero Fran- Estas primeras concesiones al pragmatismo son
Internet: www.franceshamovie.com/ ces Ha nos habla, sobre todo, de la amistad. Es una signos que anticipan el final de un periodo. Greta
hermosa y divertida historia de amor entre dos ami- comenta, entre risas, que también ella decidió hace
gas. Se ríen juntas, juegan a pelearse, comparten un par de años contratar uno.
confidencias sobre su vida y sus novios
En muchas Evidentemente actor y personaje son realida-
ocasiones, llegan a compartir la cama. Frances bro- des diferentes, y cuando se confunden demasiado
mea. Dice que son como una pareja de lesbianas debería preocuparle al intérprete y llevarle acudir
que ya no tienen sexo. urgentemente al primer psicoanalista de guardia.
Noah Baumbach, el director, es un auténtico to- Pero sin cuestionar la extraordinaria interpretación
doterreno. Forma parte de una hornada de creado- que le llevó a ser nominada y aclamada en festiva-
res que, sin renunciar a sus esencias, poco a poco se les, se puede apreciar que Greta se siente especial-
empiezan a prodigar en el cine comercial de “quali- mente cómoda calzando los zapatos de Frances. La
té”. Quizá le recuerden por películas como Margot naturalidad expresiva de la actriz, la capacidad para
proyección y la boda, Greenberg o Una historia de Brooklyn, está sostener su personaje con un esqueleto formado
11.03.2015 ultima le supuso la nominación al Oscar al mejor por sus emociones y experiencias ha hecho que
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PALMARÉS
Globos de Oro (2013). Nominada a Mejor actriz (Greta
Gerwig)
Independent Spirit Awards (2013). Nominada a Mejor
película y montaje
algunos la hayan bautizado como la Meryl Streep ces lo asumen los auténticos padres de Greta- en
del cine independiente. O más concretamente, del coherencia con el estilo mumblecore- con residen-
mumblecore; aquella variante del indie que se ca- cia también en Sacramento. La narración se apoya,
racteriza por hacer de la sencillez o falta de medios también, en un planteamiento que nos recuerda la
un signo de distinción. Para algunos es una forma atmósfera de las comedias musicales de los años
de moderno neorrealismo a la norteamericana. Para treinta. La sencilla coreografía, la puesta en escena
los más críticos, un esnobismo que sustituye la in- o la importancia de la banda sonora colaboran en
terpretación de los actores por el susurro. reforzar esta historia sobre el final de la juventud.
El resto de los actores son asiduos incondiciona- Una juventud que ríe, habla, intercambia confiden-
les del cine independiente, algunos de los cuales han cias mientras fuma (por fin una película donde fu-
trabajado en anteriores películas de Baumbach. Me- mar vuelve a ser un acto social).
rece una mención especial la presencia de Mickey Noah Baumbach comentaba, en relación con
Sumner, en el papel de Sophie. Consigue hacer creí- este periodo en la vida de las personas, que, por
ble ese papel de amiga incondicional, sujeta también su experiencia, los amigos que han conseguido
a las crisis personales. Como anécdota, mencionare- mantenerse pasada esta frontera simbólica de los
mos que es hija del popular cantante Sting. veintisiete años, suelen ser los que permanezcan
Baumbach ha querido diferenciar su película de y nos acompañen durante buena parte de su vida.
todo lo que había realizado hasta ahora. El hecho de En el fondo quien ha transitado contigo desde la
escoger el blanco y negro como refuerzo estético juventud hasta el inicio de la madurez te conoce
le sirve a Noah para producir una extraña relación hasta el punto como lo describe Frances en un mo-
nostálgica con el presente. Da la impresión que el mento de la película. En esta descripción, a modo
realizador pretende que su obra sea un extenso flas- de anticipación-cumplimiento que tendrá lugar en FILMOGRAFÍA
hback, evocado desde un futuro que aún está por los últimos compases de la historia, nos habla de la Noah Baumbach
venir. La narración se plantea a modo de capítulos o intensidad que puede surgir entre una amistad, con Director
actos teatrales, en el que cada nuevo episodio coin- sólo mirarse, y la reflexión, hermosa y triste a la vez,
cide con los distintos domicilios que va conociendo que todo esto le produce. Si somos el conjunto de Kicking and Screaming (1995)
Highball (1997)
la protagonista, desde el primer apartamento en las decisiones que tomamos, para Frances, una ver- Mr. Jealousy (1997)
Brooklyn con Sophie hasta su última residencia, pa- dadera amiga es la única conocedora de todas las The Squid and the Whale (2005) (Una historia de Brooklyn)
sando por la estancia navideña en la casa familiar de decisiones que nos han llevado a ser lo que somos. Margot at the Wedding (2007) (Margot y la boda)
Sacramento. En relación con esto, hay que reseñar Si yo sé quién eres tú, y tú sabes quién yo soy, nadie Greenberg (2010)
Frances Ha (2013)
que el papel interpretado por los padres de Fran- sabrá quién soy cuando tu no estés. (JMA) While We’re Young (2014)
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A menudo los hijos se nos parecen… centeros de la película ocurren en el campo o en el
propio hogar, especialmente en uno de los hogares.
El shomin-geki es un género cinematográfico espe- Ryota es un joven arquitecto que vive con su mu-
cífico del cine japonés. Sus presupuestos son un jer y su hijo en un lujoso edificio residencial. Ryota
acercamiento a los conflictos cotidianos de las clase no concibe otra forma de afrontar la vida que bus-
medias, pero con una peculiaridad, dicho problemas cando el éxito profesional, traslada esta enfermiza
se desarrollan en un contexto familiar. Si hubiese competitividad a su mujer y a su hijo, Keita. No hay
que buscar una catalogación trasladable a nues- sitio para la improvisación en su vida, y la búsqueda
tros géneros occidentales, lo más aproximado sería de la obsesiva perfección esconde una gran dificul-
hablar de melodrama familiar o drama de familia. tad para la comunicación emocional con sus seres
Aquí, a diferencia del tradicional melodrama norte- queridos. Los primeros segundos de la película de-
americano, los lazos familiares son el conducto por finen a nuestros personajes; acuden con su hijo a
el que circulan las pasiones, desengaños y todo tipo una entrevista familiar para el ingreso de éste en un
de desgarros emocionales. Es difícil saber quién es prestigioso colegio privado, la cámara nos muestra
el padre-fundador de este género, pero los exper- la foto familiar que han entregado a esa institución
tos en la materia consideran que con Yasujiro Ozu y, acto seguido, podemos verlos sentados frente a
nacieron las primeras obras maestras, adquiriendo los profesores que realizan la entrevista, su coloca-
mayoría de edad. ción y sus ropas son exactamente las mismas que
La importancia de este género en Japón parte de aparecen en la foto. Keita está situado en el centro
la propia historia del país y de la evolución del mo- y a su derecha e izquierda, el padre y madre, respec-
delo familiar en poco más de un siglo. En ese corto tivamente.
periodo, se ha pasado del modelo feudal, donde la Un día, ese perfecto y frio castillo de naipes se
familia era una estructura cerrada y jerarquizada, a viene abajo. Acuden a la clínica donde dio a luz su
los diferentes modelos familiares que conocemos mujer, después de haber recibido una enigmática
en nuestros días. Antes de la Segunda Guerra Mun- citación. Su hijo no es su hijo; hace seis años se pro-
dial, el padre de familia transmitía, al primogénito dujo un intercambio de niños, en principio fortuito,
varón, la casa donde vivía y la obligación de desem- y una familia del otro extremo de Tokio recibió al
De tal padre, tal hijo peñar el mismo oficio que su padre. Acabada la gue-
rra, se empezó a evolucionar a una estructura más
verdadero descendiente de Ryota. A partir de ese
momento, en la cabeza de nuestro protagonista se
Japón . 2013 parecida a nuestro estándar europeo (modelo que produce un terrible conflicto, la sangre frente a los
Título original: SOSHITE CHICHI NI NARU (LIKE también ha experimentado sensibles cambios en afectos. Seis años de convivencia, con quien creía
FATHER, LIKE SON) poco tiempo). La importancia de la institución fami- que era su hijo, parece que quedan postergados
Director: HIROKAZU KOREEDA liar en Japón y el hecho de que convivan, dentro de frente al peso de la genética. Ryota empieza a com-
Guion: HIROKAZU KOREEDA la misma, distintas generaciones con diferentes, y a prender la razón de la falta de constancia y compe-
Fotografía: MIKIYA TAKIMOTO veces opuestos, modelos de comunidad de sangre, titividad de Keita, no era el resultado de una madre
Música: JORGE ARRIAGADA, hace que sea mucho más interesante este género demasiado tolerante, su verdadero hijo está siendo
Montaje: HIROKAZU KORE-EDA. que en cualquier otro país. educado por otros padres.
Productor: GAGA / TV MAN UNION Este preámbulo sirve para ponernos en situación A instancias de la clínica se concierta una cita
Intérpretes: MASAHARU FUKUYAMA, YÔKO MAKI, sobre la obra y antecedentes del director que nos con la otra familia para que puedan conocer a los
JUN KUNIMURA, MACHIKO ONO, LILY FRANKY ocupa: Hirokazu Koreeda. Hemos tenido ocasión de dos hijos. Ryusei –que así se llama su verdadero
Banda Sonora: SONY MUSIC disfrutar en nuestro cineclub de algunas excelen- hijo- vive con una humilde familia de las afueras de
Duración: 120 minutos. tes muestras de su talento. Still walking y Milagro Tokio, regentan una tienda y son padres de otros
Idiomas: JAPONÉS son las más recientes. Al igual que en estas dos, De dos hijos. Esta familia -los Saiki- no se parece en
tal padre, tal hijo, vuelve a ahondar en los conflic- nada a la de Ryota; su padre es un hombre desor-
tos existentes y la incomunicación en el modelo denado y divertido que disfruta jugando con sus
familiar nipón. La soledad, el eterno combate por hijos y no le obsesiona especialmente la llamada
la supervivencia en un contexto urbano hostil, la de la sangre en el instinto paternal. De hecho, su
continua sensación de sentirse abandonado, son primera preocupación no es recuperar a Keita, sino
motivos recurrentes de nuevo. Volvemos a notar, demandar a la clínica para obtener una sustanciosa
también, que en todo ese cuadro de emociones hay compensación.
no pocas pinceladas de carácter autobiográfico. Con motivo de la presentación de la película en el
El estilo de Koreeda está claramente influido por Festival de San Sebastián, el director planteaba una
el cine clásico japonés. Sus dramas naturalistas se pregunta que siempre le había interesado: ¿Cuán-
construyen a base de largos planos fijos, economía do un hombre se convierte realmente en un padre?
en los movimientos y una primorosa puesta en esce- En el caso de la mujer, parece evidente que hay una
na, salpicada por algún plano-detalle que refuerza lo ligazón íntima desde el primer momento, pero los
proyección que los actores no cuentan. La ciudad aparece como varones experimentamos otro tipo de proceso. Esta
18.03.2015 un entorno frio e inabarcable, los momentos más pla- dificultad de implicación afectiva por parte de los
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padres suele aparecer con frecuencia en la obra de
Koreeda. El padre manifiesta unos problemas a la PALMARÉS BSO
hora de asumir su rol, que van desde la inmadurez
Festival de Cannes (2013). Premio del Jurado
adolescente (como ocurría en el caso de Milagro) a
una hiperresponsabilidad que le conduce a anular Festival de San Sebastián (2013). Premio del Público
los más elementales sentimientos de amor hacia DE TAL PADRE, TAL HIJO
su hijo. Dentro de este estereotipo habría que en- (Soshite chichi ni naru)
cuadrar la actual película. Ryota es un prisionero Música Original Compuesta
del culto al éxito y de los prejuicios sanguíneos he- por JUNICHI MATSUMOTO,
TAKASHI MORI & TAKESHI
redados de su padre. Las madres, y las mujeres en MATSUBARA
general, que aparecen en sus películas tienen un CD: Sony Music, SICP 3872
comportamiento emotivo más razonable, aceptan (Japón)
(Duración: 79’27’’)
los cambios que se van produciendo y se adaptan
mucho mejor que los hombres. A pesar de ello, son
Como dice el refrán, Hirokazu Kore-eda no da puntada sin hilo,
los hombres los que tienen una mayor importancia
y desde hace algunos años ha mostrado un creciente interés en
en el relato de Koreeda, la impronta autobiográfica que la música de sus películas no se limite a subrayar acciones,
del director se plasma mejor así. situaciones o emociones, sino que se convierta en un persona-
Para este film contó con la colaboración en el je más, un elemento vivo tan integrado en la historia como lo
papel protagonista de Masahura Fukuyama, un pueda estar un actor, o incluso que impulse al propio guión. La
búsqueda de un compositor se convierte entonces en un paso
cantante y artista polifacético de Japón, ídolo de importante y crucial para el realizador japonés, que no suele
jovencitas. Su sobriedad y marcado hieratismo conformarse con profesionales de la banda sonora amoldados
contrasta con la expresividad jovial de Lily Franki, a la manera más estandarizada de entender su labor. Él busca ar-
el actor que interpreta al padre de la otra familia. tistas neófitos “sin contaminar” por el mainstream, que puedan
ofrecer un enfoque distintivo y personal, pero que a la vez sean
En este caso, a pesar de la inmadurez que transmite
capaces de asimilar la narración hasta convertirse en una parte
en sus comportamientos, resulta un padre cercano fundamental de ella. Si esta característica ya se había hecho vi-
y comprometido con la educación de sus hijos, sus sible —mejor dicho, audible— a partir de Nadie sabe (Dare mo
expectativas económicas sobrevuelan a ras de sue- shiranai, 2004) y Still walking (Aruitemo aruitemo, 2008), para
lo, pero a Keita le encanta tener un padre con el que las que contó con la complicidad del dúo de guitarristas Gontiti
—Masahiko ‘Gonzalez’ Mikami y Masahide ‘Titi’ Matsumura—,
poder jugar y divertirse. se puede afirmar que De tal padre, tal hijo supone el punto cul-
Koreeda ha evitado por todos los medios caer minante de este enfoque. No está de más recordar las dos an-
en la trampa fácil del recurso a la lágrima infantil, teriores películas de su filmografía, Air doll (Kûki ningyô, 2009),
busca la moderación emocional para huir de un en la que la música de World’s End Girlfriend se convertía en el
alma pura, bella e inocente de la muñeca hinchable, y Milagro
falso sentimentalismo. Salvo una breve secuencia
(Kiseki, 2011), donde una combinación de pop, country y bluegrass
entre las dos madres y un momento de desgarro a cargo del grupo Quruli materializaba el optimismo revitaliza-
por parte de Ryota, la película se desplaza por un dor de los niños protagonistas.
camino donde las emociones más evidentes ceden En este caso Kore-eda ha contado con un trío de pianistas
ante la contención reposada. Es posible que en el y ocasionales compositores: Junichi Matsumoto, teclista de la
agrupación japonesa Matokku, y el dúo formado por Takashi
remake que se anuncia que llevará a cabo el cine de Mori y Takeshi Matsubara, adaptadores y arreglistas dedicados
Hollywood, se opte por seguir un modelo más con- a la “música de relajación” y al negocio de los politonos. Su ma-
vencional, será una lástima; la belleza de la película gra partitura original ha debido convivir en la pantalla junto a un
nace de su reflexión sosegada, de otro modo corre par de interpretaciones históricas realizadas por el prodigioso
Glenn Gould sobre sendas obras de Johann Sebastian Bach: la
el riesgo de convertirse en un producto televisivo
Partita para teclado Nº 2 en Do menor BWV 826 (grabación de
de sobremesa. 1959) y las Variaciones Goldberg BWV 988 (grabación de 1981).
He usado, para titular este comentario, los pri- FILMOGRAFÍA Mientras que la música de Bach, paradigma de inteligencia y
meros versos de una bella canción de Serrat: Esos Hirokazu Koreeda
sofisticación, es utilizada como símbolo de las expectativas del
locos bajitos. En ella se nos plantea la dificultad y padre sobre su hijo —y por lo tanto también como expresión
Director de las frustraciones del niño—, las intencionadamente sencillas
el eterno aprendizaje de los padres, junto con la piezas de Matsumoto, Mori y Matsubara hablan desde el deso-
pregunta que todos nos hemos hecho alguna vez: Maborosi (1995) lado corazón de un hijo que ansía ganar el amor de su padre. A
¿Lo estaré haciendo bien? Al final, nuestros hijos se Without Memory (1996) pesar de su minimalismo extremo y de la corta duración de la
irán abriendo camino a pesar de nuestros errores de After Life (1998) partitura original —menos de diez minutos repartidos en ocho
Distance (2001) cortes—, la Academia del Cine Japonés nominó a los composito-
diletantes. Serán ellos los que nos eduquen y discul- Nadie sabe (2004) res para el premio a la mejor banda sonora, aunque finalmente
pen nuestras torpezas bienintencionadas. “Cargan Hana (2006) fue Joe Hisaishi quien obtuvo tal honor con su abrumadora El
con nuestros dioses y nuestro idioma, nuestros rencores Still Walking (Caminando) (2008) viento se levanta (Kaze tachinu, 2013/ Hayao Miyazaki). (AGR)
Air Doll (Muñeca de aire) (2009)
y nuestro porvenir. Por eso nos parece que son de goma Kiseki (Milagro) (2011)
y que les bastan nuestros cuentos para dormir” (JMA) De tal padre, tal hijo (2013)
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Apocalípticos e integrados tes de la actual sociedad moderna. La primera, sos-
tenía que el modelo de cultura de masas, condicio-
“Fingimiento de cualidades o sentimientos contrarios nado por los medios de comunicación, lo frivolizaba
a los que verdaderamente se tienen o experimentan.” todo y contribuía a terminar o frenar el avance de
Esta es la definición que el Diccionario de la RAE la civilización, provocando un contrasentido mons-
contiene sobre la palabra hipocresía. En muchos truoso; son los aristócratas de la cultura. Los inte-
casos este fingimiento no esconde unas oscuras grados son más pragmáticos. Creen que la divulga-
razones o un intento de dañar al prójimo, la mayor ción de la cultura siempre es buena, los canales y los
parte de las veces sólo constituye un bagaje de ha- métodos no son tan relevantes. Es mejor comprar
bilidades sociales que hemos ido adquiriendo para una enciclopedia a juego con la tapicería del salón
sobrevivir en esta jungla. Saludamos a algún vecino que no comprar ningún libro. Nuestro Alceste sería
que nos cae mal, preguntamos a nuestro jefe por un aristócrata de la cultura y de las relaciones socia-
su salud, o soportamos, con fingido interés, como les; nuestro Filinto, un integrado que considera que
nuestro cuñado nos vuelve a castigar con dos horas las máscaras, las apariencias, también forman parte
de video de sus vacaciones en Cancún. Hace unos de la esencia de las cosas.
años, me regalaron una novela, comprada en la Fe- Gauthier Valence ( Lambert Wilson), un popular
ria del Libro, que contenía la dedicatoria de su famo- actor que ha terminado haciéndose una lucrativa ca-
so autor. Decía así: “Para Chema, con el ofrecimiento rrera en el cine comercial y en las teleseries francesas,
de mi amistad y mi esperanza”. Consideré que, dado viaja a la Isla de Re para encontrarse con su actor más
el número de libros dedicados por el escritor a lo admirado: Serge Tanneur (Fabrice Luchini). Serge,
largo de ese año, no le iba a ser difícil conseguir el abandonó la escena, en lo mejor de su carrera, para
sueño del cantante Roberto Carlos: “Yo quiero tener irse a vivir de forma sencilla y solitaria en el occidente
un millón de amigos”. Pero, en fin, no seamos duros. atlántico. Gauthier quiere proponerle compartir con
No hay nadie más peligroso que una persona que te él un proyecto que acaricia desde hace tiempo: El Mi-
pregunta: ¿Quiere que le sea sincero? La sinceridad, sántropo. Gauthier es muy rico, su teleserie (en la que
con frecuencia, está sobrevalorada. El problema sur- interpreta a un neurocirujano, maduro y atractivo) le
Molière en bicicleta ge cuando estas normas de urbanidad se convierten reporta casi un cuarto de millón de euros por episo-
en un disfraz para ser otra persona. dio, pero quiere demostrar y demostrarse que puede
Francia. 2013
Título original: ALCESTE À BICYCLETTE Juan Bautista Poquelin –Moliere, para los ami- hacer teatro con mayúsculas, que su talento está por
Director: PHILIPPE LE GUAY gos- fue un terrible fustigador de la doble moral encima de los flojos diálogos de folletín. Hay una
Guion: PHILIPPE LE GUAY, FABRICE LUCHINI establecida en su tiempo. Criticó la hipocresía en contradicción en él, le gustaría demostrar lo que vale
Fotografía: JEAN-CLAUDE LARRIEU el Tartufo, el Burgués gentilhombre, El médico a palos en el teatro clásico, pero, al mismo tiempo, se siente
Música: JORGE ARRIAGADA, o Las preciosas ridículas; pero fue en el Misántropo feliz siendo querido por todas las amas de casa que le
Montaje: MONICA COLEMAN donde esta virulencia se manifestó con más acidez siguen por la tele. No elude autógrafos, finge interés
Productor: ANNE-DOMINIQUE TOUSSAINT y amargura. La hipocresía, en esta obra, tiene unos cuando los admiradores le cuentan sus pequeñas his-
Intérpretes: FABRICE LUCHINI, LAMBERT WILSON, torias y se pavonea por la calle mientras la gente le
tientes de carácter más filosófico-social. La verdad
MAYA SANSA, CAMILLE JAPY, GED MARLON, STEPHAN
y los principios, caen sometidos bajo el peso de las señala con admiración.
WOJTOWICZ, JOSIANE STOLÉRU, PHILIPPE DU
JANERAND, ANNIE MERCIER, CHRISTINE MURILLO, apariencias. Alceste, el protagonista, es el único Serge, rehúsa al principio. No le interesa. Abandonó
PATRICK BONNEL que se niega a deponer sus armas ante las conve- la escena cansado del mundo y de la gente. Cree que
Duración: 104 minutos. niencias sociales: “Quiero que haya sinceridad y que, todo lo que le aguarda, fuera de su isla, es una absur-
Idiomas: FRANCÉS como hombres de honor, no pronunciemos palabra en da impostura. Le gusta recrearse con un diálogo del
la que no creamos”. Filinto, su amigo, le comprende, Misántropo: “Vos detestáis la naturaleza humana”, “Si,
pero se muestra más tolerante y disculpa muchas he concebido por ella un odio espantoso”. Poco a poco
de las actitudes de los demás. Ambos son los únicos empezará a transigir con las propuestas de Gauthier,
hombres honestos en esta obra. Alceste cree que su imponiéndole la condición de que ambos ensayen la
amigo claudica con frecuencia, le reprocha no darse obra durante unos días, y después le dará respuesta
cuenta de que todos esos fingimientos sociales, esa definitiva. En el transcurso de ese tiempo, los dos des-
fatua cortesía, no es otra cosa que “un vergonzoso cubrirán de nuevo el placer de la interpretación. Reirán
comercio de las apariencias de la amistad” Filinto, por y discutirán. Pasearán por la isla en bicicleta mientras
el contrario, sostiene que la excesiva intransigencia ensayan los diálogos, echando a suertes, cada día, que
del otro haría imposible la vida en sociedad. papel interpretará cada uno. Serge, es el perfecto Alces-
En 1965, Humberto Eco publicó una de sus obras te, su integridad moral le ha llevado a la soledad de su
proyección más importantes: Apocalípticos e integrados. En esta caserón. Gauthier podría pasar por ser Filinto, admira
25.03.2015 serie de ensayos contraponía dos visiones diferen- el trabajo de Serge, pero se consuela siendo millonario.
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PALMARÉS BSO
Premios César (2013). 3 nominaciones, incluyendo Mejor
MOLIÈRE EN BICICLETA
actor (Fabrice Luchini) (Alceste à bicyclette)
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¿Quién soy realmente? tó que la encantadora mujer había sido una abogada
estalinista cuando tenía veintitantos años. Entre otras
Las dudas sobre la identidad, la familia, la sangre, la cosas, maquinó la muerte, en una farsa de juicio, de un
pertenencia y la historia es algo que ha vivido en su héroe de guerra, completamente inocente, el general
propia carne Pawel Pawlikovski. El director polaco ‘Nil’ Fieldorf. Fue una conmoción para mí. No lograba
viene de una familia repleta de misterios y contra- casa a la cariñosa e irónica mujer que conocí con la
dicciones y ha vivido de una u otra forma de exilio verdugo estalinista despiadada y fanática. Esta para-
casi toda su vida. No es extraño, pues, que varios de doja me persiguió durante años. Incluso intenté escri-
estos temas quedan reflejados en su filmografía de bir una película sobe ella, pero no conseguía entender a
una manera más o menos deliberada. Su cine y, en alguien tan contradictorio. Meter un personaje similar
concreto, esta película, Ida, tiene muchos puntos de en la historia de Ida ayudó a darle vida, y viceversa,
partida y también muy próximos a sus preocupacio- poner a la ex creyente con las manos manchadas de
nes e intereses personales. sangre junto a Ida, me ayudó a definir a la joven monja
“Estuve dando vueltas durante años a la historia y su travesía.”
de una monja católica que descubre que es judía”, co- Aparte de contar las experiencias vitales de Ida,
menta en una entrevista Pawlikovski. Y prosigue: el director pretende, además, mostrar una cierta
“En un principio la situé en 1968, el año de las protes- imagen de Polonia, su país. Una imagen que aprecia
tas estudiantiles y las purgas antisemitas del Partido mucho. Un país quizás gris y opresivo y asimismo
Comunista de Polonia. La historia versaba sobre una esclavizado a principios de los sesenta del siglo XX,
monja algo mayor que Ida, así como sobre un obispo pero también más original y ‘epatante’ que la Polo-
asediado y un secretario de seguridad del Estado. Todo nia de hoy, y de algún modo más evocador univer-
estaba más impregnado de la política de la época. El salmente, según considera el propio Pawlikovski.
guión estaba volviéndose más esquemático, enredado En declaraciones hechas a los medios, Pawliko-
y de suspense de lo que yo quería, así que dejé Ida a un vski teme, sin embargo, que su película no sea bien
lado y me fui a París a rodar The Woman in the Fifth.” comprendida en Polonia. Supone que muchos no
Ida Cuando, tiempo después, Pawlikovski retomó apreciarán la belleza y el amor puestos en el film y
la historia de la monja, tenía una idea mucho más le acusarán de dañar la imagen de su país por cen-
Polonia, Dinamarca e Italia, 2013 clara de cómo quería que fuera la película. Junto con trarse en la melancolía, lo provinciano, lo grotesco…
Opus Film / Phoenix Film / Portobello Pictures su coguionista, Rebecca Lenkiewicz, rehizo todo. Y están los asuntos antisemitas, por un lado, y es-
Distribución: Caramel Films A partir de ese momento, el relato se convirtió en talinistas, por otro, que le podrían crear problemas
Título original: IDA
algo mucho menos enredado, los personajes se en- en ciertos ambientes. Espera, no obstante, que la
Director: PAWEL PAWLIKOWSKI
Guión: PAWELL PAWLIKOWSKI y REBECCA LENKIEWICZ riquecieron. Ida pasó a ser más joven, con menos cinta sea lo suficientemente específica y poco re-
Fotografía: LUKASZ ZAL experiencias acumuladas, casi como una página en tórica como para que sea aceptada en sus exáctos
Música: KRISTIAN SELIN blanco, una chica joven en el umbral de la vida. La términos.
Dirección artística: KATARZYNA SOBANSKA y MARCEL acción se trasladó a 1962, un periodo no marcado Rodada con extrema sencillez, la película trata de
SLAWINSKI por ningún acontecimiento destacable en Polonia, la fe en los ideales y de cómo el tiempo puede conver-
Productores: ERIC ABRAHAM, PIOTR DZIECIOL y EWA pero un periodo del que el director guarda unos tirse en la peor de las trampas. El personaje interpre-
PUSZCZYNSKA
vívidos recuerdos, sus propias impresiones como tado por la fiscal es el encargado de arrastrar el peso
Montaje: JAROSLAW KAMINSKI
Intérpretes: AGATA KULESZA, AGATA niño, y, por eso mismo, muy sensible a las imáge- de un destino necesariamente terrible, mientras la
TRZEBUCHOWSKA, DAWID OGRODNIK, JERZY TRELA, nes y los sonidos. En este aspecto, la película podría joven protagonista asiste atónita a la memoria de un
ADAM SZYSZKOWSKY, HALINA SKOCZYNSKA, JOANNA considerarse como extraída del álbum familiar. tiempo que no es el suyo. No estamos siempre ante
KULIG Junto a la protagonista, Ida, tiene un papel muy monstruos, sino, a veces, ante personajes normales,
Duración: 80 minutos relevante en el film el personaje de Wanda, la tía incluso muchos de ellos muy inteligentes, que des-
Idioma: Polaco (VOSE) con la que se reencuentra la joven monja. Pawliko- pués de luchar por causas nobles, cuando cambia su
vski explica en quién y cómo se inspiró para crear estatus o alcanzan el poder, se transforman y repro-
a esta otra mujer: “Mientras hacía mi postgrado en ducen idénticos comportamientos que antes critica-
Oxford -dice- entablé amistad con el profesor Brus y ron. Han pasado, en ocasiones, de combatir al poder
su mujer. Helena me caía especialmente bien, me pa- totalitario o cualquier injusticia a ser ellos un poder
recía una mujer cariñosa y generosa. Perdí contacto que comete excesos e injusticias. “No digo todos, pero
con ellos cuando dejé Oxford, pero unos diez años más muchos de los polacos que en los cincuenta se afiliaron al
tarde oí en la BBC, que el gobierno polaco solicitaba la Partido Comunista lo hacían convencidos de que abraza-
proyección extradición de una tal Helena Brus-Wolinska, residente ban una buena causa; una forma racional de acabar con
08.04.2015 en Oxford, por crímenes contra la humanidad. Resul- las injusticias en el mundo. Luego, ellos mismos, cuando
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PALMARÉS
Festival Internacional de Cine de Toronto (2013): Premio
FIPRESCI de la Crítica Internacional
Festival Internacional de Cine de Londres (2013):
Mejor Película
Festival Internacional de Cine de Gijón (2013):
Mejor Película
Festival Internacional de Cine de Varsovia (2013):
Mejor Película
FILMOGRAFÍA
PAWEL PAWLIKOWSKI
Director
alcanzaron el poder se convirtieron en el mal que un día mentales a medio camino entre Serbia, Rusia y… “el
combatieron. Eso o pelearon contra el regimen que ha- fin del mundo”. Ida, su última obra por el momento, Documentales para la BBC
bían ayudado a crear”, asevera el realizador. está realizada en su propio país. Es la primera vez From Moscow to Pietushki withBenny Yerofeyev (1990)
Dostoevsky Travels (1991)
“La idea es reflexionar sobre cómo las decisiones que que rueda en Polonia. “La idea –confiesa- era más Serbian Epics (1992)
uno cree acertadas en su momento, con el paso del tiem- bien recuperar esas primeras sensaciones que uno ex- Tripping with Zhirinovsky (1994)
po, se convierten en fatales”, lo dice un director con una perimenta de niño y que nunca te abandonan… pero sí,
Telefilms de ficción
larga experiencia en seguir el rastro de personajes du- acabas por poner en orden cosas quizá desagradables
Twockers (1998)
dosos. En su haber figuran documentales sobre tipos de tu pasado. No creo hacer un cine polaco -prosigue-, The Stringer (1998)
como el ruso ultranacionalista Vladimir Zhirinovsky o el cine es un lenguaje internacional. Pero hay imágenes,
el criminal de guerra Radovan Karadzic, responsible, olores incluso, que se quedan grabados para siempre.” El Largometrajes
junto a otros, del genocidio de Bosnia. director dejó Polonia cuando contaba catorce años. Last Resort (2000)
My Summer of Love (2004)
En la filmografía de Pawlikovski figuran dos pelí- Su regreso se debe a la realización de Ida. (JLLR) The Woman in the Fifth (2011)
culas inglesas, una rusa, otra francesa y varios docu- Ida (2013)
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Nada que hacer
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tino de una orquesta): “Una actriz con carácter que observa que cada tecnología impone una distancia
pudiera dar muchos matices diferentes al personaje. psicológica, la distancia del que observa sobre el
Alguien con mucha luz, alegría, simpatía pero también que es observado, pero que cuando la imagen la
con un lado duro, determinado y decidido. Tenía que produce el propio actor, observador y observado se
tener una parte ingenua y, a la vez, una parte madura”. confunden… El rodaje se ha hecho con sonido direc-
FILMOGRAFÍA
La película se ha rodado en 16 mm, pero (de to (“Cada toma requería una nueva improvisación, la JAIME ROSALES
acuerdo con el signo de los tiempos) incorpora búsqueda por parte de los actores de nuevas palabras Director y Guionista
también imágenes grabadas por los actores con para que cada momento se sintiera como la primera Virginia no dice mentiras (1997) cortometraje
sus dispositivos (Mini-DV, Smartphone, Web-Cam), toma”). Rosales ha elegido a un equipo técnico nue- Yo tuve un cerdo llamado Rubiel (1998) cortometraje
que suponen el 20% del metraje total. Rosales: “En vo, con edades similares a las de los protagonistas Episodio (1998) cortometraje
The Fish Bowl (1999) cortometraje
un mundo inundado por la producción y consumo de y que están empezando. Según Bárbara Díaz, “ésta Las horas del día (2003)
imágenes de todo tipo, la película, si pretendía retra- ha sido una película de oportunidades y de mucho La soledad (2007)
Tiro en la cabeza (2008)
tar minuciosamente esa realidad, no podía quedarse esfuerzo, con muy pocos recursos, pero gran valor de
T4 Barajas – Puerta J50 (2009) cortometraje
al margen de los formatos, lugares y formas de pro- producción en un momento en que los modelos están Sueño y silencio (2012)
ducción y consumo de estas imágenes”. El director cambiando”. (RGM) Hermosa juventud (2014)
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Largo viaje hacia la noche reflejo, otro Niko venido de un pasado remoto e in-
nombrable hace más de sesenta años.
El cine independiente se reinventa o actualiza cada Después de ver esta película, una visión super-
década. Nouvelle Vague, Free Cinema, Dogma 95, ficial y frívola (impropia de un público tan selecto
Mumblecore, o la españolísima #littlesecretfim. Hoy y cultivado como el de nuestro cineclub) podría
toca que empecemos a familiarizarnos con la pala- llevarnos a dos conclusiones: Este chico no tenía
brita “Mumblecore”. Si el lector ha tenido la delica- que haberse levantado de la cama, y lo difícil que es
deza y el buen gusto de leer en páginas anteriores mi tomarse un café en Berlín. Pero Oh Boy es mucho
crítica de Frances Ha, tendrá una idea aproximada de más que un conjunto de ridículas desdichas. Es una
lo que les estoy contando. No obstante, en la pelícu- historia salpicada de humor triste y desesperanza-
la norteamericana dicho perfil o etiqueta no oculta do, una pequeña odisea por las calles de Berlín. La
su acabado o factura, en algunas secuencias más ciudad se convierte en un personaje fundamental
próximas al impresionismo que al nuevo neorrealis- de la película, sus muros y sus calles transmiten su
mo mumblecore. En Oh Boy podemos decir que la presencia con tanta fuerza como el protagonista
obra se ciñe completamente a la ortodoxia estética principal. Nuestro héroe se convierte en el Leopold
de esta corriente. Es un cine de pocos recursos don- Bloom del Ulises -más joven y atribulado- recorrien-
de el plató principal lo constituyen la calle de la gran do un Dublín-Berlín gris y sin expectativas. Pero,
ciudad o el interior de algún domicilio particular. Le al igual que en After hours de Scorsese, cuando las
gustan los planos largos, muestra preferencia por desdichas las padece un hombrecillo insignificante,
una nueva forma de comedia y, a diferencia del Dog- pierde la historia su sentido épico y en lugar de tra-
ma, la banda sonora tiene mucha importancia. Se gedia se convierte en ácida o amarga comedia.
dice que este nombre lo inventó un técnico de soni- Jan Ole Gerster es el responsable de esta exce-
do de Andrew Bujalski (padre del género) aludiendo lente película. Ha conseguido con su opera prima
al farfullar o susurrar de los actores. que todo el mundo hable de él en Alemania, nun-
Niko, un joven de veintipocos años, desilusionado ca un director debutante había acaparado tantos
y sin expectativas, deambula por la ciudad de Berlín premios de la academia germana. Ni siquiera el
Oh Boy a lo largo de veinticuatro horas. El desconcierto y la propio interesado aspiraba a tanto. En un comien-
frustración le salen al encuentro en cada pequeño zo, con los recursos de que disponía y las ayudas
Alemania. 2012 acontecimiento que le toca vivir ese día. Se sien- públicas, su único objetivo era conseguir que su
Director: JAN OLE GERSTER film fuera estrenado en la televisión pública, en un
te ajeno a un mundo que no entiende y que no le
Guion: JAN OLE GERSTER
entiende. Todo empieza con nuestro protagonista programa destinado a realizadores noveles. Esta
Música: THE MAJOR MINORS, CHERILYN MACNEIL
Montaje: ANJA SIEMENS saliendo de la casa de su novia después de lo que pa- expectativa hizo que durante el rodaje no se dejara
Fotografía: PHILIPP KIRSAME rece ser una ruptura forzada por él. A partir de aquí, llevar por los nervios o el miedo al triunfo, su obra
Productores: MARCOS KANTIS ALEXANDER WADOUH se nos describe a un joven que ha tenido problemas pudo construirse con total libertad. Para ello echo
Intérpretes: TOM SCHILLING, MARC HOSEMANN, con el alcohol y tiene que someterse a una humillan- mano de todo lo que había aprendido, del cine de
FRIEDERIKE KEMPTER, JUSTUS VON DOHNÁNYI, te entrevista con un psicólogo, que dictaminará si Scorsese, de Allen, Jarmusch y demás santos patro-
MICHAEL GWISDEK, KATHARINA SCHÜTTLER, procede o no la retirada de su carnet de conducir; nes del cine de autor. A su talento para contar una
ARND KLAWITTER, MARTIN BRAMBACH, ANDREAS a una serie de personajes patéticos o detestables historia sencilla hay que unirle la imprescindible
SCHRÖDERS, ULRICH NOETHEN, FREDERICK LAU, que guardan relación con su vida, incluyendo a un colaboración de Tom Schilling, Michael Gwisdek y
STEFFEN C. JÜRGENS
padre que ha decidido desentenderse de su hijo y la ciudad de Berlín, retratada como probablemen-
Duración: 83 minutos.
Idioma: ALEMÁN hacer algo más provechoso: jugar al golf. Pero Niko te la conoció Gerster a su llegada, en sus primeros
Banda Sonora: MILAN RECORDS no siempre fue así. En algún momento de su reciente años de meritoriaje. En esos años se fogueó como
Internet: www.ohboy.x-verleih.de/ pasado entró en barrena, abandonó la universidad, ayudante de dirección en películas como Good bye
se distanció de la imagen que siempre quiso tener de Lenin. De esos comienzos guarda en su retina la im-
sí mismo, y todo su mundo se le empezó a desmo- presión que le causo la capital alemana, poseedora
ronar. En una secuencia de la película comenta con de una belleza gris, de un magnetismo casi adictivo
una amiga: “A veces tengo la sensación de que la gente y tóxico: “Cuando llegué a Berlín me sentí raro, pase
que me rodea es muy rara. Hasta que te das cuenta que una época muy solitario y, de alguna manera lo plasmo
el problema eres tú”. Toda esa carrera de obstáculos, en este film”. Para conseguir esa impresión en el es-
en la que se ha convertido la jornada, sólo le ofrece pectador era necesario el blanco y negro, especial-
un extraño paréntesis. En un oscuro bar conoce a un mente obtener una atmósfera o apariencia “sucia”
anciano borracho e impertinente que experimenta en sus encuadres y descripciones visuales.
lo mismo que él; tampoco entiende el idioma de la El deambular de Niko por las calles de la gran
proyección
gente. En esos cinco minutos de epifanía, Niko -y el ciudad y los continuos acontecimientos que le sa-
22.04.2015 espectador- tienen la sensación que el anciano es un len al encuentro hacen que esta historia tenga un
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PALMARÉS BSO
6 Premios del Cine Alemán (2012). incluyendo mejor
película, director y guión
Festival de Sofía (2013). Mejor película
Premios del Cine Europeo (2013). Premio Discovery. OH BOY
3 nominaciones, inc. mejor película (Oh boy)
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Diferente el cual a su vez sólo desea estar guapo para que su
madre le quiera… La abuela (Nelly Ramos) se ofrece
Reconozco que yo no había oído en mi vida la ex- a quedarse con Junior, pero Marta se niega y decide
presión “pelo malo”. Al parecer, es un término que corregir a su hijo…
se usa en Venezuela, y en general en los países del “Diría que el gran tema es el respeto, más que la to-
Caribe, para referirse al pelo rizado, crespo, hereda- lerancia, porque se puede tolerar sin respetar”, dice la
do de antepasados africanos. Hablar de “pelo malo”, directora Mariana Rondón, que observa que la pelí-
por tanto, no es una cuestión estética o de gustos, cula funciona como una especie de test de Rorscha-
sino una expresión racista. La obsesión por tener ch: unos la ven como un retrato sobre la xenofobia,
el pelo liso (como las personas europeas) supone otros hablan de homofobia, y otros encuentran lec-
ocultar el mestizaje, avergonzarse de la herencia turas políticas. “Creo que es todo eso al mismo tiem-
africana. No es una invención de la película. Por po”, afirma la directora, que considera que se trata
ejemplo, yo he encontrado un libro dirigido a las de una historia universal: la libertad del individuo
niñas (¿y los niños?), Pelo malo no existe, escrito por y el derecho a descubrir su propia identidad. “Pelo
Sulma V. Arzu-Brown e ilustrado por Isidra Sabio, malo es una cinta sobre la violencia del gesto, la violen-
que según la sinopsis pretende enseñar a las niñas cia de las miradas. La construí desde lo íntimo, desde lo
afro-descendientes, afro-latinas o garífunas, a des- familiar, para poder hablar de lo grave que puede llegar
cribir diferentes tipos de pelo positivamente, para a ser no respetar al otro, no respetar las diferencias”.
que no lo identifiquen con el término “pelo malo”. Samantha Castillo llevaba tiempo actuando en
Otro libro, desde una perspectiva antropológica y teatro, pero éste es su primer papel cinematográ-
sociológica, es Pelo malo, pelo bueno: estudio antro- fico, si no contamos una aparición en Libertador
pológico de los salones de belleza en la República Do- Morales (2009). La actriz concibió a Marta como
minicana, de Gerald F. Murray y Marina Ortiz. Y hay una luchadora, “una mujer con muchas limitaciones
al menos dos documentales: Pelo bueno, pelo malo que tiene un objetivo claro: proteger a sus hijos, tener
(2008), rodado en la República Dominicana por el un trabajo para mantenerlos y sobrevivir en un con-
Pelo malo español Miguel Parra; y el norteamericano, Good texto hostil”. No cree que sea homófoba, sino que
Hair (2009), dirigido por Jeff Stilson y presentado tiene miedo de que su hijo sufra, de que se vea
Venezuela-Perú-Argentina-Alemania, 2013 por el cómico Chris Rock (al parecer, Rock se apuntó marginado o atacado en una sociedad que no ad-
Sudaca Films / Imagen Latina / Hanfgarn & Ufer al proyecto cuando su hija le preguntó por qué tenía mite lo diferente. Samuel Lage surgió de un casting
Filmproduktion / La Sociedad Post / Artefactos S.F. de 300 niños. La directora trabajó tres meses con
ella el “pelo malo”).
Directora: MARIANA RONDÓN
Vamos a Pelo malo, la película que presentamos los actores para construir los personajes, jugando y
Guión: MARIANA RONDÓN
Fotografía: MICAELA CAJAHUARINGA en nuestro Cine Club. La anécdota es mínima. Ju- creando confianza: “Y esa es la razón esencial por la
Música: CAMILO FROIDEVAL nior (Samuel Lange) es un niño de nueve años que que todo se siente fluir con naturalidad, como si estu-
Montaje: MARITÉ UGÁS tiene el “pelo malo”, o sea crespo y rizado, y que viéramos improvisando, pero todo estaba en el guión”.
Dirección Artística: MATÍAS TIKAS sueña con ser cantante. La obsesión de Junior es Para Rondón, los dos protagonistas son personajes
Productora: MARITÉ UGÁS alisarse el pelo, para parecerse a las estrellas del desamparados: “Adultos heridos e hirientes y niños
Co-Productores: GUNTER HANFGARN y JOSÉ IBÁÑEZ aprendiendo a herir. Marta, la madre, concentrada en
pop, en la foto que le tienen que hacer para la es-
Intérpretes: SAMUEL LANGE, SAMANTHA CASTILLO,
cuela (en lugar de hacérsela vestido de militar, que la sobrevivencia, le enseña a su hijo Junior a sobrevivir
BETO BENITES, NELLY RAMOS, MARÍA EMILIA
SULBARÁN, GABRIEL GUEDEZ, LUIS DOMINGO es lo habitual)… Junior vive en un barrio popular de igual que ella, sin recursos, sin libertad; pero Junior es
GONZÁLEZ, MARTA ESTRADA, JULIO MÉNDEZ Caracas, en una enorme colmena multifamiliar, con diferente, pelea con todas sus fuerzas por su deseo”.
Duración: 93 minutos su madre, Marta (Samantha Castillo), que es viuda, Hay que reseñar también el papel de la abuela, y
Idioma: Español y además tiene otro hijo más pequeño. El marido sobre todo de la niña “gorda” amiga de Junior (María
Internet: www.pelomalofilm.com/ de ella ha muerto recientemente en un suceso vio- Emilia Sulbarán), un personaje que roba todas las
lento, de los que son moneda común en la ciudad. escenas en que aparece.
Marta no consigue conservar un empleo fijo (pierde Caracas es otro personaje central del film. El
uno de limpiadora en la casa de una mujer rica, por- gran edificio multifamiliar donde viven los prota-
que pillan a Junior en el jacuzzi). Tiene que pasarlas gonistas (el edificio fue la primera imagen de la di-
canutas para recuperar su trabajo de guardia de se- rectora), un proyecto de vivienda social, de ciudad
guridad… Marta, agobiada por el trabajo precario y utópica de Le Corbusier de los años 50, convertido
la supervivencia, se ha vuelto dura, no comprende ahora en un “infierno vertical”, en una de las ciuda-
el capricho del niño por tener el pelo liso, y empieza des con mayor tasa de homicidios y actos violentos
proyección temer que sea diferente (homosexual). Esto le gene- del mundo. Violencia urbana, violencia política y
29.04.2015 ra un rechazo cada vez más violento hacia su hijo, violencia familiar (“Quería hablar de la violencia del
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PALMARÉS
Festival de SAN SEBASTIÁN: Concha de Oro (Mejor
Película)
Festival de MAR DEL PLATA: Mejor Dirección y Guión
Festival de LA HABANA: Premio Especial del Jurado
Festival de Cine Joven de TURÍN: Mejor Actriz (Castillo),
Guión y Premio del Público
país, claro, pero no de forma obvia… Más bien trabajé El cine venezolano está viviendo un buen mo-
una atmósfera violenta, que se encuentra también en mento, se estrenan 50 películas al año y, según
las miradas y las reacciones de los personajes”). La di- dicen, el público nacional lo prefiere al extranjero.
rectora quería que se viera el momento histórico Aquí nos están llegando algunas muestras: además
concreto, a través de las pintadas, carteles, noti- de Pelo malo, ganadora de la Concha de Oro en el
cias, y de las escenas rodadas en la calle (el tráfico, Festival de San Sebastián de 2013, este año el Goya
los autobuses): “La violencia en casa no es ajena a la a la Mejor Película Iberoamericana fue para Azul y
violencia pública, la violencia pública va entrando en no tan rosa (2013) de Miguel Ferrari…
las casas”. Un ejemplo sería la escena del baile (el Mariana Rondón, además de directora, guio-
baile es muy importante en Venezuela) “porque me nista y productora (creadora de Sudaca Films con
da la gana”, entre madre e hijo, que empieza como Marité Ugás, también directora y guionista, con la
en broma y se va haciendo violento. Otro sería la que alterna funciones en cada proyecto), es una FILMOGRAFÍA
terrible frase que dice la niña amiga de Junior, que reconocida artista plástica. Nos ofrece la siguiente
MARIANA RONDÓN
se quiere ir de ese barrio “porque aquí se viola”… conclusión sobre Pelo malo: “Quiero hablar de la
Mariana Rondón también quiso reflejar que Cara- intolerancia dentro de un contexto social cargado de Directora y Guionista
cas es “un gran matriarcado”, que el hombre está dogmas, que no acepta lo distinto, donde lo público se Zanja y cuchillo (1987) cortometraje
presente en el poder político y social, pero está extiende a la vida privada. Mis personajes viven rodea- Cáscaras (1991) cortometraje
Calle 22 (1994) cortometraje
ausente de las casas, del espacio hogareño desde dos de referentes que los excluyen. Una iconografía que
A la media noche y media (2000) codirigido con Marité Ugás
donde las mujeres sostienen el país. Admitiendo los alimenta de mesianismo político y certámenes de Postdata: Crónica roja (2003) serie TV
la influencia del documentalista brasileño Eduardo belleza. Modelos vacuos que los devuelven, finalmente, Bodas de oro (2005) TV
Rompecabezas (2006) serie TV
Coutinho y de los hermanos Dardenne, la directo- a su desesperanza”. (RGM)
Lo que se hereda no se hurta (2007) TV
ra rueda la mayor parte de la película cámara en Postales de Leningrado (2007)
mano y con el objetivo a la altura del niño. Pelo malo (2013)
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El convenio de yakarta tica esta sugerencia, y descubrió que si Kafka hu-
biera nacido en la isla de Sumatra sería un escritor
Indonesia, 30 de septiembre de 1965. Tras un inten- costumbrista. Los verdugos se mostraron entusias-
to fallido de golpe de estado, el general Suharto se mados con la idea, daban toda clase de detalles y
convierte en el hombre fuerte del país, posterga al se ufanaban de su pericia de matarifes. El grado de
histórico líder Sukarno y culpa del intento de golpe a implicación fue tal que le plantearon la posibilidad
los comunistas del PKI. En poco más de año y medio de realizar una película en la que, ellos mismos, in-
se desencadena una implacable matanza de comu- terpretaran sus papeles de asesinos e introdujeran
nistas, simpatizantes o cualquier otro grupo o colec- su particular aportación “estética” en la misma. Era
tivo que pudiera ser relacionado con ellos. Las cifras delirante. Asesinos que fingían ser actores que fin-
del genocidio no están claras, pero oscilan entre los gían ser asesinos.
seiscientos mil y el millón. De todo este elenco destaca especialmente
Hablar de genocidios en el siglo pasado, lamen- Anwar Congo, un gánster en aquellos años y uno de
tablemente, no debería sorprendernos; a Stalin se los más eficientes asesinos con los que contó Suhar-
le atribuye la frase: “Una muerte es una tragedia, un to. La azotea del edificio donde torturaba y mataba
millón de muertes es una estadística”. De Alemania a la a los detenidos estaba justo enfrente de un popular
URSS, pasando por Camboya, Vietnam o China, el ser cine de la ciudad donde, en un comienzo, vivía de la
humano ha mostrado un notable talento en producir reventa de entradas y de la extorsión. Este trabajo
nuevas formas de horror. Lo que le hace diferente al le hizo desarrollar una gran afición por el cine, espe-
genocidio indonesio es la absoluta impunidad con la cialmente el de Hollywood, y le servía de terapia o
que deambulan por las calles los mismos asesinos de estímulo antes de los interrogatorios. Ciertamente,
entonces, la obscena ostentación que hacen de sus se asesina mucho mejor después de haber visto una
crímenes ante los medios y, lo que es más grave, el entretenida película americana. Uno de los momen-
apoyo en su día de las principales potencias occiden- tos más inenarrables del documental sucede cuan-
tales y el desconocimiento generalizado que práctica- do, después de haber explicado la forma más rápida
mente tenemos sobre este episodio. y más limpia de matar, comienza a marcarse unos
The act of killing Para orientarnos desde una perspectiva histórico- pasos de cha cha cha.
cinematográfica, diríamos que la acción transcurre A lo largo de la película veremos a Anwar Congo
Dinamarca. 2012
Director: JOSHUA OPPENHEIMER, CHRISTINE CYNN Y inmediatamente después del final de la película El pasearse y rodearse de las fuerzas vivas de la isla de
ANÓNIMO año que vivimos peligrosamente de Peter Weir. Milita- Sumatra, siempre acompañado de un joven y obeso
Guion: JOSHUA OPPENHEIMER, CHRISTINE CYNN res, paramilitares y gánsteres al servicio del poder, gánster llamado Herman Koto. Tendremos ocasión
Fotografía: CARLOS ARANGO DE MONTIS, LARS SKREE comenzaron a realizar su labor de “limpieza” en la isla de conocer a la Juventud Pancasila, movimiento
Música: LIN ØYSEN VISTER de Sumatra. Los individuos más despreciables del paramilitar protegido por el gobierno y principal
Montaje: NIELS PAGH ANDERSEN, JANUS BILLESKOV lumpen delictivo se convirtieron en colaboradores responsable del baño de sangre; su ideario se puede
JANSEN, MARIKO MONTPETIT, CHARLOTTE MUNCH eficacísimos en dichas purgas. resumir fácilmente: anticomunismo visceral y una
Productores: COPRODUCCIÓN DINAMARCA-
Analizar este documental, aplicando unos criterios absoluta falta de escrúpulos para enriquecerse por
NORUEGA-REINO UNIDO; FINAL CUT FOR REAL / ARTS
AND HUMANITIES RESEARCH COUNCIL (AHRC) / de taxonomía cinematográfica, se vuelve complejo y cualquier medio. Pero, sin duda, lo que le hace dife-
DANMARKS RADIO (DR) fascinante a la vez. No es un documental al uso, no es rente a este documental, son las secuencias en las
Intérpretes: HAJI ANIF, SYAMSUL ARIFIN, SAKHYAN un docudrama, no es un making-of, tampoco es una que los asesinos representan o recrean sus fechorías
ASMARA, ANWAR CONGO, JUSUF KALLA, HERMAN obra de ficción. Es todo esto y mucho más. y sus terribles interrogatorios. Esto lo hacen sin per-
KOTO, HAJI MARZUKI, SAFIT PARDEDE, IBRAHIM SINIK, Joshua Oppenheimer, director de origen judío y der la perspectiva de que toda película que se pre-
SOADUON SIREGAR, YAPTO SOERJOSOEMARNO, ADI descendiente de víctimas del holocausto, se plan- cie tiene que tener una pretensión estética, y ellos,
ZULKADRY teó abordar este genocidio silencioso que padeció grandes admiradores del cine americano, ponen
Duración: 115 minutos.
Indonesia hace cuarenta años. El planteamiento todo su empeño en esta tarea. Cuando Oppenhei-
Idioma: INDONESIO, INGLÉS.
Internet: www.theactofkilling.com/ inicial fue el que aplicaría cualquiera: una voz en off mer acudía al estreno de su documental en diferen-
que actúa de narrador, una serie de entrevistas a las tes festivales, tranquilizaba a los espectadores si en
víctimas y a las asociaciones de derechos humanos algún momento de la cinta lo que veían les producía
del país, y poco más. Esto se convirtió en algo com- unas irrefrenables ganas de reír. El hecho de narrar
plicadísimo. La policía interrumpía las grabaciones, un genocidio no puede ocultar todo un despliegue
confiscaba las cintas y ponía toda clase de obstácu- de creatividad kitsch. Desde un inicio, que descola
los. Alguno de los implicados les sugirió la peregrina al espectador al ver salir de una gigantesca carpa a
idea de convertir en protagonistas a los asesinos, siete bailarinas indonesias, unos números musicales,
proyección haciendo que la cinta girase en torno a ellos y no de una puesta en escena que ni el más amanerado di-
06.05.2015 las víctimas. Oppenheimer decidió poner en prác- rector de Bollywood podría imaginar y sobre todo,
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res y, tampoco, que el propio Adi se sienta atraído
por acceder a sus cinco minutos de fama. PALMARÉS
El grado de implicación en el genocidio salpicaba Oscar (2013). Nominado a Mejor largometraje documental
no sólo a los que empuñaban las armas o los mache-
Premios del Cine Europeo (2013). Mejor documental
tes, sino también a los terminales mediáticos y propa-
gandísticos. Resulta estremecedor escuchar como el Premios BAFTA (2013). Mejor documental. 2 nominaciones
responsable de un importante periódico de Indonesia Premios Gotham (2013). Mejor documental
afirmaba que como representante de la prensa, su tra- National Board of Review (2013). Mejores documentales
bajo era hacer que el público odiase a los comunistas. del año
Ya lo dijo Víctor Hugo: “Sólo hay un ser más desprecia- Independent Spirit Awards (2013).Nominada a Mejor
ble que el verdugo, y éste es su ayudante”. documental
Anwar Congo, sin embargo, plantea esta película Satellite Awards (2013). Nominada a Mejor documental
como una necesidad de justificación y también de
terapia. Desde hace tiempo tiene pesadillas que le
impiden conciliar el sueño. No se arrepiente de lo
que ha hecho pero, de alguna manera, interpreta que
matar a alguien que no quiere ser matado altera el
karma. Sus pesadillas giran en torno a los ojos abier-
tos de una víctima degollada por él y que no tuvo la
prudencia de cerrárselos. Su mirada le persigue en
todos sus sueños. Anwar cree que si en alguna de las
secuencias interpreta el papel de alguno de los miles
que él torturó, equilibrará el karma y estará en paz
sobre todo, las constantes apariciones de Herman con sus fantasmas. El final perfecto para su historia
Koto disfrazado de mujer. El pasar de oír a un asesino sería verse a sí mismo en el paraíso, con bellas huríes
confesar sus atrocidades a ver como estos mismos y frondosas selvas, recibiendo el agradecimiento de
actores se convierten en protagonistas de una mala todos aquellos a los que el mató: “Por ejecutarnos y
película John Waters es un riesgo para la credibilidad enviarnos al paraíso te damos mil veces las gracias”. La
de este documental. Afortunadamente Oppenhei- apoteosis llegaría a su zenit mientras sonaba la can-
mer sabe caminar por este fino alambre sin caerse. ción de John Barry, Born Free. Esta melodía tiene algo
En un principio vemos como todas estas escenas de simbólico para nuestros protagonistas, la palabra
y sus preparativos se plantean sin buscar ningún tipo gánster en indonesio es traducida con el eufemismo
de justificación o coartada ética a lo que hacen, no de “hombre libre”.
lo necesitan. Adi Zulkadri - otro asesino- nos cuenta A pesar de los éxitos internacionales cosechados
que cuando la numerosa colonia china empezó a ser por esta película y por haber conseguido una expec-
acusada de amistad con los comunistas no tuvo re- tación inusitada en Indonesia al romper un silencio
paros en matar a cualquier chino que se cruzase en ominoso de varias décadas, el miedo de los trabajado-
su camino; cuando se encontró con el padre de su res y colaboradores nativos en este film permanece a
novia, también de origen chino, lo mató sin dudarlo día de hoy. En los créditos de la película podemos ver
un segundo. Todo esto lo narra entre risas y en un que, desde el codirector hasta el último figurante, la
ambiente de alegre camaradería. “La Historia la escri- palabra “anónimo” es frecuentemente repetida.
ben los ganadores, yo soy un ganador”. Oppenheimer Hay dos fundamentales razones para ver esta
le pregunta “¿Es consciente que lo qué hacían atentaba película. La primera, participar en el conocimiento
contra la Convención de Ginebra”?. Adi responde que de un genocidio silencioso y desconocido vivido en
esa convención fija un tipo de moralidad vigente Indonesia. La segunda, apreciar una nueva, arriesga-
hoy, mañana puede cambiar esa moral e imponerse da y valerosa forma de conocer la realidad. Permitir
la “Convención de Yakarta”. Él es, probablemente, que los verdugos se miren al espejo, que en Yakarta
el único verdugo que sospecha que dicha película no haya una nueva convención, un convenio moral
puede cambiar la visión que de los comunistas tenía alternativo. De esta forma evitaremos que siga con-
el pueblo: “Esta película, va a desmentir toda la propa- virtiéndose en cotidiana realidad la frase de Voltaire FILMOGRAFÍA
ganda contra los comunistas, basada en lo crueles que que Oppenheimer nos recuerda al comienzo del film: Joshua Oppenheimer
eran, y va a mostrar lo crueles que fuimos nosotros”. “Está prohibido matar. Por tanto, todos los asesinatos son Director
Estas reservas no impiden que los demás miembros castigados salvo aquellos que se practican en gran núme- The Globalisation Tapes (2003)
del “elenco” manifiesten su entusiasmo en ser acto- ro, y acompañados por el sonar de las trompetas”. (JMA) The act of killing (2012)
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El sueño de volar
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PALMARÉS BSO
Nominada al OSCAR: Mejor Película de Animación
Nominada al GLOBO DE ORO: Mejor Película Extranjera
Premios de la Academia Japonesa del Cine: Mejor EL VIENTO SE LEVANTA
Película de Animación y Mejor Música (Kaze tachinu)
Música Compuesta y
Dirigida por JOE HISAISHI
CD: Studio Ghibli
Records / Tokuma Japan
Communications, TKCA-
73920 (Japón)
(Duración: 53’05’’)
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Criaturas noctámbulas les confiere esa actitud de estar de vuelta de todo.
“¿Quién no sería un snob después de haber vivido más
Detroit, la ciudad que fue cuna de la industria auto- de mil años y haber presenciado los acontecimientos
movilística, es ahora una ciudad casi fantasma. Otra más importantes de la Historia?, bromea el director.
víctima de la crisis, que sirve, en esta ocasión, como “Los vampiros no son una metáfora de los hombres.
escenario decadente e ideal para enmarcar las sen- Son hombres”. Sobre esta declaración de intenciones
saciones que intenta transmitirnos Jim Jarmusch: ha construido Jim Jarmusch su nuevo film, en el que,
pesimismo endémico, hastío de vivir, melancolía en sus imágenes, busca mirar su propio desencanto
existencial…, en esta película sobre un amor “fou”, respecto a la obligación de sincronizarse con un pre-
que persiste por los siglos de los siglos. sente que no le agrada, porque como al protagonista
Sólo los amantes sobreviven, en contra de lo que le gustaría detener el tiempo.
pudiera parecer por cierta publicidad o el trailer, no La vuelta de tuerca al género que da el director
es una película de sangre y colmillos, sino ante todo se encamina hacia la integración de los vampiros al
y sobre todo una película de Jarmusch, centrada en mundo contemporáneo, y la visión que del mundo
el amor romántico que se encuentra en el arte, la tienen estos seres. Gentes solitarias, incompren-
ciencia, la naturaleza y la nostalgia de los tiempos didas, que han vivido varias vidas con una extraña
pasados, que para los protagonistas de esta histo- modernidad y aman tanto el planeta que despre-
ria siempre fueron mejores. Adam y Eve no realizan cian a la mayoría de humanos (a los que ellos llaman
precisamente las acciones que deberían para atraer zombies) por el mal trato que éstos hacen del que es
a un público al uso. Ni son amantes como cabía es- su hogar. Desprecian su incomprensión hacia la cul-
perar ni resultan terroríficos. Por el contrario, son tura y la Historia. Y desprecian a una sociedad que
unos seres que se distinguen por la elegancia de sus está podrida, igual de podrida que la Humanidad en
movimientos, por su encanto, algo enigmatico, que sí misma. Las drogas, las enfermedades, el efecto
cala en los demás a su pesar. Adam capta la aten- invernadero, fruto del maltrato al medio ambiente,
ción con su despreciativo pero apasionado interés son las causas y consecuencias de una situación
por la música y la ciencia, mientras que Eve, más insostenible, único motivo que les hace persistir en
Sólo los amantes sobreviven despierta, recurre a la literatura, el arte y la natu- su defensa de la cultura y la ciencia. Estos eruditos
raleza. Los personajes de Jarmusch trascienden por personajes, vampiros cool, narran sus experiencias
Estados Unidos, 2013
Recorded Pictures Company / Pandora Films y Snow Wolf
su empaque, saber estar –porque han estado desde vitales como cronistas que han conocido más de lo
Distribución: Vértigo siempre-, y en la economía de movimientos. Aun- que un ser humano durante diez vidas. Sus relatos, a
Título original: ONLY LOVERS LEFT ALIVE que, como contrapunto, también aparece un per- veces amargos y nostálgicos y otras contados desde
Director: JIM JARMUSCH sonaje, Ava, un familiar a quien sobra energía, que la angustia más profunda, ofrecen una visión depri-
Guión: JIM JARMUSCH representa casi todo lo que el espectador espera ver mente de una ciudad como Detroit, antes florecien-
Fotografía: YORICK LE SAUX de un ser inmortal con algunas condiciones. te y ahora en el más absoluto olvido.
Música: JOZEF VAN WISSEM Lo más interesante del film es la forma en la que Por la película transitan, aparte de Adam y Eve,
Diseño de producción: MARCO BITTNER ROSSER el director nos acerca a la vida cotidiana, pero no personajes que intentan romper el equilibrio esta-
Productores: JEREMY THOMAS y REINHARD BRUNDIG
ordinaria, de unos seres tan apasionados como lon- blecido entre ellos dos: Ava (la hermana de Eve),
Montaje: ALFONSO GONÇALVES
Intérpretes: TILDA SWINTON, TOM HIDDLESTON, MIA gevos y fragiles. Mientras escuchamos la canción humanos (o zombies), que utilizarán para conseguir
WASIKOWSKA, ANTON YELCHIN, JEFFREY WRIGHT, Funnel of Love, observamos a unas personas, todavía alimento y otros caprichos varios, e incluso un sabio
SLIMANE DAZI, JOHN HURT profundamente dormidas, que describirán un ciclo vampiro escritor de las novelas de Shakespeare (Kit,
Duración: 118 minutos que se repite desde tiempos inmemoriables, duran- el viejo amigo de Eve en Tánger).
Idioma: Inglés (VOSE) te el que se despertarán noche tras noche, pero que El uso de la música es primordial en el film, un
en esta ocasión lo harán para atraparnos a través de pequeño oasis de serenidad y belleza en un mundo
la pasión con la que viven sus grandes dotes para sordido y profundamente dramático. Un pequeño
determinadas artes. respiro para los personajes y, por tanto, para el es-
El director adapta el arquetipo del vampiro al in- pectador: sonidos melancólicos que combinan bien
cierto y apesadumbrado espíritu del siglo XXI. Según con una ciudad oscura y deprimente muy bien fo-
Jarmusch, “es la historia de dos seres excepcionales que, tografiada por Yorick Le Saux. No se puede negar a
por su inusual realidad, tienen una amplia visión de con- Jarmusch, entre otras muchas cosas, ese genuino y
junto de la Humanidad y de la Historia, incluyendo sus exquisito gusto por la música en sus películas.
logros impresionantes y sus trágicos y fatales fracasos.” Sólo los amantes sobreviven no es una película
Adam y Eve (cuyos nombres están inspirados por Los para todos los públicos; su director es el cineasta
proyección diarios de Adán y Eva, de Mark Twain) lo han vivido americano independiente más comprometido. Su
20.05.2015 todo en primera persona desde hace siglos, lo que cine, excéntrico y tremendamente personal, se ca-
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PALMARÉS BSO
Festival de Sitges (2013): Premio Especial del Jurado
Festival de Cannes (2013): Sección Oficial de
largometrajes a concurso
SÓLO LOS AMANTES
Festival de Toronto (2013): Sección Oficial SOBREVIVEN
(Only lovers left alive)
Festival de Nueva York (2013): Sección Oficial
Festival de Sundance (2013): Sección Oficial Música Compuesta e
Interpretada por JOZEF VAN
WISSEM & SQÜRL
CD: ATP Recordings,
ATPRCD52 (USA)
(Duración: 48’49’’)
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Miradas
de cine
Elia Kazan
Cine en su punto. Películas para descorchar
“Dirigir consiste en
convertir la psicología
en comportamiento”
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él o ella, y conocer a su mujer, su marido, su novio, poeta, un vendedor de bazar árabe, un domador de morir el abuelo materno, George pudo reagrupar su
su novia... Tiene que descubrir cómo es como ser fieras, un anfitrión, una figura de autoridad, una ma- familia, pero no se instalaron inicialmente en Amé-
humano, qué siente, cómo vive, qué oculta su per- dre que lo perdona todo, un padre que no perdona rica, sino en Berlín, donde los Kazan establecieron
sonalidad. Porque ése es el material con el que va nada. Tiene que ser escurridizo como un ladrón de una planta de lavado de alfombras. Al fracasar ésta,
a tener que trabajar. La experiencia vital del actor joyas, lisonjero como un relaciones públicas, tener George, Athena y sus dos hijos (Elia y su hermano
es el material del director. Los actores pueden tener la piel dura y el alma sensible, las piernas de un menor Avraam) se trasladaron definitivamente a
toda la formación y las técnicas, pero si ese precio- futbolista, la paciencia y la fortaleza de un santo, Nueva York.
so material no está dentro de ellos, el director no lo y sobre todo, valor y la capacidad de reconocer un George Kazan era un padre según la antigua tra-
puede sacar. El problema que Kazan encontraba en error. Durante el día, tiene que tomar decisión tras dición griega, una figura formidable y tiránica que
muchos actores era que llevaban una vida de cafés decisión en todos los campos. “Eso es un director: el exigía absoluta obediencia y la obtenía a través del
(la escuela, el café, el escenario, el estudio), no vi- hombre que tiene las respuestas”. Y cuanto más sabe terror. Elia siempre le tuvo miedo. Sin caer en la
vían la vida normal de los seres humanos, no lleva- un director, más consciente es de cuántas maneras psicología barata (bueno, barata es, porque no co-
ban las marcas de una vida vivida… Otro consejo de diferentes hay de hacer cada película, cada escena. bramos), parece evidente que esa poderosa figura
Kazan sobre los actores: no hay que elegirlos por la Y, con su habitual socarronería, Kazan terminó sus paterna es el origen de tantos padres temibles que
cualidad negativa que necesitan al principio de su reflexiones así: “Preguntadme ahora cómo es posible pueblan la obra de Kazan, tanto en adaptaciones de
papel, sino por la cualidad positiva que necesitan que, con todo ese conocimiento y toda esa sabiduría, textos o guiones ajenos (Al este del Edén, Esplendor
al final. Uno puede fingir la muerte, pero no puede y toda esa formación, y todas esas capacidades, inclu- en la hierba, Los visitantes, las obras teatrales Deep
fingir la vida, tiene que estar vivo. yendo las piernas de un jugador de primera división, Are the Roots, All My Sons y La gata sobre el tejado
Como director, Kazan nunca hizo un storyboard. ¿cómo me las arreglé para arruinar algunas de las pelí- de cinc) como propios (El compromiso, la novela Ac-
Siguiendo las enseñanzas de John Ford, buscaba la culas que he dirigido tan mal?” tos de amor). El plan de George Kazan para su hijo
inspiración cada día en el plató, en el espacio físi- mayor era tan claro como inamovible: que trabajara
co, al que llegaba el primero por las mañanas (para en el negocio familiar (George Kazan, Oriental Rugs
él, el decorado debe contar la historia, no ser sólo LA SONRISA DE ANATOLIA and Carpets), y se hiciera cargo de él en el futuro.
el ambiente en el que sucede la historia). No iba al Pero Elia y su madre, Athena, urdieron una “conspi-
rodaje con ideas preconcebidas: “Si tienes algún res- “Me llamo Elia Kazan. Soy de sangre griega, turco por ración” (sic), ahorrando dinero, trabajando en secre-
peto por tu propio talento para exprimir a un actor, o nacimiento, y americano porque mi tío hizo un viaje”. to y moviendo papeles, para conseguir que, al ter-
por el talento del actor, nunca estás seguro de lo que Al principio de América América (1963), la voz en minar la secundaria, el joven fuera admitido en una
va a pasar”. off del propio director resume, en primera persona, buena Universidad, el Williams College de Williams-
En 1973, Kazan dio una conferencia en la Wesle- su complicado origen… Elia (pronunciado Elía, con town, Massachusetts. Cuando el padre recibió la
yan University, con el título On What Makes a Direc- acento en la “i”) Kazanjoglou (lo he visto escrito de noticia, le propinó a su esposa un golpe tan fuerte
tor (lo que hace a un director, o lo que necesita un media docena de maneras distintas) nació en Cons- que la tiró al suelo, y desde entonces durmieron en
director) en la que intentó resumir lo que tiene que tantinopla (actual Estambul), en el Imperio Otoma- habitaciones separadas... (este episodio sería nove-
saber un director y qué características personales no (actual Turquía), el 7 de septiembre de 1909. lado años después por Kazan en El compromiso).
debe poseer. Está incluida en el libro Kazan on Di- Sus padres, George y Athena, eran de ascenden-
recting (vean las referencias). Para Kazan, un director cia griega, procedentes de Anatolia. El hermano
tiene que saber de literatura, de dramaturgia, de co- mayor de George, Avraam Elia Kazanjoglou, había
media y de drama, de ópera, de escultura, de pintu- emigrado a Estados Unidos a finales del siglo XIX (el
ra, de acrobacias, de baile, de toda clase de música, viaje en que se basaría la película América América).
de escenografía, de vestuario, de iluminación, de Había adoptado el nombre de “Joe” Kazan y, con
colores, de la cámara y sus lentes, de meteorología, mucho esfuerzo, había establecido en Nueva York
de ciudades, del campo, del mar, de topografía, de un próspero negocio de alfombras, Kazan Carpet
animales, de actuación, de la voz y el discurso, de Company. George se le unió un tiempo después,
psicología, de erotismo, de guerra, de historia, de trabajando en el negocio de su hermano y situán-
economía, de religión, de gastronomía, de actua- dose como segundo de a bordo. Pero, cuando de-
lidad política, de moda, de deportes... En suma, un cidió casarse, a los 32 años, George Kazan volvió
director tiene que saber y aprender de todo. Tiene a su tierra natal para buscar esposa. Se casó con
que seguir aprendiendo mientras vive, y cada expe- Athena Shismanoglou, de 19 años, a finales de 1908.
riencia deja un poso que puede utilizar en su profe- Quince días después de la boda, George volvió a
sión. Y, sobre todo, tiene que conocerse a sí mismo. Nueva York por asuntos de negocios, dejando en
Para Kazan, un director tiene que ser un gran Constantinopla a su joven esposa embarazada. En
cazador blanco dirigiendo un safari, un capataz de su autobiografía, Kazan dice que no es seguro que
construcción, un psicoanalista, un hipnotista, un su padre estuviera allí cuando él nació. En 1912, al Elia Kazan (de marinero) camino de América con su madre (centro)
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cia esencial en la vida y obra de Kazan, animando,
orientando, sugiriendo, criticando, proponiendo,
analizando o influyendo. Además, se pueden ras-
trear Mollys (personajes creados a su imagen y se-
mejanza) en muchas obras de Kazan: desde la Kathy
(Dorothy McGuire) de La barrera invisible hasta la
Flora (Deborah Kerr) de El compromiso, o la Ellie de
la novela El doble...
TEATRO EN GRUPO
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Kazan (puños en alto) en Waiting for Lefty
ría de usar las propias experiencias del actor, sino Night over Taos de Maxwell Anderson (drama histó- final de su aprendizaje de verano, Kazan no fue ad-
de reaccionar a las circunstancias de la escena (rela- rico en verso, en el México del siglo XIX), con sólo mitido como miembro del grupo. Clurman le dijo:
ción entre los personajes, objetivos y estrategias)... 10 funciones... Richard Schickel resume que, ya en la “Puede que tengas algún talento para el teatro, pero
En fin, aunque se hayan hecho muchos chistes, al- primera temporada, se pusieron de manifiesto los desde luego no para actuar”.
gunos con razón, sobre los excesos del Método, el problemas que atenazarían al Grupo durante toda Pero Cheryl Crawford le echó un capote, consi-
hecho es que, con todas las variaciones y matices su existencia: incapacidad para subvertir el modelo guiendo que su amiga Theresa Helburn, directora
que queramos, sigue siendo la base de la formación económico de Broadway; dificultad para encontrar ejecutiva de la Theatre Guild, le contratase como
y la práctica de los actores, desde las grandes escue- buenas obras nuevas, o desarrollar obras propias; y ayudante de stage manager (director de escena
las a los grupos de aficionados. la arrogancia de Lee Strasberg. o regidor) en The Pure in Heart, obra de John
Cambiando la forma de interpretar, The Group En la primavera de 1932, Elia Kazan logró entrar Howard Lawson protagonizada por Osgood Per-
Theatre aspiraba a que el teatro no fuera expresión como aprendiz en The Group Theatre. Como tra- kins (padre del futuro protagonista de Psicosis).
del arte, sino de la vida. Se pretendía crear un grupo bajo, no era un chollo: tenía que pagar 20 dólares Luego, hizo la misma tarea y además un pequeño
en el que autores, actores, directores y técnicos tra- a la semana, para trabajar como chico para todo papel de camarero, en Chrysalis (1932), también
bajaran, de manera integrada y armoniosa, como un del grupo, en la nueva sede veraniega de Dover con Perkins y algunos principiantes llamados
equipo, al margen del star system. Un grupo estable Furnace (Nueva York). Kazan puso mucha aten- Humphrey Bogart, Margaret Sullavan y Elisha
que podría trabajar de manera más profunda que las ción en la clases de interpretación, e hizo todos Cook Jr. Estos fueron los primeros trabajos profe-
compañías comerciales. En 1931-1932, se desarrolló la los trabajos que le mandaron, pero (eterno outsi- sionales de Kazan en el teatro, aunque no perdió
primera temporada del grupo, tras diez semanas de der) no encajó muy bien ni tampoco hizo muchos el contacto con los miembros del Group Theatre,
concentración y ensayos en una granja en Connec- amigos. Ese verano, el grupo estaba preparando cuya temporada 1932-1933 (con las mencionadas
ticut. El elenco incluía a Stella Adler, Franchot Tone, Success Story de John Howard Lawson, y Big Night Success Story y Big Night) pasó con más pena que
Sanford Meisner, Robert Lewis, Clifford Odets, J. de Dawn Powell. Kazan asistió a todos los ensa- gloria. Kazan pensó que había aprendido más en
Edward Bromberg, Morris Carnovsky y Ruth Nel- yos. No le gustó la forma de dirigir de Lee Stras- sus dos pequeños trabajos en el teatro comer-
son. Su primera obra fue The House of Connelly, de berg, pensó que su dureza estaba convirtiendo cial, que en todo el verano pasado con el grupo.
Paul Green (drama social sobre terratenientes del a la compañía en un grupo de masoquistas, dis- Había admirado la profesionalidad de Osgood
Viejo Sur), estrenada el 29 de septiembre de 1931, puestos a cualquier humillación para complacer al Perkins, su estilo de actuación, claro, controlado
con buenas críticas pero modesta acogida (91 repre- maestro (años más tarde, el estilo de dirección de y elocuente. Llegó a la conclusión de que la di-
sentaciones). Siguieron 1931 de Paul y Claire Sifton Kazan sería el opuesto, basado en la convicción y rección no era, como parecían creer los directo-
(lucha obrera), cancelada tras 9 representaciones, y la seducción, no exenta de manipulación). Pero, al res del Group, cuestión de entrenar actores: “Es
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convertir sucesos psicológicos en comportamiento,
sucesos interiores en patrones de vida visibles sobre
el escenario”.
En el verano de 1933, Kazan volvió como aprendiz
al Group Theatre, esta vez sin tener que pagar (un
avance). Se alojaron en un resort de Green Man-
sions, junto al Lago George, al norte del estado de
Nueva York. Kazan se encargo de los escenarios de
las pequeñas funciones que el Group hacía para
los otros huéspedes (a cambio del alojamiento y
la comida), e interpretó pequeños papeles en ellas.
Recuperó su alias de Yale, “Gadget”, porque se
convirtió en herramienta multiusos para todos los
trabajos que el resto de la compañía desdeñaba.
Ese verano, el grupo ensayó Men in White, de Sid-
ney Kingsley, un drama de médicos que se estrenó
el 26 de septiembre de 1933 y resultó un gran éxito
(estuvo un año en cartel y ganó un Premio Pulitzer,
aunque para algunos miembros del grupo era una
obra burguesa que estaba por debajo de su catego-
ría). “Gadget” trabajó como regidor y además hizo
un pequeño papel de celador. Esta vez, sí admiró el
trabajo de dirección de Strasberg, aprendió mucho Kazan en Pie in the Sky (1935)
sobre la improvisación, observando que la produc-
ción parecía un ballet moderno (“no se basaba en las cuando la escena del terremoto no salió bien, Stras- público desde el principio, se pone de pie y le de-
palabras, sino en el movimiento, la actividad y el com- berg le echó un chorreo durísimo delante de toda la nuncia como espía de los patronos. Al final, cuando
portamiento, eso era nuevo en el teatro de la época”). compañía. A partir de esa humillación, Kazan siem- llega la noticia de que Lefty ha sido asesinado, el
Luego, el grupo fracasó con una obra más ideológica: pre estuvo en guardia frente a Strasberg (“Él no era más radical de los sindicalistas, Agate Keller, hace
Gentlewoman de John Howard Lawson. capaz de asumir su parte de culpa por ningún fallo”). un llamamiento a la huelga, dirigido directamente
Entre tanto, Elia Kazan se había unido al Partido La obra aguantó dos meses en cartel. al público. Kazan se levanta, con el puño en alto, y
Comunista y se había integrado en la unidad co- La que iba a ser la obra más emblemática del grita: “¡Huelga! ¡Huelga! ¡Huelga!”... y el público se
munista del Group (unas ocho personas). Al mis- Group Theatre surgió de la unidad comunista del levanta con él.
mo tiempo, empezó a colaborar con otros grupos grupo, por encargo de la New Theatre League: Wai- El arrollador e inesperado éxito de Waiting for
teatrales de izquierdas de Nueva York: la League of ting for Lefty, escrita y dirigida por Clifford Odets. Lefty fue seguido por otra obra de Clifford Odets:
Workers Theatre (luego llamada New Theatre Lea- Se estrenó el 6 de enero de 1935, la noche que Ka- Awake and Sing!, estrenada en febrero de 1935, que
gue) y el Workers Laboratory Theatre (su eslogan: zan consideró siempre la más excitante que había supuso el debut de Harold Clurman como director,
“El teatro es un arma”). Estos grupos le dieron la vivido en el teatro. Trata de una huelga de taxistas. y trataba sobre las tribulaciones de una familia judía
oportunidad que no le había dado el Group: escribir Los miembros del sindicato están esperando a su en el Bronx, con Stella Adler como madre judía de-
y dirigir. La New Theatre League produjo Dimitroff: jefe (el Lefty del título) y debaten sobre la conve- finitiva. La obra captó el lenguaje y el espíritu de la
A Play of Mass Pressure (1934), sobre el comunista niencia de ir a la huelga. Sobre esta línea principal, ciudad, de manera realista y poética a la vez, y fue
búlgaro falsamente acusado por los nazis del in- se insertan breves sketches independientes sobre un éxito considerable. Kazan trabajó, nuevamente,
cendio del Reichstag en 1933, escrita y dirigida por condiciones de trabajo, o discriminaciones (no como regidor. Odets redondeó la temporada 1935
Kazan y Art Smith. necesariamente relacionadas con la huelga de que con una obra corta, creada a toda prisa como com-
En el verano de 1934, el Group, esta vez en Ell- se trata). La dramaturgia de la obra era novedosa plemento para el estreno de Lefty en Broadway: Till
enville (Nueva York) empezó a ensayar Gold Eagle para la época, al romper la cuarta pared que separa the Day I Died, sobre la resistencia alemana contra
Guy de Melvin Levy, épica historia del ascenso de tradicionalmente a los actores del público. Había Hitler, que dirigió Cheryl Crawford. Kazan interpre-
un magnate naviero en San Francisco (terminaba actores distribuidos en el patio de butacas, y a ve- tó un papel, además de hacerse con el de Agate
con el terremoto de 1906), que causó división de ces los intérpretes se dirigían directamente a los Keller en Lefty (“mi primer papel de verdad”) y una
opiniones: algunos señalaron que, en vez de criti- espectadores. El papel de Kazan era pequeño, pero sustitución en Awake and Sing!, y consiguió un pa-
car al capitalista, lo convertía en algo romántico; resultó un catalizador vital. En una escena, un sin- pel secundario relevante, de delincuente, en Para-
también se cuestionó la dirección de Lee Strasberg. dicalista aparentemente serio aconseja prudencia, dise Lost (1935), la siguiente obra de Clifford Odets,
Kazan trabajó en la obra como regidor, y un mal día, y de pronto Kazan, que ha estado sentado entre el dirigida por Harold Clurman.
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El primer trabajo de Elia Kazan para el cine, por héroe del joven movimiento artístico insurgente de la siguiente, Elia Kazan se dio de baja en el Partido
así llamarlo, fue Pie in the Sky (1935), un cortome- clase obrera... Era el primer intelectual comunista de Comunista. Según relató más tarde en su autobio-
traje codirigido con Ralph Steiner y Molly Kazan, las artes escénicas”). grafía, no abandonó los ideales básicos que el par-
producido por Theatre of Action. Se trataba de una En 1936, Kazan dirigió, con Alfred Saxe, su última tido pretendía defender. Al principio, creía que los
sátira contra la religión organizada, sin diálogos, en obra para el Theatre of Action: The Crime de Mi- comunistas americanos eran unos idiotas, mientras
la que Kazan interpretaba a un vagabundo. chael Blankfort, sobre una huelga. Entre los actores, que los rusos serían lo auténtico, pero se desenga-
estaban los futuros directores Nick Ray y Martin ñó definitivamente cuando tuvo noticias del pacto
Ritt. Ese año, el Group Theatre montó The Case Hitler-Stalin.
DIRECTOR “GADGET” of Clyde Griffiths, una adaptación de An American En enero de 1937, The Group Theatre interrumpió
Tragedy de Theodore Dreiser, dirigida por Lee Stras- sus actividades durante unos meses, después de un
Kazan impartió un curso de dirección en la New berg, en la que no participó Kazan. Éste sí tuvo un período de crisis, en el que se plantearon desde ad-
Theatre League, y asumió la dirección de una com- papel en Johnny Johnson (1936), una versión musi- quirir un teatro, hasta formar una escuela de acto-
pañía de actores del Theatre of Action, que pudo cal de El buen soldado Schweik (Jaroslav Hasek), con res (una idea que sería el germen del Actors Studio),
moldear a su imagen y semejanza. Según Norman libreto de Paul Green y música de Kurt Weill, que pasando por la mera disolución... Lee Strasberg y
Lloyd, Kazan creía que el director debía proteger el dirigió Lee Strasberg (con poco acierto, según los Cheryl Crawford abandonaron el grupo en la pri-
ego del actor, en lugar de destruirlo, como solía ha- testigos presenciales). mavera de 1937. Harold Clurman quedó como único
cer Strasberg. En la primavera de 1935, Kazan codiri- Entonces, el Partido Comunista decidió tomar el director, con un comité asesor integrado por Luther
gió con Alfred Saxe The Young Go First, una historia control del Group Theatre. Kazan fue convocado al Adler, Roman Bohnen y Elia Kazan.
sobre el Civilian Conservation Corps (un programa despacho del comisario político V. J. Jerome, donde Durante la pausa del Group, Kazan participó en
del New Deal para emplear a jóvenes parados en le leyeron la cartilla: el Group debería convertirse el rodaje de una película, People of the Cumberland
trabajos sociales), escrita por Arthur Vogel, Peter en una cooperativa de actores y dedicarse a hacer (1937), un cortometraje documental de 18 minutos
Martin, Charles Scudder y Charles Friedman. Kazan obras más propagandísticas. Kazan no transmitió de duración, sobre mineros del Tennessee, pro-
vivió durante una temporada en un apartamento las instrucciones del partido de manera muy en- ducido por la cooperativa Frontier Films (el Group
colectivo del Theatre of Action. Enseguida empezó tusiasta, así que se convocó una segunda reunión, Theatre del cine, se dijo entonces). Los directores
a sentirse incómodo con los rituales comunistas: con un preboste sindical de Detroit, en la que Kazan fueron Sidney Meyers (bajo el seudónimo “Robert
las autocríticas, las consignas, las reuniones todas fue criticado por su mentalidad de capataz (mando Stebbins”), Jay Leyda (firmando “Eugene Hill”) y
las noches (Kazan: “odio las reuniones, las odiaba en- intermedio que finge solidaridad con los trabajado- William Watts. Como señala Schickel, este tipo de
tonces y las odio ahora”). Sin embargo, mantuvo su res, pero representa a los patronos). Le ofrecieron documentales, que proliferaron en esos años (The
afiliación comunista porque le hacía sentirse ad- el perdón si confesaba sus errores y se comprome- River, The Plow that Broke the Plains) tenían más
mirado, respetado, necesitado y aclamado (“Era el tía a seguir la línea del partido en el futuro... Al día pretensiones artísticas que el cine comercial: narra-
ciones poéticas, montaje inspirado en el cine sovié-
tico, primeros planos de los trabajadores, fotografía
expresiva, etc. People of the Cumberland relataba
la implantación del sindicalismo entre los mineros
del Tennessee, e incluía imágenes de los verdaderos
habitantes de la región, pero también reconstruía
algunos acontecimientos con actores, como el
asesinato del líder sindical Barney Graham. La na-
rración fue escrita por el novelista Erskine Caldwell
(La ruta del tabaco), la fotografía estuvo a cargo de
Ralph Steiner (el gran fotógrafo y documentalista,
que había codirigido Pie in the Sky, primer trabajo
de Kazan en el cine), y la música fue compuesta por
Alex North (un nombre importante que volveremos
a encontrar en la filmografía de Kazan) y Earl Robin-
son. Elia Kazan fue acreditado como “ayudante” de
dirección. Y el conocimiento directo de las gentes
del valle del Tennessee le daría la primera idea para
la futura Río salvaje (Wild River, 1960).
El siguiente paso le llevó a Hollywood, aunque
sólo temporalmente. El productor Walter Wanger
Prueba de Kazan en Hollywood (1937) con Alan Marshal tuvo la idea de fichar actores del Group Theatre,
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(en el papel del elegante gangster Eddie Fuseli, el
personaje más relevante que había hecho hasta en-
tonces). Golden Boy fue un gran éxito, con 250 re-
presentaciones. Al año siguiente, en Chicago, Kazan
pudo interpretar al protagonista. La película se hizo
enseguida: Sueño dorado (Golden Boy, 1939), diri-
gida por Rouben Mamoulian, con William Holden,
Barbara Stanwyck y Adolphe Menjou. Del reparto
teatral, sólo apareció en la película Lee J. Cobb (as-
cendido a padre del protagonista, aunque sólo era 7
años mayor); el papel de Eddie Fuseli lo hizo Joseph
Calleia... Por su parte, la obra teatral tuvo sendos
revivales en Broadway en 1952 (con John Garfield
como protagonista) y 2012, y una versión musical en
1964, con música de Charles Strouse, protagonizada
por Sammy Davis Jr. (el protagonista pasaba de ser
italoamericano a ser afroamericano).
Hablando de sueños, finalmente Kazan pudo
realizar el suyo de dirigir una obra en Broadway:
Casey Jones (1938) de Robert Ardrey, para el Group
Theatre. Es la historia de un maquinista de tren que
ha dedicado toda su vida a la puntualidad de sus
trenes y a la línea que le emplea; empieza a perder
la vista, y causa un par de incidentes, por lo que le
Kazan en Golden Boy (1937) con Frances Farmer destinan como jefe a una estación casi sin tránsito... Kazan en Paradise Lost (1935)
En sus notas, Kazan apuntó que la columna verte-
para sus películas. Hicieron pruebas de cámara a bral de la obra era “la soledad de la vida americana”, bre dos pescadores que se enfrentaban a un gangs-
varios, incluyendo a Elia Kazan. La prueba de Kazan reconociendo también que se trataba de una obra ter, y al parecer pretendía ser una parábola sobre
fue una improvisación, en la que él y Alan Marshal “floja” con una premisa “sentimental”. Pero destacó el fascismo. La obra tuvo también cierto éxito (141
eran dos soldados que tenían que repartirse un bo- los decorados de Mordecai Gorelik, del cual Kazan representaciones), y luego fue llevada al cine como
cadillo (la prueba se puede ver en el documental aprendió una lección importante: la obra no debe Out of the Fog (1941), dirigida por Anatole Litvak,
de Richard Schickel Elia Kazan: A Director’s Journey, suceder delante del decorado, sino dentro de él (el con John Garfield e Ida Lupino (sin ninguna partici-
incluido en el DVD doble de Un tranvía llamado de- decorado no debe ser un fondo, sino un hábitat). El pación de Kazan).
seo). El proyecto de Wanger era Castles in the Air, mayor problema del director fue que no consiguió Elia Kazan dirigió la siguiente obra de Irwin Shaw,
un drama sobre exiliados republicanos españoles manejar a su estrella, Charles Bickford (Kazan reco- Quiet City (1939). El protagonista (Bobby Lewis) es
en París, que pretenden volver a España para luchar noció que le tenía miedo y que él, “como cualquier presidente de los grandes almacenes de la familia de
contra el fascismo. El director previsto era Lewis bestia, podía oler mi miedo”)... Aunque las mejores su esposa, un magnate que acaba de ser nombrado
Milestone. La película nunca llegó a realizarse, pero críticas las recibió el joven Van Heflin. La obra sólo embajador en Finlandia. Pero empieza a recordar o
Kazan pudo trabajar un tiempo como ayudante de duró 25 funciones. imaginar historias: sus empleados amenazando con
Milestone, aprendiendo mucho sobre la construc- The Group Theatre se había revitalizado, abrien- la huelga, un empleado despedido que se ha suici-
ción de guiones. do una escuela de actores. Se volcaron en la bús- dado, la mujer a la que amó y abandonó para casar-
Tras este paréntesis hollywoodiense, The Group queda de nuevas obras, tarea en la que fue impor- se con otra más rica, su hermano idealista (Norman
Theatre volvió a la actividad con Golden Boy, de tante la colaboración de Molly Kazan como lectora Lloyd), y su padre (Morris Carnovsky) que advierte
Clifford Odets, estrenada el 4 de noviembre de (en 1939, convocaron un concurso, en el cual ganó sobre la amenaza del Nazismo y se enfrenta a un
1937, con dirección de Harold Clurman. Era un dra- un premio un joven escritor llamado Tennessee Wi- Nazi americano (Karl Malden)... Esta obra no pasó
ma sobre un boxeador que también es violinista lliams). Montaron, con bastante éxito, una nueva del estado embrionario y sólo se representó como
(o viceversa); el boxeo puede darle fama y dine- obra de Clifford Odets, Rocket to the Moon (1938), workshop (taller) durante dos domingos de abril de
ro, pero también puede destrozar sus manos... El en la que no participó Kazan (estaba de gira con 1939, no llegando a desarrollarse por el poco interés
protagonista, Joe Bonaparte, fue interpretado por Golden Boy). Y después The Gentle People (1939) del público y del propio grupo. Kazan tuvo proble-
Luther Adler. El reparto incluía a Roman Bohnen, de Irwin Shaw, dirigida por Harold Clurman, con mas de comunicación con Carnovsky, que siempre
Robert Lewis, Morris Carnovsky, Frances Farmer, Franchot Tone, Silvia Sidney, Sam Jaffe... y Elia Kazan llegaba tarde a los ensayos y desafiaba su autoridad
Lee J. Cobb, Martin Ritt, John Garfield... y Elia Kazan (además de Karl Malden y Lee J. Cobb). Trataba so- (el joven director intentó congraciarse con él, lo que
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éste tomó como signo de debilidad). Aaron Copland confesó a Eli Wallach: “No soy un buen actor. Siempre
compuso la música, que convirtió posteriormente estoy enfadado en el escenario”).
en pieza de concierto, estrenada en 1941. El 17 de diciembre de 1940, The Group Theatre
Después, Kazan dirigió, para el Group Theatre, estrenó su última producción, Retreat to Pleasure
Thunder Rock (1939), un nuevo texto de Robert de Irwin Shaw, dirigida por Harold Clurman, sin nin-
Ardrey. Se desarrollaba en un faro en una isla del guna participación de Kazan. Echó el telón el 4 de
Lago Michigan. El nuevo farero (Luther Adler) es enero de 1941, tras sólo 23 funciones. Este fue el fin
un periodista desengañado del mundo, que quiere del Group Theatre, víctima del agotamiento de su
alejarse de los horrores de la guerra. Encuentra el modelo, de las disensiones personales, de la falta de
cuaderno de bitácora de un barco de inmigrantes apoyos y de sus propios fracasos. En cierto modo,
que se hundió en la zona en 1849, y al leerlo hace su espíritu reviviría unos años después en el Actors
revivir a los fantasmas del capitán (Morris Carno- Studio... pero ésa es otra historia.
vsky), un médico (Lee J. Cobb) y su hija (Frances
Farmer). Comprende que los inmigrantes abando-
naron Europa desesperados y, venciendo su propia POR LA PIEL DE LOS DIENTES
desolación, empieza a infundirles un sentido de
esperanza... A la mañana siguiente, decide volver al Elia Kazan siguió volcado en su carrera de actor.
mundo para luchar por sus ideales (esto en la ver- Interpretó un papel secundario en un revival de Li-
sión publicada, pues la versión estrenada terminaba liom (1909) de Ferenc Molnar, dirigido por Benno
con un discurso que abogaba por la neutralidad y Schneider. El protagonista, Liliom, trabaja en un ca-
no intervención de Estados Unidos en la guerra). rrusel, se enamora de una chica, pierde su trabajo y,
La obra fue un fracaso en Broadway: estrenada el 4 cuando ella queda embarazada, en un momento de
de noviembre de 1939, sólo alcanzó las 23 represen- desesperación, participa en un robo que sale mal y
taciones... Pero Thunder Rock, sin Kazan, tuvo una muere... Desde el más allá, se le permite volver a la
segunda vida en Londres, donde, protagonizada por Tierra para rectificar el mal hecho y velar por su hija.
Michael Redgrave, alcanzó un considerable éxito, y La historia había sido llevada varias veces al cine (la Kazan en Ciudad de conquista (1940)
fue llevada al cine (británico) en 1942, con dirección más importante, en 1934 por Fritz Lang), y luego
de Roy Boulting y protagonizada por Redgrave, Bar- daría lugar al musical Carousel (1945) de Rodgers y camionero que tiene un gran talento como boxea-
bara Mullen, James Mason y Lilli Palmer. Hammerstein, llevado a su vez al cine en 1956. En el dor, pero que rechaza todas las ofertas para dedicar-
En la siguiente producción de The Group Thea- revival estrenado el 25 de marzo de 1940, Elia Kazan se a ello profesionalmente. No tiene ambición: sólo
tre, el actor Elia Kazan consiguió su primer papel interpretaba a Ficzur, el amigo del protagonista que quiere una vida sencilla con su chica, Peggy (Ann
protagonista. Era Night Music (1940) de Clifford le enreda para que participe en el robo. Compartió Sheridan). Pero finalmente termina entrando en el
Odets, dirigida por Harold Clurman. Era (o preten- escenario con Burgess Meredith e Ingrid Bergman. mundo del boxeo. Por una parte, para conseguir
día ser) una comedia sobre las peripecias de un A continuación, Kazan hizo su papel más impor- el dinero que necesita su hermano Eddie (Arthur
americano de origen griego, Steve Takis (Kazan), tante como actor de cine en Ciudad de conquista Kennedy) para completar sus estudios musicales y
que viaja a Nueva York desde Hollywood con la (City for Conquest, 1940), dirigida por Anatole plasmar su sueño de componer una gran sinfonía
misión de recoger dos monos amaestrados (!). Pier- Litvak. Era un drama de boxeo, que utilizaba un dedicad a Nueva York. Por otra parte, quiere ser al-
de el dinero y los billetes, conoce a una chica (Jane curioso artificio narrativo: en el prólogo aparece guien para recuperar a Peggy, que le ha abandonado
Wyatt), y ambos tienen una serie de encuentros con un vagabundo (Frank Craven), que nos presenta la para seguir al arrogante Murray Burns (Anthony
personajes diversos (era una obra episódica, con un ciudad de Nueva York como la ciudad de conquista Quinn), deslumbrada por el sueño de triunfar en el
reparto larguísimo). La obra se estrenó el 22 de fe- del título, con sus siete millones de habitantes (en- mundo del baile y ver su nombre en las marquesinas
brero de 1940... y tampoco tuvo éxito: se canceló tonces), que luchan por abrirse camino desde la du- de Broadway...
tras 20 funciones (tendría un breve revival en 1952). reza de las calles a la altura de los rascacielos; ese Ciudad de conquista se basaba en una novela de
Sobre las causas del fracaso, se apunta el exceso de prólogo nos lleva al cruce de Delancey con Forsyth Aben Kanden, adaptada por el notable guionista John
confianza y autocomplacencia de Odets y Clurman. (Lower East Side), donde conocemos a los futuros Wexley (Los verdugos también mueren, Ángeles con
La interpretación del protagonista, Elia Kazan, tuvo protagonistas del film... cuando aún son niños. El caras sucias), pero es evidente la influencia de Golden
algunas buenas críticas (Brooks Atkinson le llamó vagabundo vuelve a aparecer más adelante (con el Boy, la obra de Clifford Odets, incluyendo la dicoto-
“uno de los actores más excitantes de América”), pero mismo aspecto), como coro griego unipersonal que mía entre boxeo y música (esta vez, repartida entre
otras opiniones fueron menos entusiastas, empe- puntea el relato, o que anticipa lo que va a ocurrir, dos hermanos). Así pues, no es coincidencia que Ka-
zando por los propios Odets y Clurman, señalando y también al final, para ofrecernos una conclusión: zan fuera reclutado para interpretar nuevamente
que Kazan puso demasiada intensidad y demasiado a pesar de todo, hay amor en Nueva York, la ciudad a un gangster... El de esta película se llama “Googi”
poco humor en su interpretación (el propio Kazan le tiene corazón... Danny Kenny (James Cagney) es un Zucco. En el prólogo, el vagabundo-narrador, le des-
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cille S. Prumbs, dirigida por Robert Lewis. El prota-
gonista (Kazan) está casado con una dramaturga y,
a modo de desafío, se propone escribir él una obra
teatral mejor que las de ella. Se supone que el per-
sonaje de él está basado en el escritor William Saro-
yan. La obra se estrenó el 13 de marzo de 1941, con
malas críticas, y aguantó sólo 4 funciones.
Luego, Kazan volvió al cine, con otro papel en
una película de Anatole Litvak para Warner, Blues in
the Night (1941). En realidad, era un proyecto que el
propio Kazan había desarrollado infructuosamente
para el teatro, junto a Edwin Gilbert, el autor de la
obra original, titulada Hot Nocturne. Se trataba de
una banda de jazz que pretende desarrollar un so-
nido auténtico, pero a la vez se ve implicada con un
grupo de criminales. El guión de la película, sobre el
libreto de Gilbert y Kazan, lo escribió Robert Ros-
sen; las canciones (incluyendo la que dio título al
film) tenían música de Harold Arlen y letras de Jo-
hnny Mercer. Kazan aceptó no ser acreditado como
coguionista, e interpretó un papel secundario como
el clarinetista de la banda (los otros protagonistas
eran Priscilla Lane, Betty Field, Richard Whorf, Lloyd
Nolan y Jack Carson, y aparcían Jimmie Lunceford
y su banda). Aunque la película es claramente peor
Kazan en Blues in the Night (1941)
que Ciudad de conquista, Kazan sale mucho más,
ya desde la primera escena: el film se abre con un
cubre, siendo aún niño, robando dos panes. Luego, travelling a través de un local nocturno, que termina de 1942, y alcanzó 141 representaciones, lo que la
(ya interpretado por Kazan) vuelve al barrio lleno de frente a una cabina telefónica donde está Kazan... cualifica como éxito menor, pero éxito.
ira, después de haber pasado un tiempo en la cárcel. “Lo único que me impresionó de la producción fue el No ocurrió lo mismo con la siguiente, The Strings,
Asciende en el mundo del crimen, y la siguiente vez le lado musical”, escribió luego. Fue su último trabajo My Lord, Are False (1942) del prestigioso dramatur-
vemos convertido en un sonriente gangster, bien tra- como actor (si no contamos su cameo en Pánico en go irlandés Paul Vincent Carroll. Trataba sobre un
jeado y conectado, que sigue siendo amigo de Danny las calles ni su voz en off en América América). párroco escocés (Walter Hampden) que daba cobi-
y apoyándole (aunque también pretenda ganar su Entre 1942 y 1944, antes de estrenar, por fin, su jo en su iglesia de Glasgow a un grupo surtido de
parte apostando por él). “Googi” (Kazan) morirá junto primera película (y recordemos que son sus películas víctimas de los bombardeos Nazis: un pacifista, un
al río, intentando acabar con los criminales que han lo que nos ha reunido aquí), Elia Kazan dirigió ocho comunista, una joven embarazada, un veterano de
amañado la pelea en la que su amigo se ha quedado obras teatrales seguidas. Cafe Crown (1942) de H. guerra, etc. El reparto incluía a Ruth Gordon (a la
ciego. Tiene una escena de muerte muy lucida (“Esto S. Kraft, ocurría en un restaurante que era una es- sazón una reconocida primera actriz) y a Constan-
no me lo esperaba”, es su última frase). En cuanto al ro- pecie de centro social del teatro Yiddish. La trama ce Dowling (a la sazón amante de Kazan). La obra
daje, Kazan admiró el trabajo de Cagney, su manera principal trataba sobre un veterano actor judío se estrenó el 19 de mayo de 1942, y sólo aguantó 15
directa y enérgica de interpretar, y como veremos vol- (Morris Carnovsky, en un personaje inspirado en funciones.
vería a trabajar con Arthur Kennedy y Anthony Quinn. Jacob Adler), que intentaba conseguir financiación Un éxito rotundo fue la siguiente obra dirigi-
En cambio, no le gustó la forma de dirigir de Anatole para un Rey Lear, pero la gracia estaba en la fauna de da por Kazan, por encargo del productor Michael
Litvak, que le pareció arrogante, y más pendiente de personajes del showbiz que se reunían en el café en Myerberg: The Skin of Our Teeth (1942) de Thorn-
sus complicados movimientos de cámara que de los cuestión. En sus notas, Kazan señaló que el teatro ton Wilder, ganador de dos Premios Pulitzer por
actores... Su modesta conclusión fue que él podía di- Yiddish era “el primer teatro de arte en la tierra salvaje The Bridge of San Luis Rey (1927) y Our Town (1938).
rigir películas mucho mejor que Litvak. Sin quitarle la de América”, y consideró que se trataba de una co- El planteamiento era bastante atrevido, aunque
razón, lo cierto es que Ciudad de conquista se conser- media sobre la decadencia (uno de los temas era la estuviera al servicio de un mensaje convencional
va como un clásico menor, que se puede seguir viendo muerte del viejo teatro y el auge del cine)... Además, (la bondad esencial de las personas y la fuerza del
con interés. Kazan sintió que había desaparecido la tensión de espíritu humano, a pesar de sus debilidades). Los
El último trabajo del actor Kazan en Broadway dirigir al Group Theatre (“relajado, por fin, disfruté protagonistas son la familia Antrobus (del griego
fue en Five Alarm Waltz (1941), una comedia de Lu- con lo que hacía”). La obra se estrenó el 23 de enero Anthropos), los padres, George y Maggie (Fredric
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March y Florence Eldrigde), sus hijos, Gladys y Hen- Clements, una biografía de Harriet Beecher Stowe,
ry (Frances Heflin y Montgomery Clift), y su criada, la autora de La cabaña del Tío Tom. Fue un encargo
Sabina (Tallulah Bankhead). Aparentemente, son del productor Gilbert Miller, hijo del célebre actor
una familia de clase media que vive en Excelsior, Henry Miller (no confundir con el escritor). Nue-
New Jersey... Pero son inmortales, llevan miles de vamente, Kazan tuvo que trabajar con una estrella:
años sobre la Tierra. En cada uno de los tres actos Helen Hayes, a la sazón una prima donna de Broad-
de la obra sobreviven a un gran desastre: la Edad del way, aunque ahora la recordemos más como la an-
Hielo, el Diluvio Universal y una Guerra Mundial. ciana polizona del film Aeropuerto (Airport, 1970).
Mr. Antrobus inventa cosas como la rueda, el alfa- Kazan se llevó bien con Hayes, pero no logró sacarla
beto, la tabla de multiplicar y la palanca. Los perso- de su manera de actuar (la que el público había san-
najes son arquetipos de la Biblia (Henry resulta ser cionado en sus éxitos anteriores). Paradójicamente,
Caín, antes de Al este del Edén) y la mitología... La quizá por eso la obra fue un gran éxito... Se estrenó
puesta en escena utiliza proyecciones, voz en off, se en Broadway el 3 de mazo de 1943 y se mantuvo más
rompe la cuarta pared (hay actores entre el público, de un año en cartel, con 377 funciones
los personajes se dirigen al auditorio). En el primer El siguiente encargo de Kazan llegó de una pro-
acto, aparecen crías de dinosaurio y mamut como ductora inusual: el Departamento de Agricultura
mascotas (antes de Los Picapiedra)... Pero el caso es del Gobierno de los Estados Unidos: It’s Up to You
que todo este (posible) disparate funcionó perfecta- (1943), escrita por Arthur Arendt, con música de
mente. El único gran problema de Kazan fue Tallulah Earl Robinson (había participado en People of the
Bankhead. El director amaba a los actores, pero no Cumberland). Se trataba de una obra itinerante,
le gustaban las estrellas, y Bankhead había llegado a didáctico-propagandística, concebida para fomen-
ser casi una caricatura del estrellato, caprichosa, in- tar el apoyo al racionamiento de alimentos... Incluía
disciplinada y autoritaria. Hubo toda clase de bron- proyecciones y arengas, y tenía que incluir datos y
cas y numeritos, pero el director, tras sus anteriores estadísticas en el ensamblaje dramático (era la tra-
experiencias con Bickford y Carnovsky, no estaba dición del Periódico Viviente: “De pronto nos dimos (One Touch of Venus, 1948), dirigida por William A.
dispuesto a dejarse comer el terreno (“¡Sigo aquí!”, cuenta de lo dramáticos que son los datos. Brecht uti- Seiter, con Ava Gardner, Robert Walker y Eve Arden.
le gritó). Más tarde, escribió que le debía una cosa a lizaba estadísticas, tecnología e información sobre el Y la obra ha tenido revivales y nuevas producciones
Bankhead: hizo de él un director: “No hay nada tan funcionamiento de las cosas”). Lo más relevante de hasta nuestros días... Sin embargo, Kazan no sintió
necesario para un director como la determinación de este trabajo, para la futura carrera de Kazan, fue que ese éxito como suyo, pensó que había trabajado más
conseguir el resultado que quiere, de una manera o de le permitió charlar con los funcionarios del Depar- como regidor que como director, disponiendo la es-
otra; preferiblemente mediante la paciente amabili- tamento de Agricultura, varios de los cuales habían cena y las luces para el lucimiento de los cantantes
dad, o la manipulación sutil, pero si no puede ser así, trabajado en la década anterior para la Tennessee y bailarines.
de cualquier manera que requiera la situación: una voz Valley Authority, lo que le dio la idea para su futura La génesis de Jacobowsky and the Colonel (1944)
intimidante, o la fuerza de la ira, simulada o genuina”. película Río Salvaje (Wild River, 1960). fue sumamente alambicada. Se trataba de la histo-
Aún así, en su autobiografía recuerda a Bankhead Al volver a Nueva York, Kazan dio el paso que le ria de un judío culto e ingenioso (Jacobowsky), que
como la única persona a la que realmente odió... The faltaba para ser un director de Broadway comple- pretende huir hacia el sur de Francia para escapar
Skin of Our Teeth se estrenó en Connecticut el 15 de to: dirigir un musical. Fue un encargo de Cheryl de los Nazis; adquiere un coche en París pero, como
octubre de 1942, y en Broadway el 18 de noviembre. Crawford: One Touch of Venus (1943), una fantasía no sabe conducir, tiene que asociarse con un Coro-
Alcanzó las 359 funciones (y conoció sendos reviva- sobre una estatua de Venus que cobra vida en el nel polaco antisemita (“que compartía muchas de las
les en 1955 y 1975). Las críticas fueron entusiastas, Nueva York contemporáneo, con música de Kurt cualidades menos atractivas de los Nazis”, en palabras
sólo empañadas por la acusación a Wilder de ha- Weill, letras de Ogden Nash, y libreto de S. J. Perel- de Kazan), cuyo ayuda de campo sí sabe conducir;
berse inspirado en Finnegans Wake de James Joyce. man y Nash, basado en la novela corta The Tinted pero el conductor quiere ir hacia el norte, para re-
El autor ganó un nuevo Premio Pulitzer, y Kazan y Venus de Thomas Anstey Guthrie. La protagonista coger a su novia... La historia original se debía Franz
Bankhead obtuvieron sendos premios de los críti- fue Mary Martin, y la coreografía estuvo a cargo de Werfel, un célebre escritor judío austríaco, casado
cos de Nueva York. Según el propio Kazan, The Skin la gran Agnes de Mille. En su autobiografía, Kazan con Alma Mahler, autor de la novela La canción de
of Our Teeth hizo su reputación como director de dejó escrita su admiración por Martin, de Mille, Bernadette (llevada al cine en 1943), que quiso plas-
Broadway: “No estoy seguro de cuánto contribuí a ella, Sono Osato (bailarina principal) y los demás bai- mar sus propias peripecias para huir de los Nazis.
pero estar ‘asociado’ con un éxito crea una reputación larines, cuya disciplina le pareció mayor que la de Werfel trabajó en una adaptación de su historia con
en nuestro teatro”. los actores. La obra tuvo un gran éxito: se estrenó Clifford Odets, nada menos. Pero el resultado se
La siguiente obra dirigida por Kazan en Broad- en Broadway el 7 de octubre de 1943 y permaneció consideró irrepresentable por el Theatre Guild, que
way, aunque olvidada hoy día, también fue un gran casi año y medio en cartel (567 representaciones). iba a producir la obra y ya había contratado a Elia
éxito: Harriet (1943) de Florence Ryerson y Colin Hubo una versión cinematográfica, Venus era mujer Kazan como director. Así que S. N. Behrman rees-
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cribió el texto (“con humor y un hábil toque humano”,
según Kazan). Los protagonistas fueron el imponen-
te Louis Calhern (el Coronel), Annabella (la chica),
J. Edward Bromberg (el ayuda de campo) y, sobre
todo, Oscar Karlweis (“un genio”, según Kazan)
como Jacobowsky... La interpretación de Karlweis
marcó el tono de la puesta en escena (al principio,
Kazan había planteado algo más serio y realista, en
la línea del Group Theatre, pero reconoció su error y
se unió al empuje de su protagonista). En sus notas,
Kazan señaló con ironía que “la dirección también
tuvo su mérito”. Jacobowsky y el Coronel fue un gran
éxito (el cuarto consecutivo de Kazan). Se estrenó
en Broadway el 14 de marzo de 1944 y permaneció
un año en cartel, con 417 representaciones. La obra,
además, ha tenido una larga vida posterior, con
múltiples encarnaciones, desde la película Yo y el
Coronel (Me and the Colonel, 1958) de Peter Gren-
ville, con Danny Kaye y Curd Jürgens, hasta la ópera
Jacobowsky und der Oberst (1965) de Giselher Klebe.
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Peggy Ann Garner, Dorothy McGuire y Ted Donaldson en Lazos humanos (1945)
Mejor Guión Adaptado. Y el director de fotografía Drake y Burl Ives. Kazan, en realidad, actuó como mún denominador y por subestimar al público... En
Leon Shamroy ganó un Oscar ese año, pero por otra “médico” en la sombra (el que arregla los problemas, realidad, la renovación estaba en camino: el 31 de
película (Que el cielo la juzgue). como el Sr. Lobo), sin ser acreditado en el programa marzo de 1945 se estrenó en Broadway The Glass
La novela conoció luego otras dos adaptaciones. (los directores que figuraron fueron Leon Leonidoff Menagerie de Tennessee Williams. Y Kazan iba a ser
Primero, un musical de Broadway, A Tree Grows in y Walter Kerr). La obra se estrenó el 27 de diciem- una parte destacada de ese nuevo teatro.
Brooklyn (1951), producido y dirigido por George bre de 1944 y tuvo un resultado mediano, con 102 Después de Lazos humanos, la Fox había conside-
Abbott, con libreto de Abbott y Betty Smith, música funciones. rado a Elia Kazan como director de otra producción
de Arthur Schwartz, letras de Dorothy Fields y co- Elia Kazan tuvo que hacer un paréntesis para ser- de prestigio basada en un libro de éxito, Anna and
reografía de Herbert Ross. En el musical, el papel de vir a su país en los escenarios bélicos del Pacífico. the King of Siam, pero no cuajó (el film se rodaría
la tía Cissy, interpretado por la estrella de la función, No participó en el combate, su misión era evaluar en 1946, con dirección de John Cromwell). En vez de
Shirley Booth, adquiere mucha mayor relevancia, la efectividad del entretenimiento que se propor- eso, Kazan volvió al teatro con Deep Are the Roots
a costa de los de Johnny (Johnny Johnston), Katie cionaba a los soldados. Pero sí le sirvió para cono- (1945) de Arnaud d’Usseau y James Gow, una obra
(Marcia Van Dyke) y Francie (Nomi Mitty); la obra cer de cerca el efecto que la brutalidad de la guerra sobre la cuestión racial, situada en el Sur profundo.
alcanzó 267 representaciones y fue reestrenada en producía en los hombres. Según sus memorias, en Trataba sobre un hombre negro (Gordon Heath),
2003. La otra adaptación fue un telefilme de 1974, esta época, mientras escribía su informe en Manila oficial del ejército y héroe de guerra, que vuelve al
dirigido por Joseph Hardy, con Cliff Robertson (Jo- y sufría fiebres, diarrea y vómitos (un episodio luego Sur, a la mansión de un Senador (Charles Waldron),
hnny), Diane Baker (Katie) y Pamelyn Ferdin (Fran- incorporado a su novela El doble), pensó en la nece- donde su madre ha servido durante años. Pero ya
cie), y con música de Jerry Goldsmith. sidad de renovar el teatro desde dentro, y concibió no puede conformarse con el puesto subordinado
Entre el rodaje de Lazos humanos y su estre- la idea de una escuela de actores que, a diferencia que tenía antes de la guerra. Además, una hija del
no, Kazan, aún tuvo tiempo de reconciliarse con del Group Theatre, no fuera una compañía teatral Senador (Barbara Bel Geddes) se enamora de él,
su esposa Molly (de la que se había separado por que representara obras, sino una escuela que mo- mientras el Senador revela su verdadera naturaleza
Constance Dowling) y de dirigir otra obra teatral, el delara toda una nueva generación de intérpretes. racista... Se trataba de un melodrama de “protesta
musical Sing Out, Sweet Land (1944), con libreto de Esa idea febril sería el primer germen del Actors social” que el propio Kazan calificó como “anticua-
Walter Kerr, producido por The Theatre Guild. Era Studio. En octubre de 1945, Kazan publicó un artí- do”. Sin embargo, tuvo bastante éxito: estrenada el
un homenaje al folklore y las canciones tradicio- culo en la revista Theatre Arts, en el que criticó el 26 de septiembre de 1945, la obra estuvo en cartel
nales norteamericanas, protagonizado por Alfred teatro dominante por seguir la ley del mínimo co- más de un año, con 477 representaciones. Y es obvia
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En 1946, Kazan formó una compañía de produc-
ción teatral con Harold Clurman, su mentor en el
Group Theatre. Su primer montaje fue un fracaso
legendario: Truckline Cafe (1946) de Maxwell An-
derson. El director fue Clurman, Kazan sólo figuró
como productor, aunque asistió a todos los ensa-
yos. Se situaba en un restaurante de carretera de
la costa Oeste de Estados Unidos, donde confluían
diversos personajes, más o menos afectados o da-
ñados por la reciente guerra. El reparto incluía a
Karl Malden, Kevin McCarthy, Virginia Gilmore,
David Manners, Ann Shepard, Frank Overton... y un
joven actor llamado Marlon Brando, cuya revelación
se convirtió en lo único que se recuerda de la obra
(año y medio después, sería elegido como Stanley
Kowalski en A Streetcar Named Desire). Aparte de
eso, Truckline Cafe fue un sonado fracaso: se estre-
nó el 27 de febrero de 1946 y sólo aguantó 13 fun-
ciones. Las críticas fueron entre malas y crueles, y
Clurman, Kazan y Anderson hicieron algo inusual (y
peligroso): replicar públicamente a los críticos, po-
niendo en duda su competencia. Pero lo cierto es
que el propio Kazan, en su diario, reconoció que la
obra carecía de una historia central sólida.
Peggy Ann Garner y James Dunn en Lazos humanos (1945)
su relación con una película que Kazan rodaría cua- LAS GRANDES PRADERAS EN EL PATIO TRASERO de pastan sus ganados (el mar de hierba del título)
tro años después: Pinky (1949). y está dispuesto a oponerse por todos los medios
El siguiente paso (resbalón, mejor dicho) de Ka- “Así que ahora [tras el éxito de Lazos humanos] tenía a los granjeros que, con el apoyo del Gobierno,
zan en Broadway fue Dunnigan’s Daughter (1945) cierto poder para elegir lo que iba a hacer a continua- están empezando a poner cercas y cultivar las tie-
de un S. N. Behrman menos inspirado que en Ja- ción, e inmediatamente elegí la cosa equivocada”, es- rras. Lutie intenta adaptarse a la vida espartana
cobowsky. Pretendía ser una alta comedia, sobre cribe Elia Kazan en sus notas sobre su segunda pelí- del rancho y a la dureza de su marido, pero sim-
un hombre de negocios americano (Dennis King), cula, Mar de hierba (The Sea of Grass, 1947), produ- patiza con una familia de granjeros y convence
instalado en México, donde explota tanto a la po- cida por Pandro S. Berman para la Metro-Goldwyn- a Brewton para que les permita asentarse en sus
blación local como a su propia esposa (June Ha- Mayer. El guión, de Marguerite Roberts y Vincent tierras, pese a las advertencias de éste de que no
voc)... En el reparto, encontramos un nombre que Lawrence, se basaba en la novela homónima de van a durar más de seis meses... La némesis del
iba a ser importante: Richard Widmark, dos años Conrad Richter, publicada con éxito en 1936, y atrajo Coronel es el abogado Bruce Chamberlain (Mel-
antes de su debut cinematográfico en El beso de la a Kazan porque éste creyó que le iba a permitir ro- vyn Douglas), que defiende a los granjeros y que
muerte (y cinco antes de volver a trabajar con Ka- dar una gran película épica en las grandes praderas ofrece un oído comprensivo a Lutie, por quien se
zan en Pánico en las calles). La actriz Anne Jackson, (“como Cimarrón o Río Rojo”, según sus palabras) y siente atraído... Brewton y Lutie tienen una hija,
luego sustituida por Jan Sterling, resumió mejor que además un intenso drama humano... Pero las cosas Sara Beth (de mayor, Phyllis Thaxter). Lo de los
nadie el problema de una obra “en la que sostienes no iban a salir exactamente según lo que esperaba. granjeros termina de mala manera, y la furiosa Lu-
una coctelera en una mano y una hoz y un martillo en El argumento, aunque se desarrolla sobre el tie, que culpa a su marido, decide irse un tiempo a
la otra”. El propio Kazan apuntó en su diario que la clásico telón de fondo del enfrentamiento entre Denver. Allí, cómo no, se encuentra con Chamber-
obra era “mala”, señalando que lo peor era que no ganaderos y granjeros, tiene más de melodrama lain y ambos mantienen un discreto affaire. Luego,
había en ella ni una gota de sentimiento humano, (o culebrón) que de Western... Lutie Cameron (Ka- ella vuelve a Salt Fork, donde da a luz a un niño,
que ningún personaje importaba ni conmovía, y que tharine Hepburn), una joven de la alta sociedad Brock (Robert Walker, cuando crezca). Por su par-
además no había historia (que Kazan entendía como de St. Louis, se casa con el Coronel Jim Brewton te, Chamberlain vuelve a la ciudad como Juez Fe-
una cadena de causas y efectos enlazados de tal for- (Spencer Tracy), un poderoso ranchero de Nue- deral, encargado de los pleitos sobre tierras... Lu-
ma que el final resulta inevitable desde el principio). vo México que ejerce un poder casi absoluto tie confiesa su infidelidad y se separa de Brewton,
En fin, la obra se estrenó el 26 de diciembre de 1945, en su territorio, la pequeña ciudad de Salt Fork. pero éste se queda con los dos niños... Pasan los
y echó el telón después de 38 funciones. Brewton ama las grandes praderas vírgenes don- años, Brock se convierte en un joven violento...
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dejado claro a Kazan: “Joven, nuestro negocio es ha-
cer películas hermosas de gente hermosa, y quien no
reconozca eso no debería estar en este negocio”. Eso
explica, por ejemplo, el despliegue de vestidos de
Hepburn (Kazan: “Cada vez que iba al baño a mear,
salía con un vestido diferente”).
En resumen, Kazan valoró con dureza su trabajo
en Mar de hierba, que se estrenó en abril de 1947
sin que el director participara en el montaje final. La
despachó en sus notas escribiendo que “tuvo lo que
merecía, una malísima recepción” (lo que no es cier-
to). Lamentó haber sido cobarde, no haber aban-
donado la película o haber intentado hacerla a su
manera, aunque le despidieran. En su autobiografía,
dice que sintió que el arte y el oficio del cineasta,
que le habían parecido tan cercanos, estaban ahora
fuera de su alcance; y sentenció: “Es la única película
que he hecho de la que me avergüenzo. No la vean” (!).
Sin embargo, toda esa negatividad estaba sólo en su
mente: la MGM y la industria se quedaron muy con-
tentos con la película, que fue la más comercial de
Tracy-Hepburn. Vista ahora, nadie la situaría entre
las mejores de su director, y tampoco destaca por
su personalidad (podría ser de cualquier director a
sueldo de la MGM), pero se deja ver con agrado… y
tampoco es para avergonzarse.
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Dana Andrews y el acusado Arthur Kennedy en El justiciero (1947)
Bridgeport negaron los permisos. Kennedy), un transeúnte, veterano de guerra, seña- termina siendo declarado inocente… En la vida real,
Al estilo documental, una voz en off (Reed Ha- lado por varios indicios circunstanciales, que termi- el asesinato nunca se resolvió. En la ficción, parece
dley) introduce la película, y nos presenta la peque- na confesando tras largos y duros interrogatorios. que el verdadero culpable fue el tal Crossman que,
ña ciudad provinciana de Stamford, Connecticut, El fiscal Henry Harvey (Dana Andrews) estudia quizá por imperativo del Código de Producción, re-
con la irónica observación de que, en Estados Uni- minuciosamente el caso… y llega a la sorprendente cibe su castigo muriendo en un accidente de auto-
dos, “todo lo que no es Nueva York es Connecticut”. conclusión de que Waldron es inocente. Recordan- móvil en el epílogo. Al final de la película (volviendo
Luego, conocemos a la futura víctima: el Padre do que su deber como fiscal no es conseguir una al espíritu documental), la voz en off nos informa de
George Lambert (Wyrley Birch), un sacerdote muy condena, sino procurar que se haga justicia, decide que el verdadero nombre del protagonista era Ho-
querido y respetado en la ciudad; un hombre justo y defender la inocencia del acusado (a este giro, in- mer Cummings, que llegó a ser Fiscal General de los
caritativo, pero también implacable, que dirige du- usual en un film de juicios, se refiere el boomerang Estados Unidos en 1933-1939.
ras palabras a un tal Crossman (Philip Coolidge), un del título original). Pero su empeño, apoyado por su Elia Kazan disfrutó haciendo El justiciero. Todo
tipo mal encarado que al parecer ha vuelto a hacer esposa (Jane Wyatt), choca con las fuerzas vivas de el film se rodó en exteriores y escenarios reales: en
algo horrible e imperdonable (cuya naturaleza nun- la ciudad, que ven peligrar sus posiciones políticas. las calles y edificios de Stamford (salvo las escenas
ca sabremos), al que le dice que es un enfermo y que Y si se pierden las elecciones, eso sería desastroso del juicio, que se filmaron en White Plains, Nueva
debe acudir o ser llevado a un sanatorio… Esa no- para el promotor inmobiliario Paul Harris (Ed Be- York). Ni un solo plano se rodó en un estudio. Kazan
che, el Padre Lambert es asesinado, de un disparo a gley), porque no se construiría un proyecto con el escribió: “Lo importante no era el tema, lo importante
quemarropa en la nunca, en plena calle principal de que pretende dar el pelotazo (un tema de perma- es que pude captar algo en el fondo, en la vida de la
la ciudad. Hay varios testigos, pero se contradicen nente actualidad)… Harvey decide mantenerse fir- ciudad. Me dio mucha confianza”. Colaboró estrecha-
o no han visto nada significativo. La policía, dirigida me, sin ceder a las presiones ni las amenazas. En un mente con el guionista, Richard Murphy, que estuvo
por el duro y honesto Jefe Robinson (Lee J. Cobb), tenso juicio, no carente de teatralidad (cuando Har- a su lado durante todo el rodaje, para resolver los
no avanza en la investigación. La ciudad está con- vey finge arriesgar su vida para demostrar que el problemas que pudieran surgir en las escenas (“no
mocionada y el periódico local exige resultados rá- arma de Waldron no podría disparar en la posición teníamos que consultar a nadie sobre nada”). Apreció
pidos. Finalmente, detienen a John Waldron (Arthur en que se produjo el disparo del crimen), el acusado el trabajo del veterano director de fotografía, Nor-
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vocaron la muerte de 21 pilotos, al estrellarse sus
aviones. Su socio y amigo Steve fue condenado por
el fraude, en su lugar. El hijo de Joe, Chris (Arthur
Kennedy) pretende casarse con Ann (Lois Wheeler),
hija de Steve y ex novia de Larry, hermano de Chris
e hijo de Joe, un piloto desaparecido en combate,
cuya madre, Kate (Beth Merrill), insiste en que está
vivo. El hermano de Ann, George (Karl Malden),
que es abogado, se presenta para acusar a Joe, que
termina confesando el crimen, lo que produce un
impacto devastador en Chris, sobre todo porque el
padre afirma que lo hizo por su bien, para salvar el
negocio que el hijo deberá heredar. Al final, Ann re-
vela una carta de Larry en la que éste anunciaba que
iba a suicidarse, avergonzado por las acciones de su
padre. Joe acepta entregarse, pero antes de hacerlo
se pega un tiro...
Dana Andrews y Lee J. Cobb en El justiciero (1947) Era un drama conectado tanto con la reciente
actualidad (se inspiró en un caso real sacado de los
bert Brodine, que consiguió excelentes resultados La película se estrenó en Stamford el 5 de marzo periódicos) como con la tragedia clásica (un hombre
con rapidez y un equipo sencillo (sin todo el aparata- de 1947. Tuvo un éxito considerable y críticas favo- esencialmente bueno que comete un acto horrible
je que había sufrido en Mar de hierba para conseguir rables. Fue seleccionada a concurso en el Festival de y debe morir para restaurar el orden moral), que
una imagen bonita). Kazan llamó a El justiciero su Cannes de 1947, y tuvo una nominación al Oscar al cuestionaba los fundamentos del sueño americano.
curación, en ella aprendió muchas técnicas, muchos Mejor Guión. El 10 de noviembre de 1947, se emitió All My Sons se estrenó en Broadway (tras preestre-
pequeños trucos, pero lo más importante es que una versión radiofónica, con las voces de Dana An- nos en New Haven y Boston) el 29 de enero de 1947,
desde entonces sintió que “podía hacer una película drews y Jane Wyatt. y fue un gran éxito que recibió críticas entusiastas y
en cualquier lugar, no necesitaba decorados ni estrellas”. A pesar de lo mucho que disfrutó haciéndola, de se mantuvo en cartel durante un año (328 represen-
Para el director, El justiciero fue la base de Pánico en lo que aprendió y de la confianza que le aportó, Ka- taciones). Arthur Miller ganó el premio Tony como
las calles y ésta la base de La ley del silencio. zan fue luego un tanto ambivalente sobre Boome- mejor Autor, y Kazan como Mejor Director. Pero
Dana Andrews fue la única (relativa) estrella del rang: “Creo que es una buena película, creo que todo esto sólo era el principio: la obra se ha venido re-
film. Un notable actor, capaz de aprenderse un funcionaba. Era una pieza de maquinaria, una pieza presentando frecuentemente desde entonces, con
discurso de siete páginas en veinte minutos, pero muy efectiva de mecánica narrativa. Pero ahora no revivales en Broadway (1987 y 2009), en Londres y
cuyo estilo no era totalmente del agrado de Kazan haría nada así”. Lo cierto es que sigue siendo un film en muchos otros lugares. A los escenarios españo-
(lo consideraba artificial), aunque tuvo que reco- muy atractivo, que se ve con interés, por la combi- les llegó en 1951, con el título de Todos eran mis hi-
nocer que se correspondía con la falsedad esencial nación de los códigos del cine negro y del cine de jos, y luego se ha representado muchas otras veces:
del papel de un abogado en un juicio. Jane Wyatt juicios, con el aspecto documental, el naturalismo la última en 2010, en el Teatro Español de Madrid,
había sido compañera de reparto del director en el de la mayoría de las interpretaciones y la realidad con dirección de Claudio Tolcachir, interpretada por
teatro, en Night Music (luego aparecería en La ba- que se desprende de las calles. Carlos Hipólito, Gloria Muñoz, Fran Perea y Manue-
rrera invisible). Por lo demás, Kazan pudo tirar de su Elia Kazan volvió al teatro para dirigir uno de los la Velasco. La obra fue llevada al cine en 1948, con
escudería de actores: Lee J. Cobb (futuro protago- hitos de su carrera: All My Sons (1947), la primera Edward G. Robinson y dirección de Irving Reis, y ha
nista de Death of a Salesman), Arthur Kennedy, Karl gran obra de Arthur Miller. Antes, Miller había es- sido adaptada para la televisión americana en 1958
Malden y el debut cinematográfico de Ed Begley; los trenado The Man Who Had All The Luck (1944), que y 1987, además de haberse presentado dos veces en
tres últimos aparecerían a continuación en la obra había sido un fracaso, y había escrito la novela Focus nuestro Estudio 1 de TVE (1967 y 1973). En fin: un clá-
teatral All My Sons de Arthur Miller, dirigida por (1945), y otra media docena de obras que permane- sico del teatro americano del siglo XX.
Kazan. Además, el director utilizó a actores no pro- cían inéditas... Kazan y Harold Clurman adquirieron
fesionales, ciudadanos de Stamford, en pequeños rápidamente los derechos para producir All My
papeles, por ejemplo policías haciendo de policías. Sons, que dirigió el primero, por decisión del propio DE ESO NO SE HABLA
Y se permitió un par de bromas: el propio Arthur Miller (Kazan y Miller se harían amigos ensegui-
Miller aparece en una rueda de reconocimiento de da). La historia, en resumen: Joe Keller (Ed Begley) La barrera invisible (Gentleman’s Agreement, 1947)
sospechosos. Y en una escena en la cárcel se ve a es un fabricante de maquinaria. Durante la guerra, se basaba en la novela homónima de Laura Z. Hob-
su tío Joe Kazan (el que inspiró el protagonista de bajo contrato con el gobierno, entregó a sabiendas son, que había sido publicada por entregas en la
América América). una serie de piezas de avión defectuosas, que pro- revista Cosmopolitan en 1946, con una gran acogida
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Kazan), no hay que minimizar el coraje que requi-
rió su realización. Por ejemplo, el film se atreve a
mencionar los nombres de tres políticos que para
nosotros pueden no significar nada, pero que eran
figuras destacadas de la época, famosas por hacer
público su antisemitismo: el senador Theodore Bil-
bo, el congresista John Rankin y Gerald L.K. Smith
(los nombres de Rankin y Smith ya se mencionaban
en la novela de Hobson). El propio Elia Kazan reco-
noció el valor que tuvo Zanuck para producir la pe-
lícula en ese momento: “Por primera vez alguien dijo
que América está llena de antisemitismo, consciente e
inconsciente, y además entre las personas mejores y
más liberales”.
Zanuck eligió al gran dramaturgo Moss Hart para
escribir el guión. Elia Kazan estaba en la cresta de
la ola, y además tenía un contrato con la Fox, por
lo que fue elegido como director, un encargo que
aceptó con entusiasmo (como liberal que era). Todo
el equipo artístico y técnico era de primera, con una
estrella ascendente como Gregory Peck (aunque el
estilo del actor no resultara del agrado de Kazan);
una excelente Dorothy McGuire (había trabajado
con Kazan en Lazos humanos), que representa muy
bien la ambigüedad esencial del personaje (una
buena persona, de conciencia liberal, pero que se
aferra a la comodidad del privilegio y se pliega al
“acuerdo entre caballeros” que sostiene la discrimi-
de crítica y público (apareció en formato de libro que triunfe el mal, basta con que las buenas perso- nación); una deslumbrante (en todos los sentidos)
cuando el film ya estaba en producción). Abordaba nas no hagan nada. Celeste Holm; la estrella John Garfield (actor judío,
un tema serio: el antisemitismo en los Estados Uni- El film fue un empeño personal del productor Da- ex miembro del Group Theatre, que aceptó un pa-
dos de la posguerra, que seguía existiendo aunque rryl F. Zanuck (20th Century Fox), y cuando empezó pel relativamente pequeño por apoyar el film); y
los americanos hubieran luchado contra los Nazis a ponerlo en pie se produjo una curiosa paradoja: notables trabajos de June Havoc, Anne Revere y
y aunque ya se conocieran los horrores del Holo- Harry Warner, Samuel Goldwyn y otros magnates Sam Jaffe.
causto. Y ponía el dedo en la llaga al sacar a la luz de la industria del cine, que eran judíos, quisieron Esta vez Kazan sí pudo rodar algunos exteriores
ese “acuerdo entre caballeros” a que alude su título disuadir a Zanuck, que no lo era, de hacer la película. en las calles de Nueva York, además de en Darien,
original, para discriminar a los judíos sin declararlo Intentaron transmitirle que era mejor ser discretos, Connecticut (cerca de donde había filmado El jus-
nunca en voz alta. No se trataba del racismo vio- no sacar el tema abiertamente, no hablar de ello, ticiero), aunque las convenciones de la época, en
lento del Ku-Klux-Klan, contra el que es fácil tomar porque podía resultar contraproducente. Incluso los filmes de estudio, se imponen. Por ejemplo, en
postura, ni de la segregación expresa de los negros circulaba la teoría delirante de que quienes se opo- la primera escena, vemos en plano general a Philip
en el Sur de la época (de la que Kazan se ocuparía nían al antisemitismo era “comunistas” (por eso el y su hijo Tommy en Rockefeller Plaza, junto a la fa-
después en Pinky), sino de una “barrera invisible” protagonista del film insistirá tanto en que el anti- mosa estatua de Atlas (que representa cómo el es-
(por una vez el título español es preferible al origi- semitismo va contra los valores norteamericanos). critor carga sobre sus hombros con el mundo y sus
nal) que hacía que los judíos no fueran admitidos Llegó a celebrarse una reunión de productores para problemas); es un exterior natural, pero, cuando se
en ciertos clubes, ni en ciertos hoteles, ni en ciertas convencer a Zanuck, pero éste se mantuvo firme: insertan los primeros planos, ya están claramente
escuelas, que no se les vendieran o alquilaran casas creía que la película tenía que hacerse a toda costa en un estudio, frente a una proyección trasera (¿no
en ciertos vecindarios, que se hicieran chistes crue- (y esa reunión inspiraría una escena del film, en la podían haber rodado todo en la calle, ya que esta-
les a su costa, etcétera, pero sin que eso figurase en que los colegas del editor de la revista, incluyendo ban?). La espléndida fotografía en blanco y negro
ningún cartel ni en ninguna norma. Todo ello cono- a uno que es judío, exponen argumentos similares). estuvo a cargo de Arthur Miller (Qué verde era mi
cido y tolerado por las buenas personas que no eran Así pues, aunque la película pueda parecernos valle, La canción de Bernadette, Anna y el Rey de
antisemitas, claro, pero no querían meterse en líos… hoy convencional, en algunos aspectos, o dema- Siam). Y el gran Alfred Newman, director musical
Recordemos la célebre frase de Edmund Burke: para siado educada y bonita (en palabras posteriores de de la Fox, compuso personalmente la notable banda
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interpretar. Se trataba de proporcionar un lugar
donde los actores profesionales pudieran trabajar
juntos, para desarrollar su talento o para experi-
mentar nuevas formas de trabajo creativo. La di-
ferencia esencial con el Group Theatre es que no
pretendía ser una compañía que produjese obras,
sino un taller, un laboratorio. La idea se materializó
en 1947, con la creación de Actors Studio, fundado
por Kazan, Cheryl Crawford y Robert Lewis, al que
se incorporó Lee Strasberg en 1948. Strasberg fue
director artístico del Studio desde 1951 hasta su
muerte en 1982. La lista de los actores que son o han
sido miembros del Actors Studio es impresionante,
y la entidad sigue en funcionamiento. Sus actuales
presidentes son Ellen Burstyn, Harvey Keitel y Al
Pacino (http://theactorsstudio.org/).
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Marlon Brando, Kim Hunter y Jessica Tandy en la versión teatral de Un tranvía llamado Deseo (1947)
ron por las exigencias del actor (sólo firmaría por de aquella puesta en escena fue, por supuesto, Marlon decorados de Jo Mielziner reforzaron esa cualidad
seis meses y quería la garantía de protagonizar la Brando, un tigre suelto, un terrorista sexual. Nadie ha- poética. Sesenta años después del estreno, un
película, en su caso). Para Blanche DuBois, se ba- bía visto nada semejante, porque aquella clase de liber- observador privilegiado, Arthur Miller, escribió lo
rajaron los nombres de Margaret Sullavan, Mary tad sobre el escenario jamás la había experimentado siguiente en el prólogo de una edición de la obra:
Martin o Pamela Brown... Jessica Tandy, una actriz nadie. Brando rugía el festivo terror al sexo de Williams “Tardé sólo unos minutos en darme cuenta de que, en
respetada de Broadway y secundaria en películas, con su espantosa veracidad y sus inexorables senten- el seno del teatro, aquel texto y aquella puesta en esce-
pero no una estrella (en el cine, sería famosa años cias. Brando era un bruto, pero portaba la verdad”. na abrían las puertas a otro mundo. Esto no se debía a
más tarde, con Los pájaros, Paseando a Miss Daisy y Pero esta revelación también fue fruto de un duro ninguna innovación de la estructura, que tenía un hilo
Tomates verdes fritos), consiguió el papel porque su trabajo. Kazan enseguida se hermanó con Brando, argumental tangible y realista. Se trataba más bien de
marido, el actor Hume Cronyn, logró que Williams, aunque éste no fuera un inmigrante sino un WASP la propia obra, que a un tiempo te agitaba y te eleva-
Selznick y Kazan la vieran en una representación de del Medio Oeste, por su difícil relación con sus pa- ba... No se puede menospreciar el texto, pero, como
Portrait of a Madonna, una obra breve de Williams dres. También tuvo el apoyo de Williams. Pero el ac- muy pocas que haya visto, aquella puesta en escena se
que avanzaba un borrador del personaje de Blan- tor tenía sus miedos (era su papel más importante convirtió en la obra. Era imposible separar la una de
che. Irene Selznick descubrió a Kim Hunter en una hasta la fecha), en los ensayos mascullaba sus frases la otra, los actores se olvidaron de sí mismos, se convir-
gira veraniega de Claudia de Rose Franken (que cu- y a menudo desconcertaba a sus compañeros (cada tieron en los personajes. Ha pasado más de medio siglo
riosamente en Broadway había estrenado Dorothy vez hacía las cosas de manera distinta). Incluso de- y todavía puedo recordar cómo contenía el público la
McGuire); la futura doctora Zira de El planeta de los claró que no le gustaba Stanley: “Es mi antítesis, un respiración cuando Blanche hablaba de «la amabilidad
simios también había trabajado en películas de serie hombre sin sensibilidad, sin moralidad, excepto hacer de los desconocidos». Cuando salía del brazo del médi-
B, y fue contratada como Stella. Karl Malden, que ya las cosas a su manera... Kowalski siempre tiene razón, co, todos nos íbamos con ella”.
había trabajado con Kazan en teatro (All My Sons) y nunca tiene miedo, nunca duda, y tiene esa clase de A Streetcar Named Desire se estrenó en Broad-
cine (El justiciero), fue elegido para el ingrato pero agresividad brutal que odio. Le tengo miedo. Le detes- way (Ethel Barrymore Theatre) el 3 de diciembre
significativo papel de Mitch. Solo faltaba Stanley: to”. Pero era tal la fuerza del actor, que Kazan sintió de 1947. Llamarlo éxito es quedarse muy corto. Las
Kazan propuso a Marlon Brando (con quien había que la obra se había desequilibrado para convertir- críticas fueron excelentes, aunque no todas supie-
trabajado en Truckline Cafe). se en “el show de Marlon Brando”, cuando el centro ron ver la excepcionalidad de lo que tenían delante,
Por fin Elia Kazan tenía un reparto a su medida: debía ser Blanche. Algo que luego intentó corregir hasta qué punto era algo nuevo y revolucionario.
“De repente, tenía una familia de gente que trabajaba en la película. Esta primera producción se mantuvo durante más
de la misma manera y tenía el mismo deseo de revelar- La obra tenía más capas y recovecos que ningu- de dos años en cartel, con 855 representaciones.
se”. Marlon Brando iba a ser el gran descubrimiento na otra que hubiera dirigido Kazan. Sus notas sobre Tennessee Williams ganó el Premio Pulitzer por
de Streetcar, aunque no todos los críticos supieran esta obra son las más extensas que escribió nunca, la obra, y Jessica Tandy (paradójicamente, la única
verlo en su momento. Años después, Arthur Miller encabezadas por esta rotunda afirmación: “Esta es protagonista que no pasaría a la película) recibió el
escribió: “Amén de Williams, la otra gran revelación una tragedia poética, no realista ni naturalista”. Los Premio Tony a la Mejor Actriz.
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con Tallulah Bankhead (actriz odiada por Kazan). La obra sucedía en 1945, en un restaurante al aire
Tuvo revivales en Broadway en 1973 (Rosemary Ha- libre de la costa de Florida, donde se reúne un grupo
rris, James Farentino), 1988 (Frances McDormand, de pilotos de las fuerzas aéreas, que están en tra-
Aidan Quinn), 1992 (Jessica Lange, Alec Baldwin), tamiento por traumas de guerra, y sus mujeres. Al
2005 (Natasha Richardson, John C. Reilly) y 2012 parecer, recordaba un poco Truckline Cafe. Kazan
(Nicole Ari Parker, Blair Underwood)... En 2009, se recordó así el experimento: “Trabajamos en la obra
estrenó un montaje en Sydney, Australia, con di- por diversión... Como nos gustó lo que salió, decidimos
rección de Liv Ullmann y protagonizado por Cate mostrarla. Nada más”. Bueno, la obra se estrenó
Blanchett, y otro en Londres con Rachel Weisz... Y en el teatro Belasco el 7 de septiembre de 1948 y
en 2014 se ha estrenado en el Young Vic de Lon- sólo alcanzó siete representaciones. Los críticos
dres una versión dirigida por Benedict Andrews y culparon a Kazan por haber impuesto un ritmo
protagonizada por Gillian Anderson... La primera demasiado frenético y acelerado. Por cierto, entre
versión en español de Un tranvía llamado Deseo los jóvenes e inexpertos actores (28 personajes) es-
se estrenó en 1948 en México. A España llegó en taban: Martin Balsam, Julie Harris, Steven Hill, Jen-
1961, con Asunción Sancho como Blanche. Volvió nifer Howard, Cloris Leachman, Nehemiah Persoff,
en 1994, con Ana Marzoa (Blanche), y en 2010, con Warren Stevens y Phyllis Thaxter.
dirección de Mario Gas, y protagonizada por Vicky A continuación, Kazan dirigió su tercer y último
Peña (Blanche), Ariadna Gil, Roberto Álamo y Alex musical: Love Life (1948), una producción de Cheryl
Casanovas... En fin, la obra nunca ha dejado de re- Crawford, con música de Kurt Weill, letras de Alan
presentarse. Vamos, incluso el arriba firmante ha Jay Lerner, coreografía de Michael Kidd, y protago-
tenido el honor de interpretar al pobre Mitch este nizada por Nanette Fabray y Ray Middleton. Podía
año en un taller de teatro de aficionados. recordar un poco a The Skin of our Teeth, porque se-
Adaptaciones a otros medios también ha habido guía los altibajos de un matrimonio corriente, pero
unas cuantas. Aparte de la película de Elia Kazan, a lo largo de 150 años de historia norteamericana.
de la que trataremos enseguida, ha habido dos ver- Pero el musical no era la especialidad de Kazan. Na-
siones para la televisión: una de 1984, dirigida por nette Fabray dijo: “No era un hombre con un toque
John Erman, con Ann-Margret (Blanche), Treat Wi- ligero, no era un hombre de magia y diversión”. La obra
Marlon Brando y Jessica Tandy en la versión teatral de Un tranvía llamado
Deseo (1947) lliams (Stanley), Beverly D’Angelo (Stella) y Randy se estrenó el 7 de octubre de 1948. La crítica se di-
Quaid (Mitch); y otra de 1995, basada en el revival vidió, pero el musical alcanzó 252 representaciones,
Entre los que manifestaron sus reparos a la pues- de Broadway de 1992, dirigida por Glenn Jordan, con lo que no se puede llamar en absoluto un fracaso.
ta en escena de Kazan estuvo Harold Clurman, su Jessica Lange (Blanche), Alec Baldwin (Stanley), Dia-
mentor en The Group Theatre y posterior socio. ne Lane (Stella) y John Goodman (Mitch). En 1995,
Kazan le propuso dirigir la obra en Chicago, con se estrenó la ópera A Streetcar Named Desire, con “HAY QUE PRESTAR ATENCIÓN”
Uta Hagen (Blanche) y Anthony Quinn (Stanley). Al música de André Previn y libreto de Philip Littell,
verla, concluyó: “La obra, con Harold, se había conver- con Renée Fleming como Blanche (está editada en Llegamos a otro hito de la carrera teatral de Elia
tido en una fábula moral, con valores éticos tan claros DVD)... Por último (por ahora), la reciente Blue Jas- Kazan: Death of a Salesman (1949), la obra maestra
y simples que el público no podía dudar sobre dónde mine (2013) de Woody Allen tiene un parecido más de Arthur Miller. Su protagonista, Willy Loman, es
debían estar sus simpatías”. Justo lo contrario de lo que evidente con esta obra en su esquema básico un viajante de 63 años, que ha pasado toda su vida
que él había intentado (y conseguido): “La vida es (casualidad o no, Cate Blanchett había interpretado persiguiendo el éxito y el dinero (“un hombre que va
un puzzle sin resolver, y nadie nos entrega un libro de a Blanche en el teatro en 2009). solo por la vida, sin más recursos que una sonrisa y un
instrucciones”. Hagen y Quinn llevarían los papeles Podemos concluir con las palabras de Arthur par de zapatos brillantes”, según dice otro persona-
en gira y luego los retomarían en Broadway, susti- Miller: “La caricatura puede ser el destino de obras de je). Incapaz de asumir su decadencia final, su men-
tuyendo a Tandy y Brando. A su vez, Jack Palance tanto éxito como Un tranvía precisamente porque, te empieza a divagar y se refugia en el pasado, en
sustituyó luego a Quinn como Stanley. irónicamente, han sido mucho y bien exploradas en falsos recuerdos de éxito y prosperidad, llegando a
Un tranvía llamado Deseo es una de las mayores escuelas de arte dramático y cursos de interpretación. perder el sentido de la realidad. Sobre todo, vuelve a
obras maestras del teatro del siglo XX. Sería vano Sus personajes se han convertido en figuras de piedra (o imagina) los días en que sus dos hijos, Biff y Hap,
intentar resumir aquí todos los montajes, versiones con ojos en mármol. Un tranvía es un grito de dolor, tenían un futuro brillante y prometedor. Biff podía
e interpretaciones que ha conocido... En Londres, se olvidar esto es olvidarse de la obra”. haber sido una estrella del fútbol, pero se quedó a
estrenó el 12 de octubre de 1949, con dirección de La siguiente obra dirigida por Kazan surgió como medio camino cuando no consiguió superar los exá-
Laurence Olivier y con Vivien Leigh como Blanche una extensión de sus clases en el Actors Studio, que menes que le hubieran permitido ir con una beca
DuBois (retengan este dato para la película)... En incluiría a los más jóvenes e inexpertos de sus ac- a la universidad. Hap, por su parte, está dispuesto
1956 se reestrenó en el City Centre de Nueva York, tores, en Sundown Beach (1948) de Bessie Breuer. (o condenado) a seguir los pasos de su padre. Willy
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a contar con Cobb para La ley del silencio). Mildred
Dunnock interpretó a Linda, la esposa de Loman;
Arthur Kennedy (que sólo era tres años más joven
que Cobb) a su hijo Biff; Cameron Mitchell a Hap,
y Howard Smith a Charley, un colega de Loman...
Otro personaje relevante fueron los decorados de Jo
Mielziner, cuya idea de que la casa de Loman apa-
reciera siempre, transparente y fantasmal, como
fondo de todas las escenas, contribuyó de manera
decisiva a dar forma a la mezcla de realidad y fan-
tasía de la obra.
Hay que prestar atención a otro colaborador im-
portante: el compositor Alex North, que había es-
crito la música de People of the Cumberland (1937),
en la que Kazan fue ayudante de dirección, y más
tarde compondría las bandas sonoras de Un tran-
vía llamado Deseo y ¡Viva Zapata! North creó una
memorable partitura, sugestiva y dramática. No
es frecuente que la música para teatro no musical
se grabe y se preserve para su audición fuera de la
obra. La de Death of a Salesman quedó registrada
primero dentro de un histórico doble LP grabado en
1950 (LP: Decca-MCA MCA2-4182), que ofrecía una
versión resumida de la obra, con el añadido de un
narrador y con las voces de Dunnock, Kennedy, etc.,
pero con Loman interpretado por Thomas Mitchell.
La música de North, que después se adaptó para
Kazan con el autor Arthur Miller las versiones cinematográficas de la obra, también
puede encontrarse grabada sola, sin diálogos (CD:
regresa una y otra vez al pasado, buscando en qué director decidió inmediatamente hacerla. Esta vez, Kritzerland KR-20012-1).
momento se torció todo... En las frases más célebres ni tuvo que consultar con Molly. Conectó inmedia- Kazan siempre dijo después que Death of a Sa-
de la obra, su esposa Linda dice: “Willy Loman nunca tamente con esta tragedia americana, cuyo prota- lesman era su favorita, de entre las obras de teatro
ha ganado mucho dinero. Su nombre no ha salido nun- gonista le recordó a su padre, con sus sueños de que había dirigido (aunque añadía que A Streetcar
ca en los periódicos. No es la persona más agradable prosperidad. Death of a Salesman fue producida por Named Desire estaba mejor escrita). La obra se es-
que jamás haya existido, pero es un ser humano, y le Kermit Bloomgarden y Walter Fried, porque Cheryl trenó en Broadway el 10 de febrero de 1949, y fue
está ocurriendo algo terrible. Por eso debemos pres- Crawford había dudado demasiado. La primera un acontecimiento desde el primer día. Los críti-
tarle atención, evitar que acabe en la tumba como un elección de Kazan para el protagonista fue Fredric cos agotaron los superlativos. Por ejemplo, Brooks
perro viejo. Llega un momento en que hay que prestar March, pero no estaba disponible; se consideró a Atkinson señaló: “Arthur Miller ha escrito un drama
toda la atención necesaria a alguien como él”. A me- Walter Huston y James Cagney. Miller se había ima- soberbio, rico y memorable. Es tan simple en su estilo y
nudo se ha dicho que la obra sucede dentro de la ginado a un hombre pequeño (como lo sería Dustin tan inevitable en su tema, que apenas parece algo que
mente de su protagonista. Pero también existe el Hoffman en el revival de 1984), pero Kazan prefirió haya sido escrito e interpretado. Miller ha mirado con
contexto social, muy real: la caída del sueño ameri- a un colega del Group Theatre, que ya había traba- compasión en los corazones de muchos americanos
cano, la crítica del capitalismo, de la moral del éxito. jado con él en El justiciero: Lee J. Cobb, que insistió corrientes y ha trasladado sus esperanzas y angustias
Willy Loman, según Kazan, es un buen hombre, pero en que había nacido para interpretar ese personaje. al teatro. Bajo la magistral dirección de Elia Kazan,
es un viajante con una filosofía de vendedor. Su ma- Kazan reconoció su carácter contradictorio, su an- Lee J. Cobb ofrece una interpretación heroica, y cada
yor error es que ha basado su vida en la opinión de siedad y cierta pesadez en su aspecto físico, como miembro del reparto actúa con inspiración”. La obra
los otros (el error del sistema capitalista: queremos si cargara con todas las penas del mundo (a pesar ganó el Premio Pulitzer y cinco Premios Tony a la
superar a los demás y al mismo tiempo tener su de ser 23 años más joven que el personaje). Fue el Mejor Obra, Autor (Miller), Director (Kazan), Actor
aprobación). Biff quiere, al mismo tiempo, estar por papel de su vida. Kazan presionó a Cobb para que de reparto (Kennedy) y Escenografía (Mielziner). Se
encima y ser amado por todos, lo que es imposible. evitara cualquier indicio de autocompasión, quería mantuvo en cartel durante casi dos años, con 742
Arthur Miller envió a Elia Kazan el manuscrito que mostrara ira, frustración y orgullo (Kazan y él funciones, y nunca ha dejado de representarse, en
de su obra a comienzos del verano de 1948, y el tuvieron sus diferencias, aunque el director volvería un lugar u otro. En Broadway, ha conocido revivales
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en 1975 (George C. Scott, James Farentino, Harvey co que le parece especialmente fordiano es el princi-
Keitel, Teresa Wright), 1984 (Dustin Hoffman, John pio, cuando Pinky vuelve a su casa).
Malkovich. Kate Reid), 1999 (Brian Dennehy, Kevin Darryl F. Zanuck llamó urgentemente a Elia Ka-
Anderson) y 2012 (Philip Seymour Hoffman, An- zan (una opción lógica tras La barrera invisible)
drew Garfield)... En Roma se estrenó en 1949, con para sustituir a John Ford (precisamente, el director
dirección de Luchino Visconti, interpretada por americano al que Kazan admiraba más). Aceptado
Vittorio Gassman y Marcello Mastroianni. En Lon- el “encargo” (casi a ciegas y de un día para otro, por
dres, en 1949, con Paul Muni, Katharine Alexander su deuda de gratitud hacia el productor), Kazan se
y Kevin McCarthy. En España, en 1952, con dirección subió a la locomotora de un tren en marcha: no
de José Tamayo, protagonizada por Carlos Lemos participó en la revisión del guión, ni en la elección
y Francisco Rabal. Muerte de un viajante volvió a del reparto, ni luego en la postproducción (se fue
nuestros escenarios en 1985, dirigida por José Ta- después del último “corten”). Y lo primero que tuvo
mayo, con José Luis López Vázquez, Encarna Paso que hacer fue elevar la moral de unos intérpretes
y Santiago Ramos; en 2001, dirigida por Juan Carlos desconcertados por el abandono del anterior direc-
Pérez de la Fuente, con José Sacristán; y en 2009, tor (“no tienes idea de lo frágil que es la autoestima
dirigida por Mario Gas, con Jordi Boixaderas. de un actor”). Kazan afirmó que había descartado lo
Death of a Salesman fue llevada al cine, sin parti- (poco) rodado por Ford, por lo que, según su ver-
cipación de Kazan, en 1951, con dirección de László sión, todo el metraje que figura en el film sería suyo.
Benedek, con Fredric March, Mildred Dunnock, Patricia Johnson, alias Pinky (Jeanne Crain), es
Kevin McCarthy y Cameron Mitchell, y en 1985, una joven afroamericana de piel tan clara que pue-
en una versión para televisión que dirigió Volker de pasar por blanca. Y eso ha hecho en el Norte,
Schlöndoff, con Dustin Hoffman, John Malkovich y donde se ha titulado como enfermera y tiene un
Kate Reid (a partir del revival de Broadway de 1984). novio blanco, el Dr. Thomas Adams (William Lundi-
Hablando de televisión, también tuvimos nuestro gan), que ignora su ascendencia. Al empezar la pe-
Estudio 1 (1972) con José María Rodero, Juan Diego, lícula, Pinky vuelve a su pueblo natal, en el Sur, para
Jaime Blanch, José María Caffarel y Charo López. visitar a su querida abuela Dicey (Ethel Waters), la
productora quiso congraciarse con los defensores mujer negra que la crió y que, con su duro trabajo
de los derechos civiles, llegando a contratar como como lavandera, ha conseguido enviarla a estudiar
“PASAR” POR BLANCA asesora a la actriz Jane White, hija del líder de la NA- Enfermería. El panorama que se encuentra Pinky es
ACP Walter Francis White. El reconocido liberal Du- para salir corriendo. Primero se ve envuelta en una
En un universo alternativo, Pinky (1949) figuraría dley Nichols, colaborador de John Ford en muchas trifulca con un pícaro vecino de su abuela (Frederick
en la larga e ilustre filmografía de John Ford, pues películas (entre ellas: La diligencia, El juez Priest, La O’Neal) y su gritona amante (Nina Mae McKinney),
el prolífico maestro preparó y comenzó a rodar esta patrulla perdida, El delator, El fugitivo), escribió el que termina con todos en la comisaría (el sheriff
producción de Darryl F. Zanuck para la 20th Cen- primer guión. Pero, a instancias de Zanuck, que no arresta a Pinky en cuanto descubre que es negra).
tury Fox… Aparentemente, Ford habría aceptado quería un film abstracto sobre el problema racial o Luego, está a punto de ser violada junto al camino
trabajar en Pinky como “compensación” a la Fox la segregación, sino una historia sobre una persona por dos canallas blancos… Pero su abuela la conven-
por haberle “prestado” antes a Henry Fonda para El individual “que decidía ser ella misma”, fue reescrito ce para que se quede a trabajar como enfermera
fugitivo (The Fugitive, 1947), aunque también pue- por Philip Dunne (guionista de Ford en Qué verde para Miss Em (Ethel Barrymore), la anciana dueña
de ser una justificación esgrimida a posteriori para era mi valle), que propuso un nuevo desenlace. de la mansión vecina, una mujer poderosa y orgullo-
desmarcarse. John Ford comenzó la película, pero chocó con sa, aunque venida a menos y gravemente enferma.
Pinky, la historia de una chica negra de piel muy la actriz Ethel Waters, el ambiente era muy tenso Pinky se resiste: cree que Miss Em ha explotado du-
clara, que ha pasado por blanca en el Norte y que y Zanuck tampoco estaba contento con lo que iba rante años a su abuela, y conserva el rencor de ha-
sufre los prejuicios raciales cuando vuelve a su pue- viendo de la filmación. Finalmente, tras sólo unos ber sido despreciada por la señora blanca. Aunque
blo natal en el Sur, se basaba en la novela Quality de días de rodaje, Ford abandonó Pinky, bajo la coarta- finalmente cede, al descubrir que Miss Em cuidó
Cid Ricketts Sumner (Bertha Louise Ricketts, 1890- da de una enfermedad (después, Zanuck confesaría personalmente a Dicey cuando estuvo enferma de
1970), publicada con éxito en 1945. A pesar de sus a Kazan que sólo fue una tapadera para justificar neumonía. La relación entre Pinky y Miss Em, tensa
buenas intenciones, el libro no había entusiasmado una salida honorable). Peter Bogdanovich recoge al principio, evoluciona hacia el respeto y el aprecio
precisamente a la NAACP (Asociación Nacional en su libro sobre el director (John Ford, University mutuo… Cuando la anciana muere, lega su mansión
para el Progreso de las Personas de Color), que lo of California Press, 1978), una frase escueta de Ford y sus tierras a Pinky. Pero una avariciosa pariente,
acusó de “Tío Tom-ismo” (promover una actitud sobre su trabajo en Pinky: “La preparé y trabajé un Melba (Evelyn Varden), impugna el testamento y
benevolente, pero paternalista, de los blancos ha- día en ella y luego me puse enfermo. No recuerdo lo en el juicio, la protagonista (“persona de color”), re-
cia los negros y una actitud sumisa de éstos). La que rodé yo” (Bogdanovich especula con que lo úni- presentada por el ex juez Walker (Basil Ruysdael),
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su resistencia a convertirse en heroína o símbolo, y
cómo finalmente encuentra la fuerza para luchar…
Creo que con una mujer más de rompe y rasga como
Horne o Dandridge hubiera sido un personaje me-
nos interesante.
La película se lanzó como un melodrama, no
como un film de tesis. De hecho, su eslogan, como
pueden ver en el cartel, era: “La conmovedora histo-
ria de una chica que se enamoró desesperadamente”
(¿qué?). Pinky tuvo un considerable éxito y críticas
unánimemente favorables (no tanto por parte de la
NAACP). Coincidió con otros filmes sobre el racis-
mo y la discriminación: La barrera invisible (1947) del
propio Kazan, Encrucijada de odios (Crossfire, 1947)
de Edward Dmytriyk, Home of the Brave (1949) de
Mark Robson, y Lost Boundaries (1949) de Alfred L.
Werker, que contribuyeron modestamente a crear
un clima favorable hacia la lucha por los derechos ci-
viles. Fue prohibida en la ciudad de Marshall (Texas),
y el caso llegó hasta el Tribunal Supremo, que falló
en contra de la censura, de acuerdo con la nueva
jurisprudencia que consideraba que las películas
estaban incluidas en la Primera Enmienda (libertad
de expresión). En septiembre de 1950 se emitió en
Ethel Waters (izq.) y Jeanne Crain (der.) en Pinky (1949) Lux Radio Theater una adaptación radiofónica, con
Jeanne Crain y Ethel Barrymore. Y recibió tres nomi-
se tiene que enfrentar a la hostilidad de los blan- llegó a entenderse razonablemente bien... Uno fue naciones al Oscar, para Jeanne Crain (actriz prota-
cos. Pero el juez, inesperadamente, falla a favor que la Fox no le permitió filmar en exteriores natu- gonista), Ethel Barrymore y Ethel Waters (actrices
de Pinky… Su novio, que ha descubierto su origen, rales, en el Sur. Casi todo tuvo que rodarse en estu- de reparto), aunque las ganadoras fueron Olivia de
sigue dispuesto a casarse con ella, aunque a condi- dio, incluso el decorado “exterior” del pueblo (“no Havilland (La heredera) y Mercedes McCambridge
ción de que venda la mansión y vuelva al Norte para había polvo, ni sudor, ni agua, ni nada”, dijo el direc- (Todos los hombres del rey). Wathers fue la segunda
seguir haciéndose pasar por blanca. Pinky no quiere tor). Y otro, más grave: que tampoco le convencía la persona afroamericana en ser nominada a un Oscar
vivir una mentira (“¿Cómo puedo ser yo misma si ya protagonista, Jeanne Crain, una actriz dulce, bella y (la primera había sido Hattie McDaniel, ganadora
no existe Pinky Johnson?”) y comprende que Miss Em voluntariosa (¡y blanca!), pero que le parecía inex- diez años antes por Lo que el viento se llevó).
le dejó su herencia con un propósito… presiva y “como una maestra de escuela dominical…
Aunque se tratara de un “encargo”, y hoy día sea no tenía ningún fuego”. En lugar de impacientarse,
una de las películas menos recordadas del director, Kazan trabajó mucho con ella para hacer pasar su PESTE EN NEGRO
Pinky no carece de conexiones con el resto de la fil- pasividad por tensión, reconociendo que al final re-
mografía de Elia Kazan. Por un lado, evidentemente, sultó efectiva en el papel… Al parecer, actrices afro- A pesar del éxito y el reconocimiento obtenido con
puede verse como una continuación de La barrera americanas de piel clara como Lena Horne y Doro- Lazos humanos y La barrera invisible, Elia Kazan,
invisible, como denuncia del racismo y la discrimi- thy Dandridge habían aspirado al personaje, pero la según relata en su autobiografía, sentía que aún no
nación. Por otro lado, plantea también uno de los productora no se atrevió a tanto, teniendo en cuen- era un verdadero director de cine: “Dirijo como lo ha-
temas recurrentes en la obra de Kazan: la figura del ta que tenía que haber una relación amorosa con un ría en el teatro, reuniendo gente en un lugar, normal-
outsider y la necesidad de mentir para mantener una personaje (y actor) blanco. Es cierto que el que la ac- mente una habitación, moviéndoles adecuadamente...
posición social. Pinky, como el posterior Eddie An- triz protagonista fuera blanca suponía una falsedad No estoy haciendo películas, estoy fotografiando obras
derson de El compromiso (novela y película), ha con- básica, pero Philip Dunne la justificó explicando que de teatro”. Decidió hacer una película utilizando la
seguido una vida cómoda, pero a costa de aceptar Pinky tenía que parecer completamente blanca; ése cámara para contar la historia, como John Ford, a
una mentira, un arreglo que supone negar su propia era el mensaje: los blancos eran muy amables con quien admiraba mucho. Una película que se centra-
identidad… Para ser ella misma, tiene que acabar ella, hasta que descubrían que era negra… En todo ra en la imagen y en la acción, no en el diálogo.
con ese compromiso. caso, yo quiero romper una lanza por Jeanne Crain Cayó en sus manos un nuevo guión de Richard
Kazan encontró dos motivos de insatisfacción en y su trabajo. Transmite bien su poso de rencor por Murphy (guionista de El justiciero), que a su vez
la película, y ninguno era Ethel Waters, con la que las ofensas sufridas, su fondo de bondad, sus dudas, se basaba en un relato de Edward Anhalt (futuro
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Vivien Leigh y Marlon Brando en Un tranvía llamado Deseo (1951)
guionista de El baile de los malditos, Becket, El es- diendo que sólo era perfecta como mecanismo, sin que la claustrofobia, el que la mayor parte de la ac-
trangulador de Boston, Jeremiah Johnson, QB-VII), la ambigüedad de sus obras más maduras. ción ocurra en el apartamento de Stanley y Stella,
adaptado al cine por Anhalt y su esposa Edna, en el caluroso verano de Nueva Orleáns, era esen-
con participación de Daniel Fuchs... Se trataba de cial para el clima de la historia.
una historia intrigante, que combinaba el género LA AMABILIDAD DE LOS DESCONOCIDOS El guión final de la película, que firmó el propio
criminal con lo que luego llamaríamos película de Tennessee Williams, con la colaboración del “adap-
catástrofes (en este caso, de epidemias). No era Ten- La versión cinematográfica de Un tranvía llamado tador” (lo que signifique eso) Oscar Saul, es muy fiel
nessee Williams ni Arthur Miller, pero iba a permitir Deseo se puso en marcha en verano de 1950. Fue a la obra teatral, manteniendo toda su estructura y
a Kazan hacer lo que necesitaba en ese momento: producida por Charles K. Feldman para Warner la mayor parte de sus diálogos. La apertura se limita
rodar una película de acción en exteriores naturales. Bros. (Zanuck había querido hacerla, pero la Fox se a unas pocas escenas que en la obra ocurrían en el
Fue Pánico en las calles (Panic in the Streets, 1950). había asustado ante los elementos escabrosos de la piso de los Kowalski y en la película salen fuera: la
Para más información sobre la película, les re- obra; también se rumoreó el nombre de William primera secuencia, en una estación de autobuses,
mito a la página correspondiente del ciclo. Para Wyler). Elia Kazan se mostró un poco reticente a con la llegada de Blanche a Nueva Orleáns (“Me dije-
señalar su importancia como punto de inflexión en dirigir la película, le parecía que era repetir algo que ron que cogiera un tranvía llamado Deseo…”), y la ima-
su carrera, el director escribió lo siguiente: “Pánico ya había hecho. Fue la única vez, en toda su carrera, gen del tranvía propiamente dicho; el reencuentro
puede parecer convencional a los críticos, pero fue un en la que dirigió la versión cinematográfica de una entre Blanche y Stella, que en la película tiene lugar
gran cambio para mí, para mi actitud hacia todo. Fue obra que hubiera dirigido en el teatro. Uno de los en una bolera; la escena romántica entre Blanche y
una liberación para mí, también pienso que es el único motivos que tuvo para aceptar fue “reequilibrar” la Mitch, que se sitúa en un salón de baile junto a un
film perfecto que hice, porque es esencialmente una obra, que en el teatro se había escorado un poco lago; y el añadido de una breve escena en la fábrica,
pieza de maquinaria, y no trata con ninguna ambiva- hacia Stanley-Brando, de manera que el eje volviera que muestra la reacción violenta de Mitch cuando
lencia. Simplemente, todo encaja en la secuencia de a ser Blanche DuBois. Su primera idea fue abrir la Stanley le revela el pasado de Blanche.
la narración, de manera casi perfecta. Pero por eso la obra, multiplicando los escenarios e incluyendo par- Pero la adaptación sí se vio condicionada por
hice, y me sirvió de mucho para las películas futuras”. tes y escenas que no aparecían en la versión teatral, otro factor: la censura. Desde el principio, era evi-
Kazan siempre mantuvo esa doble valoración de mostrando Belle Reve y todo lo que ocurre antes… dente que A Streetcar Named Desire iba a chocar
Pánico en las calles, considerarla perfecta, pero aña- Pero lo descartó en seguida, cuando comprendió con la llamada “Oficina Breen”, el órgano de au-
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últimos años: Paseando a Miss Daisy). Vivien Leigh
había interpretado a Blanche en Londres, bajo la di-
rección de su marido, Laurence Olivier. Para Kazan,
esto no era necesariamente una ventaja, porque no
le gustaba la versión de Olivier (le parecía la idea
estereotipada de un inglés sobre el Sur americano),
y tuvo que dedicar mucho tiempo al principio para
desprogramar a la actriz y recordarle que ya no es-
taba en Londres con “Larry”… Leigh llegó como una
outsider al reparto, lo que curiosamente reflejaba la
situación de Blanche en casa de Stella. El trabajo de
Kazan con Vivien Leigh no estuvo exento de proble-
mas y conflictos, pero el director llegó a admirarla.
Más tarde, diría que ella no tenía un gran talento,
pero si tenía la mayor determinación para superarse
que había conocido nunca (“se hubiera arrastrado so-
bre cristales rotos si eso hubiera mejorado su interpre-
tación”). Bien, a falta de máquina del tiempo, nunca
podremos saber, por nosotros mismos, cómo era la
Blanche de Jessica Tandy. Pero Vivien Leigh me pa-
rece insuperable en este papel. Encarna de manera
perfecta la viveza y sofisticación, el humor, la inteli-
gencia, la coquetería, la manipulación, la belleza (ya
un poco ajada), el desequilibrio, los nervios, el punto
de locura... de Blanche.
Kazan dirigiendo a Vivien Leigh y Kim Hunter en Un tranvía llamado Deseo (1951) Karl Malden (Mitch) observó después, con ironía,
que si Jessica Tandy hubiera interpretado a Blanche,
tocensura de la industria que velaba por la apli- eliminarla, o subsidiariamente presentarla como ni Kim Hunter (Stella) ni él hubieran estado en la
cación del Código de Producción. Fue Kazan, más imaginaria. En esto, Kazan se mantuvo firme: sin la película, puesto que no eran conocidos. En cambio,
que Williams, quien luchó arduamente para salvar violación, la obra perdería su significado (esta idea Vivien Leigh era lo bastante estrella para salvarlos
lo esencial de la historia, aunque tuviera que sacri- fue apoyada por Williams). Su única concesión fue a todos… Pues eso debemos agradecerle, a la vista
ficar algunos aspectos secundarios. La batalla con limitarse a sugerirla: Stanley se lanza a por Blanche del magnífico trabajo de ambos. En cuanto a Marlon
los censores se centró en tres temas. El primero, el (“Ésta es una cita que los dos teníamos pendiente des- Brando, bueno, no creo que nadie tuviera la menor
pasado de Blanche (sus relaciones con una sucesión de el principio”), en el forcejeo se rompe un espejo duda de que no podía haber otro Stanley. Kazan se-
de desconocidos, el haberse acostado con un alumno (devolviendo la imagen rota de Blanche, el fin de su ñaló que no podía ver ninguna diferencia entre el
de 17 años), y sobre todo la homosexualidad de su frágil cordura), y la imagen se funde a negro… Y el trabajo de Brando en el escenario y en la película. En
difunto marido, Allan Grey (en la obra, ella descu- tercer objetivo de la censura fue el final. En la obra, cierto modo, como observa Richard Schickel, lo que
bre a su joven y hermoso marido con otro hombre, cuando los hombres de la bata blanca se llevan a ofreció Brando fue la reproducción para un público
luego se lo echa en cara diciéndole que le da asco, y Blanche, Stella opta conscientemente por no creer- masivo de su ya legendaria interpretación teatral.
él se suicida, un trauma que está en la base del tras- la y seguir viviendo con Stanley como si no hubiera Terminada la película, la censura todavía le dio
torno mental de Blanche). Lo del pasado se conser- pasado nada. En la película, Stella proclama su de- una segunda vuelta: hubo que hacer unos pequeños
vó, ligeramente suavizado, pero la homosexualidad cisión de abandonar a Stanley (el necesario castigo, cortes para aplacar a la Oficina Breen y la Liga de la
de Allan se suprimió completamente, salvo como según el Código)… aunque Kazan lo filmó de mane- Decencia. En total, fueron apenas dos minutos. Un
una insinuación muy, muy indirecta. Lo que pasa es ra tan ambigua que pensamos que puede cambiar ejemplo, para que se hagan una idea: cuando Stanley
que, al eliminar ese elemento, pierde su base lo que de opinión al minuto siguiente, como hizo la noche maltrata a Stella, y ésta se sube a casa de su vecina
Blanche le confiesa a Mitch, la razón de su despre- que él le pegó. Eunice, y él la llama como un animal herido (“¡Stella!
cio hacia Allan, que llevó a éste al suicidio: en el film El reparto de la versión teatral de Broadway ¡Stellaaaa!”), se cortó el primer plano de Stella cuando
sólo dice que era demasiado sensible, que era débil pasó a la película… excepto su protagonista. En un decide bajar a reunirse con él, con expresión de lujuria,
(¿impotente?), que escribía poesías (¡parece que le proyecto tan arriesgado, los productores querían la y la bajada se mostró sólo en plano general... Así otros
despreciaba por ser poeta!). seguridad de una estrella. Así que Jessica Tandy fue cuantos cortes. En 1993, se editó en DVD una versión
El segundo punto de fricción fue la violación reemplazada por Vivien Leigh, puesto que Tandy restaurada que recupera esos fragmentos perdidos, y
de Blanche por Stanley. Los censores exigieron no era una estrella (en el cine, no lo sería hasta sus que es la que veremos en nuestro ciclo.
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Kazan dijo siempre que le gustaba “un poco guión manejable. Luego, Kazan trabajó con él en las
más” la versión teatral… Nosotros nunca podremos revisiones. Para el director, fue muy estimulante po-
compararlas (sobre la versión teatral sólo tenemos der colaborar con un escritor de esa categoría.
reseñas de terceros), pero sí podemos decir que la La Fox había adquirido los derechos de la novela
película de Un tranvía llamado Deseo es una obra Zapata the Unconquerable (1941) de Edgecomb Pin-
maestra absoluta, que no ha perdido un ápice de chon (autor de la novela en que se había basado la
su poder. La decisión (acertada) de mantener a los exitosa Viva Villa! en 1934), para tenerla como res-
personajes encerrados en un espacio que cada vez paldo, pero no consta que Steinbeck se basara en
parece más pequeño, potencia el drama. El uso del ella en modo alguno, ni se cita en los créditos del
primer plano (una exclusiva del cine) consigue un film. Zanuck también tenía sus propias ideas. Algu-
mayor grado de detalle y de matices. Karl Malden nas, como convertir el film en una película de aven-
señaló que el montaje permitió a Kazan equilibrar turas con Tyrone Power, en la línea de El signo del
la obra (si Stanley iba a apoderarse de la escena, podía Zorro (1940), quedaron (afortunadamente) olvida-
cortar a un plano de Blanche). Y la espléndida foto- das. Pero una se mantendría en la película (aunque
grafía en blanco y negro de Harry Stradling capta un Kazan la consideró sumamente cursi): que el prota-
mundo de claroscuros que hace visible la mente per- gonista montara un caballo blanco, que aparecería
turbada de Blanche. Kazan apuntó en sus notas: “No al final, cabalgando libre tras la muerte de Zapata,
tiene sentido hacer la película de Streetcar, a menos que simbolizando que su espíritu seguía vivo (pueden
puedas hacer funcionar la idea de la fotografía subjetiva: matar al hombre, pero no sus ideas, etc.).
usar la cámara y la música para penetrar en el mundo Kazan y Steinbeck estaban convencidos de que
de Blanche y mostrar la fuente subjetiva de la emoción”. ¡Viva Zapata! debía rodarse en México. En mayo de
Así pues, otro elemento esencial de la película es 1950, viajaron allí para localizar exteriores y para
la banda sonora de Alex North (1910-1991), que fue entrevistarse con Gabriel Figueroa, célebre direc-
su primer trabajo para un largometraje (como he- tor de fotografía (La perla, Los olvidados), que era el
mos comentado, había hecho la música para Death presidente del sindicato de técnicos y trabajadores
of a Salesman en teatro). Está considerada como cinematográficos. Pero las negociaciones no fructi-
la primera vez que se utilizó el jazz como partitura ficaron: los mexicanos se resistían a que los gringos
dramática en una película (o sea, no como música (Humphrey Bogart, por La reina de África, derrotó a hicieran una película sobre uno de sus héroes nacio-
diegética, escuchada por la radio o en un club noc- Brando), Guión, Fotografía en blanco y negro, Ves- nales, protagonizada por un actor americano. Ade-
turno). En principio, la música de cine y el jazz son tuario, Música (en estas cuatro categorías ganó Un más, exigieron numerosos cambios en el guión...
opuestos: una tiene que estar exactamente medida lugar en el sol), y Sonido (ganó El gran Caruso). Zanuck decidió que la película se filmaría princi-
para encajar con la película, mientras el otro se basa palmente en Texas. Los exteriores se localizaron en
en la improvisación. Por tanto, no sería verdadero Roma, Texas, cerca del Río Grande y de la frontera
jazz, sino una aplicación de su lenguaje a una par- LA TIERRA PARA EL QUE LA TRABAJA con México, con secuencias adicionales en Nuevo
titura cinematográfica. Los temas de North poten- México y en el Rancho Fox cerca de Malibu, Califor-
cian el dramatismo, la tensión y el calor de las esce- Elia Kazan empezó a interesarse en la historia de nia. Kazan por fin se pudo quitar la espinita de Mar
nas, penetrando en la psicología de los personajes y Emiliano Zapata (1879-1919) en 1935, durante un de hierba y rodar en campo abierto.
creando el sonido de la tragedia poética ideada por viaje a México, y más tarde elaboró algunas notas Marlon Brando, el actor favorito de Kazan, fue
Williams y Kazan. Existe una excelente grabación de sobre el personaje. Por su lado, el novelista John elegido para el papel protagonista, salvando las reti-
la partitura completa, dirigida por Jerry Goldsmith Steinbeck (1902-1968), que había pasado bastante cencias de Zanuck. Brando hizo una verdadera com-
con la National Philharmonic Orchestra de Londres tiempo en México (donde se había rodado la pelí- posición, con el apoyo de un ostensible maquillaje:
(CD: Varèse Sarabande VSD-5500). cula sobre La perla), también se sintió atraído por bigote, piel oscurecida y ojos rasgados (que resultan
Un tranvía llamado Deseo se estrenó el 18 de Zapata e investigó sobre su figura para un proyec- un poco antinaturales y a veces parecen más orien-
septiembre de 1951. Las críticas fueron entusiastas, to cinematográfico que no llegó a materializarse. tales que indígenas). Algunas indicaciones de Kazan
y la película fue la quinta más taquillera del año en Cuando Kazan y Steinbeck descubrieron ese interés al actor fueron: “Tienes que pensar como un campesi-
Estados Unidos. Ganó cuatro Óscars: Mejor Actriz común, decidieron colaborar en un proyecto sobre no. No te impresiona nada, no te enamoras de nadie.
(Leigh), Mejor Actriz de reparto (Hunter), Mejor ac- Zapata. Llegaron a un acuerdo con el productor Da- Usas a las mujeres... No es una historia romántica y no
tor de reparto (Malden), y Mejor Dirección Artística rryl F. Zanuck (20th Century Fox) para desarrollar el eres un héroe”. Pero su interpretación también tie-
(Richard Day y George Hopkins). Recibió además guión, y Steinbeck empezó una exhaustiva investi- ne elementos de ternura y vulnerabilidad: cuando
nominaciones para los premios a Mejor Película gación, que se materializó en un primer borrador de corteja a Josefa (Jean Peters), cuando tras la noche
(ganó Un americano en París), Director (Kazan perdió 200 páginas. El autor lo fue ajustando con la ayuda de bodas le confiesa que no sabe leer y le pide que
frente a George Stevens por Un lugar en el sol), Actor del veterano guionista Jules Buck, hasta llegar a un le enseñe. Y, por otra parte, reacciona de manera
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estudiado con Silvestre Revueltas (1899-1940). El
compositor participó desde el principio de la pro-
ducción, y viajó con Kazan por los lugares de México
donde pensaban rodar la película, escuchando las
canciones de los campesinos, aunque finalmente
se rodara en Texas (North: “Fue un lujo, ideal para
un compositor, porque puedes trabajar directamente
con el director y saber exactamente lo que siente so-
bre la historia”). Alex North incorporó elementos de
la música mexicana (lo más ostensible: la melodía
de “Adelita”) a su propio lenguaje, más avanzado y
disonante, para crear una absoluta obra maestra
musical, épica y lírica al mismo tiempo. Existen
dos ediciones discográficas complementarias de
la partitura: una nueva grabación dirigida por Jerry
Goldsmith con la National Philharmonic Orchestra
de Londres (CD: Varèse Sarabande VSD-5900), y la
banda sonora original, dirigida por Alfred Newman
(CD: Varèse Sarabande Club VCL 0208-1074).
Una vez terminada, Kazan se sintió un poco de-
cepcionado con ¡Viva Zapata! Pensó que no había
conseguido totalmente lo que había imaginado du-
rante años... No obstante, con el tiempo llegó a decir
que, de todos los filmes que había hecho, era uno de
los más queridos para él. La película se estrenó en
Estados Unidos el 7 de febrero de 1952, con buenas
Anthony Quinn, Marlon Brando, Lou Gilbert y Harold Gordon en Viva Zapata (1952) críticas, pero poca respuesta de la taquilla. Anthony
Quinn recibió el Oscar al Mejor Actor de reparto, y la
inmediata a la injusticia y la opresión, con energía rrada, cuándo esperar a ver lo que un actor hace instin- película fue nominada también en las categorías de
y violencia. Tiempo después, Brando señaló que la tivamente, sin seguir una idea preconcebida”). Mejor Actor (Brando, derrotado por Gary Cooper en
caracterización de Zapata había sido muy difícil y El film fue fotografiado en notable blanco y ne- Solo ante el peligro), Guión, Dirección Artística y Mú-
que no la había conseguido del todo, aunque había gro por Joseph MacDonald (Pinky, Pánico en las ca- sica original. Marlon Brando ganó el premio BAFTA
sido un buen entrenamiento. lles), curiosamente nacido en México. Kazan impuso de la Academia Británica como Mejor Actor, y el film
En el papel de su hermano Eufemio, Kazan eligió un estilo visual inspirado en las famosas fotografías fue nominado como Mejor Película. ¡Viva Zapata!
a Anthony Quinn, cuya madre era mexicana y su pa- de Agustín Víctor Casasola, que plasmaron la Re- fue seleccionada para el Festival de Cannes de 1952,
dre irlandés (Quinn había estado en el Actors Stu- volución Mexicana y sus protagonistas (el Archivo donde Brando fue premiado como Mejor Actor.
dio y antes había coincidido con Kazan en el reparto Casasola está actualmente a cargo de la Fototeca Después de ¡Viva Zapata!, y entre sus dos decla-
de City for Conquest). La dinámica entre Brando y Nacional, del Instituto Nacional de Antropología raciones ante el Comité de Actividades Antiameri-
Quinn, de camaradería y apoyo mutuo primero, y e Historia de México, aunque hay que señalar que canas, de las que hablaremos a continuación, Elia
de enfrentamiento después (cuando Eufemio se co- no todas las fotos las hizo personalmente Casasola, Kazan volvió al teatro, del que había estado ausente
rrompe a los ojos de Emiliano), funciona muy bien sino que él y su hermano Miguel compraron foto- tres años, para dirigir Flight into Egypt (1952), una
(Kazan: “No hay nada de malo en que los actores com- grafías de otros autores para su agencia): “Creo que obra de George Tabori (novelista, dramaturgo y
pitan, siempre que compitan por ser buenos y no por fue la guerra más fotografiada hasta entonces. Imité guionista de origen húngaro, que al año siguiente
ser estrellas”). Kazan atribuyó a Quinn uno de los mo- algunas de esas fotografías exactamente. Cuando Za- escribiría el guión de Yo confieso). La productora
mentos más memorables de la película: cuando los pata y Pancho Villa se encuentran, con sus oficiales al- era Irene Selznick. Se desarrollaba en un hotel de El
guardias detienen a Zapata en la plaza del pueblo, y rededor de ellos, es una reproducción exacta”. El direc- Cairo, donde una pareja vienesa, Franz y Lili Engel
Eufemio y las mujeres empiezan a golpear piedras, tor también reconoció la influencia de Paisà (1946) (Paul Lukas y Gusti Huber), esperan el visado que
produciendo un sonido en crescendo como forma de Roberto Rossellini. les permita emigrar a América; Franz está confina-
de protesta. Kazan también contó en sus memorias La música fue compuesta por Alex North, en su do a una silla de ruedas, por las heridas sufridas en
que, en la escena en que Zapata abraza el cadáver última colaboración con Kazan (una pena). North un campo de concentración... Se trata de un tema
de su hermano, no dio ninguna instrucción a Brando era, precisamente, un gran conocedor de la músi- que debió de interesar inmediatamente a Kazan,
(“Un director tiene que saber cuándo tener la boca ce- ca mexicana, pues había vivido en México y había pues tiene mucho que ver con lo que él relataría
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diez años después en su película América, América
(1963). El reparto incluía también a Paul Mann, Zero
Mostel, Jo Van Fleet y David Opatoshu. Tabori plas-
mó sus propias experiencias: su padre había muerto
en Auschwitz, su madre y su hermano consiguieron
escapar de los nazis, y él mismo emigró desde Berlín
a Londres y luego a Estados Unidos. Pero, según los
críticos, el tratamiento dramático era convencional.
La obra se estrenó el 18 de marzo de 1952 y sólo re-
sistió 46 funciones.
10/04/1952
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HUAC, citando básicamente los mismos nombres que fue lo que terminó de condenar a Kazan como el dela-
Kazan). Paula Strasberg le dijo que ella no declararía, tor y chivato por antonomasia. Otros muchos dieron
pero que no le importaba que él la mencionase. nombres (Edward Dmytryk, Clifford Odets, Jerome
El 10 de abril de 1952, Elia Kazan compareció Robbins, Budd Shulberg, Burl Ives), pero ya sólo lo
ante el HUAC, donde leyó una declaración en la recuerdan los especialistas. En el caso de Kazan, aún
que dio los nombres ocho miembros de la unidad hoy día, más de diez años después de su muerte y
comunista de Group Theatre (Phoebe Brand, Mo- más de sesenta después de los hechos, cada vez que
rris Carnovsky, Tony Kraber, Paula Miller Strasberg, se menciona su nombre, salta esta historia…
Clifford Odets, Art Smith, Lewis Leverett y J. Edward En los años siguientes, Kazan habló sobre esto en
Bromberg, los dos últimos ya fallecidos), un segui- contadas ocasiones, aunque el tema de la delación
dor del grupo (Ted Wellman), dos conocidos cargos apareció en varias de sus obras (La ley del silencio, Los
del partido que nunca habían ocultado su militancia visitantes, las novelas Los asesinos y El doble). En el libro-
(V. J. Jerome y Andrew Overgaard), cuatro miem- entrevista de Michel Ciment (Elia Kazan por Elia Kazan,
bros administrativos del Theatre of Action (Harry 1971), expresó su ambivalencia: “Desde entonces, he teni-
Elion, John Bonn, Alice Evans y Anne Howe), y un do dos sentimientos. Un sentimiento es que lo que hice fue
enlace sindical (el actor Robert Caille, ya fallecido). repugnante, y el sentimiento opuesto, cuando veo lo que la
Sólo habló sobre lo que conocía personalmente, no Unión Soviética ha hecho a sus escritores, y sus campos de
especuló sobre las ideas de otros, y no mencionó a la muerte, y el pacto con los nazis, y la represión en Polonia
nadie que no hubiera sido realmente miembro del y Checoslovaquia…”. También reconoció que hubo algo
Partido Comunista. A continuación, Kazan habló personal: estaba enfadado por cómo le había tratado el
sobre sus propias actividades y sobre sus obras. Eso partido, y le disgustaba que tantos liberales se hubieran
fue todo. Los miembros del Comité no le hicieron arrastrado ante él. Se encontró ante una elección entre
más preguntas, y le dieron las gracias. dos males (“Se llama una decisión difícil porque, se elija lo
Ahí podía haber quedado la cosa, y Kazan hu- que se elija, hay un precio”). Y dijo que, a nivel personal,
biera sido uno más de los setenta y pico testigos sentía que era una vergüenza haber dado nombres,
que hablaron ante el Comité. En el futuro, hubiera aunque no era como si les hubiera entregado a la po-
podido lloriquear un poco su arrepentimiento (yo licía, pues todos eran ya conocidos.
Clifford Odets y Paula Strasberg, ya no eran amigos no quería, ellos me obligaron, etc.) y el asunto hu- Como conclusión, les recuerdo lo que dijo Dalton
ni colegas. De hecho, con algunos había tenido se- biera quedado, si no olvidado, sí difuminado… Pero, Trumbo, uno de los Diez de Hollywood, en 1970: “Todos
rios problemas y le habían hecho la vida imposible. a renglón seguido de su testimonio, Kazan cometió fuimos víctimas, porque casi sin excepción todos nos vimos
¿Debía arruinar su carrera por ellos? Otro factor: Ka- lo que Richard Schickel considera el mayor error de obligados a decir cosas que no queríamos decir, a hacer
zan era, en esos momentos, un liberal de izquierdas, su vida pública: compró un espacio en The New York cosas que no queríamos hacer, a infligir y recibir heridas
pero claramente anti-comunista y, sobre todo, anti- Times de 12 de abril de 1952, para publicar un texto que no deseábamos causar. Por eso ninguno de nosotros,
estalinista. Por su parte, el Partido Comunista de los titulado A Statement (Una declaración) en el que derecha, izquierda o centro, salió de aquella larga pesadilla
Estados Unidos seguía férreamente los dictados de desarrollaba su posición sobre el comunismo. En la libre de pecado”. Y como nota personal, yo añadiría que
la Unión Soviética, marcados en última instancia pieza (que pueden leer aquí: http://www.reelclas- puedo comprender que los que vieron sus vidas y sus
por Stalin. Sabiendo lo que sabemos del régimen de sics.com/Directors/Kazan/kazan-article.htm), Kazan carreras comprometidas, mantengan vivo el reproche
Stalin, sus defensores pueden parecernos ingenuos explicaba su actuación como resultado de la obli- a los que hablaron. Pero comprendo menos que perso-
o inofensivos, pero no eran paladines de los dere- gación de poner en conocimiento del público y del nas que no se han visto en tal situación, que ni habían
chos humanos. Kazan estaba dispuesto a arriesgar gobierno todos los hechos sobre el comunismo, ex- nacido cuando ocurrieron los hechos, se permitan dar
su carrera por una buena causa, pero ¿por defender ponía sus amargas experiencias con los comunistas lecciones de ética y moral desde sus cómodas posicio-
un secreto que no le parecía bien, unas ideas que no dentro del Group Theatre (la disciplina de partido, el nes. Yo no me atrevo a condenar a nadie, porque no sé
compartía y a personas que ya habían sido denun- control del pensamiento y la conducta, la supresión qué habría hecho en aquella época abyecta…
ciadas, o lo serían pronto, por otros? de la opinión personal, similar a un estado policial),
El director pasó unos meses de dudas y agonías, afirmaba que no había conocido a ningún espía, ex-
entre una opción mala y otra peor. Darryl F. Zanuck le presaba las dudas que había tenido antes de decla- SALTO MORTAL
presionó para que diera nombres, Bud Lighton le dijo rar, y finalmente, alegando que los liberales deben
que no podía hacer otra cosa. También habló con ami- hablar porque el secreto favorece a los comunistas, Hay que empezar subrayando que el título original,
gos como Arthur Miller, Lilian Hellman y Kermit Bloom- formulaba algunas consideraciones más generales, Man on a Tightrope, o sea, Un hombre en la cuerda
garden, todos contrarios a que declarase. Pidió permiso un tanto pasadas de rosca (peligrosa conspiración floja, era más circense y menos descarado y ten-
a Clifford Odets para nombrarlo, y se encontró con extranjera)… Schickel sostiene que fue Molly la prin- dencioso que el que le clavaron en la España de la
que él le rogaba lo mismo (Odets declaró luego ante el cipal inspiradora del panfleto. De un modo u otro, época: Fugitivos del terror rojo. Pero el caso es que la
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Terry Moore y Cameron Mitchell en Fugitivos del terror rojo (1953)
primera película de Kazan, tras su declaración ante Sherwood para conocer a los miembros del Circo orden de representar, como clown, los gags antica-
el Comité de Actividades Antiamericanas, fue una Brumbach y convencerse de que se trataba de una pitalistas decididos por el partido (“es que el público
película de propaganda anticomunista. Según rela- historia verídica. Así decidió hacer la película, para no se reía”, se justifica). Un agente del Ministerio de
ta el director en su autobiografía, Darryl F. Zanuck le demostrarse a sí mismo, no a los demás, que no Propaganda, Fesker (Adolphe Menjou), de manera
ofreció el proyecto para hacerle un favor. Porque, a tenía miedo de decir cosas verdaderas sobre los co- falsamente amistosa, le pregunta por la radio que
pesar de su testimonio, los miembros de la derecha munistas o sobre cualquier otro, que tenía libertad ocultan en su caravana, lo que hace comprender
más lunática seguían sospechando de él, creían que de pensamiento, “que ya no era un miembro del Par- a Cernik que tiene un espía en su circo. Al volver,
su declaración no había sido sincera. tido en mi mente”. discute la situación con sus colaboradores más di-
Fugitivos del terror rojo (Man on a Tightrope, La acción se desarrolla en Checoslovaquia, en rectos, Krofta (Richard Boone), Konradin (Pat Hen-
1953) se basó en un caso real: la fuga a Alemania Oc- 1952. El Circo Cernik, con una larga tradición a sus ning) y Jaromir (Paul Hartman). El plan de Cernik,
cidental, desde la Oriental, del Circo Brumbach, que espaldas, languidece con una carpa llena de aguje- que lleva madurando tres años, es escapar de Che-
había sido novelada por Neil Paterson. Y el guión no ros. Su responsable, Karel Cernik (Fredric March), coslovaquia con su circo a través de la frontera con
fue escrito por ningún ultraderechista, sino por el que antes fue dueño del circo familiar y desde su Baviera. Como paso previo, negocia un trato con un
veterano liberal Robert E. Sherwood, miembro de la nacionalización por las autoridades comunistas, viejo compañero y rival, Barovik (Robert Beatty).
“Mesa Redonda” del Hotel Algonquin, dramaturgo es un mero administrador, lucha por mantenerlo a Después, la caravana del circo se pone en marcha
(El puente de Waterloo), guionista (Los mejores años flote. Su segunda esposa, Zama (Gloria Grahame), hacia la frontera…
de nuestra vida) y escritor de discursos del Presi- es ajena a ese mundo, y todos creen que le es in- La película se rodó en Alemania Occidental (evi-
dente Franklin D. Roosevelt. Sin embargo, aunque fiel con el domador de leones (Alex D’Arcy). Su hija dentemente, no se podía filmar en Checoslovaquia),
admiraba y respetaba a Sherwood, a Kazan no le Tereza (Terry Moore) se enamora de un trabajador los exteriores en Baviera y los interiores en Múnich,
gustó el guión (le pareció mal escrito, maniqueo del circo, Joe Vosdek (Cameron Mitchell), de pasado con un equipo técnico íntegramente alemán, enca-
y pura propaganda). También se resistía a seguir misterioso. Las autoridades les hostigan. Cernik es bezado por el director de fotografía Georg Krause,
“arrastrándose” para ganar sus credenciales de an- detenido e interrogado por un agente de la policía con el que el director apenas pudo comunicarse
ticomunismo. Pero accedió a viajar a Alemania con secreta (John Dehner), por haber desobedecido la directamente. Una buena idea de Kazan y del pro-
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ductor Gerd Oswald fue incorporar a la película, a los agentes comunistas, su retrato está lleno de CAMINO Y SIMPATÍA
como secundarios, figurantes y artistas, a los verda- ambigüedades e ironías. Después del interrogatorio
deros miembros del Cirkus Brumbach, que habían a Cernik, descubrimos que había otro agente “exa- Elia Kazan volvió al teatro con Camino Real (1953)
protagonizado los hechos reales. Como en el film, minando” y supervisando al que creíamos que era el de Tennessee Williams. La función se basaba en una
era un circo modesto, un poco pobre y desgastado, oficial principal, que le reprocha todo lo que ha he- obra corta de Williams, Ten Blocks on the Camino
y Kazan (eterno outsider) se sintió muy a gusto con cho mal en el interrogatorio (¡ha dicho que el circo Real, sobre la que Kazan había trabajado en un ta-
ellos (“comprendí que la gente del circo eran outsi- era del Estado, en lugar de decir que era del pueblo!). ller del Actors Studio en 1949, que luego fue desa-
ders en cualquier sociedad —monstruos, de hecho— y El agente del Ministerio de Propaganda, al mismo rrollada y ampliada por el autor. Era una obra muy
puesto que éramos tan compatibles, yo debía de ser lo tiempo amistoso y amenazador (excelente Adolphe original y arriesgada, que rompía con el realismo y
mismo”). Al igual que con Fredric March y Adolphe Menjou), termina detenido por la policía secreta y carecía de una narrativa convencional. Tiene lugar
Menjou (un ultraderechista, pero un hombre agra- observa con amargura que los que le detienen serán en El Camino Real, una calle sin salida en una pe-
dable y un consumado profesional) y con el reparto los próximos en ser purgados. También tiene gracia queña ciudad rodeada de desierto, en un país sud-
“entusiasta y hambriento” que reunió a su alrededor. la mutua vigilancia en la frontera, entre los guardias americano sin identificar. La única conexión con el
El director, según sus notas, concibió el film checos y los alemanes occidentales (cada uno se exterior es un avión de línea completamente irregu-
como “una oda al individualismo”. Para él, el circo pregunta qué bebe el otro). lar, quizás puramente mítico, llamado “El Fugitivo”.
representaba las raíces más antiguas del mundo Una de las secuencias más interesantes es la El hilo conductor y narrador es Kilroy (Eli Wallach),
del espectáculo, los herederos de los comediantes conversación entre los dos viejos hombres de circo, un visitante americano, y también Gutman (Frank
medievales que iban de aldea en aldea cantando Cernik y Barovik (Robert Beatty). Aunque éste se Silvera), el encargado del Hotel Los Siete Mares…
canciones, haciendo trucos o representando pe- ha adaptado a vivir bajo el régimen comunista, se Los personajes del extenso reparto incluyen figuras
queñas obras, en las plazas o en las tabernas. En el pone de manifiesto que la solidaridad entre cirque- literarias como Don Quijote, Esmeralda, Marguerite
circo cabe toda clase de personas, incluye humor, ros, creada a lo largo de muchos años y leguas, está Gautier, Lord Byron y Casanova. No hay una línea
sorpresa e irreverencia, pero también exige discipli- por encima de todo. En cambio, hay otra escena narrativa, sino una serie de bloques más o menos
na y responsabilidad. Las gentes del circo, escribió que, vista hoy, choca como una bofetada, y nunca interconectados. Los sucesos son extraños y a me-
Kazan, son las menos uniformes, las más individua- mejor dicho. Su esposa Zama (Gloria Grahame) ha nudo fantásticos, oníricos o ilógicos, con elementos
listas, las más raras, las más excéntricas, las más estado hostigando a Cernik, acusándole de cobarde del teatro del absurdo. Parece que se trata de un es-
desviacionistas (por usar un término comunista), de y de poco hombre, hasta que éste le arrea un bo- tado dictatorial. Los barrenderos retiran los cadáve-
todas las personas. Por el contrario, también según fetón; entonces, ella le dice que “tenía que haberlo res y a la vez son policías. La virginidad de la Gitana
Kazan, el objetivo de los comunistas era destruir el hecho hace tiempo”, y se pone dócil, tierna y sensual.
orgullo del individuo, infectando la sociedad con la O sea, lo que hoy llamaríamos una apología de los
desconfianza hacia el otro, el miedo hacia el otro. malos tratos... Resulta deslumbrante la escena del
Para las autoridades comunistas, había algo inhe- desfile, en la que todo el circo se dirige hacia la fron-
rentemente sospechoso en la anarquía y la libertad tera, con música, vestuario y animales. Un hermoso
nómada de la vida del circo. homenaje a los valientes y humildes cirqueros, con el
El personaje de Cernik (Fredric March) expre- valor añadido de que los figurantes son verdaderos
sa sus motivos de esta manera: “No me interesa la artistas circenses. Son momentos que hacen per-
política. Pero, cuando la política se mete en mi circo, donar la presencia de clichés en otros personajes y
tengo que defenderme. Y si no puedo luchar, tengo que situaciones. El desenlace en la frontera, es realmen-
escapar”. Por tanto, lo que realmente le mueve es te emocionante y lleno de suspense (aunque Kazan
la defensa de su libertad como artista. No se trata escribiera después en sus memorias que no tenía ni
de un planteamiento abstracto (la democracia, la menor idea de dirigir una película de acción).
etc.), sino de que no sea el Partido quien le diga qué Parece ser que a Zanuck le entraron dudas, a la
chistes puede contar en la pista (un paralelismo vista de la película terminada. Mandó retocar el
claro con las razones por las que Kazan abandonó montaje, sin contar con Kazan. La dirección musi-
el Partido Comunista). En la primera escena, unos cal le correspondió a Franz Waxman, pero al gran
policías motorizados obligan al convoy del circo compositor le encargaron, básicamente, arreglos de
a apartarse de la carretera, para dejar paso a un piezas preexistentes, tanto para la partitura de fon-
transporte de prisioneros; Cernik les mira airado, y do como para la banda del circo. Destaca el uso del
su compañero le dice que sonría, que si no sabrán Moldava de Ma Vlast (Mi País) de Bedrich Smetana.
lo que está pensando. Es una nueva variación de la La película se estrenó en la primavera de 1953, con
sonrisa de Anatolia, una idea recurrente en Kazan: la críticas diversas, aunque más bien favorables, pero
sonrisa fingida que sirve para congraciarse con el no tuvo mucho éxito. Participó a concurso en el Fes-
enemigo sin perder la propia dignidad. En cuanto tival de Berlín de 1953. Deborah Kerr en Tea and Sympathy (1953)
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vuelve con la luna llena... La puesta en escena de también trabajó en la contradicción entre las tazas
Kazan rompía la cuarta pared, con entradas y salidas de porcelana, la educación, la cultura y la simpatía, y
por los pasillos y los palcos. La obra tenía 39 per- la tragedia subyacente (el conflicto sexual de Tom).
sonajes, y el reparto, además de Wallach y Silvera, El protagonista, como tantas veces en Kazan, era
incluía a: Joseph Anthony, Martin Balsam, Barbara un outsider, un marginado. Y la obra incluía algunas
Baxley, Michael V. Gazzo, Jennie Goldstein, Hurd cargas de profundidad sobre los roles sexuales en
Hatfield, Charlotte Jones, Nehemiah Persoff, Fred la clase media de la época... En sus notas, Kazan se
Sadoff, Henry Silva y Jo Van Fleet. expresó con humildad, apuntando que era una obra
Camino Real se estrenó en Broadway el 17 de perfecta (pequeña, modesta, tierna, sensible y be-
marzo de 1953 y resultó ser demasiado rara para llamente construida), y que lo único que tenía que
el público, así que sólo duró 60 representaciones… hacer era no cometer errores (como sobre-drama-
La crítica se dividió en su momento, pero con el tizarla) y acertar con el reparto (reconoce que fue
tiempo se ha ido reconociendo como una de las el autor, Robert Anderson, quien propuso a Debo-
mejores obras de Tennessee Williams. Y, a pesar rah Kerr). En conclusión, para Kazan: “La experiencia
de su rareza, la obra no desapareció del todo de la fue la más sencilla, rápida y fácil que he tenido en el
escena. En 1966, se grabó una versión para televi- teatro”. La obra se estrenó el 30 de septiembre de
sión de la versión corta, Ten Blocks on the Camino 1953, y fue un gran éxito, que estuvo en cartel casi
Real, dirigida por Jack Landau y protagonizada por dos años, con 712 representaciones (a lo largo de
Martin Sheen, Lotte Lenya, Tom Aldredge, Michael este tiempo, Joan Fontaine y Anthony Perkins re-
Baseleon, Albert Dekker, Janet Margolin y Hurd Ha- emplazaron a los protagonistas). Las críticas fueron
tfield. En 1970, se estrenó un revival en Broadway, excelentes, y John Kerr ganó el Premio Tony. La obra
con dirección de Jules Irving y con Al Pacino, Victor fue llevada al cine: Té y simpatía (Tea and Sympathy,
Buono, Patrick McVey, Jean-Pierre Aumont, Jessica 1956) por Vincente Minnelli, con el mismo reparto
Tandy, Sylvia Syms, Joseph Mascolo, Philip Bosco y teatral: Deborah Kerr, John Kerr (que no tenían nin-
Susan Tyrrell, entre otros… Ha habido otros monta- gún parentesco) y Leif Erickson.
jes en Londres (1996), Williamstown (1999), el SoHo
de Nueva York (2009), y el último en Chicago (2012) de Brooklyn. El protagonista del guión de Miller es
con dirección de Calixto Bieito. “PODÍA HABER SIDO ALGUIEN” Marty Ferrara, un estibador ítaloamericano, que in-
Mientras preparaba su película La ley del silencio tenta mantener a su familia, y que deja su trabajo
(On the Waterfront, 1954), cuyo casting delegó en Elia Kazan siempre se había sentido fascinado por cuando su mejor amigo muere en accidente laboral.
Karl Malden, Kazan tuvo tiempo de dirigir otra obra los muelles (“Llegué a amar los muelles, aún los amo. Se hace corredor de apuestas, y prospera, pero su
de teatro que fue, ésta sí, un éxito: Tea and Sympa- Me gusta el agua, tengo algo con ella. Me gustan los hija se avergüenza de sus trapicheos y decide vol-
thy (1953) de Robert Anderson. Una vez más, fue puertos. Mi plano favorito de todas mis películas es la ver a los muelles, para organizar a los trabajadores y
Molly Kazan, que era amiga de la esposa del autor, imagen de la Isla de Ellis en América América”). Du- luchar por sus derechos laborales, enfrentándose al
quien descubrió esta obra, que fue producida por rante varios años, estuvo dando de vueltas a un pro- poder de la mafia...
The Playwrights’ Company de Robert E. Sherwood yecto (o dos, como veremos) situado en los muelles Kazan empezó a presentar el guión de Miller a
(guionista de Man on a Tightrope, todo está rela- de Nueva York, lo que eventualmente llegaría a ser los estudios (hablando de presentaciones, también
cionado). Kazan cogió mucho cariño a esta obra, La ley del silencio (On the Waterfront, 1954), su pelí- en esta época Kazan presentó a Miller a Marilyn
aunque pareciese burguesa y nada revolucionaria. cula más premiada y reconocida y, para muchos, su Monroe). Darryl F. Zanuck (Fox) rechazó The Hook.
La historia es sencilla. Tom Lee (John Kerr) es un obra maestra. También fue la primera vez que utilizó En cambio, Harry Cohn (Columbia), mostró cierto
joven preuniversitario sensible, que es despreciado en los títulos de crédito su fórmula favorita para rei- interés. Pero recabó el parecer de Roy Brewer, lí-
y hostigado por sus compañeros, porque creen que vindicar su autoría: “An Elia Kazan Production”. der sindical y poder fáctico de la industria del cine.
es homosexual. Establece una relación de confianza Pero debemos mencionar primero la película que Cohn y Brewer empezaron a presionar para que el
y confidencias con la esposa del rector, Laura (De- no fue. Kazan y Arthur Miller compartían el interés guión incluyera referencias a la amenaza comunista,
borah Kerr), la única persona amable que le escu- por los muelles y sus trabajadores. Partieron de un señalando que la denuncia de la corrupción de los
cha y comprende sus dudas sobre su identidad y su dato escalofriante: el de estibador era el segundo sindicatos podía ser explotada por los comunistas,
orientación sexual. Al final, Laura resuelve las dudas trabajo más peligroso en Estados Unidos, después y que los mafiosos eran un peligro menor que los
entregándose amorosamente al joven, con una del de cortar grandes árboles (al año, morían más comunistas. En el fondo, había una amenaza no ex-
frase para la historia: “Dentro de unos años, cuando estibadores en accidentes laborales que mineros). presada de indagar en las conexiones comunistas
hables de esto, y hablarás, sé amable”. Hacia 1949, Miller empezó a escribir un guión ti- de Miller. A la vista de la situación, Arthur Miller
Kazan trató Tea and Sympathy como una “pieza tulado The Hook, en referencia al garfio de los es- decidió abandonar The Hook, que quedaría para
de cámara”, delicada, con tacto, a media voz. Pero tibadores y al distrito de Red Hook, en los muelles siempre en el limbo de las películas no realizadas.
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su disgusto ante el testimonio del director en el
HUAC). Así que se llegó a un acuerdo preliminar
con Frank Sinatra. Kazan también consideró a un
joven aprendiz del Actors Studio llamado Paul New-
man, que no impresionó a Spiegel. Al final, gracias
a la mediación de Karl Malden, Brando cambió de
idea y aceptó el papel, lo que dejó fuera a Sinatra.
Y fue Malden, que actuó como director de casting
del film, además de obtener el papel del sacerdote
(que a poco le quitó Sinatra), quien seleccionó a
Eva Marie Saint, que había trabajado en televisión
y en teatro, y tenía la mezcla de inocencia y deter-
minación que requería el papel (la otra finalista fue
Elizabeth Montgomery). El sólido Lee J. Cobb, viejo
conocido de Kazan (El justiciero, Death of a Sales-
man), y Rod Steiger, procedente del Actors Studio,
que había trabajado principalmente en teatro y TV
(protagonizó la versión televisiva de Marty), com-
pletaron un reparto, que también incluía a cono-
cidos ex-boxeadores (Tony Galento, Abe Simon y
Tami Mauriello) como esbirros de Johnny Friendly, y
a auténticos estibadores como figurantes. Entre los
pequeños papeles vistos y no vistos, que ni figuran
en los títulos de crédito, algunos actores kazanianos
que serían importantes en el futuro: Martin Balsam,
Kazan dirigiendo a Marlon Brando en La ley del silencio (1954) Michael V. Gazzo, Fred Gwynne, Pat Hingle y Nehe-
miah Persoff.
Pero, sin que Kazan lo supiera entonces, otro novela y una obra de teatro sobre su guión, que en Waterfront (como se titulaba durante el roda-
escritor estaba trabajando al mismo tiempo en muchos puntos se apartaban de la película. je) se filmó en exteriores e interiores naturales de
otro guión sobre los muelles: Budd Schulberg (1914- Darryl F. Zanuck, que había producido Las uvas Hoboken, New Jersey, incluyendo los muelles, ba-
2009), un príncipe de Hollywood (hijo del productor de la ira (1940) y La barrera invisible (1947), y había res, tugurios, callejones y azoteas. Era lo que Kazan
pionero B. P. Schulberg), excomunista, y autor de dos invertido en el desarrollo del guión, parecía el pro- siempre había deseado: “Fue lo más cerca que estuve
novelas de éxito, What Makes Sammy Run? (1941) so- ductor perfecto para Waterfront. Pero, a la hora de de hacer una película exactamente como quería”. El
bre el mundo de Hollywood, y Más dura será la caída la verdad, rechazó el proyecto de Kazan, pues había eterno outsider, disfrutó con la compañía de los esti-
(1947) sobre boxeo. Schulberg había adquirido los decidido que todas las películas de la Fox fueran en badores (aunque una vez estuvieron a punto de zu-
derechos de una serie de artículos de Malcolm Jo- CinemaScope, y no le interesaba una oscura histo- rrarle). Y, sobre todo, le encantó rodar en la calle en
hnson, ganador del Pulitzer, sobre el crimen en los ria de estibadores... Entonces, ocurrió uno de esos el duro invierno. El frío, la lluvia y la intemperie die-
muelles. Además, investigó en los lugares reales. An- milagros que forjan la historia del cine (“print the ron a sus actores el aspecto proletario y desgastado
thony DiVicenzo, un estibador que había testificado legend”). En el mismo Hotel Beverly Hills donde se que deseaba, el que correspondía a los personajes:
contra el crimen, inspiraría el personaje del protago- lamentaban unos deprimidos Kazan y Schulberg, “No tenían ese aire de éxito de los actores de Hollywo-
nista, llamado entonces Terry Malone. El Padre John se alojaba Sam Spiegel. En aquellos días, el futuro od, la piel sonrosada y con hoyuelos. Tenían un aspecto
M. Corridan, un sacerdote jesuita que ejercía su mi- productor de El puente sobre el río Kwai, Lawrence miserable, incluyendo a Brando”. El propio Brando lo
nisterio en los muelles, sería la base del Padre Barry. de Arabia, La jauría humana, Nicolás y Alejandra y dijo de otra manera: “Con este frío de los cojones no
Y el jefe mafioso, Johnny Friendly, tomaría elemen- El último magnate, había producido principalmente hay manera de sobreactuar”. En efecto, las condicio-
tos de Michael Clemente y Albert Anastasia… Schul- películas de bajo presupuesto, salvo La reina de Áfri- nes del rodaje ayudaron a la interpretación natura-
berg terminó la primera versión de su guión un año ca (1951). Schulberg entabló contacto con Spiegel, le lista que quería el director. También a la excelente
antes de empezar a colaborar con Kazan. En 1952, leyó el guión, y éste aceptó producir la película para fotografía de Boris Kaufman. Lo único molesto para
Kazan y Schulberg revisaron juntos el guión, que la Columbia. Como todo tiene un precio, luego el Kazan fue la supervisión constante de Sam Spiegel,
experimentó unos cuantos cambios: en la primera productor martirizó a Schulberg, exigiéndole conti- aunque luego reconoció que la presión del produc-
versión, el protagonista no era estibador, sino repor- nuas revisiones del guión. tor ayudó a que la película fuese mejor.
tero de investigación, y era un hombre más mayor y Kazan había enviado el guión a Marlon Bran- La escena más recordada del film, el diálogo en el
divorciado. Posteriormente, Schulberg escribió una do, pero éste se mostraba reticente (en parte, por taxi entre Terry Malloy (Marlon Brando) y su herma-
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ra... Actualmente, está reconocida como un clásico
indiscutible y una de las mejores películas america-
nas de todos los tiempos.
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James Dean y Raymond Massey en Al Este del Edén (1955)
lícula protagonizada por James Dean (1931-1955), el odio entre los dos actores se convirtieron en un y extraño... De todos modos, algo debió de hacer
y la única que el propio Dean pudo ver terminada reflejo perfecto de los de sus personajes. Tan per- Kazan, porque salta a la vista que Dean está mucho
antes de la trágica y prematura muerte que le elevó fecto y oportuno, que Kazan no hizo nada por sua- mejor aquí que en Rebelde sin causa (1955) de Nicho-
a los altares de la mitología. Paul Osborn había re- vizar el antagonismo entre sus actores, al contrario, las Ray y Gigante (1956) de George Stevens.
parado en James Dean en una versión teatral de El lo azuzó todo lo posible, metiendo toda la cizaña Una luminosa Julie Harris (Frankie y la boda, Soy
inmoralista de André Gide. Cuando Kazan conoció que pudo (“La pantalla estaba viva precisamente con una cámara), que aparece por encima de Dean en
al actor, se encontró con un joven retorcido que no lo que yo quería: se detestaban el uno al otro”). Dejó los títulos de crédito y el cartel, es el vértice del
decía palabra y parecía “resentido sin ningún motivo a Dean hacerlo a su manera, porque eso irritaba a triángulo con Cal y su hermano. Kazan la considera-
particular”. El actor propuso al director llevarle a dar Massey y él podía captarlo en la película (“un direc- ba “una joven santa del teatro americano... una actriz
una vuelta en su moto (!), y parece que así se rom- tor tiene que conseguir lo que necesita para la película, con todos los dones de Marlon Brando, pero en minia-
pió un poco el hielo. Tras esta curiosa entrevista mo- como sea”). tura”. El director anotó lo mucho que Harris había
torizada, Kazan llamó a Steinbeck y le dijo que había Aparte de esto, Dean tampoco le hizo la vida fá- ayudado a Dean en el rodaje. La premiada Jo Van
encontrado a un tipo que quizá no fuera un gran cil al propio Kazan. Retrospectivamente, el director Fleet impresiona en el papel de la madre perdida,
actor, que no le gustaba, pero que era el personaje. reconoció el talento del actor, que le permitía casi aunque su personaje pierde casi todo el desarrollo
Cuando lo conoció, Steinbeck dijo lo mismo: “No me siempre encontrar instintivamente la esencia de y antecedentes que tenía en el libro, que quedan
gusta, pero es él”. El director terminó de convencerse la escena. Un ejemplo: cuando su padre rechaza el solamente apuntados.
cuando pudo ver la incómoda y tensa relación del dinero de Cal, fue idea de Dean abrazarse desespe- Esta fue la primera película en color de Kazan, y
actor con su propio padre. Hubo otros candidatos, radamente a él (uno de los momentos más efectivos la primera en formato panorámico (CinemaScope).
como Paul Newman, pero Kazan decidió apostar del film). Pero, cuando esto no ocurría, Dean carecía Martin Scorsese, en su análisis del film, estudió su
por Dean. completamente de una técnica en la que apoyarse. utilización del CinemaScope, demostrando que
La forma de actuar (y de ser) de James Dean irri- Así que captaba la escena a la primera, o no la cap- servía para un drama familiar (y no sólo para filmar
tó inmediatamente al actor que interpretaba a su taba en absoluto, y eso era una diferencia esencial serpientes y entierros, según la famosa frase de
padre, Raymond Massey: interrumpía sus frases, con Brando (éste tenía una formación sólida y Dean Fritz Lang), y señalando cómo utilizó las puertas y
cambiaba los diálogos diciendo lo que se le ocurría, no). Kazan señaló que el cuerpo de Dean era muy pasillos para bloquear partes del encuadre. La pe-
soltaba tacos... Todo esto desesperaba a Massey, un gráfico, siempre estaba retorcido, no podía hacer lícula se rodó en el Valle de Salinas, en Monterey
actor de la vieja escuela que se había estudiado el nada recto, hasta caminaba como un cangrejo. Ha- y en Mendocino, California. La fotografia de Ted
guión palabra por palabra. Enseguida, la tensión y bía un valor en su rostro, tan desolado y solitario McCord (Belinda y más adelante Sonrisas y lágri-
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sus discursos al público. Kazan encargó a Jo Mielzi-
ner un decorado sencillo, casi abstracto, al igual que
el vestuario.
El principal conflicto lo tuvo con el autor. Kazan
insistió en que Big Daddy debía reaparecer en el
tercer acto (en las primeras versiones de Williams,
estaba ausente), porque era un personaje demasia-
do relevante para desaparecer sin más de la obra.
También propuso un final que no convencía a Wi-
lliams: Maggie anuncia a Big Daddy que está emba-
razada, lo que no es cierto, y se dispone a seducir a
Brick para convertir la mentira en verdad... Esto que-
dó para siempre como un motivo de resentimiento
para Williams, que publicó la obra con los dos finales
(el suyo y el de Kazan) y que, a partir de 1974, recupe-
ró su tercer acto para las siguientes producciones de
la obra. Llegó a convencerse de que Kazan le había
obligado a alterar su obra para asegurar su éxito co-
mercial, una acusación que ponía frenético al direc-
tor, que recordó que la obra (en sus dos versiones)
la escribió Williams, que estuvo de acuerdo con los
Julie Harris y James Dean en Al Este del Edén (1955) cambios y que deseaba desesperadamente un éxito
comercial (“Si me hubiera dicho que restaurase su ver-
mas) plasma la luminosa belleza de esas tierras, un En 1981, se rodó una miniserie de ocho horas sión original, lo habría hecho. Aparte de por amistad y
“Eden” que contrasta con el drama que tiene lugar para televisión, que adaptaba la novela de forma devoción, lo hubiera tenido que hacer por mandato de
en él. Hay que recordar que la primera motivación más completa, dirigida por Harvey Hart, con Ka- la Dramatists Guild”).
de Steinbeck para escribir la novela fue describir el ren Allen, Anne Baxter, Timothy Bottoms, Bruce Cat on a Hot Tin Roof se estrenó el 24 de marzo
Valle de Salinas con todo detalle (paisajes, sonidos, Boxleitner, Lloyd Bridges, Howard Duff, Warren de 1955 y estuvo en cartel casi dos años, con 694 re-
aromas y colores), y la película cumple ese deseo. Oates y Jane Seymour. Al cierre de la edición, hay presentaciones. Ganó el Premio Pulitzer. Y eso sólo
La música, con un notable tema central, la aportó noticias sobre la futura producción de una nueva era el principio. Desde entonces, ha tenido cinco re-
Leonard Rosenman, en uno de los primeros trabajos versión cinematográfica, que podría dirigir Tom Ho- vivales en Broadway: 1975 (Elizabeth Ashley, Keir Du-
para el cine del futuro compositor de Viaje alucinan- oper sobre un guión de Christopher Hampton. llea, Fred Gwynne), 1990 (Kathleen Turner, Daniel
te, El señor de los anillos y Star Trek IV y adaptador Vuelta al teatro, con otra obra destinada a ser mí- Hugh Kelly, Charles Durning), 2004 (Ashley Judd,
musical de Barry Lyndon. La música de Rosenman tica: Cat on a Hot Tin Roof (1955) de Tennessee Wi- Jason Patric, Ned Beatty), 2008 (Anika Noni Rose,
ha tenido varias grabaciones comerciales, pero lliams. Los personajes se han reunido en la inmensa Terrence Howard, James Earl Jones) y 2013 (Scarlett
(casi) siempre en álbumes recopilatorios con los plantación de Big Daddy Pollitt (Burl Ives) en el Del- Johansson, Benjamin Walker, Ciarán Hinds). La obra
otros dos filmes de James Dean (Rebelde sin causa, ta del Mississippi, para celebrar el 65º cumpleaños se ha representado en muchos otros lugares, empe-
del propio Rosenman, y Gigante de Dimitri Tiom- del patriarca. Es un hombre grande, fuerte y vigoro- zando por Londres, claro... En español, La gata sobre
kin). La única “edición” de la banda sonora original, so, que se está muriendo de cáncer (algo que saben el tejado de cinc se estrenó primero en Argentina
dirigida por Ray Heindorf, se encuentra en un CD todos menos él). La cuestión de la herencia gravita (1956) y luego en España (1959) con Aurora Bautista
“no oficial”. en el ambiente. Su hijo favorito, Brick (Ben Gazzara), como Maggie. Ha habido otros montajes en 1979
Al Este del Edén se estrenó en Nueva York el 9 de que fue una estrella del fútbol, ahora es un alcohó- (adaptación de Ana Diosdado, con María José Go-
marzo de 1955. Fue un gran éxito de taquilla (con el lico con la pierna escayolada, que no ha tenido nin- yanes, Carlos Larrañaga y José Bódalo), 1984 (Carme
tiempo, algo más: un film mítico). Jo Van Fleet ganó gún hijo con su esposa, Maggie “la Gata” (Barbara Elías, Eusebio Poncela, Marisa Paredes, Julieta Se-
el Oscar a la Mejor Actriz de reparto; la película Bel Geddes). En cambio, el otro hijo de Big Daddy, rrano, Carlos Lemos) y 1996 (Aitana Sánchez Gijón,
también tuvo nominaciones al Mejor Actor (Dean, Gooper (Pat Hingle) y su manipuladora esposa Mae Carmelo Gómez, Carlos Ballesteros). Pero la versión
ya a título póstumo), Director y Guión. Antes, en los (Madeline Sherwood), han producido toda una ca- más conocida, y la única que tenemos a mano en
Globos de Oro, había recibido el de Mejor Película mada de “monstruos sin cuello”, como les llama la cualquier momento, es la película La gata sobre el
Dramática, y Dean un premio especial (póstumo). deslenguada Maggie... El subtexto de la obra es la tejado de cinc (Cat on a Hot Tin Roof, 1958), dirigida
En el Festival de Cannes fue galardonada el Prix du posible homosexualidad de Brick, cuyo mejor amigo por Richard Brooks, con Elizabeth Taylor (Maggie),
Film Dramatique. Y obtuvo el Premio Bodil (Acade- (o algo más) Skipper se suicidó... La puesta en esce- Paul Newman (Brick), Burl Ives (Big Daddy), Judith
mia Danesa) al Mejor Film Americano... na no pretendía ser realista. Los personajes dirigían Anderson (Big Momma), Jack Carson (Gopher) y
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Madeleine Sherwood (Mae). Posteriormente, se Kazan produjo la película con su nueva compañía
hicieron dos versiones para televisión, en 1976 (con Newtown Productions, con financiación de Warner
Natalie Wood, Robert Wagner, Laurence Olivier Bros. Antes del rodaje, tuvo que pelearse con el Có-
y Maureen Stapleton), y en 1984 (Jessica Lange, digo de Producción u Oficina Breen (el órgano de
Tommy Lee Jones, Rip Torn, Kim Stanley). autorregulación —autocensura— de la industria).
La Oficina había exigido una serie de cambios para
obtener su sello de aprobación. El director envió un
EL QUE ESPERA SE DESESPERA detallado y apasionado memorando a Jack Warner,
exponiendo qué cambios eran aceptables y cuáles
Para su siguiente proyecto, Elia Kazan pensó que no. Kazan juró y perjuró que realmente no había
podía ser buena idea combinar dos obras cortas de adulterio entre Vacarro y Baby Doll (aceptó eliminar
Tennessee Williams, 27 Wagons Full of Cotton (1946), una expresión ofendida de ella cuando él afirma que
con la que había estado trabajando en el Actors Stu- no ha pasado nada entre ellos). Pero insistió en que
dio, y The Long Stay Cut Short o The Unsatisfactory no podía suprimir la frustración sexual de Archie
Supper (1945). Kazan compuso rápidamente un bo- Lee, que era la esencia de la historia, aunque pro-
rrador de guión y mostró a Williams unas escenas, metió tratarla con delicadeza y humor... Tampoco
interpretadas por Karl Malden, Eli Wallach y una podía eliminar los diálogos sobre el tiempo que él
joven actriz recién incorporada al Studio, Carroll llevaba esperando, porque sin eso no se entendería
Baker. El dramaturgo dio su aprobación y se com- lo que pasaba… Al final, Kazan exponía a Warner un
prometió a escribir el guión, cosa que hizo de ma- tema más general: que, frente a la competencia de
nera intermitente (estaba ocupado con otras obras) la TV, el cine debía atreverse a romper los tabúes
y poco entusiasta. Kazan intentó trabajar con él en para presentar temas adultos y excepcionales con un
Greenville, Mississippi, cerca de donde iba a tener tratamiento inusual, para ofrecer a la gente lo que
lugar el rodaje, pero Williams sólo aguantó un par no podría ver en sus casas. Estaba en juego la propia
de días, y luego fue enviándole páginas sueltas, que supervivencia de la industria.
Kazan integró en el guión, o no, según le pareció. De Para Kazan, el héroe del film era Archie Lee: un
todos modos, Williams recibió crédito en solitario hombre “patético, equivocado, confundido, desespera-
por el guión del film que se anunciaría como “Ten- Vacarro (Eli Wallach). De hecho, se acaban de llevar do”. Su violencia surge del miedo y la desesperación.
nessee Williams’ Baby Doll”. los muebles de su decadente mansión, Fox Tail, (“Ahora entiendo por qué siempre suda tanto” —dice
El propio Kazan escribió en su autobiografía que donde viven con la senil Tía Rose Comfort (Mildred Vacarro cuando descubre la privación sexual de Ar-
no era una historia para tomársela muy en serio... Dunnock), por falta de pago. Desesperado, Archie chie). El gran Karl Malden se emplea a fondo, hasta
Baby Doll (1956) sucede en el mundo rural del Delta Lee incendia la desmotadora del sindicato... Al día el punto que es un sufrimiento verle. Carroll Baker,
del Mississippi. Archie Lee Meighan (Karl Malden), siguiente, Vacarro se presenta con varios camiones en su primer papel importante, y el más recordado
un hombre de mediana edad, está casado con una de algodón, para procesarlos en la desmotadora de de toda su carrera, es una presencia luminosa...
joven de diecinueve años, “Baby Doll” (Carroll Archie Lee. Éste, entusiasmado, se pone a trabajar, aunque su personaje también sea algo irritante (a
Baker). Este matrimonio tiene una peculiaridad. El encargando a Baby Doll que entretenga al clien- veces, más que ingenua, parece tonta del bote, yo
padre de ella, antes de morir, negoció un compromi- te... Vacarro coquetea con Baby Doll, seduciéndola no le veo por ningún lado la cualidad manipuladora
so con Archie Lee: que se casarían y vivirían juntos, mientras intenta conseguir su confesión de que fue que comenta Richard Schickel). Esta película fue el
pero no consumarían el matrimonio hasta que ella Archie Lee el culpable del incendio... debut cinematográfico del recientemente fallecido
cumpliera veinte años. Durante dos años, Archie La historia básica del film, excepto el detalle Eli Wallach, un veterano del Actors Studio, actor
Lee ha cumplido el trato, aunque subiéndose por las del matrimonio en diferido, procede de 27 Wagons teatral que había trabajado con Kazan en Camino
paredes. Pero ahora sólo quedan dos días para que Full of Cotton, así como los tres personajes princi- Real (1953), en un personaje que sin duda contaría
Baby Doll cumpla veinte... En la primera escena, el pales, que en la obra primitiva se llaman Jake, Flora con las simpatías del director: el arrogante outsider,
impaciente Archie Lee espía a través de un agujero (también es infantil, pero muy gorda y en absolu- el inmigrante que, como él, viene de una antigua cul-
de la pared a Baby Doll, que (en la imagen más icóni- to virgen) y Vicarro. El final de la obra es distinto: tura (en este caso Sicilia).
ca de la película: el espectador comparte el voyeuris- estamos seguros de que Flora se ha acostado con La película se rodó, con espléndida fotografía
mo de Archie) duerme sola en una cuna de niña, con Vicarro, y parece que él va a seguir viniendo todo en blanco y negro de Boris Kaufman, en escena-
un camisón corto (del tipo que luego se conocería el verano a por más, con nuevos cargamentos de rios naturales de Mississippi, principalmente en la
como baby doll) y chupándose el dedo… Archie Lee algodón... De la otra obra, The Unsatisfactory Supper, pequeña localidad de Benoit (340 habitantes) y en
tiene una desmotadora de algodón, pero el negocio proceden los nombres de Baby Doll y Archie Lee, y Greenville, y los interiores (entre ellos, la importan-
no va nada bien desde que el sindicato ha instala- el personaje de la tía senil (tía Rose) que vive con te escena del ático entre Baby Doll y Vacarro) se
do otra más nueva y moderna, gestionada por Silva ellos y no sabe cocinar... completaron en los estudios Warner de Brooklyn
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Carrol Baker en Baby Doll (1956)
(Nueva York). La casa de Archie Lee y Baby Doll te repelente, y que su énfasis en la lujuria (sic) era co y afectuoso... Bueno, sin duda Kazan sobreactuó
era la llamada Burrus House, edificada en 1861 a las degradante y corruptor. Fue la primera vez que el su inocencia. Porque es indudable que hay una co-
afueras de Benoit. Según su autobiografía, el direc- Código y la Liga adoptaron decisiones contrarias. rriente erótica muy poderosa en el film, que Schic-
tor disfrutó trabajando en el Mississippi rural, entre Una condena de la Legión de la Decencia no era kel calificó como “erotismo infantil” relacionándolo
sus gentes, inicialmente desconfiadas y, a la postre, cosa de risa, porque ponía en peligro la distribución con la Lolita de Nabokov, aunque Baby Doll sea
realmente hospitalarias. En los títulos de crédito, del film (los cines se podían negar a proyectarla, y unos años mayor. Eso con independencia de si real-
después de los nombres de los principales intér- los periódicos a anunciarla). Pero esa condena se mente hay adulterio o no (Kazan siempre aseguró
pretes, figura la frase “y algunas personas de Benoit, quedó corta ante la proferida por el Cardenal Fran- que Baby Doll y Vacarro no se habían acostado,
Mississippi”, dado que Kazan empleó a vecinos del cis Spellman, el Arzobispo católico de Nueva York, pero eso queda abierto a la interpretación... en la
pueblo como figurantes y en pequeños papeles... que obviamente no había visto la película, pero que, obra original, 27 Wagons Full of Cotton, sí lo hacen)...
Sobre todo le entusiasmó la idea de un coro, unos en un hecho sin precedentes, lanzó personalmente Dicho esto, también debo reconocer que los niveles
peones negros que están siempre sentados por las una diatriba contra Baby Doll desde el púlpito de la de absurdo y griterío a veces me desconciertan. Por
esquinas, riéndose de la estupidez de los blancos. Catedral de St. Patrick, contraponiendo la degrada- último, aunque sea cierto que la película pone en
“Pensé que habíamos hecho una película bonita”, ción de la película con el sacrificio de los soldados cuestión los papeles tradicionales en el matrimonio,
escribió Kazan en su autobiografía, “No pensaba en Corea (!), tachándola de pecaminosa, de inmoral, el final (abierto) no me parece muy liberador, pues
que Baby Doll fuese una obra maestra, pero era algo de desafío a la ley natural, y llamando a boicotearla, Baby Doll no se convierte en absoluto en una mujer
original”. Para él, era un film adorable, divertido, una no sólo como deber moral sino también patriótico adulta e independiente. Se haya acostado o no con
farsa inocente... Si realmente creía eso (y no era (sic). Pero no fueron sólo los sectores religiosos: la Vacarro, Baby Doll se queda con su tía, esperando
ingenuidad fingida), se debió de quedar pasmado revista Time la calificó como “la película americana al día siguiente para saber si serán “recordadas u ol-
ante la reacción de los sectores más conservadores. más sucia exhibida legalmente”. vidadas” (es decir, a la espera de si Vacarro vuelve a
La oficina del Código de Producción le dio su certi- “En la película no hay más que dulzura y humor”, por ellas o no).
ficado de aprobación. Pero la Legión de la Decencia dijo Kazan, que siempre insistió en que no había Esta vez, el escándalo y la controversia no se
(organización religiosa, principalmente católica, nada indecente en ella. Para él, era un retrato cómico tradujeron en un gran éxito de taquilla (Kazan: “El
dedicada a perseguir los contenidos contrarios a del ardor de la mediana edad, una farsa (invocó la ataque del Cardenal nos hizo daño. Hubo una sema-
sus códigos morales) le clavó una “C” (¡condenada!) commedia dell’arte), que tenía elementos grotescos na buena, luego una rápida caída. Nunca tuvimos
afirmando que el tema de la película era moralmen- e incluso trágicos, pero el punto de vista era cómi- beneficios”), aunque sobre esto las fuentes difieren
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(otras dicen que sí tuvo una recaudación aceptable).
Baby Doll recibió cuatro nominaciones al Oscar, a la
mejor Actriz (Baker), Guión adaptado, Fotografía y
Actriz de reparto (Dunnock). Kazan ganó el Globo
de Oro al Mejor Director, y también fueron nomi-
nados los cuatro intérpretes (Malden, Baker, Walla-
ch y Dunnock). Eli Wallach ganó el Premio BAFTA
(Academia Británica) como Actor revelación, y el
film tuvo nominaciones por el Guión adaptado y los
protagonistas (Malden y Baker).
En fin, cerrando el círculo, Tennessee Williams
completó en los años 70 una versión teatral de “su”
guión para Baby Doll, con el título de Tiger Tail. Se
estrenó en Atlanta en 1978, al año siguiente en Flo-
rida, y se representó en Nueva York en 1999. Está
publicada en libro junto al guión del film (Baby Doll
& Tiger Tail: A Screenplay and Play), pero no he tenido
tiempo de compararlos.
EL VIAJERO DE ARKANSAS
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en exteriores de Memphis y Piggott, Arkansas. En Pulitzer y los Premios Tony a la Mejor Obra y Mejor
Piggott se rodó la secuencia del concurso de ma- Dirección (Kazan).
jorettes, con 5.000 extras, 60 majorettes y músicos La tercera obra de esta racha fue Sweet Bird of
de varias bandas escolares. Lee Remick vivió un Youth (1959) de Tennessee Williams, producida por
par de semanas con la familia de una majorette de Cheryl Crawford. El protagonista, Chance Wayne
Piggott, para aprender el acento y para aprender a (Paul Newman), es un buscavidas y gigolo que vuel-
dar el pego con el bastón. Budd Schulberg estuvo ve a su ciudad natal, acompañando a una actriz ma-
presente durante todo el rodaje. Las canciones que dura, Alexandra Del Lago (Geraldine Page). La ac-
canta Andy Griffith en el film (la más destacada, triz, que usa el seudónimo de Princesa Kosmonopo-
“Free Man in the Morning”) fueron compuestas por lis, pretende esconderse ante la posibilidad de que
el autor de la banda sonora, Tom Grazer, con letras su última película sea un desastre. Chance espera
de Schulberg. que ella pueda ayudarle a entrar en el mundo del
Un rostro en la multitud se estreno el 28 de mayo cine… Al volver a la Sr. Cloud, Chance se reencuen-
de 1957. En su momento, las críticas fueron tibias y tra con Heavenly (Diana Hyland), la chica que ama-
la película no fue muy bien comprendida. Tampo- ba en su juventud, y cuyo padre, el corrupto cacique
co tuvo mucho éxito de público... Curiosamente, local “Boss” Finley (Sidney Blakmer), le engañó para
el propio Kazan en sus diarios pensó que se había separarle de ella, porque no le consideraba digno.
equivocado al haber planteado la película como una Ahora, Chance descubre que está marcado: enton-
advertencia, al haberse centrado en lo malo que era ces contagió a Heavenly una enfermedad venérea,
Lonesome Rhodes, en lugar de haber mostrado que que le ha impedido tener hijos. “Boss” Finley consi-
era como todos nosotros. Especuló con que hubiera dera que, ahora que le tiene a su alcance, el castigo
sido más dramática si Lonesome Rhodes se hubiera adecuado es la castración…
dado cuenta de en qué se había convertido, y hubie- Williams pretendía que la obra fuera una medi-
ra intentado escapar, y no hubiera podido hacerlo. tación sobre el paso del tiempo, el envejecimiento
Kazan subrayó que una obra de arte no debe mos- mentos autobiográficos, que reelaboraba una obra y la mortalidad. Pero los personajes no parecían te-
trar ni enseñar, sino ser... Sin embargo, con el tiempo anterior de Inge, Father Off from Heaven (1947). El ner ningún vínculo con la realidad, y el de Geraldine
ha ido mejorando la valoración de la película, y se reparto incluía a Eileen Heckart, Pat Hingle, Teresa Page, aunque muy vistoso, quedaba desconectado
ha ido reconociendo su carácter clarividente y ade- Wright y Fank Overton. La obra se estrenó el 5 de de la historia principal. El principal truco escénico
lantado a su tiempo (ahora tiene un 8,2 de media diciembre de 1957, y fue un éxito que alcanzó las 468 de Kazan fue incluir una gran pantalla, imitando
entre los usuarios de la IMDb). El mismo Kazan llegó funciones y fue nominada a cinco Premios Tony. Fue una pantalla de televisión gigante, para reproducir
a incluirla entre sus favoritas. llevada al cine en 1960 por Delbert Mann, con Ro- un discurso racista de “Boss” Finley (en esta época,
bert Preston y Dorothy McGuire las proyecciones aún no eran algo tan común en el
A continuación, Kazan dirigió J.B. (1958) de Ar- teatro). La obra se estrenó el 10 de marzo de 1959,
EN LO ALTO DE LA ESCALERA chibald MacLeish, un drama en verso libre que rein- y fue otro éxito, con 375 funciones. Hubo un revival
ventaba la historia bíblica de Job, situándola en la en Broadway en 1975, con Christopher Walken, Irene
Después del estreno de Un rostro en la multitud, y actualidad. Se plantea como una obra dentro de la Worth y Pat Corley. En España, se estrenó en 1962,
mientras daba vueltas a los sucesivos borradores de obra, que tiene lugar en un circo: dos artistas, Mr. dirigida por Luis Escobar con Amelia de la Torre y
guión para la futura Río salvaje, Elia Kazan aceptó Zuss (Raymond Massey) y Nickles (Christopher Arturo Fernández, y volvió en 2001 con Analía Gadé
tres encargos teatrales sucesivos. Al mismo tiem- Plummer), adoptan los papeles de Dios y Satanás y Pep Munné… Pero, obviamente, la versión más
po, su esposa Molly consiguió terminar y estrenar y deciden poner a prueba al rico empresario J.B. accesible para nosotros es la película, Dulce pájaro
su primera obra teatral, The Egghead (1957), sobre (Pat Hingle), que acaba de afirmar que su riqueza de juventud (Sweet Bird of Youth, 1962), dirigida por
un profesor universitario que invitaba a un confe- se debe a su fe en Dios… Los hijos de J.B. mueren, su Richard Brooks, con los protagonistas de Broadway,
renciante negro que resultaba ser comunista, que empresa se arruina, su esposa le abandona, termina Paul Newman y Geraldine Page. En 1989, se hizo una
protagonizaron Karl Malden y Lloyd Richards, con en la calle. El protagonista recibe la visita de la His- versión para televisión, dirigida por Nicolas Roeg,
dirección de Hume Cronyn y decorados de Richard toria, la Ciencia y la Religión, que ofrecen diversas con Elizabeth Taylor, Mark Harmon y Valerie Perrine.
Sylbert. La obra sólo duró 21 representaciones y Ka- explicaciones y remedios para su sufrimiento. Nic-
zan estuvo de acuerdo con los críticos en que era kles le incita a suicidarse, y Zuss le ofrece recuperar
demasiado didáctica y previsible. su antigua vida si promete obedecer a Dios. Al final, LA AMBIGÜEDAD DEL IDEALISMO
Elia Kazan, por su parte, dirigió The Dark at the J.B. acepta lo sucedido y construye una nueva vida
Top of the Stairs (1957) de William Inge, un drama con su esposa Sarah (Nan Martin)… La obra se es- En 1933, el Gobierno Federal de Estados Unidos
familiar situado en Oklahoma en la década de 1920, trenó el 11 de diciembre de 1958 y fue un éxito consi- presidido por Franklin D. Roosevelt, dentro de sus
contado desde el punto de vista de un niño, con ele- derable, con 364 representaciones. Ganó el premio políticas regeneracionistas del New Deal, puso en
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Montgomery Clift y Lee Remick en Río salvaje (1960)
marcha un ambicioso programa de desarrollo en la entre tecnócratas cultos y campesinos ignorantes, de Agricultura, un funcionario maduro y sabio, para
atrasada región del río Tennessee, que sería gestio- entre progreso y tradición, entre el bien de la ma- el que había pensado en un actor como Burl Ives.
nado por la Autoridad del Valle del Tennessee (Ten- yoría y los derechos de la minoría, entre el fin y los Pero ese personaje cayó por el camino, al igual que
nessee Valley Authority o TVA). Se trataba de cons- medios, entre David y Goliat. el detalle de que el protagonista, Dave (finalmente
truir una serie de presas que controlaran el cauce Más aún, Kazan creyó que esta historia podía Chuck), fuera judío...
del río, evitando las catastróficas inundaciones pe- servirle para realizar un viejo sueño: escribir su pri- Después del estreno de Un rostro en la multitud
riódicas, y al mismo tiempo produjeran electricidad mer guión en solitario... Pero la cosa no resultó fácil, (1957), Kazan volvió a trabajar sobre Wild River, que
para impulsar la modernización de la zona y mejorar y terminó resultando el guión de gestación más iba a producir para la 20th Century Fox. Incorporó
las condiciones de vida de sus habitantes… Pero el compleja de toda su carrera. Kazan estuvo dándole elementos de dos novelas. Mud on the Stars (1942)
programa obligaba a trasladar a las personas que vueltas durante años, escribiendo borradores pero de William Bradford Huie, una novela autobiográfi-
habían vivido siempre en la orilla o en las islas del sin conseguir darle forma, quizás porque se había ca situada en el mundo rural del Valle de Tennessee
río, en las tierras que serían inundadas al cerrarse implicado tanto que terminó sepultado en la can- y en la Universidad de Alabama en los años de la
los embalses. Algunos se resistieron. No es un tema tidad de información que había reunido. Además, a Gran Depresión. Una parte de la novela narra cómo
que nos resulte desconocido en España (ejemplo: lo largo de los años, fue variando su punto de vista. el hogar ancestral del protagonista (la Isla de Gar-
embalse de Riaño). En los años 40, se identificaba con los funcionarios th, en medio del río Tennessee) queda destruido e
Elia Kazan había recorrido las zonas rurales idealistas, deseosos de reformar la sociedad en inundado por la TVA. La otra novela, Dunbar's Cove
de Tennessee en los años 30, para el documental nombre del progreso y del bien común (en sus pro- (1957) de Borden Deal, presenta la misma historia
People of the Cumberland (1937), en el que trabajó pias palabras: dispuesto a romper huevos sin dudar, básica que sería adoptada por el film: un hombre
como ayudante de dirección. En 1943, había dirigi- convencido de que “era bueno para ellos ser parte de de la TVA tiene que convencer a un granjero de que
do It’s Up to You de Arthur Arendt, una obra tea- la tortilla”). El protagonista iba a ser una proyección abandone sus tierras, que van a ser inundadas por
tral itinerante patrocinada por el Departamento de sí mismo (“Estaba convencido de que sabía más un embalse. Cuando Kazan se atascó con el guión,
de Agricultura para promover la conciencia social que nadie”). Pero en los 50, Kazan había evolucio- pidió ayuda a Paul Osborn (guionista de Al este del
a favor del racionamiento de alimentos y en contra nado y había llegado a simpatizar más con los in- Edén), que inicialmente rechazó el proyecto. Lue-
del mercado negro. Gracias a este trabajo, conoció a dividuos que se oponían al sistema y pretendían go, acudió al veterano Ben Maddow (La jungla de
funcionarios de Agricultura que habían trabajado en conservar su cultura y su tradición (“quizás yo estaba asfalto) y a Calder Willingham (Senderos de gloria),
la TVA, y empezó a apuntar ideas para lo que, casi empezando a sentir humanamente, en lugar de pen- con resultados poco satisfactorios. En un segundo
veinte años después, sería Río salvaje (Wild River, sar ideológicamente”)... Al principio, iba a incluir un intento, Osborn aceptó escribir el guión... que ter-
1960)... Desde el principio, le interesó el conflicto personaje inspirado en su jefe en el Departamento minó firmando en solitario.
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perro del hortelano, le pidió una cantidad exorbi-
tante... El director sentenció: “El dinero marca las
reglas del mercado, y según esa regla, la película fue un
desastre”. Durante décadas, Río salvaje ha sido una
película difícil de ver, pero ya tenemos una edición
española decente de Fox. Vale la pena redescubrirla
(o descubrirla por primera vez, en mi caso).
Después de Río salvaje, Kazan se había medio
comprometido a dirigir Period of Adjustment, una
nueva obra teatral de Tennessee Williams. Pero el
director se retiró del proyecto, porque ya estaba
demasiado implicado con William Inge en la próxi-
ma película de Esplendor en la hierba, y también
porque la obra no le convencía mucho. Williams no
se lo tomó muy bien, y tuvieron una bronca monu-
mental, por teléfono y por carta, en la que salieron
a relucir todos los viejos reproches (el autor le acusó
de haberle obligado a cambiar el tercer acto de la
Gata, y el director se quejó de falta de apoyo ante
los ataques de la crítica). El caso es que Elia Kazan
y Tennessee Williams no volvieron a trabajar juntos
nunca más. Period of Adjustment fue dirigida por
George Roy Hill, con mediano éxito. El propio Geor-
ge Roy Hill llevó la obra al cine en 1962, en la que fue
Jo Van Fleet y Lee Remick en Río salvaje (1960) su primera película.
Elia Kazan quería (como siempre) que el protago- visual, más las interpretaciones y el interés del con-
nista fuese Marlon Brando, pero el actor no estaba flicto que narra, convierten a Río salvaje en uno de LA BELLEZA SUBSISTE EN EL RECUERDO
interesado. El mandamás de la Fox, Spiros Skouras, los filmes más estimables de Kazan.
propuso a Montgomery Clift. Éste había trabajado También era una de las favoritas del propio direc- Cuando Elia Kazan dirigió en Broadway The Dark
con Kazan en la obra teatral The Skin of Our Teeth tor, por mostrar la ambigüedad del idealismo, como at the Top of the Stairs (1957), William Inge era un
(1942). En aquella época mantuvieron cierta amis- resumió Kazan en sus apuntes: “Un hombre que tie- dramaturgo en auge, que había enlazado tres éxitos
tad, y Clift se convirtió en uno de los abanderados ne razón, seguro de tener razón, y dispuesto a hacer consecutivos (Come Back Little Sheba, Picnic y Bus
del método y alumno del Actors Studio. Pero cuan- el bien, descubre que la gente puede estar equivocada Stop, las tres adaptadas al cine). Kazan le animó a
do protagonizó Río salvaje, Montgomery Clift era según su punto de vista. Y aún así tener razón desde escribir un guión original para la pantalla, sobre un
una estrella difícil y autodestructiva, con las secuelas un ángulo moral y humano... Él ha infligido un daño argumento que le había relatado Inge, sobre el Kan-
físicas del accidente automovilístico sufrido en 1956 terrible mientras, teóricamente, estaba haciendo algo sas de su infancia, en los años 20. La primera versión
y problemas de alcoholismo y adicciones varias... Al bueno a largo plazo. Los derechos del estado contra los de Inge se parecía más a una larga novela, que ya
principio del rodaje, Kazan le hizo prometer que se derechos del individuo. Y descubre que por primera vez contenía la historia básica y los personajes. A partir
mantendría sobrio, lo que el actor cumplió. El único está implicado humanamente”. de ahí, el texto estuvo yendo y viniendo entre Kazan
conflicto fue que pretendió tener en el rodaje a su Sin embargo, la Fox no tenía confianza en las po- e Inge durante un par de años, hasta convertirse en
profesora de interpretación, Mira Rostova (“una Paula sibilidades comerciales de la película, pensando que el guión definitivo de Splendor in the Grass (bello
Strasberg de bolsillo”), lo que el director no permitió. la Tennessee Valley Authority ya era un tema anti- título, tomado de un verso de la “Oda a la inmortali-
A diferencia de Pinky y Mar de hierba, esta vez guo para el gran público. La distribución en Estados dad” de William Wordsworth).
Kazan sí pudo rodar en grandiosos exteriores na- Unidos fue muy limitada. Las críticas fueron buenas, Kazan hizo otra de sus apuestas acertadas, al
turales, en el Valle del Tennessee (alrededores de pero el público no acudió. Kazan tuvo que empeñar- elegir a un joven actor de 22 años llamado Warren
Charleston), con fotografía en Technicolor y Cine- se para que se estrenara en Europa, donde la crítica Beatty, que debutó en el cine con esta película.
maScope de Ellsworth Fredricks (alguien ha procla- fue favorable (Cahiers du Cinéma la incluyó entre Beatty había trabajado en televisión y había sido no-
mado que el color se justificaría sólo por los ojos las diez mejores películas del año), pero tampoco minado al Premio Tony por su único papel en Broad-
de Lee Remick, pero lo cierto es que el film es vi- arrasó en taquilla. Tiempo después, Kazan intentó way, precisamente en una obra de William Inge A
sualmente deslumbrante también por sus paisajes, comprar él mismo los derechos para distribuir el Loss of Roses (1960), que sería llevada al cine por
retratando la naturaleza y sus cambios). Ese aspecto film independientemente, pero la Fox, como buen Franklin J. Schaffner en 1963 (sin Beatty). Fue Inge
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por Dos mujeres). El film tuvo tres nominaciones al
Globo de Oro (Película, Actor y Actriz en Drama).
Kazan estuvo nominado al premio de la Director’s
Guild of America, pero perdió ante Robert Wise y
Jerome Robbins por la imbatible West Side Story.
En 1981, se rodó un remake para televisión, dirigido
por Richard C. Sarafian, con Melissa Gilbert, Cyril
O’Reilly y Michelle Pfeiffer... La película de Kazan ha
pasado a la historia como un clásico perenne. La be-
lleza subsiste en el recuerdo (y en el DVD).
EL HOMBRE DE ANATOLIA
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Los emigrantes llegando a América América (1963)
mayor que este film”. (Recuerden lo que escribió Kurt todos los actores le parecían demasiado profesio- aceptamos como licencia narrativa, pero lo cierto es
Vonnegut: “nunca confíes en un superviviente, hasta nales, demasiado apuestos... En Atenas, se fijó en que queda raro que, cuando Stavros llega a la isla
que sepas lo que hizo para sobrevivir”). un joven que barría las oficinas de producción. Se de Ellis, no entienda el inglés, cuando lo ha estado
En 1961, Kazan empezó a mover su tratamiento llamaba Stathis Giallelis, carecía de experiencia hablando fluidamente toda la película…
de guión por los estudios. No hubo exactamente como actor y apenas hablaba inglés. Kazan charló Fue un rodaje duro, cine de guerrilla como Kazan
empujones para producir la película, pero logró un con él sobre su historia, sus experiencias... y se con- nunca había conocido: medios escasos, actores
acuerdo con Seven Arts (de los productores Ray venció de que estaba ante el verdadero personaje. poco conocidos y otros no profesionales, lejos de
Stark y Elliot Hyman), para un proyecto de bajo En su autobiografía, escribió: “Creo que si hubiera los estudios, en exteriores naturales... El director
presupuesto y sin estrellas. Sin embargo, cuando encontrado un De Niro, un Hoffman o un Pacino, intentó rodar todo el film en Turquía, pero desde el
ya estaban en Turquía, Stark y Hyman se retiraron; la película hubiera sido más efectiva y sin duda más principio sufrieron cortapisas por parte de las auto-
por suerte, su abogado Bill Fitelson cerró un nuevo comercial, pero este chico tenía un mérito que otros ridades turcas, que temían que la película diera una
acuerdo con Warner Bros. Mientras tanto, en otoño actores mejores no tenían: era de verdad. Sólo tenías mala imagen de su país (aunque sucediera en 1896),
de 1962, la historia llegó al público... pero como libro. que mirarle para creerte la historia. No era una carac- e impusieron la condición de vigilar el rodaje en
Molly le había pasado el guión a su amigo Sol Stein, terización, sino un hecho”. Kazan, que comparó a su todo momento. Kazan rodó unos días en Estambul
que decidió publicarlo en su flamante editorial Stein protagonista con el de Ladrón de bicicletas (1941) (el puerto, las calles, las mezquitas), sintiendo que
& Day. El libro America America no es realmente una de Vittorio de Sica, trabajó mucho con Giallelis. Le el lugar era como una fuente de inspiración, pero
novela, ni tampoco un guión terminado, sino un tra- llevó a América, le obligó a estudiar inglés, hicieron siempre con un censor sentado a su lado. Hasta
tamiento cinematográfico, que incluye narración en tres meses de improvisaciones... Lo consideró “un que no pudo seguir soportando esa fiscalización
presente, referencias visuales y sonoras, y diálogos buen chico”, entregado, honesto y leal, pero también constante, y aceptó, a su pesar, la sugerencia del
en formato dramático. Sin ser un gran best seller, el percibió que era un gallito malcriado, como muchos productor asociado Charles Maguire, de trasladar la
libro tuvo buena acogida y los críticos respondieron hombres griegos, y le reprochó ser demasiado vago producción a Grecia… sacando de Turquía el mate-
a la fuerza del relato, lo que reforzó la confianza de para esforzarse en mejorar su inglés. rial rodado de manera casi clandestina. En Atenas,
Kazan. [En España, tuvo dos ediciones, que yo haya Por cierto, ése es un aspecto que ahora nos ex- el diseñador de producción Gene Callahan encon-
localizado: una en Editorial Cid (1964) y otra en la Bi- traña: que la película esté hablada en inglés y no tró localizaciones que podían reemplazar las de Es-
blioteca de Selecciones del Reader’s Digest (1964)]. en griego y turco... Supongo que eso hubiera sido tambul, y utilizaron también los estudios Alfa, en las
La elección del protagonista era un asunto cru- inconcebible en la época, para una producción es- afueras de la capital griega.
cial, dado que tenía que permanecer en pantalla tadounidense de una major, y el caso es que yo no El principal conflicto surgió entre Kazan y su di-
durante la práctica totalidad de la película. Kazan he encontrado ninguna mención al tema en la au- rector de fotografía, Haskell “Pete” Wexler, destina-
hizo muchas pruebas en Nueva York, Hollywood, tobiografía de Kazan ni en la biografía de Schickel, do a convertirse en una de las mayores figuras de
Inglaterra, Francia y el propio Actors Studio, pero lo que me hace pensar que ni se lo plantearon. Lo su campo (El mejor hombre, ¿Quién teme a Virginia
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Woolf?, En el calor de la noche, Alguien voló sobre timos a su lucha por abrirse camino en el mundo
el nido del cuco, Esta tierra es mi tierra), pero que de los negocios, a la implacable persecución de su
entonces aún era un principiante. Por una parte, sueño, aún a costa de tiranizar a su propia familia, y
tuvieron diferencias artísticas. Por ejemplo, Kazan también a su amor, finalmente imposible, hacia una
quería situar a los actores en el centro del encuadre, mujer americana de la alta sociedad, Althea Perry...
mientras Wexler siempre procuraba que quedaran Mientras, estalla la Gran Guerra en Europa, y Grecia
un poco descentrados (llegó a espetarle al director entra en ella en 1917, contra Alemania, Bulgaria y
que no tenía “ojo”). Por otro lado, parece que Wexler Turquía. A pesar de la oposición de Stavros, que cree
tenía una animadversión personal contra Kazan, por que las llamadas al patriotismo son un engaño para
su testimonio ante el HUAC, aunque había acepta- conseguir carne de cañón, su hermano Michelis va a
do el trabajo porque pensaba que sería bueno para Europa a luchar por la Gran Grecia... Pero finalmen-
su carrera. En fin, aunque se llevaron mal personal- te Stavros comprende que su sueño americano se
mente, Kazan siempre elogió el talento de Wexler y ha convertido en una búsqueda ciega de dinero y
su habilidad en el uso de la cámara en mano. Viendo poder, y busca la redención... Al final de la novela, en
la película terminada, que es lo que nos importa, no 1919, vuelve a Anatolia, con su hermano Michelis y
hay duda de la calidad de la fotografía (uno de los un plan de acción.
aspectos más destacables del film), ni de que el es- La historia continúa de manera directa en la si-
tilo de Wexler, crudo, ágil y directo, era el adecuado guiente (y última) novela de Elia Kazan, Beyond the
para la película. Aegean (1994), que el director luchó denodadamen-
La montadora Dede Allen (ya había hecho el te por producir como película, pero no encontró
montaje de El buscavidas, y en el futuro se encar- financiación y se quedó en libro... La acción se sitúa
garía de Bonnie & Clyde, Pequeño gran hombre, en la llamada Guerra Greco-Turca (1919-1922). Tras
Serpico, Tarde de perros, La noche se mueve, Rojos y acabar la Primera Guerra Mundial, en plena desin-
La familia Addams) recibió el encargo de dar forma tegración del Imperio Otomano, Grecia pretendió
definitiva a la película, con la instrucción de Kazan Guión Original y Dirección Artística, recibiendo conquistar (o recuperar) Constantinopla y Anatolia,
de ser implacable con el material (“Sólo mis enemi- únicamente este último. También ganó la Concha para lograr una Gran Grecia, con el apoyo de los
gos son cuidadosos con mis sentimientos; mis amigos de Oro del Festival de San Sebastián. Aliados (británicos, franceses e italianos), que pre-
me dicen la verdad”). Para subrayar su carácter de tendían asegurarse un acceso al petróleo de Orien-
obra personal, la voz en off del propio Kazan leería te Medio a través de un país “cristiano”. En ese con-
los títulos de crédito finales, con los nombres de los “PEOPLE WAITING! PEOPLE WAITING!” texto, la energía y determinación de Stavros consi-
actores y equipo técnico, excepto el suyo propio. gue triunfar en ese país destrozado por la guerra.
Un elemento decisivo para completar la película América América no fue solo la película favorita de Conoce a una mujer anatolia, Thomna, con la que
fue la música de Manos Hadjidakis. Era lógico ele- Elia Kazan. Podríamos decir que la historia de los pretende establecerse en su tierra natal (pero ella
gir un compositor griego, y Hadjidakis había tenido Topouzoglou / Arness fue la obra de su vida, que tiene otros sueños). Aunque su primer propósito es
un gran éxito con la música de Nunca en domingo prolongó luego a lo largo de treinta años, en tres adquirir alfombras a precio de ganga para el nego-
(1960). La colaboración del compositor, y la confian- novelas (El compromiso, El hombre de Anatolia y cio familiar, termina actuando de manera altruista
za que le dio, resultó decisiva en un momento en Beyond the Aegean) y una película (El compromiso). y hasta heroica. Mientras, los Aliados abandonan a
que el propio Kazan dudaba del valor de su película. [Aunque el desarrollo no es totalmente congruen- los griegos (que serán eventualmente derrotados
Compositor y director pudieron intercambiar ideas, te; en América América, nos dicen que el padre de por Atatürk en 1922)... Al final de la novela, Stavros
probar cosas diferentes, y ambos fueron flexibles. Stavros murió donde había vivido, mientras en El vuelve a América. Lo que le pasa después lo sabre-
Según Kazan, Hadjidakis tenía verdadero sentido del compromiso leemos que murió en el barco camino mos (o lo sabíamos) por una novela anterior…
drama, sabía cómo reforzarlo y como enlazar los epi- de América y en El hombre de Anatolia que murió En efecto, mucho antes de esos dos libros, Ka-
sodios para que su efecto fuera mayor. Así, la banda antes de embarcar; por otro lado, en El compromiso, zan había escrito un epílogo, más bien agridulce,
sonora, dominada por un memorable tema principal, al resumir la vida de Stavros hasta su vejez, no se a la historia de Stavros y su familia, en la novela El
ayudó a dotar de unidad y coherencia a un relato tan mencionan las hazañas bélicas que aparecerán en compromiso (The Arrangement, 1967), y en la sub-
episódico. En su autobiografía, Kazan calificó a Had- Beyond the Aegean]. siguiente película, rodada por Kazan en 1969 (que
jidakis de genio y concluyó: “Hizo cosas maravillosas En su novela El hombre de Anatolia (The Anato- incluye como flashback unas breves imágenes de
para mi película cuando más lo necesitaba”. lian, 1982), Kazan retoma al personaje de Stavros To- América América). El protagonista, Eddie Anderson
América América se estrenó en Nueva York el 15 pouzoglou (“Joe Arness”) en 1909, después de doce (Evangelos Arness), es el sobrino de Stavros (Joe Ar-
de diciembre de 1963, con críticas muy favorables y años de duro trabajo, cuando por fin consigue traer ness), hijo de su hermano Seraphim (Sam). Los dos
modestos resultados de taquilla. Tuvo cuatro nomi- a América al resto de su familia… menos a su padre hermanos, Stavros y Seraphim, son ya ancianos, y
naciones al Oscar, como Mejor Película, Director, Isaac, que muere poco antes de embarcar. Asis- Stavros (Joe), a quien Eddie llama Neumático Des-
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hinchado, es un hombre derrotado, de quien sabe- rón una sentida elegía sobre la figura del Presidente, Dos meses después del estreno de The Chan-
mos que hizo una gran fortuna, pero la perdió en el que fue leída en un funeral en Broadway y luego im- geling, los patronos del Lincoln Center decidieron
crash de 1929, y desde entonces ha malvivido entre presa en la primera página del New York Herald Tri- prescindir de los servicios de Robert Whitehead y
las ruinas de sus sueños y su orgullo... Y el último bune, conmoviendo a todos los lectores. Menos de Elia Kazan. Este despido abrió un período de incer-
deseo, ya imposible, del moribundo Seraphim, es tres semanas después, el 14 de diciembre de 1964, tidumbre y depresión en la carrera y en la vida del
volver a Anatolia. Ante una imagen del monte Aer- Molly Kazan falleció repentinamente de un aneuris- director, que ya no tenía a Molly y cuya relación con
gius (el mismo que vemos al comienzo de Améri- ma cerebral, a los 56 años de edad. Loden se había vuelto conflictiva, aunque se casaría
ca América), Eddie llega a la conclusión de que el La primera obra dirigida por Kazan para el Lincoln con ella en 1968. Sin embargo, esta crisis le dio la
traslado de su familia a América fue un error: “Los Center fue After the Fall (1964) de Arthur Miller. Es oportunidad de centrarse en algo que siempre ha-
símbolos de preponderancia conseguidos resultaban un texto claramente autobiográfico, aunque se na- bía deseado: escribir.
vacíos. El dinero logrado no valía mucho, como ya rre de forma no lineal y suceda dentro de la mente
pudieron comprobarlo en 1929 (...) Aquellos hombres de su protagonista, Quentin (Jason Robards), un
que habían gritado ¡América! ¡América!, al fenecer intelectual neoyorkino que es una versión poco di- EL HOMBRE DIVIDIDO
el siglo, llegaron aquí en busca de libertad y de otras simulada del propio Miller. El centro de la obra es la
ventajas, y todo lo que hallaron fue libertad para hacer tormentosa relación de Quentin con Maggie (Bar- Elia Kazan ya había publicado un libro firmado por
tanto dinero como pudieron”. Sin embargo, al final bara Loden), una figura obviamente basada en Ma- él, America America (1962), pero, como ya hemos
de su evocación del país perdido (sus torrenteras, rilyn Monroe, que también termina suicidándose… comentado, no era realmente una novela, sino un
sus huertos de frutales), Eddie concluye: “Pero ya no El reparto incluía a Hal Holbrook (que luego heredó tratamiento cinematográfico (un avance del guión),
me siento aquí como un extraño. Este es mi sitio, y la el papel protagonista), Zohra Lampert, Paul Mann, que serviría de base a la película del mismo título.
tercera generación ya está en camino”. O, como decía David Wayne y una joven Faye Dunaway, e incluso Tras el revés profesional sufrido en el Lincoln Cen-
Stavros al final de América América: “People waiting! había un personaje, Mickey (Ralph Meeker), que ter, se consagró obsesivamente a la escritura de su
People waiting!” estaba basado en el propio Kazan (!). El edificio de- primera novela, titulada The Arrangement, durante
finitivo del Lincoln Center en el West Side (el Vivian casi dos años, siete días a la semana, ocho horas
Beaumont Theatre) no se terminaría hasta 1965, así al día. Luego declaró que había sido el trabajo más
HISTORIA EN EL WEST SIDE que se utilizó una sede provisional, el ANTA Was- gratificante de su vida. El editor Sol Stein publicó el
hington Square Theatre. After the Fall se estrenó el libro en 1967 y resultó un gran best seller que se man-
El 14 de mayo de 1959 el Presidente Eisenhower 23 de enero de 1964, y tuvo una crítica dividida y un tuvo casi un año en la lista de los más vendidos del
puso la primera piedra del Lincoln Center de Nue- éxito considerable (208 representaciones) aunque, New York Times, con catorce semanas seguidas en el
va York, un gran proyecto de renovación urbana y como apunta Richard Schickel, posiblemente más número uno (sólo en Estados Unidos, vendió nove-
promoción de las artes, promovido por un consor- por el morbo del asunto Miller-Monroe. La interpre- cientos mil ejemplares en tapa dura y tres millones
cio presidido por John D. Rockefeller III. El Centro se tación de Barbara Loden (a la sazón, amante oficial en edición de bolsillo). De alguna manera, la novela
ubicaría sobre las calles y solares que, poco antes de de Kazan) se llevó las mejores reseñas. logró conectar con el espíritu de la época (finales de
la construcción, servirían de escenario a West Side Kazan dirigió otras dos obras para el Lincoln Cen- los sesenta), al poner por escrito la angustia y el has-
Story (1961). Los principales edificios se terminaron ter. Una fue But for Whom Charlie (1964) de S. N. tío ante el materialismo y la hipocresía, los arreglos
entre 1962 y 1966, y el Centro albergaría, entre otras Behrman, una comedia protagonizada por Jason que tenemos que aceptar para vivir y tener éxito en
instituciones, la Metropolitan Opera, el New York Robards, Faye Dunaway, Ralph Meeker, Salome Jens sociedad. En España se publicó por primera vez por
City Ballet, la New York Philharmonic Orchestra, la y David Wayne. El protagonista trabaja en una fun- Bruguera en 1969, con el título de El arreglo, que lue-
Julliard School of Music… y un teatro con una com- dación que se dedica a repartir dinero entre escrito- go se cambió por El compromiso, como se llamó la
pañía de repertorio. res de mérito pero poco comerciales. La otra fue The película en nuestro país. Si mis datos son correctos,
Robert Whitehead, un experimentado productor Changeling (1964) de Thomas Middleton y William no se ha vuelto a editar en España desde 1974 (Cír-
de Broadway, fue designado como responsable de Rowley, una obra estrenada en 1622 que fue el único culo de Lectores).
la compañía teatral del Lincoln Center, fichando a intento de Elia Kazan de dirigir un texto clásico. Los Aunque era una historia de ficción, Kazan in-
su vez a Elia Kazan y Harold Clurman como direc- intérpretes fueron Barbara Loden, Faye Dunaway, corporó muchos elementos autobiográficos, más
tores. En abril de 1961, el New York Times anunció Barry Primus y John Phillip Law. Después de esta o menos disfrazados. La novela está narrada en
el compromiso de Kazan para dirigir una obra cada triste experiencia, el director decidió no volver a primera persona. El protagonista, Eddie Anderson,
temporada (dos la primera) en el Lincoln Center. Un hacer teatro clásico, comprendiendo que sólo le in- o Evangelos Arness, es el sobrino de Joe Arness, o
año después, en mayo de 1962, Kazan renunció a su teresaban las obras contemporáneas sobre asuntos sea Stavros Topouzoglou, el protagonista de Amé-
puesto directivo en el Actors Studio, ante el posible contemporáneos… En esta época, con lo que más rica América. Trabaja en el mundo de la publicidad,
conflicto de intereses. Luego se fue a Turquía y Gre- disfrutaba Kazan en el Lincoln Center era dejándose no en el cine (aunque tiene un amigo guionista y él
cia a rodar América América (1963). caer por el taller de un grupo de jóvenes aprendices mismo intentó serlo); vive en Los Angeles, no en
Bajo el impacto del asesinato de Kennedy (22 de que había reunido Robert Lewis, que incluía a Faye Nueva York. Pero su relación con su padre traspone
noviembre de 1963), Molly Kazan escribió de un ti- Dunaway, Martin Sheen, Frank Langella, etc. exactamente la de Kazan con el suyo. Su esposa Flo-
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Kazan dirigiendo a Kirk Douglas y Faye Dunaway en El compromiso (1969)
ra es un clon de Molly Kazan, y su amante Gwen lo (autor de los libretos de West Side Story y Gypsy y El compromiso (The Arrangement, 1969) se es-
es de Barbara Loden, etcétera, etcétera. El compro- de los guiones de La soga, Buenos días tristeza y lue- trenó el 18 de noviembre de 1969. Las críticas fue-
miso es un libro extenso (casi 600 páginas, de letra go de Tal como éramos). La colaboración no funcio- ron entre malas y crueles, hasta el extremo de que
apretada, en la edición del Círculo de Lectores que nó, no se entendieron a nivel personal, ni tampoco Kazan escribió una carta de autodefensa al crítico
yo tengo) y de gran riqueza. Una lectura absorben- sobre el tratamiento del guión. Finalmente, Kazan francés Michel Ciment, explicando lo que había in-
te, a ratos conmovedora, a ratos divertida, a ratos descartó el trabajo de Laurents y escribió su propio tentado hacer en la película… También fue un gran
negrísima, a ratos irritante... que provoca muchos guión. fracaso de taquilla, del que el director nunca se
sentimientos y pensamientos, la mayoría poco En cuanto al reparto, el director quería a Marlon recuperaría. En años posteriores, según cuenta Ri-
tranquilizadores. Está llena de humor y también de Brando, como siempre, para el protagonista, pero chard Schickel, no quería ni hablar de esta película.
crueldad. Oscila entre la gran novela de Norman el actor, que inicialmente había dicho que sí, aban- El fracaso de El compromiso, en un mundo en el
Mailer y el best seller sensacionalista de Harold Rob- donó el barco, pretextando que no podía pensar en que uno vale lo que valga su última película, impidió
bins… Al final, consigue ser un relato complejo de la trabajar tras el asesinato de Martin Luther King (?). que se materializaran otros proyectos en los que
crisis de la mediana edad y también un testimonio Kazan eligió a Kirk Douglas. En los años sucesivos, Kazan había estado trabajando: una historia sobre
vivo de su época. el director lamentaría esta elección, criticando acer- delincuentes juveniles puertorriqueños, que inves-
El éxito de la novela hizo que los estudios se inte- bamente (e injustamente, en mi opinión) el trabajo tigó con Budd Schulberg; o una secuela de América
resaran por ella. Los derechos fueron adquiridos por del actor. Intentó que Barbara Loden interpretara a América (que luego haría como novela). En cambio,
Warner Bros. por un millón de dólares, y el acuerdo Gwen (que, en cierto modo, era ella misma), pero se consolidó su carrera como novelista, que fue su
incluía que el propio Kazan produciría y dirigiría la el estudio impuso a Faye Dunaway (que había pa- principal dedicación, y su principal profesión, en los
versión cinematográfica. Y estas son las ironías del sado de aprendiz en el Lincoln Center a estrella de años siguientes.
mundo del arte y el espectáculo: el mismo director Bonnie & Clyde). Deborah Kerr, a la que Kazan había Los asesinos (The Assasins, 1972) trata sobre los
que había triunfado con adaptaciones de textos de dirigido en Tea and Sympathy, interpretó a Flora. chicos, o sea los jóvenes hippies... El sargento Ce-
Tennessee Williams, John Steinbeck y Budd Schul- Richard Boone, veterano del Actors Studio que ha- sáreo Flores es un militar de origen mexicano, que
berg, iba a estrellarse al adaptar su propia novela... bía trabajado en Fugitivos del terror rojo encarnó al vive con su familia en la Base Collins de las Fuerzas
Al principio, Kazan no estaba convencido de es- padre de Eddie (¡y eso que era seis meses más joven Aéreas en Nuevo México, cerca de Albuquerque.
cribir él mismo el guión. Eligió a Arthur Laurents que Douglas!). Flores es un buen mecánico de aviones, un hombre
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serio, discreto y callado, conservador y tradicional.
Aunque observa que, cuando estaba en las bases
USA en el extranjero, le consideraban yanqui, mien-
tras que en Estados Unidos le consideran mexicano.
La niña de sus ojos es su hija Juanita. Por eso, cuan-
do Juanita se va de casa para unirse a un grupo de
hippies, Flores enloquece. Con premeditación, les
tiende una trampa y mata a dos de ellos. Las Fuerzas
Aéreas se encuentran con un problema: no quieren
que se castigue a uno de los suyos, en el fondo con-
sideran que esos chicos se lo tenían merecido, pero
tampoco puede parecer que apoyan la impunidad.
Bueno, luego las cosas se complican, hay un juicio,
conocemos personajes de todos los lados (hippies,
abogados, militares)... A mí, al final, me costó un
poco leerla y no me parece de las más interesantes
de su autor.
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ciando un crimen horrible aunque ello suponga
traicionar a sus camaradas, no fue correcta. Como
señalaba Brian De Palma en Corazones de hierro, in-
cluso en la guerra, incluso en medio de la matanza
y el horror, un asesinato es un asesinato, y no debe
quedar impune, si queremos seguir llamándonos
humanos. Pero el haber hecho lo correcto no aporta
ninguna paz a Bill, que no sabe si es héroe o traidor,
que carga con la culpa de lo que hizo y de lo que no
pudo impedir, que es despreciado por su suegro e
incomprendido por su esposa (que, para colmo, se
siente atraída por el chico malo Mike). Los buenos es-
tán llenos de dudas y culpabilidad, mientras los ma-
los no tienen ninguna. Los villanos están mucho más
contentos consigo mismos, más convencidos de su
razón. Además, cumplieron órdenes (no podían
coger prisioneros). Y la sociedad parece apoyarles,
porque sus condenas han sido casi insignificantes
y el que tiene que esconderse y justificarse es Bill...
“Cuando Los visitantes estuvo terminada, estaba
orgulloso de ella. Había sido una experiencia estimu-
lante, salí de ella renovado, no agotado...”, escribió
Kazan. Cuando se estrenó la película, pocos com-
partieron su entusiasmo. La crítica norteamericana,
con la notable excepción de Vincent Canby (The
Patricia Joyce y James Woods en Los visitantes (1972)
New York Times), se mostró tibia, en el mejor de los
casos, y la distribución fue muy limitada. En Euro-
puesto era de 175.000 dólares (menos de lo que ha- Steve Railsback (1945), alumno del Actors Studio y pa funcionó mejor, y las críticas fueron favorables,
bía cobrado Faye Dunaway en El compromiso), que actor teatral (y futuro protagonista de El especia- sobre todo en Francia. Fue seleccionada para el
Kazan consiguió mediante un préstamo bancario lista y Lifeforce). Y el de Chico Martinez, un taxista Festival de Cannes, donde no tuvo ningún premio
personal. La película se rodó en las propias casas de origen puertorriqueño que luego apareció en (Kazan sostiene que esto tuvo algo que ver con el
rurales de Chris Kazan y su padre en Connecticut. media docena de películas y series de TV. Patricia hecho de que el presidente del jurado fuera Joseph
Los actores y el equipo técnico (cuatro personas), Joyce (1934) era una graduada de Yale que sólo ha- Losey, una destacada víctima de la caza de brujas).
que fueron contratados con tarifas al margen del bía hecho algunos pequeños papeles en televisión Para remate, la Screen Actors Guild la incluyó en su
sindicato, dormían en la misma casa en la que tra- (la tensión sexual entre Martha y Mike es uno de los lista negra porque los actores habían trabajado sin
bajaban durante el día. El director reclutó a Nicho- aspectos más perturbadores y ambiguos del film). Y contrato sindical, y la Directors Guild impuso una
las Proferes, el fotógrafo y montador de Wanda, que el único veterano era Patrick McVey (1910-1973), un multa a Kazan por haber trabajado sin cobrar.
filmó en Super 16, pero aún así consiguió sacar un miembro del Actors Studio, que había aparecido en En fin, a pesar de todas estas tribulaciones, Los vi-
gran partido visual de los exteriores nevados y los un centenar de películas, telefilmes y series; de los sitantes sigue siendo una película excelente, un thri-
claroscuros interiores. (Kazan: “Trabajábamos duro muchos padres terribles de la películas de Kazan, el ller absorbente que crea y mantiene la tensión con
porque queríamos, disfrutábamos con la compañía de Harry de McVey es uno de los más odiosos, por la elementos mínimos (una casa, cinco personajes), y
los demás... Todo era asombrosamente simple... Com- forma en que se une a los visitantes, en una apo- que resulta muy cercana y creíble, como un pedazo
prendí que así era como se hacían antes las películas”). teosis de camaradería machista, llegando a decirles de (incómoda) realidad. Podríamos relacionarla con
Los actores eran desconocidos entonces, aun- que, en su lugar, él le hubiera cortado el cuello a Bill. Perros de paja (Straw Dogs, 1971), estrenada un año
que uno llegaría a ser muy famoso en el futuro. Es cierto que en Los visitantes, al igual que en La antes: el hombre pacífico obligado a enfrentarse a
Esta película fue el debut cinematográfico de Ja- ley del silencio, está presente el tema de la lealtad tipos duros y violentos, el ambiguo papel de la es-
mes Woods (1947), que antes había trabajado en y la delación, lo que permitió, una vez más, una vi- posa... También es un precedente de Funny Games
el teatro, y es curioso que este gran actor, que ha sión del film como una nueva justificación de Kazan (1997 y 2007) de Michael Haneke.
brillado en tantos personajes peligrosos (Érase una por su testimonio ante el HUAC (¡hacía ya veinte Después de Los visitantes, Kazan escribió otra
vez en América), empezase siendo el bueno (a quien años!)... Es una lectura demasiado reduccionista. novela, la única suya que se centra principalmente
todos desprecian, aunque haya hecho algo justo y Nadie (que no sea Harry o los propios culpables) en el mundo que mejor conocía: el de los actores
valiente). También fue el debut de un inquietante puede sostener que la actuación de Bill, denun- y el teatro. Se trata de El doble (The Understudy,
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1975). Sonny es un actor de mediana edad, que ha
alcanzado el éxito en el teatro comercial de Nueva
York, aunque sin convertirse en una gran estrella. Es
un actor experimentado y convincente, pero sin el
fuego del genio… Esa genialidad es la que le sobra
a su mentor y padre adoptivo, Sidney Schlossberg,
conocido sobre las tablas como Sidney Castleman,
un gigante legendario que proporcionó a Sonny su
primera oportunidad en el teatro y le impulsó en
sus comienzos… Ahora, la carrera del anciano Sid-
ney se ha esfumado, y el único trabajo que puede
conseguir es como doble (suplente) de Sonny, quien
sigue apoyándole y manteniéndole, para desespe-
ración de su sensata esposa Ellie… Antes de empe-
zar a ensayar su nuevo papel como protagonista en
Broadway, Sonny viaja de safari fotográfico a África,
una experiencia que resulta más perturbadora de lo
previsto… A la vuelta, Sidney le enreda en su gran
sueño: montar la obra a la que ha dedicado sus
últimos años. Pero, para financiarla, el vanidoso e
inconsciente Sidney ha acudido a personajes bas-
tante peligrosos…
La columna vertebral de la novela es la relación
entre los dos actores, que podemos ver como una
especie de Eva al desnudo, pero al revés: el actor Kazan dirigiendo a Ingrid Boulting y Robert De Niro en El último magnate (1976)
más joven, Sonny, ha triunfado en Broadway, pero
sigue estando dominado y casi esclavizado por el una subtrama criminal, que tiñe de intriga la última Last Tycoon. Tuvo una primera adaptación para tele-
anciano Sidney… Sonny cree que tiene una deuda parte… y plantea (nuevamente) el tema de la dela- visión en 1957, en un episodio de la antología dramá-
eterna de gratitud con Sidney, y se siente culpable ción. En fin, es una novela apasionante, y la que más tica Playhouse 90 que dirigió John Frankenheimer,
por tener éxito mientras su mentor languidece en el me ha gustado de Kazan después de El compromiso. con Jack Palance como Stahr. En 1993 (demasiado
olvido. Así que sigue manteniendo a Sidney, sopor- tarde para la película que nos ocupa), se publicó
tando sus sablazos, sus caprichos y sus desprecios, una nueva edición revisada por Matthew J. Bruccoli,
porque es incapaz de decirle que no. En el fondo, LA CASA INACABADA según las notas del autor, con el título de The Love of
además, el mayor deseo de Sonny siempre ha sido the Last Tycoon, que al parecer era el preferido por
convertirse en Sidney. Éste es un personaje glorioso: The Last Tycoon es una novela que Francis Scott Fitz- Fitzgerald.
egocéntrico, irresponsable, genial, arrogante y vani- gerald (1896-1940) dejó inacabada a su muerte. Se El productor Sam Spiegel llevaba tiempo inten-
doso (uno se pregunta en quién se inspiró Kazan, inspiraba en la figura de Irving G. Thalberg (1899- tando trasladar The Last Tycoon a la gran pantalla.
hay quien dice que en Clifford Odets). En medio, la 1936), legendario productor de la MGM, joven, bri- Encargó el guión a Harold Pinter, gran dramaturgo
mujer de Sonny, Ellie, es el contrapunto racional (el llante, adicto al trabajo, y prematuramente falleci- (Regreso al hogar, Traición) y guionista (El sirviente,
personaje se basa en Molly Kazan). El capítulo del do, sobre el que se basaría el protagonista del libro, El mensajero, La mujer del teniente francés), y futuro
safari africano, que podría parecer un tanto desco- Monroe Stahr. La novela estaba narrada, en parte, ganador del Premio Nobel (2005). El primer director
nectado de la trama principal, aporta otro personaje en primera persona por Cecilia Brady, hija de otro previsto fue Mike Nichols (El graduado), que tuvo
notable (el cazador blanco Jim Piper) y tiene mucho productor y enamorada de Stahr, y en parte en ter- que abandonar el proyecto para terminar Dos pillos
que ver con su tema central: si podemos (o debe- cera persona, puesto que había muchas escenas en y una herencia (1975). Spiegel recurrió a Elia Kazan,
mos) hacernos responsables de otro ser humano… las que Cecilia no estaba presente. Fitzgerald pudo con quien había colaborado en La ley del silencio.
Kazan enmarca la narración en un mundillo teatral, volcar lo que había vivido en Hollywood, en sus Lo que más llama la atención de la adaptación es
recreado con amor, ironía y conocimiento (men- lucrativos pero “degradantes” años como guionista que, realmente, Pinter no hizo ningún intento serio
ciona a muchos actores, escritores y directores a sueldo de la MGM... Tras la muerte del autor, el de terminar o prolongar lo que quedaba inacabado
reales, incluyendo antiguos colaboradores suyos, e crítico literario y ensayista Edmund Wilson, amigo en la novela. Es decir, aunque el orden de algunas
interpola alguna sutil autorreferencia). Y, salvo por personal suyo, ejerció de Max Brod, recopilando los escenas varíe con relación al libro, se añadan per-
algunos flashbacks, la sitúa en la violenta y peligrosa textos y notas dejados por Fitzgerald, y la novela sonajes (como las estrellas de cine que interpretan
Nueva York de comienzos de los 70, que da pie a incompleta se publicó en 1941, con el título de The Tony Curtis y Jeanne Moreau), se haga más hincapié
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Lauren Bacall: inteligente, irónica, hermosa, un poco
felina… Realmente, cuesta entender que Stahr prefiera
a Kathleen. El reparto se completa con un impresio-
nante grupo de veteranos (Robert Mitchum, Jeanne
Moreau, Tony Curtis, Ray Milland, Dana Andrews,
John Carradine, Donald Pleasence) y de nuevos valores
(Jack Nicholson, Peter Strauss, Anjelica Huston).
En esta película, Kazan volvió a encontrarse con
lo que había intentado evitar en sus películas an-
teriores: un rodaje principalmente en estudio y en
decorados. Aunque éstos eran de excepcional cali-
dad. El diseñador de producción Gene Callahan, el
director artístico Jack T. Collis y el decorador Jerry
Wunderlich recrearon de manera suntuosa el Ho-
llywood de la Edad de Oro, los estudios de cine,
las mansiones, los restaurantes, los despachos, los
coches... Aunque quizá el decorado más memorable
sea el esqueleto de la mansión que se está constru-
yendo Stahr junto al mar, inacabada como la no-
vela y la película, un entorno realmente sugestivo
y simbólico para el romántico encuentro de Stahr
y Kathleen. La música original fue compuesta por
Maurice Jarre, lo que imaginamos una propuesta de
Spiegel, que había trabajado con él en Lawrence de
Arabia. La partitura de Jarre es escueta, con unos 25
minutos de música original para un film de más de
en mostrar las interioridades del funcionamiento de dos horas, y se centra más en reflejar el drama y el durante tanto tiempo. Se había terminado y lo sabía”.
los estudios, se reconstruyan escenas de las pelícu- romanticismo interiores de Stahr, que en subrayar Efectivamente, Elia Kazan nunca volvió a dirigir una
las que supuestamente se están rodando, etcétera, los aspectos externos de la acción y la época, que ya película, aunque trabajó en varios proyectos, pero
lo cierto es que todo el material narrativo, los perso- están cubiertos por la imagen. ninguno llegó a materializarse.
najes principales y una gran parte de los diálogos, El último magnate (The Last Tycoon, 1976) se es- Kazan volvió a la literatura, con Actos de amor
estaban ya en la novela truncada. En especial, la trenó el 26 de agosto de 1976. Las críticas fueron en (Acts of Love, 1978). La novela empieza con el
historia de amor entre Monroe Stahr y Kathleen general respetuosas, se consideró una película inteli- anuncio de una boda, la de un joven americano de
Moore pasa al guión de forma prácticamente idén- gente y cuidada, pero no hubo mucho entusiasmo, y origen griego, Theodore (Teddy) Avaliotis, con una
tica, sin ningún desarrollo ni prolongación, ni reso- el público tampoco abarrotó los cines, que digamos. chica WASP, Ethel. El padre de él, Costa, es un padre
lución… De esta manera, la película termina dando Para 1976, ya se había pasado la moda del cine retro griego tradicional y autoritario (como el padre de El
la misma sensación de inacabada de la novela. y nostálgico que había proliferado al principio de la compromiso, como el padre de Kazan), que ensegui-
Kazan eligió como protagonista a una estrella emer- década (Tal como éramos, El gran Gatsby, El golpe, da se dispone a asegurarse de que todo se haga se-
gente: Robert De Niro, un alumno de Stella Adler y del Chinatown, American Grafitti), en la que quizás hu- gún el “modo apropiado”. Planteada esta situación,
Actors Studio que venía de Malas calles y El Padrino 2ª biera podido cobijarse. La película sólo fue nominada el eje se desplaza hacia Ethel, que es la verdadera
Parte, y en el mismo año (1976) protagonizó Taxi Driver a un merecido Oscar a la Mejor Dirección Artística. protagonista del libro. Y es una de las protagonistas
(cuyo rodaje acababa de finalizar) y Novecento. Kazan y En 1998, se estrenó en Los Angeles una versión tea- más cargantes de la historia de la literatura, como
él se entendieron inmediatamente, y el gran actor hizo tral, y al cierre de esta edición se ha anunciado una una Gwen (El compromiso) elevada a la décima po-
un trabajo notable. Cuestión distinta fue Ingrid Boul- adaptación a la televisión para la HBO. tencia. Se supone que es “una mujer apasionada y
ting, hijastra del productor británico Roy Boulting, tan libre que ha decidido ser siempre ella misma y vivir su
bella como inexpresiva. Aunque Kazan la apoyó y tra- vida hasta las últimas consecuencias”. O, para Kazan,
bajó mucho con ella, los resultados distaron de ser con- THE END es una mujer que en sus relaciones sexuales se com-
vincentes (tampoco podemos culpar sólo a la actriz, el porta “como un hombre”. No sé, a mí Ethel me pare-
problema de base es el irritante personaje creado por Al rodar el plano final de El último magnate, el direc- ce caprichosa, inconstante, egoísta y destructiva...
Fitzgerald, fielmente trasladado a la pantalla). Un ha- tor era consciente de que podía ser el último de su En fin, la novela y sus personajes ponen a prueba la
llazgo fue la maravillosa Theresa Russell, en su primer carrera como director. Según su autobiografía, “Era paciencia del lector (junto a Los asesinos, es el libro
papel en el cine, que nos recuerda un poco a una joven el final de una vida en el arte en el que había trabajado menos atractivo del autor, para mi gusto). Lo más
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interesante (y casi lo único que separa la novela de ner y Capitanes y Reyes de Taylor Hackford), su amor la edición española de Temas de Hoy), sincero, apa-
los best sellers de Harold Robbins y Sidney Sheldon) hacia una mujer americana y al final su implicación sionado y fascinante, que tuvo muy buena acogida.
es el retrato de las costumbres de los americanos con la libertad de su tierra de origen. A continuación, se empeñó en poner en pie
de origen griego, y las reflexiones finales, en las que Tas la muerte de Lee Strasberg (1982), Kazan un nuevo proyecto cinematográfico: Beyond the
se demuestra que, aunque Ethel torturó y complicó volvió al Actors Studio, para organizar una unidad Aegean, una continuación de América América
la vida a todos los que la conocieron, al final resulta de autores y directores con Arthur Penn y Joseph y El hombre de Anatolia, que iba a llevar a Stavros
que sus vidas mejoraron gracias a ella... L. Mankiewicz. También dirigió un taller sobre The de vuelta a Anatolia, en plena Guerra Greco-Turca
En 1978, se le diagnosticó a su esposa, Barbara Chain (1983), su única obra teatral como autor en (1919-1922). Su hijo, Chris Kazan (guionista de Los vi-
Loden, un cáncer de mama avanzado. Durante los solitario (pues Dimitroff la había escrito con Art sitantes), se había encargado de escribir el guión, so-
dos años que duró su lucha contra la enfermedad, Stein), que trataba sobre una compañía teatral que, bre el argumento de su padre, y en 1990 el proyecto
Kazan estuvo a su lado abnegadamente. Loden mu- a su vez, ensaya una versión de la Orestíada (esa es estaba listo para rodarse. Kazan había conseguido el
rió el 5 de septiembre de 1980, con 48 años de edad. la “cadena” del título, que une la antigua Grecia con respaldo de un veterano productor francés, Anatole
En 1982, Kazan se casó con Frances Rudge, nacida el mundo moderno). Kazan escribió en sus memo- Dauman (desde 1951, había producido películas de
Frances Wright, una escritora de origen británico, rias: “Finalmente intenté escribir una obra. Me enseñó Resnais, Godard, Bresson, Rouch, Wendes, Schlön-
que antes había estado casada con Peter Rudge a valorar a los dramaturgos. Fracasé”. De todas for- dorf, Tarkovski y otros). Para los protagonistas, ha-
(manager de los Rolling Stones), era corresponsal mas, llegó a representarse en 1985, en New Haven, bía pensado en Nicolas Cage, Juliette Binoche y Jo
de Cornucopia, una revista en inglés sobre cultura con un reparto que incluía a Cathleen Leslie, Fran- Van Fleet. En fin, fuera por problemas financieros o,
turca, y posteriormente publicaría novelas como ces Fisher y Corrine Chateau. como apunta Richard Schickel, porque la Ministra
Good Night Little Sister (1985), Halide Edip and Ameri- En 1988, después de años de trabajo, Elia Kazan de Cultura griega, Melina Mercouri, casada con Ju-
ca (1995) y Halide’s Gift (2001). publicó su autobiografía, Mi vida (A Life). Su inten- les Dassin (un director incluido en las listas negras),
Por su parte, Kazan publicó una nueva novela, El ción al abordarla era escribir exactamente lo que saboteara el proyecto, lo cierto es que la película no
hombre de Anatolia (The Anatolian, 1982), una se- quisiera, sin preocuparse por la opinión de nadie, ni llegó a realizarse, lo cual fue un terrible golpe para
cuela de América América, que retoma al personaje por quedar bien. Se propuso contarlo todo, sus pen- Kazan. Más tarde, publicó la historia como novela:
de Stavros Topouzoglou (“Joe Arness”) doce años samientos sobre todo y sobre todos, incluyendo el Beyond the Aegean (1994), que no se ha publicado
después, en 1909, y relata su ascenso en el mundo tema de su testimonio ante el HUAC (“No tiene sen- en España. Fue su última novela.
de los negocios (esta parte la podemos relacionar tido escribir una autobiografía si dejas cosas fuera”). El Un nuevo golpe para Kazan fue la muerte de su
con novelas como Séptima Avenida de Norman Bog- resultado fue un libro muy extenso (975 páginas en hijo Chris, a consecuencia de un cáncer, en 1991.
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Kazan recibiendo el Oscar Honorario (1999)
Poco después, a él le diagnosticaron los primeros una norma. La propuesta de Malden fue aprobada un grupo de personas opuestas al premio a Kazan
síntomas de arterioesclerosis cerebral, la misma unánimemente por la directiva de la Academia. Sin publicaron un anuncio pagado en Variety para pro-
enfermedad que había padecido su padre. Desde embargo, cuando la decisión se hizo pública, se de- mover que los asistentes no aplaudieran al director.
ese momento, su condición física y mental empe- sató la caja de los truenos, porque la Academia iba La entrega de los Oscar tuvo lugar el 21 de marzo
zó a deteriorarse. Su sordera le fue aislando. Siguió a honrar a un delator y un chivato… Aunque habían de 1999 en el Dorothy Chandler Pavillion. El Oscar
escribiendo, pero ya no completó ningún libro más. pasado 47 años desde los hechos y ninguno de los Honorario a Elia Kazan fue presentado por dos pe-
En la última etapa de su vida, Elia Kazan recibió nombrados por Kazan seguía vivo, proliferaron las sos pesados, Martin Scorsese (gran admirador del
diversos homenajes y distinciones: Handel Meda- virulentas declaraciones y las columnas de perió- cine de Kazan) y Robert De Niro (protagonista de El
llion de la ciudad de Nueva York (1972), Doctorado dico, a favor y en contra, la mayoría repitiendo un último magnate). Kazan entró al escenario del brazo
honoris causa por la Universidad Católica de Lovai- planteamiento simplista y en blanco y negro. Pare- de su esposa Frances. La mayoría de los asistentes
na, Bélgica (1978), Lifetime Award del Kennedy Cen- cía que sólo cabían dos posturas: considerar que lo le aplaudieron (la transmisión televisiva permite ver
ter (1983), Miembro Honorario vitalicio del Direc- que había hecho Kazan era imperdonable, por bue- los aplausos de Warren Beatty, Steven Spielberg,
tors Guild of America (1983), Tributo del American nas que fueran sus películas; o bien perdonar lo que Kurt Russell y Helen Hunt, entre otros). Otros per-
Museum of the Living Image (1987), Oso de Oro Ho- había hecho, por lo buenas que eran sus películas manecieron sin aplaudir, sentados con los brazos
norario en el Festival de Berlín (1996)… Pero segura- (al menos, ninguno negaba que las películas fueran cruzados y expresión hosca en el rostro (Ed Harris,
mente menos de los que hubiera merecido su obra. buenas). Casi nadie se planteó si tuvo o no razones Amy Madigan, Nick Nolte). Las palabras de Elia Ka-
En 1989, el American Film Institute rechazó honrar justificadas para hacer lo que hizo, ni mucho menos zan, anciano y emocionado, fueron muy breves, y
a Kazan, porque había dado nombres ante el HUAC. si los que habían apoyado la dictadura de Stalin desde luego no hizo la menor alusión al Tema: dio
En 1999, la Academia de Artes y Ciencias Cine- también hubieran tenido que pedir perdón… las gracias a la Academia por su valor y su generosi-
matográficas concedió a Elia Kazan un Oscar Ho- El propio Kazan ya no estaba en condiciones físi- dad, mencionó su larga relación con ella, y compar-
norario por toda su carrera. La propuesta partió cas ni mentales para entrar en polémicas. Tampoco tió emotivos abrazos con Scorsese y De Niro.
de Karl Malden, miembro de la junta directiva de estaba en su carácter la posibilidad de lloriquear Fue su última actuación pública relevante. Elia
la Academia. Es cierto que, algunas veces, el Oscar y disculparse. En el libro-entrevista con Michel Kazan murió en Nueva York el 28 de septiembre de
Honorario ha intentado compensar a grandes ci- Ciment y en su autobiografía, ya había expuesto 2003, a los noventa y cuatro años de edad.
neastas que nunca habían ganado el Oscar normal, sus sentimientos encontrados, sus explicaciones y
y Kazan tenía dos (por La barrera invisible y La ley su pesar, aunque para sus detractores no se había
del silencio), pero esto no ha sido así siempre, ni es arrepentido lo suficiente. Antes de la ceremonia,
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REFERENCIAS FILMOGRAFÍA Y “TEATROGRAFÍA” Jacobowsky and the Colonel (1944) de S. N. Behrman
Sing Out, Sweet Land! (1944) de Walter Kerr (no
Libros: ELIA KAZAN (1909-2003)
acreditado)
Elia Kazan: A Biography, de Richard Schickel (Ed. 1. CINE: Director Deep Are the Roots (1945) de Arnaud d'Usseau y James Gow
Harper Perennial, 2011) Dunnigan's Daughter (1945) de S. N. Behrman
Lazos humanos (A Tree Grows in Brooklyn, 1945) Truckline Cafe (1946) de Maxwell Anderson (solo
Kazan on Directing, de Elia Kazan y Robert Cornfield
(Ed. Alfred A. Knopf, 2009) Mar de hierba (Sea of Grass, 1947) productor)
Mi vida, de Elia Kazan (Ed. Temas de Hoy, 1990) El justiciero (Boomerang, 1947) All My Sons (1947) de Arthur Miller
Elia Kazan por Elia Kazan. Entrevista con Michael Ciment, La barrera invisible (Gentleman’s Agreement, 1947) A Streetcar Named Desire (1947) de Tennessee
de Elia Kazan y Michael Ciment (Ed. Fundamentos, 1974) Pinky (Pinky, 1949) Williams
Elia Kazan, de Efrén Cuevas (Ed. Cátedra, 2000) Pánico en las calles (Panic in the Streets, 1950) Sundown Beach (1948) de Bessie Breuer
Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire, 1951) Love Life (1948) de Alan Jay Lerner y Kurt Weill
¡Viva Zapata! (Viva Zapata, 1952) Death of a Salesman (1949) de Arthur Miller
Documentales: Fugitivos del terror rojo (Man on a Tightrope, 1953) Flight into Egypt (1952) de George Tabori
Elia Kazan: A Director’s Journey (1995) dir. Richard La ley del silencio (On the Waterfront, 1954) Camino Real (1953) de Tennessee Williams
Schickel Al Este del Edén (East of Eden, 1955) Tea and Sympathy (1953) de Robert Anderson
A Letter to Elia (2010) dir. Martin Scorsese y Kent Jones Baby Doll (Baby Doll, 1956) Cat on a Hot Tin Roof (1955) de Tennessee Williams
Un rostro en la multitud (A Face in the Crowd, 1957) The Dark at the Top of the Stairs (1957) de William Inge
Río salvaje (Wild River, 1960) J.B. (1958) de Archibald MacLeish
Novelas de Elia Kazan (ediciones más recientes):
Esplendor en la hierba (Splendor in the Grass, 1961) Sweet Bird of Youth (1959) de Tennessee Williams
América América (Ed. Biblioteca de Selecciones del América América (America America, 1963) también Guión After the Fall (1964) de Arthur Miller
Reader’s Digest, 1964) El compromiso (The Arrangement, 1969) también Guión But for Whom Charlie (1964) de S. N. Behrman
El compromiso (Ed. Círculo de Lectores, 1974) Los visitantes (The Visitors, 1972) The Changeling (1964) de Thomas Middleton y William
Los asesinos (Ed. Círculo de Lectores, 1972) El último magnate (The Last Tycoon) Rowley
El doble (Ed. Pomaire, 1976) The Chain (1983) de Elia Kazan
Actos de amor (Ed. Plaza & Janés, 1983)
El hombre de Anatolia (Ed. Plaza & Janés, 1983) 2. CINE: Otros trabajos
4. TEATRO: Actor
Beyond the Aegean (Ed. Alfred A. Knopf, 1994) Pie in the Sky (1935) dir. Elia Kazan, Ralph Steiner y
Molly Thacher Kazan (Codirector y Actor) Chrysalis (1932) de Rose Albert Porter (dir. Theresa
People of the Cumberland (1937) dir. Sidney Meyers y Helburn) también regidor
Bases de datos: Jay Leyda (Ayudante de dirección) Men in White (1933) de Sidney Kingsley (dir. Lee
IMDb – Internet Movie Database (www.imdb.com) Ciudad de conquista (City for Conquest, 1940) dir. Strasberg)
IBDB – Internet Broadway Database (www.ibdb.com) Anatole Litvak (Actor) Gold Eagle Guy (1934) de Melvin Levy (dir. Lee
Blues in the Night (1941) dir. Anatole Litvak (Actor) Strasberg) también regidor
Wikipedia (en.wikipedia.org)
Waiting for Lefty (1935) de Clifford Odets (dir. Clifford
Odets y Sanford Meisner)
3. TEATRO: Director Till the Day I Die (1935) de Clifford Odets (dir. Cheryl
Crawford)
The Second Man (1931) de S. N. Behrman
Paradise Lost (1935) de Clifford Odets (dir. Harold
Dimitroff, a Play of Mass Pressure (1934) de Elia Kazan
Clurman)
y Art Smith
Johnny Johnson (1936) de Paul Green y Kurt Weill (dir.
The Young Go First (1935) de Arthur Vogel, Peter
Lee Strasberg)
Martin, Charles Scudder, and Charles Friedman.
Golden Boy (1937) de Clifford Odets (dir. Harold
The Crime (1936) de Michael Blankfort
Clurman)
Casey Jones (1938) de Robert Ardrey
The Gentle People (1939) de Irwin Shaw (dir. Harold
Quiet City (1939) de Irwin Shaw Clurman)
Thunder Rock (1939) de Robert Ardrey Liliom (1940) de Ferenc Molnar (dir. Benno Schneider)
It's Up to You (1941) de Arthur Arent Night Music (1940) de Clifford Odets (dir. Harold
Cafe Crown (1942) de H. S. Kraft Clurman)
The Strings My Lord, Are False (1942) de Paul Vincent Five Alarm Waltz (1941) de Lucille S. Prumbs (dir.
Carroll Robert Lewis)
The Skin of Our Teeth (1942) de Thornton Wilder
Harriet (1943) de Florence Ryerson y Colin Clements
One Touch of Venus (1943) de S. J. Perelman y Ogden Nash
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La música
en las películas
de Elia Kazan
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“Prima donna” hubiera hecho en el teatro y él decidió dónde poner la
cámara y todo eso”).
La película sucede en Williamsburg, Brooklyn (Nue- En palabras de Kazan: “Toda película de éxito tiene
va York), hacia 1912. Johnny Nolan (James Dunn), de un pequeño milagro dentro, y el nuestro fue Peggy Ann
origen irlandés (aunque ya nacido en Estados Uni- Garner”. Se refiere a la joven actriz de 13 años que
dos), es un camarero-cantante lleno de sueños, un encarnó de manera inolvidable a Francie Nolan (“no
hombre encantador y un buen padre, pero también era guapa, ni mona, ni bonita, simplemente era verda-
un alcohólico que no consigue un trabajo estable y dera”). Su padre estaba en Europa sirviendo como
no es muy de fiar. Su esposa Katie (Dorothy McGui- piloto de guerra, y su amor y preocupación por él se
re), de ascendencia austriaca, sostiene la casa lim- correspondían con los de Francie por su padre, de
piando escaleras y pisos y estirando cada centavo. modo que todos los sentimientos del personaje es-
A veces sufre al pensar si se habrá vuelto demasiado taban dentro de la actriz. Kazan no dudó en explotar
dura. Tienen dos hijos, Francie (Peggy Ann Garner) ese paralelismo cuando tuvo que provocar el llanto
de 13 años, y Neely (Ted Donaldson) de 12. Francie de la niña, y para eso le recordó a su padre (“Al final
combina el lado soñador de su padre y el carácter un director tiene que conseguir su plano, sea como sea.
práctico de su madre. Con su hermano, recogen Los directores somos personas desesperadas... Pode-
chatarra que revenden por unos centavos. Pero mos ser amables después. Luego la abracé, la besé y lo
también es una voraz lectora, que se ha propuesto hice todo por ella, pero en ese momento tenía que con-
leer todos los libros de la biblioteca pública por or- seguir la escena, y la conseguí”). El actor James Dunn
den alfabético de autores (va por la B) y sueña con también compartía mucho con su personaje, em-
ser escritora. Con su padre, trama un engaño para pezando por los problemas de alcoholismo (Kazan:
ir a un colegio mejor (mintiendo sobre dónde vive). “No puedes superar eso, porque no tenía que actuar.
Su tía Sissy (Joan Blondell) es un espíritu libre, que Simplemente parecía un tipo que ha bebido demasia-
escandaliza al barrio pero encanta a los niños con su do y también es alegre y adorable, y al mismo tiempo
bondad esencial. Un nuevo policía que presta servi- un caos”). Dunn y Garner establecieron en el rodaje
cio en las calles, el agente McShane (Lloyd Nolan), un vínculo emocional similar al de sus personajes. Lazos humanos
empieza a interesarse por Katie. La tragedia golpea Francie adora a su padre, pero es dolorosamente (A Tree Grows in Brooklyn, 1945)
a la familia pero, como el árbol del título, vuelve a consciente de sus debilidades (utiliza el eufemis-
mo de que vuelve a casa “enfermo”, cuando vuelve 20th Century Fox
crecer con tenacidad...
Director: ELIA KAZAN
Aunque los Nolan eran más pobres que los Ka- borracho). Al mismo tiempo, llega a comprender la
Guión: TESS SLESINGER y FRANK DAVIS
zan, es evidente que el director pudo conectar de dureza de su madre. Katie (también excelente Do- Sobre la Novela de BETTY SMITH
manera personal con esta historia de inmigrantes rothy McGuire) es más reservada, expresa menos Fotografia: LEON SHAMROY
de tercera generación. Kazan no trabajó directa- sus sentimientos, tiene que tomar las decisiones Música: ALFRED NEWMAN
mente con los guionistas, pero sí contó con la tute- difíciles (mudarse a un piso más pequeño, que sólo Montaje: DOROTHY SPENCER
Neely siga estudiando, porque sabe que Francie lo Dirección Artística: LYLE R. WHEELER
la del productor Bud Lighton en la preparación del
Productor: LOUIS D. LIGHTON
film (entre otras enseñanzas, Lighton le machacó hará de un modo u otro)... hasta la hermosa escena
Intérpretes: PEGGY ANN GARNER, DOROTHY
la importancia del guión). El director novato se en- en que confiesa que no quería convertirse en una McGUIRE, JOAN BLONDELL, JAMES DUNN, LLOYD
contró a gusto en la Fox, y se llevó bien con el jefe mujer tan dura. NOLAN, JAMES GLEASON, TED DONALDSON, RUTH
del estudio, Spyros Skouras (otro griego), y con el Lo importante es que la película se mantiene viva NELSON, JOHN ALEXANDER, B.S. PULLY,
jefe de producción, Darryl F. Zanuck. Un aspecto y apreciada (tiene una nota de 8,2 entre los usua- Duración (DVD): 125 minutos
en el que Kazan se sentía inseguro era todo lo re- rios de la IMDb), y que puede seguir viéndose, no
lacionado con la cámara (“no distinguía una lente necesariamente en Navidades, como una obra ge-
de otra”, según sus propias palabras). Aquí contó nuinamente apasionante y emotiva, pero no lacri-
con la ayuda del gran director de fotografía Leon mógena...
Shamroy (Sólo se vive una vez, Lazo sagrado, Roxie
Hart, El cisne negro, Que el cielo la juzgue, La túnica
sagrada, Las nieves del Kilimanjaro, Sinuhé el egip-
cio, El rey y yo, El cardenal, Cleopatra, El planeta de
los simios). Según Kazan, al principio Shamroy fue
un poco duro y llegó a proponer a Lighton figurar
como codirector, lo que fue rechazado (“pero tenía proyección
cierta razón, porque yo monté las escenas como lo 26.01.2015
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En lugar del otro pero varios invitados excusan su asistencia a la fies-
ta… Y lo peor llega cuando otros niños se meten con
Philip Schuyler Green (Gregory Peck) es un escritor Tommy en el colegio, y Kathy le consuela diciéndole
viudo, que acaba de trasladarse a Nueva York des- que en realidad él no es judío, en lugar de explicarle
de California, con su madre (Anne Revere) y su hijo que los insultos son algo malo e injusto en sí mismo.
Tommy (Dean Stockwell). Ha sido contratado por la Entre tanto, el mejor amigo de Philip, Dave
revista Smith’s Weekly que dirige John Minify (Albert Goldman (John Garfield), ha llegado a Nueva York,
Dekker), quien le encarga una serie de artículos de porque tiene una oferta de trabajo en la ciudad y
fondo sobre el tema del antisemitismo. Green acep- tiene que encontrar una casa para traer a su familia.
ta el encargo, pero, por más vueltas que le da, no Cuando Philip comparte con él su proyecto, el op-
encuentra un enfoque adecuado. Finalmente, se le timista y animoso Dave le señala que está concen-
ocurre una solución que le entusiasma: aprovechan- trando toda una vida de discriminación en un par de
do que nadie le conoce en Nueva York, decide hacerse semanas; que uno nunca se acostumbra, pero que
pasar por judío, adoptando el nombre de Phil Green- sigue adelante… Philip traba amistad también con
berg. Sólo sabrán la verdad su familia, su editor… y una compañera de trabajo, la editora Anne Dettrey
Kathy Lacy (Dorothy McGuire) una sobrina de Minify, (Celeste Holm), inteligente y divertida, y mucho
una mujer divorciada, culta, elegante y atractiva, con más directa y honesta en su relación con la gente.
la que ha empezado una relación romántica. La película es asumidamente didáctica, por ejem-
Green(berg) no tiene que investigar mucho para plo en la escena en que Philip intenta explicar a
chocar con la barrera invisible de la discriminación. Tommy qué es el antisemitismo (también extraída
Se la encuentra en la propia revista tan liberal para de la novela)… Es cierto que la investigación del
la que trabaja. Su secretaria, Elaine Wales (June Ha- protagonista queda limitada a su círculo socioeco-
voc), le revela que ella es judía, pero lo ha ocultado nómico más próximo (la clase media-alta de Nueva
y ha cambiado su apellido (Wilovsky), porque cuan- York), pero ésa es precisamente la tesis: que no hay
do solicitó empleo con ese nombre la rechazaron... que irse a buscar el racismo entre los paletos de la
La barrera invisible en esa misma revista. Cuando su madre sufre un América profunda. Una ironía del film es que Phi-
(Gentleman’s Agreement, 1947) ataque, el médico le recomienda especialistas no lip muestra, a su vez, prejuicios contra las mujeres:
judíos, dejando caer algunos comentarios despec- se extraña de que la idea del artículo haya sido de
20th Century Fox Kathy, y su madre tiene que decirle que las mujeres
tivos sobre los médicos judíos, hasta que Philip le
Director: ELIA KAZAN
dice que él también lo es. Más adelante, intenta también piensan. Es cierto que choca la ausencia
Guión: MOSS HART
Sobre la Novela de LAURA Z. HOBSON alojarse en un hotel, donde pregunta abiertamen- de cualquier mención al Holocausto, pero por lo
Fotografía: ARTHUR C. MILLER te si allí admiten judíos, y el sonriente encargado le demás la película sí consigue presentar bien los
Música: ALFRED NEWMAN pregunta a su vez si él es judío o sólo “quiere asegu- distintos aspectos del problema. Señalemos tres
Montaje: HARMON JONES rarse”; cuando Philip afirma ser judío, resulta que ha escenas clave. Una, cuando la secretaria de Philip,
Dirección Artística: MARK-LEE KIRK y LYLE WHEELER que es judía, se opone a que deje de discriminarse
habido un error y no quedan habitaciones vacantes.
Decorados: PAUL S. FOX y THOMAS LITTLE
Pero aún resulta más duro para Green descubrir a los judíos para ser contratados en la revista. Alega
Productor: DARRYL F. ZANUCK
Intérpretes: GREGORY PECK, DOROTHY McGUIRE, las actitudes cuando menos ambiguas de la mujer que entonces podrían entrar judíos “poco apropia-
JOHN GARFIELD, CELESTE HOLM, ANNE REVERE, que ama. Cuando le cuenta su idea para el artícu- dos” que arruinarían las cosas para los que se habían
JUNE HAVOC, ALBERT DEKKER, JANE WYATT, DEAN lo, lo primero que le dice la liberal Kathy es “pero tú integrado (aunque Phil, que lleva una semana siendo
STOCKWELL, SAM JAFFE no eres judío, ¿verdad?”, aunque rápidamente añade judío, parece un poco arrogante al darle lecciones
Duración (DVD): 118 minutos morales a ella, que lo ha vivido siempre). Otra, la
que eso no tendría la menor importancia (el diálo-
go procede directamente de la novela)… Más tarde, conversación con el profesor Lieberman (Sam Jaffe),
cuando ya se han prometido, Kathy pretende llevar un judío librepensador que cuestiona con ironía
a Philip a casa de su hermana Jane (Jane Wyatt) en el concepto mismo de ser “judío”. Si realmente no
Darien, Connecticut, una comunidad de clase alta existe una raza, y si uno no es religioso, ¿por qué se
donde, en virtud de un “acuerdo entre caballeros” sigue llamando “judío”? Según Lieberman, “porque
no se admiten judíos, para celebrar el compromi- el mundo aún sigue convirtiendo en una ventaja el no
so. Pero Kathy insiste en que él revele a todos sus serlo”. Y otra, la conversación en que Kathy recuerda
amigos y vecinos que sólo finge ser judío (para qué cómo se indignó cuando, en una fiesta, un invitado
crear conflictos, por algo que ni siquiera es verdad), contó un chiste antisemita, pero no puede respon-
proyección mientras Philip se mantiene firme en decírselo sólo der nada cuando David le pregunta una y otra vez
02.02.2015 a Jane, pero no a los demás; él se sale con la suya, qué hizo al respecto.
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La plaga del crimen poco convencional. Y destaca sobre todo el debut
cinematográfico de Jack Palance (acreditado como
La historia de Pánico en las calles sucede en Nueva “Walter Jack Palance”), que había heredado el papel
Orleáns, y empieza en clave de cine negro, con una de Stanley en Streetcar, interpretando a un crimi-
partida nocturna de cartas entre pequeños crimina- nal bien vestido y de hablar suave, pero implacable
les. Kochak (Lewis Charles) es un marino mercante y realmente siniestro. Palance, además, ejecutó
que acaba de llegar del extranjero y está jugando al personalmente la escena culminante, en la que in-
póker con sus amigos Blackie (Jack Palance) y Fitch tenta trepar hasta un barco por la maroma atada al
(Zero Mostel), y su primo Poldi (Guy Tomajan). Ko- muelle...
chak empieza a sentirse enfermo, y se retira de la La película se rodó entre diciembre de 1949 y fe-
partida con sus ganancias. Blackie y los otros creen brero de 1950, íntegramente en escenarios natura-
que les ha hecho trampas, y le persiguen hasta los les, calles y edificios auténticos, de Nueva Orleáns.
muelles, donde le matan. La autopsia del marinero Eso ofrece una veracidad que no se hubiera podido
revela que padecía una enfermedad neumónica conseguir en estudio. Los extras y la mayoría de los
altamente contagiosa. El comandante Clint Reed papeles pequeños eran habitantes reales de la ciu-
(Richard Widmark), un oficial de salud pública, se dad. Kazan disfrutó con la libertad de ese rodaje al
pone a cargo del caso. Reed considera que podría aire libre (aunque ya lo había catado en El justiciero):
desatarse una plaga en la ciudad, así que insiste en “El guión no era gran cosa, pero lo rescribimos cada día
que se ponga en marcha una operación para locali- en los exteriores. Eso fue lo divertido... Caminar por el
zar y poner en cuarentena a todas las personas que puerto y sentir el viento en mi cara”. Eso le hizo pensar:
puedan haber estado en contacto con el muerto. “Tengo que salir del teatro y meterme en el cine”. Kazan
Con la ayuda, un tanto reticente, del capitán de po- intentó incluir toda la acción posible. Y aprendió que
licía Warren (Paul Douglas), empiezan a reconstruir no debía prestar una atención excesiva al guión, sino
los pasos del paciente cero, desde los muelles (donde dejarse llevar por lo que surgiera en el rodaje: “No
impera la ley del silencio, hasta el mismo barco en el cargábamos con el libro todo el día... Recorrí toda la
que llegó). Por una parte, tienen que ser discretos, ciudad y rodé en todas partes, y me lo pasé muy bien... Pánico en las calles
para evitar el pánico en la ciudad del título; por otra, Eso también me dio confianza en mí mismo, que me (Panic in the Streets, 1950)
sólo tienen 48 horas para controlar el virus antes permitió hacer La ley del silencio”. La fotografía de Jo-
seph MacDonald (Pinky, ¡Viva Zapata!) es puro cine 20th Century Fox
de que se extienda (un plazo que se acorta aún
Director: ELIA KAZAN
más cuando un periodista empieza a investigar). negro, tanto en las escenas nocturnas, con fuertes
Guión: RICHARD MURPHY
Pero, cuando Blackie se entera de que la policía está contrastes y sombras alargadas, como en las diurnas, Adaptación: DANIEL FUCHS
prestando una atención exagerada a la muerte de con una claridad que plasma el sol y el calor. La músi- Argumento: EDWARD ANHALT y EDNA ANHALT
Kochak, cree que se debe a que escondía algo muy ca la puso el gran Alfred Newman. Fotografía: JOSEPH MacDONALD
valioso... Pánico en las calles se estrenó en junio de 1950, Música: ALFRED NEWMAN
con críticas mayoritariamente favorables, pero con Montaje: HARMON JONES
Richard Widmark había trabajado con Kazan en
Dirección Artística: MAURICE RANSFORD y LYLE
el teatro (Dunnigan’s Daughter) y había debuta- una respuesta tibia en taquilla. Ganó un Oscar al
WHEELER
do en el cine de manera memorable (El beso de la mejor argumento (Edward y Edna Anhalt), y se pre- Productor: SOL C. SIEGEL
muerte). Su personaje, el profesional competente sentó en el Festival de Venecia, donde obtuvo el Intérpretes: RICHARD WIDMARK, PAUL DOUGLAS,
que alerta del peligro y se enfrenta a la indiferencia Premio Internacional. Y aún más importante, para BARBARA BEL GEDDES, JACK PALANCE, ZERO MOSTEL,
o incredulidad de las autoridades, hunde sus raíces nosotros: se conserva muy bien. Acabo de verla GUY TOMAJAN, ALEXIS MINOTIS, DAN RISS, TOMMY
nuevamente para este ciclo, y sigue siendo un thri- COOK
en Un enemigo del pueblo de Ibsen, y anticipa mu-
Duración (DVD): 96 minutos
chos protagonistas del futuro cine de catástrofes. El ller tan emocionante narrativamente como brillante
sólido y escéptico policía de Paul Douglas ofrece el visualmente. Y quizá por tener menos pretensiones,
adecuado contraste frente a la energía de Widmark. se ve mejor ahora que otras películas de Kazan.
Barbara Bel Geddes (Deep Are The Roots), como
esposa de Reed, presenta el aspecto de normalidad
doméstica que aporta el contraste con el submun-
do del hampa. Una presencia sorprendente es la
de Zero Mostel (futuro protagonista de Golfus de
Roma, Los productores y, en el teatro, El violinista en
el tejado), un gran comediante que aquí interpreta proyección
a un gángster nervioso, sudoroso y decididamente 09.02.2015
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“Yo no quiero realismo, yo quiero magia” como una amenaza para Stella y Stanley, intenta
romper un hogar feliz. Es una refugiada, una alco-
Blanche DuBois (Vivien Leigh) llega a Nueva Or- hólica que está quemando sus últimos cartuchos…
leáns desde Laurel, Mississippi, para visitar a su La simpatía y la piedad del espectador, que recibe al
hermana menor Stella (Kim Hunter), que vive en final, se la tendrá que ganar.
el bullicioso Barrio Francés de la ciudad (desde la Stanley es el macho alfa del grupo, el rey de su
estación, debe tomar un tranvía llamado Deseo y casa. Acostumbrado a ser obedecido, domina a Ste-
cambiar a otro llamado Cementerio, para llegar a lla con su poder sexual. Con caricias o con golpes,
los Campos Elíseos). El encuentro de las hermanas según le dé. Pero también ama a su mujer, la adora
rebosa alegría, pero a Blanche le horroriza dónde y (llora como un niño, grita como un animal herido
cómo vive Stella. Ambas proceden de otro mundo, cuando cree que ella puede dejarle). Brando seña-
del Viejo Sur, de su mansión familiar de Belle Reve. ló que Stanley nunca abre sus puños: si tiene que
Blanche mantiene sus aires de grandeza, pero su coger una taza, lo hace con sus zarpas, como un ani-
realidad actual es muy distinta. Belle Reve se ha per- mal. Casi siempre le vemos comiendo o bebiendo.
dido, por las muertes de los familiares y las deudas También tiene un humor salvaje (cuando recoge la
que dejaron. Blanche ha estado malviviendo en el mesa). No soporta que nadie quiera aprovecharse
Hotel Flamingo, que es lo más arrastrado de Laurel, de él (aunque tenga que invocar el Código Napo-
y aún allí se han escandalizado por su conducta. Y leónico). Decide derribar a Blanche porque ella pre-
ahora la han despedido de su puesto de profesora, tende separarle de Stella. Y también porque se cree
por haberse liado con un chico de 17 años... Blanche mejor que él y le considera vulgar. Primero, revela
choca inmediatamente con el marido de Stella, las mentiras de Blanche a Stella y a Mitch, arruinan-
Stanley Kowalski (Marlon Brando), un hombre pri- do la única posible salida que le quedaba. Y luego, al
mario, de arrollador atractivo animal. Stanley no violar a Blanche, Stanley termina de destruirla.
soporta los aires de superioridad de Blanche. Ésta Stella podía haber sido como Blanche, su crianza
intenta convencer a su hermana, embarazada, de y educación han sido iguales. Pero Stanley la ha sal-
Un tranvía llamado deseo que abandone al bruto de Stanley. Blanche y Stanley vado y la ha convertido en mujer. Nada más llegar,
(A Streetcar Named Desire, 1951) luchan por Stella, y es una lucha cargada de tensión Blanche vuelve a mangonearla, a decidir por ella, a
sexual... Blanche conoce a un amigo de Stanley, Ha- convertirla nuevamente en niña. Se empeña en sal-
Warner Bros. varla de una vida con Stanley de la que ella no quie-
rold Mitchell, llamado “Mitch” (Karl Malden), que es
Director: ELIA KAZAN
un poco más refinado que los demás tipos heterogé- re ser salvada. Stella es tranquila, tierna, sencilla, fiel.
Guión: TENNESSEE WILLIAMS
Sobre su Obra Teatral neos que pululan por allí. Mitch se deja deslumbrar Está como narcotizada por Stanley (Blanche le es-
Adaptación: OSCAR SAUL por Blanche... peta que parece haber abrazado la filosofía oriental
Fotografía: HARRY STRADLING “Cuanto más trabajo sobre Blanche, menos creo de silencio y sumisión). Haga lo que haga Stanley,
Música: ALEX NORTH que esté loca. Está atrapada en una fatal contradic- se aferra a él, le quita importancia a todo. Acepta
Montaje: DAVID WEISBART lo que tiene. Pero, muy en el fondo, Blanche le está
ción interna, pero en otro mundo podría haber fun-
Dirección Artística: RICHARD DAY y GEORGE HOPKINS
cionado; no en el de Stanley”, escribió Kazan en sus abriendo los ojos sobre Stanley… y por eso la odia.
Productor: CHARLES K. FELDMAN
Intérpretes: VIVIEN LEIGH, MARLON BRANDO, KIM notas. Blanche está desesperada, el tranvía llamado Mitch es amable, educado, justo, recto. También
HUNTER, KARL MALDEN, RUDY BOND, NICK DENNIS, Deseo la ha llevado al final del trayecto. Necesita tímido, torpe y un poco limitado. Vive con su madre
PEG HILLIAS, WRIGHT KING, RICHARD GARRICK, ANN refugio y protección. Pero su mente está anclada enferma. La clave del personaje es que, aunque diga
DERE en el Viejo Sur del siglo XIX. Y según esa tradición, que quiere a su madre o incluso lo crea, en realidad
Duración (DVD): 120 minutos la odia... Porque le impide madurar y ser un hombre,
la protección debe venir de otra persona (Mitch, el
Banda Sonora (CD): Varèse Sarabande VSD-5500
millonario Shep Huntleigh, la amabilidad de los des- porque él querría ser como Stanley. Mitch es una
conocidos). No puede salvarse ella misma, ni tiene tabla de salvación para Blanche (“una grieta en la
capacidad para gestionar los temas prácticos. Como roca del mundo”). Él tiene poca experiencia con las
su mundo romántico ya no existe, vive en una fanta- mujeres (tuvo una relación hace tiempo, pero la chi-
sía. Pero Blanche tiene grandeza y valor: seductora, ca murió), y Blanche le encandila con su encanto…
sensual, coqueta, elegante, fuerte, orgullosa, inteli- Cuando descubre que ella le ha mentido, no puede
gente, culta, sensible, tierna, ingeniosa, con sentido superarlo ni comprenderla. Si Mitch hubiera sido un
del humor, mentirosa, frágil y dominante al mismo poco más abierto, menos rígido, el final del cuento
tiempo. Representa las luces de la civilización (el hubiera podido ser muy distinto; pero esa incom-
proyección arte, la música, la poesía), frente a la barbarie de los prensión es la tragedia de la película, también para
16.02.2015 simios como Stanley. Al principio, Blanche irrumpe Mitch.
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El poder corrompe Huerta (Frank Silvera), intenta convencer a Madero
de que tiene que liquidar a Zapata. Madero se niega,
En 1909, una delegación de campesinos de Morelos pero pronto cae asesinado, víctima de un complot
es recibida por el Presidente mexicano Porfirio Díaz tramado por Huerta. Zapata tiene que volver a la
(Fay Roope), que lleva treinta y tantos años en el lucha. Cuando Huerta se ve obligado a exiliarse,
cargo. Los campesinos se quejan de que los hacen- Zapata ocupa a regañadientes el poder... Hasta que
dados les han arrebatado sus tierras y las han cerca- tiene que recibir a un grupo de campesinos que
do con vallas y hombres armados. El Presidente les reclaman sus tierras, encabezado por Hernández
trata de manera paternalista, con buenas palabras, (Henry Silva), y comprende que se ha cerrado el cír-
pero les dice que para poder actuar legalmente culo, que puede convertirse en otro Díaz... Decide
tienen que buscar los mojones que demuestran su abandonar la presidencia. Mientras, su hermano
propiedad. Cuando los campesinos se están retiran- Eufemio se ha convertido en un dictadorzuelo que
do, Emiliano Zapata (Marlon Brando), que ha esta- abusa de su mando... Venustiano Carranza asume la
do oculto detrás de sus compañeros, da un paso presidencia, y Aguirre está a su lado para indicarle
adelante y formula en voz baja una pregunta obvia: que Zapata es peligroso...
¿cómo van a localizar los mojones si no pueden ac- “Lo primero que me atrajo de Zapata fue su sen-
ceder a sus tierras? Irritado, el dictador le pregunta sación de que el poder le estaba corrompiendo y él no
su nombre y lo rodea con un círculo en la lista. quería eso”, escribió Elia Kazan en sus memorias.
Confiados en las promesas de Díaz, Zapata y los En la versión de Kazan y Steinbeck (que se toma
campesinos rompen las cercas para entrar en sus algunas libertades con los hechos históricos), Emi-
tierras y encontrar los mojones… pero aparece un liano Zapata es un líder incorruptible, decidido a
grupo de hombres armados que les dispara indiscri- devolver la tierra a los campesinos, y que no quiere
minadamente con fusiles y ametralladoras. Zapata nada para él. Piensa que la Revolución sólo lo será
contraataca y se refugia en las montañas con su si entrega el poder al pueblo (“un pueblo fuerte no
hermano Eufemio (Anthony Quinn) y sus hombres. necesita un líder fuerte”). Si no, sólo será reemplazar
A su escondite llega, un tiempo después, Fernan- una dictadura por otra. Zapata comprende que el ¡Viva Zapata!
do Aguirre (Joseph Wiseman), aparentemente un poder terminará convirtiéndole en otro tirano, y (Viva Zapata!, 1952)
periodista que carga con su máquina de escribir, decide abandonarlo. Para Kazan, todo el significado
del personaje está contenido en ese gesto: cuando 20th Century Fox
pero en realidad un agente político que represen-
Director: ELIA KAZAN
ta a Francisco Madero (Harold Gordon), el líder del coge su sombrero y sale del palacio.
Guión: JOHN STEINBECK
levantamiento contra Díaz, exiliado en Texas, que El contrapunto de Zapata es el personaje (ficti- Fotografía: JOSEPH MacDONALD
pretende reclutar a Zapata para su causa. Zapata cio) de Fernando Aguirre, interpretado de manera Música: ALEX NORTH
envía a Texas su amigo Pablo (Lou Gilbert), para escalofriante por Joseph Wiseman (el futuro Doctor Montaje: BARBARA McLEAN
que conozca a Madero y determine si es de fiar. No). Aguirre es el revolucionario profesional, una Dirección Artística: LELAND FULLER, LYLE R. WHEELER,
figura proto-estalinista, amoral e implacable, que CLAUDE E. CARPENTER y THOMAS LITTLE
Mientras, Zapata se ocupa de asuntos personales:
Productor: DARRYL F. ZANUCK
corteja a Josefa (Jean Peters), pero es rechazado con sólo busca el poder, y que traiciona primero a Ma-
Intérpretes: MARLON BRANDO, JEAN PETERS,
desprecio por sus padres, los señores Espejo (Flo- dero y luego a Zapata. Éste, después de decirle que ANTHONY QUINN, JOSEPH WISEMAN, ARNOLD MOSS,
renz Ames y Mildred Dunnock), unos comerciantes tiene que retirarse precisamente para salvar aquello ALAN REED, MARGO, HAROLD GORDON, LOU GILBERT,
de clase media. Al salir de la casa de Espejo, Zapata por lo que han luchado, le retrata así: “Ahora te co- MILDRED DUNNOCK, FRANK SILVERA, FLORENZ AMES,
es detenido por los soldados. Pero, mientras le con- nozco... Sin tierras, sin mujer, sin amigos, sin amor. Sólo RICHARD GARRICK, FAY ROOPE, HENRY SILVA
destruyes... Ése es tu amor, y ahora te unirás a Obregón Duración (DVD): 108 minutos
ducen a prisión, la comitiva se ve rodeada por un
Banda Sonora (CD): Varèse Sarabande Club VCL-0208-
número creciente de campesinos, que finalmente o Carranza, y nunca cambiarás”.
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liberan a Zapata. ¡Viva Zapata!, la película más abiertamente políti-
Convertido en líder a su pesar, Zapata dirige el ca de Kazan, mantiene su fuerza, gracias a su guión,
ejército rebelde del Sur, mientras Pancho Villa (Alan sus notables interpretaciones, y el poder visual de
Reed) encabeza el del Norte. Porfirio Díaz es de- sus escenas (el asesinato de Madero, el abandono
rrotado, y Madero ocupa su lugar. Entre una cosa del poder por Zapata, el desenlace).
y otra, Zapata se casa con Josefa. Pero pronto des-
cubre que nada ha cambiado para los campesinos.
El liberal Madero, pese a sus buenas intenciones,
no toma ninguna medida efectiva para devolverles proyección
las tierras. El verdadero hombre fuerte, el general 23.02.2015
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“Podía haber aspirado al título” una historia interior, una evolución, empieza de una
manera y termina de otra: “Un vago se convierte en
Terry Malloy (Marlon Brando) es un ex-boxeador un hombre. Eso es todo”. Terry era huérfano, Friendly
que trabaja como estibador en el puerto. Está bajo actuó como una figura paterna sustituta: le recogió,
la tutela de Johnny Friendly (Lee J. Cobb), el jefe le convirtió en boxeador, le hizo sentirse especial. El
mafioso que controla el corrupto sindicato. Su her- boxeo era una forma de conseguir reconocimiento,
mano abogado, Charley “The Gent” (Rod Steiger), de ser alguien. Pero el mismo Friendly se lo quitó lue-
es la mano derecha de Friendly. Éste patrocinó en su go todo, al hacerle perder en un combate amañado
día la prometedora carrera de Terry como boxeador, y convertirle en un fracasado (¿otro padre terrible de
pero en un combate decisivo le obligó a perder por- Kazan?). El amor de Edie despierta lo bueno dentro
que había apostado en su contra, lo que le convirtió de él. Pero, como muy bien subraya Kazan, lo que
en un fracasado, un vago y un don nadie... Ahora finalmente inclina la balanza no es el amor, ni el
vive solitario, con la única amistad de los pichones idealismo, ni menos aún la conciencia cívica, sino su
que cría en la azotea y del adolescente Jimmy (Ar- ira por el asesinato de su hermano: “Terry actúa por
thur Keegan) y su pandilla, los Golden Warriors, que la razón más intensamente personal”.
todavía le idolatran. No es que viva del todo mal: La cualidad que el director quería reforzar en el
todavía goza de cierta consideración por parte de personaje de Terry era la ternura: hacia Edie, hacia
Friendly, tiene algunos privilegios, en el puerto le sus pichones, hacia su hermano, incluso cuando éste
pagan por estar tumbado leyendo el periódico, y le apunta con un arma. Terry Malloy es un personaje
le ofrecen pequeños trabajillos en la organización. muy diferente de Stanley Kowalski, y más cercano
Una noche, sin saber muy bien lo que hace, Terry al propio Brando. Kazan indicó en sus notas que
ayuda a los matones de Johnny Friendly a tender Stanley está lleno de confianza, es el amo, no tiene
una emboscada a su amigo Joey Doyle. Los gángs- dudas, nunca se siente solo; Terry parece superficial-
teres asesinan a Doyle, arrojándolo desde la azo- mente igual de duro y cínico, “pero sus ojos le traicio-
tea, por haber hablado con la Comisión del Crimen nan”. En una primera visión del film, nos quedamos
La ley del silencio sobre la corrupción en los muelles. Terry, que había con la gran escena final, que Martin Scorsese leyó en
términos de la iconografía cristiana: el vía crucis de
creído que los matones sólo querían hablar con Do-
(On the Waterfront, 1954)
yle, queda horrorizado. Aun así, se mantiene fiel a la Terry para recobrar su dignidad... Sin embargo, si la
Columbia Pictures ley del silencio que rige en el puerto. Terry se siente vemos más despacio, descubrimos que las escenas
Director: ELIA KAZAN atraído por Edie (Eva Marie Saint), la hermana de más memorables tienen que ver con la ternura. La
Guión: BUDD SCHULBERG Doyle, que está decidida a que los asesinos sean escena entre Terry y Edie en el parque infantil, cuan-
Fotografía: BORIS KAUFMAN condenados, y empieza a cuestionarse su forma do a ella se le cae un guante y él lo coge y lo aprieta
Música: LEONARD BERNSTEIN de vida. Por su parte, un sacerdote, el Padre Barry delicadamente (a pesar de ser un tipo fuerte y duro,
Montaje: GENE MILFORD o por eso mismo, Terry se muestra tímido y torpe
(Karl Malden), intenta romper la ley del silencio y
Dirección Artística: RICHARD DAY
Productor: SAM SPIEGEL despertar la conciencia de los estibadores para que con Edie). Y en la gran escena del taxi, cuando su her-
Intérpretes: MARLON BRANDO, EVA MARIE SAINT, denuncien a los criminales. El único estibador que mano Charley le apunta con un arma, Terry la aparta
KARL MALDEN, LEE J. COBB, ROD STEIGER, PAT parece un poco dispuesto a declarar, Dugan (Pat con suavidad, casi con cariño (Kazan reconoció que
HENNING, LEIF ERICKSON, JAMES WESTERFIELD, Henning), muere en un accidente laboral. Friendly este gesto clave fue aportado por Brando).
ARTHUR KEEGAN, TONY GALENTO, TAMI MAURIELLO, teme que Terry hable, así que envía a su hermano Muchas veces se ha interpretado la película como
JOHN F. HAMILTON, RUDY BOND, ABE SIMON, MARTIN Charley a convencerle, amenazarle o matarle. Pero una justificación de Kazan por haber declarado ante
BALSAM, DON BLACKMAN, MICHAEL V. GAZZO, FRED el HUAC, una apología de la delación... Pero Friendly
en esa conversación, dentro de un taxi, Terry ignora
GWYNNE, PAT HINGLE, NEHEMIAH PERSOFF
Duración (DVD): 103 minutos las amenazas y le reprocha a su hermano no haberle y los suyos son realmente malos: asesinan a inocen-
apoyado cuando era boxeador, haberle obligado a tes y abusan de los trabajadores. Denunciarlos no
perder y a convertirse en un vago (“Podía haber te- se puede considerar inmoral desde ningún punto
nido clase. Podía haber aspirado al título. Podía haber de vista. En todo caso, es cierto que ese elemento
sido alguien, en lugar de un vago, que es lo que soy, está presente en el film, y el director lo reconoció
admitámoslo. Fuiste tú, Charley”). Charley no puede en su autobiografía, pero añadiendo que no era el
cumplir las órdenes de Friendly, y éste ordena su elemento central, ni lo más importante (recuerden
asesinato. Terry decide, finalmente, testificar... que Kazan había empezado a pensar en esta pelí-
La ley del silencio es, ante todo, la historia de la cula mucho antes de su declaración). Entender La
redención de Terry Malloy. Según Kazan: “Esta pelí- ley del silencio sólo como una apología de la delación
proyección cula trata sólo sobre una cosa: un joven que ha dejado es una visión simplona y reduccionista que elude la
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Padres e hijos contra él; finalmente, uno se ocupa de él y se recupera,
comprendiéndole y perdonándole. Y ya no tienes mie-
“Caín salió de la presencia del Señor y habitó en Nod, al do”. Como hemos dicho varias veces, el tema de los
Este de Edén”. (Génesis, 4, 16). padres terribles es recurrente en la obra de Kazan, y
hunde sus raíces en su experiencia con su propio
La acción comienza en 1917, y se desarrolla en dos y autoritario padre, George Kazan, al que temió
localidades californianas vecinas, aunque separadas siempre, odió de joven y luego llegó a comprender
por una cordillera: la ciudad costera de Monterey y y perdonar mientras reflexionaba sobre su vida para
el agrícola Valle de Salinas. El rebelde y atormenta- preparar América América (1963). Para el director, la
do Cal (Caleb) Trask (James Dean) descubre que su historia trata sobre el rechazo, el rechazo de Adam
madre, Kate (Jo Van Fleet), a la que creía muerta, hacia Cal, que sólo desea el amor y el respeto de su
en realidad regenta un burdel en Monterey... Cal inflexible padre, que crea un círculo vicioso: el re-
sufre porque su padre, el rígido y estricto Adam chazo causa el odio, causa la venganza, hace nacer
(Raymond Massey), no oculta su preferencia por la culpa, que causa un mayor sentimiento de recha-
su hermano, el piadoso, bueno, perfecto y ejemplar zo. “Es terrible no ser amado, es lo peor del mundo”,
Aron (Richard Davalos). Cal nunca consigue hacer dice Abra, intentando conmover el corazón de pie-
nada que agrade a su exigente padre, y éste censu- dra de Adam.
ra con dureza las acciones de su hijo que considera Kenneth Turan ha calificado la película como “el
malvadas (a veces con razón, todo hay que decirlo). conflicto generacional paradigmático de todo el cine
La novia de Aron, Abra (Julie Harris), siente simpatía americano”. El conflicto estalla en la escena más
por Cal, porque ella también ha tenido problemas memorable del film, que Kazan filmó en ángulos
con su padre. Poco a poco, Abra se va enamorando oblicuos (algo muy poco habitual para él), cuando
de Cal, que comparte sus sentimientos. Adam rechaza el dinero que le ha regalado Cal, y
Adam concibe un ambicioso e innovador plan éste se le abraza, destrozado y llorando, metiéndole
para transportar verduras y hortalizas desde Cali- fajos de billetes en los bolsillos (una acción que fue
fornia hasta la Costa Este, en vagones de tren re- improvisada por el actor)... Pero el conflicto se cie- Al este del edén
frigerados con hielo. Es el sueño de su vida, y por rra al final, en parte gracias a la benéfica mediación (East of Eden, 1955)
un tiempo su entusiasmo hace que esté contento de Abra. Kazan escribió en sus notas que un impor-
tante aspecto del tema del rechazo es su lado posi- Warner Bros.
y hasta haga bromas. Cal disfruta esos (breves) mo-
Director: ELIA KAZAN
mentos de felicidad con su padre... Pero el proyecto tivo, la curación de la herida del rechazo. La herida
Guión: PAUL OSBORN
fracasa estrepitosamente, Adam pierde una gran se cura sólo cuando el hijo perdona (comprende) al Sobre la Novela de JOHN STEINBECK
cantidad de dinero y vuelve a su ser amargado y padre. Cuando Cal comprende y perdona a Adam, Fotografía: TED McCORD
severo. Cal piensa que puede comprar el amor y el ya no siente el rechazo, así que ya no tiene que sen- Música: LEONARD ROSENMAN
respeto de su padre y pone en ello toda su ilusión: tirse responsable por el mal... Montaje: OWEN MARKS
Como apunte personal, la primera vez que vi Al Direccion Artística: JAMES BASEVI y MALCOLM C. BERT
habla con su madre y consigue que ella le deje los
Productor: ELIA KAZAN
5.000 dólares que necesita para invertir en un ne- Este del Edén fue en el cine del colegio de los Escola-
Intérpretes: JAMES DEAN, JULIE HARRIS, RAYMOND
gocio de cultivo de judías. Como consecuencia de pios; no debía de tener más de 10 u 11 años, y aún no MASSEY, BURL IVES, RICHARD DAVALOS, JO VAN FLEET,
la guerra, el precio de las judías se dispara, y Cal entiendo cómo se les ocurrió ponernos una película LOIS SMITH, ALBERT DEKKER, HAROLD GORDON, NICK
consigue ganar el dinero que perdió su padre... Pero tan poco adecuada para niños (igual pensaron que DENNIS, BARBARA BAXLEY, TIMOTHY CAREY, LONNY
cuando, nervioso y emocionado, entrega su regalo era bíblica, lo que en cierto modo es verdad). CHAPMAN
Duración (DVD): 113 minutos
de cumpleaños a Adam (un sobre con el dinero), su
Banda Sonora (CD no oficial: Soundstage Records 535)
padre lo rechaza airado (lo considera dinero sucio,
obtenido aprovechándose de la guerra), y para col-
mo se entusiasma con el regalo de Aron: el anuncio
de su compromiso con Abra. “Si quieres hacerme un
regalo dame una buena vida. Eso es algo que puedo va-
lorar”, le dice. Destrozado, Cal deja salir toda su ira y
le dice a su padre que le odia... Para vengarse, decide
destruir la inocencia de Aron y mostrarle lo que ha
sido realmente de su madre...
“Al Este del Edén es más personal para mí, es mi proyección
propia historia. Uno odia a su padre; entonces se rebela 09.03.2015
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“Seré libre por la mañana” ria de amor del siglo XX entre Lonesome Rhodes y su
público masivo”. Además, aparece una mujer (Kay
Marcia Jeffries (Patricia Neal) tiene un programa Medford) que afirma ser la legítima señora Rhodes
social en una radio local, titulado Un rostro en la mul- y también quiere su tajada. El dueño de Vita Jex
titud, en el que pretende dar voz a personas que nor- le pone en contacto con el Senador Worthington
malmente no pueden hacerse oír. Mientras graba Fuller (Marshall Neilan), un anodino candidato
un reportaje en una cárcel de pueblo, conoce a La- presidencial que no termina de despegar en las
rry Rhodes (Andy Griffith), un vagabundo arrestado encuestas. Rhodes se codea con la élite política y
por borrachera y desórdenes. Rhodes luce su labia y se convierte en coach del candidato, enseñándole
magnetismo ante el micrófono, contando historias cómo ser amado por el pueblo. Le dice a Marcia
y cantando la canción “Free Man in the Morning”... que pronto tendrá un puesto en el gabinete del
Marcia se queda deslumbrada por el hallazgo, y ofre- Presidente... y además intenta reanudar un ro-
ce al vagabundo, al que rebautiza “Lonesome” Rho- mance con ella (dado que su joven esposa le ha
des, un espacio en la radio. Las historias familiares traicionado con DePalma). Le dice que él será el
inventadas, las crónicas del (inexistente) pueblo de poder detrás del Presidente, y ella el poder detrás
Riddle, los chistes, las improvisaciones, los comen- de él. Marcia comprende que Lonesome Rhodes
tarios, las ocurrencias y las canciones de Rhodes, ha alcanzado un poder que le convierte en peli-
su humor irreverente y en apariencia trasgresor, groso, y decide destruirle... aunque sólo vaya a ser
conectan inmediatamente con el público y se con- temporalmente.
vierten en un gran éxito local. Muy pronto salta a la La columna vertebral del film es Andy Griffith,
televisión de Memphis, Tennessee, donde el éxito en su asombrosa creación de Lonesome Rhodes:
sigue creciendo, ahora a nivel regional. Su apoyo es su enorme sonrisa, su vozarrón, su energía inago-
Marcia y un equipo que incluye al guionista Mel Mi- table, su encanto, su habilidad para convertirse en
ller (Walter Matthau). En un programa, hace bromas centro de atención, y al mismo tiempo el lado os-
a costa del patrocinador del programa, el dueño de curo que va manifestándose en su arrogancia ego-
Un rostro en la multitud una empresa de colchones, que se enfada y le retira céntrica, en su utilización de quienes le sirven y en
(A Face in the Crowd, 1957) el patrocinio. Pero la gente se manifiesta delante de su desprecio de todos… (curiosamente, en sus fu-
la empresa, quemando colchones... y además la em- turos trabajos, sobre todo en televisión, Griffith se
Newtown Productions / Warner Bros. especializaría en personajes amables, sin ese lado
presa descubre que sus ventas se han multiplicado
Director: ELIA KAZAN
gracias a esta peculiar publicidad. Al mismo tiempo, oscuro que muestra aquí). El actor hace buena la
Guión: BUDD SCHULBERG
Sobre su Relato “Your Arkansas Traveler” Rhodes y Marcia empiezan una relación. frase de Elia Kazan: “Cuando tengo un personaje que
Fotografía: GAYNE RESCHER y HARRY STRADLING Un ambicioso empleado de la empresa de es un héroe, me pregunto qué tiene de malo; y cuando
Música: TOM GLAZER colchones, Joey DePalma (Anthony Franciosa) tengo un personaje que es un villano, digo que dónde
Montaje: GENE MILFORD negocia un trato que permite a Rhodes tener su está el lado bueno”. El director apuntó en sus notas
Direccion Artística: RICHARD SYLBERT que ésta sería una tragedia profunda, si el especta-
propio show en Nueva York. Lo patrocina Vita Jex,
Productor: ELIA KAZAN
un inútil suplemento vitamínico cuyas ventas se dor se enamoraba de Lonesome Rhodes igual que
Intérpretes: ANDY GRIFFITH, PATRICIA NEAL,
ANTHONY FRANCIOSA, WALTER MATTHAU, LEE disparan gracias a la promoción que hace Rhodes. hace Marcia e igual que hace el público.
REMICK, PERCY WARAM, PAUL McGRATH, ROD Su fama y popularidad crecen a nivel nacional. Un rostro en la multitud coincidió con otra ad-
BRASFIELD, MARSHALL NEILAN, KAY MEDFORD, También su influencia, su poder sobre la gente... y vertencia sobre el peligroso poder de los medios,
HOWARD SMITH, RIP TORN su ego (“Todo este país es como mi rebaño de ove- Chantaje en Broadway (The Sweet Smell of Suc-
Duración (DVD): 126 minutos cess, 1957) de Alexander Mackendrick (con guión
jas... Todos saltan cuando alguien toca el silbato... Son
míos. Piensan como yo. Pero, como son más estúpidos de Clifford Odets, precisamente, y Ernest Leh-
que yo, tengo que pensar por ellos. Soy una influencia, man). Ambas se adelantaron veinte años a Net-
un creador de opinión, una fuerza”). Aunque ahora work (1976) de Sidney Lumet. Si ahora nos parece
vive en el lujo y tiene un enorme poder, sigue perfectamente verosímil, es porque el futuro que
pretendiendo hablar como un hombre corriente preveía ya está aquí.
y espontáneo, representar el sentido común del
pueblo. Pero traiciona a Marcia liándose primero, y
casándose después con una joven majorette, Betty
Lou (Lee Remick). Marcia le dice: “Betty Lou es tu
proyección público, envuelto con cintas amarillas en un pequeño
16.03.2015 paquete. Ella es la culminación lógica de la gran histo-
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Todo el mundo tiene sus razones que tome la iniciativa), sus taras físicas, su tensión
e incomodidad, el que tenga algo de minusválido, a
Río salvaje comienza con unas impresionantes imá- pesar de su inteligencia y determinación, lo convier-
genes documentales, en blanco y negro, que mues- ten en un personaje más interesante que si hubiera
tran la destrucción provocada por una crecida del río sido un héroe de una pieza y seguro de sí mismo.
Tennessee. Un hombre habla a la cámara y cuenta Así, los papeles de David y Goliat se reparten de
de manera desgarradora cómo las aguas se han lle- manera ambigua y cambiante. Es cierto que Chuck
vado a parte de su familia (es un testimonio real, no tiene detrás el poder del Gobierno Federal, pero es
un actor). Desde el principio queda claro, pues, que físicamente débil y está solo (salvo por el apoyo de
el propósito de la TVA, explicado a continuación por Carol), frente a unos lugareños duros y agresivos
una voz en off, es objetivamente bueno y razonable: que llegan a darle una paliza. No puede imponerse,
regular el cauce del río, controlando las crecidas, pero tampoco está dispuesto a rendirse.
y de paso producir electricidad para el desarrollo Lee Remick, que había debutado en el cine con
de la zona... Allí llega Chuck Glover (Montgomery Kazan en Un rostro en la multitud y entre tanto
Clift), un funcionario de la TVA, con una misión en la había hecho un papel memorable en Anatomía
que han fracasado todos sus predecesores: conse- de un asesinato (1959), resulta deslumbrante, por
guir que la inflexible octogenaria Ella Garth (Jo Van su belleza y por su interpretación (o viceversa). Yo
Fleet) y su familia abandonen la isla que habitan en siempre había asociado a esta malograda actriz con
mitad del río y que debe quedar inundada. El pro- sus papeles de los años 70, de mujer elegante, algo
blema es que tiene que lograrlo por las buenas, no aristocrática o incluso inglesa, así que ha sido toda
puede usar la fuerza, porque la TVA no quiere ge- una revelación recuperarla en estas dos películas
nerar mala publicidad, ni dar argumentos a quienes, de Kazan, con toda su frescura de chica americana
en Washington, se oponen al proyecto. La primera de campo, su fuerte carácter y un inmenso talen-
tentativa de reunión termina con Chuck en el río. En to para el drama (la actriz siempre consideró ésta
la segunda, consigue exponer sus razonables argu- como su película favorita). El productor ejecutivo,
mentos, pero chocan contra las inamovibles convic- Buddy Adler, había propuesto a Marilyn Monroe Río Salvaje
ciones de la anciana: ha vivido toda su vida en la isla, (!) para el papel, con el propósito (comercial) de re- (Wild River, 1960)
su familia ha sudado y sangrado durante años para forzar la historia de amor (“¿Había leído el guión?”,
apuntó un atónito Kazan). 20th Century Fox
convertirla en una tierra cultivable, su marido está
Director: ELIA KAZAN
enterrado en ella... Frente a eso, el bien común sólo Junto a Clift y Remick, la poderosa presencia de
Guión: PAUL OSBORN
es una abstracción, el progreso (la electricidad) un Jo Van Fleet: toda una fuerza de la naturaleza, que Sobre las Novelas de WILLIAM BRADFORD HUIE (Mud on
espejismo sin alma, y controlar el río es ir contra la gobierna el film igual que gobierna su isla. Hay que the Stars) y BORDEN DEAL (Dunbar’s Cove)
naturaleza. Le dice a Chuck que sólo podrá echarla señalar que esta inmensa (y difícil) actriz, un tanto Fotografía: ELLSWORTH FREDRICKS
por la fuerza (“no necesitará mucha, pero sí alguna”). olvidada hoy día, que ganó el Oscar por Al este del Música: KENYON HOPKINS
Edén, sólo tenía 46 años cuando interpretó a la oc- Montaje: WILLIAM REYNOLDS
Otras dos líneas argumentales enriquecen la his-
Dirección Artística: HERMAN A. BLUMENTHAL y LYLE
toria. Por un lado, el amor que surge entre Chuck togenaria Ella Garth, sufriendo cinco horas diarias
R. WHEELER
y Carol (maravillosa Lee Remick), la joven nuera de de maquillaje (era más joven que su “hijo” Jay C. Productor: ELIA KAZAN
Ella que ha vuelto a la isla tras enviudar. Por otro Flippen). Para Kazan era esencial que Ella nunca se Intérpretes: MONTGOMERY CLIFT, LEE REMICK,
lado, Chuck concibe finalmente una estrategia efi- ablandara, jamás podía ser amistosa con Chuck (ése JO VAN FLEET, ALBERT SALMI, J.C. FLIPPEN, JAMES
caz para derrotar a la anciana: privarle de sus apo- había sido el error del guión de Ben Maddow): “No WESTERFIELD, BARBARA LODEN, FRANK OVERTON,
lucha por la isla, lucha por su vida”, apuntó el director. MALCOLM ATTERBURY, ROBERT EARL JONES, BRUCE
yos, despertando la codicia de sus hijos y llevándose
DERN
a sus trabajadores negros, ofreciéndoles un trabajo El sólido plantel de secundarios incluye al inquie-
Duración: 106 minutos
mejor pagado para la TVA (limpiar los márgenes del tante Albert Salmi (el sonriente villano), el debut
río). Pero les paga igual que a los blancos (“había cinematográfico de Bruce Dern y un pequeño y di-
olvidado dónde estoy”), lo que irrita a las fuerzas vi- vertido papel de oficinista para la amante de Kazan
vas locales, y especialmente a los sectores “menos (y futura esposa), Barbara Loden (cuando Chuck le
razonables” de ellas, que representa R.J. Bailey (Al- pregunta qué haría ella con la anciana, responde sin
bert Salmi). dudarlo: “Dejar que se ahogue”).
Aunque la interpretación de Montgomery Clift Kazan concluyó sobre el conflicto del film: “La
en este film ha sido muy discutida (empezando por famosa frase de Jean Renoir, ‘Todo el mundo tiene sus
el propio director), a mí me parece excelente. Sus razones’, era cierta aquí. Los dos lados tenían razón”. proyección
dudas, su timidez con Carol (tiene que ser ella la 23.03.2015
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Los padres “asesinos” nadores y los castradores, pero ofrecen la perfecta
imagen del amor paternal y maternal, y poseen
“Aunque nada pueda hacer / volver la hora del esplen- las virtudes de la clase media: sabiduría, pacien-
dor en la hierba, / de la gloria en las flores, / no debe- cia, sacrificio, amor de verdad, lágrimas de verdad,
mos afligirnos / porque la belleza subsiste siempre en preocupación de verdad… Para Kazan, esos padres
el recuerdo”. William Wordsworth (1770-1850), “Oda eran del símbolo de todo lo que iba mal en el país: el
a la inmortalidad”. puritanismo sexual unido a una moral materialista,
La acción tiene lugar en una pequeña ciudad de basada en el éxito y el dinero.
Kansas, hacia 1928. Wilma Dean Loomis, conocida Por el otro lado, los jóvenes escuchan a sus pa-
como “Deanie” (Natalie Wood), y Bud Stamper dres con respeto, y tratan de seguir unos consejos
(Warren Beatty) son dos adolescentes enamorados. que van en contra de sus sentimientos. Pero están
Pero la represora madre de ella (Audrey Christie), le enamorados, y todos sus problemas derivan de
aconseja que debe negarse al deseo sexual, que si plegarse a las normas morales que les imponen, de
cae nadie la respetará. Por su parte, el padre de Bud, querer hacer lo correcto. Cuando Deanie se ofrece a
Ace (Pat Hingle), ha puesto todas sus esperanzas Bud, este no puede hacer el amor con ella, porque
en su hijo, de quien espera que se gradúe en la Uni- pesa más lo que le ha dicho su padre, la idea de que
versidad de Yale. En cambio, él no quiere realizar los puede estropear a una buena chica.
sueños de su padre, sino estudiar Agricultura y ser Ace (poderosamente interpretado por Pat Hin-
granjero. También hay una diferencia de clase entre gle) tiene una imagen de sí mismo como hombre de
los enamorados: los Loomis son de clase media y éxito, el amo del cotarro, el súper macho (“como He-
los Stamper son los ricos del pueblo. La vergüenza mingway”, apunta maliciosamente Kazan), que no
de la familia de Bud es su hermana Ginny (Barbara se pliega a las mujeres (la esposa a la pata quebra-
Loden), una chica atrevida y promiscua, que fuma y da y para lo otro, las prostitutas). Sin su dinero, su
bebe, que acaba de salir de un matrimonio anulado identidad se viene abajo. Su amor por su hijo Bud es
y que, según rumores no confirmados, ha tenido un apasionado, asfixiante, llega a resultar patético en
Esplendor en la hierba aborto… Bud empieza a relacionarse con otra chica su anhelo de que él le quiera y le admire. Estamos,
(Splendor in the Grass, 1961) del instituto, Juanita (Jan Norris), más liberal, que no una vez más, ante un padre terrible que hunde sus
le cierra todas las puertas. Deprimida, Deanie de- raíces en el propio padre de Kazan, obsesionado por
Warner Bros. hacer dinero. Todo el mal que hace es por amor, mal
cide empezar a comportarse alocadamente como
Director: ELIA KAZAN
Ginny. Asiste a una fiesta con otro joven, “Toots” entendido, a su hijo. El director indicó en una entre-
Guión: WILLIAM INGE
Fotografía: BORIS KAUFMAN (Gary Lockwood, antes de embarcarse en la Disco- vista que, para él, lo mejor del film no era la historia
Música: DAVID AMRAM very). En el aparcamiento, se ofrece a Bud, pero éste de amor, sino el retrato de la madre, esa mujer que
Montaje: GENE MILFORD la rechaza espantado, porque siempre la había creí- ha llevado a su hija a la locura y casi a la muerte,
Diseño de Producción: RICHARD SYLBERT do una buena chica. Ella vuelve con “Toots”, que está pero que al final dice que ha hecho lo mejor que ha
Productor: ELIA KAZAN podido... Pero Ace y la Sra. Loomis son asesinos, las
a punto de violarla... Intenta suicidarse arrojándose
Productores Asociados: WILLIAM INGE y CHARLES H.
desde una cascada. Los padres de Deanie la inter- falsas identidades que imponen a sus hijos matan
MAGUIRE
Intérpretes: NATALIE WOOD, WARREN BEATTY, PAT nan en un sanatorio, y para pagarlo tienen que ven- lo más precioso, el amor romántico. Sin embargo,
HINGLE, AUDREY CHRISTIE, BARBARA LODEN, ZOHRA der sus acciones, lo que resulta providencial porque lo único que desean es la felicidad de sus hijos, lo
LAMPERT, FRED STEWART, JOANNA ROOS, JOHN así se libran del crash del 29 que, en cambio, arruina hacen lo mejor que saben.
McGOVERN, JAN NORRIS, SANDY DENNIS, GARY a Ace Stamper... Mientras está internada, Deanie El agridulce final es bellísimo (para Kazan, “el final
LOCKWOOD, MARTINE BARTLETT, CRYSTAL FIELD, LOU más maduro de cualquiera de mis películas”), con el
hace amistad con el amable Glenn (Sean Garrison).
ANTONIO
Bud, obligado a ir a Yale, suspende todas las asigna- contraste entre el vestido blanco vaporoso de ella
Duración (DVD): 119 minutos
turas, pero conoce a la dulce Angelina (Zhora Lam- y el mono de trabajo de él, con los sentimientos
pert), una hija de inmigrantes italianos que trabaja soterrados, con la nostalgia de lo que podía haber
en un restaurante… sido, con ese retrato sutil de felicidad doméstica
Ya en sus primeras notas sobre el film (1960), Ka- (maravillosa Zohra Lampert, que comprende todo),
zan señaló que Ace y la Sra. Loomis eran realmen- con la constatación de que no se puede recuperar el
te “asesinos”, pues mataban el amor romántico, en esplendor en la hierba ni la gloria en las flores… Pero
nombre de las virtudes de la clase media. Lo hacen la belleza… pues eso.
por el bien de los chicos, sintiendo que hacen lo jus-
proyección to y lo correcto. Lo hacen para salvar a los jóvenes,
06.04.2015 sin dudarlo y siguiendo la tradición. Son los domi-
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La odisea del emigrante Un corte y la vida se escapa... Tú no bebes. No luchas.
No vas con mujeres. ¿Qué clase de hombre eres?” Es el
“Me llamo Elia Kazan. Soy de sangre griega, turco por punto de inflexión. Stavros ya no sonríe: le mata y
nacimiento y americano porque mi tío hizo un viaje”. comienza su transformación. Cuando llega a Cons-
La voz en off del propio director (en la VO) nos pre- tantinopla sin nada, ya no tiene lugar junto al primo
senta lo que, esencialmente, es una versión novela- de su padre (Salem Ludwig). Stavros averigua que
da de la historia de su familia, y concretamente del el pasaje a América cuesta 110 libras turcas y decide
viaje a América de su tío Avraam Elia Kazanjoglou conseguir el dinero como sea. Primero atraviesa un
(luego Joe Kazan). La misma voz del director narra infierno: trabaja en los muelles como hamal (bestia
la introducción que nos sitúa en el lugar y la épo- de carga humana), acepta los fardos más pesados,
ca: península de Anatolia, 1896. Esa tierra, también come de la basura, mientras atesora una lastimosa
llamada Asia Menor, había sido parte del Imperio cantidad de libras... que pierde de golpe cuando su
Bizantino, y en ella habían convivido los griegos y único amigo entre los hamal, Garabet (John Marley)
los armenios. En el siglo XIV, Anatolia fue conquis- pretendía hacerle un favor.
tada por los turcos, y desde entonces los griegos Pero luego rechaza un paraíso, o algo bastante
y armenios han sido minorías sujetas al dominio parecido. Su tío le recoge después de haber estado a
turco. Todos visten igual, con fez y sandalias, pero punto de morir y le propone un plan: dado que es un
tienen distinta religión, y unos son los opresores y joven apuesto y de buena familia (aunque no tenga
otros los oprimidos... un duro), puede casarse con la hija poco agraciada,
Stavros Topouzoglou (Stathis Giallelis) es un jo- Thomna (Linda Marsh) de un rico comerciante, Ale-
ven griego de veinte años que vive con su familia en ko Sinnikoglou (Paul Mann). Thomna se enamora de
una aldea de Anatolia. Con su amigo armenio, Var- él, aún percibiendo con dolor que Stavros le oculta
tan Damadian (Frank Wolff), intenta ganarse la vida sus verdaderos pensamientos. Y su padre le acoge
vendiendo el hielo que extraen de las laderas del afectuosamente. Hay una escena bellísima, en la
Monte Aergius, cuando los turcos se lo permiten. que Aleko le adelanta cómo será su vida familiar,
Pero su sueño, su obsesión, es ir a América... Hay in- próspera y cómoda, en el seno de los Sinnikoglou. América América
tranquilidad en la aldea, en Ankara ha habido algu- Pero Stavros no lo ve como una promesa de felici- (America America, 1963)
nas acciones de resistencia por parte de armenios, y dad, sino como una trampa que le puede alejar del
único sueño que persigue, América. Así que sólo Warner Bros.
las autoridades han decretado un escarmiento. Los
Director: ELIA KAZAN
turcos encierran a los armenios en una iglesia y le acepta, como dote de Thomna, las 110 libras del pa-
Guión: ELIA KAZAN
prenden fuego... En el tumulto subsiguiente, Var- saje de barco... Otro paso para conseguir su sueño Fotografía: HASKELL WEXLER
tan cae y Stavros es detenido. Luego tiene que ver es una relación clandestina con Sophia (Katherine Música: MANOS HADJIDAKIS
cómo su padre, Isaac (Harry Davis) tiene que humi- Balfour), esposa del rico hombre de negocios turco- Montaje: DEDE ALLEN
llarse ante el Wali turco para conseguir su libertad... americano Aratoon Kebabian (Robert H. Harris)... Y Diseño de Producción: GENE CALLAHAN
el decisivo reencuentro con Hohannes Gardashian Productor: ELIA KAZAN
Isaac ha trazado un plan: confía toda la riqueza de
Productor Asociado: CHARLES H. MAGUIRE
la familia (alfombras, carne seca, unas pocas mone- (Gregory Rozakis), un armenio pobre con el que se
Intérpretes: STATHIS GIALLELIS, FRANK WOLFF, HARRY
das) a Stavros, para que vaya a Constantinopla y la ha ido cruzando a lo largo del film... DAVIS, ELENA KARAM, ESTELLE HEMSLEY, GREGORY
invierta en el negocio de un primo, para que haga A pesar del impacto de la imagen de la Estatua ROZAKIS, LOU ANTONIO, SALEM LUDWIG, PAUL
fortuna y luego saque a la familia de la aldea. de la Libertad, a la llegada del barco, América Amé- MANN, JOANNA FRANK, JOHN MARLEY, LINDA MARSH,
El inexperto e ingenuo Stavros, cuyo empeño rica no idealiza el sueño, no es un film poético, sino KATHARINE BALFOUR
crudo y realista, lleno de vida. El sueño tiene un pre- Duración (DVD): 161 minutos
está mucho más allá de Constantinopla, empieza su
Banda Sonora (CD): Warner Bros. 936 24851-2
viaje, armado con su sonrisa (la sonrisa de Anatolia, cio, y produce víctimas. Y las principales víctimas
el mecanismo para defenderse, ocultarse y congra- son los personajes más nobles del film (Thomna,
ciarse con los más poderosos). Enseguida empiezan Aleko, Hohannes). Cuando Stavros besa el suelo de
los reveses: un barquero intenta robarle, y un amis- América, él sabe como nosotros las cosas horribles
toso turco, Abdul (memorable Lou Antonio), que que ha tenido que hacer para llegar allí (matar, ro-
se presenta como su salvador y su hermano, se le bar, traicionar). Pero cree que América lavará todo,
pega como una sanguijuela y, sablazo tras sablazo, que al llegar y empezar de nuevo, volverá a estar
le va quitando todo lo que tiene, todo lo que tenía limpio. Cuando el agente de inmigración le cambia
su familia, y por último se dispone a quitarle has- su nombre (falso) de Hohannes por “Joe Arness”, le
ta la vida: “Todo lo que haces es sonreír. He matado a dice: “Chico, has vuelto a nacer, has sido bautizado de proyección
hombres como tú y no es diferente de matar una oveja. nuevo”. 13.04.2015
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La arquitectura de la mentira de personas raras o excepcionales. La gente de la
pantalla es el reflejo de la gente que mira la pan-
Eddie Anderson (Kirk Douglas) es un hombre que lo talla. Nadie es totalmente bueno ni malo. Cuando
tiene todo. Está casado con Florence (Deborah Kerr), el protagonista engaña y miente, obtiene éxito y
una mujer hermosa, elegante, cariñosa y compren- respeto. Cuando busca la verdad, es internado en
siva. Es un ejecutivo de éxito en una gran firma pu- un sanatorio, por su amante esposa y por su propio
blicitaria, la mano derecha de su jefe, el señor Finne- bien. Para Kazan, Eddie es un prototipo del hombre
gan (Charles Drake), y el mago de la empresa. Acaba dividido: quiere tener éxito y ser un rebelde; quiere
de conseguir un gran éxito, al haber salvado la cam- ser comercial y artístico; quiere una vida doméstica
paña de los cigarrillos Zephyr, con un sencillo eslo- segura y libertad sexual; tiene dos carreras y tres
gan que los asocia a algo limpio (!). Vive en Berverly nombres… La esposa, Florence, tiene todas las vir-
Hills en una gran casa con pradera y dos piscinas. tudes, valores y aspiraciones de la típica esposa de
Y además escribe artículos de interés social (bien clase media-alta. Es buena y quiere hacer el bien,
pagados) para una prestigiosa revista. Pero toda pero sus buenas intenciones están matando y as-
la vida de Eddie está montada sobre una serie de fixiando a su marido…
componendas, arreglos y compromisos. Mantiene la No era un empeño fácil adaptar al cine la novela
apariencia de un matrimonio perfecto, pero a la vez El compromiso. No sólo por su extensión (hubo que
tiene numerosas amantes. Su arreglo con Florence eliminar numerosos personajes y sucesos), sino
es que, mientras él no la humille públicamente, ella porque gran parte de su interés deriva de las largas,
no se dará por enterada. Sus dos profesiones, eje- prolijas y a menudo contradictorias reflexiones de
cutivo publicitario y escritor progresista, también su protagonista y narrador, que por su naturaleza
representan el compromiso entre el ansia de ganar no pueden trasplantarse al celuloide. De entrada,
dinero y la necesidad de expresarse con sinceridad. Kazan alteró completamente la estructura de su
Su propia identidad es resultado de otro arreglo. Su novela. El libro, si bien empieza haciendo referen-
padre, Seraphim Topouzoglou (Richard Boone), na- cia al accidente de automóvil y luego vuelve atrás,
El compromiso ció en Anatolia (Turquía), pero se mudó a Estados después es básicamente lineal, aunque se pueda in-
(The Arrangement, 1969) Unidos, llamado por su hermano mayor, Stavros (el sertar o recordar algún episodio anterior (la infancia
protagonista de América América, anterior película y juventud del protagonista). La película, en cambio,
Athena Productions / Warner Bros. / Seven Arts parece acercarse a la técnica de Arthur Miller en
y libro de Elia Kazan); el padre adoptó el nombre de
Director: ELIA KAZAN
Sam Arness, pero por remordimiento puso a su hijo Muerte de un viajante, mezclando constantemente
Guión: ELIA KAZAN Sobre su Novela
Fotografía: ROBERT SURTEES Evangelos. Para poder triunfar en los negocios, éste los tiempos, y saltando de uno a otro sin señalizar
Música: DAVID AMRAM cambió su nombre, Evangelos Arness, por “Eddie los flashbacks. Entendemos que se trata de reflejar
Montaje: STEFAN ARNSTEN Anderson”, pero conservando el de “Evans Arness” el perturbado estado mental del protagonista, pero
Diseño de Producción: GENE CALLAHAN para firmar sus escritos… esto crea bastante confusión para quien no haya
Productor: ELIA KAZAN leído la novela, hasta el punto de que tenemos que
Cuando Eddie conoce a Gwen Hunt (Faye Du-
Productor Asociado: CHARLES H. MAGUIRE
naway) y se enamora violentamente de ella, toda fijarnos en si Eddie lleva o no bigote, para saber si
Intérpretes: KIRK DOUGLAS, FAYE DUNAWAY,
DEBORAH KERR, RICHARD BOONE, HUME CRONYN, esa trama de mentiras y compromisos salta por los estamos antes o después del accidente. Incluso hay
MICHAEL HIGGINS, CAROL ROSSEN, WILLIAM aires… Al principio de la película, asistimos a una un momento en el que Eddie se desdobla y habla
HANSEN, HAROLD GOULD, MICHAEL MURPHY, JOHN mañana radiante en el feliz hogar de los Anderson. consigo mismo (uno con bigote y otro sin él, obvia-
RANDOLPH JONES, ANNE HEGIRA, CHARLES DRAKE, Eddie y Flora se levantan, desayunan junto a la pisci- mente). Por otra parte, Kazan eligió una desconcer-
E.J. ANDRE, DIANE HULL, PHILIP BOURNEUF, BARRY tante puesta en escena no realista, de farsa o casi
na leyendo el periódico, él monta en su descapota-
SULLIVAN
ble rojo para ir al trabajo… y en mitad de la autopista pantomima, que no permite implicarse en la his-
Duración (DVD): 125 minutos
suelta el volante hasta que el coche se empotra bajo toria (vean por ejemplo la escena inicial, en la que
un camión. A través de continuos saltos tempora- Eddie y Flora comienzan su día, realizando todos los
les, reconstruimos el antes y al después, la lucha de gestos domésticos como autómatas, en una cruda
Eddie para destruir todos los arreglos y encontrar al parodia de la incomunicación; o la escena en que
hombre que realmente quiere ser. Eddie vuelve a la oficina tras el accidente y mueve
“El compromiso está hecha para perturbar al públi- mecánicamente la cabeza para asumir los asuntos
co”, escribió Kazan. Para el director, era su película que le van echando encima).
más social, porque describía la cruda realidad de
proyección la sociedad de su época (de clase media-alta, aña-
20.04.2015 dimos), sin enmascararla con metáforas. No trata
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“Sólo estaba haciendo películas” (estuvo unida a un hombre culto y brillante pero do-
minante), que parece la única persona de la ciudad
Monroe Stahr (Robert De Niro) es jefe de produc- que no quiere ser actriz ni le impresiona la riqueza
ción de uno de los grandes estudios de Hollywood, y el poder de Stahr. El productor se obsesiona con
en los años treinta. Un joven prodigio creativo (35 ella, pero Kathleen habla de que va a casarse con
años, aunque dice haber perdido la cuenta), que tra- otro hombre, se mantiene distante e impenetrable.
baja de manera incansable, que supervisa todos los Aunque van juntos a la inacabada casa de la playa y
aspectos de la producción de las películas (guión, consuman su amor, ella está decidida a desaparecer
rodaje y montaje) y tiene un instinto infalible para y dejarle… Mientras, su control del estudio empieza
acertar con los gustos del público. Stahr maneja con a resquebrajarse y los ejecutivos empiezan a perder
habilidad a los jefes del estudio, como el productor su confianza en él…
Pat Brady (Robert Mitchum), a los que puede con- Según las notas del director, Stahr tenía que ser
vencer incluso de que, de vez en cuando, hay que muy duro. Para un hombre que alcanza el poder
hacer una película de prestigio que pierda dinero. siendo tan joven (Kazan pone el ejemplo de Stan-
Esos jefes le han dado un poder absoluto… siempre ley Kubrick), quizá sea necesario ser implacable,
que el dinero siga llegando, claro. Ahora está super- porque tiene que mandar sobre hombres mayores.
visando el rodaje de una película romántica, dirigida Pero esa dureza se camufla tras una fachada profe-
por Red Ridingwood (Dan Andrews), a quien des- sional y educada, nunca grita ni se altera. Kazan re-
pide fulminantemente porque no sabe manejar a cordó que los magnates reales que había conocido
la estrella, Didi (Jeanne Moreau). También ayuda al (desde Darryl F. Zanuck hasta el propio Sam Spie-
protagonista del mismo film, Rodriguez (Tony Cur- gel) sólo mostraban su poder cuando se sentían
tis) a afrontar otros problemas más íntimos. Entre desafiados; si no, aparecían como tipos cordiales y
los principales quebraderos de cabeza de Stahr es- amables (querían ser ambas cosas: seres humanos
tán los escritores. Por un lado, tiene que encauzar y magnates todopoderosos). Al mismo tiempo, es
el ego de un pretencioso guionista británico, Boxley inevitable que el poder enganche y de algún modo
(Donald Pleasence). Por otro, su poder se ve amena- lo disfrute. Pero, dentro de sí, Stahr necesita ternura El último magnate
zado por la aparición de un movimiento asociativo y amor. Tras la muerte de su mujer se ha quedado (The Last Tycoon, 1976)
entre los escritores, que con el tiempo se convertiría congelado, paralizado, muerto en vida. Su amor por
Kathleen es un esfuerzo para recobrar su humani- Paramount
en la Writers Guild of America. Stahr cree que los
Director: ELIA KAZAN
guionistas son niños, está dispuesto a darles más dad, mientras le acecha la muerte. Pero sabe que,
Guión: HAROLD PINTER
dinero, pero no a darles poder (“yo no creo que tenga en el momento en que muestre su vulnerabilidad, Sobre la Novela de F. SCOTT FITZGERALD
más cerebro que un escritor, sólo creo que su cerebro será destruido. Fotografía: VICTOR J. KEMPER
me pertenece”). Esto le enfrenta al representante El director sintió que el guión de Pinter carecía de Música: MAURICE JARRE
sindical Brimmer (Jack Nicholson). un final. Así que el último día de rodaje improvisó Montaje: RICHARD MARKS
uno: Stahr entrando en un gran plató oscuro, des- Diseño de Producción: GENE CALLAHAN
Stahr es un solitario que vive sólo para el trabajo.
Dirección Artística: JACK T. COLLIS
Estuvo casado con Minna Davis, una bellísima ac- apareciendo entre las tinieblas. Es un hermoso final
Decorados: JERRY WUNDERLICH
triz. Pero ella murió joven, y él ha venerado su re- crepuscular, un fundido a negro sobre el personaje, Productor: SAM SPIEGEL
cuerdo, convirtiendo la que fue su habitación en un sobre toda una era… y sobre el propio director. Ka- Intérpretes: ROBERT DE NIRO, INGRID BOULTING,
santuario, que incluso forma parte del tour turístico zan escribiría en su autobiografía: “El final que creé TONY CURTIS, ROBERT MITCHUM, JEANNE MOREAU,
de los estudios, en el que el guía (John Carradine) decía más sobre mí y mis sentimientos que sobre el JACK NICHOLSON, DONALD PLEASENCE, RAY
protagonista… era una especie de muerte para mí, el MILLAND, DANA ANDREWS, PETER STRAUSS, THERESA
rememora su leyenda. La veinteañera hija de Brady,
RUSSELL, TIGE ANDREWS, MORGAN FARLEY, JOHN
Cecilia (Theresa Russell), está enamorada de Stahr, final de una vida en el arte en el que había trabajado
CARRADINE, JEFF COREY, DIANE SHALET, SEYMOUR
pero él la ve sólo como una niña… Una noche, se durante tanto tiempo. Se había terminado y lo sabía” CASSEL, ANJELICA HUSTON, BONNIE BARTLETT
produce un terremoto y Stahr recorre los estudios Duración (DVD): 118 minutos
para comprobar los daños. Queda embelesado Banda Sonora (CD): Intrada Special Collection Vol. 213
al ver a una joven, subida a una cabeza de cartón-
piedra de Shiva (deidad hindú de la destrucción, un
anticipo de su destino), que flota en un plató inun-
dado, y que le parece el vivo retrato de su esposa
muerta. Moviendo los hilos, consigue conocerla. Se
trata de Kathleen (Ingrid Boulting), una joven de ori- proyección
gen inglés, con un pasado sentimental complicado 27.04.2015
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Kiss (1995) de Lawrence Kasdan, con Meg Ryan y
Kevin Kline como improbable viticultor francés; Un
paseo por las nubes (A Walk in the Clouds, 1994) de
Alfonso Arau, con Keanu Reeves y Aitana Sánchez
Gijón, en los viñedos del Valle de Napa; Un buen
Cine en
año (A Good Year, 2006) de Ridley Scott, con Rus-
sell Crowe como ejecutivo británico que hereda
un viñedo en Francia... Otras veces, la cosecha ha
tendido más al drama de uvas amargas, como en Tu
su punto
seras mon fils (2011) de Gilles Legrand, o a un rojo
aún más oscuro que el cereza, en Sangre y vino
(Blood & Wine, 1996) de Bob Rafelson... Ya entre
los peleones, pero adictivos, cómo olvidar la serie
Falcon Crest (1981-1990), nuestro primer contac-
to con los vinos de California. O la serie española
Gran reserva (2010-2013). Pero ojo, el drama de Días
de vino y rosas (Days of Wine and Roses, 1962) de
Blake Edwards, con Jack Lemmon y Lee Remick, nos
presenta recuerda que debemos practicar un consumo res-
Películas
ponsable. Mejor la moderación, que tener que decir,
como Drácula (1931), “Yo nunca bebo... vino”.
La última vuelta de tuerca serían los cineastas
que, en lugar de hacer películas sobre el vino (o ade-
para descorchar
más), hacen vino directamente. El ejemplo más cé-
lebre es Francis Ford Coppola, que viene producien-
do vino en el valle californiano de Napa desde 1977,
con las etiquetas Niebaum-Coppola, Rubicon Esta-
te Winery e Inglenook. El compositor Alan Silvestri
posee un viñedo, Silvestri Vineyards en el valle de
Roberto González Miguel
Carmel, California. El actor Gérard Depardieu, antes
de ser ruso, se asoció con Bernard Magrez en varios
proyectos, incluyendo la adquisición de una bodega
“Donde hay viñedos hay civilización”, dice el sabio vi- es casi igual de reserva (o al menos crianza), la es- en Toro. Y Antonio Banderas tiene la bodega Anta
nicultor Hubert de Montille en Mondovino. Se han cena de las copas de vino en La Princesa Prometida Banderas en Ribera del Duero...
encontrado indicios sobre producción de vino en el (The Princess Bride, 1987) de Rob Reiner, en la que Son sólo unos apuntes. Un repaso más serio so-
Neolítico, en la zona que actualmente ocupan Irak e Mandy Patinkin y Wallace Shawn participan en una bre el vino en el cine podría ocupar un libro. Y, de
Irán. El vino existió en las antiguas Babilonia, Grecia, cata diabólica en la que no importa la uva ni la aña- hecho, ocupa varios: podemos mencionar dos: El
Egipto y Roma. Los griegos adoraban a Dionisos y da, sino adivinar cuál es la copa envenenada (eso sí cine del vino, de Bernardo Sánchez Salas (ed. Funda-
los romanos a Baco. En la religión cristiana, el vino que es una cata a ciegas y no la de Guerra de vinos). ción Dinastía Vivanco) y Vinos de cine, de Emilio Gu-
se convierte en la sangre del Redentor. Y el vino ha Con los maridajes también hay que tener cuidado: tiérrez Caba (ed. MR Heterodoxia). Por otra parte,
estado presente siempre en el arte. En la pintura, la en Desde Rusia con amor (From Russia with Love, van proliferando los festivales dedicados al tema: el
literatura... y el cine. 1963) de Terence Young, James Bond (Sean Con- Festival de Cine y Vino Ciudad de la Solana (Ciudad
En el largo maridaje entre cine y vino, encontra- nery) descubre que Grant (Robert Shaw) es un im- Real), que va por su décima edición, el Most Festival
mos jóvenes, crianzas, reservas, y también peleones postor y no un agente británico, porque pide tinto de Villafranca del Penedès, y la nueva Sección Cine
y algún vinagre... Entre los reservas, tenemos Esta con el pescado. Un viñedo francés artesanal es el & Vino de la SEMINCI de Valladolid.
tierra es mía (This Earth is Mine, 1959) de Henry hogar de la protagonista de Cuento de otoño (Conte En fin, les presentamos a continuación tres pelí-
King, con Rock Hudson, Jean Simmons, Dorothy d’automne, 1998) de Eric Rohmer. Y el protagonista culas relacionadas con el vino. Algún desmemoria-
McGuire y Claude Rains, que se situaba en los vi- de Tierra (1996) de Julio Medem, luchaba contra la do puede echar en falta en este ciclo la película más
ñedos de California, o Encadenados (Notorious, cochinilla que supuestamente daba al vino sabor a obvia: Entre copas (Sideways, 2004) de Alexander
1946), de Alfred Hitchcock, con Cary Grant e Ingrid tierra... Payne. La razón es que la pusimos en el ciclo gastro-
Bergman, en la que unas botellas de vino, que no Rosados, tenemos un montón, pues parece que nómico general del curso 2011-2012.
contenían vino, eran el macguffin de la historia. Ya esto del vino se presta a ponerse romántico: French Así que pasen y beban. El descorche es gratis…
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El triunfo de los “paletos” Notas de Cata:
Steven Spurrier consiguió, sin querer, algo insólito: El título original del film, Bottle Shock (en español:
convencer a los franceses de que algo de otro sitio enfermedad de la botella), hace referencia a una alte-
(en este caso, vino) podía ser mejor que lo suyo... ración transitoria de las cualidades de los vinos, que
Estamos en 1976, el británico Spurrier (Alan Rick- puede producirse al embotellarlos o al transportar-
man) tiene una decadente escuela y tienda de vinos los. La película se basa en hechos reales, el llamado
en París, llamada Académie du Vin. Su amigo Mau- Jugement de Paris de 1976, aunque se toma conside-
rice (Dennis Farina) le hace notar que igualmente rables licencias. El propio Spurrier declaró que no
podía llamarla Académie du Vin Français, pues sólo había una sola palabra verdadera en el guión, recha-
se ocupa de los vinos franceses. Sin osar poner en zó airadamente su retrato en el film y amenazó con
duda que éstos sean los mejores del mundo, le su- acciones judiciales... La película omite el personaje
giere ponerlos en relación con los de otros países, de Mike Grgich, creador del Chateau Montelena
aunque sólo sea para darles un contexto. Spurrier Chardonnay 1973 con Jim Barrett (inicialmente lo
decide organizar una competición, una cata a cie- iba a interpretar Danny DeVito), aunque el Grgich
gas que contraponga vinos franceses con los de real aparece como figurante en las escenas en la
otro lugar. Y el otro lugar podría ser un territorio bodega. Y la degustación se sitúa en la bucólica
bárbaro de ultramar, llamado California... En el Valle campiña francesa (rodada en las “Dunfillian Ruins”
de Napa, aún desconocido a efectos enológicos, el del Valle de Sonoma, California), cuando realmente
soñador Jim Barrett (Bill Pullman) está intentando tuvo lugar en el Hotel Inter Continental de París.
producir un gran vino con su marca Chateau Mon- La cata tuvo dos apartados. Por un lado, tintos
telena, con la ayuda (o a veces el estorbo) de su hijo (Cabernet Sauvignon), y por otro lado, blancos (Char-
Bo (Chris Pine, futuro Capitán Kirk), y el trabajo de la donnay). En la parte de tintos, también ganó un vino
enóloga Sam (Rachael Taylor) y de Gustavo (Freddy californiano, Stag’s Leap, que derrotó por la mínima
Rodriguez), cuyo padre (Miguel Sandoval) también al Château Mouton-Rothschild. El film refleja co-
sueña con crear un vino de calidad junto a su hijo... rrectamente que sólo hubo un periodista presente,
Guerra de vinos
Spurrier llega a California, empieza a recorrer las George M. Taber (Louis Giambalvo), que escribió un (Bottle Shock, 2008)
bodegas, catando los vinos, y termina rindiéndose reportaje para la revista Time. La prensa francesa
USA
ante lo que descubre... En la cata a ciegas de París, ignoró o menospreció los resultados del certamen IPV / Zin Haza / Unclaimed Freight
los vinos de Napa, incluyendo el Chateau Montele- durante meses, y posteriormente se ha criticado la Director: RANDALL MILLER
na, se encontrarán con los franceses, con resultados metodología empleada para computar las puntua- Guión: JODY SHAWN, RANDALL MILLER y ROSS
que sorprenderán al mundo entero... ciones, pero el Jugement de Paris demostró que los SCHWARTZ
Como comedia con toques de drama, la película vinos franceses no eran imbatibles y fue el principio Fotografía: MICHAEL J. OZIER
de Randall Miller combina dos patrones clásicos. Música: MARK ADLER
del reconocimiento de los vinos de California (hay
Montaje: RANDALL MILLER y DAN O’BRIEN
Por un lado, el grupo de perdedores que busca un una botella de Chateau Montelena 1973 expuesta Diseño de Producción: CRAIG STEARNS
sueño que parece por encima de sus posibilidades, en el Smithsonian de Washington). Productores: J. TODDS HARRIS, MARC TOBEROFF,
que ponen alma, corazón y vida para conseguirlo, Nos quedamos con el emocionado canto del per- BRENDA LHORMER, JODY SAVIN y RANDALL MILLER
que sufren un revés que parece definitivo, salvado sonaje de Gustavo Brambila a la vinicultura: “Tienes Intérpretes: ALAN RICKMAN, BILL PULLMAN, CHRIS
en este caso por la camarera Joe (Eliza Dushku), y que llevarlo en la sangre, tienes que crecer con la tierra PINE, DENNIS FARINA, RACHAEL TAYLOR, ELIZA
que al final... bueno, ya lo verán. Por otro lado, el DUSHKU, FREDDY RODRIGUEZ, BRADLEY WHITFORD,
bajo las uñas, el aroma de las uvas en el aire que res-
MIGUEL SANDOVAL
contraste; en este caso, entre el snob británico (bri- piras. El cultivo de la vid es una forma de arte, es una Duración (DVD): 109 minutos
llante Rickman como siempre), que mira por encima religión que requiere dolor, deseo y sacrificio”. Idiomas (VO): Inglés y Francés
del hombro a los paletos y granjeros, y los directos Pero encontraremos otra visión, menos lírica,
y extrovertidos californianos. Añádanse unas go- sobre el éxito de los vinos de California, en nuestra
titas románticas (el triángulo Bo-Sam-Gustavo) y siguiente película, Mondovino.
una espectacular fotografía del Valle de Napa (las
supuestas escenas parisinas también se rodaron en
California).
proyección
20.10.2014
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El vino global No hay en Mondovino una voz en off que ex-
ponga una postura editorial ni una tesis. El director
Este polémico documental pretende trazar una Jonathan Nossiter deja que sus personajes hablen
panorámica global sobre el vino en el mundo. Re- y, por tanto, que ellos mismos se retraten (como
corremos Pernambuco (?), los Pirineos, Cerdeña, la camarilla que rodea a Mondavi, que habla de él
Burdeos, Languedoc, Borgoña, California, Brooklyn, como “filósofo del vino”, los ostentosos Staglin, con
Londres, Florencia, Toscana, etcétera, a través de sus esculturas funk y su mesa inspirada en El Padri-
entrevistas con viticultores, vinicultores, enólogos, no II, los Antinori, aristócratas italianos que apoya-
críticos, distribuidores... Pero, a pesar de su estruc- ron el fascismo porque garantizaba el orden). Pero
tura aparentemente casual y libre, la película ense- no es totalmente inocente, carga un poco los dados
guida pone las cartas sobre la mesa. El tema central en la contraposición visual entre los viticultores
es la contraposición entre la producción artesanal, tradicionales, sabios ancianos fotografiados favora-
tradicional, pegada al terruño, y la globalización, el blemente en sus viñedos, bajo el sol (Aimé Guibert,
negocio y el mercado mundial. La tesis es que se ha Hubert de Montille o Battista Columbu, el hombre
impuesto una estandarización en la producción de de Cerdeña que habla de la Malvasía de Bosa), y por
vino, a la medida de un presunto gusto global, me- otro lado los nuevos ricos ostentosos de California
diante una conjunción (por no decir conspiración) (el siniestro tratamiento visual de Robert Mondavi
de los grandes productores californianos (Robert y su hijo). La película apunta al poder omnímodo
Mondavi e hijos), los asesores enólogos (Michel del crítico Robert Parker que, a pesar de su procla-
Rolland), los críticos (Robert Parker), los medios mada independencia (según él, se limita a escribir
especializados (Wine Spectator), la publicidad y las sinceramente lo que le gusta), ha condicionado el
cadenas de distribución. mercado y la producción: se fabrican vinos a su me-
dida, para que tengan buenas puntuaciones en su
guía, incluso haciendo trampas. Al mismo tiempo,
la presión de la globalización hace que se abandone
Mondovino el “terruño” (el sabor relacionado con el lugar donde
(Mondovino, 2004) Notas de Cata: se produce), por una “napalización” mundial (cuyo
emblema sería la generalización de las barricas de
Francia roble nuevo y su sabor a “vainilla”), que hace que el
“El vino ha muerto”, afirma en la película Aimé Gui-
Les Films de la Croisade / Goatworks Films / Diaphana
bert, el creador de la prestigiosa y pequeña bodega vino pierda su alma.
Films / Riccardo Preve Films
Director: JONATHAN NOSSITER Daumas Gassac en Aniane (Languedoc). Se refiere La película está rodada con una cámara digital
Guión: JONATHAN NOSSITER a la muerte del vino, entendido como una relación Sony PD-150 en mano, con un movimiento continuo
Fotografía: JONATHAN NOSSITER casi religiosa con los elementos naturales (la tierra, y zooms extremos. A veces, la cámara se detiene en
Montaje: JONATHAN NOSSITER el sol), sustituida ahora por el culto al dinero. “Hacer detalles secundarios más bien absurdos (unos pe-
Productores: JONATHAN NOSSITER y EMMANUEL rros), pero otras veces consigue captar auténticos
un gran vino es oficio de poetas”, remacha Guibert. A
GIRAUD
continuación, la película nos presenta a su némesis: momentos de vida. Por ejemplo, comprendemos la
Prductora Ejecutiva: CATHERINE HANNOUN
Co-Productores: RICCARDO PREVE y MICHEL SAINT- Michel Rolland, enólogo volante, asesor de bodegas relación entre Hubert de Montille y sus hijos, Etien-
JEAN de todo el mundo, con ademanes de charlatán de ne (buen organizador, pero con métodos distintos
Productor Asociado: JUAN PITTALUGA feria, hablando por teléfono desde su Mercedes, a los del padre), y Alix (más parecida al padre, pero
Documental siempre riéndose, seguro y satisfecho, defendiendo peor gestora)... A partir del ingente material rodado,
Duración (DVD): 135 minutos Nossiter montó también una serie de televisión de
que se puede hacer buen vino en cualquier lugar,
Idiomas (VO): Francés, Inglés, Italiano, Español
hasta en Marte, a condición de que se sigan sus diez horas de duración.
modernas técnicas (como la micro-oxigenación, que Una observación inevitable: aunque se llame
se presenta como una superchería). Nos cuentan MONDOvino, realmente trata de Francia versus
un relato ejemplar, sobre una especie de Eurovegas Estados Unidos, los demás lugares aparecen sólo
vinícola: en Aniane, Mondavi pretendía roturar un como pinceladas exóticas (Pernambuco) o, en el
gran monte para establecer un cultivo masivo, po- caso de Italia, por su conexión con la expansión de
niendo en peligro la viticultura artesanal y alteran- los Mondavi. No hay la menor referencia a los vinos
do la ecología del lugar, en nombre del progreso y griegos, alemanes... o españoles (sólo se citan una
la economía. La oposición vecinal, encabezada por vez, en una fase de Rolland que los mete en el mis-
proyección Guibert y un alcalde (comunista, según subrayan los mo saco global que los de la India).
27.10.2014 Mondavi), logró pararlo.
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Mi Buenos Aires bebido Notas de cata:
El deprimido danés Christian (Anders W. Berthel- En realidad, igual hemos hecho un poco de trampa
sen) podía haberse suicidado, si no fuera porque su con esta película. Aunque el vino esté en el titulo
temperamento no tiende tanto a lo dramático... Su (español) y en el cartel, y aunque los personajes,
mujer, Anna (Paprika Steen), le ha abandonado y se incluyendo los menores de edad, aparezcan casi
ha ido a vivir a Buenos Aires, donde trabaja como siempre con una copa de vino en la mano, lo cierto
representante deportiva, y vive en el lujo con la su- es que el vino no es el asunto central del film (como
perestrella del Boca Juniors, el delantero Juan Díaz sí ocurre en las otras dos películas de nuestro ciclo),
(Sebastián Estevanez). Christian se queda solo con sino más bien un elegante adorno. La historia princi-
su hijo Oscar (Jamie Morton), de 16 años, que ha pal podría haber sido, en esencia, la misma si Chris-
atravesado una crisis de identidad, hasta quedarse tian, en vez de tener una bodega y ser amante del
con la fotografía y la filosofía. Tiene una bodega, y vino, hubiera tenido una zapatería... Bueno, les diré
su único superpoder es un paladar excepcional, y la verdad: esta película se quedó finalista hace un
premiado, para los vinos. Pero la bodega está en par de años para nuestra programación en pantalla
bancarrota, y Christian se está bebiendo las exis- grande, y aprovechamos la conexión vinícola para
tencias, botella tras botella... Hasta que toma una recuperarla.
repentina decisión: viajar a Buenos Aires con Oscar, No obstante, sí hay algunas referencias enológi-
para ver a Anna. Con la excusa de firmar los papeles cas en las que debemos detenernos. Cuando Chris-
del divorcio, pero con la intención de recuperarla. tian llega a Buenos Aires, lo odia todo (cosa lógica,
El día que llega a la capital argentina, se celebra el dada su situación personal), odia desde el calor has-
Superclásico, el partido de máxima rivalidad futbolís- ta los vinos argentinos. Le dice a su hijo que la uva
tica entre el Boca Juniors y el River Plate... malbec es muy áspera, primitiva, poco sofisticada,
Del director danés Ole Christian Madsen, vimos un engendro de la naturaleza. Pero enseguida revela
en su día en el Cine Club Flame y Citron (Flammen cuál es el verdadero problema: “¿Cómo puede vivir
& Citronen, 2008), un drama sobre la resistencia mamá en un sitio con una uva tan horrible?”.
Noche de vino y copas
danesa al nazismo. En esta ocasión, nos entrega La escena más relevante para nuestro ciclo es (Superclásico, 2011)
una comedia con elementos superclásicos: el mari- ésta: Christian se ha escabullido del partido de fút-
Dinamarca
do abandonado que intenta torpes estrategias para bol Superclásico (pese a tener tribuna) y recala en un Nimbus Film / Det Danske Filminstitut / 60/40 Ordningen
recuperar a su esposa, con resultados contraprodu- bar del barrio de La Boca. Allí le ponen un vino que, / Nordisk Film & TV Fond
centes e hilarantes; el pez fuera del agua, un danés para su sorpresa, le parece excelente. Precisamente Director: OLE CHRISTIAN MADSEN
en Buenos Aires, que no conoce el idioma ni sabe a su lado, está el productor, un hombre arisco que Guión: OLE CHRISTIAN MADSEN y ANDERS FRITHIOF
manejarse... La película es irregular, pero tiene un despotrica contra “esa porquería de vinos americanos AUGUST
indudable encanto. Lo único que me irritó fue el Fotografía: JORGEN JOHANSSON
o esa basura que nos mandan los chilenos”. Tomando a
Música: JONAS STRUCK
personaje del hijo adolescente, con sus fotitos y su Christian por un diletante, le pone a prueba, hacién- Montaje: SOREN B. EBBE
insólita gabardina de cuero (con el calor que hace). dole identificar las uvas de varios vinos. El que le ha Diseño de Producción: SOREN SCHWARZBERG
Por lo demás, los personajes son interesantes, y se gustado antes, resulta estar hecho con malbec y un Productores: SIGNE LEICK JENSEN, LARS BREDO
incluyen situaciones inesperadas y giros poco con- 15 % de syrah. En la siguiente copa, detecta caber- RAHBEK
vencionales (los ladrones educados, la criada mayor net; luego merlot cultivada en la ladera este de una Productores Ejecutivos: BIRGITTE HALD y BO
con cuerpo de vértigo, el desenlace). Y unas precio- EHRHARDT
montaña y a la sombra (!); en otra, 100 % malbec,
Intérpretes: ANDERS W. BERTHELSEN, PAPRIKA STEEN,
sas vistas de Buenos Aires. Y el tema del vino, del que considera demasiado fuerte para él... El vinicul- JAMIE MORTON, SEBASTIAN ESTEVANEZ, ADRIANA
que tratamos a continuación. tor hace entonces una apología de la malbec: según MASCIALINO, DAFNE SCHILLING, MIGUEL DEDOVICH,
él, la uva más hermosa que existe, frágil, rara, muy PIETRO GIAN
difícil de tratar, pero absolutamente generosa... Los Duración (DVD): 94 minutos
dos hombres tan dispares se verán unidos por el Idiomas (VO): Danés, Inglés y Español
odio al fútbol y el resentimiento hacia las mujeres,
lo que da lugar a la noche de vino y copas del título
(español) del film... Bueno, podemos probar los vi-
nos argentinos, aunque no sé si la película hará por
la malbec lo mismo que Entre copas por la pinot noir.
proyección
03.11.2014
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Documenta
Seminci
Los colonos del caudillo
Le Chant des tortues
High Five: A Suburban Adoption Saga
InRealLife
La Maison de la radio
Los colonos del
caudillo
Los colonos del caudillo
Alemania/España, 2013
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Le Chant des
tortues
El canto de las tortugas
Bélgica, 2013
proyección
20.01.2015
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High Five:
A Suburban
Adoption Saga
High Five: una saga adoptiva
suburbana
Canadá, 2012
proyección
21.01.2015
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InRealLife
EnLaVidaReal
Reino Unido, 2013
Dirección y Guion
Beeban Kidron
Producción
Freya Sampson
Beeban Kidron
Fotografía
Neil Harvey, en color
Montaje
David Charap
Duración
86’
Formato
1.85
Productora
Cross Street Films
Studio Lambert
¿En qué consiste exactamente internet y cómo Beeban Kidron Intervienen
está afectando a nuestros hijos? La película Jimmy Wales
propone un viaje desde las habitaciones de Nació en Londres (Reino Unido) en 1961. Desde Sherry Turkle
los adolescentes británicos hasta el mundo de su debut con ‘Carry Greenham Home’ Julian Assange
Silicon Valley: un viaje en el que descubrimos (1983), durante tres décadas ha dirigido películas Page
que, lejos de la conectividad gratuita y abierta de ficción, programas dramáticos para la Tobin
que les promete la red, los jóvenes se están televisión y documentales, con títulos como Adzie
viendo cada vez más atrapados por los intereses ‘Bridget Jones: Sobreviviré’ (2004) y la miniserie Ryan
comerciales. ganadora de un BAFTA ‘Oranges Are not the Tom
Only Fruit’ (1989). También ha cosechado éxitos
en el género documental con títulos como
‘Hookers, Hustlers, Pimps and Their Johns’ (1993),
‘Antony Gormley: Making Space’ (2007) y ‘Sex,
Death and the Gods’ (2011). En 2012 fue
nombrada baronesa en la Cámara de los Lores
del Parlamento Británico, y es cofundadora y
vicepresidenta de Filmclub, miembro de la junta
directiva del British Film Institute e integrante
del consejo rector del Instituto de Arte
Contemporáneo de Londres.
proyección
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La Maison de la
radio
La casa de la radio
Francia/Japón, 2012
proyección
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21 años descubriendo el mundo
Soria
de cine
Soria en el NO-DO
España insólita
Queridísimos verdugos
Ahora estamos acostumbrados a ver las películas en popularización de la información televisiva obliga a
las salas de cine sin ningún complemento, o como sustituir las noticias por reportajes de interés más
mucho acompañadas por algún tráiler o anuncio. En permanente y, desde 1968, contará con una sección
otro tiempo, cuando los films no solían ser tan lar- en color dedicada a cuestiones artísticas o relacio-
gos, antes de la proyección del título principal se ex- nadas con el turismo.
hibían noticiarios, documentales de no más de diez La exhibición dejará de ser obligatoria el 1 de ene-
minutos de duración o cortometrajes de ficción. ro de 1976, aunque seguirá produciéndose como do-
Hasta la época de Franco, éstos se podían selec- cumental libre y, en 1977, se transformará en Revista
cionar libremente entre las diferentes productoras Cinematográfica Española en color, hasta desapare-
de los mismos y su exhibición era voluntaria. Pero cer en 1981. El 10 de enero de 1980, la Ley 4/1980,
a partir del final de la Guerra Civil y prácticamente promulga el Estatuto de la Radio y Televisión y ex-
hasta la muerte del dictador, el régimen surgido de tingue el Organismo Autónomo NO-DO, que se in-
la contienda dio la exclusiva de noticiarios y docu- tegra en el Ente Público Radio Televisión Española.
mentales a los órganos de prensa y propaganda, El NO-DO fue testigo de los acontecimientos
integrados en una Vicesecretaría dependiente e españoles durante 37 años, los años de la dictadu-
integrada en Falange Española y de las JONS, que ra franquista. Sobrevivió al general un quinquenio.
pusieron en marcha el organismo denominado NO- Pero con la llegada de la democracia y durante la
DO. Durante casi cuarenta años NO-DO tuvo el transición, entró en un periodo de decadencia des-
monopolio del documental en el país. de el momento en que había sido desplazado por la
La Vicesecretaría de Educación Popular acuerda televisión en la difusión de noticias, convertida ésta
crear Noticiarios y Documentales Cinematográfi- en auténtico fenómeno de masas.
cos (NO-DO) el 29 de septiembre de 1942, publicán- Treinta y tres años después, sus miles y miles de
dolo en el número 356 del BOE el 22 de diciembre metros de película son una extraordinaria fuente
de 1942. Su proyección es declarada obligatoria pre- documental sobre la historia, la cultura, la lengua,
viamente a cualquier película “con el fin de mantener, las costumbres, el deporte, los sueños, los desen-
Soria en el NO-DO con impulso propio y directriz adecuada, la informa- cantos, las alegrías y las tristezas de buena parte del
ción cinematográfica nacional”, y se prohíbe que, a siglo pasado.
- Festejos populares “La Saca” y la lidia de toros. partir del 1 de enero de 1943, se edite en España y Según su propio lema, el NO-DO había puesto
Noticiario nº 28 A, 1943. sus posesiones ningún otro noticiario cinematográ- “el mundo al alcance de todos los españoles”. Fue la
- Danzas folklóricas. Típica exhibición de baile fico ni documental. única ventana posible para un país donde hasta las
en el claustro de San Juan de Duero de Soria. El primer NO-DO se proyecta el 4 de enero de ventanillas de los trenes tenían un letrero conmina-
Noticiario Nº 28 B, 1943. 1943, llegando a sumar, entre 1943 y 1981, un total torio, de innegable capacidad subliminal: “es peligro-
- Inauguración de un monumento a los Caídos. de 4.016 números (contando las versiones A y B y so asomarse al exterior”. Sólo el NO-DO permitía ver
Exposición de imágenes de la Virgen. Noticiario durante algunos años también la C). NO-DO produ- lo que pasaba fuera y ofrecía un conjunto de noti-
Nº 621 B, 1954. cirá también unos documentales monográficos, lla- cias acerca de cuanto, al parecer, ocurría dentro.
- Miembros de la vieja Guardia en misión de mados “Imágenes”, que no son obligatorios, aunque Para muchos españoles de entonces, el domingo
hermandad. Práctica de entrenamiento y frecuentemente se proyectan acompañando al noti- contaba con tres ceremonias esenciales, la misa, la
exhibición gimnástica. Noticiario Nº 714 A, 1956. ciario fundamental que también realizará ediciones comida familiar y el cine. El cine se articulaba de la
- Aizcolaris. Campeonato Nacional de Soria. Corta especiales para América Latina, Portugal y Brasil. siguiente forma: primero se proyectaba el NO-DO,
del tronco libre fijo. Noticiario Nº 717 A, 1956. Su sintonía, que se mantendrá durante toda la y luego se hacía un descanso, intermedio que servía
- El Ministro de Información y Turismo inaugura vida del noticiario, es obra del compositor Manuel para echar un cigarro en el hall de la sala y tomar un
dos Paradores Nacionales. El de “Antonio Parada, autor también de la banda sonora de pe- café o una copa en el bar. Y después del descanso,
Machado” en Soria y el de Santo domingo de la
lículas como Raza (1940), El escándalo (1943), Los llegaba la película.
Calzada. Noticiario Nº 1248 C, 1966.
últimos de Filipinas (1945), Maribel y la extraña fa- La intención propagandística del cine gravitaba
- Soria histórica y pintoresca. Exposición de
milia (1960)… Intervendrán en la realización nume- en el NO-DO, que se convertía en fecunda fuente
recursos turísticos. Noticiario Nº 1354 B, 1968.
rosos directores, directores de fotografía, cámaras, de argumentos para los chistes sobre Franco. El
- El Príncipe de España en el Campamento de
montadores y locutores hasta un total de unas 150 franquismo se sirvió del NO-DO para presentar
Covaleda. Noticiario Nº 1669 A, 1975.
personas, y se firmarán numerosos acuerdos bilate- su particular visión de España y el mundo sin po-
- Fiestas en Soria. Imágenes Nº 968, 1963.
rales para el intercambio con noticieros extranjeros. sibilidades de contraste, porque también la radio,
- Meseta del Alto Duero. Documental en color, 1972.
NO-DO se integrará en 1957 en la International la prensa y hasta el teatro estaban sometidos a la
Newsreel Association, fundada ese año. censura. Sin embargo, alguien dijo que la España
proyección También realizará numerosos rodajes para tele- franquista era una “una dictadura moderada por el
13.01.2015 visión, cuando ésta se inicie en 1956, hasta que la incumplimiento general de las leyes”. Y con el NO-
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BIBLIOGRAFÍA
ABELLA, Rafael, y CARDONA, Gabriel: Los años del NO-
DO. Destino, Barcelona, 2008.
BORAU, José Luis (director): Diccionario del cine español.
AACC. Alianza Editorial, Madrid, 1998.
GUBERN, Román (coord.): NO-DO, cincuenta años
después, en Archivos de la Filmoteca, nº 15, octubre 1993.
TRANCHE, Rafael R., y SÁNCHEZ-BIOSCA, Vicente: NO-
DO. El tiempo y la memoria. Cátedra/Filmoteca Española,
Madrid, 2005.
DO sucedió lo mismo. Visto desde ahora, se puede Desde 1955 se incrementó progresivamente la pro-
comprobar cómo las consignas políticas no fueron ducción de documentales (gracias al empuje definiti-
exactamente observadas y no lograron la finalidad vo de Alberto Reig, director del organismo desde 1953
de configurar una mentalidad uniforme de acuerdo hasta 1962 tras sustituir a su primer director, Joaquín
con los principios fundamentales del Movimiento. soriano) permitiendo que jóvenes cineastas como
El NO-DO marcó el acceso de la población espa- Jorge Grau, Javier Aguirre, Antonio Mercero o Alfonso
ñola a las imágenes documentales y de actualidad Ungría se iniciaran en el oficio, formando así una suer-
durante casi cuarenta años y, sobre todo, fue el ins- te de “escuela” involuntaria. A ellos habría que añadir
trumento decisivo en la formación de un imaginario personajes relevantes del mundo de la cultura como
español de postguerra, más allá de la ideología que Jesús Fernández Santos, Ernesto Giménez Caballero,
el régimen le imprimió. En pocas palabras, NO-DO Alberto Schommer o Pio Caro Baroja. A Reig lo sus-
fue, sin lugar a dudas, la expresión institucional del tituyó Manuel Augusto García Viñolas al que siguió
franquismo en materia de información audiovisual; Rogelio Díez, mientras que José López Clemente fue
sin embargo, y sin que esto sea necesariamente responsable de documentales hasta su desaparición.
contradictorio con lo anterior revela ciertas carac- Algunos de los principales operadores fueron: Is-
terísticas del régimen que distaban mucho de ser mael Palacio Aldea, Cristian Anwander, Ramón Saiz
programáticas. Así pues, la importancia que en el de la Hoya (reportero que cubría las actividades de
noticiario adquieren las “noticias blandas” (curio- Franco), Daniel Quiterio Prieto (también montador),
sidades anécdotas…) conceden a las imágenes de Juan Manuel de la Chica y Agustín Mascolí. Los textos
NO-DO un clima de aparente intemporalidad que, (obra del escritor y crítico teatral Alfredo Marqueríe
paradójicamente, inscriben los sueños del régimen durante los primeros años) eran leídos por la voz del
en la cotidianidad de su primera época. En ese senti- narrador, entre los que figuraban locutores de RNE,
do, que tiene poco que ver con la con la información como el conocido y popular Matías Prats.
en su dimensión actual, NO-DO es un testimonio Soria, capital y provincia, como es natural, tam-
especialmente rico. El que mantuviera, además, un bién apareció en el NO-DO, concretamente en die-
sistema de intercambio con los principales noticia- ciocho documentales y en otros tantos reportajes.
rios extranjeros, le permitió, por ejemplo, relatar los En esta sesión de Soria de Cine incluimos una
avatares de la Segunda Guerra Mundial desde los serie de noticias recogidas entre 1943 y 1975 y dos
dos bandos en lucha. NO-DO, en fin, incluye en sus documentales, uno de la serie Imágenes, de 1963, y
noticiarios desde la más insípida anécdota hasta el otro de carácter turístico, en color, de 1972.
suceso más relevante.
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Dentro de la sección dedicada a Soria de Cine inclui-
mos en este curso el documental de largometraje
realizado por Javier Aguirre en 1965 España insólita,
que muestra diversos aspectos curiosos de nuestro
país entre los que figura el “paso del fuego” durante
las Fiestas de San Juan en la localidad soriana de San
Pedro Manrique.
Los ancestrales ritos del “paso del fuego”, tan co-
nocidos y difundidos en la actualidad, no lo eran tanto
hace cincuenta años, época en la que aún no habían
realizado sus estudios sobre el tema los hermanos
Julio y Pío Caro Baroja, ni otros especialistas en el
mundo de la etnología. Fuera del ámbito provincial
apenas se sabía de su existencia, y es preciso recono-
cer la contribución de la película de Aguirre a que esta
singular ceremonia fuera vista no sólo en todo el terri-
torio nacional sino también en otros países.
El film de Aguirre se estrenó el 13 de mayo de
1965, en el Cine Palafox de Madrid, en función de
gala, presidida por la Duquesa de Alba a beneficio
de la Mutualidad Laboral de Artistas. El acto estuvo
patrocinado por el Ministerio de Información y Tu-
rismo y, según la prensa de la época, “a él concurrie-
ron importantes elementos artísticos y profesionales
del cine y del teatro.”
Costumbres curiosas de la España típica, de sus
España insólita fiestas y danzas constituyen la base del documen- Por todo ello, porque no se limitó una vez más a
retratarnos El Escorial, la Basílica de El Pilar o la Ciu-
tal. España insólita es esa España distinta de enton-
España, 1965 ces, desconocida y humilde que no aparecía en las dad Encantada de Cuenca, por el apoyo que prestó
Europea de Cinematografía postales ni en la mayoría de los itinerarios turísticos. a la investigación etnográfica, valía la pena esta cin-
Título original: ESPAÑA INSÓLITA Aguirre compuso, junto a Vicente Antonio Pineda, ta. Javier Aguirre abrió en su momento el arcón de
Otro título: TE ESPERO EN ESPAÑA un guión airoso, gallardo y con cierta gracia y se nuestra riqueza folklórica, obviando tópicos como
Director: JAVIER AGUIRRE lanzó a los pueblos más recónditos de nuestra geo- los de que España se reduce a tocar las palmas y
Argumento: VICENTE ANTONIO PINEDA grafía con el fin de dar testimonio de una leyenda, beber chatos de manzanilla.
Guión: VICENTE A. PINEDA, JAVIER AGUIRRE
una costumbre ancestral, una danza desconocida… El montaje acierta en los bruscos saltos de un
Fotografía: MANUEL ROJAS, LUIS CUADRADO, MILTON
De este modo puede afirmarse que muchas de las punto a otro en las distintas localizaciones para
STEFANI
Música: LUIS DE PABLO supervivencias folklóricas que llegaron a la época hallar ese punto de contraste que equilibra las he-
Montaje: ANTONIO RAMÍREZ DE LOAYSA de la filmación de Aguirre y estaban a punto de des- terogéneas curiosidades que muestra la obra. La
Dirección artística: ROMÁN CALATAYUD aparecer, fueron recuperadas por la cámara de este fotografía resulta bella y segura de color (algo no
Productores: GERARDO MAROTE, JESÚS R. FOLGAR director. Así aparecen escenas de Pampaneira, en al alcance de todos en la fecha de la realización
Con las voces de: MARÍA CUADRA, MANUEL DICENTA, plena Alpujarra granadina; de La Alberca (Salaman- del film), y la música sigue con intención de agudo
JULIA GUTIÉRREZ CABA, CARLOS LEMOS, FRANCISCO ca) con su apretado caserío y los recios semblantes complemento la minuciosa pesquisa de las cáma-
RABAL, FERNANDO REY, PAQUITA RICO, JOSÉ MARÍA de sus gentes; las escenas de “trilla con camellos” ras. Hay, en fin, un comentario verbal de aclaración
RODERO, LINA ROSALES de Lanzarote; la impresionante fiesta de San Juan de de determinadas costumbres, redactado con medi-
Duración: 78 minutos da literaria muy ponderada, que se oye con gusto y
ese pueblecito soriano que es San Pedro Manrique,
Idioma: Español
como he señalado antes; la danza de los tunturros atención en las voces de destacados actores y actri-
Género: Documental
de Ituren; las escenas de juegos populares vascos ces de aquel periodo, mediados del siglo XX.
rodadas en la plaza de La Trinidad de Donostia, en- Para José Antonio Álvarez Oses “la obra de Agui-
tre otras muchas secuencias. rre es de una uniformidad y limpieza sorprendente; sin
Nos consta que, en alguna ocasión, se reconstru- concesiones a la galería, en lucha constante con los pro-
yeron intencionadamente escenas de costumbres ductores, la censura y la crítica, ha sabido situarse a la
ya perdidas en nuestros medios rurales, pero ello cabeza de los documentalistas españoles acaparando
no supone sino una nueva virtud que añadir al film títulos y premios en cuantos certámenes ha participa-
proyección por su intención de recuperar algo ya desaparecido do. Todo ello lo ha conseguido con un lenguaje nuevo,
14.01.2015 y casi olvidado. con un rabioso afán de superación que va desde sus pri-
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meras producciones –aquel extraordinario Tiempo dos De costa a costa, en las cuatro orillas de España y de cortometrajes y trabaja de ayudante de dirección
en que pasaban a la posteridad tantos aspectos inéditos hasta en sus prolongaciones insulares, asoman por el con Eugenio Martín y César Ardavín. Desde 1960
de nuestros paisajes guipuzcoanos- hasta esta España curioso documental costumbres, devociones, ritos, dirige documentales profesionales, consiguiendo
insólita que hoy nos brinda” (ÁLVAREZ OSES, J. A.: sucesos y realidades que, detenidos en el tiempo y en 1961 la Concha de Oro en el Festival de San Se-
España insólita, película de largometraje de interés et- velados en rincones perdidos o en recónditas tradi- bastián por Pasajes Tres, así como otros premios en
nográfico, en Extraños en el Paraíso, 1966, pág. 228). ciones populares, se dejan ver por primera vez con Venecia, Bordighera, Barcelona, Bilbao, Estrasburgo
Gabriel García Espina, encargado de hacer la crí- la gracia de su ingenuidad, el peso de su historia o el y Valladolid. En 1965 dirige su primer largo, España
tica para el diario ABC, compara el documental de hosco dramatismo tan frecuente en la entraña misma insólita, un documental costumbrista y antropológi-
Aguirre con Sinfonía española, el film de Jaime Pra- de muchas tradiciones y costumbres españolas. co con el que inicia una larga y extensa carrera pro-
des, afirmando que ambos se complementan “con La película de Aguirre, que tuvo como réplica fesional que abarca la comedia, la comedia musical,
la intención de dar a conocer el misterio interminable poco después el film de Jacinto Esteva Lejos de los el terror, el cine infantil y hasta el drama (Los chicos
que se esconde en la tradición histórica y en la geogra- árboles (1972), representa un estudio de la España con las chicas, Pierna creciente, falda menguante, La
fía española”. Gª Espina encuentra motivos visuales retrógrada, supersticiosa, llena de “tabús” ancestra- guerra de los niños, Ni te cases ni te embarques…).
más que suficientes para destapar con largueza un les, y de la España del progreso turístico de los años Paralelamente a su cine comercial ha realizado pelí-
cula industriales y spots publicitarios, sin abandonar
montón bien cumplido de “dormidas curiosidades”. sesenta del siglo pasado. Dos extremos irreconcilia-
el cortometraje, tanto industrial como para televi-
El comentarista de ABC destaca igualmente el bles testimoniados por las imágenes.
sión. En este último campo destaca la realización,
guión de Vicente A. Pineda, “porque ha supuesto la Aficionado precoz, Javier Aguirre pasó buena
desde 1967, de una serie de películas experimen-
ingeniosa búsqueda por la variedad de la tierra espa- parte de su infancia en las salas de cine. Según con- tales y abstractas bautizadas por él mismo como
ñola, y en su inmenso y todavía no desvelado misterio, fesión propia, empezó a escribir historias a los once Anti-Cine. Continuación de este lenguaje indagador
algunos de los ejemplos insólitos que perviven sobre años, y críticas de cine a los trece. Dos años más del espacio/tiempo presente fue Vida perra (1981),
ella a despecho del largo tranco del tiempo y de la vida.” tarde, vio publicada su primera crítica. En su ciudad monólogo cinematográfico interpretado por su
“España insólita es un raro paseo por esta tierra natal, San Sebastián, creó un cine-club, organizó un esposa Esperanza Roy (PÉREZ GÓMEZ, Ángel A.
nuestra de variedad inalcanzable”, prosigue García curso de formación cinematográfica y un certamen y MARTÍNEZ MONTALBÁN, José L.: Cine español
Espina. Y termina: “Aunque sólo sea como pequeño de cine amateur. A los veintiún años (1956) ingresa 1951/1978. Mensajero, Bilbao, 1978, págs. 10-12; BO-
ejemplo de lo mucho extraño y hermoso que hay ocul- en el Instituto de Investigaciones y Experiencias RAU, José Luis (director): Diccionario del cine español
to todavía en la veta caliente y antigua de la Patria, Cinematográficas de Madrid. Dirige una revista del de la AACCE. Alianza Editorial, Madrid, 1998, págs.
la película de Javier Aguirre merece la curiosa atención SEU El cine, y su primer corto profesional Tiempo dos 33 y 34, y TORRES, Augusto M. (director): Dicciona-
que no ha de faltarle. (GARCÍA ESPINA, Gabriel, en para NO-DO. Colaboró en Radiocinema, Primer Pla- rio Espasa. Cine español. Espasa-Calpe, Madrid, 1999,
ABC de 14 de mayo de 1965, pág. 109). no y Film Ideal. Continúa su actividad como director págs. 14 y 15).
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Traemos a esta sección del Cine-Club denominada Las tesis del film de Patino fueron de una luz me-
Soria de Cine un documental realizado por Basilio ridiana para aquel tiempo. Queridísimos verdugos
Martín Patino en la clandestinidad durante 1973, no plantea interrogante alguno al que no dé cum-
pero que no pudo ser estrenado hasta 1977, en el plida y valiente respuesta. Las cuestiones ¿a quién
que se recogen, entre otras, secuencias tomadas en se ejecuta en España?, ¿cómo se ejecuta?, ¿por qué
Ribarroya y Aldealafuente al tratar el tema del cri- se ejecuta?, quedan planteadas y resueltas en la pe-
men de una joven de aquella localidad, ocurrido en lícula, tras conocer ese “lumpemproletariado” del
la década de los cincuenta del siglo pasado. que emergían víctimas y verdugos sin identifica-
El diario ABC de 29 de marzo de 1953, con la firma ción social y humana que los distinguiera, sirviendo
de Mencheta, expone así la noticia: “La Guardia Civil de coartada a una sociedad que intentaba lavar en
de Navaleno ha detenido esta tarde (día 28) al autor ellos sus propias lacras y su torpe sentido de la jus-
del asesinato de la niña Purificación Tejedor Jiménez, ticia y del orden moral. Era otra época, felizmente
hecho cometido en Ribarroya el día 22 del actual. superada.
Como se recordará, la criatura apareció metida en un El documentalismo de largometraje que revivió
saco, en el río Duero, con numerosas heridas en la ca- al calor de la transición democrática no estuvo, en
beza y labios. La religiosidad de la jovencita, que había buena parte, dirigido hacia la inmediata realidad
comulgado por la mañana, hizo pensar que murió en española sino a la reconstrucción o recuperación
defensa de su pureza, como así fue. El detenido, convic- de la memoria perdida en la senda iniciada por
to y confeso, se llama Carlos Soto Gutiérrez, natural Canciones para después de una guerra, del propio
de Madrid, de veintiún años de edad y con domicilio Patino. Hay que decir, con José Enrique Monterde
en Carabanchel Alto. El servicio fue realizado por el
(CATALÁ, Josep Maria; CERDÁN, Josetxo, y TO-
sargento comandante del puesto de la Guardia Civil,
RREIRO, Casimiro, coordinadores: Imagen, memo-
D. Santiago Ochoa Aranda, auxiliado por el guardia
ria y fascinación. Ocho y Medio, Madrid, 2001), que
Simón Martínez Torres. El criminal ha ingresado en la
los trabajos más válidos no se limitaron a una más o
Prisión Provincial de Soria.”
menos pulcra o lúcida revisión del pasado sino que
Carlos Soto fue ejecutado el 5 de febrero de 1955
asumieron su condición contemporánea; es decir,
Queridísimos verdugos en la cárcel de Soria, situada entonces en el actual
algunos cineastas fueron conscientes de que sólo
Palacio de la Audiencia. El suceso supuso el último
ajusticiamiento realizado en nuestra ciudad. El caso, desde el presente podían abordar un pasado que
España, 1973
Turner Films y La Linterna Mágica muy comentado en su momento, fue objeto incluso aún fluctuaba sobre ese mismo presente. De ahí
Título original: QUERIDÍSIMOS VERDUGOS de algún romance. que el mismo Monterde escriba: “Los films de Pa-
Productor: JOSÉ MARÍA GONZÁLEZ SINDE La película, sin embargo, no se centra en este tino (y otros) no resultan escapistas retrocesos hacia
Director: BASILIO MARTÍN PATINO asunto, sino que habla de los últimos verdugos de la Historia, sino vivas reflexiones sobre el papel de la
Colaboración en la dirección: JOSÉ LUIS GARCÍA España, su situación, su vida, sus pensamientos… memoria en la reconstrucción del pasado y presente
SÁNCHEZ de la sociedad española.”
Patino y Daniel Sueiro, autor a su vez de un libro
Guión: BASILIO MARTÍN PATINO, inspirado en textos de Tras El verdugo (1963), de Berlanga y Azcona, Ba-
DANIEL SUEIRO
titulado Los verdugos españoles, han dejado hablar
y han hecho hablar a los tres administradores de silio Martin Patino volvió a poner sobre la mesa el
Fotografía: ALFREDO F. MAYO, ACÁCIO DE ALMEIDA y
AUGUSTO G. BALBUENA justicia (a ellos no les gusta que se les llame verdu- tema de la justicia y la pena de muerte, coincidien-
Música: ANTONIO GAMERO y JUAN SEBASTIÁN BACH gos) que existían en España a comienzos de 1972. do con los últimos ajusticiamientos del franquismo.
Montaje: EDUARDO BIURRUN Incluso han obtenido que dos de ellos explicaran La película partía de los trabajos de Daniel Sueiro
Participación: ANTONIO LÓPEZ SIERRA, VICENTE a la cámara, en una representación macabra, cómo acerca de la pena capital para mostrar el verdadero
COPETE y BERNARDO SÁNCHEZ BASCUÑANA y se realiza una ejecución por garrote vil. El diálogo rostro del garrote vil y sus ejecutores. Los patéticos
la intervención de ANTONIO FERRER SAMA, JOSÉ de estos personajes insólitos, siempre acompaña- resquicios de humanidad todavía presentes en el
VELASCO ESCASSI, ANTONIO SÁNCHEZ CASCOS, dos de un vaso de vino entre las manos, alterna con rostro de José Isbert en la ficción de Berlanga, son
JESÚS SÁNCHEZ TELLO, JOSÉ LUIS ALBIÑANA OLMOS Y sustituidos por la mucho más cruda realidad iden-
los comentarios de un oficial del cuerpo general de
MARIANO VINUESA
prisiones, de un profesor de la fundación Jiménez tificada con los tres “administradores de justicia”
Duración: 100 minutos
Idioma: Español Díaz, de un médico psiquiatra y del abogado defen- que había en activo en 1973. Verdugos convertidos
Género: Documental sor de Jarabo. El trabajo intencional del realizador se en víctimas de un sistema que explota su propia
completa con abundantes titulares sensacionalistas miseria, los funcionarios relatan sus terribles ex-
de “El Caso”, con diversas fotografías y grabados periencias ante la cámara hasta que su comporta-
-tanto testimoniales como de claras pretensiones miento cotidiano –paseando por las calles de Gra-
expresivas- y con un texto literario que, además de nada, bebiendo vino en una bodega o divirtiéndose
proporcionar diversas informaciones de tipo histó- en un tablao flamenco- anula el carácter doctrinal
proyección rico y una erudición irremediablemente cruel, inci- de las declaraciones de abogados, médicos o, inclu-
15.01.2015 ta con toda evidencia a la reflexión. so, de los padres de una de las víctimas.
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PALMARÉS
Festival de cine de Taormina (1978): Primer Premio
Festival Internacional de Prades (1978): Primer Premio
La lección de Queridísimos verdugos la explica un mundo civilizado. No creo -ni nadie en su sano
perfectamente el psiquiatra que tuvo que asistir a juicio debe pensar en la actualidad- que la pena de
la ejecución de Monchito en la prisión provincial muerte tenga en la sociedad contemporánea nin-
de Madrid, y nos ahorra cualquier interpretación gún argumento racional a su favor.
subjetiva de la película de Patino: “Hay algo que a Queridísimos verdugos es una película muy bien
mí no se me ha borrado nunca ni creo que se me bo- hecha. Es una película muy nuestra o, lo que es lo
rrará mientras viva, y es la sensación de conducirle al mismo, muy española, como demostraron en la
patíbulo, todo el grupo que le conducíamos, que al fin fecha de su estreno las reacciones que ante ella se
y al cabo representábamos a la sociedad. Toda la socie- produjeron. Es una obra planteada en la línea de
dad que llevábamos a un hombre, en aquel momento nuestra picaresca, de nuestras pinturas negras y de
completamente inerte, a la muerte. Entonces yo, since- aguafuerte, muy “goyesca”. Y, sobre todo, un film
ramente se lo digo, yo, me sentí sucio, sucio por dentro. necesario en su momento.
Entonces me pareció que los demás también lo esta- Todo ello no evita que, como escribió Luis Ur-
ban, que los demás estaban tan sucios como estaba bez en Cine para leer 1977, la película irrumpiera
yo, puesto que éramos los mismos representantes de la en nuestra conciencia social “con la violencia de un
sociedad, puesto que éramos los mismos ejecutores. No puñetazo en la boca del estómago.” Para este crítico
el verdugo, no en sí el verdugo, sino nosotros, éramos Queridísimos verdugos es un film irritante y moles-
todos, nosotros mismos, éramos los verdugos. Y que el to por los cuatro costados. Y proseguía su comen-
único limpio, la única persona pura, en aquel momen- tario: “Tenía que ser así inevitablemente. En primer
to, era el reo.” Bastaría añadir que los “queridísimos lugar por el tema. La atrocidad de la pena capital no
verdugos” también son puros, porque también son es precisamente lo que vamos buscando por las carte-
víctimas. La película señala bien a las claras la pro- leras madrileñas cuando “echamos” un par de horas al
cedencia de esas personas que se ven “obligadas” a cine. Y, en segundo lugar, porque no creo que existan ya
ejercer la profesión de verdugo, generalmente por demasiadas posibilidades de impresionar a un público
la necesidad de sobrevivir, de ganarse la vida de al- acostumbrado a escuchar y ver mil noticias de muerte
guna manera. en la televisión mientras se toma tan ricamente la sopa
Las tesis del film de Patino vienen avaladas por de cada día. Nuestro único flanco vulnerable era ése,
la realidad de los hechos y por la verdad ética que la boca del estómago. Y ahí ha golpeado –quizás sin
los valora. demasiada piedad, pero con toda la razón del mundo-
Patino, una vez más, denuncia una situación y Basilio Martín Patino, aunque la película no camine
realiza un alegato contra la pena de muerte. Lo hizo exclusivamente por el terreno de lo visceral y tenga lo
en un momento en el que todavía existía en nuestro suyo –y mucho- de tesis.” Cuarenta años después del
país (las últimas ejecuciones se produjeron en sep- cambio de régimen, España y la sociedad española
tiembre de 1975). Hoy en día casi nadie pone en tela son muy distintas, pero la película de Patino no ha
de juicio la ilicitud del uso de la pena de muerte, más perdido ni un ápice de interés, aunque la veamos
aún dentro de las circunstancias socio-culturales de ahora con otros ojos.
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La Factoría
y Enfoque
Abierto
No tiene gracia
Buenos aires
Desportistas
Ancestral delicatessen
Cólera
Juliana
The snatcher
2 / 05
El amor me queda grande
Pase privado
Avec le temps
Minerita
Estado de bienestar
En directo
Inocente
Walls
Flash
Safari
La media vuelta
Es un buen chaval
Democracia
Firme usted aquí
La noche de las ponchongas
Las viudas de Ifni
Juan y la nube
3665
Cracks
La gran desilusión
NO TIENE GRACIA
Producción: LA BALANZA PRODUCCIONES, 2013
Dirección: CARLOS VILADÉ
Guión: CARLOS VIOLADÉ
Fotografía: ALEX CATALÁN
Música: TEMAS DE BACH y MOZART
Intérpretes: MERCEDS BERNAL, ANDRÉS BERLANGA
Género: Comedia - drama
Duración: 14 min. 50 seg.
Manolo y María. Viven juntos y se quieren. A Manolo le en
canta gastar bromas constantemente. María tiene mucha
paciencia y sentido del humor. Pero Manolo no sabe que
para gastar una broma, uno tiene que asumir todas las
consecuencias.
1a.
sesión
CÓLERA
Producción: MORE, IRUSOIN, ATERA FILMS, 2013
Dirección: ARITZ MORENO
Guión: ARITZ MORENO
Fotografía: JAVI AGIRRE ERAUSO
Música: MURSEGO
Intérpretes: LUIS TOSAR, IÑAKE IRASTORZA, PACO
SAGARZAZU, ANDER PARDO
04.05.2015
Género: Drama
Duración: 6 min. 30 seg.
Los habitantes de un pueblo se toman la justicia por su
mano.
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BUENOS AIRES DESPORTISTAS ANCESTRAL DELICATESSEN
Producción: TLCA, 2013 Producción: IVÁN RAMÍREZ, JUAN CARLOS ARNIZ, ANA Producción: CATOUTE FILMS (GABRIEL FOLGADO), 2013
Dirección: DANIEL GIL SUÁREZ RODRÍGUEZ, 2013 Dirección: GABRIEL FOLGADO
Guión: ARTURO RUIZ SERRANO Dirección: IVÁN RAMÍREZ, JUAN CARLOS ARNIZ, ANA Guión: GABRIEL FOLGADO
Fotografía: NICOLÁS PINZÓN SARMIENTO RODRÍGUEZ Fotografía: LUIS ÁNGEL PÉREZ
Música: ADRIÁN SEPIURCA Guión: IVÁN RAMÍREZ, JUAN CARLOS ARNIZ, ANA Música: SIN MÚSICA
Intérpretes: ÉRIC FRANCÉS RODRÍGUEZ Intervienen: ELOY FERNÁNDEZ GONZÁLEZ, ANGELINA
Género: Comedia Fotografía: ANA RODRÍGUEZ ARIAS FERNÁNDEZ, FABRICE BONNIOT
Duración: 12 min. Montaje: JUAN CARLOS ARNIZ Género: Documental
Un argentino afincado en España debe hacerse con una Intérpretes: JOSÉ ANTONIO CERRO Duración: 15 min 40 seg.
rueda de repuesto de un coche en un puerto marítimo. Género: Animación Todo lo que existe está hecho de tiempo, desde las
Duración: 5 min. galaxias hasta las castañas, es sólo el ritmo lo que cambia.
Durante un evento deportivo, los atletas parecen estar Las familias del medio rural de la comarca de El Bierzo,
pasando una mala racha. en alguno de sus aspectos, mantienen una forma de vida
tradicional.
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EL AMOR ME QUEDA GRANDE
Producción: ACTUS PRODUCCIONES, 2014
Dirección: JAVIER GINER
Guión: JAVIER GINER
Fotografía: JOAQUÍN MANCHADO
Música: MARIANO MARÍN
Intérpretes: LUCÍA CARABALLO, IZAN CORCHERO,
MARIOLA FUENTES, TERESA QUINTERO, IÑIGO
NAVARES
Género: Comedia negra
Duración: 19 min. 10 seg.
Samuel tiene diez años y está locamente enamorado
de Lucía. Ésta tiene doce años y un plan maestro para
deshacerse del único obstáculo que queda en su vida,
tras la misteriosa muerte de su padre en un accidente,
para conseguir lo que desea. Ser escritora, crítica
cinematográfica y rica.
2a.
sesión ESTADO DE BIENESTAR
Producción: PENÉLOPE CRISTOBAL, LA PARTE
CONTRATANTE, 2014
Dirección: JORGE CALVO
Guión: CARLOS TORNEL
Fotografía: DANIEL SOSA
11.05.2015
Música: ARTURO VAQUERO
Intérpretes: TXEMA BLASCO, SATURNINO GARCÍA
Género: Ficción - drama
Duración: 10 min.
Dos ancianos desconocidos logran romper las barreras de
la soledad y establecer una absurda y un tanto surrealista
dialéctica sobre determinados conceptos de nuestro
estado de bienestar.
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PASE PRIVADO AVEC LE TEMPS MINERITA
Producción: LAMIA PRODUCCIONES, 2014 Producción: GATA ESTUDIO, 2013 Producción: KANAKI FILMS, 2013
Dirección: NATXO LÓPEZ Dirección: IVÁN DÍAZ BARRIUSO Dirección: RAÚL DE LA FUENTE
Guión: NATXO LÓPEZ Guión: IVÁN DÍAZ BARRIUSO Guión: RAÚL DE LA FAUENTE
Fotografía: ANTONIO J. GARCÍA Fotografía: IVÁN DÍAZ BARRIUSO Fotografía: RAÚL DE LA FUENTE, AXEL O´MILL
Música: ARANZAZU CALLEJA Música: LEO FERRE Música: MIKEL SALAS
Intérpretes: GLORIA OTXOA, NATALIA DE MOLINA, Montaje: IVÁN DÍAZ BARRIUSO Intervienen: LUCÍA MIJO, IVONNE MAMAMI, ABIGAIL
JOSEAN BENGOETXEA Género: Animación CANAVIRI
Género: Ficción Duración: 5 min. Género: Documental
Duración: 15 min. Con el tiempo todo se va, las caras desaparecen. Duración: 27 min.
En unos grandes multicines, tras el cierre de la última Minerita es la historia de tres mujeres, Lucía, Ivonne y
sesión, un joven proyeccionista invita a una chica a un pase Abigail, que trabajan en las minas de Potosí.
privado con la intención de conquistarla. El punto de vista, el
narrador, la imagen elegida o la imagen oculta, condicionan
de manera absoluta la percepción que el espectador tiene de
la historia. Pase privado apela a esos recursos narrativos para
crear un puzzle que se completa en la mente del espectador.
EN DIRECTO
Producción: IMAGENFACTORY, 2014
Dirección: WENCESLAO SCYZORYK
Guión: WENCESLAO SCYZORYK
Fotografía: WENCESLAO SCYZORYK
Dirección de arte: RITA MARTÍNEZ MON
Intérpretes: ANA FERNÁNDEZ, TRISTÁN ULLOA, RAMÓN
RADOS, ELIA GALERA, JOAQUÍN PERLES, JAVIER
GARCIMARTÍN, OLGA BARBA
Género: Ficción - drama
Duración: 15 min.
Una familia sin recursos, el día de su desahucio, permite
que un reality show emita su historia en directo. Pero lo
que parecía un sueño para salvar el hogar se convierte en
una horrible pesadilla.
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INOCENTE
Producción: NEPHILIM PRODUCCIONES, FUNDACIÓN
CARMEN PARDO-VALCARCE, 2013
Dirección: ÁLVARO PASTOR
Guión: ÁLVARO PASTOR
Fotografía: ALFONSO POSTIGO
Música: FERNANDO LÁZARO
Intérpretes: AGUSTÍN SASIÁN, ALMUDENA SÁNCHEZ,
JESÚS MARÍA LÓPEZ, CRISTINA CIARIMBOLI, ANA
PEREGRINA
Género: Comedia - discapacitados
Duración: 15 min.
Micky se despierta con resaca en la cama de Elsa, una
chica con discapacidad intelectual, sin saber cómo ha
llegado hasta allí. Poco a poco se da cuenta de que está
en una vivienda supervisada, habitada por su conquista
nocturna y dos compañeros de piso…
3a.
sesión
LA MEDIA VUELTA
Producción: FERDYDUKE, 2013
Dirección: FERNANDO FRANCO
Guión: FERNANDO FRANCO
Fotografía: SANTIAGO RACAJ
Música: JAVIER CORCOBADO
Intérpretes: PEDRO CASABLANC, ANA LABORDETA,
18.05.2015
CHARO LÓPEZ, JAVIER CORCOBADO
Género: Ficción
Duración: 17 min.
Perdona… ¿me das un cigarrillo?
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WALLS FLASH SAFARI
Producción: MAKING DOC, 2013 Producción: LA SUSODICHA PRODUCCIONES S.L.U., Producción: DYNAMITE FILMS, 2014
Dirección: MIGUEL LÓPEZ BERAZA 2014 Dirección: GERARDO HERRERO
Guión: MIGUEL LÓPEZ BEREZA, JÁNOS ANDRÁS NAGY Dirección: ALBERTO RUIZ ROJO Guión: GERARDO HERRERO
Fotografía: MIGUEL LÓPEZ BEREZA, MARKO SIPKA Guión: ALBERTO RUIZ ROJO Fotografía: RAFAEL REPARAZ
Música: NAYEEM MAHBUB Fotografía: JESÚS HARO Música: THE YOUTH
Intervienen: MAGDOLNIA DUDÁS, ISTVAN DUDÁS Música: FEDERICO JUSID Intérpretes: LEONARD PROXAUF, HELEN KENNEDY,
Género: Documental Intérpretes: ROBERTO ÁLAMO, GUADALUPE LANCHO JOSEPH JAROSSI, TABITHA WELLS
Duración: 10 min. 15 seg. Género: Drama fantástico Género: Ficción - drama
PALMARÉS 2014: DOCUMENTAMADRID 14: Premio del Duración: 7 min. Duración: 15 min.
Público Cuando un hombre mira las fotos que acaba de hacerse en Es un día cualquiera en un instituto norteamericano, pero
Si las paredes hablasen, ¿Qué dirían de sus vecinos? Un día un fotomatón, no puede creer lo que ve. Algo totalmente ese día no será como los demás…
en la vida del sr. Istvan y la Sra. Magdi, vecinos desde hace inesperado está sucediendo…
muchos años, es narrada por el edificio de Budapest en el
que ambos viven. Las paredes que les rodean desvelan sus
pequeñas pasiones, historias y rutinas.
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LA NOCHE DE LAS PONCHONGAS
Producción: ECAM, ÁLVARO COÍN, MADALENA
PRESUMIDO, 1013
Dirección: ROBERTO BUESO
Guión: PAULA FABRA
Fotografía: JULIO CÉSAR TORTUERO
Dirección de arte: ESTEFANÍA LÓPEZ
Intérpretes: JORGE DASTIS, JAVIER SESMILO, DAN
TEODOR, ÁLVARO FONTALBA, ANA CARAMÉS,
ANDREA NOCEDA
Género: Comedia
Duración: 15 min.
Antes de irse a vivir a Barcelona, Jorge pasa su última
noche con sus tres mejores amigos en un bosque cerca de
su pueblo. Cuando todo apunta a que ha sido una mala
idea, ocurre algo con lo que ninguno de ellos podía contar:
tres chicas mayores toman el sol semidesnudas al otro
lado del río.
4a.
sesión CRACKS
Producción: ALEXPACHON MOTION&DIRECTION, 2013
Dirección: ALEX PACHÓN
Guión: ALEX PACHÓN (sin diálogos)
Fotografía: FELIX MÉNDEZ, NURIA GÁMIZ
Montaje: ALEX PACHÓN
25.05.2015
Intérpretes: ALEX PACHÓN
Género: Experimental
Duración: 4 min.
Todo sonido provoca un movimiento. Todo movimiento
produce un sonido. Un personaje danza la música que
suena sólo si danza (la expresión corporal).
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LAS VIUDAS DE IFNI JUAN Y LA NUBE 3665
Producción: ODESSA FILMS SL, 2013 Producción: ZAMPÀNO, 2014 Producción: HAUSSMANN FILMS, PIXEL FILMS, 2013
Dirección: PACHECO IBORRA Dirección: GIOVANNI MACCELLI Dirección: MIGUEL A. REFOYO
Guión: PEDRO PALACIOS, PACHECO IBORRA Guión: SUSANA LÓPEZ RUBIO Guión: MIGUEL A. REFOYO
Fotografía: RAÚL NAVARRO Fotografía: GIOVANNI MACCELLI Fotografía: ÁLVARO MARTÍN BLANCO
Música: JAN GARBAREK Música: ERIC FOINQUINOS Música: GINÉS CARRIÓN
Intervienen: SHABA EZZIANI, AICHA EL FAL, FÁTIMA Dirección de arte: GIOVANNI MACCELLI Intérpretes: RAÚL PRIETO, MARTA BENITO, CHEMA
MOHAMMED, FÁTIMA ES-SABRY, ANTONIO MORENO, Género: Animación GUEVARA, ÁNGEL GONZÁLEZ FRAILE, NÉSTOR GÓMEZ
JERÓNIMO DE LEÓN, FABIÁN ABDERRAHMÁN Duración: 14 min. Narrador: ÁLEX ANGULO
Género: Documental Juan es un niño que no tiene amigos. La nube es una nube Género: Ciencia-ficción
Duración: 27 min. que no tiene amigas nubes. Se encuentran y se hacen Duración: 15 min.
Ifni dejó de ser provincia española en 1969, año en que amigos. Pero Juan crece y se pierde en el mundo gris de En el futuro, el pasado es necesario para poder sobrevivir.
fue cedido a Marruecos. En 1965, el régimen del general los adultos.
Franco promulgó una ley, que impedirá a muchas viudas
del personal marroquí de la antigua colonia, percibir sus
correspondientes pensiones de viudedad.
LA GRAN DESILUSIÓN
Producción: SINTAGMA FILMS S.C., 2013
Dirección: PEDRO GONZÁLEZ KUHN
Guión: PEDRO GONZÁLEZ KUHN
Fotografía: PABLO BURMANN
Música: ÓSCAR OLARTE
Intérpretes: ÁNGEL MANUEL FERNÁDEZ CORRAL
Género: Documental
Duración: 10 min. 20 seg.
Un proyeccionista de cine nos relata en primera persona
en qué consiste su trabajo y cuáles son sus funciones. Poco
a poco, comienza a describir cómo ve él la situación acerca
del cierre de los cines de barrio y lo que eso supondrá para
su vida.
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21
años de
cineclub
uned
RESERVOIR DOGS Quentin Tarantino (USA, 1992)
CIUDADANO BOB ROBERTS Tim Robbins (USA, 1992)
ESTÁN VIVOS John Carpenter (USA, 1988)
THE BAD LIEUTENANT Abel Ferrara (USA, 1992)
VIDAS CRUZADAS Robert Altman (USA, 1993)
HALFAOUINE Ferid Boughedir (Túnez, 1990)
UN ÁNGEL EN MI MESA Jane Campion (Nueva Zelanda, 1990)
PRINCIPIO Y FIN Arturo Ripstein (México, 1993)
LA ESTRATEGIA DEL CARACOL Sergio Cabrera (Colombia, 1993)
LA LINTERNA ROJA Zhang Yimou (China, Taiwan, Hong-Kong, 1991)
EL BANQUETE DE BODA Ang Lee (Taiwan, 1992)
ADIÓS A MI CONCUBINA Chen Kaige (China, 1993)
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EL VALLE DE ABRAHAM Manoel de Oliveira (Portugal, 1993)
PAISAJE EN LA NIEBLA Theo Angelopoulos (Grecia, Francia, Italia, 1988)
LA VOZ DE SU AMO Daniele Luchetti (Italia, 1991)
LAS NOCHES SALVAJES Cyril Collard (Francia, 1992)
UN CORAZÓN EN INVIERNO Claude Sautet (Francia, 1992)
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Pantalla
grande
21 años y
481 películas
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BEFORE THE RAIN Milcho Manchevski (Gran Bretaña Francia, Macedonia 1994) SMOKE Wayne Wang (USA, 1995)
CARO DIARIO Nanni Moretti (Italia, 1994) BLUE IN THE FACE Wayne Wang y Paul Auster (USA, 1995)
JUSTINO, UN ASESINO DE LA TERCERA EDAD SOSPECHOSOS HABITUALES Bryan Singer (USA, 1995)
La Cuadrilla (Luis Guridi y Santiago Aguilar) (España, 1994)
EL FACTOR SORPRESA George Huang (USA, 1995)
TASIO Montxo Armendáriz (España, 1984)
EL AÑO DE LAS LUCES Fernando Trueba (España, 1986)
27 HORAS Montxo Armendáriz (España, 1986)
EL SUEÑO DEL MONO LOCO Fernando Trueba (España, 1989)
LAS CARTAS DE ALOU Montxo Armendáriz (España, 1990)
ED WOOD Tim Burton (USA, 1994)
QUEMADO POR EL SOL Nikita Mikhalkov (Rusia, Francia, 1994)
CIUDADANO X Chris Gerolmo (USA, 1995)
LAMERICA Gianni Amelio (Italia, Francia, 1994)
EL PUEBLO DE LOS MALDITOS John Carpenter (USA, 1995)
RIFF-RAFF Ken Loach (Gran Bretaña, 1991)
LA CIUDAD DE LOS NIÑOS PERDIDOS
LLOVIENDO PIEDRAS Ken Loach (Gran Bretaña, 1993) Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro (Francia-España, 1995)
LADYBIRD, LADYBIRD Ken Loach (Gran Bretaña, 1994) COSAS QUE NUNCA TE DIJE Isabel Coixet (España, USA, 1996)
TIERRA Y LIBERTAD Ken Loach (Gran Bretaña, Alemania, España 1995) VACAS Julio Medem (España, 1992)
95 96
COMER, BEBER, AMAR Ang Lee (Taiwan, 1994) LA ARDILLA ROJA Julio Medem (España, 1993)
¡VIVIR! Zhang Yimou (China, 1994) TIERRA Julio Medem (España, 1996)
GUERREROS DE ANTAÑO Lee Tamahori (Nueva Zelanda, 1994) LA JOYA DE SHANGHAI Zhang Yimou (China, Francia, 1995)
ÁGUILAS NO CAZAN MOSCAS Sergio Cabrera (Colombia, 1994) CYCLO Tran Anh Hung (Vietnam, Francia, 1995)
CRONOS Guillermo del Toro (México, 1993) EL CALLEJÓN DE LOS MILAGROS Jorge Fons (México, 1995)
LA REINA DE LA NOCHE Arturo Ripstein (México, 1994) LA LOCURA DEL REY JORGE Nicholas Hytner (Gran Bretaña, 1995)
LA INCREÍBLE VERDAD Hal Hartley (USA, 1989) EN LO MÁS CRUDO DEL CRUDO INVIERNO
Kenneth Branagh (Gran Bretaña, 1995)
EN BUSCA DE BOBBY FISCHER Steven Zaillian (USA, 1993)
LA CAJA Manoel de Oliveira (Portugal, Francia, 1994)
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FRESH Boaz Yakin (USA, 1994)
NELLY Y EL SR ARNAUD Claude Sautet (Francia, Italia, Alemania, 1995)
CUENTO DE VERANO Eric Rohmer (Francia, 1996)
ANTONIA Marleen Gorris (Holanda, 1995)
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EL PACIENTE INGLÉS Anthony Minghella (Gran Bretaña, 1996) AMISTAD Steven Spielberg (USA, 1997)
GET ON THE BUS Spike Lee (USA, 1997) PERSIGUIENDO A AMY Kevin Smith (USA, 1997)
TODOS DICEN I LOVE YOU Woody Allen (USA, 1997) EL DULCE PORVENIR Atom Egoyan (Canadá, 1997)
EL FUNERAL Abel Ferrara (USA, 1996) MOTHER NIGHT Keith Gordon (USA, 1996)
LOS HERMANOS McMULLEN Edward Burns (USA, 1995) PERDICIÓN Billy Wilder (USA, 1944)
BEAUTIFUL GIRLS Ted Demme ((USA, 1996) BIENVENIDOS A LA CASA DE MUÑECAS Todd Solondz (USA, 1995)
CARRETERA PERDIDA David Lynch (USA, 1996) BOOGIE NIGHTS Paul Thomas Anderson (USA, 1997)
CRASH David Cronenberg (Canadá, 1996) LA CORTINA DE HUMO Barry Levinson ((USA, 1997)
LOOKING FOR RICHARD Al Pacino (USA, 1996) HOMBRES ARMADOS John Sayles (USA, 1997)
ROMPIENDO LAS OLAS Lars Von Trier (Europa, 1996) LAURA Otto Preminger (USA, 1944)
LA CANCIÓN DE CARLA Ken Loach (Gran Bretaña, España, Alemania 1996) LA PRIMERA NOCHE DE MI VIDA Miguel Albaladejo (España, 1998)
EL ÚLTIMO VIAJE DE ROBERT RYLANDS Gracia Querejeta (España, 1997) LA CAJA CHINA Wayne Wang (USA, Francia, Japón, 1998)
97 98
FAMILIA Fernando León de Aranoa (España, 1996) MOEBIUS Gustavo Mosquera R (Argentina, 1996)
ASALTAR LOS CIELOS José Luis López-Linares y Javier Rioyo (España, 1996) FREAKS (LA PARADA DE LOS MONSTRUOS) Tod Browning (Usa, 1932)
PROFUNDO CARMESÍ Arturo Ripstein (México, Francia, España, 1996) LOS SILENCIOS DEL PALACIO Moufida Tlatli (Túnez, Francia, 1994)
UN VERANO EN LA GOULETTE Férid Boughedir (Túnez, Francia, Bélgica 1996) FUEGO Deepha Mehta (Canadá, 1996)
RIDICULE Patrice Leconte (Francia, 1996) MARIUS Y JEANNETTE Robert Guédiguian (Francia, 1997)
CAPITÁN CONAN Bertrand Tavernier (Francia, 1996) EL INVITADO DE INVIERNO Alan Rickman (Gran Bretaña, 1997)
LA TREGUA Francesco Rosi (Italia, Alemania, Francia, 1997) HAMAM: EL BAÑO TURCO Ferzan Özpetek (Italia, Turquía, España, 1997)
SOSTIENE PEREIRA Roberto Faenza (Italia, Francia, Portugal, 1996) LOLITA Stanley Kubrick (USA, 1962)
EL PRISIONERO DE LAS MONTAÑAS Sergei Bodrov (Rusia, Kazajistan 1996) JERUSALÉN Bille August (Suecia, 1996)
98 99
LA MIRADA DE ULISES Theo Angelopoulos (Grecia, Francia, Alemania, GB, 1995) EL ESPEJO Yafar Panahi (Irán, 1997)
KOLYA Jan Sverak (República Checa, 1996) VOR (EL LADRÓN) Pável Chujrai (Rusia, 1997)
HAMLET Kenneth Branagh (Gran Bretaña, 1996) TOCANDO EL VIENTO Mark Herman (Gan Bretaña, 1996)
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ELIZABETH Shekhar Kapur (Reino Unido, 1998) MAGNOLIA Paul Thomas Anderson (USA, 1999)
DE TODO CORAZÓN Robert Guédiguian (Francia, 1998) HOY EMPIEZA TODO Bertrand Tavernier (Francia, 1999)
AMERICAN HISTORY X Tony Kaye (USA, 1998) ACORDES Y DESACUERDOS Woody Allen (USA, 1999)
EL DOCTOR FRANKENSTEIN James Whale (USA, 1931) ATAQUE VERBAL Miguel Albaladejo (España, 2000)
EL ESPÍRITU DE LA COLMENA Victor Erice (España, 1973) LOS ÚLTIMOS DÍAS James Moll (USA, 1998)
LA NOVIA DE FRANKENSTEIN James Whale (USA, 1935) LA DUCHA Zhang Yang (China, 1999)
DIOSES Y MONSTRUOS Bill Condon (USA, 1998) TO BE OR NOT TO BE (SER O NO SER) Ernst Lubitsch (USA, 1942)
SAÏD Lorenzo Soler (España, 1998) ASFALTO Daniel Calparsoro (España, 1999)
AFLICCIÓN Paul Schrader (USA, 1997) EXISTENZ David Cronenberg (Canadá, 1999)
CUENTO DE OTOÑO Eric Rohmer (Francia, 1998) FAHRENHEIT 451 François Truffaut (Reino Unido, 1966)
PSICOSIS Alfred Hitchcock (USA, 1960) P (“PI”, FE EN EL CAOS) Darren Aronofsky (USA, 1998)
LÁGRIMAS NEGRAS Ricardo Franco y Fernando Bauluz (España, 1998) BOYS DON´T CRY Kimberly Peirce (USA, 1999)
99 00
BULWORTH Warren Beatty (USA, 1998) MARTA Y ALREDEDORES Nacho Pérez de la Paz y Jesús Ruiz (España, 1999)
CARÁCTER Mike Van Diem (Holanda, 1997) EL TREN DE LA VIDA Radu Mihaileanu (Francia-Bélgica-Holanda, 1998)
SOLAS Benito Zambrano (España, 1999) TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS Kenneth Branagh (Reino Unido, 1999)
HAPPINESS Todd Solondz (USA, 1998) GARAJE OLIMPO (DESAPARECIDOS) Marco Bechis (Argentina, Francia, Italia, 1999)
LA VIDA SOÑADA DE LOS ÁNGELES Erick Zonca (Francia, 1998) UNA HISTORIA VERDADERA David Lynch (USA, 1999)
Z Costa-Gavras (Francia-Argelia, 1969) LA ETERNIDAD Y UN DÍA Theo Angelopoulos (Grecia, Francia, Italia, 1998)
EL CORONEL NO TIENE QUIEN LE ESCRIBA Arturo Ripstein (México, España,... 1999) SOBREVIVIRÉ Alfonso Albacete y David Menkes (España, 1999)
UN PLAN SENCILLO Sam Raimi (USA, 1998) EL DESTINO Youssef Chahine (Egipto, 1997)
MAMÁ ES BOBA Santiago Lorenzo (España, 1999) ASÍ REÍAN Gianni Amelio (Italia, 1998)
00 01
SUNSET BOULEVARD (EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES) RKO 281 Benjamin Ross (USA, 1999)
Billy Wilder (USA, 1950)
EL VERANO DE KIKUJIRO Takeshi Kitano (Japón, 1999)
EL GENERAL John Boorman (Reino Unido, 1998)
LA VIDA ES SILBAR Fernando Pérez (Cuba, España, 1998)
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165
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EL OTRO BARRIO Salvador García Ruiz (España (2000) EN CONSTRUCCIÓN José Luis Guerín (España, 2000)
MEMENTO Christopher Nolan (USA, 2000) LA MALDICIÓN DEL ESCORPION DE JADE Woody Allen (USA, 2001)
GOYA EN BURDEOS Carlos Saura (España-Italia, 1999) VIDOCQ Pitof (Francia, 2001)
SANGRE FÁCIL Joel Coen (USA, 1984/2000) EN LA CIUDAD SIN LÍMITES Antonio Hernández (España, 2001)
LA ESPALDA DEL MUNDO Javier Corcuera (España, 2000) EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLÍ Joel Coen (USA, 2001)
LEO José Luis Borau (España, 2000) LOS NIÑOS DE RUSIA Jaime Camino (España, 2001)
BAILAR EN LA OSCURIDAD Lars Von Trier (Dinamarca-Suecia, 2000) TANGUY: ¿QUÉ HACEMOS CON EL NIÑO? Etienne Chatiliez (Francia, 2001)
PARA TODOS LOS GUSTOS Agnès Jaoui (Francia, 2000) DONNIE DARKO Richard Kelly (USA, 2001)
LAS RAZONES DE MIS AMIGOS Gerardo Herrero (España, 2000) LA CUADRILLA Ken Loach (Reino Unido, Alemania, España, 2001)
EL CIELO ABIERTO Miguel Albaladejo (España, 2000) ATANDO CABOS Lasse Hallström (USA, 2001)
LA SOMBRA DEL VAMPIRO E. Elias Merhige (USA, 2000) RENCOR Miguel Albaladejo (España, 2001)
ASESINATO EN FEBRERO Eterio Ortega Santillana (España, 2001) NUNCA OCURRE LO QUE UNO ESPERA
Mans Herngren y Hannes Holm (Suecia, 2000)
01 02
GRACIAS POR EL CHOCOLATE Claude Chabrol (Francia, Suiza, 2000)
SESSION 9 Brad Anderson (USA, 2001)
ABAJO EL TELÓN Tim Robbins (USA, 1999)
EL SUEÑO DEL CAIMÁN Beto Gómez (México, España, 2001)
EL CÍRCULO Jafar Panahi (Irán, Italia, Suiza, 2000)
EL VOTO ES SECRETO Babak Payami (Irán, 2001)
¡QUIERO SER FAMOSA! Dominique Deruddere (Bélgica, Alemania, Francia, 2000)
LEJOS André Techiné (Francia, España, 2001)
LOLA, VENDA CÁ Lorenzo Soler (España, 2000)
XIU XIU Joan Chen (China, 1998)
ALI ZAOUA, PRÍNCIPE DE CASABLANCA
Nabil Ayouch (Marruecos, Francia, Bélgica, 2000) UN MAL DÍA LO TIENE CUAQUIERA Artus de Penguern (Francia, 2001)
EXTRANJEROS DE SÍ MISMOS LA GUERRILLA DE LA MEMORIA Javier Corcuera (España, 2001)
José Luis López-Linares y Javier Rioyo (España, 2001)
IRIS Richard Eyre (Reino Unido, 2001)
STATE AND MAIN David Mamet (USA, 2000)
02 03
DELICIOSA MARTHA Sandra Nettelbeck (Alemania-Austria, Italia, Suiza, 2001)
CAPITANES DE ABRIL María de Medeiros (Portugal, España, Francia, Italia, 2000)
VETE A SABER Jacques Rivette (Francia, 2001)
PAN Y ROSAS Ken Loach (Reino Unido, España, Alemania, 2000)
COSAS QUE DIRÍA CON SÓLO MIRARLA Rodrigo García (USA, 2000)
TINTA ROJA Francisco Lombardi (Perú, España, 2000)
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166
166
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GANGS OF NEW YORK Martin Scorsese (USA, 2002) SER Y TENER Nicolas Philibert (Francia, 2002)
LA BODA DEL MONZON Mira Nair (India-USA, Francia, Italia, 2001) ELEPHANT Gus Van Sant (USA, 2003)
SPIDER David Cronenberg (Canadá-Reino Unido, 2002) LAS INVASIONES BÁRBARAS Denys Arcand (Canadá-Francia, 2003)
AMÉN Costa-Gavras (Francia-Alemania, 2002) FEMME FATALE Brian De Palma (Francia, 2002)
CIUDAD DE DIOS Fernando Meirelles (Brasíl-Francia, USA, 2002) EN ESTE MUNDO Michael Winterbottom (Reino Unido, 2003)
ADAPTATION (EL LADRÓN DE ORQUÍDEAS) Spike Jonze (USA, 2002) DOGVILLE Lars Von Trier (Dinamarca, 2003)
EL HOMBRE DEL TREN Patrice Leconte (Francia-Alemania, Reino Unido, 2002) EL COCHE DE PEDALES Ramón Barea (España-Portugal, 2003)
BOWLING FOR COLUMBINE Michael Moore (USA, 2002) MACHUCA Andrés Wood (Chile-España, 2003)
HISTORIAS MÍNIMAS Carlos Sorín (Argentina, España, 2002) OSAMA Siddiq Barmak (Afganistán-Japón-Irlanda, 2003)
EL AMERICANO IMPASIBLE Phillip Noyce (USA, 2002) EL CHICO QUE CONQUISTÓ HOLLYWOOD
Brett Morgen y Nanette Burstein (USA, 2002)
EN UN LUGAR DE ÁFRICA Caroline Link (Alemania, 2001)
CACHORRO Miguel Albaladejo (España, 2003)
DOMINGO SANGRIENTO Paul Greengrass (Reino Unido-Irlanda, 2002)
ALIEN: EL 8º PASAJERO (MONTAJE DEL DIRECTOR) Ridley Scott (USA, 1979)
03 04
DARK WATER Hideo Nakata (Japón, 2002)
ZATOICHI Takeshi Kitano (Japón, 2003)
APOCALYPSE NOW REDUX Francis Ford Coppola (USA, 1979/2001)
OPEN RANGE Kevin Costner (USA, 2003)
HERENCIA Paula Hernández (Argentina, 2001)
EL TESTAMENTO DEL DOCTOR MABUSE Fritz Lang (Alemania, 1922)
LA ÚLTIMA NOCHE Spike Lee (USA, 2002)
DEEP BLUE Alastair Fothergill y Andy Byatt (Reino Unido, 2003)
LAS HORAS DEL DÍA Jaime Rosales (España, 2003)
LEJANO Nuri Bilge Ceylan (Turquía, 2002)
FELICES DIECISÉIS Ken Loach (Reino Unido-Alemania-España, 2002)
CASA DE ARENA Y NIEBLA Vadim Perelman (USA, 2003)
COMANDANTE Oliver Stone (España, 2002)
EL PRINCIPIO DE ARQUIMEDES Gerardo Herrero (España, 2004)
LAS MUJERES DE VERDAD TIENEN CURVAS Patricia Cardoso (USA, 2002)
CYPHER Vincenzo Natali (Canadá-USA, 2003)
EL MATRIMONIO DE MARÍA BRAUN
04 05
Rainer Werner Fassbinder (Alemania, 1978) EL DOMINGO SI DIOS QUIERE
Yamina Benguigui (Francia-Argelia, 2002)
ARARAT Atom Egoyan (Canadá-Francia, 2002)
MEMORIES OF MURDER (CRÓNICA DE UN ASESINO EN SERIE)
INVENCIBLE Werner Herzog (Reino Unido-Alemania, 2001)
Bong Joon-Ho (Corea del Sur, 2003)
167
167
167
167
PARA QUE NO ME OLVIDES Patricia Ferreira (España, 2005) EL VIENTO Eduardo Mignogna (Argentina-España, 2005)
OLVIDATE DE MÍ Michel Gondry (USA, 2004) ¿POR QUÉ LAS MUJERES SIEMPRE QUEREMOS MÁS?
Cécile Telerman (Francia, 2005)
LA MEJOR JUVENTUD I Y II PARTE Marco Tullio Giordana (Italia, 2003)
TRANSAMÉRICA Duncan Tucker (USA, 2005)
SÓLO UN BESO Ken Loach (Reino Unido, Italia, Alemania, España, 2004)
LA DIGNIDAD DE LOS NADIES
LA VIDA ES UN MILAGRO Emir Kusturica (Francia-Serbia y Montenegro, 2004)
Fernando E Solanas (Argentina-Brasil-Suiza, 2005)
NO SOS VOS SOY YO Juan Taratuto (Argentina-España, 2004)
UNA HISTORIA DE BROOKLYN Noah Baumbach (USA, 2005)
CONOCIENDO A JULIA István Szabó (Reino Unido, Hungría, Canadá, 2004)
GENTE DE ROMA Ettore Scola (Italia, 2003)
CAMINAR SOBRE LAS AGUAS Eytan Fox (Israel, 2004)
FELIZ NAVIDAD
CASA DE LOS BABYS John Sayles (USA-México, 2003) Christian Carion (Francia-Alemania-Reino Unido-Rumanía, 2005)
CONTRA LA PARED Fatih Akin (Alemania, 2004) LA GRAN FINAL Gerardo Olivares (España-Alemania, 2006)
CÓDIGO 46 Michael Winterbottom (Reino Unido, 2003) ARCADIA Costa-Gavras (Francia-Bélgica-España, 2005)
COMO UNA IMAGEN Agnés Jaoui (Francia, 2004) LA ESCURRIDIZA, O CÓMO ESQUIVAR EL AMOR
Abdellatif Kechiche (Francia, 2003)
05 06
PRIMER Shane Carruth (USA, 2004)
GRIZZLY MAN Werner Herzog (USA, 2005)
LA HERENCIA Per Fly (Dinamarca, 2004)
EL MERCADER DE VENECIA
DOS HERMANAS Kim Jee-Woon (Corea del Sur, 2003) Michael Radford (Reino Unido-Italia-Luxemburgo, 2004)
A LAS CINCO DE LA TARDE Samira Makhmalbaf (Iran, 2003) EL CASTILLO AMBULANTE Hayao Miyazaki (Japón, 2004)
EL MAQUINISTA Brad Anderson (España, 2004) BUENOS DÍAS, NOCHE Marco Bellocchio (Italia, 2003)
LAS TORTUGAS TAMBIEN VUELAN Bahman Ghobadi (Irán-Irak, 2004) MANDERLAY Lars Von Trier (Dinamarca, 2005)
EL SEÑOR IBRAHIM Y LAS FLORES DEL CORÁN DE FOSA EN FOSA Jan Cvitkovic (Eslovenia-Croacia, 2005)
François Dupeyron (Francia, 2003)
PARADISE NOW Hany Abu-Assad (Palestina-Holanda, Alemania, Francia, 2005)
LA PESADILLA DE DARWIN Hubert Sauper (Francia-Austria-Bélgica, 2004)
AGUA CON SAL Pedro Pérez-Rosado (España-Puerto Rico, 2005)
06 07
EL ÚLTIMO BESO Gabriele Muccino (Italia, 2000)
SOPHIE SCHOLL: LOS ÚLTIMOS DÍAS Marc Rothemund (Alemania, 2005)
OMAGH Pete Travis (Irlanda-Reino Unido, 2004)
LA ISLA DE HIERRO Mohammad Rasoulof (Irán, 2005)
CAMINO A GUANTÁNAMO
Michael Winterbottom y Mat Whitecross (Reino Unido, 2006)
168
168
168
168
PARÍS, JE T´AIME ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO
Olivier Assayas, Frederic Auburtin, Gerard Depardieu… (Francia, 2006) Sidney Lumet (USA-Reino Unido, 2007)
FICCIÓN Cesc Gay (España, 2006) NUEVO MUNDO Emmanuele Crialese (Italia-Francia, 2006)
UNA VERDAD INCÓMODA Davis Guggenheim (USA, 2006) EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD
Andrew Dominik (USA, 2007)
TIME Kim Ki-Duk (Corea del Sur-Japón, 2006)
CONVERSACIONES CON MI JARDINERO Jean Becker (Francia, 2006)
BOBBY Emilio Estévez (USA, 2006)
IRINA PALM Sam Garbarski (Bélgica, Reino Unido, Alemania, Luxemburgo, Francia, 2006)
LAS PARTÍCULAS ELEMENTALES Oskar Roehler (Alemania, 2006)
BARRIO CUBA Humberto Solás (Cuba-España, 2005)
DREAMGIRLS Bill Condon (USA, 2006)
PERSÉPOLIS Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud (Francia, 2007)
INLAND EMPIRE David Lynch (Francia-Polonia-USA, 2006)
BLADE RUNNER: EL MONTAJE FINAL Ridley Scott (USA, 1982)
DERECHO DE FAMILIA Daniel Burman (Argentina, 2006)
BUDA EXPLOTÓ POR VERGÜENZA Hanna Makhmalbaf (Irán, 2007)
NUEVE VIDAS Rodrigo García (USA, 2005)
LO MEJOR DE MÍ Roser Aguilar (España, 2007)
THE HOST Joon-Ho Bong (Corea del Sur, 2006)
REDACTED Brian de Palma (USA, 2007)
TRISTRAM SHANDY: A COCK & BULL STORY
07 08
Michael Winterbottom (Reino Unido, 2005) LA BANDA NOS VISITA Eran Kolirin (Israel-Francia, 2007)
MI HIJO Martial Fougeron (Francia, 2006) INTERVIEW Steve Buscemi (USA, 2007)
BOSQUE DE SOMBRAS Koldo Serra (España, 2006) CAOS CALMO Antonello Grimaldi (Italia, 2008)
COPYNG BEETHOVEN Agnieszka Holland (USA-Alemania, Hungría, 2006) EN UN MUNDO LIBRE… Ken Loach (Reino Unido-Italia-España, Alemania, 2007)
RÉQUIEM: EL EXORCISMO DE MICAELA LOS CRONOCRÍMENES Nacho Vigalondo (España, 2007)
Hans-Christian Schmid (Alemania, 2006)
HACIA RUTAS SALVAJES Sean Penn (USA, 2007)
TIDELAND Terry Gilliam (Reino Unido-Canadá, 2005)
NEVANDO VOY Maitena Muruzábal y Candela Figueira (España, 2007)
DESPUÉS DE LA BODA Susanne Bier (Dinamarca, 2006)
FUNNY GAMES
LA CAJA KOVAK Daniel Monzón (España-Reino Unido, 2006) Michael Haneke (USA-Francia-Reino Unido, Austria, Alemania, Italia, 2007)
08 09
BAJO LAS ESTRELLAS Félix Viscarret (España, 2007) EL EDIFICIO YACOBIÁN Marwan Hamed (Egipto, 2006)
Memorias de Queens Dito Montiel (USA, 2006) REBOBINE POR FAVOR Michel Gondry (USA, 2008)
LOS CLIMAS Nuri Bilge Ceylan (Turquía-Francia, 2006) MIL AÑOS DE ORACIÓN Wayne Wang (USA, 2007)
HOLLYWOODLAND Allen Coulter (USA, 2006)
169
169
169
169
LA VERGÜENZA David Planell (España, 2009) KATYN Andrzej Wajda (Polonia, 2007)
LA DUQUESA Saul Dibb (Reino Unido-Italia-Francia, 2008) MAL DÍA PARA PESCAR Álvaro Brechner (Uruguay-España, 2009)
FLAME Y CITRON GARBO, EL ESPÍA Edmon Roch (España, 2009)
Ole Christian Madsen (Dinamarca, República Checa, Alemania, 2008)
EDÉN AL OESTE Costa-Gavras (Francia-Italia-Grecia, 2009)
BUSCANDO UN BESO A MEDIANOCHE Alex Holdridge (USA, 2007)
CORAZÓN REBELDE Scoot Cooper (USA, 2009)
HACE MUCHO QUE TE QUIERO Philippe Claudel (Francia-Alemania, 2008)
BAARÌA Giuseppe Tornatore (Italia-Francia, 2009)
EL TREN DE LAS 3:10 James Mangold (USA, 2007)
DESTINO: WOODSTOCK Ang Lee (USA, 2009)
VALS CON BASHIR
CANINO Yorgos Lanthimos (Grecia, 2009)
Ari folman (Israel-Alemania, Francia, USA, Finlandia, Suiza, Bélgica, Australia, 2008)
CIUDAD DE VIDA Y MUERTE Chuan Lu (China-Hong Kong, 2009)
CUSCÚS Abdellatif Kechiche (Francia, 2007)
LA NARANJA MECÁNICA Stanley Kubrick (Reino Unido-USA, 1971)
STILL WALKING (CAMINANDO) Hirokazu Kore-Eda (Japón, 2008)
IN THE LOOP Armando Ianucci (Reino Unido, 2009)
EL PRIMER DÍA DEL RESTO DE TU VIDA Remi Bezançon (Francia, 2008)
GIGANTE Adrian Biniez (Uruguay-Argentina-Alemania, 2009)
RETORNO A HANSALA Chus Gutiérrez (España, 2008)
09 10
FROZEN RIVER Courtney Hunt (USA, 2008)
JCVD Mabrouk El Mechri (Bélgica-Luxemburgo-Francia, 2008)
AJAMI Scandar Copti y Yaron Shani (Israel-Alemania, 2009)
IL DIVO Paolo Sorrentino (Italia-Francia, 2008)
AMERRIKA Cherien Dabis (Canadá, 2009)
LA TETA ASUSTADA Claudia Llosa (Perú-España, 2008)
HIERRO Gabe Ibáñez (España, 2009)
CAPITÁN ABU RAED Amin Matalqa (Jordania, 2008)
VINCERE Marco Bellocchio (Italia, 2009)
GÉNOVA Michael Winterbottom (Reino Unido, 2008)
LA NANA Sebastián Silva (Chile, 2009)
LOS LIMONEROS Eran Riklis (Israel-Alemania-Francia, 2008)
A PROPÓSITO DE ELLY Asghar Farhadi (Irán, 2009)
LA BUENA VIDA Andrés Wood (Chile-España-Argentina, Francia, 2008)
SIN NOMBRE Cary Fukunaga (México-USA, 2008)
SÉRAPHINE Martin Provost (Francia-Bélgica, 2008)
AIR DOLL Hirokazu Kore-Eda (Japón, 2009)
THE FALL. EL SUEÑO DE ALEXANDRIA
10 11
Tarsem Singh (India-Reino Unido-USA, 2006) DOS HERMANOS Daniel Burman (Argentina, 2009)
TRES DÍAS CON LA FAMILIA Mar Coll (España, 2009) VILLA AMALIA Benoît Jacquot (Francia-Suiza, 2009)
LA CAJA DE PANDORA Yesim Ustaoglu (Turquía-Francia-Alemania-Bélgica, 2008) NEW YORK, I LOVE YOU Jiang Wen, Mira Nair… (Francia-USA, 2008)
MAN ON WIRE James Marsh (Reino Unido-USA, 2008)
DESPEDIDAS Yôjirô Takita (Japón, 208)
170
170
170
170
EN UN MUNDO MEJOR Susanne Bier (Dinamarca, 2010) ¿Y SI VIVIMOS TODOS JUNTOS? Stéphane Robelin (Francia-Alemania, 2011)
INSIDE JOB Charles Ferguson (USA, 2010) VERBO Eduardo Chapero-Jackson (España, 2011)
COPIA CERTIFICADA Abbas Kiarostami (Francia-Italia, 2010) NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN Asghar Farhadi (Irán, 2011)
LA LLAVE DE SARAH Gilles Paquet-Brenner (Francia, 2010) EL NIÑO DE LA BICICLETA
Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne (Bélgica-Francia-Italia, 2011)
INCENDIES Denis Villeneuve (Canadá-Francia, 2010)
UN MÉTODO PELIGROSO David Cronenberg (Reino Unido-Alemania,
MUJERES DE EL CAIRO Yousry Nasrallah (Egipto, 2009)
Camadá, Suiza, 2011)
HANNA Joe Wright (Reino Unido-Alemania-USA, 2011)
JANE EYRE Cary Fukunaga (Reino Unido-USA, 2011)
MONSTERS Gareth Edwards (Reino Unido, 2010)
ARRUGAS Ignacio Ferreras (España, 2011)
TENGO ALGO QUE DECIROS Ferzan Ozpetek (Italia, 2010)
YOUNG ADULT Jason Reitman (USA, 2011)
UNCLE BOONMEE RECUERDA SUS VIDAS PASADAS
EL HOMBRE DE AL LADO Gastón Duprat y Mariano Cohn (Argentina, 2009)
Apichatpong Weerasethakul (Tailandia-Reino Unido-Francia-Alemania-España,
Holanda, 2010) ANOTHER YEAR Mike Leigh (Reino Unido, 2010)
EL ÚLTIMO EXORCISMO Daniel Stamm (USA-Francia, 2010) ADIÓS A LA REINA Benoît Jacquot (Francia-España, 2011)
11 12
BLOG Elena Trapé (España, 2010) LA FUENTE DE LAS MUJERES Radu Mihaileanu (Bélgica-Italia-Francia, 2011)
LAS VIDAS POSIBLES DE MR NOBODY PROFESOR LAZHAR Philippe Falardeau (Canadá, 2011)
Jaco Van Dormael (Bélgica-Canadá-Francia-Alemania, 2009)
KISEKI (MILAGRO) Hirokazu Koreeda (Japón, 2011)
HISTORIAS DE LA EDAD DE ORO
MARTHA MARCY MAY MARLENE Sean Durkin (USA, 2011)
Ioana Uricaru, Hanno Höfer, Razvan Marculescu (Rumanía, 2010)
EL ILUSIONISTA Sylvain Chomet (Francia-Reino Unido, 2010)
NUNCA ME ABANDONES Mark Romanek (Reino Unido-USA, 2010)
ALMANYA, BIENVENIDO A ALEMANIA Yasemin Samdereli (Alemania, 2011)
ANIMAL KINGDOM David Michôd (Australia, 2010)
TÍMIDOS ANÓNIMOS Jean-Pierre Améris (Francia-Bélgica, 2011)
FRANKLYN Gerald McMorrow (Reino Unido-Francia, 2008)
TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN Lynne Ramsay (Reino Unido-USA, 2011)
VISIÓN Margarethe Von Trotta (Alemania-Francia, 2009)
EL HAVRE Aki Kaurismäki (Finlandia-Francia-Noruega, 2011)
12 13
ROMPECABEZAS Natalia Smirnoff (Argentina-Alemania, 2009)
TAKE SHELTER Jeff Nichols (USA, 2011)
EN EL CAMINO
Jasmila Zbanic (Bosnia-Herzegovina-Austria-Alemania-Croacia, 2009) LAS NIEVES DEL KILIMANJARO Robert Guédiguian (Francia, 2011)
WINTER´S BONE Debra Granik (USA, 2010)
CHICO & RITA
Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando (España-Isla de Man, 2010)
171
171
171
171
AMOR Michael Haneke (Francia, Alemania, Austria, 2012) LA VIDA DE ADÈLE Abdellatif Kechiche (Francia, 2013)
A ROMA CON AMOR Woody Allen (USA, España, Italia, 2012) MUD Jeff Nichols (USA, 2013)
EL ARTISTA Y LA MODELO Fernando Trueba (España , 2012) LA VENUS DE LAS PIELES Roman Polanski (Francia, 2013)
LA PARTE DE LOS ÁNGELES Ken Loach (Reino Unido, Francia, Bélgica, Italia, 2012) A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS Joel Coen (USA, 2013)
STOCKHOLM Rodrigo Sorogoyen (España, 2013) LA HERIDA Fernando Franco (España, 2013)
THE MASTER Paul Thomas Anderson (USA, 2012) DALLAS BUYERS CLUB Jean Marc Vallée (USA, 2013)
UN ASUNTO REAL Nikolaj Arcel (Dinamarca, 2012) LA GRAN BELLEZA Paolo Sorrentino (Italia, 2013)
EL ATLAS DE LAS NUBES EL ÚLTIMO CONCIERTO Yaron Zilberman (USA, 2012)
Tom Tykwer, Andy Wachowski y Lana Wachowski (Alemania, 2012)
BYZANTIUM Neil Jordan (Reino Unido – Irlanda, 2013)
EN LA CASA François Ozon (Francia, 2012)
CANÍBAL Manuel Martín Cuenca (España, 2013)
LA CAZA Thomas Vinterberg (Dinamarca, 2012)
ROMPENIEVES Bong Joon-Ho (Corea del Sur-USA, 2013)
HOLY MOTORS Leos Carax (Francia, Alemania, 2012)
LORE Cate Shortland (Australia-Reino Unido-Alemania, 2013)
WOODY ALLEN: EL DOCUMENTAL Robert B. Weide (USA, 2012)
13 14
EL MÉDICO ALEMÁN Lucía Puenzo (Argentina-España-Francia-Noruega, 2013)
DE ÓXIDO Y HUESO Jacques Audiard (Francia , 2012)
LA PIEDRA DE LA PACIENCIA Atiq Rahimi
BESTIAS DEL SUR SALVAJE Benh Zeitlin (USA, 2012) (Francia-Alemania-Afganistán-Reino Unido, 2012)
LA BICICLETA VERDE Haifaa Al-Mansour (Arabia Saudí, 2012) FRANCES HA Noah Baumbach (USA, 2013)
COSMOPOLIS David Cronenberg (USA, 2012) DE TAL PADRE TAL HIJO Hirokazu Kore-Eda (Japón, 2013)
BARBARA Christian Petzold (Alemania, 2012) MOLIERE EN BICICLETA Philippe Le Guay (Francia, 2013)
INFANCIA CLANDESTINA Benjamín Ávila (Argentina, España, Brasil , 2011) IDA Pawel Pawlikowski (Polonia, 2013)
LA COCINERA DEL PRESIDENTE Christian Vincent (Francia, 2012) HERMOSA JUVENTUD Jaime Rosales (España-Francia, 2014)
SEARCHING FOR SUGAR MAN Malik Bendjelloul (Suecia, Reino Unido, 2012) OH BOY Jan Ole Gerster (Alemania, 2012)
14 15
CÉSAR DEBE MORIR Paolo y Vittorio Taviani (Italia, 2012) PELO MALO Mariana Rondón (Venezuela-Perú-Alemania-Argentina, 2013)
NO Pablo Larrain (Chile, México, 2012) THE ACT OF KILLING Joshua Oppenheimer y Christine Cynn (Dinamarca, 2012)
EL CAPITAL Costa-Gavras (Francia, 2012) EL VIENTO SE LEVANTA Hayao Miyazaki (Japón, 2013)
HANNAH ARENDT Margarethe von Trotta (Alemania, Francia, 2012) SÓLO LOS AMANTES SOBREVIVEN Jim Jarmusch (Reino Unido-Alemania, 2013)
172
172
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to be continued...
173
173
173
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STANLEY KUBRICK
WOODY ALLEN
ORSON WELLES
CARLOS SAURA
AKIRA KUROSAWA
FRANÇOIS TRUFFAUT
BRIAN DE PALMA
LUIS GARCÍA BERLANGA
INGMAR BERGMAN
FRITZ LANG
Miradas de
ERIC ROHMER
MARTIN SCORSESE
CHARLES CHAPLIN
BILLY WILDER
cine
JACQUES TATI
WERNER HERZOG
SAM PECKINPAH
37 ciclos y
ROMAN POLANSKI
TERRY GILLIAM
DAVID LEAN
FEDERICO FELLINI
258 películas
JOHN CARPENTER
BOB FOSSE
FRANKLIN J. SCHAFFNER
ANDREI TARKOVSKY
ELIA KAZAN
174
174
174
174
95 CENTENARIO
DEL
96
CINE
96 EL
SURREALISMO
EL
CINE
97
ESPAÑOL SOVIÉTICO
LUIS BUÑUEL SERGEI M. EISENSTEIN
97
98 JOHN FORD
175
175
175
175
98
99 HOWARD HAWKS
99 EN
MEMORIA
00 DEL MAESTRO
STANLEY KUBRICK
00
01 WOODY ALLEN ORSON WELLES
TOMA EL DINERO Y CORRE (1969) SUEÑOS DE SEDUCTOR CIUDADANO KANE (1941) EL CUARTO MANDAMIENTO (1942)
(1972) TODO LO QUE USTED SIEMPRE QUISO SABER SED DE MAL (1958) CAMPANADAS A MEDIANOCHE (1965)
SOBRE EL SEXO PERO TEMÍA PREGUNTAR (1972) LA
ÚLTIMA NOCHE DE BORIS GRUSHENKO (1975) ANNIE
HALL (1977) MANHATTAN (1979) ZELING (1983) HANNAH
Y SUS HERMANAS (1986) DELITOS Y FALTAS (1989)
MISTERIOSO ASESINATO EN MANHATTAN (1972)
176
176
176
176
01
02 CARLOS SAURA AKIRA KUROSAWA
LA CAZA (1965) LA PRIMA ANGÉLICA (1973) CRIA VIVIR (1952) LOS SIETE SAMURAIS (1954) EL TRONO DE
CUERVOS (1975) MAMÁ CUMPLE 100 AÑOS (1979) SANGRE (1957) YOJIMBO (1961) EL INFIERNO DEL ODIO
DEPRISA DEPRISA (1980) CARMEN (1983) TANGO (1999) (1963) BARBARROJA (1965) KAGEMUSHA (1980)
02 EL HOMBRE
QUE AMABA
LA
FASCINACIÓN
03 EL CINE
FRANÇOIS TRUFFAUT
DEL ESTILO
BRIAN DE PALMA
Los cuatrocientos golpes (1959) Jules et jim (1961) El fantasma del paraíso (1974) Carrie (1976) Vestida
La piel suave (1964) Besos robados (1968) Las dos para matar (1980) Impacto (1981) Doble cuerpo
inglesas y el amor (1971) El último metro (1980) (1984) Corazones de hierro (1989) Atrapado por su
Vivamente el domingo (1983) pasado (1993)
03 UN ASTROHÚNGARO
CONTRA EL PODER
EL CINE
COMO EN UN
04 Y LA GLORIA
LUIS GARCÍA BERLANGA
ESPEJO
INGMAR BERGMAN
ESA PAREJA FELIZ (1951) BIENVENIDO, MÍSTER MARSHALL SONRISAS DE UNA NOCHE DE VERANO (1955) EL
(1952) CALABUCH (1956) PLÁCIDO (1961) EL VERDUGO (1963) SÉPTIMO SELLO (1956) FRESAS SALVAJES (1956) PERSONA
LA ESCOPETA NACIONAL (1977) TODOS A LA CÁRCEL (1993) (1966) GRITOS Y SUSURROS (1972) SECRETOS DE UN
MATRIMONIO (1973) SONATA DE OTOÑO (1978)
177
177
177
177
04 FRITZ LANG
EN
05
ALEMANIA
FRITZ LANG ERIC ROHMER
El doctor Mabuse (1ª Parte) (1922) EL doctor Mi noche con Maud (1969) La marquesa de O (1975)
Mabuse (2ª Parte) (1922) Los Nibelungos (1ª Parte) La mujer del aviador (1980) Pauline en la playa
(1924) Los Nibelungos (2ª Parte) (1924) Metrópolis (1982) Las noches de la luna llena (1984) El rayo
(1926) La mujer en la Luna (1928) «M», el vampiro de verde (1986) El amigo de mi amiga (1987)
Düsseldorf (1931)
05
06 MARTIN SCORSESE CHARLES CHAPLIN
MALAS CALLES (1973) ALICIA YA NO VIVE AQUÍ (1974) VIDA DE PERRO (1918) ARMAS AL HOMBRO (1918) EL
TAXI DRIVER (1976) TORO SALVAJE (1980) LA ÚLTIMA PEREGRINO (1923) El chico (1921) La quimera del oro
TENTACIÓN DE CRISTO (1988) UNO DE LOS NUESTROS (1925) Luces de la ciudad (1931) Tiempos modernos
(1990) LA EDAD DE LA INOCENCIA (1993) (1936) El gran dictador (1940) Candilejas (1952)
06 ALGUNOS LO
PREFIEREN
07
INTELIGENTE
BILLY WILDER JACQUES TATI
CURVAS PELIGROSAS (1933) DÍAS SIN HUELLA (1945) DÍA DE FIESTA (1949) LAS VACACIONES DE HULOT
SABRINA (1954) LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (1955) (1953) MI TÍO (1958) PLAYTIME (1967) TRÁFICO (1971)
TESTIGO DE CARGO (1958) CON FALDAS Y A LO LOCO ZAFARRANCHO EN EL CIRCO (1974) SOIGNE TON
(1959) EL APARTAMENTO (1960) IRMA LA DULCE (1963) GAUCHE (1936) L´ECOLE DES FACTEURS (1947) COURS DU
FEDORA (1978) SOIR (1967)
178
178
178
178
07 EL ÉXTASIS
DE LA
LA BALADA DE
DAVID SAMUEL
08
VERDAD PECKINPAH
WERNER HERZOG SAM PECKINPAH
También los enanos empezaron pequeños (1970) DUELO EN LA ALTA SIERRA (1962) MAYOR DUNDEE
Aguirre, la cólera de Dios (1972) El enigma de (1964) GRUPO SALVAJE (1969) LA BALADA DE CABLE
Gaspar Hauser (1974) Corazón de cristal (1976) HOGUE (1970) PERROS DE PAJA (1971) LA HUIDA (1972) PAT
Nosferatu, vampiro de la noche (1978) WoyzecK GARRETT Y BILLY THE KID (1973) QUIERO LA CABEZA DE
(1979) Fitzcarraldo (1982) Mi enemigo íntimo (1999) ALFREDO GARCÍA (1974)
08 FRITZ LANG
EN
CINEASTA
SIN
09
AMÉRICA PATRIA
FRITZ LANG ROMAN POLANSKI
FURIA (1936) SÓLO SE VIVE UNA VEZ (1937) LOS EL CUCHILLO EN EL AGUA (1962) REPULSIÓN (1965)
VERDUGOS TAMBIÉN MUEREN (1943) EL MINISTERIO CALLEJÓN SIN SALIDA (1966) el baile de los vampiros
DEL MIEDO (1943) LA MUJER DEL CUADRO (1944) (1966) la semilla del diablo (1968) chinatown (1974)
PERVERSIDAD (1945) ENCUBRIDORA (1952) LOS el quimérico inquilino (1976) tess (1979)
SOBORNADOS (1953) DESEOS HUMANOS (1954)
09 LA RAZÓN
DE LOS
ESPECTÁCULO
Y SENSIBILIDAD
10
SUEÑOS
DAVID LEAN
TERRY GILLIAM
LOS CABALLEROS DE LA MESA CUADRADA... Y SUS SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS (1942) LA VIDA MANDA
LOCOS SEGUIDORRES (1974) LA BESTIA DEL REINO (1944) EL ESPÍRITU BURLÓN (1945) BREVE ENCUENTRO
(1977) LOS HÉROES DEL TIEMPO (1981) BRAZIL (1984) LAS (1945) CADENAS ROTAS (1946) OLIVER TWIST (1948)
AVENTURAS DEL BARÓN MUNCHAUSEN (1989) EL REY AMIGOS APASIONADOS (1949) MADELEINE (1950)
PESCADOR (1991) 12 MONOS (1995) MIEDO Y ASCO EN LAS LOCURAS DE VERANO (1955)
VEGAS (1998)
179
179
179
179
10 LAS PELÍCULAS DE
DESASTRES DE
SOÑAR,
TAL VEZ
11
LOS AÑOS 70 VIVIR
FEDERICO FELLINI
aeropuerto George Seaton (1970) la aventura del LOS INÚTILES (1953) LA STRADA (1954) ALMAS SIN
poseidón Roland Neame (1972) aeropuerto 1975 Jack CONCIENCIA (1955) LAS NOCHES DE CABIRIA (1957) LA
Smight (1974) terremoto Mark Robson (1974) el coloso DOLCE VITA (1959) FELLINI 8½ (1963) GIULIETTA DE LOS
en llamas John Guillermin (1974) el enigma se llama ESPÍRITUS (1965) AMARCORD (MIS RECUERDOS) (1973) EL
juggernaut Richard Lester (1974) hindenburg Robert Wise CASANOVA DE FEDERICO FELLINI (1976)
(1975) alarma: catástrofe Jack Gold (1978)
11 APUNTES SOBRE
LA COMIDA EN
ARTESANO
DEL
12
ALGUNAS HORROR
PELÍCULAS
JOHN CARPENTER
CINE EN SU PUNTO
deliciosa martha Sandra Nettelbeck (2001) comer, asalto EN la comisaría del distrito 13 (1976) LA
beber, amar Ang Lee (1994) el festín de babette Gabriel NOCHE DE HALLOWEEN (1978) LA NIEBLA (1979) 1997...
Axel (1987) un toque de canela Tassos Boulmetis (2003) RESCATE EN NUEVA YORK (1981) LA COSA (EL ENIGMA
la gran comilona Marco Ferreri (1973) entre copas DE OTRO MUNDO) (1982) CHRISTINE (1983) STARMAN (EL
Alexander Payne (2004) como agua para chocolate HOMBRE DE LAS ESTRELLAS) (1984) EL PRÍNCIPE DE LAS
Alfonso Arau (1992) cuando el destino nos alcance TINIEBLAS (1987) ESTÁN VIVOS (1988) EN LA BOCA DEL
Richard Fleischer (1973) MIEDO (1994)
12 ... AND
ALL THE
BANQUETES:
CUANDO COMER ES
13
JAZZ UNA FIESTA
BOB FOSSE CINE EN SU PUNTO
MI HERMANA ELENA (1955) DAMN YANKEES (1958) GOSFORD PARK Robert Altman (2001) el banquete de
NOCHES EN LA CIUDAD (1969) CABARET (1972) LENNY boda Ang Lee (1992) vatel Roland Joffé (2000)
(1974) EMPIEZA EL ESPECTÁCULO (1979)
180
180
180
180
13 UN HUMANISTA
EN LA GRAN
EL
SACRIFICIO
14
PANTALLA DEL POETA
FRANKLIN J. SCHAFFNER ANDREI TARKOVSKY
13 20 AÑOS
EN
14
6 DÍAS
20 AÑOS DE CINE
14 DIRIGIR CONSISTE
EN CONVERTIR LA
PELÍCULAS PARA
DESCORCHAR
15
PSICOLOGÍA EN
COMPORTAMIENTO
ELIA KAZAN CINE EN SU PUNTO
Lazos humanos (1945) La barrera invisible (1947) Guerra de vinos Randall Miller (2008) Mondovino
Pánico en las calles (1950) Un tranvía llamado Jonathan Nossiter (2004) Noche de vino y copas Ole
deseo (1951) ¡Viva Zapata! (1952) La ley del silencio Christian Madsen (2011)
(1954) Al este del edén (1955) Un rostro en la
multitud (1957) Río Salvaje (1960) Esplendor
en la hierba (1961) América América (1963) El
compromiso (1969) El último magnate (1976)
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Hall of
Personas relevantes de la indu
manifestaciones que han vi
––– 1995 ––––––––
Montxo Armendáriz Director de cine Alfonso Cortés Pianista Francisco J. de la Plaza Catedrático y director de la cátreda de cine de la UVA
Fernando Trueba Director de cine Luis Martín Arias Profesor de la Cátreda de cine de la UVA Jesús González Requena Profesor titular de la UCM
Carmen Sáez Profesora de la cátreda de cine de la UVA Antonio Santos Profesor de la Cátedra de cine de la UVA Lorenzo Soler Director de cine
Miguel Albadalejo Director de cine Carmelo Gómez Actor Salvador García Ruiz Director de cine Luis García Berlanga Director de cine
Goyo JiméneZ humorista Antonia San Juan Actriz Pascal Gaigne Compositor cinematográfico Klemerodes Blues Band Grupo Musical
Miguel MArÍas crítico cinematográfico y Ex Director General de Cinematografía Carlos Saura Director de cine
José Carlos Suárez Profesor de la Universidad Rovira i Virgili de Tarragona María José Molina Presentadora Marta González Actriz y humorista
Cayetana Guillén Cuervo Actriz y presentadora Alberto Jiménez Actor Fidel Cordero Director de cine Alicia Borrachero Actriz Enrique Gato Director de cine
Néstor Calvo Director de fotografía Verónica FernÁndez Guionista y escritora Maribel Membrillo Actriz Luis Larrodera Presentador
Josep María Queraltó Coleccionista DE MATERIAL DE CINE Cristina Urgel Actriz y presentadora Ginés García Millán Actor Carlos Aguilar Escritor
José Luis Barrios Treviño Director de cine Esther Bermejo Responsable de comunicación en TV Castilla y León José Luis García Actor
Ángel Illarramendi Compositor cinematográfico Julián Rafalko Empresario de efectos especiales Rafael Bermejo Periodista Adolfo Fernández Actor
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f Fame
industria del cine en todas sus
an visitado el cineclub uned
–––––––– 2015 –––
Pedro E. Delgado ESCRITOR Y Profesor de la ECAM Ramón Barea Actor Jonás Groucho Trueba guionista Y DIRECTOR DE CINE Basilio Martín Patino Director de cine
Juan Antonio Pérez Millán Director de la Filmoteca de Castilla y León José Antonio Quirós Productor, director y guionista
Yvonne Blake Diseñadora de vestuario María Reyes Modelo y ACTRIZ Carlos Fuentes Actor Miguel Lago humorista Juan Diego Botto Actor
Jorge Sanz Actor Miriam Correa Actriz Ben Sidran Pianista y cantante Jaime Rosales Director de cine José Luis Torrijo Actor
José Luis Borau Director de cine Paca Gabaldón Actriz Oti Rodríguez Marchante Crítico cinematográfico
Rosa S. Rodríguez Montadora y especialista en edición Miguel Alcatud Director, guionista y productor
Ricardo Castella HumoristA Mariano Díaz, Cuarteto de Jazz Concierto Musical Javier Angulo Director de la Seminci de Valladolid
Arantxa Aguirre Directora de cin Marta Serrano Coll Profesora de la Universidad de Tarragona
Jesús Rivera Torres Presidente de la Asociación Soriana de Amigos del Ferrocarril Abi Alberto Director de cine F. Javier Álvarez Psiquiatra Enrique Urbizu Director de cine
Jorge Gil Zulueta Pianista Alberto del Campo Productor de Stockhlom Rodrigo Sorogoyen Director de Stockhlom Borja Soler Coproductor de Stockholm
Adolfo Dufour Andía Director de cine Enrique González Macho Presidente de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematogrñaficas, productor, distribuidor y exhibidoR de cine
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SUSANA ALBERTO
SORIA CABALLERO
RAMAS GARCÍA
VICTOR ROBERTO
CID PEÑA
GONZÁLEZ VALTUEÑA
STAFF
CARMELO
GARCÍA
SÁNCHEZ
ÁNGEL ROBERTO
GARCÍA GONZÁLEZ
ROMERO MIGUEL