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LA EPOCA DEL BARROCO MUSICAL

La llamada música barroca o música del barroco viene a ser el estilo


musical europeo, que cronológicamente se encuentra directamente relacionado
con la época cultural homónima, este importante periodo musical comprende
aproximadamente desde el nacimiento de la ópera alrededor de 1600, hasta la
muerte del indiscutible gran genio musical del barroco Johann Sebastian Bach
ocurrido en el año de 1750.
Es necesario mencionar que no todos los tratadistas coinciden exactamente
con las fechas de inicio y culminación del periodo, prueba de ello es que la
enciclopedia más prestigiosa de la musicología alemana 'Die Musik in Geschichte
und Gegenwart' (La Música en la Historia y la actualidad) de Friedrich Blume
(1893 Schlutern – 1975 Schlutern), señala como fecha de culminación del barroco
el año de 1740; también algunos señalan el año de 1607 como la fecha de inicio,
coincidiendo con el estreno de la primera ópera “Orfeo” de Claudio Giovanni
Monteverdi,
Este significativo periodo de la historia de la música comprende todo el siglo
XVII y hasta la primera mitad del siglo XVIII, el barroco pertenece a una de las
etapas del desarrollo de los estilos de la música culta del antiguo continente
europeo, que se encuentra antecedido por la música del renacimiento y seguido
por la música del clasicismo.
El término barroco que deriva del portugués barrueco o berrueco, para los
joyeros de la época representaba una perla de forma irregular, deformada y falsa;
este término también era utilizado en la arquitectura para designar a una
construcción retorcida, deformada, muy elaborada y de características irregulares.
El término barroco en líneas generales hacía alusión a rasgos llamativos,
extravagantes y extraordinarios.
Dentro del campo de la música el término barroco hace referencia a una
obra musical muy recargada y excesivamente adornada, razón por la cual es
común encontrar una gran cantidad de obras musicales de los grandes maestros
del barroco tardío, tales como Bach, Haendel, Purcell, entre otros, que para sus
contemporáneos resultaban demasiado ornamentadas.
No cabe duda que esa fue la acepción del término barroco que tuvo en
cuenta el famoso pensador Jean-Jacques Rousseau (1712 Suiza – 1778 Francia),
cuando calificó despectivamente de barroca a la ópera italiana de su tiempo, ello
se puede apreciar en su importante trabajo polémico sobre la música francesa:
'Lettres sur la musique francaise'.
En el siglo XVIII se usó el término barroco en sentido peyorativo para
describir las características del estilo musical de los grandes maestros de la
música tales como Bach, Haendel, Purcell, entre otros.

Hoy en pleno siglo XXI y con todos los adelantos de la ciencia y la


tecnología, nos podría parecer inconcebible que algunas de las mayores obras
maestras de la música del periodo barroco pudieron haber sido comparados con
una perla deforme, pero, aunque no lo podamos creer, para los críticos que
vivieron en esa época, la monumental obra musical de la era del gran Johann
Sebastian Bach, Henry Purcell, Friedrich Haendel, entre otros, sonaba
excesivamente ornamentada, disonante y exagerada.
No cabe duda alguna que Johann Sebastian Bach fue el más grande
representante del barroco y uno de los más grandes genios de toda la historia de
la música, porque la grandeza de su obra musical nos muestra que fue un músico
de gran valía que sin duda alguna se adelantó a su época; por ello a nadie debe
causar sorpresa alguna que hasta hoy el análisis musical de sus obras sigue
sorprendiendo a los expertos.
El barroco es sin duda uno de los periodos más fecundos de la historia de
la música por el enorme espíritu de creación que se observaba en sus
representantes, en esta época coincidentemente surgieron músicos de gran valía
que dieron realce y grandeza al barroco; entre ellos podemos mencionar a
Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Haendel, Lucio Antonio Vivaldi,
Alessandro Scarlatti, Doménico Scarlatti, Jacopo Peri, Georg Philipp Telemann,
Jean Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Giovanni Monteverdi, Jean-Philippe
Rameau , Henry Purcell, Tomaso Giovanni Albinoni. Dietrich Buxtehude, Girolamo
Frescobaldi, Michael Praetorius, Heinrich Schutz, Johann Hermann Schein,
Antonio, Alessandro Stradella, Guiseppe Tartini, Giulio Caccini, entre otros.
El barroco nace en Europa casi un siglo después del surgimiento de la
reforma protestante liderado por Martin Lutero (1517) y aunque sin quererlo
incrementó la división y rivalidad existente entre los seguidores de la reforma
luterana y la iglesia católica, porque la música del barroco fue utilizada
intencionalmente como medio de propaganda y confrontación por parte de las
iglesias en contienda.
Para agudizar aún más la rivalidad religiosa ya existente, se suma el
posterior surgimiento de la contrarreforma, que fue impulsado por la iglesia
católica con la finalidad de contrarrestar el crecimiento y auge de la reforma
protestante, mucho tiempo después los seguidores de Martin Lutero y Juan
Calvino (creador de la teoría de la predestinación) ante la férrea persecución de la
iglesia católica logran emigrar a Norteamérica, donde contra todo pronóstico
logran conquistar una gran cantidad de seguidores, es por ello que la liturgia
protestante hasta hoy tiene significativa influencia norteamericana.
El barroco surge en Europa (Italia), luego del después del florecimiento de
la corriente del humanismo que surgió durante el periodo del renacimiento y como
es de suponer, indiscutiblemente la forma de concepción del mundo de esta nueva
corriente, influyó sustancialmente en el quehacer musical de la época, brindando
mayor importancia a los sentimientos, afectos y emociones de los seres humanos;
esta influencia humanista se ve claramente reflejado sobre todo en el desarrollo
musical de la ópera, dándole un nuevo giro musical, otorgando mayor importancia
al desarrollo del canto y dejando de lado lo recitativo.
Durante la etapa del barroco en el aspecto político reinaron en Europa las
monarquías absolutas, donde la Iglesia, la aristocracia (alta nobleza) y algunas
ciudades libres tuvieron mucho poder y demostraron su autoridad organizando
grandes espectáculos musicales; pues eran los únicos capaces de mantener
económicamente una capilla con músicos profesionales a su servicio,
convirtiéndose de esta manera en grandes mecenas de los mejores artistas de la
época.
La gran mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al
servicio de los mecenas pertenecientes a la alta Aristocracia o al alto clero, entre
ellos podemos mencionar a los reyes, príncipes alemanes, cardenales, arzobispos
o instituciones religiosas como catedrales o conventos notables. Estos
compositores completaban sus ingresos económicos con la edición y venta de sus
propias obras impresas.
La época de barroco fue también un momento de oro en la arquitectura, la
pintura, la escultura, la literatura, la danza y el teatro y la cultura en general; no
olvidemos que las iglesias católicas europeas construidas durante el barroco
conteniendo una gran abundancia de imágenes, sin duda reflejan el pensamiento
de la contrarreforma católica.
Jean-Philippe Rameau es considerado como el teórico musical más
importante del periodo barroco y junto con el insigne Johann Sebastian Bach,
establecieron el sistema tonal que logró predominar por mucho tiempo hasta el
siglo XX. Sus obras son consideradas como lo más representativo de la época
cumbre del Barroco francés.

Características:
 Las voces tienen una importancia diferente porque ahora (etapa del barroco
temprano) solo hay dos voces principales y las demás sirven de
acompañamiento armónico, esto se conoce con el nombre de homofonía
(melodía o monodia acompañada).
 La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave),
donde se destacan la voz superior y el bajo continuo (etapa del barroco
temprano), esto permitía comprender mejor el texto y transmitir una mayor
expresividad. Fue en la ópera donde más se desarrolló esta textura.
 Es la época del uso del bajo continuo que consistía en una línea de notas
graves que se tocaba de manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final
de la obra musical; el bajo continuo era interpretado mayormente por uno o
más instrumentos melódicos graves como la viola, el fagot, violonchelo y
contrabajo, añadiéndose otros instrumentos armónicos para la ejecución de
los acordes, entre estos instrumentos podemos mencionar el arpa, el laúd,
el clave, la guitarra barroca y el órgano.
 La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales que en la
actualidad se les conoce como los emblemas de la época clásica, entre
ellos podemos mencionar a la ópera, la sonata, la sinfonía, el concierto,
entre otros.
 La aparición de la orquesta de cámara entre otros grupos instrumentales,
en donde predominan los instrumentos de cuerda, tales como el violín, viola
y violonchelo, a los cuales se fueron añadiendo otros instrumentos de
viento, así como también de percusión.
 Se estableció definitivamente el concepto de la tonalidad (mayores y
menores) tal como lo conocemos hoy en día
 En comparación a la época anterior se comienza a desarrollar ampliamente
la armonía, formulándose tratados en los que se establecen reglas estrictas
sobre las tonalidades y la formación de acordes (cadencias, progresiones
de quintas, retardos, acordes paralelos, etc.)
 Se da mayor importancia a la lectura y el análisis vertical del discurso
musical (debido al surgimiento de la armonía), en contraposición a lo
horizontal que existía en la época del renacimiento donde reinó la polifonía
 Se observa un rápido desarrollo del ritmo armónico, lo que dio lugar a un
frecuente cambio de acordes dentro de la obra musical, esto no se
observaba en el renacimiento.
 El uso de los fuertes contrastes sonoros de timbre e intensidad entre los
coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta, todo ello en
fuerte oposición a la uniformidad de texturas y timbres que reinaron dentro
de la época del renacimiento.
 El desarrollo de un lenguaje instrumental propio y diferenciado del vocal,
conteniendo la adaptación de la escritura musical para cada tipo de
instrumento según su tesitura.
 Ya no son intercambiables los diversos tipos de música, es decir, la música
instrumental no necesariamente puede ser cantada y viceversa; comienzan
progresivamente a diferenciarse claramente estos dos estilos.
 En los teatros de ópera aparece la orquesta con predominio de los
instrumentos de cuerda frotada (base de la actual orquesta sinfónica),
donde el violín y el clave fueron los más importantes.
 A diferencia del renacimiento, la música no trata de servir a la palabra
(texto), sino de sobrepasarla en importancia, es decir
cantarla “afectivamente”.
 Se observa un amplio espacio dejado a la improvisación (virtuosismo), esto
se observa tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de
ornamentación.
 Se busca un ritmo muy marcado (acentuado), que se llama ritmo mecánico,
esto debido a sus pulsaciones fuertes y normalmente repetidas. Por ello el
movimiento se convierte en uno de los elementos vitales de la música
barroca.
 A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana
conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical.
 La interpretación musical tiende a enriquecer las partes instrumentales y
vocales mediante una profusión de ornamentos y la aparición de recursos
expresivos.
 Se buscó en un principio (barroco temprano) desechar las complicadas y
recargadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la
homofonía (melodía o monodia acompañada), pero posteriormente en la
etapa del barroco tardío, el contrapunto armónico recuperará con Bach todo
su esplendor.
 La tesitura sobreaguda que hoy se utiliza comúnmente en la orquesta
moderna, se puede observar que aun todavía no aparece en la orquesta
barroca.

Etapas:

El Barroco temprano (1600-1650)


Es necesario mencionar que desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la
disolución del antiguo estilo polifónico renacentista, que se caracterizaba por
poseer una textura que llegaba a la exageración en lo relacionado a la cantidad de
voces que contenía una obra musical y que en gran parte eran imitaciones de las
demás voces.
El barroco temprano comienza primeramente en la escuela veneciana de Italia
buscando el máximo esplendor artístico musical, posteriormente este movimiento
se logró expandir por toda Europa.
No olvidemos que el barroco se forjó en Italia, principalmente en la sede pontificia
que está en Roma, donde la música fue utilizada como medio de propaganda para
la difusión de la doctrina contrareformista del catolicismo.
En esta primera etapa del barroco, se puede observar que aun todavía en cierta
manera sigue predominando la importancia de la música vocal frente a la música
instrumental; pero esto gradualmente irá cambiando.

Se comienza a desarrollar la policoralidad, que es una característica típica de la


música religiosa de la escuela veneciana, consistente en la alternancia entre
diversos grupos vocales o instrumentales situados en diversas ubicaciones de las
iglesias. Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el
que se contrastan instrumentos contra voces o solistas contra el conjunto general.
El desarrollo de la homofonía (melodía o monodia acompañada), en la que una
voz aguda y el bajo continuo concentran todo el interés musical, mientras que el
acompañamiento armónico instrumental es de menor importancia.
A partir del estreno de la ópera “Orfeo” de Claudio Giovanni Monteverdi (1607), se
observa que los compositores empiezan a dar mayor valor afectivo y dramático a
la ópera, pero ahora a través de la música.
Dentro del desarrollo de la tonalidad y la armonía, se puede observar que se
comienza a estudiar la disonancia.
Se comienza a componer obras netamente instrumentales, pero todavía de poca
extensión.
A pesar del predominio de la música vocal, se observa que comienza
progresivamente a mostrarse la diferenciación entre la música vocal y la música
instrumental.
Las piezas instrumentales no religiosas se comienzan a innovar y se puede
observar una gran variedad de obras, entre ellos podemos mencionar la toccata, el
preludio, el capricho, la suite, la fantasía, el menuet, etc.

En ese contexto artístico surge la figura de Claudio Giovanni Monteverdi, que fue
un compositor que desarrolló su obra musical desde finales del renacimiento y la
primera etapa del barroco, siendo considerado un maestro de la antigua polifonía
renacentista y la nueva música barroca donde predominaba el empleo del bajo
continuo.

Los compositores más destacados son: en Italia Claudio Giovanni Monteverdi,


Jacopo Peri, Giulio Caccini y Girolamo Frescobaldi y en Alemania Michael
Praetorius, Heinrich Schutz y Johann Hermann Schein, entre otros.

Es necesario mencionar que Claudio Giovanni Monteverdi y Antonio Vivaldi fueron


los dos compositores que fueron estudiados más asiduamente por el insigne
Johann Sebastian Bach.                        

El Barroco medio (1650-1700)


En Italia, la cuna del movimiento artístico en general, la música instrumental que
continuaba su emancipación de la música vocal, poco a poco va logrando igualdad
de importancia.
La música instrumental sienta definitivamente las bases del sistema tonal y de las
formas musicales del Barroco tardío.
La ópera iniciada en el barroco temprano de la mano de sus precursores (Giulio
Caccini y Jacopo Peri) y consolidada por Claudio Giovanni Monteverdi, sigue
desarrollándose cada vez más, logrando una gran aceptación por parte de la
aristocracia.
El éxito internacional del innovador estilo de la música italiana en general y de la
ópera se expandió rápidamente por toda Europa (Francia, Alemania, Austria,
Inglaterra, España, etc.), debido a la considerable cantidad de espectáculos
musicales que se realizaban en diversos lugares y acompañado de la venta de
partituras.
Siguiendo los pasos de Italia, Francia se desarrolló musicalmente sobre todo en la
ópera, fortalecido con la llegada del italiano Jean-Baptiste Lully, dando lugar a que
la ópera pase de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas
altas de la clase media. Debido a la libre compra de entradas en los teatros que
cada vez iba en aumento; la ópera no solo era solicitada y apreciada por la
aristocracia, sino también por la clase media alta.
La ópera francesa de la mano de Lully comenzó su despegue, unido al desarrollo
de los nuevos instrumentos de madera barrocos, tales como oboe, fagot, flauta
travesera y de pico. También en esta etapa se desarrolla y establece la suite
instrumental francesa.
Sobresalen en Inglaterra Henry Purcell, en Alemania Johann Pachelbel y Dietrich
Buxtehude, en Francia Jean-Baptiste Lully y en Italia Arcangelo Corelli, Guiseppe
Torelli, Antonio Alessandro Stradella y Alessandro Scarlatti, entre otros.

El Barroco tardío (1700-1750)


Una vez más, Italia sigue siendo el país que marcó las tendencias innovadoras, es
preciso mencionar que la enorme influencia del italiano Arcangelo Corelli siguió
llevando el estilo italiano de la música instrumental a toda Europa, consiguiendo
discípulos, en Inglaterra Francesco Geminiani, en Alemania Bach, Telemann y
Haendel.
En Francia luego de la muerte del compositor italiano Jean-Baptiste Lully, la ópera
no se detuvo, siguió desarrollándose y consolidando de la mano del francés Jean-
Philippi Rameau, quien en un principio recibió muchas críticas por parte de los
seguidores de Lully.
En esta etapa se puede observar la plena consolidación del sistema tonal que
impulsa fuertemente el crecimiento de la armonía, lográndose desarrollar
ampliamente las cadencias, las progresiones de quintas, los retardos, los acordes
paralelos, etc.
Las formas musicales vocales y sobre todo las instrumentales se siguen
desarrollando y poco a poco van adquiriendo dimensiones más largas, para luego
en el clasicismo convertirse en las grandes formas musicales.
La música instrumental fortalecido por el desarrollo de la armonía y del progresivo
aumento de los instrumentos musicales, logra superar en importancia a la música
vocal.
En esta etapa se logra desarrollar prolijamente el contrapunto armónico de la
mano de grandes maestros tales como Bach y Haendel entre otros, observándose
su evolución, despegue y gran esplendor.
Si observamos con detenimiento, podemos observar que la mayoría de los
compositores del barroco tardío con mayor trascendencia son de nacionalidad
alemana; ello nos muestra la gran influencia que ejerció la escuela alemana en el
desarrollo musical a finales del barroco.
Es necesario mencionar que los compositores barrocos cuya música actualmente
se encuentra más difundida, sin duda pertenecen a la generación nacida casi a
finales del siglo XVII; entre ellos podemos mencionar a Antonio Vivaldi y Tomaso
Giovanni Albinoni  en Italia, Georg Friedrich Haendel, Johann Sebastian
Bach y Georg Philipp Telemann en Alemania, Jean-Philippe Rameau en Francia
y Domenico Scarlatti en España, entre otros.

Las formas musicales vocales e instrumentales del periodo


barroco
La Ópera:
Surge gracias a la influencia del humanismo que reinaba en Italia, esta corriente
en las últimas décadas del renacimiento (1580 aproximadamente) impulsó el
intento de fusionar el drama con la música; los primeros experimentos de este tipo
lo encontramos en Giulio Caccini y Jacopo Peri, pero fue indudablemente Claudio
Giovanni Monteverdi quien consolidó esta nueva forma musical, consistente en
una obra teatral íntegramente musicada (solistas, coro y orquesta).

Las óperas no tienen siempre la misma estructura, pero en general constan de


una obertura y de tres o cuatro actos divididos en cuadros y escenas.
La obertura es una especie de introducción, que en ocasiones recibe el nombre
de preludio, dónde aparecen los temas musicales de la primera escena o de toda
la ópera.
Los actos representan la estructura dramática de la ópera como en cualquier obra
de teatro. En la partitura de la ópera, al principio de cada acto, aparece la
descripción detallada del lugar dónde se desarrolla y de los personajes que
intervienen.
Los cuadros establecen el ambiente propicio a cada situación de la trama
mediante diferentes decorados.
Las escenas marcan los cambios de personajes a lo largo de la obra. 
Los coros, las arias, los recitativos, los instrumentales y las danzas se van
sucediendo en función del argumento de la ópera. 
Los compositores que sobresalen son Claudio Giovanni Monteverdi, Jean-Baptiste
Lully, Georg Friedrich Haendel, entre otros.

El Oratorio:
El oratorio es una forma musical que por lo general consta de una obertura o
preludio y de tres o más partes donde se suceden recitativos, arias y coros
(acompañados por la orquesta). El oratorio y la ópera tienen muchas semejanzas,
pero también algunas diferencias que son las siguientes:
 El oratorio no requiere de representación teatral, mientras que en la ópera
es completamente imprescindible.
 El texto del oratorio es por lo general eminentemente religioso, mientras
que el argumento de la ópera es más libre.
 El oratorio se presenta en las iglesias en forma de concierto, mientras que
la ópera en las salas de teatro construidas para dicho fin.
 El oratorio está dividido en partes, mientras que la ópera en actos
Entre sus compositores podemos mencionar a Johann Sebastian Bach, Georg
Friedrich Haendel, Heinrich Schutz, etc.

La Cantata:
La cantata es una obra musical escrita para una o más voces solistas con
acompañamiento instrumental, generalmente está estructurado en varios
movimientos y en algunas ocasiones contiene un coro.

En un principio, el término cantata significó únicamente una pieza para ser


cantada a una sola voz y aparece por primera vez en 1620 de la mano de
Alessandro Grandi (colaborador de Monteverdi).

Las primeras cantatas surgieron inicialmente como un género netamente profano


en Italia, posteriormente la iglesia católica y la reforma luterana comenzaron a
cultivar esta nueva forma musical, imprimiéndole un tinte netamente religioso, es
por eso que la cantata se dividía en:

 Cantata da chiesa, para presentaciones musicales religiosas en las iglesias.


 Cantata da camera, para presentaciones musicales de la aristocracia.
Entre los compositores más destacados figuran Antonio Vivaldi, Johann Sebastian
Bach, Georg Friedrich Haendel, Tomaso Giovanni Albinoni y Alessandro Scarlati,
este  último escribió más de 600 cantatas.     

La Sonata:
La sonata es una obra musical instrumental que en un inicio constaba de un solo
movimiento, posteriormente se fue desarrollando y se amplió hasta llegar a tres
movimientos de carácter contrastante.
Dentro de su estructura formal la sonata tenía varios movimientos contrastantes
que son los siguientes:
 Allegro (rápido)
 Adagio (lento)
 Alegro (rápido)
Es necesario recalcar que el predominio económico de la iglesia católica, influyó
grandemente en el quehacer musical de la época, en razón de ello la sonata se
dividía en:
 Sonata da Chiesa, para presentaciones musicales religiosas en las iglesias.
 Sonata da camera, para presentaciones musicales de la aristocracia.
Cámara.
En el barroco la sonata se escribía para un solo instrumento (solista), dos
instrumentos (dúo) o tres instrumentos (trío) y su estructura formal era bipartita.
La sonata al igual que las otras formas musicales vocales e instrumentales fue
desarrollándose y perfeccionando su estructura, pero será finalmente en el
clasicismo que logrará consolidarse plenamente.
Los compositores que sobresalen son Jean-Pillippe Rameau, Johann Sebastian
Bach, Georg Philipp Teleman, Alessandro Scarlatti, entre otros.

El Concerto Grosso
Si nos remontamos a los inicios de esta forma musical, encontramos al compositor
italiano Antonio Alessandro Stradella, a quien varios autores le atribuyen la autoría
del primer concerto grosso, hecho posiblemente ocurrido entre los años de 1670 y
1680.
Es necesario recalcar que el predominio económico de la iglesia católica, influyó
grandemente en el quehacer musical de la época, en razón de ello el concerto
grosso de dividía en:
 Concerto grosso da Chiesa, para presentaciones musicales religiosas en
las iglesias.
 Concerto grosso da camera, para presentaciones musicales de la
aristocracia.
El concerto grosso poco a poco fue desarrollándose y progresivamente llegó a
aumentar el número de sus movimientos hasta llegar a tres, estos movimientos
contrastantes son los siguientes:
 Allegro (rápido)
 Adagio (lento)
 Alegro (rápido)
El concerto grosso se caracteriza porque era interpretado por un pequeño grupo
de solistas (concertino) que alternaban con la orquesta, esta es la razón principal
por la cual se le llamaba concierto grosso.
Los compositores que sobresalen son Stradella, Bach, Corelli, entre otros.
El Concierto:
La evolución del concerto grosso finalmente dio lugar al posterior nacimiento del
concierto.
Varios autores atribuyen al compositor italiano Giuseppe Torelli, la autoría del
primer concierto solista, hecho ocurrido alrededor del año de 1698.
Debido al predominio económico de la iglesia católica, el concierto solista también
se dividía en:
 Concierto grosso da Chiesa, para presentaciones musicales religiosas en
las iglesias.
 Concierto grosso da camera, para presentaciones musicales de la
aristocracia.
Dentro de su estructura formal el concierto tenía varios movimientos contrastantes
que son los siguientes:
 Allegro (rápido)
 Adagio (lento)
 Alegro (rápido)
A diferencia del concerto grosso donde existía varios solistas, el concierto era
interpretado por un solista único, que alternaba con la orquesta durante todo el
discurso musical.
Es necesario mencionar que finalmente el concierto solista terminó imponiéndose
sobre el concerto grosso, a tal punto que este desapareció por completo con el
advenimiento del clasicismo.
Los compositores que sobresalen son Corelli, Haendel, Vivaldi, etc.
No debemos olvidar que Antonio Vivaldi es considerado como el primer precursor
del poema sinfónico, esto debido a la composición de su reconocida obra titulada
las cuatro estaciones, consistente en cuatro conciertos basados en cuatro sonetos
escritos sobre las estaciones del año.

La Suite:
La suite es una forma musical instrumental que contiene un conjunto de varios
movimientos de duración corta, que se encuentran están basados en las danzas
festivas populares de los palacios.
Esta obra musical está considerada como una de las primeras manifestaciones
orquestales que tuvo su apogeo en la época del barroco con Bach y Haendel, pero
posteriormente fue perdiendo importancia y desapareció paulatinamente.
Sus movimientos que son contrastantes en tempo, ritmo y compás, pueden ser los
siguientes:
Preludio – alemanda – courante – zarabanda – bourrée - menuet - giga, etc.
Estas obras musicales en sus inicios estaban escritas solo para uno o dos
instrumentos, pero posteriormente se fue ampliando para un grupo mayor de
instrumentos
Los compositores que sobresalen son Bach, Couperin, Teleman, Haendel, entre
otros

La Fuga:
La fuga es una composición netamente instrumental que utiliza brillantemente el
contrapunto armónico entre varias voces instrumentales, todas ellas de igual
importancia.
Se caracteriza porque la melodía principal recorre por todas las voces, en varias
alturas y en diferentes tonalidades de manera reiterativa durante todo el discurso
musical.
Esta importante forma musical contrapuntística por excelencia, se desarrolló
ampliamente logrando todo su esplendor durante el barroco tardío de la mano de
Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Haendel, pero aparte de ellos otros
compositores de gran valía musical desarrollaron fecundamente esta
contrapuntista forma musical.
La estructura formal de la fuga no es muy rígida y tiende a ser libre, razón por la
cual algunos autores no lo consideran como una forma, sino como un
procedimiento musical.
Por lo general una fuga consta de un solo movimiento, pero se encuentra dividido
en cuatro secciones que son los siguientes: exposición – sección media – sección
final – final.
La fuga comienza con un preludio o una tocata,y luego continúa la fuga
propiamente dicha.
La fuga generalmente consta de tres o cuatro voces diferentes, pero también en
algunos casos puede tener más voces.
La fuga se escribió para instrumentos de cuerda, para instrumentos de viento;
pero se observa una preferencia por los instrumentos de teclado (clave, órgano)
Los compositores que sobresalen por excelencia son Pachelbel, Bach y Haendel,
entre otros.