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[ ] = Comentario, opiniones, parerga y paralipómena que este cronista asume con toda
responsabilidad; y puede omitirse sin que afecten la reseña que se hace de las clases de
Pololo. O que Ud. puede eliminar en caso que de resultarles molestas.
[ Estos apuntes no sustituyen el placer de la asistencia a clases, donde además de la
amistad, se comparte la energía del grupo y de Pololo. Es una experiencia irrepetible,
como cuando asistimos a una sala de concierto o de teatro.
Sugerimos repetimos el disfrute de lo recibido del Grupo Apreciación Musical
Biblioteca Herrera Luque, en casa recurriendo a esa inmensa audioteca que
es youtube.com, donde también pueden comparar las diferentes interpretaciones hasta
encontrar las que más les gusten. Use y disfrute el Canal Clásico y TVe a la carta de
España ( www.rtve .es)]
Material de apoyo
Un CD cuyo contenido Pololo comenta mas adelante.
Pololo dibuja en el pizarrón un mapamundi, y señala a China, donde nace por primera
vez una organización académica de los instrumentos, su clasificación, su orden, cómo se
escribe. De la China con su música e instrumentos propios, melodías, ritmos, música
folclórica y ceremonial, pasó a la India, donde se enriquece todavía mas. Luego pasa a
Mesopotamia, en la que se incorporan, además de las músicas e instrumentos propios,
los hebreos y turcos. Se forma entonces un centro, a la vez epicentro, con la música,
instrumentos, tonalidades, organización, conceptos, criterios, gustos, ideas y proyectos.
Todo esto se traslada a Egipto, al Cairo, donde se agregan instrumentos de una, dos, tres
y hasta cinco cuerdas, las flautas y los timbales. En Egipto no hubo un aporte
significativo sino una masificación de la producción sonora. Se multiplicaron los
instrumentos que se tocaban simultáneamente, se pasó por ejemplo de 15 a 200
timbales. Por primera vez un grupo grande de instrumentos asociados, agrupados.
De Egipto pasó a Grecia, donde se produce un choque importante. Los griegos
programados y cultos acompañaban sus representaciones teatrales con música.
Descubren que pueden agrupar los sonidos en siete sonidos identificables con
emociones, sentimientos. Cuando nos llega algo a las manos, ese algo tiene razón de ser,
pero también un sentido para cada uno de nosotros. Los griegos decían entonces que
este sonido es un sonido de dolor, este es de victoria, este otro sonido es un sonido de
gloria, este otro de heroicidad y le dieron nombres de Lidio, Dórico, etc. [ Ver nota 2,
en Parerga y paralipómena ]. Estamos hablando de 600 AC, mas luego nos ubicamos en
el año 950 DC donde un italiano llamado Guido D´Arezzo le puso nombre a estas siete
notas. Hacia 1675 los músicos reconocieron que podía componer en Re un Gloria o una
sinfonía heroica, y cuando quiero expresar dolor la escribo en La, es decir, dan
contenido expresivo a cada tonalidad [Ver nota 3 en Parerga y paralipómena ].
De Grecia la música pasó a Roma. Todo ese orden que se había alcanzado y
desarrollado hasta entonces, como el volumen que se dio en Egipto, la interpretación y
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la adaptación que le dio Grecia, se estanca en Roma porque no valoró estos logros.
Cuando se mezclan las cosas sin darle valor a cada uno de ellos, se empastelan. Se
hunde el crecimiento de la música, hasta que Constantino ( 272-337 DC) establece el
Imperio Romano con una sola política, la espada romana, y una sola fe, la fe cristiana
porque era hijo de Santa Helena, quien se atribuye identificar las astillas de la cruz
donde crucificaron a Cristo ( Constantino convocó el Concilio de Nicea en el 325 DC).
Constantino estableció cinco centros del imperio: Iberia, Gales, Britania, Germania e
Italia, y en cada uno de ellos, funda además de un cuartel, una iglesia. Pero como el rito
cristiano era heredero del rito hebreo, es necesario fundar también una escuela de
música para el servicio litúrgico. De estos centros el único que sobrevive en nuestros
días es el de St. Gall en Suiza. Empieza entonces un desarrollo de la música. En la
misma Roma empieza a surgir la música litúrgica, por eso la música religiosa empieza
desde la Edad Media hasta nuestros días. Es en la Edad Media donde aparecen los
trovadores, los juglares y los ministriles para transmitir las noticias de un poblado a
otro, para animar las fiestas populares y cortesanas.
A continuación Pololo nos deja oír y comenta algunas piezas que ilustran lo que ha
explicado en el pizarrón:
Grecia, 408 a 406 AC, de Las orestíadas de Eurípides, “Oreste Stasimi” el aulos y la
cítara se combinan pero no suenan simultáneamente [Escucharla en YouTube:
Anakrousis-Oreste stasimi].
El “Himno delphico a Apollo”, la misma melodía anterior con participación de un coro.
El coro canta el mismo texto, pronunciando las mismas sílabas en el mismo instante, es
decir monotemático, monomelódico, unitonal, homofónicamente. Esto se heredará mas
adelante en el canto gregoriano.
La música griega mas antigua que se ha podido rescatar es del 480 AC y proviene de
una columna es el Epitaphe de Seikilo Fils de Eurterpe, que se ha reproducido con los
instrumentos propios de esa época. Es una pieza instrumental con pocos instrumentos y
la voz canta la misma melodía que el instrumento. No hay armonía. [Ver nota 4 en
Parerga y paralipómena ].
Nos movemos a la música de cada región con su folclore, con sus características. Hasta
que llegamos a un punto de madurez y oímos este canto del siglo VI, “Misa de
Angelis”: Kyrie ( versión del CD de la Abadía de Sto.Domingo de Silos), cantan al
unísono en la misma tonalidad, todos pronuncian las mismas sílabas, homofónicamente.
Al cantar Kyrie sigue una vocalización al alargar las vocales.
Surge por primera vez en Francia, en el siglo XII, dos voces simultáneas, una fija y la
otra, melódica, que se mueven simultáneamente. Son las obras de Leonin y Perotin que
descubrieron en un convento como el eco de la nota anterior se une con la que se está
emitiendo. Se maravillan de este nuevo sonido, como cuando se colorea una página con
amarillo y luego con azul para obtener el color verde. Evolucionan y componen por
primera vez a dos voces (duplum); tres ( triplum) y cuatro voces ( quadruplum).
Escuchamos de Leoninus ( 1150-1201), del Organum de Notre Dame, el duplum “Judea
et Jeresulem”. Y de Perotinus (entre 1150 y 1160-1230) el quadrum “Sedentes
principe”.
Es en el siglo once cuando la música empieza a separar los tonos originando la armonía.
Cuando oigan a Mozart o Beethoven, escuchen como los chelos hacen los graves.
Pololo demuestra con su voz y caracterización, como discute un ser humano. Sube el
tono, acelera la voz, aumenta el volumen y la velocidad. La música al igual que en la
expresión humana requiere fuerza, intención, volumen, carácter, tonalidad y altura. No
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es creíble decir estoy bravo, o estoy feliz o triste, cuando la expresión tiene una
intención distinta, como bravo con una expresión tristona o triste con una voz y
expresión corporal eufórica. Debe haber congruencia con los sonidos, el movimiento, la
fuerza. Estamos repasando conceptos que ya hemos tenido en nuestros cursos
anteriores para entender mejor las conferencias de Menuhin que vamos a ver.
La primera misa religiosa a cuatro voces, la Misa de Notre Dame, la compuso
Guillaume de Machaut. [Ver nota 5 en Parerga y paralipómena ]. Al pasar la Edad
Media [ del 476 DC, a la caída del Imperio Romano, a 1492, con el descubrimiento de
América. La alta edad media abarca los siglos V al VIII, y la baja edad media del siglo
XI al XV] explota todo esto. Empiezan los cantos con mayor vivacidad y expresión,
mayor velocidad en el canto y nace la polifonía. La polifonía en el canto también le da
un espaldarazo a los instrumentos. Surge la voz y el instrumento que ahora pueden
tocar en tonos diferentes. “María Santa” de Arnold Schlick ( 1455 a 1460- después de
1521) con acompañamiento de laud y viola de gamba. Surgen muchísimos canciones
de esas; unas populares, otras litúrgicas y otras como himnos. Mas adelante se unen las
voces y nace el coro, sin instrumentos. Es el canto “a capella” ( a capilla) porque los
instrumentos recordaban lo pagano. Empieza el coro con prioridad femenina, luego la
prioridad masculina. Después los masculinos no permiten a las mujeres en el coro y es
cuando se incorporan las voces infantiles [el fenómeno de los castrados]. Estamos
hablando de Tomas Luis de Victoria (1548-1611), siglo dieciséis con su “Ave María a
cuatro voces”. Apreciemos cuanto se ha evolucionado desde Grecia. En el coro
reconocemos cuatro tipos de voces: soprano, mezo sopranos, tenores y barítonos. De
Josquin Des Pres (1440-1521) el motete “Tulerunt Dominun Meo”, mucho mas
contraste en las voces, cruce de melodías y ritmos. El motete “Gloria in Excelsis Deo”
de Andrea Gabrieli ( 1533-1585), con órgano.
Con “El canto de los pájaros”, a ocho voces, de Clement Janequin (1485-1558) sucede
algo interesante, ya no es un canto litúrgico ni himnos. Los músicos buscan expresar
cosas personales que la naturaleza les inspira, como el canto de los pájaros. Hay un
texto y en cada parte se indica como imitar el canto del pájaro correspondiente, y lo
hacen polifónicamente.¿ Qué sensación les produjo?. El ser humano y la música tiene
un historia amplia, grande, bien detallada como lo hemos podido apreciar en nuestra
modesta muestra. El ser humano descubrió que podía combinar notas, que podía poner
voces, cambiar tonos, cambiar velocidad y que además del coro poner una sola voz que
recitara un trozo musical (recitativo) y cantar mas rápido que el coro, para mostrar la
calidad individual de una voz, ya que en grupos de voces no se pueden lograr hacer las
coloraturas masivamente como la limpieza de una voz solista. En este ejemplo, la
serenata para dos sopranos e instrumentos, “Endimione & Cynthia” ( Roma, 1705) de
Alessandro Scarlatti (1660-1725) la soprano y la trompeta se intercambian las
imitaciones, unas veces ella canta lo que toca la trompeta y viceversa, la trompeta imita
lo que se ha cantado [ recordemos la escena del desafío de Farinelli a un trompetista en
una plaza en el film Farinelli (1994) de Gerard Corbiau. La escena se basa en que en
1722, en Roma, Porpora le compuso un obligado a un trompetista alemán para que
Farinelli se luciera en el teatro].
El CD que les entrega este curso es el producto de las ediciones anteriores de este Nivel
33, y nos permite dar un rápido repaso de la historia musical desde 3000 AC hasta
nuestros días.
Las cinco primeras piezas son tan “fastidiosisimas” como necesariamente necesitamos
conceptualizarlas en la historia de la música. Lo primero que sonó en el ser humano fue
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la percusión. Por eso coloqué la música ancestral compuesta por mi amigo Zepeda.
Durante siglos esa fue la única música que había.
Sigo con la música griega antigua y pasamos al canto ambrosiano, ¿ por qué?. Entre
esas cinco escuelas fundadas por Constantino, el canto litúrgico era muy diferente;
Pololo lo muestra cantando la palabra Kyrie en diferentes estilos. Entonces el obispo de
Milán, San Ambrosio, decidió unificar el canto litúrgico, que se expandió rápidamente.
El papa Gregorio decidió quitar al canto litúrgico la influencia oriental y así surgió el
llamado canto gregoriano. Si ustedes escuchan las dos piezas van a poder diferenciar el
canto ambrosiano del canto gregoriano.
Pasamos a la Escuela de Notre Dame, con Leonin. Hildergard von Bingen transforma el
canto gregoriano en un canto lírico, “cantático” (de cantar) y abre un campo gigantesco.
Ejemplo del canto trovadoresco [Ver nota 6 en Parerga y paralipómena ]. No podemos,
lamentablemente, a la edad que tenemos, en el momento que vivimos, y en el Nivel ( de
nuestros cursos) en que estamos aceptar que la música es exactamente lo que hoy
estamos oyendo [Ver Nota 7 en Parerga y paralipómena] . Lo que estamos oyendo es
consecuencia de todo el desarrollo que hemos analizado, en el tiempo, en la época, en la
persona, en el momento, en las circunstancias y en las cualidades. Es como en la moda,
no me imagino a la reina Isabel de Inglaterra exhibiendo un bikini.
La canzona es un ejemplo de como una música orquestal sin canto es música de canto
pero sin voz. Siguen un Agnus Dei, un madrigal de Monteverdi y el aria para soprano
de Scarlatti.
Para mí y muchos autores que he leído, Emilio de Cavallieri compuso la primera ópera,
antes que el Orfeo de Monteverdi. Lo de Cavallieri es de 1598 y el Orfeo es de 1602.
Cavallieri hizo diferentes partes del alma y el cuerpo, dándole a los personajes tonos de
voces y creo toda una secuencia, es decir, una ópera. Porque cuando lo haces con
personajes y con un guión, teatralmente es una ópera así no tengas vestuario ni
escenografía.
Luego pasamos a compositores fundamentales para terminar con la música moderna,
pasando por Beethoven y Mahler debido a su importancia en las formas sinfónicas,
Richard Strauss con su poema sinfónico Vida de héroe y la valorización del ritmo por
Stravinsky.
8 Judea et Jersualem. Duplum / Leoninus ( 1150-1201) Siglo XI/ Esc. Notre Dame
9 Benedicamus Domine. Hildegard von Bingen (1098-1179) Siglo XII /Ensemble
“Anonymus 4”
10 0! altas Undas que venetz sus al mar/ Eduardo Paniagua Ensemble
11 I Autre Jour NN Trovador siglo XIII
12 Tulerum Dominum. Meo. Motete/ Josquin Des Pres ( 1440-1521) Siglo XIV
El impulso de la vida
La segunda parte de la clase es un viejo documento audiovisual que Pololo ha podido
pasar al formato DVD, La música del hombre (1979) por el excelso violinista Yehudi
Menuhin (1916-1999) [disponible en YouTube pero sin subtítulos en español]. Veremos
del primer capítulo “ La esencia de la vida “, lo que nos permita el tiempo disponible, y
reforzará mucho de lo expuesto en la primera parte de la clase. A continuación
fragmentos del video, que nos muestran ante todo al humanista Menuhin.
El hombre ha hecho música desde hace mucho tiempo. Existen pruebas de que lo ha
hecho desde hace mas de 30000 años. Mi propósito es revelar por qué para mí la
verdadera identidad del hombre está en la música….La fuga en Do mayor de la Tercera
Sonata para violín de Bach (BWV 1005, 1720), es la música de un hombre en paz que
refleja en sus ritmos, medidas y formas equilibradas a una sociedad segura de su fe.
Esta música contiene mas que un sentimiento, nos habla de la íntima relación de la
música y nuestros procesos mentales mismos. La música nos ayuda a pensar por
comparación, analogía y el repensamiento de la memoria. [ Pololo dice: Para mí la
música se transformó en una herramienta básica de la vida, que me hace crecer
culturalmente, intelectualmente y sensiblemente. Oída en presencia o en un concierto en
vivo, no puedo oírla como un aguacero que me cae. Cuando me cae una gota de agua,
pienso si el aguacero es fuerte o es una llovizna, si me enfría o me congela. Le busco
todo razonamiento, y así debe ser para nosotros, que lo que entra por la oreja tiene que
ser analizado por el cerebro].
El camino para llegar al nivel alcanzado por Bach ha sido muy largo, y así seguimos
luchando para seguir en él. Este mundo que percibimos tan sólido empezó con el
terrible calor de la roca fundida y remolinos de gases, son sus terremotos y olas gigantes
nos recuerda que estamos indefensos ante la naturaleza desde el momento de nuestro
nacimiento…El grito de un recién nacido es tal vez una premonición de responsabilidad
y de esperanza, es a la vez un saludo alegre y una despedida pesarosa. Sus pulmones
reconocen el nuevo reino del aire, pero recuerda el sonido agudo, el calor y comodidad
y seguridad del vientre que lo cobijó. También recuerda sonido de voces y ritmos, pero
sobre todo recuerda los latidos del corazón de la madre. Ese ritmo une la criatura en
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[PARERGA Y PARALIPÓMENA
Referencia
La música del hombre. Yehudi Menuhin y Curtis W, Davis. Fondo Educativo
Interamericano, S:A: 1981, 320 páginas.
-La conciencia tiene el mismo significado, pero llevado al terreno de la distinción entre
el bien y el mal. Hay múltiples expresiones con la palabra conciencia que nos son
válidas para consciencia: una mala acción puede suponer un cargo de conciencia,
mientras que tomamos conciencia de algo cuando pensamos a fondo sobre ello y
hacemos algo a conciencia cuando lo hacemos con mucho empeño. Verbo:
concienciar(se).
Los instrumentos más extendidos, con los que se acompañaban el canto de los poetas y
los coros de las tragedias eran la lyra, hecha con un caparazón de tortuga y con unas
cuerdas de tripa en su concavidad, y el aulós, un aerófono de lengüeta.
Para conocer cómo sonaba la música en la Grecia clásica se recomiendan los siguientes
discos, muchos de los cuales se puede oír en YouTube: