ANTIGÜEDAD

Las antiguas civilizaciones sobre todo Grecia aportó mucho la evolución de la músicaa, es
de ellos de donde viene la palabra Música (mousike) que engloba la poesía danza y
música. También estaba la aportación de Platón, la teoría del Ethos, doctrina que
explicaba la importancia de la gimnasia y la armonía musical en esta educación: la
gimnasia proporcionaba salud, complementando los conocimientos que se adquirieran
“mens sana in corpore sano”(mente sana en cuerpo sano), promulgaban. La armonía
musical, para los griegos, representaba el equilibrio y la relación entre los planetas, y era
capaz de provocar pasiones y estados de ánimo de gran utilidad en la formación
pedagógica. Platón abogaba por la utilización de música frigia, que incrementaba la
templanza, y dórica, que incrementaba el valor, así como pensaba que algunos
instrumentos, como el aulós(una doble flauta como la que aparece en la cabecera), debían
prohibirse en el proceso pedagógico, pues estaban destinados a la diversión, y no a la
concentración. Para Platón, la ausencia de ley en el arte y la educación conducen a la
libertad o carencia de moral en las costumbres y a la anarquía en la sociedad. Junto con
Aristóteles, ideó un sistema de educación pública basada en la teoría del Ethos (equilibrio
gimnasia-música) que formaría a personas justas. Y con esta educación se podría iniciar la
construcción de “kaliopolis”, la ciudad feliz.

El aporte de Pitágoras favoreció el conocimiento de los doce sonidos de la escala

cromática, él utilizo el monocordio para hacer su experimento, un instrumento de una
cuerda en la que vio que apretando en la mitad de la cuerda emitía el mismo sonido que
de la cuerda suelta solo que era más aguda, y al escuchar eso pensó que habían más
sonidos y siguió tocando mitad tras mitad hasta encontrar los doce sonidos.

Con respecto a sus instrumentos eran el arpa, el aulos, la cítara (instrumento de cuerda
pulsada). habían muestras musicales de fusión de instrumentos con voz, a esto se le
denominó citarodia, que era el canto solista con acompañamiento de una citara y un
aulos. El nomos era puramente instrumental describía la vida de los dioses.

Roma tuvo el papel principal con respecto a la música litúrgica. El nombre de CANTO
GREGORIANO se debe al papa Gregorio I él fue quien recodificó todo el repertorio de
cantos litúrgicos de los demás países como el canto ambrosiano la música anglicana, etc,
dio impulso a realizar una música uniforme de canto para todas las naciones.

El canto gregoriano es monódico y silábico es decir una silaba con una nota o también
melismático es decir una silaba con varios sonidos, está escrito en latín, como la salmodia
era responsorial (respuesta entre una persona y un coro) o antifonal (respuesta entre dos
coros) tenía ritmo prosódico, es decir la rítmica dependía de la letra. No tenía
acompañamiento instrumental, ya que la los de la iglesia decían que es un recinto sagrado
y el instrumento es más bien del diablo.

Con un poco mas de tiempo se establece la ordenación litúrgica de la misa, y con ellos los
pasajes cantados, en la misa del ordinario están el KYRIE, GLORIA, CREDO, SANCTUS Y
AGNUS DEI, en la misa del propio el INTROITO, GRADUAL, ALLELUIA, SECUENCIA,
OFERTORIO Y COMUNION.

A partir del siglo IX se resuelve la rítmica con la inclusión de la notación neumática, una
serie de signos presentes en la notación griega, incluyen una nota o mas para cada silaba
pero no designan altura de sonido solo direcciones

EDAD MEDIA

Abarca entre la caída del Imperio Romano de Occidente en 476 y el siglo XV.

Gracias a Guido D’Arezzo es que se pusieron nombre a los sonidos, él utilizó el himno a
San Juan agarró las primeras silabas de cada frase de la primera estrofa.

Ut quen laxis
Resonari fibris
Mira gestorum
Famuli torum
Solve polluti
Laabi reatum
Sante Johanes

Y los cinco sonidos restantes se les adicionó un apellido “sostenido” y “bemol”.

Otra aportación importante que hizo fue la creación del tetragrama, al poner las notas
(notación cuadrada o neumática) en el tetragrama Guido facilitó la lectura musical en el
mundo. Es decir las notas ya tenían altura definida. Esa lectura fue importante para los
monjes, ellos podían aprender fácilmente el canto gregoriano

Y nos damos un espacio para ver que pasaba con la música profana, y hay dos grupos de
músicos los JUGLARES y los TROVADORES.

JUGLARES: Ellos se encargaban de dar alegría, entretener e informar a las personas. Ellos
cantaban en el idioma originario de cada país. Existían varios tipos de juglares.

Los juglares eran como los bufones siempre inventando historias chistosas o haciéndose la
burla de alguno de la realeza, y también ofreciendo las buenas nuevas es decir eran como
el periódico ahora.
Los goliardos eran clérigos vagabundos que disfrutaban de las mujeres y el buen vivir,
ellos se aprovechaban de la tonzura que tenían para dormir en las iglesias.

Los ministriles se encargaban de entretener a la gente pero sobre todo a la realeza ya que
ellos pertenecían a un señor noble que les mantenía y daba de comer.

TROVADORES: poetas músicos con un cargo en la realeza ellos hacían sus propias
composiciones y no necesitaban de un público, sus letras eran más románticas y música
mucho más elaboradas. Ellos pertenecían al sur de frances y su letra era del francés
antiguo.

Los troveros eran del norte de Francia y su letra era del francés que hoy en día
conocemos.

Los juglares podían es decir tenían la opción de ascender a trovadores siempre y cuando
aprendiesen de un estudio de música.

Y COMIENZA UNA NUEVA ERA “LA POLIFONÍA”

Las primeras obras polifónicas datan del siglo IX en el celebre MUSICAE ENCHIRIDION
atribuido al monje Hucbaldo este temprano ejemplo se lo conoce como ORGANUM
PARALELO basada en dos voces voz principal y voz organal con intervalicas de ocatava
quinta y cuartas paralelas, nota contra nota, y también en Inglaterra se da el GYMEL, su
paralelismo se da por intervalos de sexta y tercera. Las antiguas piezas de organum están
en los manuscritos del TROPARIO DE WINCHESTER

En el siglo XI se dara recién un cambio al organum y se denominará DISCANTUS, que

consiste en el movimiento contrario de las voces si uno sube la otra baja y viceversa.

Ya en Francia en la escuela de Notre Dame con Leonin y su sucesor Perotin elaboran una
mejora en el organun denominado ORGANUM FLORIDO o MELISMATICO se caracteriza
por tener varios grupos de notas en la voz organal contra las notas simples de la voz
principal.

Todas la voces principales de los organum eran a base de un canto gregoriano.

Esta escuela francesa fue denominada ARS ANTIGUA.

También dan lugar a lo que será el MOTETE, al igual que el canto gregoriano es acapella,
también es a tres voces denominadas TENOR, MOTETUS y TRIPLUM si aumentaban más
llegarían a ser cuatriplium, quintiplum, etc. También era politextual, es decir cada voz
canta diferente texto. En idioma francés antiguo. El tenor también era a base de un canto
gregoriano.
ARS NOVA o arte nuevo fue importante porque dio paso a la soltura de la melodía gracias
a la incorporación de notas más pequeñas como ser la breve y la semibreve. También fue
importante la aparición del hoquetus que significo la interrupción de la melodía con
silencios en una voz y la continuación de esa melodía por otra voz.

También se implementó en el tenor dos recursos para componer, un padrón melódico

llamado COLOR y un padrón rítmico denominado TALEA. Que se aplicaban de principio a
fin en una composición, pero al no tener la misma extensión ofrecían muchas
posibilidades de variación. Varios músicos compusieron motetes como Philippe de Vitry,
Mateo de Perugia, etc, pero su mayor y principal representante fue Guillaume de
Machaut.

El aporte de Machaut fue notabilísimo no solo en el motete sino también en la misa, ya

que fue el primero en escribir una misa completa y a cuatro voces, ya que la todas la
músicas se escribían a base de un cantus firmus existente.

En Italia el Ars Nova fue diferente su representante fue Franchesco Landini, las formas
musicales mas cultivadas fueron la CACCIA y sobre todo el MADRIGAL.

La CACCIA: su forma es de un canon en dos partes la segunda voz comienza seis compases
después de la primera, su texto era referido a temas de caza, de fuego, de gritos de
vendedores callejeros y eso justifica la forma del canon. Se utilizaba lo que es el hoquetus
y la imitación del canto de los pajaros.

El MADRIGAL: muy diferente de lo que será en el renacimiento, con textos idílicos,

amatorios o poemas satíricos, tiene tres voces una hace la melodía y las otras dos hacen
de acompañamiento, los primeros madrigales fueron compuestos por Jacopo da Bologna y
Lorenzo da Firenze.

RENACIMIENTO

Abarca entre los siglos XV y XVI

Hubieron muchos sucesos en este periodo, el fin del imperio Bizantino, los
descubrimientos geográficos como America, el movimiento Humanista que se encargó de
dar prioridad y culto a la belleza y facultades del hombre, la vida y la naturaleza en este
espacio podemos apreciar las esculturas y pinturas al desnudo, otra cosa muy importante
fue la invención de la imprenta por Coster y perfeccionado por Gutemberg, que por cierto
ayudo a que las personas conocieran la biblia y en alemán gracias a Lutero, con respecto a
la impresión musical los aportaron mucho el italiano Ottaviano Petruchi (que logró realizar
la impresión de una partitura en tres fases primero imprimir pentagramas, segundo
imprimir las notas musicales y tercero la letra y paginación) y el francés Pierre Ataignant,
gracias a él solo se requeria de una sola fase de impresión para que la partitura salga
completa.

También a este periodo se debe el nacer de las capillas eclesiásticas, donde aun no
aceptándose las voces de mujeres las reemplazaban por las voces de los niños, las cuales
con el tiempo fueron sustituidas por falsetistas españoles, y posteriormente por los
Castrati.

También existían las capillas privadas, pertenecientes a un familiar de la realeza.

La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad que deriva de la aceptación
de la tercera como intervalo armónico consonante (uniéndose en esta categoría
a quintas y octavas, ya admitidas en la Edad Media) y del progresivo aumento del número
de voces, todas de igual importancia y regidas por las reglas del contrapunto:
independencia de las voces, preparación y resolución de las disonancias, uso de terceras y
sextas paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etc.

En Inglaterra se desarrollo el uso de las consonancias imperfectas (intervalos de tercera)

que le da un aspecto mas propio, podemos mencionar a los siguientes compositores
Leonel Power, Jhon Dunstable el más importante, escribió misas y motetes isorritmicos
(mismo ritmo) y de ritmo libre, también abordó en generos mixtos como la chanson-
motet, su mayor aporte es el estilo Panconsonante (todas las consonancias), ya que
elimina del contrapunto todas las disonancias no preparadas y las fricciones entre las
voces, y trasnforma las sincopas no preparadas y disonantes en suspensiones preparadas.

Los grandes músicos de la escuela BORGOÑONA Dufay y Binchois tomaran por modelo a
Jhon Dunstable.

En esta escuela se establecio las cuatro voces del coro (termino que aparece desde el siglo
XV)que hoy en dia conocemos, discantus, sopranus o superius, la voz que conduce la
melodía contratenor altus o contralto, tenor voz que concuce el cantus firmus y bassus o
bajo la voz mas grave.

Posteriormente surgirán otros músicos como Jacob Obrecht, Josquin des Pres y Johannes
Ockeghem.

Orbrecht destaca en su música un sentimiento tonal y un gusto por la unidad, logra esto
gracias la repetición de un mismo motivo y lo expone en varias voces.

Ockeghem destaca misticismo en sus obras es decir se inspira en la iglesia, sus canciones
profanas y motetes tiene mucha complejidad.
De todos mas destacó des Pres, nombrado como “el padre de la música”, su producción
musical muestra influencia del humanismo, en el sentido de hacer comprensilbel el texto y
lograr la correcta acentuación en las palabras, su escritura era acordal sin ninguna
ornamentación. También gracias a Josquin es que a través de la música refleja el sentido
de las palabras, que se denomino MUSICA RESERVATA.

Josquin fue tan famoso que su musica inspiró a muchos otros compositores de Europa
como Nicolás Gombert, Adrian Wilaert y sus discípulos Cipriano de Rore, que fue pionero
del cromatismo y el estilo monódico (base para la musica barroca) y Andrea Gabrieli y su
sobrino Giovani Gabrieli, considerados genios del renacimiento.