Características generales

El término barroco era usado por la crítica al arte de forma despectiva, no fue hasta la
década del 1940 que el término volvió a ser usado para describir el carácter exuberante de
la música que se pensaba perteneciente al periodo que comprende de finales del siglo XVI
hasta 1750.
El empleo del término barroco para clasificar la música de 1600 a 1750 sugiere que los
historiadores creen que sus atributos se asemejan, en cierto modo, a los de la arquitectura,
pintura y literatura y acaso también con la ciencia y la filosofía de la época.

- ANTECEDENTES GEOGRÁFICOS Y CULTURALES

La música barroca se vio dominada por la cultura italiana, italia era la nación que mayo
influencia musical ofrecía en Europa, fue el primer lugar donde se empezó a abandonar el
feudalismo, favoreciendo a la creación de una clase burguesa más rica, y un polo comercial
fueron cuna de diversos experimentos culturales, ciudades como Florencia y Roma
ofrecían una importante influencia en la música clásica, Venecia fue un centro importante de
la Ópera, la cantata, y la música instrumental. En la mayor parte del siglo XVIII Nápoles y
Bolonia presentaron importantes desarrollos en música instrumental.

- EL SURGIMIENTO DE UN NUEVO LENGUAJE MUSICAL

Los músicos contemporáneos exploraban otros reinos emocionales y ampliaban el lenguaje

con el cual deseaban expresar nuevas necesidade de estos universos, en un principio
intentaron verter en las formas musicales heredadas del renacimiento los poderosos
impulsos que los guiaban a un ámbito más amplio y a una mayor intensidad contenido
emocional.
La música de la primera mitad del siglo XVII era de carácter experimental. Sin embargo,
hacia mediados del siglo XVII ya se habían logrado nuevos recursos de armonía, timbre y
forma, lenguaje común que contaba con un vocabulario, una gramática y una sintaxis
firmes, en el que los compositores podían moverse libremente y expresar adecuadamente
sus ideas.

- LAS DOS PRÁCTICAS

En 1605, Monteverdi distingue entre una prima práctica y una seconda práctica. por la
primera se entendía el estilo de polifonía vocal codificada en los manuscritos de zarlino; Por
la segunda al estilo de los italianos modernos como Rore,Marenzio, y el mismo. en la
primera practica la música dominaba el texto, en la segunda era lo contrario, en el nuevo
estilo las reglas podían modificarse y en particular el uso libre de las disonancias para
adecuar la música en la expresión de los sentimientos del texto. Otras denominaban stile
antico y stile moderno o stylus gravis y stylus luxurians.

- ESCRITURA IDIOMÁTICA

La polifonía tendía a homogeneizar la escritura vocal e instrumental, el desarrollo de la

familias de instrumentos como por ejemplo la del violín que llegó a sustituir a las violas en
italia, los compositores franceses comenzaban a desarrollar un virtuosístico estilo
violinístico, que trascendió el ideal anterior del sonido vocal. los estilos instrumental y vocal
comenzaban a diferenciarse y, finalmente, llegaron a ser tan distintos en la imaginación de
los compositores barrocos, que en estos terminaron por utilizar conscientemente recursos
vocales en la escritura instrumental y viceversa.

- LOS AFECTOS

Un rasgo común a todos los compositores del barroco fue un intento de expresar, o más
bien de representar un amplio espectro de ideas y sentimientos, los compositores
prosiguiendo con ciertas tendencias que ya resultaban evidentes en el madrigal de finales
del siglo XVI. La música de este periodo no se escribía principalmente para expresar los
sentimientos de un artista individual, sino para representar los sentimientos o afectos en un
sentido genérico.

- EL RITMO

En contraste con la uniformidad rítmica y la fluidez rítmica de la polifonía del Renacimiento,

la música del periodo barroco era o muy regular o muy libre. en el siglo XVII cuando la
mayor parte de la musica comenzo a escribirse en compases separados por líneas
divisorias, al principio estos esquemas no eran recurrentes; el empleo de una única
indicación de tiempo, correspondiente a una sucesión regular de esquemas armónicos y de
acentos separados por las barras de compás a intervalos regulares, solo fue común
después de 1650.
Junto al ritmo estrictamente medido, los compositores barrocos también utilizaron otro
irregular, inconstante, flexible para escribir toccatas o preludios instrumentales y recitativos
vocales. se usaban frecuentemente de manera sucesiva para lograr un contraste
deliberado, como en el acostumbrado emparejamiento de recitativo y aria y de toccata o
preludio y fuga.

- EL BAJO CONTINUO

La textura fundamental del Renacimiento consistió en una polifonía de voces

independientes: la del barroco, un sólido bajo y una voz aguda ornamentada, relacionadas
por una armonía discreta. Las ideas nuevas en el Barroco eran el énfasis puesto en el bajo,
el diferenciamiento entre el bajo y el soprano como las dos líneas fundamentales de la
textura y la aparente indiferencia con las voces internas como líneas. El llamado bajo
continuo el compositor escribió la melodía y el bajo desarrollados, esta última parte era
tocada por uno o más instrumentos de continuo, habitualmente reforzado por instrumentos
de apoyo o de sustentador como la viola da gamba baja, el violonchelo o el fagot. el
compositor podía indicar el bajo continuo mediante pequeñas cifras o signos situados por
encima o debajo de las notas del bajo.
La realización del bajo cifrado variaba según la naturaleza de la composición y el gusto y la
habilidad del ejecutante. las voces intermedias necesarias para completar la armonía eran
ejecutadas por una sesión instrumental denominada ripieno.

- EL NUEVO CONTRAPUNTO

Podía parecer que el bajo continuo barroco implicaba el rechazo total del tipo de
contrapunto que se escribía en el siglo XVI. en efecto el contrapunto seguía siendo la base
de la composición. Fue el inicio del contrapunto regido por la armonía, cuya líneas
individuales estaban subordinadas a una sucesión de acordes.

- DISONANCIAS

Con un entorno de sucesión de acordes definido, los compositores reconocieron a la

disonancia como como un intervalo entre dos voces, sino como tonos individuales que no se
adaptan a un acorde, muchas de las disonancias del siglo XVII eran ornamentales y
experimentales, hacia mediados de la centuria se llegaba a aceptar, en líneas generales,
ciertas convenciones que indican cuando y como usar las disonancias.

- CROMATISMO

El cromatismo siguió una evolución similar, desde las excursiones experimentales hasta la
libertad en un esquema ordenado, los compositores sometieron el cromatismo como
hicieron con las disonancias, al total control de la armonía tonal.

- LA TONALIDAD MAYOR Y MENOR

Dentro de este sistema, todas las armonías de una composición se organizan en relación
con una triada sobre la nota fundamental o tónica, apoyadas primordialmente por tridas de
la dominante y subdominante con los acordes secundarios de las mismas y con
modulaciones temporales a otras tonalidades, sin sacrificar la supremacía de la tonalidad
principal.
El sistema mayor-menor evolucionó de la práctica musical, del mismo modo que el empleo
de ciertas fórmulas melódicas características durante la edad media temprana llevó a la
formulación de la teoría de los modos, durante el siglo XVII el empleo de fórmulas
armónicas y sucesiones melódicas características condujo a la teoría de la tonalidad mayor
y menor.