Miac Cat Ofelia Jav 2011 SRGB

ESPÍRITU DE ÉPOCA
UNA DÉCADA DE PINTURA

en la Colección Ofelia Martín-Javier Núñez
ESPÍRITU DE ÉPOCA
SPIRIT OF THE EPOCH

A DECADE OF PAINTING
from the Ofelia Martín-Javier Núñez Art Collection
Cabildo de Lanzarote
Presidente: Pedro Sanginés Gutiérrez
Consejera de Centros de Arte, Cultura y Turismo: Astrid Pérez Batista
Exposición
Coordinación General: Museo Internacional de Arte Contemporáneo, MIAC
Comisario: Paco Barragán
Montaje: Servicios Técnicos Centros de Arte, Cultura y Turismo
MIAC
Directora: María José Alcántara Palop
Conservador: Ricardo Hernández Camacho
Administración: Lorena Gutiérrez Leal
Departamento Educativo: Beatriz Delgado Betancort
Catálogo
Textos: Paco Barragán, Ofelia Martín-Javier Núñez
Fotografía: Juanje Luzardo
Diseño: Juanje Luzardo
Traducción: Dácil Sánchez Rodríguez
Impresión: Producciones Gráficas, S.L.
Depósito Legal: G.C. 1054-2011

I.S.B.N.: 13 978-84-95938-74-9
Copyright de los textos: los autores
Copyright de las obras: los autores
Copyright del catálogo: Museo Internacional de Arte Contemporáneo, MIAC-
Centros de Arte, Cultura y Turismo del Cabildo de Lanzarote
ESPÍRITU DE ÉPOCA
Colección Ofelia Martín-Javier Núñez 7
PRESENTACIÓN
La exposición Espíritu de época. Una década de pintura en la Colección Ofelia Martín-Javier

Núñez, nos propone una doble lectura del arte contemporáneo. Por un lado, desde la
figura del coleccionista, un papel determinante en el mundo de la cultura como creador
de patrimonio, pero también como mecenas de artistas; y de otra parte, una aproximación
al arte de esta primera década del siglo XXI, a través de más de cien obras –instalaciones,
pintura, vídeo– de 50 artistas procedentes de todo el mundo.
El Museo Internacional de Arte Contemporáneo, MIAC-Castillo de San José,
dependiente de los Centros de Arte, Cultura y Turismo, en colaboración con el Centro
de Arte Convento Santo Domingo, del Ayuntamiento de Teguise, nos acerca obras de la
colección adquiridas en los últimos diez años por los lanzaroteños Ofelia Martín y Javier
Núñez, que por primera vez se exponen y muestran al público. Estas obras, que forman
parte de su vida cotidiana ya que están íntimamente ligadas a la relación y complicidad de
sus propietarios, se presentan ahora a la mirada de todos.
La proliferación de ferias, museos y galerías de arte en las dos últimas décadas refleja
el creciente interés por el coleccionismo, aunque también asoma en él una tendencia
más especulativa y comercial. Alrededor de la figura del coleccionista se crean muchas
aproximaciones, interpretaciones y tópicos, en muchos casos justificados y en muchos
otros eliminando el papel esencial que el coleccionista ha cumplido en la historia del arte.
Espíritu de época, comisariada por Paco Barragán, es una muestra del compromiso
que los coleccionistas Ofelia Martín y Javier Núñez han iniciado desde la privacidad y
el anonimato movidos por lo que es hoy su pasión: la pintura. Desde Caleta de Famara,
Madrid o Nueva York, lugares donde se han ido gestando las relaciones y los encuentros
con artistas, coleccionistas o críticos, el arte les ha facilitado conocimiento y una bien
tramada red de experiencias y afectos que es lo que para ellos supone su colección.
Quisiera agradecer a Ofelia Martín y Javier Núñez su colaboración en esta excelente
iniciativa entre el ámbito público y privado, ya que la relación de ambas esferas
contribuye, en términos generales, a ampliar y difundir el arte y la cultura en nuestra
sociedad. x
Astrid Pérez Batista

Consejera de Centros de Arte, Cultura y Turismo del Cabildo de Lanzarote
INTRODUCTION
The exhibition Espíritu de época/Spirit of the Epoch: A decade of painting from the Ofelia
Martín-Javier Núñez Art Collection, presents a double perspective of contemporary art. On
the one hand, from the perspective of the collectors who play an essential role as creators
of heritage, and also as patrons of the artists. On the other hand, as an approach to art
in the first decade of the 21st century, with an exhibit of more than a hundred pieces
-paintings, installations, and videos- from 50 artists from all around the world.
The International Museum of Contemporary Art, MIAC-Castillo de San José, under the
authority of the Art, Culture and Tourism Centres, in collaboration with the Santo Domingo
Art Convent and the Teguise Town Hall, brings us this art collection which local citizens,
Ofelia Martín and Javier Núñez, have been putting together for the last ten years and that
is being exhibited to the public for the very first time. These works, which form part of
their daily life and portray the intimacy of their relationship, are now on view for everyone
to see.
The proliferation of fairs, museums and art galleries in the last two decades reflects the
growing interest in art collecting, although there is a more speculative and commercial
aspect to it. Many opinions and interpretations surround the image of the collector,
sometimes justified and sometimes not and at times completely disregarding the essential
role that collectors play in the history of art.
Espíritu de época/Spirit of the Epoch, curated by Paco Barragán, is a sample of the
commitment that the art collectors, Ofelia Martín and Javier Núñez, have begun in
their own privacy and anonymity because of their passion for painting. From Caleta de
Famara to Madrid and New York, they have met and socialised with artists, collectors and
art critics. Art has provided them with the knowledge, fondness and experience which
informs their collection.
I would like to thank Ofelia Martín and Javier Núñez for their collaboration in this
magnificent initiative combining the public and private sphere, as the discourse between
both contributes to the expansion and diffusion of art and culture in our society. x
Astrid Pérez Batista

Consejera de Centros de Arte, Cultura y Turismo del Cabildo de Lanzarote
Espíritu de época
Paco Barragán
Espíritu de época. Una década de pintura en la Colección Ofelia Martín y Javier Núñez plantea,
como el propio título indica, una revisión de nuestra época y de su pintura al hilo de las
obras pictóricas coleccionadas a lo largo de casi una década por Ofelia Martín y Javier
Núñez, coleccionistas de Lanzarote.
“Espíritu de época” o Zeitgeist -como dirían los alemanes- es el resultado de un
esfuerzo y pasión encomiables mantenidos a lo largo de estos últimos años. En ella se
ven reflejada las preocupaciones de la pintura con el advenimiento de este nuevo siglo
caracterizado por la globalización, Internet, escáners, herramientas como el PhotoShop,
cámaras digitales, o, más recientemente, el Facebook, Twitter y el iPhone.
Como consecuencia de este nuevo contexto, que a mí me gusta llamar
“tecnorreferencial”, encontramos en la colección desde ‘pintura pintura’ (como dirían los
ortodoxos) hasta instalaciones, pinturas en movimiento u obras que, si bien su acabado
bidimensional se asemeja a la ´pintura pintura´, en algun momento del proceso pictórico
interviene un enfoque interdisciplinario y multi-mediático.
Los artistas en ella representados tienen procedencias y edades dispares, desde artistas
jóvenes que apenas han accedido al mercado del arte hasta otros más encaminados o con
carreras ya más consolidadas procedentes del Caribe, pasando por Europa y Centro Europa
hasta China o Australia.
“Lo que llamas el espíritu de los tiempos

es, en el fondo, el espíritu de las gentes
en quienes los tiempos se reflejan”
Estas palabras, que Goethe pone en boca de Fausto en la conversación que mantiene
con su criado Wagner, nos permiten tender puentes entre las tendencias pictóricas aquí
recogidas y determinados caracteres y acontecimientos de nuestra época.
Estructura
La presentación de la colección ha sido concebida en torno a 4 apartados que conjugan
diferentes hilos narrativos (partes 1, 2 y 3) y, en el último caso, una preocupación formal
(parte 4). Ello permite una presentación más ágil y menos previsible al tiempo que facilita
también una reflexión teórica acerca de lo que aún sigue siendo una preocupación en la
pintura: la abstracción.
Recordemos aquí las palabras de Tom Wolfe en La palabra pintada: ´el coleccionista
sólo compra arte abstracto cuando no le queda otra.´ Si bien es cierto que a muchos
coleccionistas les sigue atrayendo más un tipo de pintura realista o figurativa, y que este
12 Espíritu de época / Spirit of the Epoch
tipo de pintura es la que tiene más salida en el mercado, aquí, sin embargo, encontramos
una amplia representación de arte abstracto.
Para terminar, esta estructura es lógicamente abierta dado que algunos de los pintores
contenidos en un determinado apartado bien podrían ser incluidos en otro por cuanto no
dejan de compartir otros aspectos de carácter formal o conceptual.
Parte #1 Po(p)lítica y vida cotidiana: lo extraordinario de lo ordinario

Chus García-Fraile, Carlos Aires, Peter Atkins, Pablo Alonso, Sophia Schama, Julien Michel,
Pedro Barbeito, Saso Stanojkovik y Miguel Aguirre.
Parte #2 Ella lo domina todo: la redefinición de la mujer

Wang Zhijie, Edith Dakovic, Zoé Byland, Myritza Castillo, Kerstin Drechsel, Santiago
Ydáñez, Mariana Vassileva, Matthias Köster, Natacha Marques y Julien Michel.
Parte #3 Cosa de hombres (o casi): la venganza del kitsch

Luo Brothers, Melvin Martínez, Alonso Mateo, Ramón Martins, Manfred Peckl, Edgardo
Larregui, Clemencia Labin y Dani Marti.
Parte #4 Duros, románticos y atmosféricos: el ‘problema’ abstracto

Changha Hwang, Jaime Gili, Nico Munuera, Vargas Suárez-Universal, Laura González
Cabrera, Alvaro González, Oliver Johnson, Krisdy Shindler y Fabián Marcaccio.
Para algunos pintar hoy día puede ser un acto provocador, y especialmente después de la
tantas veces anunciada muerte de la pintura. ¿Qué papel puede desempeñar la pintura en
un momento como el actual? ¿Cuál es su relación con otros medios como la fotografía, la
instalación y el video en esta sociedad hiper-mediática?
La Colección Ofelia Martín y Javier Núñez nos brinda interesantes respuestas que nos
ayudan a entender por dónde camina la pintura al tiempo que da fe de la enorme vitalidad
de este medio de expresión en este principio de siglo. x
Spirit of the Epoch
Paco Barragán
Spirit of the Epoch. A decade of painting from the Ofelia Martín-Javier Núñez Art Collection, as
stated in the title, is an overview of our time and its painting through the works collected,
for almost a decade, by the collectors Ofelia Martín and Javier Núñez from Lanzarote.
“Spirit of the Epoch” or Zeitgeist –in German–is the result of an ongoing effort and
passion throughout the past few years. The exhibition reflects the painting’s concern with
the advent of a new century characterized by globalization, the Internet, scanners and
tools such as PhotoShop, digital cameras and the I-Phone, and more recently by social
networking sites like Facebook and Twitter.
As a consequence of this new context, which I like to refer to as “techno-referential”,
the collection includes pieces which range from ‘painting painting’ (as purists would call
it) to installations, moving paintings and pieces whose bi-dimensional look may resemble
that of ´painting painting´, but in which at some point during the painting process an
interdisciplinary and multimedia approach comes into play.
The artists in this collection represent diverse backgrounds and varied ages, from
young artists who have barely had access to the art market, to others who are gaining
recognition from the Caribbean, Western and Central Europe, China and Australia.
“And what the spirit of the times men call,

is merely their own spirit after all”
These words, spoken by Goethe’s Fausto in the conversation he holds with his servant
Wagner, allow us to build bridges between the pictorial tendencies herein, and specific
characters and events of our time.
Structure
The collection has been conceived in 4 sections which use different narrative threads
(parts 1, 2 and 3) and a formal concern (part 4). This layout allows for a more flexible and
less predictable presentation at the same time as it facilitates a theoretical reflection on an
ongoing concern in painting: abstraction.
In the words of Tom Wolfe in The Painted Word: ´collectors only purchase abstract
art when they do not have any other choice.´ It is also true that many collectors are still
attracted to a more realistic and figurative style of painting which is more marketable,
however, herein we find a broad representation of abstract art.
In conclusion, this structure is logically open, so that an artist included in a specific part
could also be included in a different one therefore, they share other formal and conceptual
aspects.
Part #1 Po(p)litics and daily life: the extraordinary within the ordinary
Chus García-Fraile, Carlos Aires, Peter Atkins, Pablo Alonso, Sophia Schama, Julien Michel,
Pedro Barbeito, Saso Stanojkovik and Miguel Aguirre.
Part #2 She dominates all: The redefinition of the female

Wang Zhijie, Edith Dakovic, Zoé Byland, Myritza Castillo, Kerstin Drechsel, Santiago
Ydáñez, Mariana Vassileva, Matthias Köster, Natacha Marques and Julien Michel.
Part #3 It’s a man thing (or almost): the revenge of kitsch

Luo Brothers, Melvin Martínez, Alonso Mateo, Ramón Martins, Manfred Peckl, Edgardo
Larregui, Clemencia Labin and Dani Marti.
Part #4 Hard-edgers, Romantics and Atmospherics: the abstract ‘problem’

Changha Hwang, Jaime Gili, Nico Munuera, Vargas Suárez-Universal, Laura González
Cabrera, Álvaro González, Oliver Johnson, Krisdy Shindler and Fabián Marcaccio.
For some, painting nowadays may seem provocative, especially since its death has been
announced on various occasions. What role does painting have nowadays? In our hyper
media-driven society what relationship does it hold with other media such as photography,
installation and video?
The Ofelia Martín and Javier Núñez Collection offers us interesting answers which will
help us understand what direction painting is taking at the same time as it depicts the
enormous vitality of this means of expression at the early stages of the century. x
ENTREVISTA
Ofelia Martín Fernández y Jesús Javier Núñez González
“Creemos que la pintura de hoy ha de ser el

fiel reflejo de nuestra sociedad, al igual que
Rembrandt, Rubens o Picasso lo fueron de la suya”
Residentes en Lanzarote, Ofelia Martín Fernández y Jesús Javier Núñez González se

iniciaron en el coleccionismo de arte allá por el año 1987. Desde entonces, Ofelia y Javier,
ella maestra y él economista y auditor, han vivido esta pasión con inusitada intensidad.
Fruto de ello es la exposición “Espíritu de época” que se presenta ahora en el MIAC
(Museo Internacional de Arte Contemporáneo) y en el Centro de Arte Convento de Santo
Domingo, ambos en Lanzarote. Al hilo de un centenar de pinturas, instalaciones y vídeos
coleccionados a lo largo de los últimos 10 años, revivimos una experiencia personal que
recoge fielmente este espíritu de época de la pintura contemporánea internacional más
reciente.
Conversamos con Ofelia y Javier para conocer los inicios, las motivaciones y el futuro
de la colección.
Paco Barragán –Empecemos por el principio. ¿Cuáles han sido las motivaciones que os
han animado a iniciaros en el coleccionismo de arte?
Ofelia Martín y Javier Núñez –No hubo ningún motivo especial, simplemente el gusto
por la belleza. Empezamos casi por casualidad en una exposición en El Almacén, Galería El
Aljibe, en el año 1987; allí adquirimos nuestra primera pieza, una obra del pintor lanzaroteño
Juan Gopar. De ahí en adelante todo se desencadenó y ya nunca dejamos de comprar arte.
P.B. –¿Hay también algo de filantropía en ello tal vez?

O.M. J.N.– Puede que sí, aunque nunca nos lo hemos planteado de forma consciente ya
que además no tendríamos capacidad económica para ello. Es un hecho incontestable
que por la propia idiosincrasia de la profesión, el artista casi siempre necesita ayuda;
eso ya fue así desde los Medici hasta el apoyo papal o cortesano que sustentó la vida de
pintores como Tintoretto, Rubens o Goya, desembocando en formas más contemporáneas
de mecenazgo como sería el caso de Francesca de Habsburgo, la hija del baron Thyssen-
Bornemisza, y su apoyo activo a la producción de instalaciones de artistas como Ai Wei
Wei o Los Carpinteros.
Por otro lado, quizá ese deseo de ayudar sea un rasgo de nuestra personalidad, ya que
desde hace mucho tiempo, por ejemplo, somos socios de Cruz Roja Internacional y de la
organización ecologista Greenpeace.
P.B. –Desde entonces habéis viajado y conocido a otros coleccionistas y a muchos actores
del mundo del arte. ¿Qué es lo que en vuestra opinión ha cambiado y qué es lo que os
sigue atrayendo?
O.M. J.N. –El coleccionismo nos ha llevado a que, incluso, muchas veces nuestras
vacaciones se organizaran en función de esta afición viajando a ferias de arte o visitando
galerías, y ello nos ha permitido conocer y hacer amigos entre coleccionistas, galeristas,
artistas, curadores, etc.
Pensamos que lo que más ha cambiado es la facilidad de acceso a la información
gracias a las nuevas tecnologías, lo que te proporciona inmediatez en el acceso a las obras
y en la toma de decisiones.
Pero sin duda lo mejor de todo de este mundo son los artistas, y lo que más nos sigue
atrayendo es la emoción del descubrimiento y esa primera vez que uno ve su obra, que te
produce ese particular cosquilleo en el estómago.
P.B. –El mundo se ha globalizado y en ningún otro campo se nota tanto como en el arte. A
diferencia de muchas colecciones de pintura en España, que hasta hace muy poco estaban
centradas en pintura española con alguna incorporación de algún pintor establecido
internacional, vuestra colección ha sido desde el principio muy internacional y muy joven.
¿Por qué?
O.M. J.N.–Nuestra formación es abierta, nada excluyente. Somos universalistas

convencidos y eso se refleja en ese carácter internacional de nuestra colección donde
se incluyen artistas procedentes de diferentes partes del mundo, desde nuestra isla de
Lanzarote a Macedonia y Corea, China, Estados Unidos o Brasil. En cuanto a su carácter
joven, ello se debe a que pensamos que es mucho más emocionante y divertido descubrir
y adquirir artistas emergentes y, desde luego, muchísimo más barato.
Para adquirir arte establecido o consolidado basta con tener el suficiente dinero,
dado que se trata también de una opción más conservadora y menos arriesgada, que es
perfectamente entendible en personas que ven en el arte una fuente de inversión más
que un disfrute o una filosofía de vida. Por otro lado, nos parece magnífico, porque toda
inversión en arte es poca, pero es un punto de partida diferente y, pensamos, igual de
respetable.
P.B. –Otro aspecto que llama la atención es que de casi todos los artistas habéis comprado
varias obras, lo cual no suele ser habitual en la mayoría de las colecciones privadas.
O.M J.N.–Una sola obra de cada artista es como un solo cromo, como una sola imagen de
una película; con dos al menos se constituye una pequeña secuencia a través de la cual es
más fácil apreciar sus características y discurso.
No obstante, en instalaciones o vídeos de algunos de nuestros artistas, como Jaime
Gili, Myritza Castillo, Mariana Vassileva, Krisdy Shindler o Saso Stanojkovik, solo tenemos
una obra ya que, al partir siempre de un enfoque pictórico, encajaban en nuestro proyecto
de colección y no consideramos necesario poseer varias obras de cada uno por cuanto
sentíamos que esa instalación o ese vídeo tenía suficiente entidad por sí solo.
POLÍTICA, KITSCH Y ABSTRACCIÓN
P.B. –¿Cuál podríamos decir que es el hilo rojo de vuestra colección?

O.M. J.N.–Históricamente la pintura se ha ido renovando en cuanto a técnica, materiales
y conceptos. Hoy por hoy en la práctica pictórica intervienen desde soportes o formatos
nada tradicionales hasta avanzados medios tecnológicos. Desde este punto de vista está
muy vigente lo que ha dado en llamarse “pintura expandida”, concepto cada vez más
utilizado y generalmente aceptado por los críticos. Nosotros, en esta línea contemporánea
o actual, que no deja de ser un simple reflejo de la sociedad en la que vivimos,
incorporamos a nuestro proyecto de colección formatos tri-dimensionales y obras en cuya
gestación en algún momento se manifiesta un diálogo “mass-mediático” o tecnológico,
como es el caso de Pedro Barbeito , Oliver Johnson o Vargas Suárez-Universal, además de
instalaciones o vídeos de artistas tales como Chus García-Fraile o Fabián Marcaccio.
Creemos que un artista ha de ser el reflejo de su sociedad, como Rembrandt, Rubens,
Velázquez, Goya o Picasso lo fueron de la suya. Y, entonces, no tener en cuenta en la
práctica pictórica actual este contexto de nuevas tecnologías, medios de comunicación y
globalización sería como negar lo obvio. Y sinceramente creemos que nuestra colección
recoge estas preocupaciones.
P.B. –En la colección hay varias líneas argumentativas. Entre ellas hay algunas obras con
una factura política.
O.M J.N. –La política influye en nuestras vidas y todos estamos, aunque no lo creamos,
politizados, y nosotros también. En este sentido, hemos adquirido obras con un cierto
discurso político y social, obras que de alguna manera reflejan nuestra posición ante la vida.
Así, Julien Michel nos recuerda nítidamente las influencias negativas y riesgos elevados
que conllevan las especulaciones en los mercados financieros; Chus García-Fraile analiza
en su atractivo discurso las falacias y los estragos del consumismo; Miguel Aguirre incide
en las relaciones políticas, el deporte en la iconografía mundial, el papel secundario
de la mujer o la influencia de la autoridad religiosa en las sociedades, y siempre con la
corrupción como telón de fondo; Carlos Aires y su radiografía española desde la Guerra
Civil a la actual inmigración, o las referencias de Pedro Barbeito a través del cómic a
determinados aspectos de la sociedad actual de los EE.UU.
P.B. –También encontramos un cierto gusto por una estética popular de colores llamativos,
como sería el caso con las obras de los Luo Brothers, Edgardo Larregui, Melvin Martínez o
Manfred Peckl que preconizan un nueva contextualización del “kitsch”.
O.M. J.N. –Los colores muy llamativos y ciertos elementos “kitsch” siempre han estado
presentes en la estética que conforma la cultura popular, pero también en el arte
contemporáneo, desde Warhol y Rosenquist hasta Koons, Murakami o Damien Hirst.
Siempre hemos pensado que nuestra colección debería estar cercana a este tipo de obras
e integrarlas en ella.
Tal vez el hecho de vivir en una isla como Lanzarote de colores y contrastes muy vivos,
con mucha luz, contribuya a nuestro gusto por este tipo de propuestas. Así, en la obra de
los chinos Luo Brothers, en pintura a la laca, se aprecia toda la tradición de la cartelería
china a través de esas imágenes “feas” de animales que recuerdan a almanaques de finales
del siglo XIX, pero que reflejan de manera extraordinaria ese tránsito de la China de Mao
hacia el capitalismo. Por su parte, los puertorriqueños Edgardo Larregui y Melvin Martínez
reúnen una serie de colores y elementos, lentejuelas, flores de plástico, purpurina, etc.,
que por sí mismos resultarían un poco “horteras” en otro contexto, pero que al juntarlos
consiguen un resultado muy atractivo y que en ellos tienen todo su sentido: es el reflejo
de esa herencia y creatividad caribeñas. Y también el austriaco Manfred Peckl, con
tiritas de mapas mundi recortadas y pegadas, tipo collage, consigue un efecto pictórico
interesantísimo que recontextualiza esa vertiente kitsch de una manera novedosa.
Sabemos que los críticos y los curadores le tienen mucho miedo al kitsch, pero el kitsch
ya hace tiempo que se incorporó, o mejor dicho, que los artistas lo incorporaron a sus
propuestas artísticas.
P.B. –Otro eje sería la perspectiva femenina o la posición de la mujer en el mundo.

O.M. J.N. –Aunque a lo largo de la historia ha habido magníficas mujeres pintoras, este
mundo del arte, como otros, ha estado y aún sigue estando dominado por hombres, pues
la mujer ha sido discriminada, aunque cada día menos.
Desde este punto de vista, nos parecía interesante que la colección tuviese una
presencia significativa de mujeres, en cuanto a artistas y a obras. No se trata de establecer
cuotas, que tal vez aún sean necesarias en muchos campos, pero el hecho es que hay
muchas más mujeres artistas que antes y nosotros nos hemos guiado por aquello que nos
interesaba, o sea, la calidad y no el género.
Además, la aportación del punto de vista femenino al arte contemporáneo nos parece
sumamente interesante por cuanto facilita una visión mucho más compleja de la sociedad
que cuando sólo disponemos de una visión predominantemente masculina. Y esto aporta
una perspectiva necesaria, diferente y fresca, como podemos observar a través de las
obras de Zoé Byland, Clemencia Labin, Natacha Marques o Kerstin Drechsel.
P.B. –Y, finalmente, encontramos una gran presencia de pintura abstracta. Esto no deja de
ser muy llamativo porque por lo general el coleccionista privado no suele coleccionar con
tanta intensidad pintura abstracta y se siente más a gusto en el mundo de la figuración. En
vuestra colección hay diversidad y profundidad.
O.M. J.N. –Es cierto que dentro del coleccionismo clásico la pintura figurativa siempre ha
tenido un papel protagonista. Todos recordamos expresiones como “la pintura abstracta
no es pintura” o, en referencia a las composiciones de Mondrián, “eso lo sabe hacer mi
hijo”.
Por supuesto que a nosotros nos gusta la pintura abstracta porque también supone un
mayor reto, y como espectador te permite más libertad y también cierta posibilidad de
“escape” que va más allá de una bonita composición o trazo, como sería el caso, con todos
nuestros respetos, de un Eric Fischl, una Elizabeth Peyton o un John Currin.
Además, hay que tener en cuenta que hoy día con los escáners, las cámaras digitales,
Facebook y Twitter, el Photoshop… se abren unas posibilidades enormes que posibilitan
unas incursiones fantásticas en el campo de la abstracción que toman como punto de
partida “el píxel”. En este sentido, y a modo de ejemplo, sólo basta fijarse en la obra de
artistas como Vargas Suárez-Universal, Barbeito, Changha Hwang, Marcaccio o Krisdy
Shindler.
SENTIMIENTOS (ENCONTRADOS)
P.B. –Todo coleccionista –como decía Peggy Guggenheim– ha dejado escapar obras en
algún momento de su vida. Mi pregunta no es tanto qué artistas u obras habéis dejado
escapar, sino ¿con qué obras de vuestra colección tenéis una relación sentimental o de
alguna manera especial?
O.M J.N. –En efecto, siempre hay alguna obra que por una razón u otra se deja escapar.
Esa obra jamás se borrará de tu mente. Y sí, siempre se tiene una relación muy intensa
y especial con algunas obras. En nuestro caso esto sucede de modo muy particular
con un vídeo de Mariana Vassileva, The Milkmaid (La Lechera), basado en la misma
pintura barroca del holandés Jan Vermeer, y que incorpora música electrónica y cantos
gregorianos. Desde las peripecias para adquirirla hasta hoy todo fue un proceso largo y
apasionado, aunque en algún momento estresante. Pero ahora nos sentimos totalmente
felices de haber conseguido esta obra tan magnífica, que consideramos icónica dentro de
nuestra colección por cuanto ejemplifica de manera muy atractiva esa particular relación
que el artista contemporáneo mantiene con la propia Historia del Arte al tiempo que se
sirve de los medios a su alcance. Esta reinterpretación de Mariana de la obra de Vermeer
nos parece sencillamente sublime.
P.B. –Y también me gustaría haceros la siguiente pregunta: ¿qué obras que forman parte
de vuestra colección os resultaron más complejas para adquirir y convivir?
O.M. J.N. –La más difícil de todas fue una serie de la artista canadiense residente en
Alemania Edith Dakovic. Se trata de de obras sobre piel de cerdo infladas, en formato de
cuadro, con tatuajes pintados y lunares y pelos como los de la piel humana. Abordan un
apasionante discurso sobre la emigración, el dolor, la ausencia, la muerte…
En fin… que estuvimos casi tres años contemplándolas hasta que acabaron entrándonos
por el ojo. Hoy les tenemos un cariño muy especial, el mismo que a Edith que ha
terminado siendo nuestra amiga.
También nos resultó complejo comprar una instalación de Jaime Gili, artista venezolano
residente en Londres y con fuertes vínculos con Barcelona. Esta pieza ocupa una
habitación completa e incluye dos cuadros de tres por dos metros. Y hoy día nos llena de
satisfacción, y también el hecho de que a Jaime le vaya tan bien.
P.B. –El mundo del arte concita a muchas personas por motivos muy diversos, desde
prestigio social hasta inversión o simple y llanamente especulación: Pinault, Arnault,
Saatchi, los Rubell… ¿Cuál ha sido vuestra experiencia en este sentido?
O.M. J.N. –Todos los nombres que citas, utilizando un símil futbolístico, son de la primera
división del coleccionismo y por supuesto nosotros no ‘jugamos” en esa liga.
La mayoría de coleccionistas que hemos conocido no venden sus obras, no
especulan con ellas. Desde luego que con el tiempo normalmente se produce una cierta
revalorización de la obra de arte, lo que no es muy diferente a lo que ocurre con una casa
o un apartamento de playa, pero queremos pensar que nadie se inicia en el mundo del
coleccionismo por motivos especulativos o de prestigio social. Y si el prestigio social fuera
una de las motivaciones, nos parece estupendo.
En todo caso, en muchas ocasiones serían consecuencias no buscadas, como las
que puedan existir con motivo del desarrollo de otro tipo de actividades profesionales
o deportivas. Un buen cirujano o un gran tenista, por ejemplo, disfrutan del prestigio
derivado del ejercicio de su profesión, y a nadie le extraña eso.
P.B. –Después de un coleccionismo tan intenso, el espacio se vuelve un asunto importante

por no decir trascendental. ¿En qué sentido afecta o ha afectado la adquisición de compra
de obras?
O.M. J.N. –Pues sí, sobre todo en los inicios de la colección el espacio era un asunto
importante. Inevitablemente, cuando nos planteábamos alguna adquisición siempre
surgía la pregunta: ¿…y dónde lo colgamos? Incluso nos costó alguna que otra pequeña
discusión.
A partir de un determinado momento eso quedó superado y ya forman parte de
nuestra colección piezas de gran formato, muchas de ellas sin colgar, pero las disfrutamos
de todos modos.
De hecho, cuando dejó de preocuparnos el problema del espacio es cuando creemos
que empezamos a sentirnos auténticos coleccionistas, siempre dentro de nuestras
posibilidades.
P.B. –Tenéis ya un número importante de obras, como refleja “Espíritu de época”. ¿Cuál
es el futuro de vuestra colección? ¿Abrir un espacio propio tal vez como suelen hacer los
coleccionistas americanos como los De la Cruz, Margoulis o los Rubell?
O.M. J.N. –Realmente no nos hemos planteado esa cuestión con detenimiento. No
obstante, lo que sí tenemos claro es que nos gustaría compartirla, y en ese sentido no
descartamos que en el futuro la colección esté expuesta en un espacio de Lanzarote, bien
público o privado. Esto último nos permitiría también establecer convenios de residencia
con artistas que nos interesaran ayudándoles en la producción y facilitándoles un espacio
expositivo, y luego adquirir obras para la colección.
Otra ventaja de disponer de un espacio sería hacer intercambios con otros
coleccionistas privados y exponer nuestras obras en sus espacios y las de ellos en el
nuestro. Es un poco la misma idea que preside por ejemplo la exposición “Investigations
of a Dog. Works from the FACE Collections”, que ahora se puede ver en La Maison Rouge
parisina, y en la que se muestran obras de la Fondation Antoine de Galbert, la Fondazione
Sandretto Re Rebaudengo, Magasin 3, DESTE y Ellipse Foundation.
Es ahí, en este tipo de iniciativas, aunque a un nivel más discreto para nosotros, donde
pueden surgir sinergias de colaboración interesantes entre coleccionistas privados sin
tener que depender del Estado.
P.B. –Coleccionar arte es una forma de vida y una forma de compartir. ¿Cómo lo definiríais
vosotros?
O.M. J.N. –Son ambas cosas. Por supuesto que un modo de vida, que además tiene un
determinado estilo y códigos, puesto que llega un momento en que la colección, las
gestiones que conlleva y las relaciones con personas del mundo del arte absorben gran
parte del tiempo que uno deja de dedicar a su actividad profesional: viajas, compartes
intereses, opiniones, muestras tus obras, ves las de otros…
Dicho esto, tampoco cabe duda de que cuando de verdad compartes tu colección
es cuando la exhibes públicamente, es casi como desnudarte espiritualmente, mostrar
tu alma. Alguien dijo aquello de que hacer arte es “hacerlo público”, y en este sentido,
mostrarlo sólo sería una parte más de ese proceso.
P.B. –Vuestro caso es bastante inusual en Lanzarote. ¿Qué recomendaríais a otras

personas que se quieran iniciar en el coleccionismo?
O.M. J.N. –Coleccionar arte contemporáneo es una pasión y un gran placer, y ello supone
un gran esfuerzo y dedicación, aunque como todas las cosas del corazón, más que de la
razón, se hacen casi sin darse cuenta. Por ello, todo el que quiera coleccionar debe vivirlo
con gran intensidad y, nos atreveríamos a sugerir que, sobre todo, compre siempre lo que
le guste, al margen de cualquier otra opinión.
P.B. –Muchas gracias. x
INTERVIEW
Ofelia Martín Fernández and Jesús Javier Núñez González
“In our opinion, contemporary painting should

be an accurate reflection of our society, as it was
the work of Rembrandt, Rubens and Picasso”
Residents of Lanzarote, Ofelia Martín Fernández and Jesús Javier Núñez González started
collecting art around 1987. Ever since then, Ofelia, a teacher, and Javier, an auditor and
economist, have lived their passion with exceptional intensity.
The result of this is the exhibition “Espíritu de época/Spirit of the Epoch” now showing
in MIAC (International Museum of Contemporary Art) and in the Santo Domingo Convent
Art Centre, both in Lanzarote. On exhibition there are about 100 paintings, installations
and videos which have been collected over the past 10 years. One can relive this
personal experience which faithfully represents the spirit of the epoch of the most recent
international contemporary painting.
We spoke to Ofelia and Javier in order to find out more about their beginnings,
motivations and the future prospects of their collection.
Paco Barragán.- Let’s start from the beginning, What motivated you to start collecting art?
Ofelia Martín and Javier Núñez.- No particular reason, just our devotion to beauty. We
started almost by chance at an exhibition in the El Aljibe Gallery in El Almacén, in 1987.
That was when we purchased our first piece by the painter Juan Gopar, from Lanzarote.
This experience triggered our interest and we kept on buying art.
P.B. –Is there also an element of philanthropy perhaps?

O.M. and J.N.- There might be, although we have never looked at it that way and we
would not be able to afford to do so either.
It is obvious that due to the nature of the profession, artists often need the help of
others. Painters such as Tintoretto, Rubens and Goya received papal and courtier support
as well as sponsorship from patrons of the arts such as the Medici family. There are
also contemporary examples of this type of sponsorship as in the case of Francesca von
Habsburg, daughter of Baron Thyssen-Bornemisza, an active supporter in the production
of the work of artists such as Ai Wei Wei and Los Carpinteros.
On the other hand, perhaps the will to help is part of our character, since we have
been members of the International Red Cross for quite some time and also the ecological
organisation, Greenpeace.
P.B.– Since then you have had the opportunity to travel and meet other art collectors
as well as artists themselves. In your opinion, what has changed and what continues to
appeal to you?
O.M. and J.N.-Being involved in art collecting, we often organise our holidays to suit our
interest. We visit art fairs and galleries and this has helped us to make friends with art
collectors, artists, curators, gallery owners and directors, among others. What has changed
most is easy access to information thanks to new technologies, providing quick access to
art and quick decision-making. But without a doubt, artists themselves are the best part
of it all. What keeps on appealing to us is the excitement of that very first time you see a
piece of art, and you get butterflies in your stomach.
P.B.– Globalisation has had a big effect on the art world. Your collection has proven to be
quite international and young from the very beginning, in contrast with other collections
in Spain which up until very recently have focused only on Spanish art including only here
and there a piece by some well-established international artist. How come?
O.M. and J.N.- We have open non-exclusive minds when it comes to art. We are
universalists and this is portrayed in the international input of our collection in which we
include artists from all around the world, from our own Lanzarote to Macedonia, Korea,
China, the United States and Brazil.
Regarding its young feel, we find that discovering and purchasing art from emerging
artists is much more thrilling and exciting as well as more affordable.
Purchasing art from well-established artists requires a higher budget. It is also a more
conservative and less risky option, which is perfectly understandable for people who view
art more as an investment than a philosophy of life. We are delighted that people invest
in art as much as they can, and although it is a different point of view to ours, it is equally
worthy of respect.
P.B.– Something else that stands out, is that you seem to have purchased several pieces
by the same artists which is quite unusual in most private collections.
O.M. and J.N.- Having one and only one piece by an artist, is like having just one shot of
a movie. It takes at least two to create sequences through which we can appreciate the
characteristics and idea portrayed.
However, we have only one work or video by some of our artists, such as Jaime Gili,
Myritza Castillo, Mariana Vassileva, Krisdy Shindler and Saso Stanojkovik, as we felt that
due to the nature of those pieces, they fitted nicely into our collection without the need to
include any others.
POLITICS, KITSCH AND ABSTRACTION
P.B.– What would you say is the main thread going through your collection?
O.M. and J.N.- Historically, painting has developed techniques, materials and ideas.
Nowadays, unconventional and high-tech techniques are used. From that point of view,
the very current term “expanded painting” is used more and more every time and is
generally accepted by critics. In this contemporary or current context, which is a reflection

of the society in which we live, we include in our collection three-dimensional formats
and pieces which portray a “mass-media” or a technological idea, as in the work of Pedro
Barbeito, Oliver Johnson and Vargas Suárez-Universal, as well as the work or videos by
artists like Chus García-Fraile and Fabián Marcaccio.
In our opinion, artists should portray a reflection of the society they live in like
Rembrandt, Rubens, Velázquez, Goya or Picasso did. Therefore, to exclude the context of
new technologies, the media and globalisation in art would be to deny the obvious. We
feel that our collection shows these concerns.
P.B.– There are several themes represented in your collection. Some of them include a
political agenda.
O.M. and J.N.- Politics has an influence in our lives and everyone, even if we don’t think
so, is politicized, including ourselves. Because of this, we have purchased pieces which
represent a certain political and social agenda, and reflect our standpoint. Julien Michel
clearly reminds us of the negative influence and high risks of speculating in financial
markets; Chus García-Fraile’s attractive discourse reminds us of the fallacies and damage
caused by consumerism; Miguel Aguirre places the spotlight on political relationships,
the worldwide iconography of sports, the secondary role of women and the influence
of religion in society, always portraying corruption in the background; Carlos Aires and
his Spanish interpretation of the Civil War to the current immigration situation, and the
references made by Pedro Barbeito using comic illustrations to portray certain aspects of
the current society in the United States.
P.B.- There also seems to be a tendency towards a bright and colourful popular aesthetic,
like in the case of the Luo Brothers, Edgardo Larregui, Melvin Martínez or Manfred Peckl
who praise a new contextualisation of “kitsch”.
O.M. and J.N.- Bright colours and certain “kitsch” elements have always been part of
the aesthetic which shapes popular culture, as well as contemporary art from Warhol
and Rosenquist to Koons, Murakami and Damien Hirst. We have always believed that our
collection should be close to this kind of art and that’s why we have included it. Perhaps
living on an island like Lanzarote, which is full of colours and contrasts, has an influence
on our preferences for these kinds of choices. In the work of the Chinese Luo Brothers,
using lacquer painting, one can appreciate the traditional Chinese posters through “ugly”
images of animals which remind us of calendars from the end of the 19th Century, but also
extraordinarily reflect the transition from Mao’s China to capitalism.
The Puerto Ricans Edgardo Larregui and Melvin Martínez gather a series of colours
and elements, using sequins, plastic flowers and glitter, which by themselves could appear
slightly “tacky” in a different context, but that put together result in a very attractive
portrayal which reflects the creativity of their Caribbean heritage. Also, the Austrian
Manfred Peckl using strips of an atlas cut out and pasted collage-style, reintroduces kitsch
style in a more innovative way, giving his piece an interesting picturesque effect. We know
that critics and curators are afraid of kitsch, but kitsch has long been included by artists in
their work.
P.B.- The female perspective and position of women in the world, is another theme.
O.M. and J.N.- Although throughout history there have been many wonderful female
painters, the world of art, like many others, has been and continues to be dominated by
men. Women have always been discriminated against. However, this is changing as time
goes by. In this way, we thought it would be interesting to include a significant female
presence to our collection, including the artists and their work. It is not about establishing
a quota which perhaps may be necessary in other fields, but to acknowledge the fact
that there are many more female artists than there used to be and that we have been
guided by what appealed to us, which is quality, not gender. Besides, we find the female
input in contemporary art extremely interesting as it provides a much more complex
view of society, as opposed to just having one predominant male perspective. This gives
a necessary, fresh and different approach as we can appreciate through the work of Zoé
Byland, Clemencia Labin, Natacha Marques and Kerstin Drechsel.
P.B.– Lastly, there is a significant presence of abstraction in your collection. This is notable
because private collectors generally don’t tend to focus on abstraction and feel more
comfortable in the world of figurative art. Your collection is both diverse and deep.
O.M. and J.N.- It is true that in classic collections, figurative painting has always been the
main trend. We all remember expressions such as “abstract paintings are not paintings” or,
regarding Mondrian’s work, “my child could do that”.
Of course we like abstraction because it’s challenging, and it gives the viewer more
freedom and the possibility to “escape” further from a mere straight forward composition.
With all due respect to Eric Fischl, and also Elizabeth Peyton or John Currin. Furthermore,
we must take into account that nowadays scanners, digital cameras, Facebook, Twitter and
Photoshop, open up a huge number of possibilities of working with abstract art, taking
“pixels” as a starting point. It just takes one look at the work of artists such as Vargas
Suárez-Universal, Barbeito, Changha Hwang, Marcaccio or Krisdy Shindler to appreciate
this.
MIXED FEELINGS
P.B. – Every collector -Peggy Guggenheim said- has let pieces of art slip through their
fingers at some point in time. I would like to know, not so much which artists or pieces
have slipped through your fingers, but which of your pieces you feel you have a soft spot
for?
O.M. and J.N.- Indeed, there is always some piece that you have let go for one reason
or another, and you will never forget it. And yes, one always has a soft spot for some
of their pieces. We particularly feel that way about a video by Mariana Vassileva, The
Milkmaid, based on the Baroque painting by Dutch artist Jan Vermeer, which combines
electronic music and Gregorian chant. Although it was a long and passionate process
from the moment we purchased it until today, it was at times quite stressful. We are now
delighted to have purchased such a magnificent piece of art which we consider iconic
to our collection. It portrays, in a very attractive manner, the unique relationship that
contemporary artists have with the History of Art in conjunction with the use of resources
available to them. In our opinion, Mariana’s interpretation of Vermeer’s work is simply
sublime.
P.B.– I would also like to ask you the following question: Which of the pieces of your
collection did you find hardest to purchase and live with?
O.M. and J.N.- The most difficult of them all was a series by the Canadian artist, Edith
Dakovic, who lives in Germany. It consists of a series of bloated pieces of pig skin, with
tattoos, beauty spots and hair which represent human skin and passionately deal with
issues of emigration, pain, absence, and death. We had been looking at the pieces for
almost three years until they managed to fully catch our eye. We now have a fondness for
this work and for Edith herself, who has ended up becoming our friend.
We also had difficulty in purchasing a piece by Jaime Gili, a Venezuelan artist who lives
in London and has a strong attachment to Barcelona. His piece takes up a whole room and
includes two three-by-two metre paintings. Today, this piece and Jaime’s success give us
great satisfaction.
P.B.– The world of art appeals to different people for totally different reasons, from social
prestige or investment to simple speculation, like in the case of Pinault, Arnault, Saatchi or
the Rubells. What’s your view on this matter?
O.M. and J.N.- To use a football metaphor, everyone you have just mentioned is in the
first division of collectors, and we do not even “play” in that league. Most art collectors we
have met don’t sell their art, they don’t speculate. Of course, in time, there is an increase
in the value of art, which is more or less what happens to houses and holiday homes, but
we would like to think that no one gets started in collecting to speculate or gain social
prestige. If social prestige turns out to be one of the motives that some people have then,
good for them. Regardless, one is often not looking to get into this, you just end up doing
so. The same thing happens to people in certain professional paths or sports. For instance,
a good surgeon or a great tennis player enjoys social prestige as a result of their career,
and no one thinks anything of it.
P.B.– After collecting so intensely, space becomes significant or even transcendent. How
do you factor that in when purchasing new art?
O.M. and J.N.- Indeed, especially at the beginning of our collection space was a significant
issue. Unavoidably, when we were thinking about new purchases the question “Where
will we hang it?”, would always arise. We have even had some arguments about it. After
a while, we got over that and now we have large-format pieces as parts of our collection,
many of them have not been hung yet but we still get to enjoy them. In fact, as soon as we
stopped worrying about the space we had available, we started to feel like true collectors,
always, of course, within our means.
P.B.– You already have a significant number of pieces of art in your possession, as we
can see in “Espíritu de época/Spirit of the Epoch”. What are the future prospects of your
collection? Perhaps to open up your own exhibiting space as in the case of some American
collectors like De la Cruz, Margoulis or the Rubells have done?
O.M. and J.N.- We haven’t really thought about it in detail. However, we would definitely
like to share our collection, so we won’t rule out exhibiting it in Lanzarote in the
future, either publicly or privately. The latter would allow us to also establish residence
agreements with some artists that we could have an interest in, assisting them in the
production of their pieces and making it easier for them to exhibit their work, before
we purchase it and add it to our collection. Another advantage of availing of your own
exhibiting space would be to exchange pieces with other private collectors, exhibit our
collection in their space and have them exhibit in ours. That’s kind of the idea behind the
exhibition “Investigations of a Dog. Works from the FACE Collections”, which can now be
seen at the Parisian La Maison Rouge, and where you can find the work of the Foundation
Antoine de Galbert, the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Magasin 3, DESTE and the
Ellipse Foundation. It’s in these types of initiatives that important collaborations may arise
without having to depend on the State.
P.B.– Collecting art is a way of sharing, and also a lifestyle. How would you describe it?
O.M. and J.N.- It’s a bit of both. It’s most definitely a lifestyle, with a specific style and
code. And there comes a time in which managing your collection as well as managing
relationships with people involved in the world of art, travelling, sharing interests and
opinions, exhibiting your collection and viewing that of others, takes up a great deal of
your time, meaning that you stop investing that time in your career. Having said that,
there is no doubt that when you truly share your collection is when you exhibit it publicly,
it’s like posing naked spiritually, like putting your soul on display. Somebody once said that
to make art is to “to make it public”, and in that sense, showing it would only be one more
step in that process.
P.B.– Your situation is quite unusual in Lanzarote. What would you recommend to other
people who would like to get started in collecting art?
O.M. and J.N.- Collecting contemporary art is a passion and a great pleasure, and it
involves a great deal of effort and dedication. Although like everything that has to do with
decision-making from the heart as opposed to from the mind, you do it almost effortlessly.
That is why anyone who wishes to become a collector must live it intensely, and we would
even dare to suggest always buying what you really like above anything else.
P.B.– Thank you very much. x

“En Puerto Rico se le llama “tierra”
a la gente maliciosa, corrupta, a
personas que son destructivas,
ya formen parte del sistema o lo
ejerzan a nivel individual. Tomo
esta clasificación de los vicios
mencionados en las primeras
enseñanzas del Cristianismo y la
traslado a los tiempos actuales.
El mural es como los caminos de
hormiga debajo de la tierra, y
ahí en esos caminos y cavernas
acontecerán situaciones muy
dispares: personas teniendo
sexo con animales, concursos
de glotonería televisada, Santa El joven artista
Claus entregándole armas de puertorriqueño
destrucción masiva a los Reyes Edgardo Larregui
Magos, etc. Pero como todo (Bayamón, 1976)
intervino uno de los
cuento de Hollywood tendrá un
muros de la ciudad de
final”. Arrecife (Lanzarote)
creando el mural “Por
“In Puerto Rico we call malicious, debajo de la tierra”,
corrupt, destructive people, cuya temática parte
de los 7 pecados
“tierra”(dirt)”, regardless of whether capitales.
they are part of the system or
whether they behave like this at an The young Puerto
individual level. I have taken the Rican artist Edgardo
Larregui (Bayamón,
vices mentioned in the teachings of
1976), intervened in
Christianity and applied them to life one of the walls of
nowadays. The mural is like a trail the city of Arrecife
of ants under ground, and it is there (Lanzarote), by
in those paths and caves where creating a mural called
“Por debajo de la
a great deal of diverse situations
tierra” (Under ground),
take place: there are people whose subject matter
having sex with animals, televised deals with the 7 deadly
gluttony competitions and Santa sins.
Claus handing weapons of mass
destruction to The Wise Men. But
just like any Hollywood fairytale,
every story comes to an end”.
ÍNDICE / INDEX
#1 Po(p)lítica y vida cotidiana: lo extraordinario de lo ordinario

Po(p)litics and daily life: The extraordinary within the ordinary
36 Miguel Aguirre
37 Carlos Aires
38 Pablo Alonso
39 Peter Atkins
40 Pedro Barbeito
41 Chus García Fraile
42 Julien Michel
43 Sophia Schama
44 Saso Stanojkovic
#2 Ella lo domina todo: la redefinición de la mujer

She dominates all: The redefinition of the female
48 Zoé Byland
49 Myritza Castillo
50 Edith Dakovic
51 Kerstin Drechsel
52 Matthias Köster
53 Natacha Marques
54 Julien Michel
55 Mariana Vassileva
56 Santiago Ydáñez
57 Wang Zhijie
#3 Cosa de hombres (o casi): la venganza del kitsch
It’s a man thing (or almost): The revenge of kitsch
60 Clemencia Labin
61 Edgardo Larregui
62 Dani Marti
63 Melvin Martínez
64 Ramón Martins
65 Alonso Mateo
66 Manfred Peckl
#4 Duros, románticos y atmosféricos: el ‘problema’ abstracto

Hard-edgers, Romantics and Atmospherics: The abstract ‘problem
70 Jaime Gili
71 Álvaro González
72 Laura González Cabrera
73 Changa Hwang
74 Oliver Johnson
75 Fabián Marcaccio
76 Nico Munuera
77 Krisdy Shindler
78 Vargas Suárez-Universal
#4 TEXTOS DE ARTISTAS / ARTIST’S WRITINGS 81

#1
Po(p)lítica y vida cotidiana:

lo extraordinario de lo ordinario
Po(p)litics and daily life:

The extraordinary within the ordinary
En este apartado están reunidos artistas cuya obra

tiene una factura pop y/o figurativa que indaga
en aspectos cotidianos, de la cultura popular o de
carácter político: Miguel Aguirre, Carlos Aires,
Pablo Alonso, Peter Atkins, Pedro Barbeito,
Chus García Fraile, Julien Michel, Sophia
Schama y Saso Stanojkovic.
This section brings together artists whose work

has a pop and or figurative element which analy-
ses political aspects, daily life and pop culture:
Miguel Aguirre, Carlos Aires, Pablo Alonso,
Peter Atkins, Pedro Barbeito, Chus García
Fraile, Julien Michel, Sophia Schama and Saso
Stanojkovic.
Miguel Aguirre (Perú / PERU)
Un estudiante iraní hace el El presidente Barack Obama El tenista español obtiene

signo de la victoria con una saluda a sus simpatizantes tras por segunda vez el ´doblete´
piedra en la mano durante la un discurso en Chicago, 2010 Roland Garros-Wimbledon
manifestación de solidaridad Óleo sobre tela / Oil on canvas y conquista su octavo
con el pueblo palestino, 2010 39 x 29 cm ´grande´ con 24 años, 2010
Óleo sobre tela / Oil on canvas Óleo sobre tela / Oil on canvas
39 x 29 cm 39 x 29 cm
Benedicto XVI reza durante Cristiano Ronaldo celebra el Felipe González (de frente) y
su visita a Valencia, en segundo gol del Madrid, 2010 Adolfo Suárez en 1977, 2010
julio de 2006. A la derecha, Óleo sobre tela / Oil on canvas Óleo sobre tela / Oil on canvas
Francisco Camps, 2010 39 x 29 cm 39 x 29 cm
Óleo sobre tela / Oil on canvas
39 x 29 cm
1. Po(p)lítica y vida cotidiana / Po(p)litics and daily life 37
Carlos Aires (España-Bélgica / SPAIN-BELGIUM)
Una gran lliure, 2010

Discos de vinilos y plexiglass / Vynil records and plexiglass
182 x 134 cm
Pablo Alonso (España-Alemania / SPAIN-GERMANY)
Wappen, 2005 Gruppenbild, 2005

Acrílico sobre poliuretano sobre tela / Acrílico sobre poliuretano sobre tela /
Acrylic, polyurethane on canvas Acrylic, polyurethane on canvas
230 x 160 cm 230 x 160 cm
Peter Atkins (Australia)
Two separator, 2003

Óleo sobre lienzo /
Oil on canvas
100 x 100 cm
Paper cup handle, 2003

Oil on canvas
100 x 100 cm
Pedro Barbeito (España-Grecia / SPAIN-GREECE)
Captain America: Shield I, 2006 Captain America: Shield II, 2006

Técnica mixta sobre lienzo / Técnica mixta sobre lienzo /
Mixed media on canvas Mixed media on canvas
198 x 122 cm 198 x 122 cm
Chus García-Fraile (España / SPAIN)
Sneaker 1, 2002 Sneaker 2, 2002 Sneaker 3, 2002

Óleo s/lienzo / Oil on canvas Óleo s/lienzo / Oil on canvas Óleo s/lienzo / Oil on canvas
210 x 100 cm 210 x 100 cm 210 x 100 cm
For sale I, 2007 For sale II, 2007

DVD 3’32’’ DVD 3’32’’
Julien Michel (Francia / FRANCE)
Black market nº 3, 2003

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas
114 x 162 cm
Black market nº 2, 2003

114 x 162 cm
Sophia Schama (Bulgaria-Alemania / BULGARIA-GERMANY)
Hai (Red
Shark), 2008
Acrílico sobre tela /
Acrylic on canvas
170 x 250 cm
Red blue shark, 2008

Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas
130 x 70 cm
Saso Stanojkovic (Macedonia)
Film Marathon, 2003

DVD 30’
#2
Ella lo domina todo:

la redefinición de la mujer
She dominates all:

The redefinition of the female
En este apartado reunimos obras donde la figura

de la mujer es redefinida a través de una presen-
cia decidida, consciente, en momentos intimista
o convertida en protagonista de lo que acontece:
Zoé Byland, Myritza Castillo, Edith Dakovic,
Kerstin Drechsel, Matthias Köster, Natacha
Marques, Julien Michel, Mariana Vassileva,
Santiago Ydáñez y Wang Zhijie.
This section brings together pieces which show

a redefined image of women with a leading role,
and a confident and aware appearance, intimist
at times: Zoé Byland, Myritza Castillo, Edith
Dakovic, Kerstin Drechsel, Matthias Köster,
Natacha Marques, Julien Michel, Mariana
Vassileva, Santiago Ydáñez and Wang Zhijie.
Zoé BYLAND (Suiza / SWITZERLAND)
Amor o muerte, 2008

Acrílico sobre lienzo /
Acrylic on canvas
120 x 130 cm
Hope, 2008
Acrylic on canvas
160 x 110 cm
2. Ella lo domina todo / She dominates all 49
MYRITZA CASTILLO (Puerto Rico - USA)
Under construction, 2008

video (5’) y escultura / video (5’) and sculpture
66 x 61 x 26 cm
EDITH DAKOVIC (Canadá-Alemania / CANADA-GERMANY)
Anchor and bandaid, 2008

Silicona, pigmento y
pelo humano / Silicone,
pigment and human hair
40,6 x 40,6 cm
Winged Heart, 2008

40,6 x 40,6 cm
Swallow, 2008
40,6 x 40,6 cm
Bandaid and Skull, 2008
40,6 x 40,6 cm
Sailor girl, 2008

40,6 x 40,6 cm
Sailors dream, 2008
40,6 x 40,6 cm
KERSTIN DRECHSEL (Alemania / GERMANY)
Diary..., 2007
Acuarela / Aquarelle
33,5 x 41 cm (c/u - each)
MATTIAS Köster (Alemania / GERMANY)
Charlotte Rampling, 2005 Kim Bassinger, 2005

Óleo sobre aluminio / Oil on aluminium Óleo sobre aluminio / Oil on aluminium
45 x 25 cm 45 x 25 cm
Madonna, 2005 Klaus Kinsky, 2005

45 x 25 cm 45 x 25 cm
Sharon Stone in Casino, 2005 Monica Vitti, 2005

45 x 25 cm 45 x 25 cm
NATACHA Marques (Portugal)
Untitled, 2004
Óleo sobre tela / oil on canvas
195 x 130 cm
Untitled, 2010
Óleo sobre tela / oil on canvas
195 x 130 cm
Julien Michel (Francia / FRANCE)
Ofelia, 2003
61 x 50 cm
Untitled, 2003
61 x 50 cm
MARIANA VASSILEVA (Bulgaria-Alemania / BULGARIA-GERMANY)
The milkmaid, 2006

DVD 3’ – Vocal: Dominique Vellart/Actriz-Performer: Maria Dabow
SANTIAGO Ydáñez (España / SPAIN)
Ofelia, 2005
Oil on canvas
150 cm diam.
El grito, 2000
Óleo sobre lienzo
/ Oil on canvas
150 cm diam.
WANG ZHIJIE (China)
Girl 51, 2010

Óleo sobre lienzo
/ Oil on canvas
100 x 80 cm
Girl 52, 2010

Óleo sobre lienzo
/ Oil on canvas
100 x 80 cm
#3
Cosa de hombres (o casi):

la venganza del kitsch
It’s a man thing (or almost):

The revenge of kitsch
En esta sección incluimos artistas que utilizan

materiales kitsch o bien juegan formalmente con
el kistch, y con ello hacen una recuperación y una
nueva contextualización del ´kitsch´ que persi-
gue lecturas irónicas o críticas de la sociedad: Luo
Brothers, Clemencia Labin, Edgardo Larregui,
Dani Marti, Melvin Martínez, Ramón Martins,
Alonso Mateo y Manfred Peckl.
In this section we have included artists that use

kitsch materials or that from a formal point of
view play with kitsch, and in doing so, reinvent
and re-contextualize ´kitsch´ portraying ironi-
cal and critical views of society: Luo Brothers,
Clemencia Labin, Edgardo Larregui, Dani Marti,
Melvin Martínez, Ramón Martins, Alonso
Mateo and Manfred Peckl.
LUO BROTHERS (China)
World famous brand, 2002

Laca y pintura sobre madera /
Lacquer and oil on canvas
66 x 56 cm
World famous brand, 2002

Laca y pintura sobre madera /
Lacquer and oil on canvas
66 x 56 cm
3. Cosa de hombres (o casi) / It’s a man thing (or almost) 61
CLEMENCIA LABIN (Venezuela-Alemania)
Pulpita, 2007
Telas pintadas sobre gomaespuma
/ Painted quilts on foam rubber
23 x 15 cm
Pulpa cubo negro, 2010

Lycra negra, algodón de poliéster, madera y laca acrílica /
Black lycra, poliester cotton, wood, and acrylic lacquer
80 x 84 x 60 cm
Megapulpa platino, 2007

Telas pintadas sobre gomaespuma / Painted quilts on foam rubber
130 x 300 x 20 cm
EDGARDO LARREGUI (Puerto Rico - USA)
Bombom candy, 2008

160 x 95 cm
Bombones en Condado, 2008

245 x 175 cm
DANI MARTI (España-Australia / SPAIN-AUSTRALIA)
European monarchs. Infanta Margarita Take 1, 2007 European monarchs. Infanta Margarita Take 2, 2007
Poliéster, nylon, cadenas de acero sobre madera / Poliéster, nylon, cadenas de acero sobre madera /
Polyester, nylon, stainnless steel on wood Polyester, nylon, stainnless steel on wood
193 x 120 cm 193 x 120 cm
MELVIN MARTÍNEZ (Puerto Rico - USA)
New Formula, 2007

Técnica mixta sobre lienzo /
Mixed media on canvas
200 x 200 cm
Space odissey 2021, 2006

Óleo, purpurina, flores de
plástico y barniz sobre lienzo /
Oil, glitter, plastic flowers, and
varnish on canvas
200 x 200 cm
RAMÓN MARTINS (Brasil - BRAZIL)
Sin título, 2007 Sin título, 2007

Acrílico y spray sobre tela / Acrílico y spray sobre tela /
acrylic and spray on canvas acrylic and spray on canvas
210 x 160 cm 210 x 160 cm
ALONSO MATEO (Cuba)
Los reyes de España, 2005 Los príncipes de Asturias, 2005

Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas
195 x 130 cm 195 x 130 cm
MANFRED PECKL (Austria-Alemania / AUSTRIA-GERMANY)
Plan fuer morgen, 2005 Waterfall, 2005

Papel sobre madera / Paper on panel Papel sobre madera / Paper on panel
60 x 70 cm 100 x 60 cm
#4
Duros, románticos
y atmosféricos:
el ‘problema’ abstracto
Hard-edgers, Romantics and Atmospherics:

The abstract ‘problem
Este apartado incluye artistas que reflexionan

en torno a la abstracción desde diferentes pers-
pectivas: aquellos que realizan una abstracción
´hard-edge´, otros con un tono más romántico o
atmosférico: Jaime Gili, Álvaro González, Laura
González Cabrera, Changa Hwang, Oliver
Johnson, Fabián Marcaccio, Nico Munuera,
Krisdy Shindler y Vargas Suárez-Universal
This section includes artists who reflect on abs-

traction from different perspectives: those with a
´hard-edge´ abstraction, and others with a more
romantic or atmospheric tone: Jaime Gili, Álvaro
González, Laura González Cabrera, Changa
Hwang, Oliver Johnson, Fabián Marcaccio,
Nico Munuera, Krisdy Shindler and Vargas
Suárez-Universal
Jaime Gili (VENEZUELA-Inglaterra / VENEZUELA-ENGLAND)
SSSS Deberna, 2005

Instalación de carteles y dos pinturas acrilico sobre lienzo, dim. var. /
Installation posters and 2 paintings acrylic on canvas, dim. var
70 x 70 cm
4. Duros, románticos y atmosféricos / Hard-edgers, Romantics and Atmospherics 71
ÁLVARO GONZÁLEZ (Venezuela)
Luxuria primordia 1, 2010

Técnica mixta sobre papel /
Mixed media on paper
100 x 70 cm

Técnica mixta sobre papel
/ Mixed media on paper
100 x 70 cm

Técnica mixta sobre papel
/ Mixed media on paper
100 x 70 cm
LAURA GONZÁLEZ Cabrera (España / SPAIN)
What Are You Doing Here?, 2011 How Long Are You Staying For?, 2011
Óleo sobre lienzo / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / Oil on canvas
180 X130 cm 180 X 130 cm
CHANGHA HWANG (Corea / KOREA)
Red Hook, 2009

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas
81,3 x 76,2 cm
Makeshift, 2008
Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas
145 x 213 cm
OLIVER JOHNSON (Inglaterra / UNITED KINGDOM)
Colour composition, 2003

Acrylic on canvas
100 x 100 cm
Colour composition, 2003

Acrylic on canvas
100 x 100 cm
FABIáN MARCACCIO (ARGENTINA- Estados unidos / ARGENTINA-USA)
Gesture´s Responsabilities, 2002

DVD 59’’
NICO MUNUERA (España / SPAIN)
Boda... 33.2, 2005

Acrylic on canvas
180 x 150 cm
Boda... 33.1, 2005

Acrylic on canvas
180 x 150 cm
KRISDY SHINDLER (Canadá / CANADA)
A Reciprocal Process of Becoming, 2006

DVD 3’15’’
Vargas Suárez-Universal (México-USA / MEXICO-USA)
Delta: Eberswalde, 2005 Eberswalde, 2005-6

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / Oil on canvas
180 x 163 cm 152 x 137 cm
Surveyor, 2005-6
137 x 167 cm
TEXTOS DE ARTISTAS / ARTIST’S WRITINGS
1: Po(p)lítica y vida cotidiana piezas en metacrilato recortados. Este altar
PO(P)LITICS AND DAILY LIFE barroco es un retrato de la España actual
compuesto por iconos ibéricos. Una parte
Miguel Aguirre (Lima, Perú, 1973). Vive importantísima de esta obra es la ácida y
y trabaja en Barcelona / Lives and works in lúdica relación entre los títulos de los discos
Barcelona –como por ejemplo “Quiéreme aunque te
“Estas piezas pertenecen a la serie DD/ duela”, “¿No te da pena que llore?”, “Y se
MM y se enmarcan dentro de mi línea de quedó sin aliento”– y las siluetas.
trabajo que emplea páginas de periódicos. The piece “Una gran Lliure” (One Big
Se respeta el tamaño original tanto de and Free Nation), consists of an altarpiece
la página como de la imagen escogida made out of vinyl records and pieces of
eliminando todo texto o cualquier otra methacrylate. This Baroque-style altar,
imagen que pueda aparecer. Los títulos de which consists of Iberian icons, is a portrait
cada pintura respetan al máximo el pie de of contemporary Spain. The acidic and
cada imagen. Para mí no existen imágenes playful relationship between the silhouettes
‘auténticas’ dado que cada imagen lleva and the names of the songs on the records
implícita un determinada lectura”. is essential to this piece – for instance “Love
“These pieces are part of the DD/MM me, even if it hurts”, “Don’t you feel sorry to
series in my line of work in which I use see me cry?”, “Breathless”.
newspaper pages. The original size of the
chosen pages and images is maintained Pablo Alonso (Gijón, 1969). Vive y
while excluding any other irrelevant text trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin
or images. The names of each one of the “Descontextualizar es una forma de
paintings stick as much as possible to the controlar el ritmo y asegurar que los
caption of each image. In my opinion, there espectadores asimilen toda la información
are no ‘authentic’ images since each image contenida en los cuadros poniendo en
implies a specific interpretation”. entredicho la ideología de masas. En este
caso, las apropiaciones de imágenes no
Carlos Aires (Ronda, 1974). Vive y son utilizadas como referencias, sino como
trabaja en Madrid / Lives and works in un icono de un icono, lo cual complica aún
Madrid más el proceso de circulación en masa y el
“Una gran Lliure” (Una grande libre) es consumo de imágenes”.
un retablo realizado con discos de vinilos y “Decontextualizing is a way of controlling
the rhythm and ensuring that the viewer Fighting Yank, el Capitán América y Battle
assimilates all the information contained Brady), hasta video juegos con imágenes
in the painting by subverting mass (como Gears of War y Halo3) e imágenes
ideology and mass media. In this case, the de la guerra de Irak. Los cuadros “Captain
appropriations of images are not references, America: Shield I” y “Captain America:
but in fact an icon of an icon, which Shield II” se refieren a la vulnerabilidad
complicates still further the process of mass que América experimentó a partir del 11 de
circulation and image consumption”. septiembre, tanto en casa como en Irak”.
“In these paintings from 2006-2007,
Peter Atkins (Mururrundi NSW, Australia, I focus on the role of digital media in
1963). Vive y trabaja en Melbourne / Lives depictions of violence. In particular, I
and works in Melbourne examine the way certain forms of violence
“La premisa conceptual de mi trabajo are eagerly consumed and normalized in
como pintor durante los últimos 25 años our daily experience, from early superhero
ha sido sustentada por la apropiación de comics (1940’s-1950’s --Fighting Yank/
formas y diseños abstractos ya existentes Captain America/ Battle Brady), to video
en el medio urbano. Desde señalizaciones, game imagery (Gears of War/Halo3...), to
a publicidad exterior, empaquetado de imagery from the Iraq war. The paintings
productos, libros y portadas de discos, “Captain America: Shield I” and “Captain
embalaje, dibujos en camiones y diseños America: Shield II” refer to the vulnerability
angulares en los costados de caravanas”. that America experienced post 9/11 both at
“The conceptual premise of my painting home and in Iraq”.
practice over the past 25 years has been
underpinned by the appropriation of Chus García-Fraile (Madrid, 1965). Vive
ready-made abstract forms and designs y trabaja en Madrid / Lives and works in
that exist in the urban environment. From Madrid
street signage, outdoor advertising, product “Recodifico aquellos detalles que para
packaging, book and record covers, store mí representan y constituyen nuestra
packaging, patterns on trucks and the realidad, la realidad de la llamada sociedad
angular designs from the sides of caravans”. del bienestar. Para ello tomo pequeños
objetos de consumo como latas, tapacubos
Pedro Barbeito (La Coruña, 1969). Vive o zapatillas de deporte. Así, en la serie
y trabaja en Nueva York / Lives and works “Sneakers” desarrollada entre 2002 y
in New York 2004, me intereso por la marca como
“En estos cuadros que van desde el 2006 símbolo de estatus social y como registro
al 2007, me centro en el papel del medio de la sociedad contemporánea. La técnica
digital en representaciones de violencia. En en estas pinturas es fotorrealista, donde
concreto, examino la forma en que ciertas el objeto sobredimensionado y sacado de
formas de violencia se consumen con contexto es elevado a icono”.
entusiasmo y son algo natural en nuestro “I recode those details that in my
día a día. Desde comics de super héroes opinion represent and shape our reality,
(de los años 1940 y los 1950, pasando por the reality of the so called welfare state. In
order to do so, I use small objects which la persona y la naturaleza en un mundo

represent consumerism like cans, dustbins urbanizado, como también acerca de
and trainers. In my “Sneakers” series, put diferentes formas artísticas de apropiación
together between 2002 and 2004, I am de la jungla relacionadas con un cierto
interested in labels as symbols of social temor hacia ella que subyace en nuestro
status and as traits of contemporary society. inconsciente colectivo. En este sentido, el
A photorealistic technique is employed in motivo del tiburón representa elementos
these paintings, where an oversized object is como peligro, fuerza, rapidez, avaricia,
taken out of context and raised to the status belleza o falta de fiabilidad”.
of an icon”. “In my painting style I reflect on the
ambivalent relationship between people and
Julien Michel (París, Francia, 1973). Vive nature in an urban environment. I also focus
y trabaja en París / Lives and works in Paris on different artistic ways of appropriation
La serie “Black Market” fue realizada of the jungle which are associated with
en 2003, y en ella Julien Michel retrata a certain fear underlying our collective
el universo de la bolsa. Visto desde el unconscious. In this sense, the shark
presente hallamos algo de premonitorio represents elements of fear, strength, speed,
en estas pinturas donde el contraste greed, beauty and lack of reliability”.
entre el primer plano de las figuras y el
fondo se ve realzado por el contraste Saso Stanojkovik (Skopje, Macedonia,
figuración-abstracción. Los primeros planos 1962). Vive y trabaja en Skopje / Lives and
confieren a la composición un aspecto works in Skopje
cinematográfico al tiempo que el uso de “El video ‘Film Marathon’ consiste en
colores suaves o apagados actúa a modo una proyección en DVD de 30 minutos de
de extrañamiento. (PB) un cuadro grabado. El cuadro representa al
The “Black Market” series was created público de una película en un cine, que fue
in 2003, and in this, Julien Michel portrays pintado fiel a una fotografía encontrada
the world of the stock market. Seen from a en el Archivo Cinematográfico de Skopje.
current perspective, there’s a premonitory Llevé el cuadro a una sala de cine real y lo
element in these paintings in which the coloqué entre las filas de asientos y pedí
contrast between the close-up of the figures al operador que proyectara una película
and their background is enhanced by a delante del cuadro. En el verano de 2003
figuration-abstraction contrast. The main todos los cines de Skopje fueron cerrados
shot confers a cinematographic look and the debido al mercado no regulado de cintas
use of faint soft colours gives it a distancing VHS y DVDs pirateados”.
effect at the same time. (PB) “The work ‘Film Marathon’ consists of a
30 minutes DVD projection of a recorded
Sophia Schama (Sofía, Bulgaria, 1966). painting. The painting depicts the film
Vive y trabaja en Berlín / Lives and works audience in a cinema that was painted
in Berlin according to a photograph found in the
“En mi práctica pictórica reflexiono Film Archive in Skopje. I brought the
acerca de la ambivalente relación entre completed painting in a real cinema theatre
and put it between the seat rows and then “En mi video cuestiono de manera
I asked the cine-operator to project a film irónica la continua necesidad de lo
in front of it. During the summer 2003 all ‘nuevo’. De este modo observamos a una
cinemas in Skopje were closed due to the misteriosa persona encapuchada que
unregulated market of pirated VHS tapes está destruyendo un cuadro trozo a trozo
and DVD’s”. y que introduce los restos en una caja
de cristal. Una vez se ha completado la
2: Ella lo domina todo acción, la persona desaparece y el ciclo
SHE DOMINATES ALL de reconstrucción finaliza. Soy yo quien
pinta la obra en un principio, para luego
Zoé Byland (Berna, Suiza, 1975). Vive y destruirla”.
trabaja en Viena / Lives and works in Vienna “In my video I question ironically the
“Un aspecto muy importante de mis ongoing necessity of the ‘new’. We observe
cuadros es el encuentro y combinación de thus a mysterious hooded person that is
gráficos, con técnicas de pintura clásica y destroying a painting piece by piece and
dibujo. Combino formas de representación introduces the remains in a crystal box.
tradicionales con contemporáneas, Once the action has been completed, the
elementos sub-culturales con temas de person disappears and the deconstruction
la cultura pop, el comic, el arte de la cycle comes to an end. It’s me who painted
calle y el tatuaje en un contexto artístico. the work first, and then destroyed it”.
Retrato a mis personajes en un mundo
mezclado entre basura y poses exageradas, Edith Dakovic (Moen, Alemania, 1963).
en contraste con un ambiente clásico y Vive y trabaja en Berlín / Lives and works
romántico. Se encuentran a sí mismos in Berlin
entre las escenas, pero con creencias “Mis Cuadros Inflados’ toman una
ideologías sinceras”. mirada irónica al mundo/mercado del
“A very important aspect of my paintings arte. Este trabajo reflexiona sobre la
is the meeting and combination of graphic, fuerza y barbaridad yuxtapuestas con lo
classical painting technique and drawing. débil y flemático; también señala nuestro
I combine traditional representation forms consumismo incesante. Las imágenes
with contemporary, sub-cultural elements clásicas del tatuaje -“Tattoo”- hablan
and subjects out of a pop culture, comic, de nostalgia y deseo. Una vez inflado el
street art, and tattoo art context. I portrait “Artist’s Breath” (Aliento de artista), el
my characters in a mixed up world between aire se escapa lentamente de las piezas,
trash and exaggerate poses in contrast to enfatizando el aspecto efímero de la obra”.
a vintage, romantic atmosphere. They find “My ‘Bloated Paintings’ take a wry look at
themselves between the scenes, but with the Art World/Art Market. The work reflects
sincere ideological beliefs”. on strength and barbarity juxtaposed
with being frail and phlegmatic; they also
Myritza Castillo (San Juan, Puerto Rico, point to our incessant consumerism. The
1981). Vive y trabaja en San Juan / Lives and classic Tattoo images speak of longing and
works in San Juan desire. Once inflated the “Artist’s Breath”
or air slowly dissipates out of the pieces, Velázquez y Goya. Los retratos son
emphasizing the ephemeral aspect of the pintados sobre aluminio: se pintan de
work”. forma rápida ‘a la prima’, de una pincelada,
como en un fresco recién pintado”.
Kerstin Drechsel (Reinbek, Alemania, “The first portraits came from exciting
1966). Vive y trabaja en Berlín / Lives and films I ever saw on television and cinema
works in Berlin with Monica Vitti, Charlotte Rampling, and
“Capto momentos íntimos en los cuales Klaus Kinski; these films were unbelievable
un individuo o un grupo expresa o se visual inventions that affected me strongly.
identifica a través de rituales o ambientes These faces play a game with allegories and
que crean a su alrededor. En la serie ‘Daily the myth of ‘la dolce vita’. The light in these
Series’, llevada a cabo con técnica de films and faces always reminds me of the
pintura con acuarela, la mujer se muestra light in the paintings of Titian, Velázquez,
absorta en actividades o placeres diarios. and Goya. The portraits are painted on
Los cuadros usan tonos pastel que imitan aluminum: they are painted painted ‘a la
los que se encuentran en una paleta de prima’, in one stroke, like in a wet fresco”.
colores de maquillaje”.
“I capture intimate moments where Natacha Marques (Cascais, Portugal,
an individual or group expresses or 1975). Vive y trabaja en Cascais / Lives and
identifies themselves through the rituals or works in Cascais
environments they create around them. In “Mi trabajo pretende ser un estudio de
the ‘Daily Series’ executed with watercolor la existencia humana, una reflexión interior
painting technique, women are shown self- y la búsqueda de la identidad universal,
absorbed in daily activities or pleasures. The consolidada en una fijación de valores
paintings use pastel tones that echo those poéticos y belleza. En cada cuadro intento
found in a make-up palette”. capturar un momento concreto, aunque
esquivo, generalmente reflejado en un
Matthias Köster (Detmold, Alemania, rostro humano. En esencia, la intención
1961). Vive y trabaja en Düsseldorf y de los cuadros es ser percibidos como
Empoli / Lives and works in Düsseldorf and una reflexión de nosotros mismos, una
Empoli visible representación de la invisibilidad de
“Los primeros retratos provienen de nuestra alma”.
películas emocionantes que he visto en “My work aims to be a study regarding the
la televisión y el cine con Monica Vitti, human existence, an inward reflection and
Charlotte Rampling, y Klaus Kinski; estas search of universal identity, consolidated
películas son increíbles invenciones in a fixing of poetic values and beauty. In
visuales que me afectaron de manera each painting I attempt to capture a specific
muy significativa. Estas caras juegan con moment, although elusive, usually reflected
alegorías y con el mito de ‘La Dolce Vita’. in a human face. In essence, the paintings
La luz que aparece en estas películas are intended to be perceived as a reflection
y las caras, siempre me recuerdan a la of ourselves, a visible representation of our
luz utilizada en los cuadros de Tiziano, soul’s invisibility”.
Mariana Vassileva (Antonovo, Bulgaria, infantil-animal, hasta la evasión o el

1964). Vive y trabaja en Berlín / Lives and ensimismamiento”.
works in Berlin “The first piece consists of a portrait of
“Desde que vi la primera vez el retrato a girl riding a horse seemingly somewhere
de “La lechera” de Vermeer no pude between absorption and insanity; the
quitármelo de la cabeza. La verdad es que second one depicts a scream which is part
la luz es un elemento que siempre me ha of one of the first faces I created where the
fascinado. Evidentemente, el contexto theatrical meets human animality. I use the
ha variado mucho. Tal vez podemos face as a filter of emotions, in the same way
preguntarnos qué es lo que ha quedado y that actors do. When I paint a face, several
qué es lo que ha cambiado. Me pregunté opposing ideas emerge from it, ranging from
qué música escucharía Vermeer. Me human animality and childlike-animality to
interesó integrar diversos medios como evasion and engrossment”.
la escultura, la fotografía, el vídeo y la
instalación con el fin de realizar una obra Wang Zhijie (Qi Xian, Shanxi, China,
total”. 1972). Vive y trabaja en Beijing / Lives and
“From the very first time that I saw the works in Beijing
portrait of “The Milkmaid” by Vermeer, I Wang Zhijie exhibe dos obras de
couldn’t get it out of my head. To tell you la conocida serie “Little Girl”. Sus
the truth I have always been fascinated by obras entonan con esa característica
light. The context has obviously changed estética china contemporánea que
a lot. We could ask ourselves what has conjuga el gusto por colores llamativos,
remained the same and what has changed. escenas y composiciones un punto
I asked myself, what music was Vermeer caricaturescas y surrealistas, y que es
likely to listen to. I thought it interesting deudora de la estética pop. Sus niñas
to integrate media such as sculpture, mezclan la inocencia con gestos y
photographs, videos and art installations in posturas provocadoras en su intento por
order to come up with the final piece”. comportarse como mujeres adultas, y bien
podríamos ver en ello una referencia hacia
Santiago Ydáñez (Jaén, España, 1969). el momento de indefinición y convulsión
Vive y trabaja en Berlín / Lives and works que vive el país. (PB)
in Berlin Wang Zhijie exhibits two pieces from the
“Aquí hay primero un retrato de una renowned series “Little Girl”. His work is in
niña a caballo entre el ensimismamiento keeping with characteristic contemporary
y la locura; el segundo es la expresión Chinese aesthetics which combines a liking
de un grito y pertenece a mis primeros for bright colours, slightly caricaturistic and
rostros donde lo teatral se mezclaba con la surreal scenes and compositions, indebted to
animalidad humana. Utilizo mi rostro como pop aesthetics. His girls fuse innocence with
filtro de sentimientos a la manera de los provocative postures and gestures trying to pose
actores. Cuando pinto un rostro son varias as adult women. This may be read as a reference
ideas contrapuestas las que emergen to an undetermined moment of upheaval
en él: desde la animalidad humana, lo currently being experienced in the country. (PB)
3: Cosa de hombres (o casi) saliéndose del formato rectangular de

IT’S A MAN THING (OR ALMOST) un cuadro como pulpa suculenta. Donde
se encuentran las curvas de lo material,
Luo Wei Bing (1972), Luo Wei Dong fisuras sensuales se abren generalmente
(1963), Luo Wei Guo (1964), Guanxhi, cubiertas con pintura acrílica brillante.
China. Viven y trabajan en Beijing / Live En mi técnica uso tela rellena que le da
and work in Beijing a estas piezas una cualidad orgánica
En sus obras, los hermanos Luo incuestionable, ya que es un tejido con
analizaron la sociedad consumista y ambas apariencias y es suave al tacto”.
sus consecuencias sociales, políticas y “My ‘Pulpa’ (fruit flesh) world is mainly
culturales. Esto lo logran con colorido, abstract and my pieces are brimming
composiciones gráficas, que mezclan with moisture, fragrance and color.
lo tradicional con lo vanguardista, lo Protuberances, pillows and blobs, the forms
político con lo económico, lo profano con I create are always amorphous, bursting
lo piadoso y lo artesanal con lo artístico. out of the rectangular format of painting
Imitando los calendarios chinos clásicos like luscious flesh. Where the curves of
–que a su vez han servido de modelo material meet, sensual fissures open up
para carteles publicitarios- los hermanos usually coated with acrylic gloss paint. In
elaboran una imaginaria näif entre el my technique I use stuffed fabric that gives
realismo socialista, el pop y el kitsch. (PB) these pieces an unquestionable organic
In their works, the Luo brothers analyzed quality, as it is fabric which both looks and
the consumer society and its social, political is soft to the touch”.
and cultural consequences. This they achieve
with colourful, pictorial compositions that Edgardo Larregui (Bayamon, Puerto
mix the traditional with the avant-garde, Rico, 1976). Vive y trabaja en San Juan /
the political with the economic, the profane Lives and works in San Juan
with the pious and the artisanal with the “La serie ‘Dicotomía de la belleza’ trata
artistic. Imitating classic Chinese calendars de la poderosa industria alimenticia que
–which in turn have served as the model for vende mucha comida manipulada. Por otro
propaganda posters– the brothers elaborate lado, analizo de manera crítica la cultura
naif imaginary between socialist realism, de exhibicionismo tan puertorriqueña
pop and kitsch. (PB) y latinoamericana en general, de ir
mostrando el escote, pantalones apretados
Clemencia Labin (Maracaibo, Venezuela, y moviendo las caderas con orgullo, que
1946). Vive y trabaja en Hamburgo / Lives sirven para resaltar el ‘sabor’ y la identidad
and works in Hamburg sensual isleña. Es esa contradicción que
“My ‘Pulpa’ - fruit flesh (“Mi mundo surge entre esos dos extremos lo que me
‘Pulpa’- carne de fruta), es una interesa analizar en mis obras”.
obra principalmente abstracta que “The series ‘Dicotomía de la belleza’
rebosa humedad, fragancia y color. (Dichotomy of Beauty) depicts the powerful
Protuberancias, almohadas y manchas, food industry which sells modified food in
las formas que creo son siempre amorfas, great quantities. I also critically analyze the
Puerto Rican and Latin American culture of los materiales sobre él empezando así
exhibitionism in general, which is portrayed el proceso creativo. El ‘caos’ inicial se
when the locals show a bit of cleavage, transforma en diferentes texturas y formas
wear tight trousers and proudly shake their en las cuales intervengo, experimentando
hips, to highlight the ‘flavour’ and sensual con el equilibrio, la composición, el color,
identity of the island. It’s this contradiction la masa y el volumen. Mis cuadros recrean
which arises from both extremes that I una escena en la que siempre ocurre algo:
am interested in exploring in my pieces of ¡como la vida misma!”.
work”. “The process starts with the selection of
materials and elements as glitter, acrylic,
Dani Marti (Barcelona, España, 1963). oil, textiles, necklaces, confetti, and others.
Vive y trabaja en Glasgow y Sidney / Lives Then the materials are organized by color
and works in Glasgow and Sydney and categories. When the canvas is ready, it
“Mis obras de tejido a gran escala, is the when all the materials are mixed over
insinúan asociaciones con el Minimalismo the canvas to begin the creative process.
a través de su enfoque cool, reductivo, y a The initial ‘chaos’ develops into different
menudo literal de lo material. Mi proceso textures and shapes in which I intervene,
se mantiene fiel a más y más formas experimenting with balance, composition,
expresionistas de trabajo. Mi relación con color, mass and volume. My paintings
mi temática es consistentemente fija: un recreate the scene where always something
intento obsesivo, laborioso, y a menudo happens: life itself!”.
guiado por el deseo de representar algo
que va más allá de las apariencias”. Ramón Martins (Sao Paulo, Brasil, 1981).
“My large-scale, woven works invite Vive y trabaja en Brasilia / Lives and works
associations to Minimalism through their in Brasilia
cool, reductive, and often literal approaches Ramón Martins es un joven artista
to material, my process adheres more to brasileño que revela en su propuesta
more expressionistic ways of working. My pictórica un enfoque interdisciplinario
relation to my subject is consistently fixed: en el que se conjugan referencias al
an obsessive, laborious, and often desire- arte callejero y el graffiti, la música o
driven attempt to represent something of his la pintura barroca brasileña. Sus obras
subject that is beyond appearances”. coquetean formalmente con lo kitsch y lo
neo-barroco y desde un punto conceptual
Melvin Martínez (San Juan, Puerto Rico, con lo multicultural: un gusto por cierta
1976). Vive y trabaja en San Juan / Lives simbología ‘manga’. (PB)
and works in San Juan Ramón Martins is a young Brazilian
“El proceso se inicia con la selección de artist who depicts in his paintings an
materiales y elementos como la purpurina, interdisciplinary approach, combining
el acrílico, óleo, tejidos, collares y confeti references to street art, graffiti and Brazilian
entre otros. Posteriormente, los materiales Baroque music and painting. His work
se clasifican por colores y categorías. formally flirts with kitsch and neo-Baroque
Cuando el lienzo está listo, se mezclan styles, from a conceptual and multicultural
standpoint: with an interest in certain the world changes itself as well as radical
‘manga’ symbolism. (PB) political (no more borders), and cultural (a
Alonso Mateo (La Habana, Cuba, 1964). complete loss of orientation). The works
Vive y trabaja en Miami / Lives and works “Jungle” and “Plan für morgen” (plan for
in Miami tomorrow) are examples of a far view into
“‘New Courtesan Paintings’ (Nuevos the future”.
cuadros cortesanos), es una serie de
retratos de familias reales pintadas de 4: Duros, románticos y atmosféricos
fotos sacadas de revistas como el ‘Hola’, HARD-EDGERS, ROMANTICS, AND
‘Vanity’, etc. Las figuras son estiradas por ATMOSPHERICS
medio de Photoshop y pintadas sobre un
fondo que imita cortinas de palacio. El Jaime Gili (Caracas, Venezuela, 1972). Vive
alargamiento de las figuras hace referencia y trabaja en Londres y Caracas / Lives and
al status social del sujeto, y, además, a works in London and Caracas
los aspectos psicológicos y culturales que “Las obras expuestas aquí, incluyen
entran en juego para entender la obra” algunos de los primeros cuadros de la serie
“‘New Courtesan Paintings’ are a series ‘Alma’. Cuando se pintaron exclusivamente
of portraits of royal families painted en blanco y negro, se colocaron en carteles
from photos taken from magazines such también en blanco y negro, de los primeros
as ‘Hello’, ‘Vanity’, etc. The figures are que realicé en el 2007, como se pudo ver
stretched in photoshop and painted with a en la Kunsthalle Bern. La sobreimpresión
background that mimics palace curtains. del cuadro en el diseño y su inusual
The elongation of the figure refers to the disposición es una versión contemporánea
social status of the subject, and refers also de un ambiente constructivista, en línea
to the psychological and cultural aspects con mi continuación de rutas modernas del
that come into play at the reception of the siglo XX inacabadas”.
work”. “The work on show here includes some
of the first paintings of the ‘alma’ series
Manfred Peckl (Wels, Austria, 1968). of paintings, when they were painted
Vive y trabaja en Frankfurt / Lives and exclusively in black and white, placed on
works in Francfort top of black and white posters of the first
“El tema central del mapa collage es el ones produced by me in 2007 as shown in
cambio del mundo: geográficos, ya que Kunsthalle Bern. The superimposition of the
el mundo cambia por sí mismo, al mismo painting on the pattern and the unusual
tiempo que en política radical (no más disposition of the painting is a contemporary
fronteras), y cultural (una total pérdida de re-writing of a constructivist environment,
orientación). Las obras “Jungle” (Jungla) y in line with my continuation of unfinished
“Plan für morgen” (Plan para el mañana) modern routes from the 20 century”.
son ejemplos de una mirada distante hacia
el futuro”. Álvaro González (Mérida, Venezuela,
“The central theme of the map collages 1979). Vive y trabaja en Madrid / Lives and
is the change of the world: geographical as works in Madrid
“La serie sobre papel ‘Luxuria primordia’ ‘Screen Pictures’ series I approach painting
usa como base fotografías e ilustraciones as if it were a screen where the condensation
de moda de diversas épocas, imágenes of pictorial matter works as resistance to the
que son descompuestas dando origen a dissolving speed of pixels”.
otras. En esta serie cobran importancia Changha Hwang (Corea, 1969). Vive y
los tejidos, volúmenes, estampados y trabaja en Nueva York / Lives and works in
texturas presentes en la ropa, desechando New York.
cualquier rastro de humanidad, es decir “Lo que busco constantemente cuando
no se toma en cuenta al modelo que pinto es crear una tensión visual que
viste dicha ropa. Las deconstrucciones se genere información para el proceso de
realizan mediante el dibujo, el collage y la entendimiento de las relaciones entre
pintura”. espacio y tiempo. Dichas relaciones
“The series on paper ‘Luxuria primordia’ sincronizan con la relación que existe entre
uses as its basis, fashionable photographs Mí Mismo y Dios, o el ser humano y el
and illustrations from different eras, images Universo, o Yo y los Demás”.
created from other images that have been “What I am constantly looking for when I
previously taken apart. This series focuses paint is to build up visual tension. That creates
on the importance of textiles, volume, information for the process of understanding
patterns and texture of clothing and not relationships of space and time. The
the model who wears such clothes. These relationships of space and time synchronizes
deconstructions are created by means of with that of Myself and God, or Human and
drawing, collage and painting”. the Universe, or I and the Others”.
Laura González Cabrera(Las Palmas Oliver Johnson (Londres, Reino Unido,

de Gran Canaria, España 1976). Vive y 1972). Vive y trabaja en Valencia / Lives and
trabaja en Las Palmas / Lives and works in works in Valencia
Las Palmas “Las series ‘Colour Compositions’
“Nuestra percepción está condicionada (Composiciones de color), surgió del
por la acelerada circulación de las imágenes deseo de explorar los límites de la pintura
en el mundo contemporáneo. A través de incorporando diferentes procesos en su
la pintura intento salir al encuentro de este creación. Utilicé un diseño uniforme de
vértigo, ampliar la imagen, darle definición, lunares para crear colores compuestos
tiempo. En la serie ‘Screen Pictures’ mezclando visualmente dos o más colores.
abordo el cuadro como una pantalla donde La composición depende de factores
la condensación de la materia pictórica contradictorios tales como la repetición
funciona como resistencia a la velocidad y continuidad y el caos y la casualidad; el
disolvente del píxel”. diseño es contaminado con la sensualidad
“Our perception is conditioned by de formas corrientes, pero excluye cualquier
the rapid circulation of images in our decisión guiada por el gusto individual”.
contemporary world. In my paintings, I try to “The ‘Colour Compositions’ series arose
come face to face with that vertigo, blow up from a desire to explore the limits of painting
the image, and give it definition, time. In the by incorporating various processes in its
creation. A uniform pattern of dots was “Estas dos obras pertenecen a la serie
used to create compound colours by visually ‘La Grosse Badaboum’. Este nombre fue
mixing two or more colours. The composition tomado de un minúsculo libro encontrado
depends on conflicting factors such as en una librería perdida de París. Fue el
repetition and continuity and chaos and principio de entender la pintura como
chance; the pattern is contaminated with the una gran onomatopeya, un gran gong que
sensuality of common forms, yet excludes resuena ante nuestros ojos, pero sobre
any decision guided by individual taste”. todo que golpea nuestro interior. Una
manera de entender el referente pictórico
Fabián Marcaccio (Rosario, Argentina, como algo intangible”.
1963). Vive y trabaja en Nueva York / Lives “These two pieces are part of the ‘La
and works in New York Grosse Badaboum’ series. This name was
Fabián Marcaccio es un artista taken from a tiny book found in a quaint
interdisciplinario cuyo lema principal es book store in Paris. That was the start
la pintura en todas sus formas posibles. of coming to understand painting as a
La obra ‘Gesture’s Responsibilities’ great onomatopoeia, an enormous gong
(Responsabilidad del gesto), es el echoing before our eyes, and inside of us.
primer video de Marcaccio y muestra la It is a way of understanding painting as
predisposición por el Barroco, abstracto intangible”.
y mutante; aquí la gruesa pincelada
del artista es muy explícita. Es como si Krisdy Shindler (Vancouver, Canada,
Marcaccio hubiera ido un paso por delante 1977). Vive y trabaja en Vancouver y
al crear composiciones en movimiento con Glasgow / Lives and works in Vancouver and
saltos entre la abstracción y la figuración y Glasgow
entre lo micro y lo macro de manera fluida “Mis animaciones buscan elevar
y natural. (PB) la pintura como un medio hacia sus
Fabián Marcaccio is an interdisciplinary propios límites, a la vez que sugerir
artist whose leitmotiv is painting in all formas alternativas de ver la práctica
its possible forms. The piece ‘Gesture’s tanto histórica como actual. La disciplina
Responsibilities’ is the first video of juega un papel importante en mi obra,
Marcaccio and it displays the predisposition ya que considero que mis animaciones
for the baroque, abstract and mutant; here son cuadros en sí mismos. Sin embargo,
the artist thick stroke is very explicitly. It a la vez son películas que mueven
is as if Marcaccio had gone a step further imágenes que tienen lugar en el tiempo,
by creating moving compositions whose que intrínsicamente crean un sentido de
movement jumps between abstraction and la narrativa y de la historia que va más
figuration and the micro and the macro in a allá de lo que podría ofrecer un cuadro
fluid and natural manner. (PB) tradicional”.
“My animations aim to push painting as
Nico Munuera (Lorca, España, 1974). a medium to its limits, while also suggesting
Vive y trabaja en Valencia / Lives and works alternative ways to view the practice both
in Valencia currently and historically. Disciplinarity
plays an important role in my work since los ríos en la Tierra. Estos tres cuadros son
I consider my animations to be paintings los primeros de una serie basada en las
in their own right. However, they also are actividades geológicas e hidrológicas que
films, moving images that take place in tuvieron lugar en un área de entre 14 Km
time, which inherently creates a sense of x 19 Km. Encuentro que este panorama es
narrative and story, beyond what a singular muy misterioso”.
traditional painting could achieve”. “The Eberswalde delta provides the first
clear, ‘smoking gun’ evidence that some
Vargas Suárez-Universal (México DF, valleys on Mars experienced on going,
México, 1972). Vive y trabaja en Nueva York persistent flow of a liquid with the physical
/ Lives and works in New York properties of water over an extended
“El delta Eberswalde proporciona la period of time, as do rivers on Earth. These
primera evidencia clara, de que algunos three paintings are the first of a series
valles de Marte experimentaron un based on the geological and hydrological
continuado y persistente flujo de un activities that happened in a 14 Kmx19
líquido con las propiedades físicas del agua Km area. I find this landscape to be very
durante un largo período de tiempo, como mysterious”. x

Miac Cat Ofelia Jav 2011 SRGB

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ESPÍRITU DE ÉPOCA

UNA DÉCADA DE PINTURA

SPIRIT OF THE EPOCH

Depósito Legal: G.C. 1054-2011

La exposición Espíritu de época. Una década de pintura en la Colección Ofelia Martín-Javier

Astrid Pérez Batista

Astrid Pérez Batista

“Lo que llamas el espíritu de los tiempos

Parte #1 Po(p)lítica y vida cotidiana: lo extraordinario de lo ordinario

Parte #2 Ella lo domina todo: la redefinición de la mujer

Parte #3 Cosa de hombres (o casi): la venganza del kitsch

Parte #4 Duros, románticos y atmosféricos: el ‘problema’ abstracto

Spirit of the Epoch

“And what the spirit of the times men call,

Part #2 She dominates all: The redefinition of the female

Part #3 It’s a man thing (or almost): the revenge of kitsch

Part #4 Hard-edgers, Romantics and Atmospherics: the abstract ‘problem’

Ofelia Martín Fernández y Jesús Javier Núñez González

“Creemos que la pintura de hoy ha de ser el

Residentes en Lanzarote, Ofelia Martín Fernández y Jesús Javier Núñez González se

P.B. –¿Hay también algo de filantropía en ello tal vez?

O.M. J.N.–Nuestra formación es abierta, nada excluyente. Somos universalistas

POLÍTICA, KITSCH Y ABSTRACCIÓN

P.B. –¿Cuál podríamos decir que es el hilo rojo de vuestra colección?

P.B. –Otro eje sería la perspectiva femenina o la posición de la mujer en el mundo.

P.B. –Después de un coleccionismo tan intenso, el espacio se vuelve un asunto importante

P.B. –Vuestro caso es bastante inusual en Lanzarote. ¿Qué recomendaríais a otras

Ofelia Martín Fernández and Jesús Javier Núñez González

“In our opinion, contemporary painting should

P.B. –Is there also an element of philanthropy perhaps?

POLITICS, KITSCH AND ABSTRACTION

generally accepted by critics. In this contemporary or current context, which is a reflection

P.B.– Thank you very much. x

#1 Po(p)lítica y vida cotidiana: lo extraordinario de lo ordinario

#2 Ella lo domina todo: la redefinición de la mujer

#4 Duros, románticos y atmosféricos: el ‘problema’ abstracto

#4 TEXTOS DE ARTISTAS / ARTIST’S WRITINGS 81

Po(p)lítica y vida cotidiana:

Po(p)litics and daily life:

En este apartado están reunidos artistas cuya obra

This section brings together artists whose work

Miguel Aguirre (Perú / PERU)

Un estudiante iraní hace el El presidente Barack Obama El tenista español obtiene

Carlos Aires (España-Bélgica / SPAIN-BELGIUM)

Una gran lliure, 2010

Pablo Alonso (España-Alemania / SPAIN-GERMANY)

Wappen, 2005 Gruppenbild, 2005

Peter Atkins (Australia)

Two separator, 2003

Paper cup handle, 2003

Pedro Barbeito (España-Grecia / SPAIN-GREECE)

Captain America: Shield I, 2006 Captain America: Shield II, 2006

Chus García-Fraile (España / SPAIN)

Sneaker 1, 2002 Sneaker 2, 2002 Sneaker 3, 2002

For sale I, 2007 For sale II, 2007

Julien Michel (Francia / FRANCE)

Black market nº 3, 2003

Black market nº 2, 2003

Sophia Schama (Bulgaria-Alemania / BULGARIA-GERMANY)

Red blue shark, 2008

Saso Stanojkovic (Macedonia)

Film Marathon, 2003

Ella lo domina todo:

#1 Po(p)lítica y vida cotidiana: lo extraordinario de lo ordinario

#2 Ella lo domina todo: la redefinición de la mujer

#4 Duros, románticos y atmosféricos: el ‘problema’ abstracto

#4 TEXTOS DE ARTISTAS / ARTIST’S WRITINGS 81