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La evolución del arte y lo bello

Ruy Ruidiaz (00129411)

Universidad San Francisco de Quito

ESP – 1001 – Escritura académica

Profesor: Juan Pérez

9 de julio de 2020
 La evolución del arte y lo bello

¿Hasta que punto se puede decir que el arte ha perdido su esencia? La justificación del

arte se da desde tiempos antiguos, su legitimación comienza por medio de la filosofía del

socratismo en occidente. La evolución de como se ve el arte se da por la sobre explotación de un

tema en conjunto de nuevas ideas; por medio de la forma en como se desarrolla la sociedad en

dicha época, por ejemplo, lo que hizo el cristianismo con el arte al final del primer milenio,

siendo esto el punto clave para ver el arte de otra forma y legitimarlo de tal forma. “desarrollo, a

través del arte cristiano medieval y la renovación humanista del arte y la literatura griega y

romana, un lenguaje de formas comunes para los contenidos comunes de una comprensión de

nosotros mismos” (Gadamer, 1997, p. 31) creando una huella en la historia. El arte ha pasado por

varias etapas en el transcurso del tiempo, el impacto que este ha ocasionado se ve reflejado en la

sociedad llevando a que en la actualidad las personas menosprecien el arte, creando un análisis

por medio de la estética, el ámbito de pensamiento filosófico y la comunicación que se tiene con

el posmodernismo y el que se tenía en una época clásica.

El arte es evolutivo y los estilos se crean en base de una realidad, la forma dentro del

estilo hace la diferencia en lo que se quiere expresar. Por ejemplo, el arte pop de Andy Warhol,

un artista plástico estadounidense del milenio pasado que se denomina contemporáneo; nace de

un expresionismo abstracto, “El movimiento pop se caracterizaba por un dialogo entre artistas

mas que por una serie de declaraciones realizadas por una entidad autoritaria” (Danto, 2005, p.

24) donde estos se tomaban la atribución de por ser elitistas llamar arte a una u otra cosa. Una de

las obras mas importantes de Warhol, “la caja de brillo” creó un cambio importante para la

concepción del arte, creando este arte pop sobre la estética, dejando atrás la importancia del

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pigmento, donde tiempo atrás este y su acercamiento con la realidad era lo mas importante, es lo

que se conocía como las bellas artes.

La estética es uno de los primeros ámbitos que se presenta a la hora de hablar sobre arte;

dentro de la sociedad en general. Esta toma un papel muy importante para poder llegar a dicha

sociedad, el arte tiene que crear un sentimiento dentro de la persona y este se genera por medio

de los sentidos, hasta día de hoy existen varias posturas sobre lo que representa el arte, que se

puede denominar arte y que no. “Las cosas feas pueden ser concebidas, en cuanto tales, de

manera bella, y las más bellas, de manera fea.” (Gottlieb, 2014, p. 34-35) se tiene el concepto

que mientras mas cerca se encuentra de la realidad natural es mas bello, puesto que es lo que mas

genera impresión.

Lo que muchas personas deben entender sobre el arte es la idea de lo bello, la estética

para Hegel, un filosofo alemán del siglo XVIII, es parte de la metafísica, el arte para este no es

un pasatiempo con cuyos productos decoramos la casa, ni algo cuya finalidad sea simplemente el

placer. Más bien, tiene un fin metafísico importante, que es demostrar dentro de la sociedad, es

decir en la esfera de la sensibilidad la esencia de lo divino, de algo puramente racional e

inteligible. Hegel separa lo sensible – empírico y lo inteligible – racional teniendo una similitud

con el ideal de Platón. Immanuel Kant por su parte fue el primero en entender el arte dentro de la

filosofía, lo bello del arte se crea por medio del concepto, “Está sosteniendo, en primer lugar, que

se equivocan quienes piensan que la belleza se explica fundamentalmente por las cualidades

objetivas de las cosas, como es el caso de los que sostienen que la belleza es perfección sensible”

(Fianza, 2008, p. 60). Teniendo todos estos conceptos analizados se puede decir que no existe un

arte puro de lo pasado ni de lo moderno, el arte se puede llamar arte desde que se dejo la

ornamentación y el representar a una religión o sociedad y se centro en lo verdadero y en si

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mismo. El gusto que entra dentro de determinar lo bello es comunicativo y representa lo que

puede gustar a un grupo mayor o menor teniendo una experiencia en el goce de lo bello, dejando

una idea de lo estético abierta con Duchamp que creó un shock estético para la sociedad y lo que

se entiende del arte.

Dentro del ámbito filosófico, el periodo romántico ofrece el prototipo de una generación

que busca lo inédito, pero cuya imaginación se adelanta a los medios de ejecución, “el problema

del espacio plástico no es solo un problema de contenido o continente, sino de adopción de un

contenido a un continente, no siendo ni el uno ni el otro elementos aislables” (Francastel, 1981,

p. 161) el romanticismo no transforma el espacio plástico porque se dedicó a renovar temas sin

replantear el fundamento técnico del signo especial en si. Muchos estilos entran dentro del

ámbito clásico, la ejemplificación mas interesante que se puede encontrar se da entre el

romanticismo y el impresionismo, se creó una división entre generaciones donde unos buscan

rejuvenecer el arte por el único medio de renovación del tema, mientras que los otros descubren

que en el ámbito plástico no se puede progresar sino planteando simultáneamente el contenido y

el continente del arte. Una nueva renovación se creaba donde se planteaba el problema

fundamental de las relaciones del hombre con el universo y de los individuos entre si, dejando de

lado las divinidades religiosas y sociales del pasado.

En aquella época se tenia la idea que se innovaba y se pasaba de un tema a otro, cuando

en la actualidad se puede notar que el gran cambio se dio mucho después. Dentro de la narrativa

del fin del arte, la filosofía y el arte van por caminos separados, “El arte puede estar hecho de

cualquier cosa y que puede ser perceptivamente indistinguible de meros objetos reales” (Tsocha,

2005, p. 66). Dentro de la filosofía existía el problema de la distinción de arte y realidad, donde

el arte paso a ser filosofía con la obra ¨brillo box¨ por su autenticidad como arte, cuando dentro

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de la cultura de masas otra que fuera similar no lo era. La diferencia entre Duchamp el precursor

de el arte subjetivo y Warhol consiste en que el primero realizo del ready-made un arte, su gran

problema fue encontrar objetos del mundo real con falta de estética. Mientras que por otro lado

Warhol encontraba un objeto que luego lo estatizaba, “Duchamp llevó a su fin la era del gusto,

Warhol llevó al arte, y con él a la historia del arte modernista, a su fin” (Tsocha, 2005, p. 67)

Warhol recreo este gusto en vez de que termine.

Uno de los puntos mas importantes dentro del arte es la comunicación y saber llegar al

espectador, el grafismo dentro del arte moderno conlleva un conjunto de objetivos para crear una

obra, aparte de la comunicación, el oficio es importante. “Es por ese lado el primo de la pintura,

del grabado, de la foto” (Lyotard, 1996, p. 34) lo interesante del grafismo como comunicación es

que por medio de diferentes expresiones visuales se puede interpretar un mismo escrito, como lo

es la comparación entre la anunciación del ángel de Tintoretto y la de Simone Martini. El objeto

grafico crea tanto en el espectador en cuanto esto se sienta parte de su vida, se puede persuadir,

pero si es algo que ya no se vive en una realidad actual, es mas difícil que trasmita. En contraste

se analizaría que puede trasmitir hoy en día una anunciación de ángel y por otro lado la

liberación de un prisionero político, determinando a los objetos pocos durables. El publico es

primordial porque es a ellos a lo que se quiere llegar, estos tienen una constante, la mas notoria

es la cultura y como se comporta, pero aún así, no se puede determinar a ciencia cierta lo que

podría tener éxito, por lo que el grafista se tiene que adaptar a crear hipótesis, para lograr de

cierta forma intrigar al publico. Al publico se lo determina como “bestia negra”. “No sabe lo que

le gusta y lo que no le gusta” (Lyotard, 1996, p. 37) en muchos casos ni las propias personas se

conocen a si mismas, esto hace que el trabajo del grafista sea arriesgado, llegando a tener una

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idea que todo ya está hecho y perdiendo esta expresión en crear algo, teniendo a muchos hoy en

día con la idea de que con una buena etiqueta todo se puede vender.

Por otro lado, la poesía cumple un punto mas allá, que es el lado conceptual. La música

expresa sentimientos, cosa que los animales pueden percibir, mientras que los conceptos que la

poesía maneja pueden representar pensamientos. Eso es lo propiamente humano para Hegel y por

tanto la poesía constituye la forma artística mas elevada. Los contrargumentos son varios y se

dan por los racionalistas, donde no hay una objetividad y se dice que el arte es ornamental, donde

solo es un medio y no tiene un fin por lo que simplemente esta destinado a complacer. Por una

parte Hegel tiene una idea sobre el fin del arte, dice Hegel que la necesidad universal por el

arte…es la necesidad racional del hombre de incorporar el mundo interior y externo en su

consecuencia espiritual como objeto en el que reconoce nuevamente a sí mismo (1977, p. 27)

pero cuando dice que el arte ha llegado a su fin no quiere decir que no habrá mas creación

artística, sino simplemente que no se desarrollara más, no alcanzará expresiones mas refinadas

como se puede ejemplificar hoy en día con el arte moderno y luego llegando al arte post

moderno con Andy Warhol que juega con las ideas elevadas de arte donde este arte anuncia el

fin del mismo, dejando entrever que el arte siempre tendrá algo que decir y generara sentimientos

dentro de las personas.

En conclusión, la sociedad en la actualidad tiene un erróneo concepto en cuanto a arte

significa, muchas personas manejan el concepto clásico que carece de filosofía y sin fondo que

tampoco deja de ser arte. La idea clásica ha creado por medio de la religión que mientras mas

realismo se obtenga; mejor es la obra, como todo en la vida el arte sufrió de una evolución en

todo sentido, lo único que se mantiene es su esencia. El mas claro ejemplo de un antes y un

después se da con Warhol, Tsocha afirma que este realizo un cambio para la historia del arte con

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sus obras, pero en muchas ocasiones ni si quiera él entendía la magnitud de lo que hacia, también

pone a Danto como una inteligencia filosófica al poder teorizar estos procesos de historia

cultural, mas que una obra, es por esto que al tener un nuevo entendimiento, es difícil que la

sociedad en general pueda estar satisfecha con lo que se vive en la actualidad, la estética, el

ámbito filosófico y la comunicación; si bien se han transformado como se menciono

anteriormente, su esencia continua teniendo argumentos con las teorías de los diferentes

personajes que se encuentran dentro de la historia.

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 Referencias

Danto, A. (2005). Tres cajas de brillo: cuestiones de estilo. Machado libros S.A .

Fianza , K. (2008). La estética de kant: el arte en el ámbito de lo público. Revista de Filosofía,

64, 49-63. https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-

43602008000100004

Francastel, P. (1981). Sociología del arte. Alianza editorial.

Gadamer, H. (1997). La actualidad de lo bello. Paidós.

Gottlieb, A. (2014). Estética breve. Centro de investigaciones filosóficas Excursus.

https://www.academia.edu/15231045/Alexander_G._Baumgarten_Est

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Hegel, F. (1977). Lecciones de estética. La pléyade

Lyotard, J. (1996). Paradoja sobre el grafista. En A. Izquierdo (Trad.), Moralidades

posmodernas (pp. 31-50). Editorial tecnos S.A.

https://joaocamillopenna.files.wordpress.com/2015/12/lyotard-moralidades-

posmodernas.pdf

Tsocha, K. (2005). ¿Era Andy Warhol un genio de la filosofía?. Machado libros S.A