Resumen Final de Historia

Primer parte
Bauhaus

Contexto histórico ( político, económico, social) :

• Predecesores: van de velde y artis and crafts 
o unión entre arte y artesanía
o Idea de obra de arte total
o Reivindicación de los talleres
• Expresionismo
• 1903 Wiener Werkstatte
• Deutscher Werkbund: artistas, artesanos, empresarios unidos
• Vanguardias musicales: Schoenberg (atonalismo) Strawinsky
• Vanguardias literarias: Kafka (la metamorfosis 1914)
• Abstracción, Kandinsky 1909
• Constructivismo en rusia 1912, Neoplasticismo, Dadaismo
• 1914 – Primera guerra mundial  pierde alemania, tratado de
Versalles  República de Weimar
• 1917 – Revolución Rusa
Fundación de la Bauhaus:
• 1919 – Van de Velde, director de la escuela de Artes y
Oficios de Weimar es expulsado de Alemania y nombra a
Gropius como su sucesor. Esta se unifica con la escuela de
Bellas Artes y se crea la STAATLICHE BAUHAUS
Objetivos de la fundación:
• Colaboración entre arte, artesanía y técnica (al estilo
werkbund)
ARTE – ARTESANÍA – TÉCNICA  TODO INSEPARABLE
• Trabajo en conjunto hacia un objetivo común 
CONSTRUCCIÓN
o Ideal de los talleres medievales
o Espíritu igualitario en pos de una idea común.
• No había PROFESORES y ALUMNOS, sino MAESTROS y
APRENDICES, la escuela estaba al servicio del TALLER
• La formación estaba dirigida por dos maestros:
o De forma (artista): los mejores artistas del momento
pertenecientes a las vanguardias, el arte volvia a ser
parte de la vida cotidiana. Itten, Feininger, Muche 
expresionismo
Klee, Schlemmer, Kandinsky  abstracción
o De artesanía (artesano)
• Aprendizaje subordinado a una meta final  el edificio
levantado colectivamente al que todos los oficios deben
contribuir.
• Se le daba prioridad a la actividad creadora: libertad e
individualidad.
Estructura Institucional – Académica:

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 • Curso preliminar: (6 meses) VORKURS dictado por ITTEN
Objetivos:
o preparar a los estudiantes en el manejo de
MATERIALES – FORMAS – COLORES
o Liberar la energía creadora y desarrollar la
individualidad a través de la práctica, el contacto
manual y artístico con la naturaleza.
o Liberarse de prejuicios, comprender los materiales.
• 3 años en uno de los 7 talleres:
o Parte Técnica: ARTESANO, aprendizaje manual del oficio
completado por tecnología de los materiales,
herramientas, procesos industriales, etc.
o Parte Formal: ARTISTA, lenguaje plástico, leyes objetivas
de forma, color y composición
 Ciclo de observación
 Ciclo de expresión
 Ciclo de creación
• Curso de Perfeccionamiento (duración variable):
o Para los más capacitados: reunía a los estudiantes de
todas las disciplinas en la realización de trabajos
prácticos encargados del exterior.
Perfil pedagógico:
• Vanguardista: movimiento internacional de renovación escolar
• Educación artística: “actividad vital a todo el pueblo y de
ninguna manera un lujo”

Directores, Ideales, Características, Objetivos

Era Gropius:
• Fase EXPRESIONISTA: (1919 - 1923):
netamente influenciado por el expresionismo:
o Arte socialmente comprometido
o Liberación total del quehacer artístico
o La verdad se encuentra más que al final de la tarea,
durante la BUSQUEDA
Curso preliminar, ITTEN  enseñanza mediante el juego:
o Desarrollo de los sentidos
o Capacidad de pensar
o Espiritualidad
PROBLEMA: escasos vínculos con las exigencias de la
fabricación en serie, Itten amenaza con convertir a Bauhaus
en un laboratorio de investigación estética
GROPIUS  pensamiento RACIONALISTA:
o Nuevos horizontes de abstracción
o Adhiere con el movimiento moderno.
• 2da Era Gropius – RACIONALISTA: (1922-1928)
Búsqueda de formas propias que reflejen los ideales
BAUHAUS
1922 – Itten deja la Bauhaus:
Orientación de los talleres hacia una nueva tendencia:
o Papel del diseñador: nuevo tipo de trabajador que
domina por igual TÉCNICA y CONCEPCIÓN DE DISEÑO

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 o Idea de una Bauhaus PRODUCTIVA: más énfasis en la
creación de objetos y productos concretos, posibilidad
de ser económicamente independiente  sociedad
Limitada Bauhaus: comercialización de prototipos,
conexiones con empresas.

1923 – Primera Exposición Bauhaus

Meta: formas adecuadas a la industria de la época
Sustitución de ITTEN por MOHOLY-NAGY (“el artista es
sobretodo un técnico”, dirige en Vorkurs y el Taller de
Metales)
o Walter Gropius  cambio en su pensamiento
 Arte abstracto
 Neoplasticismo: De Stijl (Theo Van Doesburg),
concepción universalista, lo individual al servicio
de lo universal coherente con la idea de Gropius
de los objetos y sus escencias
 Constructivismo
 Escencia misma de las cosas: formas y colores
elementales, Tipos básicos ideales (silla, tetera,
casa, etc), Función y forma adecuada al uso.
o Artistas: de corte más abstracto y contractivo: Klee,
Kandinsky, Albers, Moholy Nagy
o Pensamiento RACIONAL:
 vivir civilizadamente = vivir racionalmente
 La RAZÓN es el instrumento del conocer, lo util
sirve de fundamento a lo bello.
1923-1928  etapa de mayor esplendor, más productiva
Forma  paradigmas del bueno diseño
1925  Traspaso a DESSAU: acelera la producción, contacto
con al realidad

• Era MEYER: funcionalismo – colectivismo – constructivismo

Hannes Meyer: arquitecto suizo, hace una arquitectura
radicalmente funcional que renuncia al concepto de arte:
o Primero dicta el taller de arquitectura
o Asume como director cuando Gropius se retira, si bien no
comparten la idea de hermandad entre arte e industria.
Ideología:
o Corte constructivista-marxista
o Insertar a la escuela en la PROBLEMÁTICA SOCIAL:
generar objetos cerca del gusto, entendimiento y
necesidad popular.
o Desarrollo de la parte científica: exigencias de la industria
Académico:
o División entre las asignaturas de arte y las científicas
o Intensificación de la parte práctica
o Refuerzo de la sección arquitectura
o Apertura de la escuela: mayor integración social.
Misión social: Talleres como verdaderas corporativas de trabajo,
standarización, encargos reales.
Objetos:

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 o Despojados del carácter ideal que esgrimían los de
Gropius
o Mensaje unívoco: mejor comprensión y lectura
o Para las masas, necesidades populares
o Disminuyen la calidad como objetos de diseño, son
pensados para el consumo masivo

Gropius
• Formas puras, coherentes
con la producción
industrial
• Dupla función-forma
• Análisis de materiales
• Composición de partes,
diferenciación de
entidades funcionales.
• Lenguaje formal influido
por las vanguardias
• Romper con los
paradigmas anteriores
• Intelectualmente
elaborados
Problemas:
• No hay conocimiento
real de las dificultades de la
producción en masa
• No tienen en cuenta la
necesidad y el gusto popular
Meyer
• Rechazan el concepto
innovativo de mobiliario
de estructura tubular,
vuelven a los materiales
tradicionales de
aceptación popular.
• Formas simples, de lectura
clara, economía, ya no
como expresión de una
idea formal.
• Relación
usuario/productos,
dinamismo, posibilidad de
cambios.
• Posibilidad de ser
vendidos en grande
tiendas desarmados y
reconstruidos por el
usuario.
• Ya no hay tanta pureza
formal, sin el rigor
morfológico estructural de
antes.
• Producción para grandes
series

Influencia de las Vanguardias:

• Artistas de valor indiscutibles pero “neutrales”
• Expresionismo  arte socialmente comprometido
• Blaue Reiter  liberación total del artista, verdad mediante
la búsqueda.
Luego
• Constructivismo: Gabo, Pevsner
• Neoplasticismo, Racionalismo, Suprematismo: formas puras,
colores primarios, valores universales, objetos ideales,
lenguaje para el hombre universal
• Artistas: Moholy-Nagy, Van Doesburg, Kandinsky, Malevic,
Klee.
Cronología de la vida de la Bauhaus
1919- Fundación, Manifesto
1920 – visita de Van Doesburg  influencia
Creación del partido nazi
1922 – reemplazo de Itten por Moholy-Nagy, culminación de la
fase expresionista.

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1923 – Racionalismo en la Bauhaus, 1era exposición, Lámpara de
Wagenfeld
Hiperinflación en Alemania
1925 – Sillon Wassily, traslado a Dessau por cuestiones políticas y
animosidades, nuevo edificio, nuevos talleres
1927 – Sección arquitectura con Hannes Meyer
1928 – Gropius solicita el relevo de su cargo, escuela amenazada
en el interior por el formalismo y en el exterior por el nazismo.
gropius tuvo una primera etapa en la que estaba mas influido por el
expresionismo, que creia en un arte socialmente comprometido, y
accesible a todos y despues una segunda etapa en la que estuvo mas
influido por el racionalismo y por de stijl
Sucesores:
Escuelas:
• Black Mountain College: joseph y ani Albers, Bucki Fuller, De
kooning.
• New Bauhaus (chicago): Moholy nagy
• Bauhoschule: continuación en Europa, Otto bartning,
wagenfeld, Neufert
• Knoll International: producción de diseños modernos
pagando royalties.
• Emigración: Walter Gropius – Harvard, Mies Van der Rohe –
Armour Institute of Chicago
• Cranbrook Academy of art

Diseño en América:
Contexto
• EEUU período de entreguerras, fortalecimiento del :
capitalismo y consumismo
• Diseño Industrial  venta y comercialización, agilización del
mercado.
• crack de wall street 1929  NEW DEAL: obras públicas,
reactivación del consumo, compromiso y apoyo por parte del
estado.
Condicionantes
• Materias primas en su propio territorio
• Nuevos materiales: aceptación del público
• Fuentes de poder, nuevos combustibles
• Construcción estandarizada: transitoriedad y Movilidad
Influencias
• Hollywood
• Musica: jazz, swing, Gershwin, vertigo, velocidad,
exhuberancia
• Comics y ciencia ficción: flash, superman, ambientes
futuristas
Art Decó: viene de Francia, modernidad y tradición decorativa.
Estados unidos no poseía un estilo arquitectónico propio.
• Movimiento sin pasado
• Imágenes de modernidad, pujanza industrial, prosperidad
económica, glamour.
• Sin grandes andamiajes teóricos.

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 • Chrysler Building, Empire State

Styling:
Variante comercial que permitió a los americanos agilizar el
mercado para sobreponerse a la depresión, utilizando la imagen
del producto como motor de la carrera consumista.
• Auspicia el cambio constante de la apariencia de los objetos
con el fin de lograr un INCREMENTO DE VENTAS.
• Objetivo principal  producit un cambio radical en la FORMA
EXTERIOR del objeto mientras que los mecanismos y
prestaciones se mantienen casi inalteradas.
• Misión del diseñador: Aumentar la EUFORIA CONSUMISTA
Factor publicitario:
Obsolescencia planificada: desgaste generado por el bombardeo de
imágenes nuevas con necesidades inventadas.
• Promoción de nuevos modelos  falsa sensación de
necesidad saciable solo con la compra de lo nuevo.
• Se genera un círculo vicioso en el que el nuevo modelo
viene a reemplazar al viejo, pero a su vez es condición
imprescindible para la existencia del siguiente, de esta
manera cada objeto lleva marcada en su nacimiento la fecha
de su propia muerte o reposición.
• Superpoblación de productos  identidad visual de los
objetos, correspondencia con otros o asociación con una
marca o empresa  imagen corporativa: clara visualización y
diferenciación con la competencia.

Streamlining: la imagen en pos de una idea

Styling: no esta ligado teóricamente a un lenguaje formal
determinado  adopta el streamlining como imagen y repertorio
formal.
• Estilo nacido predominantemente del campo científico-
teórico, y búsquedas de la producción industrial, casi sin
contacto con teorías estéticas.
• Líneas Aguzadas (tendientes a una gota de agua)
proporcionan condiciones ideales para evitar la resistencia de
los cuerpos al viento y al agua (observación de peces y
aves).
• Experiencias con aerodinamia: justificación teórica,
incremento de la velocidad y la estabilidad.
Asociación del streamlining con el diseño americano:
• Necesidad de cambiar la forma del objeto sin realizar
modificaciones en la maquinaria: desarrollo del carcaseo,
superposición de una envolvente que cubre el objeto, cambio
en la apariencia sin tocar los puntos motrices.
• Superficies continuas: provenientes del aerodinamismo,
asociación de dichas formas con imágenes de modernidad y
tecnología.
• Lenguaje simple y de mensaje unívoco: la repetición permite
la validación de la imagen y por ende la imposición de un
modelo.
• Suficiente fuerza, adaptabilidad y originalidad para despertar
interés y ansias de compra en el consumidor.
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 • Características: se repiten en los objetos sin importar su
función
o Formas envolventes
o Perfiles aerodinámicos
o Curvas de amplios radios
o Colores brillantes
o Detalles en cromado
o Remarcada horizontalidad.
• Generalmente desarrollados en chapa conformada: imagen
de gran modernidad, deja de presentarse como sumatoria de
elementos para evidenciarse como un todo.
• Se hace necesaria la aplicación de elementos de
accionamiento sobre el cuerpo principal.
• Énfasis en la comunicabilidad del objeto:
o Presentarse como un producto de calidad y
tecnológicamente avanzado
o Impacto comunicativo: capacidad inmediata de
descubrir su modo de accionamiento, la operatividad
del producto se pone siempre de manifiesto.
Feria mundial de nueva York 1939
Consolidación del estilo, prefiguración del mundo de posguerra
Adelanto del mundo del mañana, lema de la feria “construyendo el
mundo del mañana” Película “things to come”, libro “horizons” de
Bel Geddes
Bisagra entre el mundo a vapor y el mundo de la electricidad, el
mundo mecánico y el mundo electrónico, American way of life.

Academia de Arte de Cranbrook

Comunidad de educación proyectual fundada a principios de los 30
por un millonario (George Booth) en la ciudad de Detroit, con la
colaboración de Eliel Saarinen (arquitecto finlandes)
• Diseño como actividad multidisciplinaria, desde el diseño
textil hasta planificación urbana, diseño de interiores, de
objetos, de cerámica y arquitectónicos.
• Ideales americanos  comunidad autónoma dedicada a una
finalidad determinada, potencias la creatividad de los
creadores americanos a través del trabajo en comunidad.
Alumnos y Profesores: Eliel y Eero Saarinen, Niels Diffrient, Charles
y Ray Eames, Florence Knoll, David Rowland, Harry Bertoia, Ben
Baldwin, etc.
Primeros Años: de lad ideas de las Arts & Crafts hacia el diseño
industrial
• Respeto por las tradiciones por un lado
• Pasaje a la producción seriada
• Exploración de conceptos innovadores y técnicas por el otro.
• Fue en la misma medida anglosajona y americana
Eliel Saarinen: “no es una escuela de arte en el sentido ordinario
de la misma. Es un espacio de trabajo para la creación del arte: el
arte creativo no puede ser enseñado por otros, cada uno debe ser
su propio maestro. Pero el contacto con otros artistas y los
intercambios amplían el espectro de creación.
Visión pragmática del diseño  manejo sus aspectos pedagógicos
hacia RESULTADOS CONCRETOS

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George Booth muere en 1949 y Eliel Saarinen año siguiente , con
esto concluye la época de oro y la escuela pierde su especial
significado, pero los egresados desarrollaron con mayor esplendor
sus trabajos.
Antecedentes:
EEUU
• Seguidores de las Arts and Crafts integrar al diseño los
valores tanto sociales como de la vida cotidiana y sumarse
a la producción industrial.
• Los hacedores de objetos debían sentar las bases para una
ética colectiva
En Finlandia
• Historia local  el diseño como un auténtico y valedero
instrumento de protección de la herencia cultural de los
finlandeses contra la histórica presión/opresión rusa.
• Crear un medio ambiente humando con un definido carácter
formal como identidad y eficiente.
Booth Y saarinen se conocen en la universidad de michigan en
1923: quieren fundar una institución de enseñanza de arquitectura,
artes aplicadas, escultura y artesanía.
Propósito de la Cranbrook:
• “Formar estudiantes con un alto entrenamiento y talento en
un ambiente favorable bajo el liderazgo de artistas de
destacadas capacidades”
• Aprender del contacto directo
• Influencia de la academia Americana de Roma, no poseía
currícula ni planes de estudio, la idea era invitar artistas y
maestros para generar una actividad creativa informal.
• Influencias: Alvar Aalto, Frank Lloyd Wright, Art Decó,
Bauhaus.
Concreción de una idea – estructura de la academia
Departamentos: arquitectura, diseño de interiores, dibujo, pintura,
escultura, teatro, paisajismo, artesanía.
• Espectro amplio y no demasiado homogéneo
• Habia un curso de ingreso, creditos y diplomas
Pensamiento de Saarinen y Booth: autoeducación bajo un buen
liderazgo
Visión pragmatica del diseño:
• No existió una base ideológica que sostuviera a la academia
hacia un fin social determinado.
• Aporte, creación de objetos industrializados que modificaron
u mejoraron la calidad de vida.
La escuela empieza a funcionar en forma oficial en 1932, pero
encuentra su apogeo en los 40 y 50s.
Luego de la muerte de sus fundadores concluye la etapa más rica
de su historia.
Diseñadores, productos y productores:
Booth  seguidor de las arts and crafts.
Saarinen  factibilidad de producción en masa y posibilidades
comerciales.
Exhibición de arte industrial: otorgar integridad e identidad al
objeto artesanal y a su vez elevar la calidad del diseño de los
objetos industrializables, no siempre convivieron pacíficamente.

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2 modos distintos de encarar el diseño.
Equilibrio entre el trabajo manual y estetica maquinista  formas
sencillas y representativas de su propia escencia rechazando el
uso de estilos o expresiones formales del pasado.
30’s – nuevas tendencias estilisticas asociadas con formas
geométricas, influencia del art decó.
1937 – Harry Bertoia, taller de metales, es moderno en su lenguaje
formal, experimenta con la aplicación de nuevas tecnologías.
1940 – MOMA, concurso de diseño Orgánico para el hogar:
Los trabajos más importantes son de Saarinen y de charles
Eames, el mobiliario conformo el look americano de los hogares de
los 50 y de oficinas y corporaciones.
Florence Knoll: produce diseños de sus colegas de la Cranbrook y
suyos propios
Knoll asociates furniture:
• Produce y comercializa, con altos estandares de diseño y
calidad constructiva
• Habil manejo de tradiciones junto al aporte del diseño
contemporáneo.
• Muebles de exalumnos de la Bauhaus, desde Mackintosh
hasta Mies van der Rohe.
Eero Saarinen
• Partricular vision del diseño de mobiliario y de interiores
• Estética muy diferente.
• Silla Grasshopper y silla Tulip en PRFV
o Con knoll se convierten en muebles refinados y tan
familiares como los de Mies y Le Corbusier
o Combina en forma escultural todos los elementos de
una silla en un todo integrado
o Sutileza de las formas orgánicas
o Posibilidad de las nuevas tecnologías y materiales.
Herman Miller:
• Produce muebles de Charles Eames
• Se vuelven paradigmas del mobiliario de oficinas: sillas
aluminum, sillas apilables con tubos de acero y fibra de
vidrio.
• Vocero del diseño americano

Importancia de la Cranbrook:
• Reconciliación de las arts and Crafts con la actividad
industrial
• Satisfizo a un publico americano maravillado por el diseño
europeo tanto como a los creadores europeos por las
posibilidades del mercado americano.
• Coexistencia entre producción en masa y “buen diseño”
• Espíritu del arte moderno  efecto concreto y consistente
en el medio ambiente doméstico.
• Knoll International y Herman Miller
• Elemento de realismo comercial que falto en Inglaterra como
en alemania.
• Culto a los diseñadores, herramienta de marketing
Charles Eames y diseño americano:

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 • Conceptualmente la metodología de diseño coincide en
terminos generales como una prolongación de los maestros
del movimiento moderno:
o Innovación tipolgica
o Estética maquinista despojada de referencias
semánticas aplicadas
Pero adquiere características propias y particulares:
• Escuela europea: ruptura con la historia tanto desde lo
formal como desde lo tecnológico, en lo formal basandose
solo en la función, dejando de lado el componente
significativo de las formas. Principalmente basado en
geometrías básicas (vanguardias artísticas). En lo Tecnológico
con la adopción de tecnologías y materiales no tradicionales
vinculados con la producción industrial.
• Factor de diferenciación:
o Parámetros formales adoptados, en lugar de geometría
fundamental se incorporaron formas orgánicas y
plásticas.
o Visión evolucionista del diseño  algunas soluciones
son mejores que otras.
Diseñadores, provienen de areas no directamente
vinculadas con el Diseño industrial.
• Normal Bel Geddes: ideas muy voladas que no se ajustaban
demasiado a la realidad. Convicción de que el diseño era
una de las fuerzas conductoras de este siglo. Cree que la
ciencia llevaría confort y belleza a todos los confines de la
tierra, creando un mundo mejor.
• Henry Dreyfuss: Telefono Bell, se inicia como diseñador
gráfico. Gusto refinado, evita excentricidades, aplica principios
funcionales y ergonómicos, le da importancia al factor
humano. Búsqueda de seguridad, utilidad, operatividad. Se
preocupa por el hombre y la antropometría.
• Walter Dorwin Teague: empezo como dibujante publicista,
diseño la camara Kodak Bantam Special y el interior del
Boeing. Resuelve problemas técnicos de manera estética.
• Raymond Loewy: es el más renombrado, imagen que el
mismo se encargo de forjar, sostenía que lo primero que
debía vender el diseñador es su propia persona. Los objetos
adquirían una plusvalía por estar diseñados por una persona
y no otra. No posee formación en el rubro, defiende el
styling bajo la premisa de que “lo feo no vende”. Desarrollo
el concepto de umbral MAYA (most advanced yet
acceptable).
• Earl: estudios de Hollywood, creador de modelos de yeso,
entra a GMC para diseñar autos.
• Sinel: neozelandes, emigra a EEUU y funda el 1er estudio de
diseño de estados unidos, padre del diseño. No es muy
conocido en los libros de historia.
• Eliot Noyes: good design: fulfills it’s function
Respects it’s materials
Is suited to methods of production
Combines these in imaginative
expresión

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 Conoce a Gropius en Harvard, se afianza a los ideales de
Bauhaus, rechaza a los no disciplinares.
Impulsa el concepto de Imagen Corporativa que había
comenzado con Behrens en la AEG.
Elegía a sus clientes, si a este no le gustaban sus ideas y
sus tiempos se daba el lujo de recharzarlos.
• Knoll: a través de la producción seriada de los objetos de
diseño hace conocer el diseño moderno en todo el mundo.

Conclusiones:
Preocupaciones distintas a las de los diseñadores europeos.
• El fenómeno americano se funda sobre carriles paralelos que
se van fusionando de manera natural con el diseño.
• Sin la existencia de una visión globalizadora la interacción
de diferentes ramas del hacer humano van generando líneas
formales: en campos de la industria y la técnica que luego
pasan al diseño, no nacen del seno de las vanguardias
plásticas.
• Giro en la relación humana sobre el objeto:
o Representación inmediata del mundo, por ende símbolo
deseable de ser adquirido
o Avidez de posesión de una sección de ese futuro
venturoso y progresista, lleva a una desaforada ola de
compras, se crea un mundo objetual como nunca
antes.
o El objeto ya no era algo ajeno a mi, sino una
extensión de mi propio ser que a la vez me significa.
o El objeto magnifica su importancia mas alla de su
aspecto funcional  ambito simbólico: masificación,
pérdida de convicciones de lo que realmente deseamos
o no poseer.
o Los objetos se vuelven símbolos de estatus, llegan a
identificarse con el status mismo: no constituye
únicamente la finalidad concreta, perseguible, sino el
símbolo ritual, imagen mítica en que se condensan
aspiraciones y deseos.  proyección de aquello que
deseamos ser
o Los objetos crean un hábitat de alta calidad de vida.
Mundo Europeo Pragmatismo americano
• Racionalidad: encauza todo • Fin de los objetos: agilizar
lo que el diseño pueda el proceso consumista, y
tener de subliminal o satisfacer el gusto popular.
irracional. • Utilización de una carcasa
• Conciencia: eleva al como solución al problema
hombre, permitiéndole el morfológico (formas más
dominio y orientación de libres), que en el ámbito
fuerzas instintivas. europeo resulta inmoral.
• Valores esenciales: perfiles • Descreimiento de la
estructurales, y existencia de una teoría
funcionales del objeto, profunda, generadora y
valores universales. dadora de la verdad que
• Crear objetos para permita establecer los
alcanzar un IDEAL cánones a seguir para el

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 • Conciencia social: igualdad
de todos los hombres,
despliegue del orden y
deseo de plasmar anhelos
y necesidades intrínsecas
a todos.
diseño  sociedad
productora, sin culpas que
busca el gozo y fruición
más que elaborados
esfuerzos intelectuales.

ULM – HOSCHULE FUR GESTALTUNG

Fundación:
1953, se funda en honor a Hans y Sophie Scholl con el objetivo de
:
Fundar una escuela en la que el SABER PROFESIONAL y la
CREACIÓN CULTURAL fueran parejos con la RESPONSABILIDAD
POLÍTICA.
• Desarrollo de conceptos y contenidos: Inge y Otl Aicher, Max
Bill, Walter Zeischegg.
Rol de la escuela:
• Acumulación de conocimiento y educar el entendimiento,
pero también educar los sentidos.
1955 – discurso de apertura por Gropius.
1er Director: Max Bill (pintor, arquitecto, diseñador suizo egresado
de Bauhaus)
• Continuación de la BAUHAUS (doctrina Gropius) en cuanto a:
o Estructuras
o Métodos
o Fines
o Itten, Peterhans y Albers dictan cursos ahí.
Docentes: Otl Aicher, Hans Gugelot, Tomás Maldonado.

1957 – se aparta de la tradición Bauhaus

Aicher, Gugelot y Maldonado  cambio de enfoque: OBJETIVO,
NEOPOSITIVISTA, CIENTÍFICO, FUNCIONALISTA.
Papel del diseñador: no podía ser ya ante todo un artista extraño
al espíritu y a los métodos de la industria, creando formas
caprichosas surgidas de su experiencia personal, talento o fantasía,
sino que debía ser un colaborador de la producción, poseer sólida
experiencia técnica y vastos conocimiento científicos.
• Conocimiento técnico y científico necesarios para el trabajo
práctico en la industria
• Influencia del objeto en la sociedad.
Enseñanza:
• Combinar aprendizaje con el trabajo del diseño para la
industria.
Nuevo entendimiento de la técnica:
• Procedimientos
• Métodos
• Principios constructivos
• Determinaciones y condicionantes del material.
Maldonado Director  tendencia científica, positivista, político-
social.

Evolución de ULM

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1947-1953: fundación y desarrollo de conceptos y contenidos y
construcción del edificio.
1953-1956: inician cursos provisionales
Continuidad de la tradición Bauhaus, aunque no existía programa
de pintura, escultura o artes plásticas.
Max Bill es el primer rector en 1954
Nuevo edificio
1956-1958: nuevas disciplinas científicas, estrecha relación entre
diseño, ciencia y técnica.
Max Bill abandona la escuela en 1957, no estaba de acuerdo con
el desarrollo de los contenidos de la misma.
Constitución de un modelo educativo.
1958-1962:
Asignaturas como ergonomía, matemáticas, economía, fisica,
psicología, semiótica, teoría de la ciencia
Tradición del racionalismo alemán.
Diseño de producto
1962-1966:
Equilibrio entre disciplinas teóricas y prácticas,
Enseñanza se formaliza de un modo más estríctos, modelo de
escuela de diseño
Interés de la industria en el uso del diseño industrial.
Nuevas investigaciones tecnológicas.
1967-1968:
Preservar autonomía: nueva orientación de contenidos
Cierra por resolución de consejo Badem-Wurtenberg en otoño del
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Surgen cuestiones ecológicas.
Reino una comercialización, ya no era posible hablar de
independencia y distancia críticas.
Conceptos surgidos en ULM
Tipo
• búsqueda de lo estándar, como el testimonio de la
resolución de un objeto de la manera más elevada, lo más
aproximado al diseño perfecto.
• Separación de lo esencial y supra personal de lo personal y
casual.
• Coincidencia formal resultante de la suma de muchas
soluciones.
System Design:
• Idea de pensar ebn sistemas con la finalidad de meter un
ORDEN en la confusa multiplicidad del mundo.
• Los objetos estan en una relación en la que se condicionan
mutuamente.
• Combinación de elementos básicos, padrón de sistemas,
adición, multiplicidad.
Funciones nuevas:
• Apilabilidad: formas básicas, ángulos rectos.
• Posibilidades ilimitadas para completar y combinar: formas
sencillas y combinables, alarga la vida util del objeto.
Funcionalismo:
• Forma sigue la función: expresión forma, consecuencia lógica.
• Reducción al mínimo de atributos estéticos: MENOS ES MÁS

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 • Organización lógica: función del objeto visible, estética
HONESTA
• Aspecto austero, reservado, neutral, uso de los no colores
(gris, blanco y negro)

Estructura académica
Curso inicial: (formación básica)
• Fundamentos del diseño, proyectual
• Sensibilización.
• Ciencias exactas, pensamiento cartesiano.
Luego:
• Construcción
• Cinematografía
• Información
• Diseño de producto
• Comunicación visual
Repercusiones pedagógicas:
• Rígida actitud cartesiana
• Separación radical entre: DISEÑO/ARTE y DISEÑO/ARTESANÍA
• Reflexión sobre problemas, métodos de análisis, síntesis y
fundamentación.
• Programa de estudios modelo: máxima grado de objetividad.
Repercusiones en la cultura del producto:
Principios de ulm se difunden a través de la empresa BRAUN:
• Gutte Form (buena forma): satisface necesidades de
producción industrial, bienes de consumo.

Colaboración con Braun:

1954 aproximadamente, empresa familiar con interés en el diseño
Imagen de la empresa a través de:
• Concepto
• Control de diseño de productos
• Comunicación
• Coordinación de todas las diligencias creativas.
Ideas funcionalistas:
• Utilidad del producto
• Requisitos ergonómicos y fisiológicos.
• Buen funcionamiento
• Diseño esmerado en detalles.
• Diseño armónico
• Diseño inteligente: necesidades y conducta del usuario,
tecnologías innovadoras.
• Menos es más.
Objetos BRAUN:
• Sofisticación visual
• Atención al detalle
• Sencillez geométrica.
• Racionalismo sin decoración, sinónimos de Gute Form.

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 • ORDEN – ARMONÍA – ECONOMÍA.
Diseñadores:
Hans Gugelot:
• Exponente del funcionalismo
• Grises apagados, angulos rectos, ausencia total de detalles
decorativos.
• Máquinas de apariencia correcta y atemporal.
Dieter Rams:
• Perfección formal y atención al detalle.
• Estilo austero, contenido, pureza de imagen.
• Esclarecer el caos en el que vivimos.
Tomás Maldonado:
• Teórico argentino del diseño.
• Estudio Bellas Artes, 1951 publica la revista nueva visión,
conoce a Max Bill.
• Trabaja en Ulm, en 1954 domina su orientación.
• Consideración sistemática del diseño, estilo bellamente
austero.
Otl Aicher:
• Diseñador gráfico alemán.
• Participa en ULM de 1962 a 1964 es rector.
• Concepto racional del diseño
• Obra clara racional que integre imagen y tipografía.
• Sinónimo de escuela tipográfica alemana, moderada, sobria,
austera, monumento a la claridad.
Max Bill (1908)
• Arquitecto suizo, (pintura, diseño escultura)
• Estudia en la Bauhaus
• De 1951 a 1956 es rector de Ulm.
Imagen Corporativa.
Imagen global:
• Política del diseño (de la empresa), diferentes soportes,
canales de comunicación.
• Cada soporte constituye una parte activa del todo
Conjunto comunicacional
• Proceso coordinado entre todas las partes en una dinámica
sinérgica.
• Imagen pregnante y acumulativa en la mente del
consumidor y su conducta.
Filosofía de la empresa  imagen de la empresa  reflejo fiel y
soporte de la
Personalidad y estilo
corporativo.
Identidad corporativa:
Sectores:
• Identidad: símbolos, impresos, etc.
• Publicidad
• Diseño industrial

15
 • Diseño editorial
• Proyectos especiales
• Relaciones exteriores
• Interiorismo
• Arquitectura.

Caso Olivetti
Fundador: camilo Olivetti (espiritu corporativo, calidad humana,
espíritu científico)
Actividades corporativas:
• Bienestar y facilidades para empleados
• Transmisión de valores estéticos, programa de exposiciones
de arte.
• Contacto con la esfera cultural: promoción de artistas
Perfeccionar la calidad de productos:
• Acrecentar la calidad estética
• Consideración por todos los elementos.
Política integrada de diseño  Imagen global.
6 departamentos:
• Identidad corporativa
• Publicidad
• Promoción y material audiovisual.
• Proyectos especiales
• Diseño industrial
• Relaciones externas.
3 Areas:
• Diseño gráfico
• Diseño Industrial
• Arquitectura.
Caso Braun
1955- colaboración con ULM (Hans Gugelot Dieter Rams) – nuevo
concepto de diseño habitos modernos de vida  nuevos
productos.
Concepto corporativo:
• Criterios muy precisos.
• Productos se distinguían de sus competidores.
• Bienes de consumo – productos buenos, modernos,
realmente útiles, funcionales, contemporáneos.
• Diseño industrial y Gráfico  principales vehículos.
Criterios fundamentales:
• Implicación de la compañía entera en el diseño.
• Público maduro
• Diseño desde adentro hacia fuera, no como embellecimiento
• Comunicación y producto
• Promoción de la identidad.
• Diseño  contribución al uso del producto, consistencia y
coherencia.

16
 • Constancia y estabilidad  comprensión del consumidor.
Productos Braun, Imagen:
• No se limita solo a la forma exterior: la solución es la
expresión visible de su proceso creador.
• Finalidades y requisitos  criterios determinantes.
• Política de diseño  adecuada y coherente, coordinación
precisa.

Braun Olivetti
• Imagen corporativa, los
productos comunican su
pertenencia .
• Objetos para el hogar,
asociación con ULM en el
55
• El objeto se construye
desde adentro hacia fuera,
no como una carcasa.
• Comunicación de su
funcionamiento
• Formas simples
• Sus objetos se acercan a
lo esencial, se desprenden
de toda interpretación, el
objeto es objeto.
• El significado es el objeto,
el sentido del objeto es su
función
• Alemania: el estado
fomenta la educación y la
difusión del diseño.
• Alemania: forma a través
de la escencia del objeto.
• Se fusiona con el arte y lo
financia, esta relación
hace que los objetos que
produce se relacionen con
el arte ideológicamente.
• Contrata diseñadores para
generar productos en vez
de tener un departamento
fijo de diseño.
• Dirigido a la
personalización. Formas
geométricas simples pero
también tocan el lado
sensible del usuario 
expresión de la persona.
• Formas no son tan
rigurosamente puras.
• El uso del color, la
relacion con el usuario los
transforman en una
extrensión de uno, objetos
queribles
• Otras variables (lo
sensible), se centra en el
objeto y no en el
mercado.
• Se preocupa por tener “lo
mejor de la epoca”
• Italia: diseño a través de
ciertas empresas y
personajes
• Italia: Buen arte aplicado
al diseño, se acerca al
producto por un lado
sensible y cálido

Ambas: good design / gutte form

• Resuelven el diseño desde una imagen totalizadora, good
design opuesto a Styling.
• Diseñador: resolvedor de problemas
• Forma a partir de la función del objeto, se rechaza el
modelo consumista americano

17
Diseño en Argentina:
Industrialización: comienza a fines del siglo 19, apogeo en durante
el modelo económico agroexportador.
1930 – se consolida el proceso de industrialización:
• Corriente inmigratoria europea, radicación de extranjeros.
• Aumento progresivo y acelerado del mercado interno.
• Inversiones inglesas: red ferroviaria, frigoríficos, explotación
de la pampa.
• Requerimiento de procesos de transformación industrial de
materias primas para la explotación de cueros, lanas y carne.
• Demanda de infraestructura y equipamiento. Optimizar
labores agrícola-ganaderos, maquinaria, vias férreas, talleres.
Antecedentes:
• Impulso dado por los inmigrantes de amplia visión y
capacidad necesaria para realizar emprendimientos (Quilmes,
bunge y born, Torcuato diTella, Siam)
1930 – nuevo modelo económico: Industrialización por sustitución
de importaciones.
• Depresión económica de 1929, perjudico las relaciones
económicas internacionales.
• Posicionamiento de EEUU como principal inversionista en
Latinoamérica: deterioró las relaciones entre argentina y
Gran Bretaña, perjudicó la exportación de carne y granos.
• Aumento de los aranceles para la importación.
• Acelerado desarrollo de la industrialización
o Fuerte demanda de mano de obra
o Crecimiento de la clase obrera
o Expansión del mercado interno
1930-1945: primera parte del proceso
• Industrias productoras de bienes de consumo,
electrodomésticos, metalurgia, elementos afines a la industria
de la construcción.
1945- fines de los 50: economía “cerrada”
Desarrollo de empresas estatales de origen militar.
Fines del ’50:
• crisis por el deterioro de maquinaria, imposibilidad de
importar insumos, para su reparación.
• Falta de infraestructura
• Instalación de filiales de empresas internacionales en el área
de industrias metalmecánica, petroquímica, producción para
el mercado interno.

Pioneros del Diseño Nacional:

Pirovano, Cesar Janello, Antonio Bonet
• Cesar Janello: arquitecto, diseño de muebles
funcionalmente prácticos, gran simplicidad formal,
reducción de componentes y materiales.
• Pirovano: Primer director del museo nacional de artes
decorativas 1937, equipamiento del hotel llao-llao,
problemática del diseño como parte del accionar político
en el plano cultural.

18
 • 1939- sillon BKF, antonio Bonet, Kurchan y Ferrari-Hardoy,
primer salon de decoradores, nombrado uno de los 100
mejores diseños del MOMA.
50’s  concepto de diseño industrial comienza a instalarse
60’s  Difusión del diseño
Electrodomésticos SIAM: imagen empresarial (productos, gráfica,
publicidad)
Figuras: Tomas Maldonado, Basilio Uribe, Hugo Kogan, Ricardo
Blanco, raíces de institucionalización del diseño en argentina.
• Tomás Maldonado:
o 1951 – revista nueva Visión, medio de difusión
o Inserción en Europa en el campo de la teoría y
enseñanza.
o Transformación de la enseñanza del diseño a partir de
una visión integradora donde las disciplinas convergen,
con un fuerte acento entre investigación y
proyectación.
• Basilio Uribe:
o Periodista, poeta, Bellas Artes, asociación de críticos de
arte.
o Crea en 1962 el centro de investigación de diseño
industrial (CIDI), dependiente del INTI.
o Acciones para la difusión y desarrollo del diseño
industrial nacional.
o Exposiciones, concursos, seminarios.
o Diseño industrial  lugar destacado entre las
manifestaciones culturales.
• Ricardo Blanco:
o Arquitecto dedicado a la docencia y práctica
profesional del diseño industrial: uno de los principales
referentes.
o Especializado en mobiliario, grafica empresarial y
diseño de luminarias.
o 1979, “oficina de diseño”, sistemas de equipamiento
escolar, hospitalario, bancos, etc.
• Hugo Kogan:
o Experiencia práctica profesional
o Bienes de consumo durables, electrodomésticos,
iluminación, equipamiento, etc.

Crónica del diseño industrial en Argentina

• Visitas del movimiento moderno en el ‘20
• Argentina  espejo de Europa, en especial Francia
• Política inmigratoria de sarmiento, llegan artesanos italianos del
gremio de la construcción.
• Producción de muebles y objetos de adorno “estilo importado”
• Primer sacudon  visita de le Corbusier: entusiasmo e
imaginación de los jóvenes arquitectos, guerra contra el
ornamento.
• Firma sueca Nordiska  objetos y muebles
• 30’ cine gran Rex de Alberto prebitsch, nuevas ideas

19
• Sacriste, Ferrari-Hardoy, Kurchan  nueva arquitectura
necesitaba un equipamiento que concordara, el arquitecto tuvo
que asumir el rol de diseñar muebles.
• CIDI: centro de investigación de diseño industrial dependiente
del INTI
Abre en 1962, su primer presidente es el ingeniero Basilio Uribe
Propósito fundamental: promover una conciencia del buen
diseño en los productos industriales por medio de:
• Exposiciones internacionales
• Cursos y seminarios
• Concursos de productos y proyectos
• Investigación y educación
• Muestra permanente

• En 1964 se crea la asociación de diseñadores industriales de la

Argentina (ADIA), primer presidente Pablo Tedeschi
significado del diseño industrial:
o Algunos opinan que incluye actividades de base artesanal.
o Otros que debe limitar su campo a la industria de
ingeniería.
o Contribución que los diseñadores pueden y deben brindar
para mejorar el entorno urbano.
o Crear conciencia entre los gobiernos de la importancia
decisiva que posee el buen diseño en la vida de los
pueblos.
• 1970  grupo de dseñadiores que se desempeñan
independientemente y son contratados por empresas en
carácter de consultores:
o Roberto napoli
o Hugo kogan
o Ricardo blanco
o Mario Mariño
Gui Bonsiepe: aportes en el plano teórico, búsqueda de la
creatividad y capacidad de innovación en paises periféricos.
• 80s  jóvenes profesionales en el campo del diseño industrial
Líneas posmodernas de Leiro, Kogan y Blanco a través de su
empresa VISIVA
Diana Cabeza  equipamiento urbano y estudio del hombre

Segunda parte
Visiones – diseño en alemania

20
Diseño aleman contemporáneo:

Crisis del vanguardismo:

Años 60:
• Cambio radical en los valores culturales
• Distanciamiento con los principios del movimiento moderno
• Sociedad de consumo  surge un mercado joven
• Optimismo generalizado, en lo económico, y tecnológico
• Revolución Pop, diversión, variedad, irreverencia, inteligencia,
moda.
• Diseñadores se esfuerzan por romper con los valores de la
generación anterior  enfoque más expresivo y audaz.
Posmodernismo Italiano e internacional
Italia  pop art  reacción contra el preeminente movimiento
moderno italiano
1966  nueva generación de arquitectos y diseñadores capaces de
estrechar los lazos con la industria, usar el diseño como un arma
política. (Natalino, frasinelli, magris, poli)
• Estudio Archizoom (firenze 1966, andrea branzi, corretti,
deganello, morozzi, bartolini)
• Grupo Strum (turin 1966)
• Grupo 9999 (Florencia 1968)
Preferían trabajar como colectivos creando diseños radicales y
entornos innovadores.
Obra de Ettore Sottsass: muebles y objetos de cerámica inspirados
en la cultura pop y el misticismo indio, rechazaban los valores de
l vanguardismo anterior.
Nuevo movimiento  ANTIDISEÑO
Valores que el movimiento moderno despreciaba:
• Lo efímero
• La ironía
• Lo kitsch
Muebles “antidiseño”: silla inflable blow, asiento sacco, lampara
bulb-bulb de ingo Maurer.
Robert Venturi: criticó el rígido formalismo del movimiento
moderno en su libro complejidades y contradicciones de la
arquitectura, que se volvio un manifiesto antidiseño.

Importancia del pop art:

• Vital importancia a la hora de trascender el conservadurismo
del moderno a pesar de haberse fundado en valores
revolucionarios
• Inyección de vitalidad para el diseño

Años 70
• Fin del dominio de un único movimiento de diseño a nivel
internacional.
• Movimiento moderno  criticado y desacreditado.
• Debate primero en el ámbito de la arquitectura, robert
Venturi, Michael Graves, inspirados en el pop art o la

21
 revitalización de los motivos clásicos y del art Decó, abrieron
el debate sobre el movimiento POSMODERNO.
• Muchas alternativas (desde el punto de vista estilístico) al
movimiento moderno  PLURALISMO, ninguna idea iba a
volver a predominar sobre las otras.
• Crisis del petróleo, coste de los plásticos.
• Interes creciente de la sociedad por los problemas
medioambientales y el reciclaje.
• Nuevas definiciones del diseñador y su relación con la
industria, desencanto respecto a la tecnología.
Años 80 :
• Diseño podría independizarse y aumentar su importancia en
el ámbito de la cultura.
• Catalizador  exposición de Memphis, Milan 1981
• Ettore Sottsass, junto con jóvenes diseñadores presentaron
una serie de muebles y objetos que trastocaron los valores
tradicionales: colores intensos, extrañas formas, adornos
peculiares, referencias a estilos pasados.
• Por primera vez el diseño se presenta sin el apoyo de la
arquitectura,
• Impacto internacional  efecto liberador  nuevo diseño

Nuevo Diseño en Alemania

Años 80  década del diseño, boom consumista
• Palabra diseño intercalada en el lenguaje comun
• Termino diseñador: radicalmente distinto a los años 50 en
ULM, basado en la gutte form y en el hi-tech
• Nueva concepción del diseño: Alchimia y Memphis
• En alemania occidental sufrio modificaciones y se convirtió
en un movimiento joven e independiente.
• Exhibiciones: “môbel perdu” 1982, “Wohnen von sinnen” 1986,
“documenta 8” 1987
Grupos de nuevo diseño aleman: Bellefast, Pentagon, Ginbande,
Stilleto, Möbel perdu, Berliner design werkstatt, Berliner Zimmer
• En alemania el énfasis estaba puesto en lo individual y en la
estilización de los componentes “artisticos”  nuevos
conceptos, nuevas formas de mirar las cosas, redefinieron los
objetos y las tradicionales ideas sobre la función.
• Derrumbar la noble comodidad en que se asentaba el diseño
neofuncionalista (Dieter Rams, Braun) muebles de
materiales no aceptados, cajas de madera,
refuncionalizaciones, Reddy-mades, etc  sombría sencillez.
• Se propusieron una funcionalidad basadas en principios
totalmente nuevos naturalidad, elementos lógicos.
o Presentaciones de elementos familiares bajo la luz de
lo no familiar.
o Enfasis en la función psicológica de los objetos,
expresaron ideologías, generaron comunicación.
o “individualismo”

22
 • “Nuevo Diseño” producto de la no conformidad, de la
provocación, más que de una tendencia

Neovanguardismo
1945 – fin de la segunda guerra  aceptar o rechazar los modelos
existentes y estilos de los diseñadores de la generación anterior.
Diseño arma para la reconstrucción de paises.
En Italia  se rechazaron algunos estilos previos a la guerra por
su relación con el fascismo, formas orgánicas.
Alemania  se retomó el diseño moderno en donde lo había
dejado la Bauhaus.
Diseñadores de fama internacional:
o Diseño orgánico: Eames, Arne Jacobsen, Robin Day, Marcelo
Nizzoli
o Neo Racionalismo: Dieter Rams, Kenneth Grange

Estudios:
Ginbande design:
1985-1995
Fundada en Frankfurt por Uwe Fischer y Klaus-Achim Heine.
• Enfoque conceptual-filosofico, nuevos interrogantes, muebles
instantaneos para nuestra instantanea forma de vida.
• Muebles que se pueden programar y desprogramar,
concebidos no propiamente para el consumo, ni para su
fabricación en serie.
• Funcionalidad programable, pura prescencia
• Muchas secuencias son necesarias para llegar a la
conformación definitiva del objeto. Por ej Tabula rasa y
Tabula Varia: situaciones distintas de funcionamiento.
• Se introduce la palabra situación: estos objetos no se definen
en un único estado, se crean sobre un número indefinido de
situaciones.
• Objetos son una especie de espectro que parte de una base
de utilización con uso específico pero contiene una
configuración espacial abierta y posible de modificarse 
sobrepasan las convenciones prefijadas, relación objeto-
sujeto
• Mesa  más estático de los muebles, a su alrededor toman
asiento de 4 a 6 personas  disolver el código prefijado, el
mueble se adapta en su tamaño de acuerdo al número de
personas que se sienten a su alrededor, sin Abandonar sus
cualidades significativas arcaicas.
• El tradicional “forma sigue la función” no se implementa
unilateralmente. Se amplia con un componente social, la
mesa comprendida como centro de reunión, utilización
abierta.
• Nueva Modestia  objetividad perseguida
• Piensa en la proyección de un espacio individual que deje
vivir todas las facetas posibles de la vida.
• Los hogares tienen que ser proyectados para transmitir
comportamientos sociales: liberación, por sobre una
convención prefijada.

23
 • Objetos: tablua rasa, Tabula Varia, Kindermöbel, Nexus

Yellow Design:
• El medioambiente como tema de diseño, diseño ecológico
• Se concentro en 2 sectores: el diseño netamente industrial y
el packaging, vinculado al área ecológica.
• Plásticos reciclados, reutilizables.
• Producto concebido para aguantar condiciones extremas
hasta volverse más valioso con las huellas del desgaste.
• Ecológico: actuar en el presente utilizando materiales
adecuados y actuar a largo plazo influyendo a través de la
estética sacando a la ecología el rótulo de lo usado, que la
tecnología apunte a la ecología.
• Productos: “crazy” packaging modular, pack de leche
condensada, etc.

Pentagon
Colonia 1985, Wolfgang Laubersheimer, Gerd Arens, Reinhard Muller,
Ralf Sommer, Meyer Voggenreiter
80’s  desarrollo de la cultura cotidiana del diseño
• Aceptación de lo provocativo o de lo que no correspondía al
ideal o a los dictados de las “buenas costumbres”.
• Pre-condiciones económicas
• Necesidad de lo individuos de conformar su propia esfera de
actuación.
Filosofia de pentagon:
• No se basaba en la producción industrial masiva, objetos
únicos, series cortas. La creación de un producto durable, o
el diseño para la producción en serie ya no eran aceptados
como criterios decisivos.
• “Arte que se hace util a si mismo” “arte aplicado”
• Ediciones limitadas, no esperaban cumplir con las
necesidades de todo el mundo.
• Verpantes Regal: (estante tenso) de laubersheimer
o Irónico y jugueton ataque a la estética del ángulo recto
o Original y convincente solucion contrutiva a un
problema actual.
o Acero sin ningun tratamiento, nueva estética de los
materiales
Laubersheimer intenta introducir elementos nuevos en el
diseño ademas de una filosofía que trascienda la forma
definida.
• Muebles con materiales muy pesados, muy fríos, muy
oscuros, etc, concebidos como grandes esculturas, impresión
manufacturera artística, de ejemplar único. Crean un paisaje
de oficina con luces de neon, acero y arena.
Pentagon  gente que viene del campo de la escultura,
constructivismo ruso y neorrealismo. Mezcla de artistas y oficina
de diseño.

Volker Albus
1949, arquitecto, especializado en mobiliario

24
 • “Socialización del arte o arte utilitario” “art to use” galería
de diseño moderno en Frankfurt.
• Para el el diseño es reflexión iluminando la lamentable
situación en que vive alemania.
• Efectuar diseños del pais: hacer objetos, luz, muebles que
reflejen su situación cotidiana.
• Alude al principio de transformación (ejemplo araña “Weaner
Blut”), representar formas tradicionales con medios modernos
de manera abierta y transparente.
• Aborda de forma ambiental, emocional y teórica, trata de
embellecer lo que ya existe en la realidad y así ofrecerlo de
nuevo, podemos decir que es un realista socialista.
Nils Holger Moorman
Empresario, productor de objetos cuyas características principales
son:
• Sencillez, nobleza de los materiales
• Aprecia las soluciones sencillas y fácilmente comprensibles.
• Eligio su sede en una aldea y no en una gran ciudad
o Utiliza artesanos y pequeños talleres
o Desarrolla los muebles en conjunto entre diseñador y
productor.

Stilleto studios:
Sillon “consumer’s rest”  objeto de uso diario, reinterpretado e
investido de una nueva función.
• Los muebles deben tener una estructura lúcida, cumplir conb
la función que se les asigna en términos dimensionales, ser
firmes, estables y sólidos desde el punto de vista industrial y
producidos en serie.
• Usar elementos tomados del ciclo cotidiano del consumidor
como material básico: tiene que ver con un renacimiento con
alma y carácter.
• No se preocupó por mejorar el producto, utiliza lo que está a
mano y ha pasado la prueba del tiempo.

Vitra: suiza 1934, Willi Fehlbaum

Compañía fabricante de muebesl (de oficina particularmente)
• Más alta calidad de disseño y manufactura (Mario Bellini,
Antonio Citterio, Phillipe Starck, Jasper Morrison)
• El diseño es el corazón de la filosofía de la empresa.
• Cuenta con un museo abierto al público con un programa
activo de exposiciones  Vitra Design Museum
Colección:
1800 piezas de mobiliario, la mayoría sillas entre 1820 y la
actualidad.
Pequeña colección de iluminación
Colección extensa de muebles de Eames incluyendo modelos y
prototipos.
Museo representa la verdadera pasión por el diseño del
propietario, empresa comprometida con el diseño.
Museo:
Actividades:

25
 • Documentación e interpretación de la historia del diseño
industrial de muebles.
• Montar exposiciones cambiantes que viajan por el mundo
• Publicar catalogos
• Organizar debates.
No recibe apoyo económico del sector privado ni público
Tendieron lazos temáticos para unir los modelos y situarlos dentro
de su contexto, objetos repartidos en grupos.
El edificio fue proyectado por Frank Gehry.
Ingo Maurer
Se lo llama “el poeta de la luz”
• Firma Gestaltung (dando forma)
• Design M
• Objetos considerados como tótems
• Evento mayor en 1993, expo en el museo Stedelijk de
Amsterdam
• Objetos: “don quijote” “Bibibibi” “Mozzquito”: basados en ideas
espontáneas, hechos con amor y con apariencia de objetos
improvisados pero funcionan perfectamente y poseen alta
tecnología en sus componentes.
• Nueva visión del mundo de pajaros volando, bulbos de
lamparas desnudos con plumas reales.
• Su lenguaje no es convencional, pura inventiva, puede
combinar elementos simples y elegantes con juguetona
ironía. Origina elementos totalmente nuevos en términos de
forma, materiales y efectos de iluminación.
• Fuente de iluminación basada en una inimitables fantasía
artística, “la intuición es más importante que la inteligencia”
Einstein
• Representa la “antimodernidad” alemana a fines de los
sesenta, serie de lamparas estilo antidiseño.

Triplemente Sencillo:
Kaufhaus des ostens: (gran tienda de occidente)
• Usar procesar y digerir todo lo que la industria produce en
todas sus formas. En todo hay potenciales piezas de
muebles esperándonos, productos semiacabados o
manufacturados a la espera de ser rearmados.
• El punto no es reciclar  aprovechar la abundancia
• Tampoco es Do It Yourself  toman lo que encuentran y
encuentran lo que necesitan  nueva calidad, nuevo poder
expresivo de las cosas, combinaciones excitantes de
materiales poco usuales.
• Barato  no necesita cadenas de montaje ni máquinas
complejas, ellos mismos ofrecen y venden sus productos.
Que es?
• Movimiento alternativo de diseño, años 80, Axel Strumpf.
Urgente necesidad de cambio, fatalismo, ironía desafiante,
“aprovechar la abundancia”

26
• Consistente sencillez, uso de elementos más simples y
materiales con montaje sencillo (aditivo) y relación directa
con el espacio de vida urbano.
• Aceptación general de profanar la rutina de trabajo y
producción.
• Productos no disfrazan el aura natural de las partes
elaboradas o semielaboradas, nada fue embellecido  “as
found en el supermercado de la construcción”
• “alimentos para el diseño”  belleza, materialidad, diversidad,
elementos que estaban alli y habíamos pasado por alto.
• Parques industriales, plantas de producción, paisaje citadino
“naturbano”, tejido de elementos estáticos y móviles,
experimentar con los sentidos, caleidoscopio de parámetros
culturales.
• Glorificación artística del panorama urbano, República Federal
de alemania  tierra incognita, red construida con criterios
tecnocráticos-programáticos con algunos elementos que
habían sobrevivido a los buenos viejos tiempos. La ciudad 
hardware elemental de la construcción. Software para el
estado anímico: profundidades de la propia cultura: Goethe,
Schiller, Beethoven.
• Espíritu de la época  fuerte pesimismo, realismo verdadero.
• Misma intención: ir más allá del mero contracto para generar
con los elementos sacados del entorno urbano una
atmósfera determinada que supiera traducir el ambiente de
la vida cotidiana concreta, experimentada a través de los
sentidos.
• Conocer la condición interna en la que el hombre
contemporáneo se encuentra, consecuencia también de la
condición de sus ciudades: volver a crear un medioambiente
para este ciudadano tan desiliusionado con su entorno,
adicto a la movilidad, para que pueda echar raices y
establecer relaciones duraderas con las personas y las cosas.
• Obras de la época: difícilmente bellas, acogedoras o
cómodas.
Estas incomodidades, externalidades figurativas o materiales,
resistir al culto de lo agradable.
Todo de la manera más directa, sencilla y auténtica posible.
• Mirar y combinar diferentes elementos contra las
convenciones (silla consumer’s rest, estante chambre d’air).
• Combinación de al menos 1 elemento inusual en el ámbito
del mueble  “dominante de sabor”, con una estructura de
soporte neutra.
• Si bien los objetos encontrados, usados, son removidos de su
contexto funcional tradicional, siguen siendo útiles de
variadas maneras, pero nunca llevados a una marginalidad
desprovista de utilidad, no se convierten en dada.
• Búsqueda conciente y no meramente casual: encuentran lo
que necesitan.
• No se ven como nostálgicos, sino como la forma de hacerse
de los elementos constructivos adecuados a fin de evitar
complicados procesos de fabricación.
27
Rudo pero cordial:
• Con los años sus cualidades se basaban menos el un poder
expresivo auto referenciado, se basaban más en los aspectos
narrativos y contextuales.
• Preocupación por condiciones prácticas y técnicas.
Años 90 – Conciliación.
Konstantin Grcic: construcción sencilla, diseño técnico elaborado
hasta el más mínimo detalle, los integra en una estética global,
carácter conciliatorio. Diferentes niveles funcionales y estructurales.
Pulido de superficies, uso de colores. Influencia de Jasper Morrison.

Diseño Italiano
Ambito de objetos de decoración  fama internacional gracias a
Archizoom, Superstudio, Alchimia, Memphis, etc, que a partir de la
segunda mitad de los años sesenta se ha lanzado a una actitud
provocadora respecto al gusto dominante para sacudir la calma
del asfixiante conformismo reinante.
• El intento de atacar dicho conformismo se hizo posible
gracias a la aparición de una elite consumista que no se
encuentra a gusto en el ambiente doméstico tradicional.
• En Italia tambien hay un diseño industrial que opera con
excelentes resultados en sectores de la industria
manufacturera, medios de transporte, electrónica de
consumo, instrumentos de informática, comunicación y
electrodomésticos.
Hay dos corrientes principales del diseño Italiano:
• Un diseño industrial inteligente, rígida y formalmente
disciplinado (El Bel Design)
• Un diseño que elude cada vez más la función de los objetos
(movimientos de contracorriente)
Italia se caracteriza por un gran contraste entre el norte
industrializado y el sur marcadamente agrícola.
• El diseño es un privilegio de los grupos de renta elevada de
las metrópolis, dado que en Italia los contrastes sociales son
más pronunciados, el número de consumidores pudientes es
más reducido. El diseño tambien es un importante factor de
exportación cultural y económico.
• Solo después de la segunda guerra mundial comenzo la
transición de la producción artesanal predominante a la
elaboración industrial.
• Otro punto importante es el fuerte compromiso polñitico e
los diseñadores italianos, los movimientos de contracorriente
de los años 60 se han de entender como una reacciónm
frente a la sociedad de consumo.
• En el contexto del desarrollo tienen importancia una serie de
revistas (casabella, domus, modo, rassegna) que divulgan
diversos aspectos del diseño y no se consideran revistas
técnicas para entendidos.

El Bell Design Italiano.

A principios de los 60 Italia arrebató el dominio al diseño
escandinavo como estilo internacional.
• A mediados de los 60 comienza el momento clave de
experimentos con materiales nuevos por parte de arquitectps

28
 y diseñadores italianos, por ejemplo los materiales sintéticos,
que tomaron la delantera.
• Mientras que en alemania los diseñadores estuvieron más
orientados hacia la economía, en Italia adoptaron una
posición crítica y distanciada frente a ella.
• El Bell design Italiano esta marcado principalmente por
innovaciones técnicas y creativas que han acabado
tipificando algunas clases de productos.
• Objetos: Silla plegable “Plia”, mesa plegable de catiglione
“Cumano”, Televisor portátil “Algo 11”, Lampara “paréntesis”
• Muchos de estos objetos se han convertido en clásicos de
las funciones indicativas del producto. El tratamiento
ingenioso de las formas, materiales, colores, determina su
imagen de manera decisiva.

Movimientos italianos de contracorriente

En el diseño italiano también es importante el compromiso de los
diseñadores en movimientos políticos.
En los años 60 se formaron diferentes grupos en Florencia y Milan
que con sus proyectos conceptuales ejercieron una inmfluencia
decisiva en el diseño.
Esta época coincide con el movimiento Hippie en Estados Unidos,
el tedio por la creciente civilización alcanzo tambien a circulos
artísticos que influidos por los escritos de Freud, abogaban por
comunidades abiertas, libres de represión e intentaron vivir según
esos modelos ideales. Fue un momento marcado por movimientos
de protesta estudiantiles .
El sillon Sacco, es uno de los productos típicos de la época, se
trata de un asiento que permite adoptar cualquier tipo de posición
de reposo, ofreciendo por lo tanto mucha libertad. Interpreta la
manera informal de sentarse de la gente joven.

Superstudio
El Florencia diciembre de 1966, bajo el liderazo de Adolfo Natalini,
• Investigar teormicamente la actividad proyectual en la
arquitectura y en el diseño
• Intento de escapar a la terrible vida cotidiana
• Todo objeto tiene además de una función práctica una
contemplativa
• Se ponía fin al mito de la racionalidad
• El grupo coopero desde los 70 con 9999, fue miembro entre
el 73/75 del global Tools y presentado en diversas trienales
de milan.
Archizoom Asociati
Florencia 1966, grupo considerado como el iniciador del antidesign
Entre los primeros miembros se encuentran, Andrea Branzi y Paolo
Deganello
• La meta de su actividad proyectual consistía en la
destrucción del carácter fetichista de los objetos. El grupo
estaba en contra de la creación de una posición social
mediante el diseño, en contra de la actitud consumista y en

29
 contra de todo lo que fuese chic en la moda el diseño y la
arquitectura.
• Se disolvió en 1974, pero su influencia en las formaciones
posteriores, alchimia y memphis no se deben pasar por alto.
• Sillon Mies 1970, anticonvencional, anticonsumista,
antielegante.
Grupo 9999
Organización de carácter didáctico establecida en Florencia, que se
puso en marcha en colaboración con superstudio.
• Una escuela privada de arquitectura conceptual.
• Estaba interesada sobre todo en el papel del teatro como
escenario para la arquitectura y el arte
• Se relaciona con el estudio publicado en 1978 de robert
Venturi, Learning from las vegas, que consideraba que la
“choza decorada” o las fachadas de los rascacielos podían
colaborad cde manera efectiva al enriquecimiento de la
imagen de la ciudad. Tambien con la piazza d’Italia de
Charles moore en nueva orlean.

El Grupo Strum
Surge a finales de los 60, en Turin y perteneció también a los
círculos intelectuales del diseño radical.
• Se nombro a si mismo arquitectura instrumental e intento
utilizar la arquitectura como medio de propaganda política.
• Tambien proyectaron muebles donde se confundían las
posibilidades variables de empleo y las asociaciones naif con
la naturaleza.
• Utilización de nuevos materiales como la espuma de
poliuretano que condujo a objetos esculturales utilizables.

Italy – “The New Domestic Landscape”

Exposición que se realizo en 1972 bajo la dirección de Emilio
Ambasz en el MOMA.
• Gracias a la presentación de todas las tendencias el diseño
italiano obtuvo reconocimiento internacional.
• No solo estaban presentes los exponentes del Bel Design
(Joe colombo, Marco zanuso, Richard Sapper, Mario Bellini)
sino también representantes del counter design como
Archizoom, Superstudio, grupos strum y 9999.
• El significado de la exposición obedecía al intento de adoptar
actitudes y nuevos modelos de convivencia humana como
punto de partida para la concepción de una serie de
ambientes de vida.

El diseño coceptual
La obra de superstudio y archizoom introdujo una nueva categoría:
el diseño conceptual.
• Se engendró en la misma época que el concept art (arte
conceptual) en las artes plásticas. En este las ideas del
artista adquirían protagonismo como conceptos intelectuales
puros. Libres de ataduras materiales estas obras existían
únicamente en la imaginación del espectador mediante
procesos mentales asociativos.

30
 • El proceso creativo es más importante que el resultado y la
vida cotidiana se sublima a través de obras de arte
singulares.
• En el diseño conceptual italiano se expresa por un lado la
esperanza política, por el otro lado se trata también de
posibilitar cambios individuales de conducta mediante los
planteamientos esbozados.
• Serie completa de categorías nuevas tanto en el arte como
en la arquitectura y el diseño: happening, performance, Live-
in, participación, comunicación, transformación, open Systems
y otras más.

Global Tools
Se fundó el 12 de enero de 1973 en la redacción de la revista
Casabella.
La fusión de grupos diferentes como Archizoom, Superstudio y 9999
y diseñadores autónomos como gaetano Pesce, Ugo La Pietra o
Ettore Sottsass, así como las revistas Casabella y Rassegna.
• Tenian como objetivos la creación de una red de talleres en
Florencia para el fomento del empleo y aplicación adecuada
de materiales técnicos naturales.
• Promocionar el libre desarrollo de la creatividad del
individuo, las revistas participantes debian hacerse eco
regularmente de los resultados.
• La implantación de esos conceptos ecológicos se relaciona
con el contexto histórico de la época que estaba
influenciado por el informe “los límites del crecimiento” que
advertía sobre la disposición limitada de materias primas.
• Nació en la escuela superior de diseño de Offenbach el
grupo Des-in que trataba esta problemática con diseños
propios.
• Sin embargo la conciencia ecológica apenas arraigo en Italia,
La fuerte individualidad de los diseñadores independientes
contradijo desde un principio la escencia de estos
programas sociales tan cuidados.
• Global Tools se deshizo sin pena ni gloria en el 75, pero el
grupo Des-in se mantuvo en actividad hasta finales de los
70.
Estas agrupaciones, tendencias y movimientos, se reunen a
menudo bajo las denominaciones de radical design , counter
design, Contradiseño o Antidesign.
Configuraron no solo en Italia la plataforma intelectual de diseño
más viva que haya existido hasta entonces y en esto reside su
trascendencia histórica.
Es verdad que su resonancia se redujo a la escena interna del
sector, pero las agrupaciones siguientes trascendieron al público
en mayor medida, ya que dominaron el campo de las relaciones
públicas.

Banal design y Redesign

Alessandro Mendini, 1978, se comienza dedicar a objetos de la vida
cotidiana.
• Las categorías burguesas de buen diseño y kitsch se
invirtieron completamente.

31
 • La cultura común se estilizo y se convirtió en cultura de
elite auténtica.
• La clase media se podía apropiar en aquel momento de
este arte banal.
• Alessandro mendini fue un decidido impulsor de este
cambio, al comenzar a reinterpretar los llamados clásicos
del diseño, que ironizaba con aplicaciones artificiales. La
transformación Alchimica se convirtió en el programa de
todo un grupo.

Alchimia
1976, Alessandro Guerreiro lo fundo en Milan
• Comenzo el trabajo con la elaboración y venta de productos
de artesanía artística.
• A partir de 1979 ofreció a los diseñadores la posibilidad de
exponer los proyectos experimentales que hacían. (Ettore
Sottsass, Alessandro Mendini, Andrea Branzi, Michele de
Lucchi)
• Uno de los primeros proyectos fue Bauhaus 1, a la que
siguió Bauhaus II, que consistían en la trivialización irónica
de la tradición Bauhaus, mediante un juego gráfico con los
muebles clásicos de la escuela.
• 1980, Mendini y Alchimia participan en “Forum Design” de
Linz. El foco de la atención fue la presentacion de los
muebles de Ettore Sottsass, que él interpretaba bajo
aspectos semióticos e histórico-artísticos de acuerdo con una
nueva iconografía.
• La idea surgió ya en 1978 en el libro Learning from las vegas
de Robert Venturi, en el que se describía e interpretaba la
simbología de la arquitectura de las ciudades lúdico-
comerciales americanas.
• Sottsass trataba de proyectar según un tipo de iconografía,
de describir objetos e imágenes no orientados a un uso
determinado, quería penetrar en el terreno de la anticultura,
la cultura de nadie. Concebía sus objetos como monumentos
que existían por si mismos.
• Alchimia participó de numerosas exposiciones en todo el
mundo. Se desarrollaron proyectos con una elevada dosis de
intuición poética, fue una especie de foro para las ideas y
teorías filosóficas propias.

Memphis
Surge en diciembre de 1980, con Ettore Sottsass, Barbara Radice,
Michele de Lucchi y Matteo Thun.
• La meta era diseñar una colección completamente nueva de
muebles, lamparas, objetos de cristal, ceramicas, que
pudieran ser producidos en modestos talleres artesanales.
• Luego se unieron arquitectos y diseñadores de todo el
mundo como: Andrea Branzi, Michael Graves, Hans Hollein,
Arata isozaki, Shiro Kuramata, Javier Mariscal, Alessandro
Mendini, Massanori Umeda.
• Memphis represento el ocaso definitivo de las tendencias
italianas de radical design o Antidesign.

32
 • No se formularon utopías ni se postuló una actitud crítica
frente a proporciones u objetos, se emprendio un intento de
sacar finalmente provecho individual .
• Lo que se pretendia en realidad era un diseño que recibiera
inspiración de contextos culturales diversos, elevara su
contenido estético y lo convirtiera en objeto. Se buscabauna
nueva sensualidad que dada su arbitrariedad pudiera
representar a cualquier continente y por ese motivo fue
declarado el nuevo “estilo internacional”.
• El contenido semántico de los objetos debía impulsar la
comunicación humana.
• Lo unico que consiguió memphis fue la posibilidad de que
otras concepciones de diseño se pudieran imponer
rápidamente junto a la doctrina oficial del funcionalismo
“form follows function”. Memphis se podía considerar como
sinónimo de diseño libre de preceptos.

Un renacimiento Moderno
Italia tubo su revolución industrial dos siglos más tarde, en los
mercados internacionales el diseño no surgió hasta después de
1945 durante el proceso de la “riconstruzione”. Período de
renovación social e industrial que trajo consigo el rechazo practico
y espiritual de la absurda pompa del fascismo.
• En Italia la autentica naturaleza del diseño surge de una
relación armónica entre la producción y la cultura.
• Milan y Turin contabam con unas circunstancias socio-
económicas que hicieron posible la aparición de una
sofisticada cultura.
• A finales de los 40 Italia había desarrollado ya un estilo de
diseño caracterizado por una elegante modificación del estilo
aerodinámico americano. (maquina lexicon 80, moto Vespa)
• El estilo se consolida y aparece además una rica y
compleja estética del mobiliario inspirada en el surrealismo y
la cultura orgánica. Algunos diseñadores se asociaron con
fabricantes, lo que trajo una fértil alianza entre arte e
industria.

Diseño en Finlandia
Diseño en el norte de Europa 1950/1970
Tras la segunda guerra mundial junto con la americana la vivienda
escandinava se convirtió en un modelo.
Con la transformación de las viviendas nacía una gran sala central
que servía para todo, crecía también la necesidad de muebles
prácticos y ligeros. Desapareció la mesa familiar y el conjunto de
sofa con dos butacas en torno al televisor se convirtió en el
nuevo lugar de reunión.
Dinamarca
• La economía danesa estaba orientada especialmente hacia la
exportación y pretendía aumentar su oferta en cuanto a la
producción de muebles.
• Gran exposición de 1930 en Estocolmo: manifestación decisiva
del estilo objetivo-funcional. La academia de bellas artes y
su director Kaare Klint desempeñaron un papel decisivo. El
criticadba el rechazo de la Bauhaus de los modelos
33
 tradicionales y en su lugar proponía que se aprendiera de
los estilos precedentes.
• A mediados de los 20 para aumentar la estimación de la
artesanía por parte del público se organizaron una serie de
exposiciones anules de mobiliario ligadas a concursos en los
que se debían crear nuevos modelos . Estas se convirtieron
en un foro de creación artística de alto nivel gracias a la
intervención de jóvenes arquitectos y estudiantes. (por
ejemplo la lampara de Poul Henningsen)
• La asombrosa continuidad en la producción, fue posible
gracias a una institución que contaba con un grupo fijo de
artesanos, arquitectos y dibujantes dedicados a la creación
de muebles. Se trataba de muebles baratos, de uso
corriente, comprados por grupos de clase media que vivian
en casas unifamiliares.
• Finn Juhl: propagó la idea de que los muebles además de
ser útiles debían poseer un carácter escultórico. Trabajó la
madera de forma plástica y puso especial interes en lograr
una forma orgánica en los puntos de transición.
• Silla hormiga de Jacobsen: paso definitivo hacia la
modernización .
Diseño Finlandes
A principios de los 50 el diseño finlandes fue adquiriendo un
carácter más escultórico y exclusivo que el del resto de los paises
nórdicos, apoyado por un eficaz sistema publicitario.
• El cristal, los muebles, la cerámica y los tejidos finlandeses
poseen cualidades especiales, entre ellos Marimekko y
Vuokko son famosos en todo el mundo por sus espléndidas
y audaces telas.
• Timo Sarpaneva: uno de los diseñadores de vidrio más
prestigiosos en Finlandia, sumamente expresivo y escultórico.
• Alvar Aalto, optó por un término medio entre las formas
modernas y los materiales tradicionales. Sus creaciones
estaban realizadas en madera con el sistema de
contrachapado moldeado. Los materiales son usados de
forma original pero nada pretencios. Tambien diseño diversas
piezas de cristal como el jarron Savoy.
Diseño Danes
Este estilo de diseño de muebles e interiores esta basado en
formas escultóricas y en el uso de materiales naturales
(especialmente la madera de teca). Dinamarca posee una
importante tradición en el diseño de muebles y en los años 50
tenía la fama de una ejecución impecable y el esmero con que
estaban realizados los detalles. El diseño Danes se centra en los
muebles pero también en utensilios de cocina y de mesa.
• Georg Jensen: diseño de platos y cubiertos
• Kaare klint: nuevo diseño de la tumbona tradicional conforme
a criterios más afines a la estética de principio de siglo.
Sillas safari, ligeras, compactas, desmontables, uno de los
primeros muebles que se vendieron desmontados para lograr
una fácil distribución.
• Hans Wegner: Silla 501, conocida con “la silla”, realizada en
materiales totalmente naturales, se caracterizaba por una
notable síntesis de elegancia y cuidada ejecución con forma
austera y armoniosa.
34
 • Henning Koppel: disenador de objetos de plata, cristal y
acero inoxidable, su manera de tratar los materiales se
caracteriza por un fuerte sentido de las formas orgánicas.
Sus diseños evocan un expíritu refinado y a la vez popular
de los interiores escandinavos de los años 50
• Poul Kjaerholm: Utilizacion se formas muy sencillas, puras,
elegantes, pero sus llamativas combinaciones de acero,
mimbre, y piel de cabra creaban una variedad de contrastes
y texturas que complementaban la austeridad del diseño.
• Arne Jacobsen: asientos Ant, Swan y Egg.
Diseño en Suecia:
Años 40 generacion pionera de ingenieros explora nuevos
materiales que dan como resultado herramientas, maquinaria,
vehiculos y artículos domésticos que por sus características
formales y tecnológicas son representativos de una nueva
identidad de diseño sueco.
Cabe destacar a Sixten Sasson diseñador del SAAB, Alvar Lenning
y Hugo Lindstrom  artículos para el hogar Electrolux.
Hoy: numero creciente de empresas suecas como: Volvo, Saab,
Electrolux, Atlas Copco, Gustavsberg, Ericsson, Bahco, etc.
Oficinas de diseño industrial:
• A y E design de tom Ahlström y Hans Ehrich, equipo
desarrollado para hospitales e instituciones para minusválidos
y de seguridad, combinando un especial talento artístico con
una preparación tecnológica muy amplia.
• Ergonomi design Gruppen: se ha caracterizado por resolver
problemas directamente relacionados con la ergonomía,
diseñando herramientas, equipos y utensilios domésticos que
han satisfecho las necesidades de seguridad y confort de
niños, obreros y personas con deficiencias fisicas.

Empresas:
• Lego: Dinamarca
• Fiskars: Finlandia, forja de mesa, cuchillos y tijeras de alta
calidad, 1963 serie de tijeras O-series de mango naranja.
Ganadora de numerosos premios de diseño y relfejo del
compromiso con la aplicación sistemática y de calidad del
principio ergonómico que resulta en productos de uso fácil,
seguro y agradable.
• Littala: (finlandia) desde la decada del 30 centro su
producción en el soplado de vidrio. Fabrico una cristalería
funcional ade aino Aalto y el famoso jarron savoy de Alvar.
Tambien el jarron kantarelli de Tapio Wirkalla.
• Bodum: Copenhague, productos domésticos de diseño simple,
efectivo y sin adornos así como el uso de materiales
modernos apropiados para crear productos de uso diario a
un precio razonable.
• Gustavsberg: (suecia)
• Ikea (suecia)
• Volvo (suecia)
• Stelton (Dinamarca)
• Saab (suecia)

35
Diseño en Japon
Diseño japones desde la segunda posguerra
Compuesto por unas 300 islas que forman un arco de 2300 km
sobre el pacífico. El proceso de apertura comercial comienza a
medidados del siglo XIX que provoca la caida del regimen Feudal
existente bajo el dominio de los shogunes terminando con dos
siglos de aislamiento del mundo exterior.
1867 es derrocado el ultimo shogun y Matsu Hito asume como
emperador y rige hasta 1912, período conocido como Meiji (reinado
ilustrado). Su contacto con occidente fue fundamental para generar
cambios:
• Abolió el regimen feudal y la servidumbre, los feudos fueros
reemplazados por distritos administrativos,
• Igualdad juridica para todos los japoneses
• Becas para viajes de estudio al extranjero.
• Convoco a técnicos y asesores europeos.
• Establecio el servicio militar obligatorio y reestructuró el
ejercito según los modelos francés y prusiano.
• Fundo el banco de japon y creo el ministerio de economía
con moneda oficial el yen.
• Organizo la enseñanza obligatoria
• Seguridad (policia)
• Organizo sistema legal
• Servicios postales y de salud según modelos americanos y
europeos
• Anulo las pensiones y otros derechos a los samurais.
• Decreto y financio nuevas empresas (mineria, ingenieria,
armamentos, municiones)
Japon participa por primera vez en 1873 en la gran exposición
idustrial de Viena, el gobierno alienta la producción de trabajos
para la exportación.
Se cambian las formas tradicionales para competir en el mercado
occidental. Pero luego de la euforia del cambio y la
occidentalización comienza un movimiento más conservador que
incito a que el arte tradicional japonés sea preservado.
En 1889 se abre en Tokio la escuela de Bellas Artes, esto elevo el
prestigio de la artesanía tradicional japonesa.
Artistas y artesanos se fueron a estudiar al extranjero, e
intentaron introducir cambios. Dos instituciones tuvieron una gran
influencia: el deutscher Wekbund y la Bauhaus, Mizutani junto con
Iwao Yamawaki fueron los principales gestores de le enseñanza
según el modelo bauhausiano y establecieron la academia de
Arquitectura y Artes industriales en Tokio.
• En 1928 un grupo de estudiantes se unieron para establecer
los Talleres de Forma (Keiji Kobo), sus miembros planearon
producir mobiliario, artefactos de iluminación, cerámicas y
cristalería.
• El arquitecto Bruno Taut en la primavera del 1933 huyo del
regimen nazi y viajo a Japón y quedo maravillado con las
casas tradicionales japonesas de madera y papel, por su
modernidad, su limpieza de líneas, sus perfectas proporciones
y la lógica modular del tatami. Expresó su entusiasmo en el
libro “Japón, visto con ojos europeos” que fue importante

36
 para cambiar el concepto que los japoneses tenían de su
propia tradición arquitectónica. Taut criticó la tendencia de
los diseñadores del Instituto de producir imitaciones de los
productos europeos en vez de usar su inspiración y recursos
de su rica historia.
• 1941 – exposición: “tradición, selección, creación” charlotte
Perriande presentó sus piezas inspiradas en los trabajos
japoneses.
• Despues de la segunda guerra Japon sufre la primera
experiencia de ocupación por una fuerza extranjera, la
americana. El cuartel general americano encargo al instituto
de Artes Industriales muebles y equipamiento para 200000
viviendas para su personal. El instituto también coordino la
producción de productos eléctricos en conjunto con las
empresas Toshiba, Mitsubishi, y otras. La industria japonesa
tuvo un efecto disparador debido a las ordenes de
producción del cuartel general americano.

Diseño Japones desde 1945

Luego de la segunda guerra Japón emergió de una total
devastación para convertirse en uno de los más importantes
productores industriales.
Se pueden reconocer 4 fases:
• Epoca de la escasez: desde 1945 hasta 1959, a pesar de
ser una epoca dura se dio el auge de la compra de
automóviles de uso personal y familiar
• Epoca de la Difusión: desde 1959 hasta la crisis del
petróleo en 1973, comenzó a crecer constantemente la
fabricación de viviendas. En el año 60 comienza un gran
crecimiento que trae el aumento del valor de la tierra.
• Epoca de la Autosuficiencia: desde 1973 hasta la union de
las dos alemanias en 1990.
• Epoca de la selección rigurosa desde 1991 hasta ahora.

• durante esta epoca el rotulo de “hecho en japon” implicaba

productos que eran considerados baratos y de mala calidad.
La organización comercial Exterior de Japón (Japan external
trade Organization) conocida como JETRO, convertida en una
herramienta del Ministerio de Industria y Comercio Exterior
(Ministry of International Trade and Industry) conocido como
MITI, envían a estudiantes al exterior con la finalidad de
estudiar diseño e invita a diseñadores extranjeros a visitar el
pais.

El Instituto de Arte Industrial IAI tuvo como objetivos el

desarrollo y promocion de las exportaciones la investigación
de la pequeña y mediana empresa japonesa y el control de
calidad de los materiales y de nuevas tecnicas.
1953 – primer radio de transistores
1957 – se crea la Marca “G” (G mark) para controlar los
problemas de la piratería e impulsar los diseños innovadores.
Se establecieron distintas organizaciones de promoción y
protección del diseño y la propiedad intelectual. Tiuvo
efectos positivos ya que permitió incentivar la importación
de tecnología e incorporar nuevos mercados.

37
 Los diseñadores eran contratados como consultores para
mejorar la imagen de los productos entre ellos: Kosugi
(Mazda), Kamekura (Nikon) Yanagi (Porcelana Tajimi).
Convocaron a Raymond Loewy y Walter Gropius fue otro de
los visitantes importantes que influyeron en japon.
En cuanto a mobiliario Tendo Mokko fue una compañía de
vanguardia, muebles de madera laminada y termoformada
(sori Yanagi, Banqueta Butterfly)
• Epoca de la difusión: se realizaron multiples exposiciones,
tendo mokko auspicio el primero concurso de diseño de
muebles del pais.
Debates sobre como se definía el Good Design, al mismo
tiempo que adherían al movimiento moderno se abrian
discusiones acerca de su validez y el recupero o no de sus
tradiciones.
Combinando los elementos del diseño tradicional y las
técnicas de la artesanía de la industria moderna fue
estableciendo una clara identidad nacional.
Decadas del 60 y 70 – realización de su propia estética
mediante la alta tecnología de sus productos, minaturización,
precisión.
La nueva fabricación que logro producir lo convirtió en un
poder económico mundial en donde se generaron
importantes empresas como: Sony Corporation, Honda motor
company.
Las firmas electrónicas impulsaron una constante y rápida
innovación tecnológica para hacer sus productos mejores y
con el tiempo cada vez más pequeños e increíblemente
funcionales.
• Epoca de la autosuficiencia: se creo la fundacion de diseño
del Japón para financiar un programa de intercambio
internacional de las actividades referentes al diseño.
• Epoca de la selección rigurosa: cuando la recesión en
occidente se extendió a Japón todos los países industriales
entraron simultáneamente en una etapa de recesión. El
estado desarrollo una política de lineamientos para el
estudio, la práctica , la promoción y el intercambio
internacional de diseño. Una de las características
perdurables del diseño japonés es la habilidad para hacer
uso simultáneamente de lo tradicional y lo moderno.
Conclusión:
• Japón toma contacto con occidente en la segunda mitad del
siglo XIX. A partir de su participación en las grandes
exposiciones tratará de adecuar su producción para poder
expandir su mercado hacia occidente.
• Su “buen diseño” se basa más en el pragmatismo anglosajón
del Good Design que en el racionalismo aleman “Gute Form”.
• La industria japonesa se concentro en pocos campos con la
finalidad de que en el menor tiempo posible se pueda
obtener un máximo rendimiento.
• Inicialmente los diseños se desarrollaban modificando
productos de empresas extranjeras, paulatinamente fueron
alcanzando un gran desarrollo tecnológico, concentrándose
en la miniaturización.

38
 • Se desarrollo tambien de manera muy importante la
industria automotriz y la de electrodomésitcos.
• La década del 50 fue el despegue de la industria japonesa
• En los 60 comienza el apogeo del consumo japones a través
de electrodomésticos, artículos de confort y automóviles.
• En los 70 diseñadores japoneese van a Europa sumandose a
los grupos de reacción al racionalismo (pop, antidiseño,
posmodernismo, etc)
• En la decada del 80 la industria japonesa contrató a estudios
de diseñadores europeos para desarollar algunos productos.
• Coexistían los productos de buen diseño y los que se
realizaron como reacción a estos principios, los diseñadores
japoneses se volcaron a la diversidad.

Diseño contemporáneo
Stallinga
Texto de Murray Moss:
Los americanos son muy prácticos, con tendencia hacia lo muy
literal, prefieren que los objetos sean lo que aparentan. Esperan
del arte que esté expuesto en un museo y no que forme parte de
una silla. No les gusta el desorden, no les gusta ser confundidos y
ciertamente no quieren que se los lleve a un objetivo inapropiado.
Por otro lado también les gusta aprender, crecer, expandir sus
horizontes. Quieren más de todo y todo, cualquier cosa nueva,
todo lo nuevo. Tienen una habilidad especial para la apropiación
cultural.
Esto explica que tengan una relación de amor/odio con Henk
Stallinga.
Comenzando por el odio, este puede resultar de una confusión
entre arte y comercio, o entre el arte y el producto funcional
inherente al trabajo de henk, pero también a la confusión
resultante por el uso de un objeto icónico reconocible para un
propósito completamente diferente al que hemos aprendido a
esperar.
A los americanos no les gusta descubrir que las palas de basura
sean carteras, o que los martillos sean percheros, les perturba el
hecho de que el clockwork orange de henk venga con un péndulo
totalmente innecesario para un reloj que funciona a bateria, pero
incluido para señalar una función absolutamente diferente a la del
tiempo y que es en realidad un elemento de confort visual que
completa la idea de reloj.
Estos objetos camaleónicos confirman las sospechas de que las
artes visuales y el diseño industrial se ha convertido en un juego
de equívocos tangibles o elementos de doble lectura. Juzgando
desde ”la forma sigue ala función”, los diseñadores subvierten la
idea básica, descubriendo entre las formas íconos, funciones
notoriamente diferentes a las que nosotros sabíamos para las que
habían sido creadas. En el territorio de Henk vamos a través del
espejo de Alicia, donde las cosas se convierten en otras.
Pasando a la parte del amor, aun queriendo “mas”, aún queriendo
lo nuevo, aún siendo fndamentalmente prácticos y “frugales” es
delicioso descubrir que nuestros viejos amigos tienen en realidad
multiples personalidades. No es económico envasar tantos
significados en un solo objeto?
El problema es que estos objetos, transformados, cargados de
significados, estos íconos manipuleados, estas caras familiares

39
repensadas pintadas de una nueva manera, esculpidas para tomar
una personalidad diferente, nos hacen acordar a estos
problemáticos artefactos llamados arte.
A través de estos simples e humildes objetos queremos que
nuestro arte sea hallado donde nosotros esperabamos encontrarlo,
para que no nos encuentre con la guardia baja. Sin embargo Henk
nos asegura que del otro lado del espejo es donde deberíamos
estar, porque todo allí es extrañamente familiar.

Starck
El concepto global de lo que desde los 50 se denomina imagen
corporativa, en starck la corporación es el mismo, la cara visible
de su propia compañía. Pero también podemos ver mucho más, su
mirada del mundo, una mirada sarcástica y ácida de su propio
medio.
Starck antes que nada es starck, es dificl pènsar en el como
diseñador sin pensar en el personaje y viceversa. El hecho de que
él mismo sea la portada de sus libros, que sus objetos aparezcan
en ellos interactuando con el.
Starck se presenta como sujeto y objeto, como sujeto y producto,
como producto y objeto, entrecruzando estos dos conceptos.
Los objetos diseñados por el siempre llevan su firma y por esta
razon, la de ser objetos de consumo, es por la que es producto,
starck vende por ser el mismo.
Su postura frente al personaje se la toma con humor, no se
vanagloria, se rie de el mismo y esto le permite reirse del otro, de
nosotros.
Sus productos
Ya sea innovación tecnológia, morfológica, material, estructural, o
semiótica, cada producto tiene su lugar donde se vislumbra su
magia, inteligencia o ironía. Siempre hay algun aspecto del
producto que nos despierta una sonrisa. Nos cuestiona, nos
presiona, nos seduce, no podemos negar que sus objetos no pasan
desapercibidos, se muestran a si mismos como presentes, con
vida, sutileza y un gran sarcasmo. Genera un discurso articulado
entre la visión global y la visión particular. Esta ambigüedad
estructura nuestro campo objetual en esta contradicción.
Sus productos no dejan de ser fruto de la producción, no dejan de
representar la etica/estetica de la sociedad de mercado en la que
estan y esta inserto el mismo, en la que el eje central es el
objeto como producido, no ya como consumido.
La separación entitativa, el doble juego de la geometría estricta
(generalmente aplicada a materiales y procesos que no la
requieren) y la organicidad geométrica (generalmente aplicada a
materiales y procesos que requieren de una geometría polliédrica)
conjugan la ironía propia de las características semiótico
productivas actuales. El objeto como símbolo ya no representa las
necesidades del consumidor, sino que su origen formal (semántico
estructural) es parte de las características de la producción actual.
En sus objetos que parecen contradecir la promulgada “función”
termina sucediendo todo lo contrario, es en estos donde la función
se hace más evidente.
Protagonista y Proyectista
Morfologías orgánicas a perfiles alares, pasando por analogías y
actualización del mobiliario de estilo. Recursos formales
sumamente expresivos, curiosos, encantadores.
Cuando el asiento de polímero inyectado cobra volumen aludiendo
a un tapizado y a su vez resuelve uniones de patas y respaldo de

40
una silla desarmable, cuando obtiene elegantes muebles de metal
o de inyección, enriqueciendo la percepción de calidad de los
productos.
La exploración del potencial expresivo de materiales y técnicas de
producción que le permiten articular el bagaje semántico a través
de una síntesis sumamente cuidada. En estos parámetros es
donde la producción de starck cobra espesor, profundidad, es
donde aporta valor y dota a sus proyectos de efectividad
sociocultural.
Reintroduce el concepto de disfrute, provoca contraste frente a la
tipología existente, solventando la fama de transgresor. Produce
valor agregado cuando firma un electrodoméstico o cuando
aparece interactuando con sus objetos.
Fue uno de los protagonistas del boom de diseño de los 90, se
posicionó en una sociedad de culto personalista. Se destaca en un
publicitado circuito que tolera cierta incomodidad o ciertas
falencias de uso porque se consume no para usar, se consume
como signo.

Droog Design
Droog design – el espíritu de los 90
Debut en la primavera de 1993 en la feria internacional del
muebles de Milan.
Lagunos ítems de la colección tienen aire de manifiesto, son tan
complejos o experimentales que están destinados a permanecer
en la etapa de prototipo. En cambio otros están siendo producidos
en serie. Los criterios son flexibles, conformados por desarrollos en
la cultura del producto y en cualquier dirección a la cial los
diseñadores se esten dirigiendo. Todo es posible, y el foco esta
modificándose paulatinamente.
Eleccion de los productos sin tomar en cuenta su potencial para la
producción industruial y éxito en el mercado, no es que desdeñen
esa posibilidad. La penetración en la realidad de la demanda y la
satisfacción del mercado es de importancia inestimable, sin ello
hay peligro de aislamiento.
Tienen comisiones de empresas internacionales, tanto para
proyectos experimentales como para desarrollo realísticos de
productos. Tales comisiones estimulan la interacción entre diseño
creativo y la realidad de la producción y del mercado.

Nothing cooler than dry

Droog apareció como un sutil y poderoso exponente de l momento
que la comunidad del diseño reconoció inmediatamente.
Entre los primeros objetos se encontraban una serie de propuestas
que parecían accidentes de diseño, como los cajones de Tejo
Remy y la Rag chair, ambos atados con cinturones. No eran
precisamente diseños amigables.
El mensaje no estaba dicho pero era claro, y el éxito de droog
estaba en lo apropiado de la colección como un todo.
Luego de la muestrra de 1993 y la participación en Milan,
diseñadores, criticos, curadores, escritores fijaron su atención en
droog guiados primeramente mas por el instincto que por la razón.
Droog es la palabra holandesa que significa seco, droog llego en
un momento en el que nadie estaba preparado para seguir
tolerando la redundancia. Muchos lo han marcado como el
iniciador del neo-minimalismo, una revolución que ha bajado la
presión arterial y ha convertido a los humanos en más calmos.

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La tecnología ya no es el ícono más elevado glorificado y
complejo de la manera del acero inoxidable en los 80, pero esta
siendo apreciada por la habilidad para simplificar nuestro
panorama visual y material.
Los objetos son cada vez más pequeños, más personalizados, con
interfaces más fáciles de operar. El progreso mismo de la
tecnología permite más variaciones y grados de libertad utilizando
el mismo proceso de fabricación, creando un mundo material
mucho más rico.
Una segunda conclusión muestra que el high-tech puede cohabitar
en una sinergia pacífica con el low-tech. Una vida más limpia es
el objetivo. El oficio no es más considerado como reaccionario, los
materiales avanzados como las fibras aramídicas de knotted chair
de marcel wanders, pueden ser adaptadas y usadas por los
diseñadores. Algunos de los materiales de última tecnología
necesitan de la mano del artesanado, haciendo que se unan el hi
y el low tech.

El espiritu de los 90
Del diseño sin limites a una vuelta a lo básico
Hemos llegado a un punto en que el nuevo diseño no es ya
meramente una expresión esporádica de grupos marginales. Han
pasado 10 años de experimentación particularmente fructífera, una
confrontación total con el diseño racional y analítico que se habia
desarrollado desde la Bauhaus. Los valores psicológicos, simbólicos,
y poéticos del producto ahora aparecieron en escena y en primer
plano. Los diseñadores se alimentaron avidamente de todo recurso
posible y no hesitaron en combinarlos: alta cultura, baja cultura,
domesticos, extranjeros, presente y pasado, alta tecnología y
artesanía. Las reglas del buen gusto fueron disparadas en todas
las direcciones. Intuición, fantasía, todo era posible.
En los 80 la anarquía del diseño habia cubierto Europa occidental
y cada pais tenia su version propia. El nuevo diseño era
heterogeneo, un caldero de expresiones individuales. Los
desarrollos del nuevo diseño en los 90, como se manifiestan en
droog, estan inseparablemente ligados al diseño revolucionario de
la decada anterior, pero la receta era completamente diferente.
Para la mayoria de los paises europeos la ruptura con el diseño
tradicional apareció subitamente. No así en Italia, su fuente yacia
en la cultura pop de los 60. Alchimia fue entendida como un
laboratorio experimental de fusion de siciplinas visuales, era como
diseñar objetos que iban a emerger inmediatamente de la
hibernación.

Sobriedad y obstinación.
“menos es mas” la expresión de mies le dio a benno premsela
una definición precisa de la identidad holandesa. Los productos
diseñados del 30 al 90 eran invariablemente neutros, claramente
recortados y rectilineos formalmente.
Observando la producción sin solucion de continuidad de formas
abstractas y geométricas la comparación con el paisaje rural de
los paises bajos es evidente: ninguna montaña, ni selvas, sino una
composición artificial de “Holders” con líneas rectas y formas
simples. Ningun detalle ha sido dejado de lado, en un paisaje
mayoritariamente arrebatado por agua y mantenido en equilibrio
por un sistema de ingeniería hidráulica, el planeamiento cuidadoso
es una necesidad imperiosa.

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La tendencia y la necesidad de dominar manipular la estructura
de la naturaleza es una parte inseparable de la cultura holandesa
de modo que su relacion con esta es básicamente funcional. Su
necesidad de regular todo aparece sublimado en la obra de Piet
Mondrian, su busqueda de claridad, orden estético, reducción y
pureza no constituye un fenómeno aislado, la geometría corre
como un leit motiv en el diseño holandes.
Tambien se puede encontrar una relacion con el espíritu mercantil
y con el calvinismo. Antiguamente los holandeses eran una nacion
de comerciantes y predicadores, siendo los comerciantes y los
burgueses la clase media alta. Esta era una capa librepensadora,
que adheria a un protestantismo moderado y liberal. Los
predicadores representaban el calvinismo estricto y ortodoxo que
encontro mayor favor entre las clases bajas.
Ambos grupos participaban de una mentalidad sobria y frugal, los
holandeses no son generalmente dados a la ostentación. Los
símbolos de poder y status significaron poco en los paises bajos.
En la decada del 90, las reacciones de las profesiones del diseño
estuvieron ligadas con materiales nobles, detalles cuidados,
terminaciones perfectas.
Piet Hein Eek  armario construido con listones de madera de
pisos de casas destinadas a demolición, queria demostrar que aun
materiales no-nobles podían generar productos atractivos.
Tejo Remy  se adelanto a los limites, no deseaba diseñar, queria
empezar de nuevo, produciendo objetos a base de lo que podia
encontrar. Esto no solo critica al estado del diseño establecido, sio
tambien a la fruición relacionada con los objetos y al consumismo
excesivo de nuestra sociedad.
Hella Jongerius  jarron de poliuretano blando, en lugar de
inventar una nueva forma para ajustarse a un material dadoutilizo
una forma clasica enraizada en la ceramica, si la forma de este
jarron es suficientemente familiar la combinación de la forma y el
material no lo es. El jarron no esconde nada, los rastros de su
fabricación son visibles, no hay nada que nos informe acerca de la
antigüedad del objeto.
No todo requiere se rediseñado, a veces es mejor dejar las cosas
como estan. El dilema entre el respeto por la tradición y el deseo
de productos perdurables frente al anhelo de novedades nunca ser
aresuelto. El publico desea tener objetos nuevos y las empresas
necesitan seguir innovando.
Según Marcel Wanders: usar simplemente los objetos no es
suficiente, los objetos no deberian mostrar rasgos de desgaste,
sino permanecer bellos a pesar de ello. Propone agregar metaforas
de uso, como en su silla anudada, que une una antigua tecnica de
macrame con fibras hi-tech. El tejido le da a la silla no un
aspecto usado sino uno de algo familiar, como si hubiese estado
ahí por años.
La logica seria combinar ambos, lo familiar aplicado a una forma
nueva. En efecto todo se da alrededor de la relacion entre el
usuario y los productos, en los 90 el acento se traslada al
reconocimiento de lo familiar, objetos usuales de todos los dias
que toman una nueva apariencia.
A veces es necesario conocer la historia por detrás de un
producto para conocer su significado ultimo. Cada epoca tiene sus
propias ideas, sus propios impulsos y sus propios criterior
(zeitgeist), la imperfección puede generar objetos atractivos, la
perfeccion tecnica tambien puede resultar en una apariencia poco

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pulida, lo importante no es la naturaleza de los principios de
diseño, ya que estos pueden cambiar, sino el valor de la idea
atrás del diseño.

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